Exposición fotográfica colectiva, Galería Transmemoria de la NanaConArte

Chulavista Art House se complace en invitar a la Galería Transmemoria de La Nana, Fábrica de Creación e Innovación presenta la exposición del Colectivo UNO sobre DIEZ, que se inaugura hoy 24 de octubre a las 19:00hrs, y permanecerá abierta hasta el 26 de noviembre de 2013.
Diez jóvenes artistas muestran sus trabajos fotográficos desde diversas estéticas, técnicas y perspectivas y se suman al movimiento colaborativo de jóvenes ayudando a jóvenes que promueve el Hub ConArteMx. La muestra incluye 50 obras en exhibición, acompañadas de una versión digital accesible en la Galería Transmemoria. Más informes @LaNanaconarte

                                                         Montaje creado Bloggif

Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Tutorial de fusión de imágenes por The Art Boulevard

El día de hoy te compartimos un tutorial muy interesante publicado por nuestros amigos de The Art Boulevard, realizado por Susana López , una joven artista visual de Gijón. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde también realizó el doctorado, su trabajo ha estado expuesto en galerías, ayuntamientos, asociaciones culturales, en exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera de España (1a Space en Hong Kong, South London Gallery en Londres o Pha´ke en Bilbao).
Los proyectos fotográficos de Susana, a menudo difundidos online, tienen un perspectiva global que se centra en temas como la inmigración, los viajes o el consumismo. 

Lo primero que voy a explicar son un par de cosas sencillas acerca de las dimensiones de las imágenes.

Las imágenes gráficas digitales se miden en puntos por pixeles  (DPI, puntos por pulgada o PPI, pixeles por pulgada). 72 ppp, es una resolución óptima para imágenes en pantallas. Para imágenes destinadas a impresión, cualquier resolución entre 150 y 600 ppp es adecuada.

Para modificar el tamaño de la imagen en Photoshop, por ejemplo, abrimos la imagen y buscamos tamaño de lienzo. En esta ventana es donde podemos modificar el tamaño  (anchura, altura o resolución) de la imagen digital.

Ahora vamos a fusionar dos imágenes para crear una nueva.

Lo primero que tenemos que hacer es seleccionar y abrir las dos imágenes que queremos fusionar. (Archivo, abrir y en la lista de imágenes buscar las dos que nos gustaría fusionar.) Comprobamos que ambas tengan la misma medida.

También necesitamos abrir un lienzo en blanco o crear un nuevo documento.

Necesitamos asignar un nombre al documento y especificar el tamaño con el que queremos trabajar.

Ahora vamos a trasladar las dos imágenes que queremos fusionar al nuevo lienzo que acabamos de crear. Existen dos opciones para esto:

– Con la herramienta arrastra hasta el lienzo en blanco.

– Con la herramienta Selección para toda la imagen copiamos y pegamos en el nuevo lienzo.

Ahora que ya tenemos las dos imágenes que queremos fusionar en el nuevo lienzo, hay que decidir la composición que queremos hacer. Esta será una composición sencilla para familiarizarnos con las herramientas. A medida que ganemos destreza y confianza podemos ir complicando las composiciones.

A menudo, me guío por las transparencias para ajustar la imagen antes de empezar a trabajar.

¿Cómo hacer más transparente una capa?. Vamos al Menú, abrimos la ventana de capas y presionamos sobre la capa que queremos modificar. Una vez que la capa está desbloqueada o activa, vamos a la opción de opacidad y modificamos el valor.

Con ambas imágenes más transparentes comenzamos a trabajar. Utilizamos la herramienta borrar para ir eliminando lo que no necesitamos.

Activamos la herramienta goma, como vemos en la imagen superior izquierda. En el menú de goma podemos ir ajustando los tamaños a medida que vamos trabajando. Por lo general, yo comienzo con una goma de gran tamaño para eliminar grandes zonas que no necesito y luego la voy reduciendo para completar los detalles.

Esta parte del proceso es más artística e intuitiva.

Ahora ya tenemos la nueva imagen. Antes de guardarla en formato JPG tenemos que volver a la transparencia original de las capas. Repetimos la operación anterior pero en esta ocasión aumentamos el valor.

Para finalizar ajustamos el tamaño de la nueva imagen.

Ahora que ya tenemos la imagen final, la podemos volver a abrir y podemos modificar el color.

Para consultar más tutoriales, da click aquí.

Un brochazo de recuerdos: Frida Kahlo

¿Cómo empezar a escribir sobre un personaje que ha marcado la historia del arte en México? ¿Cómo saber que fue, es y sigue siendo lo más relevante de su carrera? ¿Cómo englobar todo un brochazo de recuerdos?

Frida Kahlo, ¿cuántas ideas, imágenes o frases nos vienen a la mente tan solo de escuchar o leer ese nombre? Que estuvo casada con el famoso muralista Diego Rivera, que pintó miles de obras, que es reconocida a nivel mundial, sí, es algo que todos sabemos, pero contadas son las personas que conocen su verdadera historia.

Frida siempre estuvo marcada por alguna extraña enfermedad a la que se vio obligada a enfrentar en la niñez además de un desafortunado y grave accidente que se atravesó en su juventud, razones por las cuales tuvo que someterse alrededor de 32 operaciones quirúrgicas.

La temática principal de su obra en cuanto a la pintura siempre fue sobre ella misma y el sufrimiento por el que atravesaba constantemente.

Alrededor de 1938 el famoso pintor André Breton la invitó a exponer sus pinturas en Nueva York, tratando de convencerla que su arte era surrealista, sin embargo ella siempre tuvo claro que sus pinturas no expresaban sueños sino su misma realidad; a pesar de dicha excusa artistas de la talla de Pablo Picasso se interesaron y reconocieron sus obras.

En el caso de Kahlo nuevamente nos encontramos con la “herencia de talento” debido a que su padre se dedicó durante muchos años a la fotografía.

Como anteriormente lo mencionamos, Frida siempre llevó al lienzo acontecimientos, vivencias, experiencias y recuerdos sobre su infancia y adolescencia, un claro ejemplo es la obra titulada “Cuatro habitantes de ciudad de México” en donde claramente se muestra una niña triste y abandonada.

Cabe mencionar que Frida comenzó a tener un gran interés por la pintura debido a su incapacidad de realizar algún deporte físico causado por la enfermedad llamada poliomelitis que la atacó alrededor de los seis años.

Los seres humanos desde siempre hemos sido más allegados ya sea a nuestra madre o a nuestro padre, en el caso de Frida la relación familiar siempre fue más estrecha con su progenitor, especialmente después de detectarle la enfermedad antes mencionada ya que él fue el que la acompañó a las diversas terapias a las que tuvo que asistir.

Cuando comenzó a dedicarse de lleno a la pintura fue cuando en su adolescencia sufrió un terrible accidente, razón por la cual quedo incapacitada durante un largo periodo de tiempo, fue entonces cuando decidió que se dedicaría a pintar su propia vida.

Este artículo hemos decidido dedicarlo a la pintura, sin embargo no queremos dejar pasar la gran oportunidad de compartir con ustedes una hermosa frase de la autoría de tan grande artista “¿se pueden inventar verbos? quiero decirte uno: yo te cielo, así mis alas se extienden enormes para amarte sin medida.”

Bien, es así como una vez más nos damos cuenta de que por más grandes que sean los obstáculos siempre hay una manera para alcanzar nuestros más preciados sueños.

Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Rodaje 671 en Querétaro.

El pasado Viernes 09 de Agosto del presente año, el grupo de comunicación C671 de la Universidad de León, plantel Querétaro se dispuso a iniciar el rodaje de un cortometraje llamado “Despierto por un amigo”, esto como parte del proyecto final de la materia de Producción Televisiva, cabe mencionar que dicho proyecto se comenzó semanas antes con la pre-producción, es decir, la creación del guión tanto literario como técnico, búsqueda de talentos, arreglo de horarios, distribución de puestos, planeación de locaciones, entre otras actividades.

El Jueves 08 de Agosto, primer día de grabación, se comenzaron a realizar las tomas de las primeras escenas, las cuales se llevaron a cabo sin problema alguno, exceptuando que durante la grabación de una escena en exterior, para ser exactos, en un parque, comenzó a llover y las cosas se tuvieron que realizar de una manera más ágil con el objetivo de que la cámara no sufriera daño alguno.

El Viernes 08 de Agosto, segundo y último día de grabación, se realizaron diversas tomas en diferentes lugares, el primer espacio utilizado fue la misma universidad de los estudiantes de la carrera de comunicación; Para esto, los protagonistas del cortometraje, Fernando Gutiérrez y Monse Rivas llegaron a la locación en punto de las 12:00 pm para comenzar a grabar las escenas correspondientes, terminando dichas tomas, se dirigieron a la siguiente locación que era la casa de una chica del mismo grupo, ahí es en donde probablemente se encontraron con las primeras grandes dificultades, la iluminación era un poco complicada debido a que el guión marcaba que la escena era de noche y en realidad se estaba grabando en un caluroso día aproximadamente a las 2:00 pm. Después de un par de horas las escenas destinadas para dicho lugar quedaron listas y fue momento de trasladarse nuevamente para continuar con la grabación.

En el último espacio es en donde se grabarían la mayor cantidad de escenas, además de ser las más difíciles, por lo mismo antes de comenzar tanto con arreglo de escenografía como cambio de vestuario, maquillaje y demás se decidió dar un break para comer y recuperar energías, posteriormente se hicieron los arreglos necesarios para así poder continuar con el rodaje que duró unas cuantas horas más, alrededor de las 21:00 hrs todo el equipo tenía una severa fatiga, sin embargo eso no impidió que cada quien siguiera realizando sus actividades correspondientes.

Finalmente, después de más de 12 horas de arduo trabajo se dio por terminada la grabación con comentarios como el siguiente:

“La experiencia que me quedó de las más de 12 horas de grabación fue que en equipo todo se realiza más rápido y de mejor manera.

El grupo se unió para llegar a un fin, y los extras fueron muy acomedidos al hacer más que su trabajo y ayudar a componer la escenografía entre otras tareas del staff.

La grabación fue extenuante, como tuvo sus momentos de risa, también tuvo sus momentos de frustración en los cuales ya todos queríamos terminar e irnos a casa.

Creo que trabajando en equipo, todo se puede lograr, ya que varias cabezas piensan mejor que una y eso se notó gracias a que cada quien desempeñó su trabajo, ya fuera como staff, extra, director, productor o siendo parte del departamento de arte.”  -Diana Gutiérrez, Departamento de Arte.

El fútbol desde la perspectiva fotográfica de los 40

Algunos momentos memorables del fútbol mexicano de los años 40 que fueron captados por las cámaras fotográficas de aquel entonces serán exhibidos en la Fototeca Nacional dentro de la exposición Los encuadres del futbol. Fotografía y balompié en la década de los 40.

Con la finalidad de recordar una época destacada dentro de la historia de la fotografía mexicana, el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) retomó imágenes de uno de los deportes más populares del país, pues tales fotos permiten apreciar la capacidad de las cámaras fotográficas de principios de los 40 para capturar el movimiento, lo cual lograban gracias a características como la velocidad de obturación de hasta un quinientavo de segundo.

Los encuadres del futbol en la Fototeca Nacional.

Heladio Vera Trejo, curador de la muestra, explicó que hasta la década de 1930 las fotografías deportivas eran acartonadas debido a que se tomaban con placas de vidrio, además, el fotógrafo utilizaba un paño oscuro y hacía la toma de tal forma que parecía que los jugadores posaban para la cámara, por tanto, las modificaciones que sufriría el equipo diez años más tarde permitirían crear “nuevas maneras de aprehender las imágenes”, detalló el encargado del montaje según un comunicado del INAH.

La calidad de imagen mejoró y la captura del movimiento fue posible gracias a las nuevas velocidades de obturación de las cámaras de 1940.

La muestra consta de 36 fotografías acomodadas en secuencia según las acciones capturadas en cada imagen, por ejemplo, va desde “las intentonas de gol, las jugadas de medio campo, el tiro de esquina y el indirecto, la falta y la intromisión de los aficionados que en refriega invadían el campo de juego y, por supuesto, el ¡gooool!”, explicó el curador.

Los encuadres del futbol se exhibirá hasta el día 18 de agosto de 2013 en la sala “Nacho López” de la Fototeca Nacional, ubicada en Ex Convento de San Francisco, Casasola s/n, centro de Pachuca, Hidalgo; la exposición puede visitarse de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. La entrada es gratuita.

YAGO PARTAL Y SU ARTE VISUAL

Yago Partal es un gran creador de artes visuales. Sus obras están llenas de sentimientos y emociones que se pueden ver y sentir, las expresiones de sus obras son lo que hace de Yago un maestro visual.

tumblr_mpoly9scPU1r23m4yo1_1280
Destrucción de una mente, por Yago Partal.

No todas su creaciones son  grises y llenas de dolor, su trabajo esta lleno de múltiples obras que sin duda alguna son tan diferentes como las personas, aunque su creador es el mismo. Es muy emocionante ver el cambio de colores y contrastes, los cuales hace de Portal, un artista multifacético que no se enfrasca en un solo estilo.

Yago también es el  autor de los Zoo Portraits, una serie de retratos de diversos animales con vestimentas muy modernas que encantan a todos.

  yago partal

yagopartal3Sin duda, Partal es un artista muy original, siempre dispuesto a probar nuevas cosas y experimentar para poder crear algo que nos deje asombrados, ya sea blanco y negro o completamente lleno de colores, sus obras siempre nos harán voltear y observarlas con gusto.

Para conocer más de su trabajo, entra a www.zooportraits.com o da click aquí.

Tierra de Nadie, Baron Negro en Querétaro

El pasado domingo 28 de julio del presente año el grupo de teatro Barón Negro tuvo una participación dentro del Festival Cultural Santiago de Querétaro con motivo del 482 aniversario de dicho estado.

El grupo conformado por MaFer Monroy, Carlos Casas y Fabián Verdín en escena, Roberto Ramírez en musicalización y Jean Paul Carstensen bajo la dirección, tuvo la oportunidad de presentar su ya conocida puesta en escena titulada Tierra de Nadie.

La historia se desarrolla sobre un escenario bastante sencillo compuesto por varias mantas que pueden ser acomodadas de diferentes maneras y de una forma rápida, todo esto para facilitar el trabajo de los actores, de la misma manera la utilería y vestuario son simples, sin dejar de lado la estética de la producción.

La presentación se llevó a cabo en el Cineteatro Rosalío Solano, ubicado en el centro histórico de la ciudad. En punto de las 18:00 horas los asistentes tuvimos acceso al lugar y a las 18:10 horas se dio la tercera llamada con la cual la obra dio inicio.

La historia gira en torno a tres personajes principales, el señor Craw, Leonor y Kame, quienes se encuentran en un lugar llamado “Tierra de Nadie”, un espacio en el que se asegura era muy diferente, lleno de árboles, flores, animales y demás cosas que hacen que un lugar sea bonito y agradable para vivir, sin embargo ahora es una tierra árida, seca y sin vida; Además de todo en dicho lugar los personajes adquieren una personalidad totalmente diferente a la que tenían en vida, sumándole que con frecuencia olvidaban de dónde venían o hacia dónde iban.

El clímax de la obra llega cuando después de una larga caminata, y el encuentro con un gato sabio se descubre que el señor Craw en realidad es el padre de Leonor, el inconveniente de todo esto es que debido a los actos realizados en vida a Leonor no le pertenece estar ahí ya que los dioses la exigen por su buen comportamiento.

El momento más emotivo, en el que incluso hubo personas que llegaron a las lágrimas, se encuentra cuando Leonor y su padre se tienen que despedir.

Al preguntar a Carlos Casas, uno de los actores de dicha obra ¿cuál es el mensaje que buscan transmitir? Nos contestó “Hablar sobre la pérdida cuando se presenta la muerte, además de esto provocar una reflexión sobre los actos que realizamos en vida teniendo en cuenta que tal vez algo o alguien nos lo cobre en una vida posterior.”

Así mismo nos dimos a la tarea de preguntar a varios espectadores, ambos estudiantes de la carrera de comunicación, su opinión acerca de la puesta en escena, nos contestaron lo siguiente:

Paulina Reséndiz nos dice “Fue una buena obra en la que para muchos el mensaje que deja significa bastante, de igual manera la actuación de los chavos fue muy buena.”

Néstor Moya nos comenta “La obra fue muy buena, técnicamente me gustaron mucho los movimientos de los títeres y las emociones que lograban proyectar, como mensaje me deja que aun después de la muerte debemos cumplir con un destino.”

Cabe mencionar que el lugar estuvo lleno de gente, que con sus risas y aplausos enriquecieron de manera sorprendente dicha presentación.

El Teatro olvidado

El Teatro, ¿Aburrido o interesante? En la época en la que estamos hay muchas personas que aún no han tenido la dicha de asistir a una puesta en escena y a pesar de esto tienen el descaro de afirmar que su falta de interés por este maravilloso tipo de arte es que les parece demasiado aburrido, pero ¿Cómo pueden asegurar esto si jamás se han dado el tiempo para empaparse de la magia que es transmitida por diversos personajes, quienes te transportan a un mundo completamente diferente?

Éste tipo de personas también suele comentar que prefiere realizar otro tipo de actividades que en su criterio les parecen más interesantes, tales como ir al cine o de antro; y sí, son actividades que realmente relajan y te hacen olvidar al menos por un momento de la carga de estrés que cada uno de nosotros tenemos; sin embargo creemos que debemos de darnos el tiempo para conocer tanto como cosas, como actividades y lugares nuevos, y una excelente opción para esto perfectamente podría ser  asistir a una obra de teatro en la que sin duda se aprenden miles de cosas.

El teatro es un arte al que le urge empezar a ser reconocido, la mayoría de la población cree que para montar un espectáculo basta con subirse al escenario y “entretener” al público, pero las cosas no son así, para poder llevar a cabo un buen performance son necesarias diversas herramientas de apoyo tales como vestuario, maquillaje, escenografía, utilería, y una infinidad de cosas más, de la misma manera son necesarios permisos con el gobierno y cientos de horas de ensayo por las cuales los actores dejan de realizar actividades importantes para ellos o asistir a eventos. En cierta ocasión un profesor de teatro, con un tono realmente serio dijo “Prepárense para el gran mundo del teatro, olvídense de las fiestas, ya que jamás podrán volver a faltar a algún ensayo o función, así sea el funeral de su madre, en ésta carrera, sólo podrán faltar cuando se trate de su propia muerte.” Cosas como éstas  son las que los asistentes no suelen valorar o simplemente no quieren darse cuenta.

Tal vez suene muy drástico, pero tal vez esta falta de interés por parte de la sociedad, respecto a asistir al teatro, está provocando el desplazamiento del mismo, ya que por ésta simple y sencilla razón muchos grupos actorales comienzan a desanimarse por la falta de audiencia en las diferentes presentaciones que llegan a programar.

En Chulavista Art House A.C.  tenemos la seguridad de que aún estamos a tiempo de rescatar lo que nos queda del teatro, así que ¡manos a la obra!

La fotografia de Steve McCurry

Se interpreta que las miradas dicen más que una palabra, pero ¿se han preguntado que  nos puede decir una fotografía?

Steve McCurry conocido mundialmente como uno de los mejores “creadores de imágenes” actuales, es especialmente famoso por sus evocadoras fotografías a color. Ha sabido capturar la esencia de la lucha y la alegría humanas.

steve

Nació en Filadelfia  y se graduó en la Universidad Estatal de las Artes y Arquitectura de Pensilvania. Trabajo durante dos años en un periódico y posteriormente , partió a India como fotógrafo freelance. Ahí aprendió a observar y esperar. Según sus propias palabras, “si eres paciente, la gente olvida tu cámara y deja aflorar su alma”.

steve dos

Su carrera alcanzó un punto decisivo cuando, vestido con ropas tradicionales, cruzó la frontera pakistaní y entró en territorio afgano controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética. Cuando salió, tenía rollos de película cosidos a su ropa con imágenes que darían la vuelta al mundo, como las primeras que mostraron el conflicto. Este trabajo le hizo ganar la medalla de oro de Robert Capa al mejor reportaje fotográfico del extranjero, premio dedicado a los fotógrafos que muestran un valor e iniciativa excepcionales.

steveotra

La obra de McCurry ha sido expuesta en las revistas más importantes del mundo y con frecuencia aparece en National Geographic, que ha publicado artículos recientes sobre el Tíbet, Afganistán, Iraq, Yemen y los Templos de Angkor Wat, en Camboya.

steve again

Para consultar más del trabajo de McCurry . da click aquí 

Arte urbano

Como todos sabemos, existen diversos tipos de arte. Que si contemporáneo, que si clásico, que si moderno, que si abstracto, que si urbano, que si reconocido o no reconocido, ¿pero cómo saber en que tipo de arte encaja cada cosa?

¿Por qué algunas personas tienen la gran oportunidad de mostrar su talento en galerías y grandes escenarios, mientras que cientos de personas más se tienen que conformar con mostrar lo poco o mucho que saben, pero a fin de cuentas muy valioso, en una esquina, o en una plaza? ¿Por qué no les pueden dar el mismo crédito, si lo que ambos hacen es considerado arte?

Se le conoce como arte urbano a todo aquello que, valga la redundancia, es arte, pero que afortunada o desgraciadamente aún no tiene un espacio fijo para mostrarse ante un público definido.

Al caminar por el centro histórico de la ciudad de Querétaro nos podemos topar con infinidad de personas que muestran lo que saben y les gusta hacer, y que no precisamente lo hacen con el fin de recibir algún tipo de remuneración económica, simplemente lo hacen para mostrar su talento, y con esto, robar una sonrisa a las personas, alegrar el día de alguien, ayudar a la gente a salir de la cotidianidad, invitar a la reflexión, en fin, podríamos encontrar miles de razones por las cuales las personas deciden salir a las calles a mostrar su arte.

Un claro ejemplo de arte urbano es el señor David Quintero, quien tiene una experiencia de aproximadamente treinta años tocando el violín, y de un tiempo para acá decidió acudir al centro histórico de la ciudad de Querétaro, precisamente en el andador 5 de Mayo, a mostrar lo que sabe hacer perfectamente y asegura, es lo que ama; al pasar por dicho andador, decenas de personas se detienen un momento a escuchar las bonitas melodías que este artista interpreta con una gran delicadeza y dedicación.

Otro claro ejemplo son las bandas musicales que se presentan en plazas del centro de la ciudad, sin recibir ningún tipo de apoyo económico, pero que sin embargo, al terminar su presentación se van a sus casas con la enorme satisfacción de haber recibido tanto aplausos como sonrisas sinceras de parte del público, que a pesar de todo los apoya.

¿Por qué se sigue diciendo que el futuro del país se encuentra en las manos de los jóvenes, si cuando buscan expresarse no se les da el apoyo necesario o se les ponen miles de trabas para hacerlo?

Podemos asegurar que en la actualidad el arte no es muy reconocido, es por eso que la gente decide salir a las calles a hacer lo que llamamos “Arte urbano”, que no por ser mostrado en las calles es sinónimo de baja calidad, así que los invitamos a apoyar todo tipo de arte, que aunque no se encuentre en un importante escenario también es digno de nuestro reconocimiento.

El universo puro, simple e inmutable: La persistencia de la Geometría en el MUAC

Desde la década de los setentas, una serie de artistas comenzaron a tratar de propiciar formalizaciones a un inmenso espectro de prácticas al alcance de la geometría, llevada desde la abstracción hasta la capacidad referencial del arte. En un espacio delimitado por 76 obras de 29 artistas, respectivamente, se apela, según Ninfa Bisbe —directora de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “La Caixa”— tanto a lo sensorial como a una reflexión de tipo cultural, social o política.

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ''la Caixa''

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941). Black Stones Under Yellow Light [Piedras negras bajo luz amarilla), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ”la Caixa”

En 1998, el prodigioso director de cine estadounidense, Darren Aronofsky, utilizó al séptimo arte para expresar en su ópera prima, ideas enredadas en ficción que trataban de dar una explicación a los patrones en el universo mediante las series numéricas y coincidencias inesperadas. Mismas concepciones estaban basadas en los tratados de grandes genios matemáticos, tales como Leonardo de Pisa, quien realizó estudios acerca de sucesiones numéricas, lo que lo llevó a idear la sucesión de Fibonacci.

A su vez, históricamente, con la utilización de números con un vínculo asombroso, se pudieron obtener imágenes que brindaron una interpretación a los paradigmas de la naturaleza, siempre de la mano de la geometría. La persistencia de la Geometría está dividida en siete núcleos temáticos: “Metafísica de la geometría”, “Formas esenciales”, “Geometría en acción”, “Dibujar el espacio”, “Estrategias geométricas”, Intersecciones en la arquitectura” y “Minimalismos en expansión”.

IMG_3875

 

En la inauguración de la muestra, el Embajador de España en México, Manuel Alabart, confió en que el MUAC es el mejor espacio para presentarla, asimismo señaló que es un privilegio poder presentar una selección de estas colecciones. María Teresa Uriarte, coordinadora de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), afirmó que la exposición muestra cómo la geometría se ha trasladado al arte contemporáneo.

 

“El arte contemporáneo ha trascendido de las formas clásicas para ampliar su capacidad de impresión y de comunicación”, enfatizó el director del MACBA, Bartomeu Marí.

Las fotos y videos de artistas como Eleanor Antin, Bruce Nauman, Josep Ponsatí, Robert Smithson, Ana Mendieta y Francesc Torres, expresan a la geometría como algo animado. Otros de los artistas en la exposición son León Ferrari, Àngels Ribé y Ana Mendieta.

La quinta muestra que resulta de la asociación entre la Fundación La Caixa y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, MACBA, que ya se exhibió en Madrid, permanecerá abierta al público hasta enero del 2014 en las salas 7, 8 y 9 del MUAC.

Exploded Flowers, colores y estructuras de Fong Qi Wei

Despedimos a la primavera con las fotografías del artista Fong Qi Wei,  que desmonta 20 flores para captar su belleza pieza por pieza. La colección Exploded Flowers refuerza la misión del autor; crear imágenes que lleguen al pensamiento. En ellas se demuestra la perfecta simetría de la naturaleza, así como sus cautivadoras estructuras y colores.

De las maravillas que nos muestran las piezas del autor, encontramos la compleja estructura  de girasoles y rosas, solo por mencionar algunas. Cuando se desmontan las flores, podemos percatarnos que su extensión es mayor que en su forma original.

 

Fong Qi Wei ha participado en los International Photography Awards. También fue reconocido con el segundo lugar del concurso internacional IPAI 2012 en la categoría Naturaleza. Para conocer más de su obra, da click aqui.  

Gilbert Garcin, talento en blanco y negro.

La mayoría de los jóvenes en todo el mundo tiene contemplado empezar su carrera artística desde una edad  temprana con el fin de tener mas tiempo para probar, experimentar y encontrar el estilo que caracterice su obra. Sin embargo, hay contadas excepciones en que el talento natural surge y desarticula los procesos a los cuales estamos acostumbrados.

Gilbert Garcin es un claro ejemplo. Nació en Ciotat, Francia, en 1929. Estudió en la Escuela Superior de Comercio de Marsella. Cuando se jubiló de su negocio, a los 65 años, decidió  que era tiempo para dedicarse a la fotografia. Hasta este punto de la historia se podría suponer que el plan de Garcin era tomar fotografías a sus nietos, hijos y familia, es decir, fotografías que usualmente la gente toma. Sin embargo, nadie se imaginaba que la cabeza de Gilbert maquinaba un estilo único.

Cuando se dedicó a estudiar el arte de la fotografía, se dio cuenta que era la herramienta perfecta para comunicar experiencias acumuladas a lo largo de su vida. Y el resultado fue piezas irónicas que juegan entre lo cómico y lo inimaginable.

El trabajo del fránces divierte e intriga. Recuerda a la época del cine mudo de Chaplin, blanco y negro, en donde la ironía es una manera de ver  y vivir la vida.

Para disfrutar más del trabajo del artista, da clic aquí.

 

 

 

 

Colectivo Revólver, muestra fotográfica en el Futurama

El rollo dañado forma una textura estelar sobre la imagen  donde se vislumbra a un muchacho ascender sobre una rampa en su bicicleta, el fondo negro y el flash apuntando hacia la superficie lo hacen parecer como si hubiera alcanzado la luna.

Ésta y otras escenas capturadas son parte de la exposición  fotográfica  que Colectivo Revólver presenta en el Centro de la Juventud, Arte y Cultura,  Futurama, ubicado en la colonia Lindavista.

Inaugurada el pasado primero de Junio, la muestra está conformada por el trabajo de siete fotógrafos de distintas disciplinas, desde un geógrafo,  arquitecto, restaurador y hasta estudiantes de fotografía profesional. Todos ellos trabajaron no sólo en las fotografías sino en la curaduría y el montaje.

La galería nos presenta un recorrido por las distintas caras de nuestro México contemporáneo en más de 30 fotografías: los pasajes bucólicos de la sierra, la vida citadina, el oficio de pescador en contraste con la policía en de la umbría ciudad, peleas callejeras, rostros cansados, jóvenes divirtiéndose, retratos de la gente de nuestro tiempo y globos de cantoya jugando a ser estrellas sobre el firmamento.

En palabras de uno de los integrantes, Claudio Valle, la exposición busca mostrar cuestiones sociales llenas de sensibilidad.

Esta primera exposición de Colectivo Revólver nos devela el gran talento que puede tener un grupo de jóvenes fotógrafos cuando su meta es disparar para dar en el blanco de la sensibilidad del momento y demostrar que si se pone atención, hay grandes historias en lo que pudiera parecer cotidiano.

Ascenso por Gabriela Trejo
Ascenso por Gabriela Trejo

Autodisparo, una exposición para difundir la Sociedad Astronómica Mexicana

autodisparo

 

De un curso básico de fotografía, impartido por el fotógrafo Everardo Baroja, surge Autodisparo, una exposición de autorretratos donde conceptos abstractos como la maldad, la inmensidad, la alegría o la sensualidad fueron materializados con un solo click.

La muestra fue inaugurada el pasado viernes en la Sociedad Astronómica Mexicana, ubicada frente al parque Xicoténcatl en Coyoacán, y montada por los alumnos mismos con la intención de difundir la sociedad que es una asociación civil no lucrativa.

Ocho autorretratos son expuestos en las dos primeras plantas del edificio. Uno del profesor y el resto de los alumnos que pertenecen a distintas instituciones como la UNAM, el IPN y la UAM. Un hombre apuntando con una pistola contra su cabeza, un sujeto degustando un frasco de Nutella, una mirada perdida en las estrellas y unos pies enterrados bajo la espuma del mar son motivos con que los fotógrafos se definen en su trabajo.

Autorretrato realizado para la exposición por Víctor Hugo Jiménez, estudiante de Lingüística en la UAM.
Autorretrato realizado para la exposición por Víctor Hugo Jiménez, estudiante de Lingüística en la UAM.

Aunque no hubo una charla explicativa, en las palabras que dio Everardo, la exposición busca “dar a conocer la sociedad”, pues de llegar a tener hasta 1000 miembros, entre los que figuraron el compositor y astrónomo Francisco Gabilondo Soler (Cri-cri), en la actualidad cuenta con menos de 100.

La Sociedad Astronómica Mexicana, como su lema lo dice, es un espacio hecho “por la divulgación de la astronomía”. Fue fundada en abril de 1902 por el profesor de física Luis G. León y varios profesores de la Escuela Nacional Preparatoria. Entre sus instalaciones destacan un planetario digital, un planetario optomecánico y dos observatorios. La sociedad está abierta a todo aquél interesado por el estudio de la astronomía.

Y si se preguntan ¿Por qué una serie de autorretratos si se trata de una sociedad astronómica? La respuesta es simple, nosotros también somos parte del universo.

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

AA

En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

PET

La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

COLLAGE CAMUFLAJE: ERNESTO ARTILLO

Entender el trabajo de Ernesto Artillo es el incio de un mágico viaje por la imaginación: partes del cuerpo que se funden con elementos de la naturaleza, intervenciones tridimensionales en fotografías que acentúan el color y la expresión de la imagen que representa la escencia cambiante de la especia humana que se enaltece con su individualidad. Cada composición explora diferentes etapas de esta evolución interior que Ernesto lleva a través de la moda, la fotografía y el mundo que nos rodea en experimentos visuales

 

 

La Maravilla de la Perla de Occidente

Guadalajara, conocida como la Perla de Occidente de México, es reconocida a nivel mundial por ser la capital del Tequila y del Mariachi. Esta ciudad, capital del estado de Jalisco, cuenta con un inmenso acervo histórico y cultural, además de un extenso número de monumentales construcciones reconocidas por su espectacular arquitectura, influenciada principalmente de las corrientes Neoclásica y Barroca.

En la ciudad de Guadalajara se puede encontrar una gran diversidad de artistas independientes con gran talento, a los que lamentablemente, no se les ha brindado el reconocimiento merecido. Por ello, el próximo 16 de febrero Chulavista Art House pondrá su granito de arena y llevará a cabo un evento que dará la oportunidad de apreciar y disfrutar un poco de las propuestas del arte independiente en Guadalajara. Es aquí donde Ana Vázquez y Angélica Topete ofrecen una exhibición que involucrara dos series fotográficas, dando un recorrido por esta ciudad con una herencia cultural evidente por todas partes y una diversidad increíble y majestuosa dónde lo moderno se combina con lo histórico en cada rincón.

Flyer Evento 16 de febrero-1

 

 

El evento se llevara a cabo en el foro Live Salas de Ensayo (Morelos #2088), en donde los asistentes podrán convivir con la fotografía y la música, comandada por Los Savants, donde construirán una atmosfera llena de energía para que podamos apreciar todos los detalles de esta hermosa ciudad.

Va a estar rico, ¡no se lo pierdan!

L’ÉTIQUETTE: un estudio de diseño único

L’ETIQUETTE es un estudio multidisciplinario con sede en Francia que se enfoca en la creación en cualquiera varias disciplinas: video, editorial, fotografía y arte. Contrastando en cada proyecto, proyectando diferentes facetas en cada uno, la utopía, el color, los contrastes, matices que individualmente crean una identidad visual fácil de reconocer, digerible y única.

ETIQUETTE

ETIQUETTE

Éste proyecto editorial se llama Insane, la tipografía, la justificación y los detalles en cada página son notables, las fotografías son brilantes, la paleta de colores contrastante, llamativa; el libro en sí es una pieza que conjuga diseño y arte una de los trabajos más sobresalientes de L’ÉTIQUETTE .

insane

insane

insane

insane

Return es un trabajo fotográfico que se basa en la relación visual de objetos y personas, convierten al objeto en arte y a la persona en objeto. Un interesante análisis que conecta la irrealidad con un contexto natural, orgánico que respeta y enhaltece su línea gráfica sutil pero directamente.

return

return

return

High five book 2.0 es un trabajo en proceso ( con cierta crítica social) en el que colaboran varios artistas digitales que buscan representar “su propia visión de una personalidad a su eleccion”.

high five

high five

high five

Y como uno de sus más interesantes trabajos en video L’APPARENTE BEAUTÉ es un trabajo que, como en la mayoría, se conjuga el arte y el diseño dándole fuerza a su temática visual y estética; una especie de performance que encapsula en escencia lo que significa ser un equipo que usa la creatividad y la transforma.

beaute

Visiten: http://www.studioletiquette.com

Artes Visuales+Real del Monte

El arte no es la expresión de algo en tu interior que se externaliza, no es la imitación de una realidad (subjetiva u objetiva). Es un modelo, un mapa que delimita, crea, un territorio que no existía antes. Es algo externo -formas, colores, sonidos- que nos seduce y nos posibilita crear (algo que podemos llamar) un interior. Un espacio interior que luego pensamos siempre estaba ahí; lo que entendemos como nuestra identidad. El arte es un punto de encuentro entre lo social y lo individual, un punto donde ambos se forman mutuamente en un baile a veces tiernos, a veces violentos. Es un punto que en un mapa se podría señalar con una “X

Con este prólogo, el  artista ingles  Jonh Lundberg  invita a una de las exhibiciones más interesantes en el escena del arte mexicano : X Aniversario.

Esta exposición surge como una celebración por los excelentes resultados de  apostar por el arte e impulsar la creación de  licenciaturas especializadas, como la Licenciatura en Artes Visuales,  que desde el 2002, se imparte en el Instituto de Artes ubicado en el pueblo mágico de Real del Monte.

Esta muestra es, sin duda, un acercamiento al basto trabajo  tanto  de académicos como alumnos. A través de distintas técnicas como son: acrílico, dibujo digital , óleo, fotografía, vídeo, entre muchas otras, nos otorgan  un panorama del talento, la creatividad y pasión existente en los  jóvenes hidalguenses.

“Sigo aquí”/Fernando Espinoza García/Video 2012

“Mis sueños no caben en las urnas”/Dulce Hernández /Fotografía digital.2012

X Aniversario es una exposición natural que  logra envolver con el espectador con temas de relevantes en contexto nacional. A su vez, es una muestra contundente de la importancia de invertir en el arte, con fin que cada día, más jóvenes mexicanos pueda desarrollar su talento.

 

“De clase humana”/Raul Caudillo/Impresión de inyección de tinta.2012

X Aniversario se encuentra en Cuartel del Arte, Plaza Aniceto Ortega, Ex-convento de San Francisco s/n col. Centro, Pachuca. Martes a Sábado de 11:00 a 18:00 horas y Domingo de 11:00 a 15:00 horas

Entrada Libre

 

El arte de ser una familia disfuncional

Más allá de lo cotidiano de vivir en una familia disfuncional Tesa Koot y Lisa Kapple crearon una hermosa utopía que le da otro significado a éste termino. La diseñadora Tessa Koot y la fotógrafa Lisa Klappe crean a través de la serie: “A disfunctional family: Happy Birthay Tessa and Lisa” una atmósfera contrastante, fantástica con alma propia interviniendo muebles que cobran vida, objetos abandonados que son renovados y toman su propio papel en esta serie de fotografías que extienden el lazo familiar más allá de los lazos humanos.

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Una atmósfera antigua, un toque de audacia y una critica social de fondo, es el resultado de este interesante trabajo que propone un vistazo a nuestra propia realidad irracional.

 

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

Happy Birthday Tessa and Lisa, LTVs, Lancia TrendVisions

 

I’m not there: Una catarsis en fotos

‘I’m Not There’ de Pol Úbeda Hervàs  es una serie de imágenes que muestra a Hervàs mirando su propia sombra. Con el único detalle que de que su figura fue removida de las fotografías y todo lo que queda en la fotografía es su calzada y su oscura silueta.  Hervàs se inspiró cuando dijo: ‘I don’t recognize myself any more’.

pol-ubeda-05

Deja sus zapatos en las imágenes para recordarle al espectador que aún hay un hombre detrás de esa sombra que ve.

pol-ubeda-04

pol-ubeda-03

 

 

pol-ubeda-02

pol-ubeda-01

Además acompaña su serie de fotos con unas líneas que complementan su obra:

How can we accept that we are changing?
How can we accept we hardly recognize ourselves in certain situations?
I am changing at this very moment of my life.
I do not react in the same ways I used to. I am surprised. Is that me?
These pictures are the way I see myself now.
My shadow is there but I erase myself because I don´t know who I am any longer.
The shoes remain only to make sure there is something more than… a shadow.

 

Sky Ferreira para Saint Laurent

No es raro que la marca francesa Saint Laurent opte por personalidades de la música para reflejar la esencia joven de la marca. Esta vez representada por la actriz y cantante Sky Ferreira en un lookbook sobrio que explota con el gran carisma de ésta chica que también ya tiene experiencia como modelo, mostrando aquí una de sus mejores facetas. Dirigido por Heidi Slimane , este lookbook opta por la esencia misma de la elegancia como buen accesorio de una actitud única y explosiva que Sky imprime a cada una de las fotografías.

 

 

 

 

Jonni Cheatwood: Creatividad cultiva esperanza

Jonni Cheatwood es un artista que se dedica a la deconstrucción, a buscar la verdad en lo abstracto.

A pesar de su aparente complejidad, su lenguaje gráfico se comunica naturalmente, su propuesta es fresca y su estilo tiene un espíritu propio. Este artista se interesa por la escencia propia de cada obra, misma que se proyecta en las diferentes percepciones que genera en cada persona, es decir,  poder recrear la nada en algo hermoso. Él es idealista, experimental, arriesgado y con fuerte influencia de las subculturas urbanas. Aquí les presentamos un trabajo elaborado de fotografia intervenida con acrílico: “Grace Series”, que centra especial atención en el color y en formas onduladas que le dan movimiento e impacto a las caras derretidas de cada una de las imágenes.

 

 

 

Más de sus obras en su página web.

La mejor foto en vista aérea de Manhattan

Nueva York es una ciudad muy pintoresca causa sentimientos que uno a veces no sé explica porqué. En especial Manhattan, una isla que no nos quita esa emoción al recordar en películas, en fotos, e incluso, en canciones.

El fotógrafo Sergey Semenov  ganó el primer lugar en la categoría amateur de los Premios Internacionales de Fotografía Panorámica Epson.

Semenov trabaja para AirPano, viajando por el mundo para crear estas fotos panorámicas aéreas 3D en alta resolución.

Si quieren ver más trabajos de Semenov visiten su sitio web

Roberto Sánchez SS13 Lookbook

Roberto Sánchez no se limita a la moda, la rebasa.

Éste es uno de los manifiestos del diseñador mexicano Roberto Sánchez, un joven talento mexicano de fama internacional con una corta pero interesante trayectoria; comenzó vendiendo en bazares ropa que customizaba y después formó parte de Clínica, una tienda donde se reunían las mejores propuestas de la moda mexicana para posteriormente explotar plenamente su potencial creativo en TEAMO, una marca que comenzó con Rafa Cuevas, y que a pesar de su corta existencia le dió experiencia y reconocimento.

Tiempo después que este proyecto se consumara, Roberto emprendió su propio camino y comenzó con su propia línea de ropa, empezando desde cero y reinventándose a sí mismo. Dos años después, se puede corroborar su gran éxito con la entrega de su lookbook para la temporada primavera verano 2013. Con muchos prints, tshirts abstractas, marcadas líneas geométricas, destellos de colores brillantes en conjuntos que apuestan por la comodidad y el estilo, texturas que remiten a un estado natural. El resultado es una colección balanceada que imprime totalmente la esencia de la imaginación y versatilidad de este gran diseñador que no deja de sorprendernos.

Arte masculino dominado por mujeres

El mundo del arte era dominado por los hombres. Sin embargo, las mujeres irrumpieron con fuerza y voz propia en ese territorio hostil para dar a conocer su visión de la realidad. Y así nació el proyecto Museo de la Mujer, de la artista y feminista rusa Tatiana Antoshina.
En una serie de fotografías inspiradas en conocidas obras de arte, Antoshina cambió de sitios al hombre y la mujer. La iniciativa surgió en 1997, pero sigue despertando el interés del público. “El cuerpo femenino es bello, no cabe duda. Pero no me inspira, no me conmueve”, confesó.
Antoshina explicó que los desnudos masculinos se relacionan habitualmente con el arte antiguo. Mientras que en el Museo de la Mujer todo responde a los intereses de las féminas, sin que el hombre moderno y de alto poder adquisitivo pueda dictar sus gustos. La fábula parece simple, no obstante, indica Antoshina, se trata de un juego sutil que una vez más llama la atención sobre las desigualdades de género en el mundo contemporáneo.

155629872

Los jugadores de naipes (Foto con permiso de Tatiana Antoshina)

“Mi intención era romper los estereotipos. Es un espacio donde las mujeres y los hombres intercambian sus papeles”, relató.
Para Antoshina, cuando la artista es una mujer, el objeto de arte puede ser un hombre, tal y como ella lo quiere contemplar, por mucha incomprensión que genere entre el público.

El “museo” y otras creaciones de la pintora feminista persiguen un fin: hacer que la mujer tenga su propia voz y valore la realidad partiendo de su naturaleza femenina, y no los estereotipos impuestos por una sociedad patriarcal.
“Los paradigmas mentales están cambiando. Confío en la continuidad de esa tendencia. Nuestra vida la enriquecerán nuevos valores, y las portadoras de esos valores serán precisamente las mujeres”, pronosticó.
Los trabajos de Tatiana Antoshina fueron expuestos en más de 200 muestras por todo el mundo y actualmente forman parte de las colecciones de centros culturales de Rusia y Estados Unidos, entre otros países.

 

Con información de Ria Novosti en español 

FILMography

Es curioso estar en el lugar y momento adecuados, sobre todo si es uno de los escenarios principales de tu pelicula favorita. Así lo pensó el periodista neoyorkino Christopher Moloney quien desde hace poco tiempo decidió abrir un tumblr en el que documenta por medio de fotografías los lugares exactos donde fueron rodadas escenas de films clásicos (de todas épocas) que ya son conocidos por todos: Midnight Run, Breakfast at Tiffany’s, Spiderman, Homealone 2 y muchas otras. El ejercicio consiste básicamente en imprimir las escena de la película del lugar en cuestión, empatarlo en el cuadro de la fotografía y voilá! Tienen un resultado nostalgicamente divertido.

 

The Royal Tenenbaums (2001)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Factory Girl (2006)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Home Alone 2: Lost in New York (1992)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Spider-Man 3 (2007)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Godspell (1973)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

Breakfast at Tiffany&#8217;s (1961)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

You&#8217;ve Got Mail (1998)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

Scott Pilgrim vs. the World (2010)<br /><br />
Posted by: @Moloknee

 

FOLLOW! http://philmfotos.tumblr.com

La Magia De Cartón De Rogier Wieland

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Rogier Wieland es un animador y diseñador gráfico y audiovisual con base en La Haya, Holanda. Su trabajo explora la utilización de cartón, papel y madera como principales materiales en el proceso creativo.

Como resultado de sus experimentos, Wieland ha realizado asombrosos trabajos audiovisuales entre los cuales destaca The Modern Dance, proyecto que ha capturado la atención de las audiencias en internet.

La técnica empleada es sencilla pero laboriosa. Wieland grabó al personaje en video, después separó en imágenes fijas cada uno de los cuadros del video; luego imprimió en cartón y recortó cada una de las imágenes y finalmente las utilizó para animar cuadro por cuadro las escenas en las locaciones que aparecen en el video. La misma técnica es vista en The Audience:

El realizador holandés también ha empleado la animación con sus materiales favoritos para la producción de proyectos comerciales como esta campaña de la marca de agendas y libretas Moleskin.

La combinación del proceso digital con las texturas de los materiales crea una impresión óptica hipnótica y agradable. La técnica, además, provee la posibilidad de jugar con el espacio y los tamaños, alterar la percepción de la realidad y construir divertidas composiciones visuales.

Faking It: Foto antes de photoshop

Desde el pasado octubre el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET) inauguró la exhibición: “Faking It: Manipulated Photography Before Photoshop”. A través de ésta se busca dar a conocer un poco de los trabajos de fotografía analógica de la década de 1840 a principios de 1900, época en la que no había técnica computarizada alguna para modificar  fotografías. Las más de 200 fotografías que integran la exposición fueron modificadas durante el revelado, esto a través de foto montaje, de la combinación de imágenes en la impresión, retoque, sobre impresión, entre otros procesos.

En conjunto con la exhibición fotográfica, el MET lanzó una aplicación interactiva en la que el público puede revisar qué fotos han sido modificadas y cuáles fueron las modificaciones que se les hicieron.

Para probar tus conocimientos sobre fotografía analógica puedes hacerlo desde el sitio oficial del MET en: http://met.org/PZzbGS o descargar la aplicación desde iTunes http://met.org/QIvSE1

Bernhard Willhelm Lookbook SS13

Por Knuxx

@knuxxvomica

Uno de los diseñadores favoritos de este año, Bernhard Willhelm, presentó hace unas semanas el lookbook de su colección primavera/verano 2013: gifs animados e imágenes intervenidas que fueron el resultado del trabajo en conjunto del diseñador brasileño y animador en 3D Geoffrey Lillemon.

Una forma diferente e irreverente de plasmar el trabajo que presentó en el Fashion Week de París, donde prendas estampadas y con cortes irregulares y asimétricos fueron las protagonistas principales. Un styling original y una gran dirección creativa.

Les dejamos las imágenes del lookbook y las del making of. Para conocer más visiten: http://www.bernhard-willhelm.com

 

BW SS13

BW SS13

Director + 3D Animation : Geoffrey Lillemon | Photography : Petrovsky&Ramone | Styling : Niki Pauls | Production : Valtteri Laihanen, Random Studio | Interactive : Hugo Dechesne, Random Studio.

 

 

TRIPLE EXPOSICIÓN DE HELNWEIN EN MÉXICO

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Gottfried Helnwein es un multidisciplinario artista austro-irlandés nacido en los años siguientes al fin de la Segunda Guerra Mundial. Como él mismo describe, la época no era la mejor para crecer y vivir una infancia feliz. A partir del 18 de octubre, presentará en la Ciudad de México tres exposiciones simultáneas en el Museo San Carlos, el Monumento a la Revolución y la Galería Hilario Helguera.

Los constantes abusos a infantes y las secuelas de la cultura del odio cuyo eco aún resonaba en su país lo impulsaron a convertirse en un artista cuyo trabajo tiene como fin prioritario la denuncia.

La infancia, la violencia, la pérdida de la inocencia, son algunos de los temas centrales de su obra, plagada de imágenes provocadoras como las de su pintura “Epiphany I”, una irreverente analogía de la adoración del niño Dios, un tema recurrente en la pintura europea renacentista.

Helnwein, quien también ha colaborado con actos musicales como Rammstein y Marilyn Manson, presentará en el Museo San Carlos “Fe, Esperanza y Caridad”, una colección de pinturas y fotografías. “Una Mirada de Helnwein en México”, por su parte, inaugurará el Paseo Cimentación, un nuevo espacio para el arte en el Monumento a la Revolución. La muestra se compone de retratos fotográficos de niños mexicanos tomados por Helnwein. Además, “El Canto de la Aurora”, una colección con temática enfocada en la Europa de la posguerra, se exhibirá en la Galería Hilario Helguera.