Les Adieux

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Les Adieux.

He pensado incontables ocasiones acerca de las despedidas.
De tanto escudriñar llegué a una conclusión;
Ellas con su manto son idénticas a la naturaleza.
Habitan entre nubladas estepas, otras empapadas con frialdad ártica, llana y raquítica envuelven la irrepetible despedida,
las hay teñidas de color desierto, áridas y mudas,
incluso llegan a ser coléricos discursos donde lo incineramos todo,
sin embargo para otros se contemplan como alboradas,
siendo solemnes ceremonias de proporciones primaverales,
semejantes a brotes de Nardos, incesantes bríos multiplicados incansablemente durante el día y la noche.

 Yo,
las he vivido en todos sus aromas existentes,
han sido compañeras maltrechas,
otras frutos inconclusos,
algunas más coléricas que otras salpicaron mí pasado,
escupiendo una voz tempestivamente grotesca hirieron al remanente que nos queda y al cual llamamos recuerdo,  yo, tú  y algunos otros llevamos la memoria entre puñales.

Parecíamos inseparables ellas conmigo, yo con ellas,
hasta que reconocí ésas que alimentan al alma y no al remordimiento,
son ellas las ceremonias desbordadas  entre tonalidades de Abril semejantes a semillas ya germinadas.

Reconozco que:
Acerca de las inconclusas y sus tormentos,
Son ellas como un choque en el rompeolas, trance repetitivo vaivén nutrido de un frenesí doliente entre rocas.
Que con cada golpe viene una erosión irreparable.
voy plomizo ante tanta andanza y desencanto,
intento esconderme de ellas;
ya sea detrás de un inquieto arbusto, detrás de todo un continente,
sin duda,
ellas,
las despedidas siempre me encuentran y pienso:
–Todo son lecciones pues un río no canta sin su eco, yo de día/noche siempre camino con mi sombra; y aquel desolado eco de montaña no es mudo pues alimenta a todas las Araucanias, a las floridas Retamas sin llegar a olvidar al espinoso Cardo–

Así me ha sucedido,
Todos los cantos de Ceremonias me han encontrado,
me perforan,
me llegan,
me acusan,
me habitan,
las acepto y conservo en mi rincón Pardo
Al ellas desenterrarme nace una sonrisa llena de pureza, voy en plenitud despierta de todos mis sentidos,
¡destellantes!
apuntando siempre al azul cielo.
Tales ceremonias me transforman,
son la sal del océano,
el fruto del árbol,
la sangre en la herida.
Para mis ojos, somos inseparables.
Las despedidas alimento que permite seguir caminando,observando…
Meditabundo voy,
Pareciese que mi vida por momentos sólo se convierte en desprendimientos,
Ser un testigo vivencial de mi propio  desmembramiento,
tan parecida a la naturaleza misma con ojos de estruendo al observarnos,
Ella madre creadora atestiguando nuestros  lánguidos y cíclicos infortunios pues quien a muletas se traslada lleva aquel punzante peso de la herencia.
Por largos lapsos así pareciese nos embarcamos, navegamos sin mástil ni direcciones.
Confirmo que no solo de dolor se habla, existen tantas glorias pasajeras e ínfimos frutos de felicidad, aprendamos pues que:
–Ningún llanto es eterno y el desprendimiento es el síntoma vital de la naturaleza–
Ella, se fortalece en silencio,
¡lo mismo comienzo a practicar yo!
que en tantas ocasiones
he callado, tantas otras enardecí como tormenta,
sigo aprendiendo el arte de vivir, mi deseo es conquistar mí propia cumbre
Aun me falta toda otra vida para lograrlo
ya que mi montaña es tan escarpada como la cordillera andina.
Agradezco que viva esta ceremonia, este adiós pasajero, pues sin él jamás nos hubiésemos encontrado, mil gracias al inamovible pasado, a mis muertos y a los que renacieron.
Allí donde esté mi vuelo también tendrán un nido en el cual reposar apaciblemente.
Me llevo su fortaleza y su comunión,
Toda mi gratitud
Todas mi sonrisas… todos mis silencios para ustedes.

 

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Ilustraciones por: Diáfana & Niña Arbol

Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

Tadanori Yokoo: Ilustración japonesa

Gracias a la tecnología y a toda esa parafernalia moderna a la que muchos, sino es que todos, tenemos acceso, se pueden consultar un sinfín de artistas, ilustraciones, fotografías, música, ropa, imágenes, escritos… conocimiento.

 Es grato encontrar en la página oficial del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) infinidad de opciones para consultar, percibir y consumir. Esta nueva brecha tecnológica hace que la información y el conocimiento estén a dos o tres clicks de distancia. Quizá haya factores que no permitan a un lector consumir arte por medio de la web, pero debemos darnos cuenta que este medio está presente; y si lo comparamos con el consumo de arte de 1960 es cosa de locos pensar que en tu casa puedes ver y conocer las principales tendencias artísticas de la época.

crédito: MoMA & Tadanori Yokoo
Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

 Justamente en este espacio web, encontré a un ilustrador que tuvo su máxima expresión en las décadas de los 60 y 70. Se trata de Tadanori Yokoo, de origen japonés, que manifestó en sus ilustraciones la ideología de los años vividos, dibujos atemporales que sobreponen alguna “normatividad” estética, sus collages, su dominio del pincel permitió a Yokoo ser uno de los ilustradores más importantes de su época.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Sin duda el uso del cartel como propaganda fue parteaguas para que este artista pudiera materializar sus ideas y conceptos  en papel. La inspiración se da de los carteles propagandísticos de la guerra. Si bien dicha inspiración no es tan explícita, el cartel fue parte fundamental de la ideologización de los ciudadanos a lo largo de la segunda guerra mundial.

El MoMA rescata alguna de sus ilustraciones y en ellas se puede observar un halo de protesta, rebeldía y sobretodo una interpretación de la realidad bastante descabellada. Pero, ¿descabellada para quién? ¿para mí? Quizá lo sea gracias a al rompimiento estético de las normas “occidentales” de belleza, algo no necesariamente debe ser bello o feo para ser interesante y, sin alguna duda, el trabajo de Tadanori Yokoo es interesante. Los juicios que yo podría otorgar a su trabajo serán congruentes o no a las diferentes posturas que los lectores perciban en su obra. Lo importante es cómo y con qué contexto lo percibe quien lee ahora estas líneas.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Es importante a su vez considerar estos nuevos espacios digitales para consumir arte, ya sea una galería en internet o las pequeñas exhibiciones que podrían curarse en la web de los museos más importantes del mundo, esta nueva oportunidad que nos brinda “la era moderna” no debe dejarse pasar desapercibida.

 Yokoo es un ilustrador japonés que emigró a Japón en los 60 para iniciar su carrera de diseñador. Él fue uno de los responsables de crear las famosas ilustraciones de obras de teatro presentadas en aquél país. Los dibujos de Tadanori exponen la vida diaria de los japoneses y en su técnica se ha usado la fotografía para crear collages con toque tradicionalista. A su vez, su trabajo intervino en varias revistas en 1970 y 1980 con pósters con gran carga psicodélica y vanguardista. Su trabajo se ha visto en la obra de Yukio Mishima, en producciones de las óperas de Richard Wagner y como portada del disco “Amigos” del guitarrista Santana.

Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

JOURS DE PAPIER: La sensual vida de Tania y Esteban

La vida en pareja suele ser algo complejo, que requiere mucha paciencia, amor y humor. Justamente Jours de Papier refleja esto.

 Se trata de una tira cómica completamente anecdótica de la vida en pareja de Tanía Camacho una dibujante, ilustradora y animadora y Esteban Martínez un programador, nutriólogo y chef; otros personajes recurrentes son su gatita Tita de 7 años que, como ellos mismos la describen, se la pasa echando la hueva, además de un peluche, el Señor Rodríguez que tiene personalidad propia y le gusta tocar a Esteban de formas inapropiadas.

 El humor de Jours de Papier es simple, y ha sido clave de su éxito pues los fans de esta tira se sienten identificados.

 Esta ingeniosa tira surge cuando Tania y Esteban tenían un diario en el que escribían pequeños detalles, vivencias y dibujos que a la pareja le acontecían, éste no era privado así que a uno de sus conocidos le pareció tan bueno que les sugirió que lo dieran a conocer a través de Facebook y así se ha convertido desde 2012 en una de las webcomics mexicanas más populares, entre jóvenes y no tan jóvenes, de ahí el nombre Días de Papel porque en un principio, efectivamente, la tira era en papel, por motivos de inmediatez es que todo lo hacen ahora de manera digital.

 Otra de las claves de su éxito ha sido la constancia como ellos mismos lo dicen, estar publicando de forma asidua; ahora incluso cuentan con el apoyo del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Por otra parte, cuentan con una tienda en línea, en donde pueden encontrar libros, pins, playeras, y hasta un juego de mesa.

Jours de Papier es de esos placeres simples que te harán reír y podrás pasar horas leyendo.

Ve mas tiras aquí.  o entra a la tienda en línea aquí,

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

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JOURS DE PAPIER

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Sonrisa tatuada: Tateeth

tatuajesinsolitos-bajaMarcar la piel ha pasado a otro término, lo de hoy son los tateeh, o mejor dicho tatuajes dentales, sí, tatuajes dentales que han venido a volver locos a los dentistas y cualquier aficionado con la limpieza bucal. Pero relájate, tus bellas piezas dentales no sufrirán ningún daño, al contrario, el furor por estar a la moda promete dejar tu esmalte intacto a cambio de una buena cantidad de dinero.

 Aunque no lo creas esta moda ya tiene sus añitos, de hecho comenzó en Japón con unas chicas que adornaban sus dientes con el mismo diseño de su manicura, sin embargo, no tardo tiempo en llegar a Inglaterra y Estados Unidos, en donde lleva más de diez años.

dental tatoos 1 Entre los diseños más demandados se encuentran las caras de Amy Winehouse, David Beckham, Tiger Woods y la reina Elizabeth, aunque también se aprecian caricaturas, dibujos animados, caras de ex presidentes, imágenes de Jesucristo o siglas.

 Y si eres de aquellos curiosos que quieren experimentar esta no tan nueva forma artística de tatuajes es importante que sepas lo siguiente: hay dos tipos de tatuajes para los dientes, temporales y permanentes, ambos seguros para no dañar el esmalte de cualquiera sea el diente que elijas.

 Los temporales, como su nombre lo indica son de quita y pon. La imagen se imprime en finas laminas que se adhieren al diente con resina biocompatible, la cual permite que dure días e incluso semanas.

 Los permanentes tienen diferentes duraciones, depende el material sobre el que se haga, por ejemplo, si es sobre una carrilla dura de 10 a 15 años, si es sobre una funda, traerás el chistecito unos 20 años. Esto siempre y cuando el proceso de impresión y colocación sea adecuado, ya que así no tendrás el pendiente de la humedad de la boca o qué pasará si te cepillas muy fuerte. Para que esto dure tanto tiempo la funda o carrilla se debe hornear a más de 200 grados.

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 Y bueno, la pregunta obligada es… ¿cuánto cuesta? Como seguramente ya imaginaste, estos lujos no se los pueden dar todos, pero si te pones a ahorrar podrás pagar un temporal desde 150 euros, o un permanente que va desde 50 a 150 euros, dependiendo el material que se utilice, implante, funda o carrilla.

Otras modas dentales

Recuerda que la moda dental es antigua, y que mientras más caro mejor. Por ello no podemos pasar por alto los Grills Dentales, sí, esas placas de plata u oro con diamantes o cualquier piedra preciosa que se atraviese en el camino de su dueño. Y claro también los piercings bucales, que bueno… nada que ver pero también entran en esta categoría.

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Yo sólo sé que no sé nada, otra vez

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Cada vez sabemos menos. Cada vez  lo que sabemos se convierte en poca cosa frente al  juicio de los demás. Ya sea que se hable de moda, de fotografía, de arte, de amor, de cine o de cualquier otra cosa abstracta que tenga que ver algo material. Es decir, el pensamiento genera más conocimiento a partir de lo ya sabido, pero también crea lagunas de desconocimiento y en este re-conocimiento se proyectan en las formas materiales de los conceptos abstractos; por ejemplo, una fotografía y el sentido que tenga ésta. Un desfile de modas y su repercusión social fuera de las carpas temporales, etc.

Y gracias a esta materialización de lo abstracto, quizá nuestra cabeza se haga enorme de ego para aplicar genuinamente las deducciones, las subjetividades (como esta entrada y como las anteriores porque, en efecto, la subjetividad es individual y los textos por más acercados sean a lo objetivo no pueden serlo porque es una interpretación. ¿Qué es ser objetivo en esta era de conceptos y demás aspectos abstractos?) y el posicionamiento hacía ser superior a alguien, simplemente por saber más que el otro.

¿Qué es lo que nos convierte en devoradores  físicos del conocimiento y monstruos juzgadores de las personas que no saben?  Pareciera que el mismo conocimiento nos deja ciegos y no nos permite siquiera compartir la información obtenida.

El conocimiento o el saber hacen que sepamos menos y actuemos más como animales. ¿Será que la consciencia y la sabiduría nos lleve a un estado más arcaico del “ser” donde el yo y súper yo entran más en conflicto con el tú y el súper tú?

Quizá, y sólo quizá estas preguntas cuasi filosóficas sean respondidas con interminables charlas existencialistas que poco o mucho resolverán las ideas que acabo de preguntarme. Pero vaya, ¿acaso de esto no se trata la búsqueda del conocimiento? ¿Acaso entre el más se nos dará el menos? ¿Cómo es que Sócrates pudo saber que no sabía nada?

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En alguna conferencia de Julieta Fierro, la astrónoma precisó la experiencia de Galileo con la sabiduría y los dogmas sociales. En esta plática recalcó que se ha pensado que entre más enredado sea el concepto o más abstracto se conciba, será mucho más puro el conocimiento de aquél acontecer. Cosa que es completamente errónea (y vuelvo a lo mismo ¿Quién sabe realmente que lo que digo es erróneo? ) y retomando la experiencia de Galileo dijo: Galileo optó por recaudar lo que ya se sabía para poder descubrir nuevo conocimiento.

Así pues, el saber  no te hace mejor persona sólo por saberlo sino que se debe saber para qué o en qué se podrá usar ese conocimiento obtenido. ¿Para enseñar y que la ignorancia sea erradicada?  Si incluso se juzga de pretencioso a los que dicen que enseñan. El mundo y la sabiduría es una contradicción absoluta.

Hay muchos que piensan que saben más y por lo tanto piensan que es mejor que no sepamos nada, pues al saber se hará un ejercicio de iguales y las superioridades serán exterminadas, lo cual, en los juegos de poder, no serían convenientes.

Quizá la ignorancia no acabe nunca porque nunca nadie sabrá el todo.  Y es esta ignorancia la que ocasiona guerras discusiones y pleitos cotidianos, es la que baja autoestimas, que degenera el sentido del saber, que paraliza. La ignorancia es el síntoma de la arrogancia y la pretensión pero también la ignorancia es lo cósmico de la sabiduría y la encarnación de la humildad.

Ilustraciones: Pedro Sosa.

Una anti-Barbie muy real

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Ya han pasado 55 años desde que Barbie salió al mercado, años que han acompañado a generaciones de niñas a la hora de jugar, años en los cuales el estereotipo de cómo debe ser una mujer se ha mantenido constantemente.

013 Desde la aparición de Bild Lilli Doll, la antecesora no muy famosa de Barbie, la figura femenina ha sido la misma: chicas rubias, altas, delgadas y bonitas. Sin embargo, cada día se cuestionan más los estereotipos y roles que deben seguir las mujeres para encajar en el molde de mujer perfecta, no sólo a partir de esta muñeca, también a través de la televisión y revistas de moda.
Como bien dirían las abuelas… los tiempos han cambiado y con ellos también el cómo se ven ahora las mujeres dentro de la sociedad. Aceptar las normas establecidas desde hace años es cada vez más difícil, así como es difícil creer que las mujeres no deban tener imperfecciones o sencillamente ser diferentes, únicas.

Pero para suerte de muchos y dolor de cabeza de otros llego Lammily, una muñeca creada a principios de este año por Nickolay Lamm, un diseñador que cansado de esta vieja escuela perfeccionista e irreal creó una Barbie normal.

 Lammily rompe por completo el estilo puro de Barbie, es más baja de estatura, sus proporciones corporales se asemejan al cuerpo real de una joven de 19 años, pero sobre todo, incluye estampillas para personalizar cada muñeca a manera de agregarle celulitis, rasguños, moretones, cicatrices, estrías, acné, entre otras cosas, todo esto para hacerla más real.

 El recibimiento para Lammily fue mejor de lo que se esperaba, en la preventa las ventas alcanzaron los 220.000 dólares, y los niños quedaron muy satisfechos con ella, prueba de ello es este video, el cual muestra como Lammily es identificada como una persona real, que puede ser una hermana, tía, profesora, etc.



El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

Carnaval Bahidorá 2015

Poco a poco hemos visto que el próximo año estará lleno de eventos que nos harán bailar, cantar y querer cada vez más, y a ello se le suma el Carnaval Bahidorá que se llevará a cabo los próximos 21 y 22 de febrero en Las Estacas, Morelos.x

 Bahidorá es una puesta colectiva que se dedica a explorar territorios desconocidos para vivir una experiencia mágica dentro de un entorno natural y fantástico. En compañía de músicos, artistas multimedia, arquitectos, escenografías, actividades de sustentabilidad, ofertas gastronómicas, talleres, cursos y más, los asistentes y colaboradores podrán desenvolverse de manera creativa durante todo el evento.

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Para esta edición, Bahidorá trae más actividades y servicios que permitirán que la experiencia sea inolvidable. Un nuevo escenario, una lista diversa de músicos, así como nuevas secciones del parque para descubrir aquellos espacios que la naturaleza tiene listos para todos. Lo que le da un plus increíble es que ahora el 85% de los asistentes podrá acampar y así disfrutar por completo esta experiencia sin salir de Las Estacas.

Las Estacas es un parque acuático que pertenece a la reserva ecológica estatal de Sierra de Montenegro, sitio paradisíaco donde brota el río Yautepec, con agua cristalina de un asombroso color. El lugar perfecto para esta gran puesta en escena.

Para más información y compra de boletos, consulta aquí

¿Acaso hay predador más peligroso que el humano?

Hace unos días recordé algunas animaciones que he tenido la oportunidad de ver, y pensando precisamente en una de ellas —que fue la que más me ha gustado hasta ahora, tanto en contenido como visualmente— me pregunté: ¿acaso hay predador más peligroso que el humano? La animación de la que hablo se llama “MAN” y es de Steve Cutts, un ilustrador y animador que radica principalmente en Londres.

 Man de Steve Cutts“MAN” es la animación más popular de Cutts y, aunque es aparentemente “simple”, genera en tres minutos toda una reflexión acerca de cómo hemos hecho una serie de destrozos al planeta, contaminando y aniquilando todo a nuestro paso, lo que a consecuencia nos está matando a nosotros mismos. A eso, sumado el consumo de FastFood y productos cada vez más procesados, que a su vez generan enfermedades que hace unos años ni siquiera existían. En sí, el mensaje es claro y demoledor: la inminente amenaza que somos para nosotros mismos.

 Steve Cutts también realiza ilustraciones, pinturas e incluso esculturas, que tienen como constante el cómo coexistimos con el medio ambiente, los animales y, por supuesto, entre nosotros.

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 Otros títulos de animación, son “In The Fall” y “How Will You Die?”, la primera trata sobre si realmente estamos viviendo nuestras vidas o sólo estamos sentados frente a un escritorio llenos de preocupaciones, frustraciones y carentes de anhelos viendo nuestra vida pasar cuando está a punto de concluir; la segunda trata de cómo elegimos morir de un ataque al corazón o un derrame cerebral por el puro gusto de fumar o beber, mientras vivimos una “buena vida” clase mediera estándar, mientras que al otro lado del mundo la gente muere por hambre, por falta de medicamentos o por VIH debido a la falta de dinero para poder comprar un preservativo, esos que son tan sencillos de conseguir aquí.

 En ocasiones, Steve Cutts hace uso de personajes icónicos como Mickey Mouse y Roger Rabbit, todo con el fin de satirizar y criticar el entorno de manera constante sobre todo a la sociedad norteamericana—, con el fin de concientizar a la gente de la forma en que las grandes corporaciones han hecho lo que han querido con nosotros con el fin de enriquecerse a costa de lo que sea.

La ilustración de las cadenas bajo Chiara Bautista


 

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

La ilustración mexicana ha desempeñado un papel increíble en los últimos años que merece el reconocimiento de la sociedad. Tal es el caso del trabajo de Chiara Bautista, ilustradora de origen nacional que radica en Estados Unidos y que trata el emblema del dibujo desde una trama bastante interesante. Víctimas del abandono o no, su trabajo muestra a mujeres atrapadas que parecen ser la víctima de un hecho que las aflige y las aprisiona por un buen tiempo. ¿Cuál podría ser ese calvario? Se podría considerar como las fuentes de un caos emocional, ya que en este planeta vacilamos sobre lo que está bien y lo que está mal –desde la perspectiva de la moral. A su vez, ese afán moraloide que acompaña al humano cuando ve las cosas por primera vez desde un aspecto purgativo y sin considerar el porqué de la sensación humana, causa tantos destrozos de vacío existencial. Aquí es donde radica el clímax de la expresión de Milk (como también se le conoce a Chiara).

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Chiara Bautista.

 Pasión, subversión, libertad y esperanza podrían ser los palabras que permiten conceptualizar cada imagen que deletrea la necesidad por descubrir al individuo desde una concepción meramente sensomotora, es decir sin un sentido de apego hacia lo que sólo es tangible (cuestiones materiales). Más allá de eso, el concepto humanista que demuestra Milk en su trabajo, involucra también la necesidad por recrear un ambiente de esperanza en un mundo tan olvidado de sí mismo. Recuerdos más, reflexiones menos… la arbitrariedad de la sociedad. 

 “Bellos y falsos”, “La pasión” y “El inmisericorde abandono de la niña pulpo” son algunas de las frases que acompañan a cada creación, por lo que es lógico pensar que existe una relación entre lo que se hace y lo que parece ser un proceso de reflexión de la vida cotidiana. Chiara de una manera muy ingeniosa, abre la puerta hacia un esquema de criterio que abone entre pensar y accionar, es decir, no perder la línea de la vida; el ser dueños de nuestros propios deseos y así forjar nuestros detalles más mundanos. ¿Qué pasaría si todos nos dejáramos llevar de la misma forma? Sin duda, no habría esa posibilidad de crítica y también de poder plasmar cada quien su ruta ante lo que cree pertinente y lo que no, pero algo que nos acompaña a todos y con letras grandes lo podría ratificar es la palabra prejuicio.

 Retomo una frase: “Bellos y falsos” ¿Qué tan falsos somos? Si la falsedad hablase, creo que todos tendríamos que decir algo de ella, el fingir es un ameno acompañante de la mentira y la banalidad. Hechos de un mar de vacíos emocionales sin poder comprender el porqué del abismo, deambulamos entre rechazar y aceptar lo que realmente somos o queremos ser. La propia encrucijada se haya en cada desfiguro que pretendemos hacer con la finalidad de encontrar la esencia de las causas y los efectos. Mentimos cuando decimos que desconocemos lo que está bien o mal, somos dueños del prejuicio hasta el cansancio. Una vez más, Chiara Bautista da en el clavo en cada muestra de sus imágenes.

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

 Cuerdas y redes se pueden vislumbrar en gran parte del ingenio de Chiara Bautista, que se logra presentar a lo largo de su trabajo. ¿Cuáles podrían ser esas ataduras? Las cadenas hacia la mera pretensión, involucran al hombre en una serie de mecanismos que lo hacen inerte en la participación que desenvuelve en la sociedad; sociedad que aplaude las máscaras y los buenos deseos de un mundo más hostil. Gancho al hígado, Chiara vuelve a dar tiro al blanco. La pulcritud que se detona en cada ilustración apunta el gran logro de la mexicana. ¿Somos víctimas de esas cadenas o pretendemos serlo? Cada uno de nosotros tiene la respuesta certera, la ilustradora sólo hace su debido trabajo: Dar rienda suelta a la imaginación.

 Las ilustraciones de esta mujer llena de talento no están alejadas de lo que siente el individuo. Necesidades nos hace presa de una ruina inaudita que nos hace caer en los temores más abruptos. La descripción de esto, radica en cada imagen que singulariza las relaciones humanas.

Aún somos más de 43

En occidente 
hablamos sin hablar, 
escuchamos sin escuchar, 
pensamos sin pensar. 
Vivimos en ficción y en amnesia colectiva.

Se vive simulación, se come desesperanza, se respira desesperación
Las heridas ocasionadas serán indelebles en el escenario dantesco.

Te brindan grilletes y mordazas 
para no dejarte hablar, pensar, actuar. 
Qué estas líneas describan que el hombre en la ciudad vive privado del alma 
se convierte en frívolo maniquí sin rostro. 
Por lo tanto también sin conciencia. 

Montegrey, Le·Mat

Todo indica que esta tarde será una de esas en donde se conglomeran íntegras aquellas miradas repletas de lo inexplicable. Y es que ¿cómo se pueden reunir en un par de ojos que después se multiplicarán tanta tristeza, hastío, coraje, y esas ganas de continuar tirando de una cuerda que parece estar a punto de romperse? La realidad que nuestro México ha ido acumulando a lo largo de los años los (nos) está orillando al grito, al “ya basta”, al nudo en la garganta, a salir a las calles a decir “estoy cansado, no quiero ser el número 44, ni el 73, ni el primero de una nueva lista que el gobierno no se cansará de ‘lamentar’ sin llevar acciones a cabo”.

 De este día sólo espero una cosa: Que no quepan en el Zócalo. Que sean tantos, que la unión de las personas se exprese más allá de un límite territorial y estadístico. Que nuestro país sea más que eso, porque aún somos más de 43.

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Crédito: Roberto Palma

Layout: Cuarto de Máquinas, la posibilidad del mundo al revés por medio de los objetos

…Estamos imaginando, con esta frase se presenta Cuarto de Máquinas cuando buscas más información en redes sociales o su tienda en línea.Cuarto de Máquinas

 Ya sea una libreta, una taza, un cuadro o un libro ilustrado, Cuarto de Máquinas tiene una propuesta fresca que evoca a los objetos para llamar a la nostalgia a través de la formas que se van reconociendo cuando se hace una lectura detallada de sus diseños.

 Con un toque de humor y frases sencillas elaboran una poesía visual traducida en un objeto cotidiano, propiciando una conexión emocional que provoca la necesidad de quererlo de inmediato. El proceso de diseño consiste en la retroalimentación de las ideas de sus creativos y que comparten sobre algo que les interesa en particular permeado por su entorno.

Asumimos dos procesos creativos distintos que en algún momento se deben conectar para identificar si esa idea, esa imagen, ese sueño que nos ronda la cabeza se puede realizar… Consideramos fundamental para nuestro proceso creativo, todo; caminar, ver películas, escuchar música, ir al teatro, leer, revisar blogs, hojear revistas, visitar cafés, platicar con los amigos, dibujar, andar en bicicleta, jugar…

 

Detrás de las máquinas1_4Maquinas-08Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas está conformado por Raquel García y Mauricio López, quienes han unido su talento para producir objetos que se distinguen rápidamente por las ilustraciones cargadas de formas cotidianas y naturales con un toque de poesía visual y diseños tipo collage que fusionan formas geométricas con elementos orgánicos.

Estudiamos juntos en la Universidad, después nos hicimos novios, con el paso del tiempo ya teníamos proyectos en conjunto que nos llenaban de emoción y nos hacían creer en el mundo al revés.

Lo bueno y malo de los bazares…Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas transmite buena vibra cuando los conoces en persona, ya sea en algún bazar o en la calle. Su popularidad ha ido en aumento y estos últimos meses han sido muy importantes para ellos ya que el participar en los bazares de diseño, les ha permitido que más personas los conozcan y tengan un canal de venta directo, sin embargo, reflexionan sobre la posibilidad de encontrar nuevas caminos de difusión y no estancarse.

Reconocemos la importancia de los bazares para darle visibilidad al diseño independiente, pero también pensamos que el diseño no debería construirse únicamente desde el planteamiento comercial, sería importante no perder de vista el plano creativo, el experimental y las contribuciones sociales y culturales que el diseño puede generar. 

Diseño AutogestivoCuarto de Máquinas

En Tráfico Bazar han encontrado un lugar para conocer gente que se ha identificado con su proyecto y poder tantear el terrero sobre lo que están haciendo otras marcas de diseño independiente, aunque ellos se describen como un proyecto autogestivo que permite hacer las cosas de distinta manera a las establecidas en el campo laboral del diseño.

A nosotros nos gusta explicar el diseño autogestivo como aquel que surge por iniciativa del diseñador, y en lugar de centrarse en las necesidades del cliente, busca generar un diálogo con el usuario final del objeto de diseño. Digamos que no importa quien está detrás, sino delante del diseño. 

Cuarto de MáquinasSu adaptabilidad a la corriente de formas de venta los ha llevado a poner su tienda en línea a través de Kichink para comercializar sus productos proporcionándoles visibilidad a otro nivel, sin embargo, y bajo su percepción ese alcance aún es limitado.

Collage se escribe con Diéresis En la Efe

Pese a que la técnica del collage surgió a inicios de 1900, y pese a la complicada situación sobre quién fue su inventor —si el talentoso Picasso o el innovador y sencillo George Braque— es claro que la conjunción o mezcla, derivada de recortes y pegotes, sobre un lienzo cualquiera es una característica mucho más aplicable para los últimos años del recientemente fallecido siglo XX y los futuristas años del siglo XXI.

 Hoy todo tiene un mix, una mezcla. El collage cumple una función más que estética al ser vía de re-creación. Re-creación, repito. En un mundo donde no hay nada nuevo bajo el sol, donde ya todo se ha inventado – incluso los nuevos alcances tecnológicos lo hemos leído, visto, soñado en algún filme de Godard, página de Huxley o Wells, o en algún capitulo de los Supersónicos- la forma y el reciclaje en el arte salen a flote como un lindo puerto prometedor, un puerto que para algunos es una forma de vida.

Mademoiselle K

 A Frappa, también conocido como Diéresis En la Efe, no le importa mi entrada anterior. Él adivinó al collage sin tanto antecedente:

 “Hace ya muchos años conocí a una chica de nombre Ophelili, con ella formaría un colectivo que nunca se concretó […] Inicié con el collage poco después de que la conocí. En ese entonces no tenía ni puta idea de lo que quería hacer para pasar (aprovechar) el tiempo. Andaba leyendo acerca del DADA y la técnica del collage de Marx Ernst (recuerdo mucho que ella gustaba de pronunciar varias veces “Max Ernst, Max Ernst, Max Ernst…”).

 Se acercaba el cumpleaños de la susodicha y decidí obsequiarle algo. Obtuve de un camarada un libro de pinturas de Salvador Dalí, y pues que le doy en su madre. Fue la primera vez que le pasaba tijera a un libro. Desde ese momento descubrí mi obsesión por la tijera y todo lo que me provoca. Ese fue mi primer frappa“.

Primer tijeretismo (Realizada enteramente por objetos de otras pinturas de S. D.)

 Desde que lo recuerdo, Frappa es un bohemio apasionado que no rebasa los treinta años, amante de las mujeres, de los vinos, atacante de las injusticias, que debió haber nacido en Francia —sí adivinaste— durante los primeros años de los 1900, y más exactamente en Cuaxies al sur de la mente de Alfred Jarry, quizá en alguna barricada, a la hora pico de un verano lleno de desnudos donde mujeres y cerveza le bautizaran:

 “Fräppa surge de hojear un diccionario en francés. Nos agradó la palabra frappant, significa impresionante. Le quitamos el “nt” para que quedara en Frappa y las diéresis en la primera a (no estoy seguro) pero creo que fue por la palabra alemana fräulein (señorita). Aún no cierro ese círculo con ella; sin embargo, siempre la tendré presente pues fue la detonante de lo que haré hasta el día en que muera”.

 sin titulo (2)¿Por ella eres artista?

 “Por ella no soy “artista“. No es que deteste esa palabra o lo que signifique, pero prefiero “tijeretista“. Más bien por ella es que descubrí que existe algo en la vida con lo que no me aburro fácilmente”.

 Dije: ¡Salud! ¿Qué más podría decir?: no estábamos en un bar, ni siquiera en el mismo sitio, la charla era por Facebook, y según los “manuales de cómo hacer una entrevista” estaba desviándome sobremanera del tema, pero nada de eso importa cuando te contestan de vuelta de la misma forma.

 Sin más, no quise demorar la charla sobre su trabajo, que en lo personal, le considero de los pocos artistas —lo siento, camarada— genuinos, de aquellos que se han resignado sólo a eso que les produce un dicha enorme y lo único que notas en sus obras es el mismo esmero, sentimiento que crece y mejora, que busca su confirmación:

 “Cada composición habla de lo que vivo, no puedo deslindar mi vida de lo que producen mis manos. Es una forma de escupir lo que me pasa, tanto lo grato como lo desafortunado. Siempre he mirado y me da rabia lo que pasa alrededor (tanta violencia, tanta gente de mierda). Por ello me encerraba en mí, aunque últimamente estoy saliendo del ensimismamiento… quiero y necesito mostrar la visión de lo cotidiano, para de alguna forma hacer eco”.

3 de 5 manifestantes pal fanzine collagero con Gráfica Santiamén

 Sus creaciones tienen cierto aire renacentista. Y no sólo porque literalmente profana libros de este tipo de arte, sino por la semejanza que también se tenía en aquella época, de retratar lo invisible, llegar al punto máximo de una realidad pictórica, para descubrir que no todo lo que se ve es real, ni todo lo que falta no existe. Esos retratos desfigurados, ultrajados; cristos desmembrados, mujeres desnudas… eso, es él:

 “Me encanta la mutilación y fragmentar rostros, retirar máscaras, hurgar los adentros, picar las entrañas. Con la figura de cristo… mis conflictos con la existencia humana. El fragmentar para recomponer es mi forma de inventar mi propio mundo, quizá utópico pero uno donde me siento (no a gusto) sólo menos vulnerable.

 Tanto la pintura gótica como renacentista me encanta; los temas religiosos (los cristos con rostros llenos de sufrimiento, el desgaste de los frescos aterrizados en los libros) y el placer se incrementa al tijeretear directamente el libro. No me agrada el papel de las revistas, además de que encuentro sumo interés en profanar un libro. Algunos dicen que es falta de respeto, ¡Pero venga!, de que terminen siendo roídos por un ratón o que pasen por el fuego, mejor los convierto en composiciones frägmentarias que después puedan pasar por el fuego”.

 Entonces ¿Qué es para ti el collage? Pregunta obligada, según las reglas del buen entrevistador, pero quise hacerlo rápido pues se le estaba soltando la lengua y eso debe aprovecharse:

 “La tijera sobre el papel, los sonidos que se producen en tal acto, esa violencia sutil… es una necesidad. Tanto que me encabrona cuando me dicen que me busque un trabajo. ¡Ese es mi trabajo! Me entra mucha ansiedad cuando no tengo material que recortar y me entra aún más ansiedad porque el recortar elimina mi ansiedad por el trago…”

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 Antoine Fräppa Dubois es humano, y como tal sufre de algún punto débil, alguna manía, alguna fobia, algún trance irreparable, algún miedo infinito… las debilidades nos definen, quizás más que los aciertos, y quizás no por la perspectiva mundana y fatalista, más bien por ser éstas las marcas que una vez superadas, nada podrá detenernos:

 “Encaje o no, no dejaré de hacer lo que hago y como lo hago. Siempre a mi manera, sólo que ahora utilizando más el coco y bajando un poco el trabajar desde las entrañas. Encontrar el mentado equilibrio. Siento que es momento de dar un gran tajo, darle al collage con las dimensiones que tienen los murales que últimamente hay tantos y por doquier. Sí, sí…. mucha pintura en los muros.

 Hace falta más papel en las calles, composiciones del tamaño de un elefante. Aunque quizá me esté yendo algo bien con lo que hago, pero debo esforzarme más para ver lograr ver a mi crío Mateo. Es un decir que me va bien pues no recibo algún ingreso monetario. Los dineros los gano de donde salgan… vendiendo botellas de cerveza, armando mudanzas, etc”.

 Mateo es su hijo, al cuál no ve desde hace medio año.

Nuevo $TCKR La octava maravilla Durante mucho tiempo, ha vagado por muchos grupos, intentado unir fuerzas y conseguir espacios. Hoy es Mexicollage el colectivo donde ha encontrado un espacio propicio para desarrollarse: Es un desmadre para mí trabajar con otras personas, aunque ahora integro uno que se llama Mexicollage… y sí, en tal colectivo todos le dan con la tijera.

 Siempre he dicho que la calaña y la camada importan. También me enteré por un post en la futura red social, próxima gobernante y dueña de un país al sur de África – Dios, perdona a los inocentes— sobre el taller que impartió en el Ovnibus Roma, los pasados 5 y 6 de noviembre de este año, y por supuesto le pregunté sobre la experiencia:

 “Me encantó, es una buena forma de retroalimentación además de que una buena manera de evolucionar la obra es compartiendo (ofreciendo) lo que ya se sabe, no ser celoso de los conocimientos, mañas o atajos que se han adquirido”.

Galería en el Ovnibus

 Los talleres fueron el festejo por su cuarta exposición individual en este bien logrado recinto que alberga siempre la otra mirada citadina, de menos reflectores pero mucha labia.

 Al husmear por su perfil en las redes sociales, encontré fotos en donde encontramos al artista – sí, así le considero- completamente en desnudo. Por no quedarme con la duda, le pregunté si aquello era parte de hurgar, de picar lo más hondo de las personas, si era parte de su obra, una extensión: “No lo es, simplemente me encanta estar en pelotas”.

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 Diéresis En la Efe es un tijeretista justo en medio de la vieja escuela de Max Ernst, respecto a la forma de encontrar el verdadero fin del collage, que es, según las palabras de Frappa, la unificación de los elementos integrados; el equilibrio y relieve de una chica que se hace llamar HANDIEDAN y el parentesco con James Kerr “Scorpion Dagger” del cual adora sus gifs hilarantes, además de que también utiliza personajes y elementos pictóricos similares a los que use él.

 Sus trabajos han participado para ser portada de revistas importantes como El Fanzine y PICNIC, recibiendo reconocimiento y alcanzando los primeros lugares, además de tener varias notas en la web que hablan de su arte. Este año, El Gráfico, prensa nacional de muy baja calidad —hay que decirlo, siempre— le ha mirado y dedicado un espacio en sus páginas.

 Como lo dije al inicio, el collage me parece algo tan genuino que en ocasiones no concibo ya la forma original, ya no hay una línea entre el antes y el después, y esa imagen, pintura u objeto existen ya sólo de esa manera, fueron para ser profanados. De cualquier modo de encontrar alguna distinción, él diría: “No lo sé, de existir esa línea habrá que cortarla con tijera y re estructurarla”.

Más papel en la ciudad, más collage monumental, más frappas vendidos… tras tras tras c’est tout!

Cartel realizado con recortes de El Fa_____ne

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Prejuicios femeninos: Perspectiva del siglo XXI


Me negué a reconocer que realmente tenía un problema de autoestima desde muy pequeña. Me la pasé viviendo con prejuicios en torno a la opinión pública, al cómo te están viendo, al si te aceptarán o no y otras frases que no difieren de este contexto que tanto le pega a la mujer, y que paradójicamente no es cuestión de novedad, sino que esto ya se vislumbraba desde que comenzó a presentarse como objeto para el mundo, es decir, como si fuera la mercancía más demandada en el mercado.

 Cuestiones simples como la ropa, el calzado y demás situaciones divergen en el poder para manipular a la mujer en un sólo instante, lapso que puede determinar su cambio abrupto en estados de ánimo y que la vuelven presa fácil de los estándares sociales. Mientras más flaca, mejor –piensan las más vulnerables-, mientras que las más fuertes sólo tratan de aparentar que todo está bien y que la aceptación fue algo fácil de ejercer.

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Ilustración elaborada por Pedro Sosa.

 La venta de un cuerpo con las medidas que más desaten el pensamiento del hombre, la creación de un estereotipo que por genética no tiene pertenencia alguna, la constante publicidad en torno al “debería” de una mujer, la manipulación a través de sus funciones sociales y otras cuestiones más la arropan para crearla al molde de requerimientos sociales que no le pertenecen. La hacen parecer un maniquí de aparador que no debe moverse y sólo acatar una serie de normas que enaltecen un ego injustificado.

 Tal vez parezca un simple problema de autoestima femenino, pero la situación va más allá de un cotidiano prejuicio mortal. La cultura occidental –principalmente a mediados del siglo XX- , ha adoptado una serie de patrones que desmoralizan a la mujer y en su acervo cultural, sólo hace hincapié en lo que está bien visto, sin importar que tan vacía o seca se sienta. El eje, muchos lo piensan desde un problema de peso/sobrepeso, otros  desde el significado de belleza y los más ortodoxos desde una diferencia de género. Entonces, ¿Qué define a los prejuicios femeninos?

 Los prejuicios femeninos forman parte de nuestro andar ; en el proceso de desarrollo adoptamos una serie de objetivos que han sido impuestos. De ahí, surgen maneras de poder compenetrar en cada meta como es el ingreso al trabajo, a la escuela, a cierto círculo social y entonces las preguntas empiezan a adentrarse de mayor forma en el pensamiento de la mujer y es cuando la inseguridad llega de repente, de manera que no da paso para crear condiciones de identidad. Desmotivaciones y una indignación hacia sí misma es el resultado de querer aparentar y no ser, de forma que la máscara se convierte en el artilugio de mayor precio en un mundo que se corrompe por cuestiones tan superfluas que no cobran un significado inherente al ser humano. Una existencialismo dudoso y que enaltece las condiciones más vertiginosas del mundo contemporáneo, visten a la mujer entre sedas e interrogantes de quiero….pero no puedo.

 Una sonrisa llena de botox, un pensamiento rígido, un debo hacer y un dilema entre querer y poder incrementan la inseguridad de la mujer. El énfasis no radica en una comparación entre su misma condición biológica, sino en una cuestión de subordinación social, ahí es donde se encuentra el conflicto principal, no en el peso, no en las vestimentas;la disyuntiva es mucho más compleja.

 El tormento de los prejuicios femenino recae en la posición ante un papel que ha sido adoptado y que no se ha modificado desde el momento en que se aceptó como una imposición; su determinante ante hechos que por sí mismos no se han esclarecido, además  no se dio el tiempo preciso para cuestionarlos. Con grandes barreras por reflexionar sobre sus méritos a diferentes lapsos, la mujer creció en el olvido de lo que realmente quería.

 Reitero, no es el vestido, no es el cuerpo, el prejuicio es cuestión tan arraigada al individuo que un simple análisis lo relaciona con cuestiones que tengan que ver con situaciones atípicas a personalidad, y por lo tanto la vulnerabilidad de la sociedad femenina se fomenta desde una condición biológica y no de aptitud – he ahí la gran limitante-.

 La mujer es requerimiento social, pero en ese afán por serlo niega su capacidad de crear y transformar ciertas condiciones que ya le fueron impuestas; se aferra a esa zona de confort que tanto le place y que sucumbe entre su afirmación o negación –según sea el caso-. Mientras los vestidos son más ajustados, las tallas parecen abrumarla de una manera abominable, si su ser ya no está tendencia por medio de la exigencia, su vida corre peligro entre si reflexiona o no. ¿Cuántas de verdad critican su situación ante el mundo? Es entonces, cuando el prejuicio invade el ejercicio de opinión, para impedir tener un posicionamiento claro sobre su desempeño en todas las facetas de la vida.

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

#IlustradoresConAyotzinapa: a un mes del siniestro

Se ha cumplido un mes ya. Poco más de treinta días transcurridos desde aquél en que comenzó a correr la noticia de la atrocidad que para algunos —acaso los crédulos, ingenuos— parecía algo falaz, bárbaros actos inhumanos que simplemente no figuraban en la idea de realidad que se concebía.

 Menuda realidad… Que con este hecho vino a destaparse lo legítima y brutal que es para los desventurados, carentes de oportunidades para hacerse escuchar, de armas para defenderse, y de medios para hacer justicia a todos los futuros amordazados, los caminos coartados, los anhelos arrebatados. Víctimas, mártires del terror, la cobardía, la miseria y la repulsión de la misma especie. Esos desventurados que fueron seis, son 43 y la cifra se agrava a cada día que pasa.

 Continúa siendo estremecedor tocar el tema. ¿Qué tan vago es referirse a ellos con la palabra «desaparecidos»? ¿Es todo esto una suerte de sinécdoque que se sitúa ante nosotros a manera de reality check? ¿Ya despertamos? ¿Y qué con el repudio que despiertan estos reprobables sucesos hacia la pesadilla que han hecho los dirigentes de nuestro país con él? ¿Qué remedo de autoridades tenemos? ¿Qué se hace con la indignidad y la humillación como el sentir común de una nación entera? Por si eso no fuera suficiente, ¿qué se hará con la desaprobación categórica hacia tal infamia por parte de países, intelectuales y ciudadanos del mundo que no dejan solidarizarse?

 Hay muchas preguntas que se formulan al instante y pocas respuestas que puedan sosegar la urgencia de resolverlas. Tampoco es fácil encontrar soluciones para llevar a la práctica ante incidentes que se detonan como consecuencia de un truculento trasfondo del que incluso hay temor por conocer. Potenciar la lucha o apaciguar la resignación, es el dilema. Aunque el incalculable compendio de muestras de apoyo y fraternidad que se han hecho a las familias de los 43 normalistas de Iguala resulte, sin lugar a dudas, un empuje inequívoco a no darse por vencido. Que la unión hace la fuerza, lo sabemos.

 Recientemente comenzó a aparecer por las redes la leyenda #IlustradoresConAyotzinapa. Este proyecto nació de Valeria Gallo con la intención de humanizar las cifras y dar rostros a los desaparecidos puesto que, señala, puede tratarse de algún conocido o familiar cercano, y cualquiera de nosotros podría verse envuelto en la vulnerabilidad de las circunstancias. Invitó a colaborar a Margarita Sada y otros colegas, se fueron esparciendo los resultados y a apenas pocos días de haber arrancado, ha sido acogido de manera satisfactoria entre la comunidad artística aludida con más de 200 aportaciones a la causa, y contando.

"Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista".
“Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista”.

 

"Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández".
“Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández”.

 La sensibilización que trae consigo el arte es, en ocasiones, difícil de expresarse con palabras. Como al ver un cuadro o una fotografía, es casi imposible traducir a la oralidad la cantidad de emociones que despierta y de ideas que evoca.

 Sucede justamente así. Es sobrecogedor cómo miles de voces claman aún por Saúl Bruno García, por Leonel Castro Abarca, por Cutberto Ortiz Ramos y por Alexander Mora Venancio.  Cómo personas que ni siquiera conocían a Carlos Iván Martínez Villareal o a Doriam González Parral exigen que se les regrese con vida a sus familias. Vivos se los llevaron y vivos los queremos.

 Porque para la reparación de esa realidad mencionada, no bastarán cientos de noches más que reflejen cambios significativos y poco podrá revertirse a como antes era. Porque a veces hace falta creer. Porque el mínimo gesto del prójimo, la empatía y el brindar apoyo sin que se pida, puede traer consigo una resonancia inconmensurable, como el aleteo de una mariposa. Porque son más de 43. Porque no es sólo México, es cada persona del globo que se solidariza con ellos. Porque ¿quién dijo que todo está perdido?

| Galería completa de #IlustradoresConAyotzinapa

"Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz".
“Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz”.

 

"Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos".
“Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos”.

 

"Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza".
“Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza”.

 

"Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero".
“Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero”.

 

"Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin".
“Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin”.

 

"Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral".
“Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral”.

 

"Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo".
“Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo”.

 

"Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres".
“Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres”.

 

"Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos".
“Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos”.

 

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

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Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

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Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

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Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

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Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

El sueño y su significado : Orígenes y visión moderna


El agua, el aire, el fuego y la tierra forman parte de los poderes ancestrales que le dan sentido al sueño y a la vida misma. Dicha sincronía, se forma en el espacio de conciliación de la presencia terrenal –el cuerpo se desvanece– y se olvida de sus habilidades motrices principales: Deja de existir en el momentáneo enlace de vida.

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Crédito: Foro psicológico.

 Ese rasgo omnipotente, que se enclava desde la cultura mesoamericana con pintorescas imágenes animalescas y llenas de una magia de pertenencia, envolvía al sueño en un conjuro mediático entre exploración y descubrimiento personal. Ritos que conjugaban la realidad con la fantasía, a través de sacrificios y tradiciones que reforzaban las relaciones de pertenencia ante la humanidad misma, daban el simbolismo contractual a una época prehispánica.

 La divinidad politeísta, marcaba el paso para la utopía reencarnada en procesos de expresión y por lo tanto, el sentido de identidad conflagraba un culto hacia una fuerza inverosímil que fungía como cúspide de la vida y también, de la muerte. La religión, era la portavoz para construir una imagen inherente a la calma de los sentidos y transmitía un concepto de imagen ante el mundo distinto al de ahora.

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Crédito:Foro psicológico.

 Dentro de la cultura mesoamericana, el sueño también se vinculaba con el hecho de alterar las emociones a partir de estados psicotrópicos, y con la presencia de miles de sensaciones que abatían el abandono de si mismo. Un letargo tan agradable que no parecía tener fin se cargaba de vibras ancestrales y máscaras sagradas.

 Dime que sueñas… y te diré quién eres. Crecemos con el ánimo de cumplir un sinfín de objetivos preestablecidos socialmente (ir a la escuela, trabajar, vestir de tal modo, etcétera) y mientras la rutina se apodera de nosotros, esperamos a que la noche pasiva y serena haga la aparición al final del día, para arrullarnos bajo su solemne resguardo. La tiniebla llega, y el cansancio invade el cuerpo… nos dirigimos a ser los dueños de nuestros propios deseos.

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Crédito:Mad.

 La irrealidad de los sueños, parece ser el gran atractivo de estos. Pero dicha irrealidad parece tener un gran impacto y la somnolencia podría prolongarse, aunque al despertar… tal vez, ya no haya rastro de un recuerdo (ni por muy vago que sea). La extrañeza de algunos lapsos del sueño, se diferencian por las características de las imágenes y también de los diálogos; la orientación dirige cada fase respectivamente.

 A veces sentimos un sueño tan placentero o que causa un temor inconcebible, que nos enclavamos en dicho letargo pensándolo como un momento irrevocable. A medida que el sueño se va prolongando, parece que la incongruencia aumenta  y la inconsistencia de situaciones no parece tener una secuencia lógica, trayendo consigo diversas situaciones que nosotros nos hemos preguntado. Por ejemplo, en un sueño pudo haber estado una persona que no conocemos, sin embargo sentimos que de alguna parte conocemos a ese individuo, y por muy extraño que parezca, en casos extremos –se ha presentado– terminan conociendo a esa persona, a lo mejor no idénticamente, pero que cuenta con rasgos característicos.

 John A. Hobson, afirma que el sueño presenta las emociones más vívidas del ser humano, por lo cual se experimenta una sensación muy fuerte y por lo tanto, situaciones que parecen incongruentes en tiempo y espacio, se conjuntan para activarla imaginación sensomotora. Así que, generalmente, mientras dormimos y soñamos, también enfrentamos retos y obstáculos, y los lapsos más fuertes de letargo, son los que solemos recordar con un poco más de precisión.

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Crédito:Fiction Chick.

 Sigmund Freud, en su obra La interpretación de los sueños trata de explicar que toda somnolencia, por más mundano que parezca , tiene que presentar un sentido –aunque no sea lógico– en nuestra dinámica de vida en la que estamos expuestos. Y es por eso, que el hecho de dormir, funja como una medida de escape para reconciliarnos con nuestros miedos más profundos en la vida.

 Además, en los sueños también se plasma un anhelo desmedido hacia diversos deseos que podamos tener. No es de extrañar, que muchos de ellos nos sorprendan y que al levantarnos, pensemos que no queríamos despertar, para poder seguir cumpliendo aunque fuera en la irrealidad nuestros anhelos más preciados.

“Nada puede escaparse a ese estado tan profundo del dormir, ya que por ahí se desfilan las fantasías y deseos inconscientes más reprimidos de los seres humanos”

– Sigmund Freud.

 Cualquiera que sea el síntoma en vida, en los sueños puede revelarse la otra cara de la moneda. Esto proporciona satisfacción al individuo, ya que al no estar acostumbrado a pensar de una forma que lo deje anonadado, el hecho de yacer bajo el sueño puede ser su mejor amigo, y retratará el consuelo para su alma.

 Nosotros mismos, vinculamos la represión con la manera de actuar… los ambiciones más recónditas del individuo, aparecen en el sueño, en la narcosis de la noche y mientras, en cada mente se plasman esperanzas y temores, cada uno sabemos los que somos y lo que pretendemos hacer a cada día, a cada instante. El fantasma de la existencia es el mismo sueño, y la apetencia de correr, salir, gritar parece cumplirse al llegar el ocaso.

Con el antojo de las emociones: La literatura depresiva


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Crédito: Sin dominio.

Un trampolín emocional es el que nos sujeta constantemente. Muchas preguntas pasan por nuestra mente: ¿por qué estoy aquí? ¿cuál es mi papel ante la vida?, y las respuestas podrían parecer vagas, pero realmente demuestran el compromiso consigo mismo. Estoy aquí para cumplir mis propios objetivos, estoy aquí porque quiero ser, estoy aquí porque vivo de mis emociones. Y mi papel ante la vida, es ser un ente separado y a la vez, parte de un conjunto de aspectos simbióticos.

 La literatura –que invade el sentimiento depresivo-, está cargada de distintos matices que le permiten al lector adoptar una serie de formas de visualizar ciertos escenarios posibles, en donde suele ser el protagonista de la obra, su propio ser, su infestado lobo estepario. Navega por la depresión, y luego el vuelco parece ser nauseabundo, cuando la magia de la vida parece conmocionar a la mente: Sorpresa de pocos, pesadez de muchos. ¡Malditos eufemismos!, parecen acecharnos constantemente a los depresivos.

 Hermann Hesse, Jean Paul Sartre, Fiódor Dostoyevski, Friedrich Nietzsche son autores que reflejan el síntoma neurótico y maniaco de una sociedad perdida en sus propias difamaciones, en su caída abrupta hacia el delirio mental, así como en su sentido de persecución más falaz. Líderes del temor y el horror, como Harry Haller, Pablo Ibbieta, Raskólnikov –por mencionar algunos– , participan como la huella de lo recóndito y lo transversal del ser humano, componen la yuxtaposición emocional entre el bien y el mal –subjetivamente hablando–  y tratan la ironía con el sarcasmo, de una forma mediática inigualable.

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Crédito:Behance.

“Nosotros nos representamos siempre la eternidad como una idea que no podemos comprender, ¡Inmensa, inmensa! Pero, ¿Por qué ha de ser así necesariamente? Pues en lugar de eso, imagínese una habitación pequeña, como quien dice un cuarto de baño, ennegrecido por el humo, con telarañas por todos los rincones, y he ahí toda la eternidad. Mire usted, yo me la imagino así algunas veces.”

– Fiodor Dostoyevski, Crimen y Castigo

 Todos los rincones del alma, se marcan de apetencias y extravagancias, mientras que el pensamiento se desquebraja por el equívoco social e imperante tan demandante, que causa una jaqueca neurótica por un lapso de tiempo mayor a lo que tu cuerpo pudiera pensarlo como prudente.

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Crédito:Nudos narrativos.

 “Entrada sólo para locos”. Y mientras el funesto pensamiento tarda en volverse demagogia, nuestro hábito al ocio deprimente, abunda entre las letras y reflexiones de protagonistas tan decadentes como el consuelo de los días cotidianos… de lunes a viernes, de sábado a domingo y comienza el juego de nuevo. Abruptos cambios nos acongojen, y volvemos a repetir “Entrada sólo para locos”.

 En un mundo tan desquiciado, los más congruentes podrían ser los verdaderos enfermos mentales.

 El horror por la vida y la muerte, se vuelve la sintonía idónea para el lector y conmociona lo más permisible de la emoción humana: El dolor. Espacios desoladores y turbios, parecen ser el complemento perfecto para una historia llena de sensibilidad. El brío de la inquietud mental, le abre paso a lo abrupto… a lo pasional, a lo que nos causa más extrañeza y a la vez, más placer.

 En el muro de Sartre, se entrevé la pasión humana a partir de diversas magnitudes, que van desde lo más casual a lo más grotesco –por decirlo de alguna forma–. Lo fortuito, es la cúspide del deseo y el vaivén de los pesares, suele ser el éxtasis. Muy mundano el amor, muy enferma la congruencia… todo lo paradójico, parece ser el consuelo adyacente a la vida.

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Crédito:Tumblr.

“Un cambio profundo sucedió en su entorno. La luz envejecía, encanecía, se ponía pesada como el agua de un florero que no se ha cambiado desde el día anterior […]. Veía a su alrededor, dudando casi tímida: Todo estaba tan lejano: En el aposento no existía ni día ni noche, ni estaciones, ni melancolía.Recordó ligeramente otros otoños, otoños de su infancia, después repentinamente se resistió: Tenía miedo a los recuerdos.”

– Jean Paul Sartre, El muro

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Crédito:Tumblr.

 ¡Qué opulencia del sentir humano! ¡Qué necedad por temer al olvido! Nada debe de ser sometido a juicio emocional, sino todo sería incongruente y fatídico. Más fatalidad no puede haber en la vida, si afirmamos que la congruencia es el centro de la humanidad. Incongruencia para la apariencia… ¡Qué más da! El permiso para saber qué es metafóricamente bueno, se lo debemos a los loqueros –psiquiatras y psicólogos–, mientras esperamos la próxima consulta acompañada de la literatura depresiva, del sentido común a la inapetencia pura.

 El viaje es más largo de lo que parece y la torpeza deambula entre cada palabra y párrafo (mientras haya más crudeza, mejor), y la bomba de inquietantes pensamientos abruma y exaspera, causando un tipo de cliché mental. Más anormalidad, menos bifurcaciones –pensaban los que no esperaban– mientras que los que denigran la causa, suelen estar cargados de la crueldad misma.

 Plagado de un realismo, de un sentimiento de permanencia, la narrativa que toca la depresión del individuo carga consigo una ola de presentimientos que parecen ser, como una revelación masoquista hacia el mundo y sus más extraños deseos. Cualquiera que sea la forma, la literatura mueve el sentido del reloj, para detenerse en la reflexión y la capacidad de comprender la temática emocional. No todo es sabiduría ni incoherencia, sólo es vivencia.