Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

El almacén de la imagen: Batten y la crítica al modelo de belleza

 La belleza femenina, menciona Giles Lipovetsky en La Tercera mujer, se ha estandarizado a partir de un proceso en el que el desarrollo de la cultura industrial y la mediática han sido fundamentales. Desde inicios del siglo XX, la prensa femenina, el cine, la publicidad y la moda han difundido un modelo de figura femenina idealizada.

Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Las mujeres hemos crecido viendo y escuchando sobre el ideal físico y mental femenino, la imagen de la mujer bonita, esbelta e inteligente permanece en nuestro imaginario de feminidad y de éxito, aunque esto último pueda ser más subjetivo. Las imágenes que representan ese modelo de belleza nos rebosan la cabeza día con día. La nueva historia del bello sexo tiene lugar en el momento en la que el ideal de belleza entra en la era de las masas.

 Algunos artistas han consumado su obra a partir de una crítica a estos estándares de belleza que promueven el uso excesivo de maquillaje y plantean la cirugía estética como una herramienta para lograr acercarse a ese ideal al que aspira el bello sexo del siglo XXI. El universo de las mujeres se ve compuesto también por ejercicios físicos y dietas para conseguir ser delgada y valorada por ello. El cuerpo de la mujer ya no tiene como fin único agradar a los hombres, sino que también debe embelesar a otras mujeres. En este sentido la fotografía de moda ha mostrado un modelo de belleza, tanto femenino como masculino, que condiciona la naturaleza del cuerpo. Este tipo de fotografía está más bien dirigida a un público femenino que consume los estándares culturales y de hermosura que esta propone.

 Sin embargo, la fotografía también ha fungido como medio de denuncia contra el modelo que se ha venido impuesto a partir de la segunda década del siglo XX.

Julia Fullerton- Battern, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Un ejemplo de ello es la fotógrafa alemana Julia Fullerton- Batten (que trabajó para la revista Vogue durante algún tiempo), quien realiza una crítica social con respecto a los estándares de belleza en el mundo a través de su serie Unadorned (2012). Es importante mencionar que Fullerton- Batten se desarrolla como fotógrafa surrealista contemporánea, haciendo uso de herramientas de pos producción que le permiten crear paisajes y escenas que podría remitirnos al mundo onírico. Así pues, la serie se centra en una crítica al concepto de belleza manipulada, según expone la fotógrafa al hablar de su serie.

 Lo que quiere mostrar es precisamente todo lo contrario a lo que se observa en las revistas de modas, esto es,  la forma en la que se expone a la mujer en el ideario cultural de hermosura: mujeres frías, plásticas que modelan inmóviles y ligeras. Es decir, dejar de lado aquellos estándares que aprisionan a la mujer. Así pues, exhibe mujeres que normalmente no se muestran en el mercado que va dirigido al cuerpo, a la delgadez: presenta mujeres voluminosas, que parecen no tener miedo a sus cuerpos curvos. Usa la imagen de la mujer corpulenta como medio para criticar a una sociedad que se hace énfasis en la figura y el tamaño del cuerpo de la mujer. Se trata de chicas que aceptan que sus cuerpos son como la naturaleza quiso que fueran.

 A pesar de la crítica social que Julia Fullerton- Batten hace a través de la figura de modelos corpulentas y de su  intento por juzgar ese mundo en el que la idea de belleza ha sido manipulada, es importante observar que su trabajo no se libra de los estándares de belleza femenina que ella misma critica. Fullerton enmarca a sus modelos en un ambiente cálido, eso parece obvio por la paleta de colores que selecciona para la mayor parte de las fotografías de esta serie. El uso de tonos cálidos, entre amarillos y marrones, así como la voluptuosidad de las modelos se contrapone al modelo de mujer plástica y fría que se muestra en las revistas.

Julia Fullerton- Battern, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 A eso se le añade el uso de muebles de madera con estilo clásico que recuerdan a los retratos del siglo XVIII en los que la figura de la mujer aparece rodeada de objetos propios de las actividades femeninas: instrumentos musicales y libros que exhiben a la mujer culta. La fotografía de Fullerton- Batten sigue exponiendo a la mujer en el escenario de lo privado. Así pues, podemos observar que los ambientes propuestos por esta fotógrafa giran en torno al hogar: aparece una sala, la cocina, salones propios de las actividades de la mujer noble del XVIII en donde se puede observar un piano e incluso libros. También incluye la figura masculina en el entorno de lo femenino, sin embargo los hombres que aparecen en estas fotos se notan ausentes o incluso molestos por ello.

Julia Fullerton- Battern, fotografías de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, fotografías de la serie Unadorned, 2012.

 Los elementos naturales no se hacen ausentes, sino todo lo contrario. La fotógrafa añade flores, plantas y frutas con colores cálidos, tal vez para darle un toque de feminidad a la foto. Algunas veces las flores aparecen un tanto marchitas o en el proceso de marchitarse. Como si aquello femenino que pudieran estar representando estuviera a punto de morir. Algunas fotografías exponen a las mujeres obesas en escenarios de abandono, es decir, dentro de casas o invernaderos desgastados… al igual que sus cuerpos.

Julia Fullerton- Battern, fotografía de la serie Unadorned, 2012. Los espacios en estas fotografías se notan abandonados. La suciedad en los vidrios y el desgaste en las paredes reflejan el deterioro.
Julia Fullerton- Batten, fotografía de la serie Unadorned, 2012. Los espacios en estas fotografías se notan abandonados. La suciedad en los vidrios y el desgaste en las paredes reflejan el deterioro.

  ¿Será que la fotógrafa logra su objetivo de criticar a una sociedad que oprime, modela y manipula la belleza? Las mujeres voluptuosas de sus fotografías parecen más bien abrumadas y los escenarios a veces desgastados reafirman el sentimiento de vergüenza ante un cuerpo que no se adecua a los estándares de belleza y esbeltez. De pronto aparece la imagen de una mujer que se asoma al espejo, tal como lo hace Narciso cuando mira su reflejo en el agua, que se observa a sí misma maquillada, peinada, atiborrada de joyas, como queriendo encajar justamente en ese modelo de belleza propuesto por revistas como Vogue. Pero es gorda y su gesto es más de confusión que de aceptación de sí misma. Nos encontramos ante la contraposición entre el lujo y el abandono, la delgadez y la gordura, la felicidad y la tristeza, la aceptación y la negación de un cuerpo que no es como la sociedad plantea que debe ser.

Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.
Julia Fullerton- Batten, de la serie Unadorned, 2012.

 Al final del día se puede observar tanto en las fotografías como en la visión crítica de la fotógrafa  la concepción de la mujer con respecto a su papel en la sociedad del siglo XXI. Es decir, se ve a una mujer que sigue sumergida en lo que Lipovetsky llama la prisión estética, aquella que sucede a la prisión doméstica y que sigue subordinando a la mujer a su rol tradicional estético- narcisista.

Miradas

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

“Ser fotógrafo no es sólo una manera de ver el mundo sino también de estar en él”

— José Manuel Navia; fotógrafo

 Justo en ese momento, en el que estas en el mundo y además lo ves, lo observas es cuando te das cuenta que todas las miradas, no importa donde se dirijan, muestran la esencia de cualquier ser que comparta contigo el instante.

Don José
Don José
Mariana
Mariana
juan
Juan
Ojos rojos piel blanca
Ojos rojos piel blanca
Tigre
Tigre

 

Visita obligada anual: World Press Photo 2014

Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.
Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.

“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”

Susan Sontag.

 ¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.

 Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.

 Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?

 Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?

 En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.

 A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:

Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.

 La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.

 Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

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Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

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Crédito:Tumblr.
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Crédito:Domus Web.
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Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Layout: Colectivo Tres, espacio para artistas emergentes

Catálogo de exposiciones
Catálogo de exposiciones

Residentes de la Ciudad de México, Colectivo Tres tiene como fin generar exposiciones con la obra de jóvenes artistas que buscan espacios para exhibirla con el objetivo de promover el arte y la cultura.

 Alfredo Gallegos, Carla Esquivel, Celic Cruz, Emilia López, Javier Zugarazo y Mérce Jara se conocieron en la FAD (Facultad de Artes y Diseño de la UNAM) y decidieron juntar su talento y esfuerzo para exhibir su obra, sin embargo se toparon con la estrecha posibilidad de contar con el espacio y el apoyo necesario para lograr su propósito.

Nuestro principal problema es no tener un espacio para trabajar y no contar con ningún apoyo económico, Colectivo Tres es un proyecto autogestivo.

 Al parecer, ser joven y artista se atisba como un camino arduo por recorrer dentro del gremio, por lo que la propuesta de Colectivo Tres es una alternativa muy interesante para todo aquel que necesite darse a conocer.

 A partir de una planteamiento discursivo, organizan la convocatoria, buscan los espacios, crean la identidad gráfica, generan los documentos de préstamos de obras, diseñan la museografía, realizan el montaje y preparan la inauguración y clausura de una exposición, entre otras actividades que conlleva su gestión.

 Gestionar esta labor es importante para ellos, representa la manera en que pueden vincular al arte como una forma de conocimiento expuesto en el terreno cultural de la sociedad. La formulación Curatorial representa un pilar importante para dar razón a su proyecto y sobre ésta existe un autoconocimiento de sus posibilidades y alcances como jóvenes artistas.

Entendemos que es difícil la profesionalización de las artes, ya que se requieren espacios para exhibirla, una plataforma que promuevasu trabajo. Nuestras exhibiciones buscan ser la plataforma que los artistas necesitan para emerger.

Obra en exposición
Obra en exposición

 Como jóvenes no es habitual que se posea una propiedad para llevar a cabo tal cometido, por lo que se tiene que reconocer la labor que Colectivo Tres realiza; la búsqueda del espacio para la exhibición más la difusión del arte no es una tarea fácil, involucra distintos aspectos, como la localización, los propósitos afines, las necesidades de montaje, así como las estrategias de difusión, entre otras actividades que deben articularse con un objetivo en común.

 Las temáticas con las que buscan trabajar para la realización de las exposiciones se basan primordialmente en el discurso que propongan los artistas, por lo que constantemente lanzan convocatorias las cuales se pueden consultar en sus redes sociales y en su blog, que es su principal canal de comunicación.

 Finalmente, debido a que no cuentan con ningún apoyo económico institucional, la participación del artista no termina en presentar su propuesta, sino en la cooperación económica que den los artistas para solventar los gastos del montaje, el catálogo e identidad gráfica. Están abiertos a recibir patrocinios con la fiel intención de ofrecerles mejores condiciones a los expositores.

Tenemos muchos planes, este año habrán más exposiciones en diferentes recintos, esperamos que en un corto plazo nos establezcamos como empresa cultural y tengamos un espacio para trabajar y a largo plazo podamos fundarnos como una galería cuyo principal interés sea la promoción del arte y la cultura.

Sesión fotográfica para catálogo
Sesión fotográfica para catálogo
Preparación del espacio para montaje
Preparación del espacio para montaje

OFFF MÉXICO 2014: EL VÍNCULO POST-DIGITAL EN SU TERCERA EDICIÓN

Offf México 2014 surge de la creatividad en la actual época digital , teniendo como antesala y sede la ciudad española de Barcelona. En el año 2012 se presenta en su primera edición en nuestro país, bajo el nombre de Festival Internacional de Creatividad y Cultura Digital, presentando gran aceptación y éxito. En su tercera edición en México, tendrá como días de exhibición el 28,29 y 30 de Agosto respectivamente.

ShiroSchwarz | Crédito:Página oficial Offf México.

Los lugares donde se harán las exposiciones (dependiendo de la actividad) se distribuyen de la siguiente manera:

  • Auditorio Blackberry: Será el lugar donde se presenten todas las conferencias.
  • Cocolab: En dicho lugar, se situarán parte de los talleres.
  • Centro de cultura digital: Exposición y demostración de diversos talleres.

Dicho festival mezcla tres cuestiones fundamentales que son el diseño, el arte y la tecnología y en un conjunto formarán parte de su toque y atractivo vanguardista. El entusiasmo con el que fue presentado por primera vez en el territorio nacional, causó un gran aplauso por parte de los asistentes; que admirados de la creatividad y la singularidad esperaban con ansias esta tercera edición.

Las actividades que se ofrecen son bastante interesantes, entre ellas:

  • Conferencias: Que tratarán la perspectiva de la creatividad en torno al diseño digital, además de mezclar el arte.
  • Talleres:Se mostrarán las bases sobre las cuales, se han desarrollao los ejes para vincular aportaciones creativas en el mundo digital.
  • Expo talleres: Se impartirán del 4 al 15 de agosto sin costo alguno.Cabe mencionar, que el cupo es limitado por lo que se requiere el aviso mismo. Dentro de los temas a impartir están la animación,ilustración y manejo de un software especial.
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Crédito:Página oficial Offf México.

Para poder participar en los diversos talleres que se manejarán, el registro de hará por medio de la página web del sitio oficial del festival; ya que el cupo es limitado.

En lo que respecta a ventas, se marca el apoyo hacia diversos tipos de diseñadores que no muestran dependencia alguna; por lo  cual se abarcará desde prendas de vestir hasta diferentes tipos de muebles.

El precio de los boletos es de $400 a $500 respectivamente para la asistencia a las conferencias.

Sin duda conceptos como innovación, creatividad y aldea digital; harán su gran aparición en esta tercera edición para fomentar el gran potencial del talento nacional.

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

De pasos en la azotea

En mi último texto llamado “Teatro fuera del teatro para espectadores no convencionales” escribí acerca de la conveniencia que para los hacedores de teatro y su público representa la generación de una nueva forma de habitar un espacio,  y aquí una apuesta : “es que es imposible ignorar una azotea”, acuerdan los actores de Pasos en la azotea (Teatro de altura). Y resulta tremendamente cierto: hay una transformación ejecutándose en el espectador desde que, a la entrada del edifico Veracruz en Tlatelolco, recibe instrucciones sobre cómo hay que hacer para subir los  350 escalones que llevan al piso 19 “pero no hay que confundir el pie con el pie” dice ella,  y hay algo de Cortázar en esto, sí, es habitar de un nuevo modo el espacio y es también la vuelta a la atención a lo cotidiano, en el descanso del 19 hay algo que pudiera confundirse con un departamento, no lo es, en el juego de realidades es, en realidad, una zona de desapego, en que efectivamente hay que deslindarse de todo lo que evoca al mundo de allá abajo.

 Más escalones y el viento te recibe, hay en el público asistente un “algo” distinto: la fatiga, el enojo, el hartazgo y lo que sea de que se ha adueñado en el camino de subida, o en la semana, mágicamente desaparece, el ceño se desfrunce cuando se encuentra con la vista (hermosa dicho sea de paso), está ahora en un punto medio entre la ciudad y el cielo, los cerros “verdes arriba y con casas abajo” se divisan a lo lejos, a estos cambios nos referimos, hay una disposición distinta a la escena, distinta en su totalidad de la de esperar entre cuatro paredes la tercera llamada.

 El público contempla y se va, hasta que cae en la cuenta de que en realidad está invadiendo la vivienda de Lefo (Kaleb Oceguera), Chazcua (Armando Ventura), Pinita (Meztli Gutiérrez) y Dondina (Michel Ayala) quien al parecer, cometió la imprudencia de traernos hasta acá y hacernos cómplices. A setenta metros de altura se hace mejor la fotosíntesis, se sueña, se canta a las plantas y ellas responden dando frutos, se navega y se puede sentir como el pavimento se desprende del suelo, a setenta metros, el miedo, la procrastinación, la indecisión y todo lo que no permite el avance se va en un globo hacia abajo, el dinero no vale, se grita sin miedo a que dirán, se echa al viento lo que estorba y también se discute, a setenta metros hay un remanso de paz entre el cielo y el caos.

 “Pasos en la azotea, es un espectáculo que hay que ver por el simple hecho de vivir la experiencia”, asegura Meztli. Se han presentado en distintas azoteas en la ciudad de México a lo largo de cinco años con la finalidad de acercar al teatro, tanto, que la gente pueda sólo subir a su azotea y presenciar una realidad distinta; son actores fieles al discurso y sus planteamientos, que ofrecen desde el corazón una salida a todo lo que no para de lastimarnos “allá abajo”.

 Pasos en la azotea está en el edificio Veracruz en la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco los sábados de Agosto a las seis p.m. en el piso 21 del Edificio Veracruz, Tlatelolco.

 Cupo limitado: 25 personas.

$200 entrada general
$150 pre-venta
$150 vecinos de Tlatelolco (comprobante de domicilio)
$100 niños

 PREVENTA:
*Mezcalería El Bósforo, Luis Moya 31 casi esquina con Independencia. Col. Centro. Metro cercano San Juan de Letrán y Juárez.
Horario: Jueves a sábado a partir de las 6 pm.
Con Andrea Juárez y Michelle Ayala.

 *Cafetería “Tulix Káapeh”, Edificio Chihuahua local 12. Tlatelolco.
Horario: Lunes a sábado 9am – 11 pm Domingo 5 a 11 pm.
Con Sr. Manuel

teatro de altura

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Hasta Luego, Ghibli

Les tengo dos noticias, una buena y una mala, ambas acerca del rumor del cual hablamos anteriormente: el posible cierre de puertas del famoso Studio Ghibli, ubicado en Japón. La mala es que efectivamente el estudio cerrará sus puertas debido a una situación económica complicada por la cual está pasando esta empresa. Toshio Suzuki, director y cofundador del estudio, fue el responsable de dar la noticia.

 Según se comenta, la razón principal de esta decisión se debe al bajo éxito de las dos últimas producciones realizadas, La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013) y El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014). Debido a esto, los accionistas del estudio han comenzado a perder ingresos ya considerar desmantelar esta empresa y de ese modo, poner fin a futuros proyectos que pudieran realizar.

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 Esta es una posibilidad aterradora para el mundo de la animación y del cine, ya que Ghibli es el responsable de una parte importante y fundamental de la animación japonesa. Sus filmes no solo tienen gran calidad en cuestiones técnicas, sino en sus historias y en la forma de contarlas. Una dura decisión para los propietarios, y por supuesto, los fanáticos.

 Ahora, no todo está perdido, ya que la noticia buena consiste en que recientes declaraciones del propio Susuki sugieren que esta es una decisión que no pretende ser permanente. El estudio cerrará pero sólo por un tiempo hasta ver si pueden recuperar sus ingresos. El plan es continuar produciendo cintas de gran calidad y tienen buenas esperanzas de que así pueda suceder.

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 Recordemos también que la dificultad de mantener el estudio en este momento se debe en gran medida no solo al fracaso de sus recientes proyectos, sino a la plantilla fija de trabajadores que tenían. Es decir, contrario a lo que los estudios de animación acostumbran, Ghibli proporcionaba un sueldo mensual a sus colaboradores hubiera o no un proyecto a desarrollarse. No se sabe con exactitud el coste que esto representaba anualmente, pero sí se ha dicho que la cifra era titánica. Por ahora el estudio mantendrá un equipo pequeño de trabajo para los proyectos personales del señor Miyazaki (cofundador y principal imagen), como cortometrajes para el museo que mantienen en Japón.

 También existe un rumor aún no confirmado de que el director y productor Michael Bay, responsable de la saga de Transformers, está pensando en adquirir los derechos del estudio, pero aún no se sabe mucho de eso. Por lo pronto no nos queda más que esperar nuevas noticias y esperar que esto solo sea un mal sueño. De cerrar sus puertas, Ghibli sería una pérdida enorme e irremplazable para el mundo de la animación. Esperemos que ese lapso sin ellos no sea demasiado largo. Seguiremos al pendiente y a modo de homenaje a esta fábrica de sueños, próximamente hablaré de cada una de sus películas esperando que aquellos que no las conocen puedan saber de ellas, quizá acercarse y entender el porque es tan triste este momento para el mundo de la animación.

Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

El almacén de la imagen: El cuerpo en la fotografía

 El miércoles pasado se inauguró la exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, en la que se reúne la obra de varios fotógrafos que realizaron su trabajo en torno a un tema: el cuerpo.

 La exposición se alberga en Patricia Conde Galería, que se encuentra en la calle Lafontaine #73 en Polanco.  No es difícil poder encontrar el lugar, pues uno puede entrar por Presidente Masaryk, la avenida más famosa de Polanco, además de que la galería se muy visible gracias a la fachada hecha de cristales.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 Patricia Conde Galería se abrió en 2009 y surgió en una necesidad de crear un espacio especializado en fotografía contemporánea. Se trata de un lugar que abre sus puertas a proyectos sólidos e innovadores de artistas mexicanos y extranjeros con amplia y mediana trayectoria, así como también a aquellos fotógrafos emergentes. Es decir, la galería pretende ser lo más incluyente posible en el escenario de la creación fotográfica. En este sentido, el proyecto de Patricia Conde, quien funda y dirige este espacio cultural es sustancial, sobre todo por la difusión que hace de la creación artística en torno a la fotografía en nuestro país.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 La galería es pequeña, pero no por eso los espacios dentro de ella son reducidos. La exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, que se exhibe en este momento, fue curada por el crítico en fotografía e historiador del arte José Antonio Rodríguez, quien además es editor de la revista Alquimia y colaborador en el blog del Centro de la Imagen.

 La idea de esta exposición era mostrar el cuerpo como representación de la historia no tanto colectiva sino individual. Revisiones IV pretende reconstruir la idea tan tradicional del cuerpo comúnmente sensual y erotizado. Las palabras de historiador salen a la luz cuando José Antonio Rodríguez afirma que esta exposición es la exhibición de una microhistoria sobre el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea. El cuerpo como narrativa visual, como lienzo individual que se transforma conforme pasa el tiempo, de ahí la idea de que el cuerpo es historia en tanto receptor de memorias.

Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.
Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.

 El trabajo en torno al cuerpo reúne a doce fotógrafos con diversas propuestas. Pía Elizondo y Patricia Lagarde presentan Diario 2003- 2005, Ángela Arziniaga muestra “El génesis y las nuevas ideas. También expone Bela Limenes, Cannon Bernáldez, Rafael Galván, Kenia Nares, Humberto Ríos, Arturo Fuentes, Rodrigo Mawaad, Daniela Matute  con Oda a mi madre y Saraí Ojeda con su serie Frágil. El catálogo digital de la exposición puede ser consultado en: http://issuu.com/pcgaleria/docs/cat_rev_iv_v1.4_copia

Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.
Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.

 Sin embargo vale mucho la pena poder asistir a la galería a ver la exposición, pues se puede apreciar mejor las fotografías, sobre todo por el tamaño de cada una de estas, la iluminación, la colocación y el acomodo que se ha hecho de cada una de las piezas.

Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.
Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.

El almacén de la imagen: mirar al fotógrafo

 Tal vez una de las cosas que más disfruto es ver fotografías en las que se logra percibir al fotógrafo, ya sea porque éste se dejo ver a propósito o porque sin querer su figura aparece en la imagen. Me gusta que se vea la figura del fotógrafo porque generalmente cuando vemos una fotografía observamos lo que hay dentro de ella, básicamente vemos la escena que ocurrió del lente del fotógrafo hacia adelante.

 Es difícil cuando, al ver una fotografía, pensamos en el fotógrafo, en la posición en la que se encontraba al momento de tomar la fotografía, de las direcciones que pudiera estar dando si su fotografía involucra a otros humanos o, en el caso de las fotografías de naturaleza, de las instrucciones que dio o cómo se adapto al medio para poder realizar su toma.

 Hace poco me topé con una fotografía que me llamó mucho la atención, pues mostraba una rana escondida.

 En el ojo de la rana se dejaba ver una figura. Se trataba de una imagen del fotógrafo Carlos Frías Ojinaga reflejándose en el ojo de esa rana postrada detrás de una hoja. El animal y el hombre Intercambiando miradas. Rana arboricola y la máquina como mediador entre ambos. ¿Realmente está escondida o es más bien el fotógrafo quien se esconde y desde su posición y la planeación de la fotografía hace ver a la rana como un ente tímido?

 La fotografía no demuestra la realidad absoluta, es cierto que muestran la realidad material, sin embargo, las motivaciones y las ideas del fotógrafo, así como también del fotografiado, al momento de tomar una fotografía, muestran un tinte socio-cultural que se impregna en aquello que pretendía, en cierto modo, ser verdadero.

Carlos Frías Ojinaga, Intercambiando miradas. Rana arboricola.
Carlos Frías Ojinaga, Intercambiando miradas. Rana arboricola.
Carlos Frías Ojinaga, Intercambiando miradas. Rana arboricola.
Carlos Frías Ojinaga, Intercambiando miradas. Rana arboricola.

 El título de la fotografía sugiere que está consciente de su imagen en el reflejo del ojo de la rana que fotografió, pero es difícil saber si desde un principio planeó su imagen de esta manera o si más bien fotografió a la rana, inmortalizó el momento antes de que el escenario cambiara completamente, un movimiento inesperado de la rana por ejemplo, y después de analizar la imagen encontró su propia figura en el punto áureo. Es difícil saberlo, sin embargo creo que el titulo es atinado a una fotografía tan buena como esta en la que se muestra esta conexión de la naturaleza con el hombre.

 Ver al fotógrafo plasmado en su obra, hecho así de manera consciente o inconsciente, me hace pensar en el trabajo del fotógrafo, en la planeación de la toma, en la relación que se crea entre el fotógrafo, el fotografiado, la cámara y el espectador.

 A veces podemos olvidar que la fotografía no sólo es aquello que se proyecta de la cámara hacia adelante, sino la fotografía también es producto de aquello que sucede de la cámara fotográfica hacia atrás, es decir, desde la mirada del fotógrafo.

Después de tantos años la fotografía sigue siendo, como al principio, una herramienta, con la cual intento plasmar y expresar sentimientos de la que se ha convertido en mi gran pasión…La  Naturaleza. Carlos Frías Ojinaga

Carlos Frías Ojinaga
Carlos Frías Ojinaga

  Se trata de que en nuestro papel como espectadores de la imagen nos toca mirar al fotografiado, verlo desde el ángulo y desde la perspectiva desde que el fotógrafo lo vio, y cuando está ahí la figura del fotógrafo entonces triangulamos la mirada, vemos al fotografiado, vemos al fotógrafo y éste a su vez observa la escena que está congelando a través de su cámara, se observa a sí mismo en la escena y se expone antes nosotros, los espectadores. Nos hacemos conscientes de la relación que hay entre el fotografiado, el fotógrafo y el público que juzgará la fotografía.

El almacén de la imagen: la fotografía de Joaquim Paiva

 La construcción de la nueva capital brasileña se inició en el año de 1956, dejando a cargo de dicha construcción al urbanista Lucio Costa, al arquitecto Oscar Niemeyer y al paisajista Roberto Burle. Es así como, de manera resumida, nace la ciudad de Brasilia.

 La creación de la nueva capital trajo consigo a un gran número de personas, tanto nacionales como extranjeras, que se instalarían ahí con el motivo de la construcción de la que sería la capital de Brasil.

 La nueva ciudad contenía ahora los principales órganos de gobierno y su arquitectura blanca, fría y solitaria mostraba un resplandor de prosperidad y orden. Pero a su vez surgían escenarios antagónicos que mostraban un lado más cálido, más colorido y mucho menos calculado: el Núcleo Bandeirante.

Joaquim Paiva, de la serie de Plan Piloto, 1970- 1988

Joaquim Paiva, de la serie de Plan Piloto, 1970- 1988

 

 

 El contraste de la ciudad de Brasilia, así como de las ciudades periféricas a ésta fue captada a través de la lente del fotógrafo brasileño Joaquim Paiva, quien llegó en 1970 a la nueva capital en su papel de diplomático. Paiva comenzó a recorrer las calles de la ciudad que lo albergaría durante años. Luego tomaría fotografías, tal vez en un intento por conocer la metrópoli y de acercarse a ese “otro” que la habitaba.

 En ese entonces, menciona el curador brasileño Evandro Salles, la ciudad se mostraba a sí misma a través de dos caras: por un lado podía encontrarse restos de una estructura arcaica, mientras que por otro lado la arquitectura nueva exhibía un tinte civilizatorio. Ambas facetas de la ciudad fueron fotografiadas por Paiva, quien recorre la nueva ciudad y muestra ese Plan Piloto frió, solitario, vacío, que expuso en blanco y negro. Edificios cuadrados que se alzan hasta el cielo, caminos bien planificados, áreas verdes en las que los árboles en línea se adecuan para crear la composición de un paisaje idóneo.

Joaquim Paiva, de la serie Plan Piloto, 1970- 1988
Joaquim Paiva, de la serie Plan Piloto, 1970- 1988

 Al mismo tiempo Paiva retrata a la gente que habita en Brasilia, captura la forma en la que los pobladores habitan la ciudad, la manera en la que ocupan los espacios. En sus fotos se puede observar a los niños jugando así como transeúntes, personas haciendo uso de las piscinas de Agua Mineral. Registra el “cotidiano urbano”, aquellos espacios a través de la belleza de la arquitectura de la nueva Ciudad.

Joaquim Paiva, de la serie Agua Mineral

Joaquim Paiva, de la serie Agua Mineral

 

 

 En contraste a las fotografías del Plan Piloto que se asemeja a una maqueta blanca, la cámara de Paiva registra las texturas, los colores de los negocios y de las casas del Núcleo Bandeirante.  Puertas, ventanas, el hogar, la familia, madera, tierra, metales oxidados; un espacio menos planeado, pero con un poco más de vida e incluso con una esencia más humana.

La banalidad como objeto primordial a ser retratado, porque incluso puede encontrarse la belleza en aquello que es fútil, cotidiano, en lo que nos rodea con el día a día.

 Así pues, la fotografía de Joaquim Paiva sirve como material que recopila la memoria de una ciudad, la historia de Brasilia a través de 40 años, tanto los cambios como las permanencias, como un registro fotográfico de la transformación de la ciudad de Brasilia.

Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.
Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.
Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.
Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.

 Algunas de estas fotografías se incluyeron en su libro Fotografía instantánea. Recuerdo de Brasilia, editado por CONACULTA y el Centro de la Imagen.

 La importancia de este ejemplar radica en el hecho de que se trata de un libro de registro fotográfico de la ciudad de Brasilia, de las fotografías hechas por un fotógrafo viajero que capturo la urbe en distintos momentos. Es una muestra de que la ciudad también puede ser fuente de inspiración para los fotógrafos, tal como lo hicieran en su momento Robert Doisneau, Atget y Brassaii con sus fotografías de París.

 El libro se presentará el viernes 08 de agosto en el Museo de Arte Moderno (MAM) en punto de las 19 hrs. La entrada es libre. Vayan y conozcan un poquito más de este fotógrafo y vean la importancia que tiene su registro a modo de fuente documental.

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El almacén de la imagen: Masificación e insatisfacción visual

 En este punto puede ser difícil saber en qué momento de la fotografía nos encontramos, la era digital nos ha llevado a la masificación de imágenes y al consumo insaciable de ellas tanto en la publicidad como en las redes sociales.

 La base de imágenes a nivel mundial se ha incrementado debido a que la tecnología es cada vez más accesible para un número mayor de personas. No sólo aumentan consumidores, sino también productores. Para muchas personas es cada vez más importante retratar su realidad, sin importar que sea falsa o verdadera, lo importante es mostrar sólo aquello que se quiere dar a conocer  los demás.

 La fotografía ha servido como un medio de reafirmación, sobre todo el retrato que en principio era consumido por el grupo burgués del siglo XIX. La fotografía muestra el aburguesamiento de una sociedad industrializada. Sin embargo, ahora experimentamos una masificación exacerbada de la cultura visual y ello también responde a factores económicos, políticos, sociales y culturales de nuestra época.

 El año pasado el periódico Excelsior realizó una entrevista al crítico del arte Joan Fontcuberta para hablar sobre el libro From here on. La postfotografía en la era de internet y la telefonía móvil en el que un grupo de especialistas lidereados por Fontcuberta analizan las imágenes creadas en la actualidad y su masificación gracias a las redes sociales y el uso del internet.

 En esta entrevista Fontcuberta afirmó que la fotografía digital es consecuencia de una economía que privilegia la información como mercancía y las transacciones invisibles. En ese sentido sería interesante hacer un análisis de las formas de consumo de la información visual, de los medios y los modos en los que dichas imágenes se producen.

Kimathomase y Cole Rise, An Instagram wedding, 2013
Kimathomase y Cole Rise, An Instagram wedding, 2013
Retrato de Kimathomas
Retrato de Kimathomas

 La democratización de la imagen ha logrado la masificación de la fotografía, pero también el romper con algunas reglas y estándares de la creación artística. Un mayor número de personas están usando sus dispositivos móviles para capturar momentos en pixeles, sin importar que lo que se crea es arte o no. Los consumidores de estas imágenes (seguidores en Instagram) o cualquier otra red de fotos- se vuelven más exigentes y toman el papel de críticos de la producción visual casera.

Fotografías de la cuenta de Instagram del fotografo estadounidense Jared Chambers
Fotografías de la cuenta de Instagram del fotografo estadounidense Jared Chambers

 En redes sociales han surgido críticas a las personas que se toman selfies, a los llamados foodies (fotos a la comida), a los bebés, a los pies o piernas en la playa.

 En cuanto a las tomas de paisajes son juzgadas por el uso que se hace de los filtros de las aplicaciones de edición, por lo cual se convierte “necesario” especificar con el uso del hashtag “#nofilter” para reafirmar que no se utilizó filtro y darle veracidad a la imagen.

 La masificación del consumo provoca cierto rechazo a la imagen al punto en el que nos convertimos en una especie de insatisfechos visuales. Al final del día, algunos de los usuarios más influyentes de instagram son fotógrafos que ofrecen mejor contenido en esta red social.

Fotografías de Sam Horine
Fotografías de Sam Horine

 La pregunta es ¿en qué momento de la fotografía estamos? la respuesta está en las redes sociales.

 Instagram, ahora propiedad de Facebook, tiene más usuarios que Twitter, por lo que pareciera que las personas prefieren definirse mediante imágenes, en mayor cantidad que palabras.

El almacén de la imagen: Ricardo Modi

La difusión del trabajo de artistas emergentes que recién comienzan a entrar en la escena cultural es realmente importante. Es así como algunas revistas digitales promueven y apoyan a estos artistas para dar a conocer su obra y con ello impulsar el arte y la cultura en nuestro país. Es necesario introducir nuevos artistas, presentarlos al público para que los conozcan. En este sentido es indispensable hacer eco de su trabajo y dejar que su obra hable por si misma.

Conozcan a Ricardo Modi, fotógrafo mexicano de 24 años con una inclinación por crear realidades ficticias y captarlas con su cámara. Estudió 1 año en el Centro Morelense de las Artes, siendo este su primer acercamiento a la fotografía. Posteriormente estudió  durante 1 año en el Centro de Estudios Audiovisuales en Guadalajara, para luego comenzar la carrera en la Facultad de Artes de la UAEM. Ha participado en algunas exposiciones colectivas tanto en Cuernavaca como en la Ciudad de México. Actualmente estudia en el Centro de Artes de San Agustín (Oaxaca) y trabaja en un proyecto personal de fotografía que será publicado próximamente en Vice México.

Ricardo Modi, de la serie "Si mi país tuviera mirada", 2014
Ricardo Modi, de la serie “Si mi país tuviera mirada”, 2014
Ricardo Modi, de la serie "Naturaleza muerta, 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Naturaleza muerta, 2013.

La obra de este fotógrafo es relevante, (sobre todo) porque al observar uno puede darse cuenta de su intento por insubordinarse ante la realidad. Intenta mostrar la realidad no tal como es; sino como le gustaría que fuese, dice Ricardo Modi al hablar de su obra. Así, intenta captar el drama que habita dentro de cada ser humano, componer una escena en su mente y ver la manera de capturarla con la cámara. Su obra se basa en visiones y contextos del mundo imaginario del cual se sirve para crear imágenes que le permiten visualizar aquello que surge de la posibilidad del mundo real. Esto es precisamente lo que quiso mostrar con su serie Interludio, en donde algunas mujeres se encuentran suspendidas en el aire, como alguien que pudiera pausar el momento exacto en el que se encuentran cayendo.

Ricardo Modi, de la serie "Interludio", 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Interludio”, 2011.
Ricardo Modi, de la serie "Interludio", 2013.
Ricardo Modi, de la serie “Interludio”, 2011.

El próximo mes, Modi presenta su exposición: Las Tres Miradas, con la cual pretende mostrar que su forma de trabajo se basa en: la del retratado, que es a quien se expone ante la cámara. La del fotógrafo, que es quien crea la imagen, y la del espectador, quien consume el producto final.

Para Ricardo Modi lo que importa es la mirada, pues retratar algo que tenga mirada es indispensable a la hora de crear su obra. Necesita siempre de la mirada del otro, quizás en un intento por definirse a sí mismo, por revelarse. Su mirada como fotógrafo es más bien el intermedio, el vehículo del cual se sirve la mirada del retratado para llegar a la mirada del espectador. Su cámara es el ojo mecánico que observa de manera objetiva, pero la idea es creada en la mente de Modi que le impregna la subjetividad y el surrealismo a la imagen.

Las Tres Miradas se presentará el día 06 de agosto en la galería Víctor Manuel Contreras, que se encuentra en la planta baja de la Torre Universitaria de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM). La cita es a las 17:00 hrs y la entrada es libre. Ojalá puedan visitar dicha exposición.

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Arquitectura en México 1900-2010

Desde diciembre del año pasado, en el Palacio de Cultura Banamex (o el Palacio de Iturbide) se presenta la exposición “Arquitectura en México 1900-2010” que exhibe el recorrido de 110 años por la arquitectura mexicana y su relación con el diseño, el arte y la ciudad a través del Fomento Cultural Banamex, A.C., el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes y la Fundación Aeroméxico. La exposición se alargó un mes y podrá ser disfrutada durante todo Julio para aquellos que no han podido visitarla.

“La exhibición se conforma a través de fotografías, dibujos, maquetas, mobiliario, esculturas, pinturas y planos urbanos y ofrece el panorama más amplio jamás reunido sobre arquitectura moderna de México.”

 Curada por Fernanda Canales (Ciudad de México, 1974), esta exhibición presenta el trabajo de más de 160 autores. Por medio de material inédito, obras emblemáticas y proyectos utópicos. Se estructura en orden cronológico, en 6 periodos definidos por arquitecturas distintas:

  1. Los inicios (1900-1924)
  2. Primera modernidad (1925-1939)
  3. Periodo heroico (1940-1968)
  4. Nueva monumentalidad (1969-1989)
  5. Fin de siglo (1990-1999)
  6. Primera década del siglo XXI (2000-2010)

 De esta manera el visitante tiene la impresión de percibir el cambio ideológico y estructural que ha marcado todos los proyectos arquitectónicos a través del tiempo y el cambio transitorio que experimenta la sociedad, por medio de la la valiosa información que se encuentra acompañada de cada esbozo, fotografía y objetos únicos que se exponen con una delicada autonomía; pero al mismo tiempo funcionando como proceso que engloba a toda la arquitectura mexicana.

 Como resultado de esta exposición surgió el libro que lleva su nombre, escrito por Fernanda Canales, y que plasma toda la exhaustiva investigación de la historia de la arquitectura mexicana en sus contextos sociales, artísticos, políticos y urbanos que ayudan a descifrar su papel en la identidad del mexicano, y la percepción que se tiene de ellas en el presente.  Con el apoyo de Arquine y el Fomento Cultural Banamex, el libro está publicado en 2 tomos con más de 2000 imágenes (fotografías blanco y negro y color) que acompañan la investigación.

 Está pensado para todo tipo de público que guste o este interesado en los temas que engloban al mundo de la arquitectura y su punto de unión con la cultura y la sociedad.  Es un libro bastante accesible que no requiere de un estudio erudito para su comprensión, y es una publicación indispensable para todo aquel que se interese en la identidad mexicana a través de su urbe.

https://www.youtube.com/watch?v=5d5wIsvlKiM

Lo puedes comprar desde la página de Arquine en este link o si prefieren pueden comprarlo en la tienda del museo.   Recuerden que sólo queda el mes de Julio para visitar la exposición, ¡no se la pueden perder!

 

El almacén de la imagen: La fotografía de Robert Doisneau

El Museo Nacional de Bellas Artes alberga actualmente la exposición La belleza de lo cotidiano en la que se exhiben 79 fotografías (de los 44 años de trabajo) del francés Robert Doisneau. La fotografía de Doisneau es de gran relevancia no sólo por su desempeño como fotógrafo de modas para la revista Vogue, sino también por su trabajo para la revista Life durante los años cincuenta del siglo XX. Pero gran parte de su obra es influenciada por la street photography, con la que lograba captar y a la vez crear momentos en los que se vislumbra la cotidianidad parisina.

 Mucho se ha dicho del trabajo de Robert, pero es importante mencionar que sus fotografías forjaron el imaginario social parisino del siglo XX. La fotografía documental de Doisneau no busca la objetividad, pretende crear imágenes-menciona la historiadora de arte Patricia Mendoza.

 Sin duda alguna, el espacio es el protagonista en la fotografía de Doisneau, pues es en dónde acontece la vida y el humor. La famosa fotografía Le baisser de l’hotel de Ville es prueba concisa de que Doisneau no pretendía captar la realidad tal cual era, ni buscaba registrar los acontecimientos de la vida parisina tal como lo hubieran hecho los fotógrafos documentalistas del siglo XIX. Más bien intentaba construir una realidad distinta y erigir con ello idearios sociales específicos.

“The marvels of daily life are so exiting; no movie director can arrange the unexpected that you find in the street.”  Robert Doisneau

Robert Doisneau, Le baisser de l’hotel de ville, 1950
Robert Doisneau, Le baisser de l’hotel de ville, 1950

La fotografía documental de Eugène Atget y Robert Doisneau

Para entender mejor el trabajo de Doisneau hace falta compararlo con los fotógrafos pioneros de la fotografía documental y del street photography, pues a partir de esta comparación es que se puede encontrar el humor, la gracia y lo cotidiano en la fotografía documental del mismo.

 Uno de los pioneros de la fotografía documental fue el fotógrafo francés Eugène Atget, que apareció en la escena de la fotografía a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX. El ojo documental de Atget captó calles, avenidas, puertas, esquinas, edificios, columnas, puentes y comercios parisinos, principalmente. Él, a diferencia de lo realizado por Doisneau, no retrato el humor, ni la cotidianidad en París. Incluso en sus fotografías se puede observar una ausencia de gente casi fantasmagórica. Atget muestra a París a través de su arquitectura, de vistas topográficas, de las ferias, del espectáculo y del urbanismo en el que los patios, las calles, los parques, las tiendas son el eje principal de su obra. Al igual que en las fotografías de Robert Doisneau, el espacio se convierte en el actor principal.

Eugège Atget, Cabaret de l'enfer, 1910
Eugège Atget, Cabaret de l’enfer, 1910

 

Robert Doisneau, L’enfer, 1952
Robert Doisneau, L’enfer, 1952

 Sin embargo el trabajo de Atget se desarrolla en una temporalidad en la que la fotografía decimonónica documentalista permeaba en los temas de la fotografía de finales del siglo XIX. Mientras que la fotografía moderna artística empezaba a perfilarse en las primeras décadas del siglo XX. La mirada de Doisneau nos presenta un toque de gracia, nos muestra París; pero también expone lo que significa ser parisino, lo que uno se puede encontrar en distintas esferas sociales en la ciudad del amor.

 Si quieren conocer más del trabajo de Doisneau pueden visitar la exposición La belleza de lo cotidiano que se encuentra en las salas: Justino Fernández y Paul Westheim en el Museo Palacio de Bellas Artes.  La curaduría fue hecha por las hijas de Robert: Francine Deroudille y Anette Dosineau. En donde nos muestran una selección importante de fotografías en las que se presentan rasgos de la vida cotidiana en París del siglo XX. Aprovechen porque la exposición se extiende hasta el 13 de julio. Vale muchísimo la pena, pues la exposición está ambientada con música de Edith Piaf, lo que hace que uno se transporte a un París en tiempos remotos.

 

Eugène Atget, Le rue de Seine, 1924
Eugène Atget, Le rue de Seine, 1924

Robert Doisneau, Les tabliers de la rue Rivoli, 1978

Robert Doisneau, Les tabliers de la rue Rivoli, 1978
Robert Doisneau, Los peatones de la plaza de la Concordia, 1973
Robert Doisneau, Los peatones de la plaza de la Concordia, 1973

Con sabor al norte- Erotismo Artístico

No señoritas, no pienso hablar de las 50 Sombras de Grey, sino de cómo desapareció el erotismo en el arte. Erotismo era una palabra originalmente usada para definir un amor apasionado, unido a un deseo sexual. Ahora es más común encontrarte esa palabra como sinónimo de picardía o pornografía. Para ello nos basamos en la definición original.

Cuadro erotico por Pablo Picasso

 Picasso una vez dijo- “El arte y la sensualidad son la misma cosa, no existe un arte casto”. Y es aquí donde muchos pueden tener el problema porque en esta época no entendemos el erotismo de la misma manera que lo harían antes. Ya no hay un tabú tan grande por el tema de la sexualidad, pero al liberarlo también lo hemos banalizado. Antes Shakespeare hacía sonetos y ahora vemos como Ted Mosby tuvo relaciones con muchas mujeres antes de encontrar a “la madre”.

El David de Miguel Ángel

 El erotismo es la importancia que se le da a la persona que se expone, es amor al cuerpo. El David no es la pornografía de su época, sino una alabanza a la anatomía humana.

 Por lo tanto, en lo que se refiere en sentido artístico, todas las canciones, esculturas, novelas y pinturas que toquen un tema sexual y también sean de amor o alabanza entran como erotismo artístico.

 La comparación de eso a lo que se ha convertido es un punto trascendental. Cosas como el reggeaton y la pornografía escrita llega a estar de moda cuando son el claro ejemplo de la liberación sexual de la que estoy hablando.

 Viene a ser importante poder tocar la diferencia porque de otra manera no eres capaz de explicarlo. Si no se sabe el concepto de erotismo artístico tampoco se puede defender uno cuando ve una película de arte y alguien justamente entra a la habitación cuando hay una escena sin ropa.

El violín de Ingres, fotografía por Man Ray.

El hecho de que la Venus de Nilo sea un clásico artístico de todos los tiempos no educa en nada a las masas. La mayoría de las personas sólo saben que es arte porque lo ven y oyen que “es arte”, pero no lo reflexionan detenidamente, sólo repiten lo que es.

En la literatura existe el mismo problema. El sexo se puede tomar como en los libros de THE CLAIM OF SLEEPING BEAUTY, de Anne Rice (el cual tuvo críticas muy fuertes), o puede ser como el ensayo casi clínico de la crítica de arte de Catherine Miller en LA VIE SEXUEL E DE CATHERINE M.

 La cultura occidental tiene en sus manos todo ese tema para explotar sin que quede banalizado. Ahora lamentablemente, por ser un tema libre, muchos artistas hacen cosas basadas en el simple sexo para escandalizar y llamar la atención de las masas porque eso es lo que vende.

 Por lo tanto dejo este concepto explicado de la mejor manera que puedo, para que cuando se encuentren con exposiciones puedan distinguir si es erotismo artístico o alguien que simplemente está vendiendo sexo. Quisiera saber sus opiniones acerca del tema, en Twitter pueden encontrarme como: @alixreyna, y por lo demás hablamos la siguiente semana.

La copa del mundo, a través de la fotografía

Desde hace casi una semana que 204 países se han concentrado en las festividades de la copa mundial de fútbol, con sede en Brasil. La emoción ha embargado a millones de personas que observan el evento deportivo más importante del planeta, a través de su televisor en compañía de amigos y familiares.

 De igual forma hemos escuchado recientemente a través de diferentes medios de comunicación, las noticias sobre protestas en todo el territorio brasileño justamente en contra de la copa mundial que, como nos hemos enterado, ha producido terribles daños a varios grupos de la población que sufren de escasez en aquel país. Además de causar descontentos generalizados debido a los gastos que el gobierno tuvo que hacer para darse “un lujo que Brasil no se puede dar”, según encuestas y opiniones del público en general.

Es la primera vez que una Copa del Mundo se celebra en un país que actualmente sufre de pobreza extrema y en el cual las ciudades sedes representan un gran dolor de cabeza para las autoridades, debido a la inseguridad que tienen. Bajo estos contextos que establecen serias contradicciones en la historia de la FIFA, surge un proyecto fotográfico por parte del Photographic Museum of Humanity y la revista TIME en donde han reunido el trabajo de varios fotógrafos que utilizan INSTAGRAM como plataforma principal para ver el registro que han hecho a través de sus fotografías de lo que sucede en Brasil 2014.

Aquí te presentamos los 5 fotógrafos que más nos gustaron para que les eches un ojo, y si tienes iNSTAGRAM te invitamos a seguirlos:

1.- Alice Martins @martinsalicea – Es una fotoperiodista de nacionalidad brasileña  que se interesa especialmente por crisis humanitarias y por conflictos armados.  Su trabajo ha sido publicado por diferentes revistas como: National Geographic, Al Jazeera, Vice, Newsweek, The Daily Beast, The Washington Post y The New Yorker.

2.- Meeri Koutaniemi @meerimatildakouta – Fotógrafa de 25 años nacida en Finlandia en la región de Laponia. Estudió fotoperiodismo en la University of Tampere . Sus principales intereses son los problemas políticos y sociales que conciernen los derechos humanos de las minorías.

3.- Felipe Dana @felipedana – Fotoperiodista brasileño, nacido en Río de Janeiro en 1985. Su carrera inició cuando tenía 15 años y se dedicaba a tomar fotografías de eventos sociales. Más tarde decidió estudiar fotoperiodismo en la universidad de su ciudad natal. Desde el 2009 se ha dedicado a documentar las consecuencias de los cambios sociales que ha provocado la llegada de la copa del mundo en su país.

4.- Mario Tama @mario_tama – Fotógrafo estadounidense perteneciente a la agencia Getty Images desde el 2001. Estudió fotoperiodismo en el Rochester Institute of Technology donde se graduó en 1993. Actualmente se encuentra viviendo en Río de Janeiro, cubriendo la Copa del Mundo.

5.- Alejandro Kirchuk @akirchuk – Fotógrafo argentino que nace en 1987 en Buenos Aires, donde vive actualmente. Se gradúa en la escuela de fotografía Andy Goldstein. Su trabajo está principalmente enfocado en proyectos documentales de largo plazo en Latinoamérica.

Para mayor información aquí el link del artículo original en LightBox.

Vigilantes, Retratos de las Auto-Defensas con ambrotipos

“Ha sido genial trabajar en una historia como esta y ver cómo el significado y ambientación del trabajo depende desde el contexto en el que se presente”.

Ross McDonnell

Actualmente en México, existe un problema que ha captado la atención de todos los medios tanto en el propio país como en el mundo. Su condición (naturalmente ambivalente), se ha prestado a todo tipo de interpretaciones. Mientras que la actuación civil se ve compuesta por una serie de acusaciones (a través del acto) hacia el gobierno y hacia la actual situación de violencia que enfrentamos.

 Las Auto-Defensas en un acercamiento que deja a un lado otro tipo de problemáticas, como el hecho de que tal vez hayan otros grupos criminales atrás de ellas, se presta a una definición casi heroica: campesinos, padres de familia, hombres comunes, que por la incompetencia del gobierno y las autoridades, han decidido contraponerse cara a cara con el crimen organizado que arrasa los actuales territorios de Michoacán, y Guerrero.

“Welcome to Las Animas” Members of the Policia Communitaria set up a bunker to guard the entrance to the pueblo.
Miembros de la policía comunitaria, instalan un bunker para proteger la entrada al pueblo.

 Hace ya casi 2 años que empezamos a leer las primeras noticias sobre este fenómeno que alertaba a la sociedad mexicana de manera que apenas podíamos comprender, pero que al mismo tiempo lo percibíamos como resultado natural de los acontecimientos en zonas del país con altos indices de conflictos.

 Así, en medio de grandes tensiones y presiones para el estado mexicano, el fotógrafo irlandés Ross McDonnell, viajó por las sinuosas carreteras del estado de Guerrero para ser testigo del nuevo fenómeno que México había acuñado.

 A su proyecto fotográfico lo llamó “Vigilantes”, y se centraba en los retratos que les hacía a los hombres pertenecientes a los grupos armados. Pero lo más interesante fue que optó por realizarlos con la técnica del “ambrotipo”, que consiste en utilizar el colodión, una especie de barniz que se vierte sobre placas de vidrio. Éstas tienen que estar muy limpias para poder obtener imágenes nítidas y sin manchas. El colodión se sensibilizaba en nitrato de plata.

 El resultado, es una fotografía con un efecto crudo y violento que producen sensaciones fastas en el espectador. Ya que el propio retrato actúa en relación directa con el proceso técnico de la foto, la genialidad de los trabajos es contrastante.

“Retratar a los miembros de las auto-defensas guerrerenses con una técnica fotográfica del siglo xix –el ambrotipo fue patentado en 1854– tenía una intención: fotografiar a estos rebeldes modernos con un proceso antiguo evocaba el espíritu de las imágenes de la Revolución mexicana, otro movimiento civil armado.”

 La idea de utilizar el “ambrotipo” surgió de la galería gráfica La Estampa, que se especializa en fotografía antigua. El proyectó se presentó en Time LightBox, junto con un video de introducción igualmente genial.

http://vimeo.com/79247843

 Ross McDonnell nació en Dublin, Irlanda en 1979.  Ha trabajado como fotógrafo, cineasta y director. Su trabajo ha sido publicado en: New York Times, Art in America, The Observer, The Washington Post, The Irish Times, Fader Magazine, entre otros.  Si te interesa más sobre el trabajo de este excelente fotógrafo aquí te dejamos el link de su página personal.

 

Doisneau, la belleza de lo cotidiano

“Yo no fotografío el mundo tal como es, sino tal como me gustaría que fuera. Toda mi vida yo me divertí, fabriqué mi propio pequeño teatro”

Desde el 11 de abril (y hasta el 29 de junio), ha estado presentándose una exposición en el Palacio de Bellas Artes, sobre el trabajo de Robert Doisneau,  ─artista que se exhibe por primera vez en México─ con una selección exclusiva que estuvo a cargo de sus hijas (Francine Deroudille y Annette Doisneau) de un total de 78 fotografías, donde se pueden ver escenas de la calle y de los suburbios de París , su etapa como fotógrafo profesional en la fábrica Renault, su testimonio gráfico sobre la Segunda Guerra Mundial en Francia, su trabajo para las revistas Vogue y Life, así como retratos de celebridades.

 “Esta exhibición no solo muestra la poesía de su universo fotográfico sino la construcción y evolución técnica de su obra. El visitante podrá apreciar los encuadres escogidos por el fotógrafo, las impresiones originales –hechas la mayoría de las ocasiones por el mismo artista–, los trucajes, montajes y juegos gráficos”. Francine Deroudille.

 Robert Doisneau nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly. Cursó estudios de artes gráficas y grabado en el École Estienne de París (1926-1929) para dedicarse después a la fotografía industrial y comercial. Entre 1934 y 1939 trabajó para la compañía Renault. Durante la guerra trabajó como falsificador para la Resistencia Francesa. Sus fotos sobre la liberación de París en 1944 fueron publicadas en todo el mundo y poco después fue reportero gráfico para la agencia parisina Rapho y grandes revistas como Life, Vogue y Paris Match, publican regularmente sus trabajos.

 Doisneau registraba espontáneamente la cotidianidad francesa desde una perspectiva poética y humana. Sus temas favoritos eran la pasión, los niños, el humor y la guerra desde una perspectiva urbana. Una de sus fotografías de 1950, una pareja de enamorados besándose en una calle parisina, se ha reproducido en multitud de postales y pósters. Le concedieron en 1947 el premio Kodak, en 1956 el de Niecpce y en 1983 el Gran Premio Nacional de Fotografía. En 1984 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.  Robert Doisneau falleció en Montrouge el 1 de abril de 1994.

 Entre las imágenes que el público podrá observar, a lo largo de esta muestra, se encuentran: Les Pavés (Los adoquines, 1929), misma que realizó a los 17 años y que es catalogada como su primera imagen fotográfica; Le Baiser de I´Hotel de Ville (El beso, 1950), la cual es una de sus fotografías más reproducidas en el mundo; Les frères (Los hermanos, 1936) y Le regard oblique (La mirada oblicua, 1948).

 Aquí les dejamos el link de la página del INBA sobre la muestra. Recuerden que sólo tienen hasta el 29 de Junio para visitar esta magnífica exposición que pone a nuestro alcance (por primera vez) el trabajo de este excelente fotógrafo.  Les aseguro que no se arrepentirán.

 

 

Rembrandt: 438 pinturas, grabados y esbozos en colección online

Considerado como el artista más importante de toda la historia de Holanda, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor, grabador, y dibujante excepcional, es un icono de la cultura en todo el mundo, que trasciende gracias a la sublimidad de su genio y a la originalidad, calidad y cualidad de su obra.

 Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda, y murió un 4 de Octubre de 1669 en Ámsterdam. Su obra se caracteriza por el cuidado en los detalles y por la sensibilidad y profundidad emocional que representan los géneros que cultivó a lo largo de su carrera artística: Retrato, Paisaje y Pintura Narrativa.  A Rembrandt se le recuerda, de hecho,  por sus magistrales retratos de grupo que iban desde los temas bíblicos hasta escenas que curiosamente abordaban la vida intelectual de la ciencia, de cualquier manera lo hacía, absolutamente alejado de los convencionalismos, lo cual le concebía una estética nunca antes vista en el mundo.

 “La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.”

 De igual manera sus retratos (y autorretratos) constataron una característica más de la genialidad del pintor. Ya en la actualidad, por ejemplo, su forma inusual de aproximar la luz al protagonista con su fenomenal manejo de la misma, ha ejercido innegablemente una gran influencia en la fotografía, creando el propio concepto de: “Iluminación de tipo Rembrandt” que consta en definir perfectamente las luces y las sombras en un retrato, cuidando el balance de las mismas hasta obtener una escena perfecta donde predominen las sombras en todo el rostro.

Es bien sabido que para dominar la técnica se requiere un amplio conocimiento de las bases de la iluminación actual de fotografía en interiores, y manejar perfectamente los ángulos, los planos y la composición de las escenas.

 Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos.

 Afortunadamente para nosotros, si gustamos de observar y analizar el trabajo de este gran artista, ya podremos hacerlo a través del catálogo online del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York  (con descargas completamente gratis, por supuesto).  Ya  que desde hace un tiempo atrás varias de las instituciones culturales más prestigiosas del planeta se están animando a publicar una parte de sus colecciones en Internet para que puedan ser disfrutadas por personas de todo el mundo sin necesidad de visitar físicamente las exposiciones.

 Esta vez fue el turno del increíble y asombroso MET Museum que subió alrededor de. 400.000 imágenes en alta resolución de su excepcional colección, de las cuales 438, son exclusivamente de Rembrandt.

 Así que sin más preámbulos aquí va el link ¡Disfrútenlo!

¡Únete a la 1era Edición del RUBBER FESTIVAL!

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¿Existe algún festival en nuestro país que combine cine y música? es difícil responder con certeza. En años recientes los festivales de cine han cobrado mayor fuerza entre las actividades culturales, principalmente. No sin dejar de mencionar, que la respuesta entre los jóvenes ha sido de gran interés.

 Es por ello que en esta ocasión hablaremos de un proyecto que logra conjuntar ambas disciplinas en un mismo festival. ZAPOTECO FILMS compañía creada para el desarrollo de proyectos cinematográficos independientes en México. Medio que pretende experimentar el arte de crear cine, posicionar nuevas tendencias que logren el desarrollo y crecimiento del mismo para una mayor difusión al público en general.

 Creada en el 2010 por Roberto Santos y Antonio Manrique, quienes cuentan con una amplia trayectoria en producciones como: Macabro Festival Internacional de Cine de Horror (2011,2012 y 2013), Mix, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video (2013), Alucardos: Retrato de un Vampiro (Alucardos: Retrato de un Vampiro, 2011), El Atentado (El Atentado,2007), Telehit (2010) y Lemon Films Presenta: El Productor (2008) principalmente.

 En base a dicha experiencia es que esté año logran crear  la primer edición del RUBBER Festival Internacional de la Música en el cine (a estrenarse del 18 al 27 de julio), proyecto sin fines de lucro que pretende acercar al espectador a la diversidad musical en nuestro país y otras culturas alrededor del mundo a través del séptimo arte. Vida y obra de compositores y agrupaciones que a lo largo del tiempo podrían considerarse  leyendas, o bien;  iconos de la cultura popular contemporánea.

Zapoteco_Beatles En esta primera edición podrán encontrar filmes como: SONIDOS DEL MUNDO, INDIA, SONIDOS DE MÉXICO, OAXACA. Homenajes a Kurt Cobain y los Beatles (en conmemoración a los cincuenta años de su llegada al continente americano), El cantante de Jazz y Santa (primeras películas sonoras).

 Además de contar con actividades como: música, danza, teatro y artes plásticas en las diferentes sedes: Museo Soumaya, Centro Cultural ALIAC y el Centro de Arte Bicentenario Poeta Hugo Gutiérrez Vega.

 Por último, los invitamos a que participen en la exposición RUBBER ART con motivo a condecorar el propio festival. A través de ilustraciones, fotografías o pinturas que aludan a la misma (la convocatoria cierra el dieciséis de mayo).

Conoce Joyride Magazine

 

¿Te gusta la música?

Morrisey, The Horrors, Pixies, Jamie XX, Franz Ferdinand, The Black Keys… Joyride Magazine te mantiene al tanto de la escena en México y el mundo.

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La idea de leer una revista en línea con un formato tan apegado a como se ve en papel, es algo muy atractivo. Tiene muchas ventajas, empezando por lo cómodo. Muchos podrán argumentar para las revistas en línea lo mismo que para la digitalización de libros: no es lo mismo, y cada quien cuenta su historia. Sin embargo, me gusta la idea de poder leerla las veces que quiera sin necesidad de llevarla conmigo a donde vaya o tener que comprarla en tal o cual lugar, además de ese detalle de redireccionar la información y poder ver los mejores videos del mes con tan sólo dar un “click”.

Joyride es más que una revista

 No sólo están bien posicionados como medio dentro del mundo de la música alternativa, lo que da como resultado una agenda variada y buenas exclusivas, también hacen eventos con grandes exponentes mexicanos y tienen un podcast semanal JOYRIDE•FM // ST VINCENT que hace de Joyride una inigualable “experiencia multimedia para los internautas”.

 Cada dos meses sale un número diferente de la revista, pero constantemente se sube contenido a la página de internet JOYRIDEMX.COM con las últimas noticias a nivel internacional tanto en música como en libros, cine, diseño y política.

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 Con fotografía propia y contenido original, espera la cobertura de festivales como el Corona Capital, Indio Emergente en Queretaro, MICsite en el José Cuervo Salón y conciertos en el Plaza Condesa, Auditorio Blackberry y Pepsi Center WTC, entre otros. Joyride Magazine es una producción de calidad en el diseño y el contenido hecha por Colectivo Canalla, preparado para ti.

 Ésta es su más reciente edición, échale un ojo a la entrevista con The Weeks, con Jogui; conoce lo que está haciendo James Blake; visita las recomendaciones de lugares para comer y entérate de los top 5 en videos, discos y singles del año:

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Joyride Magazine

 Los invito a leer esta revista que página con página te lleva por un camino electrizante de guitarras y baterías, como su nombre lo dice, un gran viaje a través de una gran variedad de bandas musicales que hoy, más que nunca, suenan con fuerza a través de internet.

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 Una forma de acercarte a tus bandas favoritas y seguir conociendo nuevas propuestas antes de que suenen en la radio.

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Una plataforma a partir de la experiencia, una forma de vida.                                                   Eso es Joyride Magazine

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Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Detalles del proyecto TRANSLOCAL en México: FAS trío y Fossile 3

TRANSLOCALES…dos tríos, dos países, un gusto en común: Free Jazz

TRANSLOCAL en el Lunario
TRANSLOCAL en el Lunario

El Lunario fue arreglado para la ocasión. Comodidad y elegancia es lo que reflejan las líneas de mesas negras dispuestas perfectamente para disfrutar de una velada disonante. La gente ansiosa por ver comenzar el evento, toma asiento y enfoca la mira en busca de movimiento en el escenario. Dos pantallas proyectadas con el logo del Goethe Institut se alzan a los extremos del foro: FAS Trío y Fossile 3.

FAS trío en el Lunario
FAS trío en el Lunario

FAS Trío son los primeros en aparecer. Como buenos anfitriones les toca abrir el concierto así como lo hizo Fossile 3 en su momento. Luego de darnos una cálida bienvenida al primero de los conciertos programados para México de su gira Translocal, se ponen cómodos y dejan que su freestyle nos llene de ambiente.

Jorge Fernández. Baterista de FAS trío
Jorge Fernández. Baterista de FAS trío

Para la tercera pieza, Jorge Fernandez nos mostró un poco de su magia con un sólo de batería, al fin del cual emergieron cautelosos los característicos sonidos del FAS trío.  David Sanchez golpeaba levemente el puente del contrabajo con el arco mientras Remi Álvarez dejaba escapar aire susurrante a través de las clavijas de su metálico instrumento. Las armonías volátiles fueron in crescendo hasta llegar a un completo estado de ¡frenesí! Poco  a poco muere su desvarío musical dejando de ello tan sólo un recuerdo menguado por el tiempo, único impedimento de la improvisación libre.

Fossile 3 en el Lunario
Fossile 3 en el Lunario

Fossile 3 de sube al escenario. De estructura cadenciosa, nos llevan de la mano por una experiencia sonora cuyos orígenes son innegables. El suspenso es inevitable una vez que alcanzan el clímax y contra cualquier deseo de seguir escuchando la pieza acaba de manera abrupta inundando el lunario con los remanentes de su último golpe armónico. No sólo acostumbran tocar piezas cortas por el hecho de poder tocar más, sino disfrutan generar esa “pica” en el auditorio, esas ganas de pedirles otra.

Sin deja el humor a un lado Sebastian Gramss nos introducen a la siguiente canción:

-You know Donald Duck?

¿Conocen al Pato Donald?

-¡Yeah!

Contesta el público siguiendo la lógica del idioma, y luego despierta nuestra imaginación proyectándonos una escena con el Pato Donald en el campo: una tarde de verano, yace recostado en el pasto admirando la naturaleza, cuando de la nada llega una vaca voladora y descarga aquellas “yerbas procesadas por sus cuatro cavidades estomacales” (una torta) sobre él. El sonido podría semejarse a un “Chaff”, nombre de la pieza que tocaron a continuación.

La idea de ponerle nombres onomatopéyicos a las canciones fue idea de Sebastian Gramss quien nos explica tiene una lógica muy sencilla…”es difícil encontrarle nombre a una nueva composición”. Todas sus piezas están inspiradas en imagenes de comics: Bean, Orf, Foob… Para darnos una idea aproximada, en el disco hay un diccionario, por ejemplo:

Chaff: Fligende Kuh lässt einen Fladen fallen (Vaca voladora deja caer un pastel)

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Sebastian Gramss. Homenaje a Stefano Scodanibbio
Sebastian Gramss. Homenaje a Stefano Scodanibbio

Después del intermedio de 15 minutos, “…pero no 15 minutos mexicanos”, bromea Sebastian, suben al escenario los contrabajistas. David Sanchez nos cuenta sobre la reciente muerte de Stefano Scodanibbio (compositor de música de corte académico contemporáneo y exploración sonora, sin medios electrónicos, que decidió venir a morir a México, país constantemente visitado por él), y el homenaje que Sebastian le haría con un solo solemne de contrabajo.

Conoce a Stefano Scodanibbio, presiona aquí

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Remi Álvarez, Etienne Nillesen, Rudi Mahall
Jorge Fernández, Remi Álvarez, Etienne Nillesen, Rudi Mahall

De un momento a otro, llegó el momento más espetado de la noche. Ambos tríos arriba del escenario juntando estilos completamente diferentes. Una verdadera convivencia Translocal. En ocasiones turnándose los músicos de un conjunto con los del otro, otras tocando todos al mismo tiempo y con duetos entre las baterías y contras según el caso. Remi con el saxofón soprano y tenor, Mahall con el clarinete alto y bajo mezclaban exitósamente timbres y estilos.

Rudi Mahall. Clarinetista de Fossile 3
Rudi Mahall. Clarinetista de Fossile 3

R. Mahall admitió disfrutar aquella convivencia en el escenario pues podía descansar de vez en cuando y dejar que Remi tocara a gusto…incluso lo comparó con su experiencia en el DUET FOR ERIC DOLPHY donde tocaba con la pianista Aki Takase. Al ser un dueto, dice, no podía darse el lujo de dejar de tocar sin convertir a la pianista en solista.

Etienne Nillesen. Baterista en Fossile 3
Etienne Nillesen. Baterista en Fossile 3

Algo similar sostenía Etienne Nillesen, de origen holandés diferente a los otros integrantes alemanes, quien además de participar en 12 proyectos diferentes se ha dado a conocer como solista.

¿Qué haces cuando no se te ocurre qué más improvisar?

“Dejo de tocar. No tiene sentido forzarlo y a la gente le gusta el suspenso que eso genera.”

Hablando sobre las clases que impartieron en la ENM, dice fueron muy bien recibidos, “los alumnos realmente querían aprender”. Ocho horas continuas de clase magistral al fin del cual dieron un concierto que ambos ponentes (Nillesen y Gramss) catalogaron como una experiencia divertida y gustosa de repetir.

David Sanchez. Contrabajista de FAS trío
David Sanchez. Contrabajista de FAS trío

David Sanchez fue el organizador del evento, el de la idea inicial. Nos contaba sobre lo complicado que puede llegar a ser poner todo en orden, pero que al fin y al cabo es gratificante. Nos invita a seguirlos en este Tour TRANSLOCAL. Los detalles se publican en el FB.

Remi Álvarez. Saxofonista de FAS trío
Remi Álvarez. Saxofonista de FAS trío

Remi Álvarez nos contaba de su experiencia en Alemania: Allá los escenarios eran muy pequeños (a diferencia de los que van a tocar en México) en un formato cómodo como el ZINCO. El 28 de enero en Hofheim, y luego en Heidelberg, Marburg, Jena, Berlin y Münster, ese fue el recorrido. En general, los alemanes tenían muchas ganas de conocer a los mexicanos y varias veces hicieron notar ese entusiasmo con sus aplausos. Espera la gira en México diferente, pero cree despertar interés en los nuevos amantes del Free Jazz.

Estarán de vuelta en el DF para el EUROJAZZ 2014 el 9 de marzo. No dejes que te siga contando ¡Conócelos en vivo!

 

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Fotografía a cargo de Bryan Erick Valdés

Punk: no todo era el exceso

 

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El nacimiento del Punk en Reino Unido fue agresivo; factores musicales, sociales y culturales fueron el detonante de éste movimiento, que si bien dejo un gran legado musical, no se concentró sólo en ese aspecto: creció la doctrina del “hazlo tu mismo” y otra de sus aportaciones a la cultura popular fue a la industria de la moda. Al llegar a la corriente prrimaria, su mensaje original se borró un poco y llegó hasta nuestros días totalmente tergiversado. Si nos trasladamos a 1976, Europa tenia tres millones de jóvenes desempleados cuyas esperanzas de una vida mejor ya habían desaparecido. No confiaban en sus gobiernos y la música que se hacía por entonces tampoco les estaba diciendo nada.

Karen Knorr y Olivier Richon tenían 22 y 24 años, respectivamente, cuando en 1976 comenzaron su labor: un fotoensayo de jóvenes punk. En su trabajo no encontraremos hombres y mujeres destruyendo cosas o  bebiendo en exceso, encontramos un trabajo cuidado estéticamente y modelos cooperando, siendo ellos mismos, sin actitudes exageradas. Las fotografías fueron tomadas en dos de los centros nocturnos más representativos del movimiento en Londres, el Roxy y el Global Village,  El trabajo obtenido durante 1976 y 1977 se encuentra recopilado en un libro publicado por la editorial independiente británica Gost Books.

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Con información de 20 minutos 

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

100th Room presenta:

Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.

En esta, la última semana del 100th Room que será los días 7, 8 y 9 de Noviembre contaremos con los siguientes eventos:

 

Jueves 7 de Noviembre

Contaremos con un taller de Animación Digital con Daniel Farah. Es importante mencionar que el acceso será únicamente con invitación. Al terminar la sesión, se inaugurará la exposición Espacio y Compañía que reúne a más de veinte artistas. Para cerrar la noche, Lemon Mint se encargará de la música.

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viernes 8 de noviembre

El viernes contaremos con un taller de Diseño Gráfico con Oliver Barrón. El acceso será con invitación y contamos con un lugar disponible para uno de ustedes. Por la noche, contaremos con la música de Pirate Stereo.

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Sábado 8 de noviembre

El sábado, último día del evento, se llevará a cabo la clausura. El acceso es solo con invitación y habrá varias sorpresas.

Esperamos contar con su presencia a lo largo de estos tres días. No olviden que se trata de la última semana para celebrar el encuentro entre los artistas y el público. Pueden encontrarnos en Twitter, Facebook e Instagram, utilizamos #100Room

Festival Internacional de las Luces México 2013

Durante cuatro días el Centro Histórico de la Ciudad de México se vestirá de luz y sonido.

fes luz 2El 7 de noviembre inicia el Festival Internacional de las Luces México 2013 que por primera vez llega a América Latina. Después de presentarse en diversos países como Japón, Alemania y Francia, la muestra artística hará escala en nuestro país.

Durante el festival el público disfrutará del trabajo de artistas nacionales y foráneos a través de proyecciones en distintos edificios emblemáticos, Dj sets y clases magistrales, además contará con El Foro Internacional de la Luz, donde expertos discutirán sobre el arte lumínico el 8 y 9 de noviembre en el Museo Franz Mayer.

Los espectáculos se llevaran a cabo de  19 a 23 horas. También contará  con el recorrido “La noche de las luciérnagas” el 8 de noviembre sobre el Corredor Reforma; la entrada es libre.

Las 13 obras de la Ruta

1. Antiguo Palacio del Arzobispado Museo de la SHCP. “Sin cabida” de Betsabeé Romero. (Instalación de luz) Calle de Moneda No. 4.

2. SEFI-CELE Antigua Escuela de Ing. “Expansión textual” de Ice Trip. (Proyecciones) Calle Guatemala No. 90

3. Paraninfo de Autonomía. “Las flores del infierno” de Irene Blaise. (Cajas de luz) Calle Lic. Verdad No.2

4. Museo de la Luz. “Memento mori” de Rocio Asensi. (Escultura de luz) Calle del Carmen No. 31

5. Plaza Tolsá / Cuba y Argentina. “Turibus” de Errantes.
(Proyección) Calle Tacuba s/n entre Marconi y Xicoténcatl

6. Plaza de Santo Domingo. “Fuego” de Flow Fabric Art. (Performance)
Calle República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

7. Plaza Garibaldi. “Globos monumentales” de Liga Mexicana de Globos de Cantolla. (Globos)
Calle Caminito s/n / República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

8. Iglesia de la Concepción Cuepopan. “Candelabro” de Valeria Florescano. (Escultura de luz)
Calle Belisario Domínguez s/n entre Dr. Mora y Ángela Peralta

9. Fachada del Palacio de Bellas Artes. “El origen del mundo” de Miguel Chevalier. (Fachada Virtual) Av. Hidalgo No. 1

10. Kiosko Alameda Central. “Kiosko-cinema” de Paolo Tosini.
(Proyecciones 8mm y digital) Av. Hidalgo s/n entre Av. Juárez y Dr. Mora

11. Alameda Central. “Los nidos” de Lucion Media.
(Escultura de luz) Av Hidalgo s/n entre Juárez y Dr. Mora

12. Laboratorio Arte Alameda. “Esto no es carne” de Erick Meyenberg, Marisol Cal y Mayor y Jorge Torres Sáenz.
(Performance) Calle Dr. Mora No. 7

13. Laboratorio Arte Alameda. “SAE” del Colectivo del SAE.
(Proyección) Calle Dr. Mora No. 7

Chulavista en la Megaofrenda UNAM 2013

Como cada año, la Universidad Nacional Autónoma de México presentará dentro de las Islas de Ciudad Universitaria su Megaofrenda 2013; este año será dedicada a los cincuenta años que cumple la pintora Remedios Varo de su fallecimiento.

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La intención de organizar este magno evento, como se ha venido realizando desde hace dieciséis años, es mantener vivas las tradiciones de nuestro país, que es reconocido a nivel mundial por conmemorar a sus muertos de forma festiva y colocando altares donde se les recuerda y ofrece alimentos que fueran disfrutados en vida.

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Como  ha sido la tradición durante todo este tiempo, cientos de alumnos, profesores y otros invitados (incluyendo escuelas, facultades e institutos) serán los encargados de colocar ofrendas dentro de las Islas donde, además, se contará con diversas muestras artísticas que incluyen música, danza, teatro y más. Este año, Chulavista Art House La Revista contará con un espacio para participar dentro de dichas festividades.

Danza, teatro y música, las propuestas de Art House son talentos emergentes que buscan su difusión.


Conócelos y disfruta de su trabajo.