Emilio Morenatti: Entre la vida y la muerte


MIDEAST ISRAEL WHO IS A JEW ?
Judío ortodoxo junto a un soldado israelí.                                  Emilio Morenatti,2005.

El semblante lleno de lágrimas, un rostro que muestra dolor hacia la vida, una máscara que cuando se logra quitar corroe la sangre por doquier. La desfachatez de un mundo que pasa los ojos por el color rosa y no por el gris. La multitud se mezcla con una alegría fingida, mientras las voces se vuelven ecos para los sordos… un grito soslayado se une hacia los golpes físicos y emocionales de un juego mal pagado. Guerras, hambres, infortunios, balaceras en los barrios más pobres como en los más burgueses, peleas callejeras, asaltos, secuestros, robo a transeúntes y a la lista se unen un número bastante alto de las complejidades sociales de vivir en un planeta que no sabe de igualdad ni equidad. Parece fácil ir caminando viendo a un vagabundo que clama por un plato de comida, mientras que sigues cómodamente el vaivén de tus zapatos bien boleados y en el mejor de los casos, hasta de marca. Una señora a lo lejos grita justicia para quien acaba de ser baleado en la esquina, un niño vendiendo chicles en la acera derecha y los automóviles pasan y pasan sin titubear ante la barbarie humana.

 Lo anterior, se refleja en el trabajo del fotógrafo y periodista español Emilio Morenatti. Luchador social que ha tratado de reflejar al mundo a través de una cámara, con toda la serie de acontecimientos de impacto mundial como han sido los sucesos presentados en franja de Gaza y en general, en Medio Oriente. El peligro que se presenta día a día en esta parte del mundo ha reflejado la gran ola de violencia que se padece a nivel internacional en cuanto a disturbios que se acompañan de múltiples características, que van desde la discriminación del sexo femenino hasta atentados  que se cometen en contra de la estabilidad de la sociedad en general. Fotoperiodista que se enfrenta ante la muerte, pero que no se deja invadir por el miedo ante hechos que hacen la huida más factible que otra cosa. Sobreviviente del peligro, víctima de un secuestro en Gaza en 2006, ferviente y acérrimo defensor de la vida aunque le cueste la de él; Morenatti logra sobrevivir a la tragedia ante el tumulto de ultraje hacia la vida. Comprometido con su trabajo de investigación, a pesar de haber sufrido una amputación de pie, refleja el gran talento y compromiso que mantiene hacia su labor.

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Kabul, Afganistán. Emilio Morenatti.
YE PAKISTAN
Mujeres pakistaníes luchando por el subsidio hacia la comida. Emilio Morenatti.
TOPIX MIDEAST ISRAEL PALESTINIANS
Niños palestinos presentes en un atentado. Emilio Morenatti, 2005.

 Confrontaciones bélicas, mujeres que son víctimas de las guerras, entre otros temas, han sido parte de su extenso y magnífico trabajo que le permitió ser el ganador del World Press Photo. Con una serie de mecanismos para retratar las condiciones que delataban a la muerte más cercana que la vida, el español se dedicó por años a comprender y analizar los conflictos sociales desde un arduo compromiso con la sociedad. En ese sentido, indaga las pautas de lugares sombríos y oscos para hacer tomas sobre la desesperanza de una sociedad que ya no quiere más hambre ni más olvido, sólo pide paz; paz para la sociedad que ya no cesa de llanto y dolor, bondad hacia los más necesitados y candor hacia los más desesperanzados. Emilio va más allá de una simple fotografía, indaga sobre el miedo y sus variantes, para mostrarle al público que esto va más allá de simples roces entre países; esto muestra al mundo de que está hecha la necesidad de sobresalir más otros. Crisis social que relata cada fotografía, mostrando un sinfín de detalles que dejan inaudito al que logre visualizar de manera realista el retrato de una sociedad inmersa en el desconsuelo.

Pakistan Eid Milad-un-Nabi
Rumbo a una celebración pakistaní.Emilio Morenatti, 2009.
APTOPIX PAKISTAN DAILY LIFE
Mujer pakistaní acarreando agua. Emilio Morenatti, 2008.

 Cometido lleno de valentía que logra impulsar su objetivo a partir del caos de un mundo lleno de contradicciones, que lo llevan a ser el portavoz de crueles sucesos. Un ejemplo de esto es el trabajo que realizó en territorio pakistaní, contempló a través de una serie de fotografías la encrucijada social entre pobreza y maldad, para impulsar un memorándum de la vida en ciudades que enfrentan la violencia indiscriminada desde que amanece hasta que llega a terminar el día. Miradas que piden que la injusticia termine para salir a disfrutar del sol a todo su esplendor, y la vida va y viene a raudales con un mar de lamentos que se han hecho escuchar más de un siglo entero. Mujeres cansadas y fastidiadas de ser vistas como un objeto, hombres que gozan de una egocentrismo inadmisible que les permite atentar  sin piedad contra las personas más vulnerables, cenizas y más cenizas de cadáveres que no se reconocieron y se mezclan en los sitios más olvidados: Los pobres. Nada cambia y todo se transforma para fines lucrativos; tiempos que pertenecen al siglo XXI.

Sobre fotografía y movimientos sociales (segunda parte)

Manifestación en la Ciudad de México, crédito: siempre889

Tal vez el título que he escrito por primera vez, la semana pasada, sobre este tema sea el menos adecuado para este pequeño ensayo de dos partes. Sin embargo, he decidido dejarlo tal y como está por dos simples razones: descubrir que por más que escribamos siempre, haciendo un ejercicio de reflexión, encontraremos fallas. Dos: que las fallas que hayamos descubierto nos permitirán enmendar cierto camino, pero al darles la importancia, nos damos cuenta que la grandiosa estupidez humana seguirá permaneciendo, pues siempre tendremos errores.

Si bien “movimientos sociales” no dice mucho de lo poco que he querido abordar en este pequeño texto, me es pertinente aclarar que la razón por la que quise reflexionar acerca de esto fueron las marchas recientes, la exposición de Yayoi Kusama y el memorial del 68. Pues, en estos tres casos se ha manifestado el uso de la cámara como interpretador social, con múltiples fines, ya sea personales, documentales, periodísticos o quizá intimidatorios.

La selfie en la habitación infinita. Crédito: instagram personal de rebeccataylorny

Quizá en mi ingenuidad he descartado que el movimiento social no sólo son las manifestaciones de protestas, sino también están las modas, las corrientes ideológicas, las vanguardias, y el lenguaje que lleva a la lengua.

La utilización de la cámara como una herramienta viene desde sus inicios. Sus inicios tenían la intención de “atrapar” la realidad en cierta área específica, como cuenta César González Ochoa en sus “Apuntes acerca de la interpretación” donde expone la manera en cómo la cámara inicio con este propósito de atrapar una imagen, delimitarla y retenerla de manera  física.

Las imágenes y los mecanismos de representación han cambiado a lo largo de la historia. La tecnología se actualiza constantemente y se crean nuevas cámaras que permiten nuevas formas de interpretar y representar mas no es la imagen la que no cambia.

Las fotografías de guerra son expuestas como memoria, pues representaron (y ahora representan) que existió la guerra. (Esto quizá podría parecer ambiguo tomando en cuenta que existe ya el montaje y todos estos trucos digitales que hacen que la realidad, como en la pintura, quede a expensas de los humanos) ¿Lo mismo sucede con las marchas, los museos y demás aconteceres masivos?

Estudiantes y policías en el 68. Crédito: caracteres.mx

¿Se necesita tener una imagen para comprobar que se realizó una marcha? ¿Se necesita una selfie en la habitación infinita para uno: recordar que se estuvo ahí; dos: representar que la habitación existe? Pero, más allá de estas preguntas que he pensado a manera de reflexión me hacen suponer el  qué pasaría si las intenciones y el análisis que he apenas expuesto,  va más allá de un campo significante que sólo ve estas posibles formas de interpretar y representar una realidad como tres posibles acciones de saber el porqué la fotografía impacta en movimientos sociales.

La memoria tiene que ver en esto. La memoria humana, que es tan abstracta que imaginamos una pequeña nube que almacena imágenes, letras, lenguas, lenguajes, rostros, números, calles, direcciones, nombres, cumpleaños, experiencias y demás. Pero que en cualquier momento, esa nube podría irse, dejando sólo recuerdos inertes, vacíos o inexistentes.

 La necesidad del humano por guardar y transportar esa memoria en una memoria material se ha visto desde la escritura. El guardar cosas que permitan ser un medio para que el cerebro haga una sinápsis y por ende un recuerdo se adapte a este objeto ha estado presente desde mucho antes de que la fotografía existiera.

La memoria y la fotografía han estado estrechamente ligadas por la significación de lo material. La fotografía recuerda el momento pero es el papel, o donde se haya impreso lo que funciona como recuerdo. Es decir, (Y como diría Susan Sontag) nosotros no recordamos lo acontecido, sino la fotografía de lo acontecido.

Las manifestaciones se pueden dar de todo tipo. Crédito: mobypicture.com

En un mundo sumamente lleno de imágenes, los movimientos sociales, los museos, las fiestas y toda forma de convivencia se mediará por medios de cámaras. Para que la memoria resurga en una pantalla, para que se almacene en un mundo virtual que no es palpable. Las personas se toman fotos en marchas para demostrar que sí fueron y que sí apoyaron pues si no suben su imagen al mundo no podrán comunicar que apoyan al sentido. Las personas, también, suben sus selfies para demostrar al mundo que pueden tomarse fotos. ¿Es quizá que la imagen nos consuma, o nosotros consumimos  imágenes?

Este es mi grito de ¡basta!

Ya me cansé de los gobernantes, de la policía, la falta de moral, la falta de ética, de justicia, de humanidad, la falta de amor. Y mi lista es larga, porque mientras yo estoy aquí escribiendo esto para ustedes en la comodidad y seguridad que me brinda mi hogar hay familias que extrañan a lo que en las noticias se refieren como “daños colaterales” de una guerra que todos vivimos. Aunque no quieras reconocerlo, sabes que pudiste haber sido tu, tu madre, tu hijo.

Hoy le dedico mi trabajo y un poema a los padres, a los familiares, amigos y conocidos de los 43 normalistas desaparecidos el 26 de septiembre de este año.

LA DESPEDIDA

Este será para mi el día mas triste de mi vida
tener que separarme de ti será el motivo de mi nostalgia…
pero hemos de decirnos adiós, por que lo nuestro no debe continuar…

Este será el día mas doloroso después de tu partida
por que… con ella te llevaras la mitad de mi corazón y de mi vida…
Será el di mas largo de mi existencia, puesto que en las horas restantes….

Mi mente se dedicará a recordarte sucesivamente y mi boca a pronunciar tu nombre…

Y lo harán en cada hora, en cada segundo de cada día…
Serán mis primeros días oscuros, por que la luz de tu sonrisa se alejará de mi mis ojos brillarán con melancolía, ansiosos de ver tu rostro hermoso….

Que ya jamás se presentará ante ellos… mi voz gritará con inalcanzable cansancio tu nombre…

Pediré a fuertes voces tu presencia…tu mirada… se que lloraré por indefinidos momentos…

Y le diré a los roces de mi almohada lo mucho que te extraño y cuanto te amo…

Pero ni ella y mucho menos tu me podrán escuchar… ni responder…
me quedaré ahogándome en mi llanto y tu no podrás estar ahí….
para consolar mi pena…

Por que tenemos que decir adiós? Por que las cosas con un principio tienen un final?

Por que cuando uno ama no se le puede amar?

No lo se y tal vez no lo sabré jamás lo único que puedo asegurarte mi amor…

Es que hoy… precisamente hoy… será el día mas triste, largo y doloroso de mi vida… lo más hermoso es que siempre te amaré.

— Neyra Castillón 

Por una eternidad
Por una eternidad
A esta hora te veo tan distante
A esta hora te veo tan distante

Sobre fotografía y movimientos sociales (Primera Parte)

La representación de Steve McCurry. Crédito: Pinterest.

Se podría pensar que hemos sido presa de una formación  de vida utópica que nos hace vivir ligado a las imágenes. La herramienta con la que contamos, la cámara (fotográfica o de video) , nos hace reflexionar sobre cómo las múltiples teorías sobre la extensión del cuerpo de este artefacto, tomen más sentido y  puedan explicar sobre cómo se utiliza la cámara actualmente.

Crédito: Pinterest.

Si reflexionamos podremos constatar que las imágenes han sido parte de nuestra historia muchísimo antes de que la primera cámara fuera construida. La representaciones de la realidad en la antigüedad se daban de distinta pero no de lejana forma hacía cómo ahora nosotros representamos lo que nos rodea. Desde las imágenes rupestres hasta las pinturas y sus diferentes vanguardias buscaban representar.

La acción de representar como su nombre lo indica, y como escribió Guillermo González Ochoa, en apuntes sobre la representación, el cual parafraseo a continuación, apuntaba que la acción de re-presentar era volver a presentar una realidad construida de un estado abstracto (mente) a un estado material (papel, rocas, lienzo). Esto es que nosotros representamos no sólo imágenes, sino pensamientos que, siguiendo a Walter Ong, también dichos pensamientos se piensan en imágenes.

Como se podrá dar cuenta, este pensamiento nuevo de que vivimos en un mundo lleno de imágenes es completamente errónea si reflexionamos apenas un poco sobre dónde vienen y cómo hemos utilizado las imágenes para nuestra conveniencia, pues las imágenes son, han sido y serán parte de nuestro entorno, por más que digamos que esto no es así.

Tal vez lo que realmente ha cambiado son las formas de cómo representar lo abstracto o la realidad en imágenes. Si bien las primeras herramientas para representar eran consideradas como la mayor tecnología en su tiempo, como por ejemplo los pinceles, los lápices (hay que precisar que la forma de representación visual comenzó con la mano y con el símil de la escritura, que al igual que las imágenes son construcciones convencionales de lo abstracto a lo físico) los pigmentos y cualquier otro material que ayudase a la creación de imágenes, la tecnología, con el avanzar de los años, nunca ha sido la misma y poco a poco lo que fueron los materiales primarios para la creación de imágenes se convirtieron en lentes, grabados y cámaras fotográficas.

¿A qué quiero llegar con esto? Las cámaras, como ya es bien sabido, son la herramienta que ayuda al qué hacer de una representación, y el producto de esta representación es la fotografía, misma que algunos autores definen como una cristalización del momento. Que se apropia de una realidad limitada y que muestra lo que unos ojos no pueden guardar en la memoria. La fotografía es el anhelo de un momento a ser guardado en la memoria de un humano.

Helen Frankenthaler pintando un cuadro expresionista. Crédito: pinterest

Así pues, la tecnología avanza como lo hizo anteriormente. La pintura trasladó a la pintura rupestre a otra plataforma  y a otras técnicas mentales; la fotografía trasladó a la pintura a una nueva plataforma, pero no la ha desplazado el cambio sólo fue quizá de superficies, y actualmente es la fotografía la que tiene mayor uso  en el mundo consumista y tecnológico.

México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

El almacén de la imagen: fotografía de modas de Tim Walker

La fotografía de modas ha legitimado la industria de la moda provocando que se reafirme cada vez más en el contexto sociocultural de cada país. Pero también ha permitido que los fotógrafos exploten las posibilidades de la fotografía, aún con las limitaciones que implica trabajar para un medio como las revistas.

Autorretrato de Tim Walker con ochenta pasteles, 2008.
Autorretrato de Tim Walker con ochenta pasteles, 2008.

 A pesar de estar dirigida a los medios de comunicación y de ser vista como una producción más bien artística, la fotografía de moda también tiene las características propias de un documento social, pues muestra la cultura de una época. Esto es evidente no sólo en el hecho de que exhibe la indumentaria característica de un momento histórico determinado, sino que en ella también se pueden leer códigos de comportamiento, normas y actitudes aceptadas por los distintos géneros según los roles sociales que les han sido asignados.

 Concha Casasus menciona que cuando una imagen es testigo fidedigno de lo que acontece, de los pensamientos, comportamientos y de los sueños de un individuo o de un colectivo se convierte entonces en un documento social. En este sentido la fotografía de modas puede leerse desde la perspectiva artística, buscando elementos de la estética, así como también desde la perspectiva sociológica.

 Los fotógrafos que se desenvuelven en el mundo de la moda y que se dedican a crear contenido para las revistas, pueden verse vistos en la imposibilidad de realizar las fotografías con base plena en sus ideas, ya que deben ajustarse a los parámetros del medio, sobre todo aquellos que trabajan fuera de la documentación de pasarelas y que se centran más en el trabajo de estudio. Aquel que trabaja desde su estudio, menciona Casasus, conoce lo que la firma o lo que los publicistas desean, por lo que los modelos y las temáticas suelen ser impuestos, lo cual podría limitar sus capacidades creativas. Sin embargo algunos fotógrafos han logrado fusionar ambos elementos creando sesiones que cumplen con lo que las revistas buscan sin dejar de lado sus propios ideales y propuestas creativas.

Tim Walker, Sophie Srej and Avelina, 2009.
Tim Walker, Sophie Srej and Avelina, 2009.

 Tal es el caso del fotógrafo británico Tim Walker (1970), quien ha trabajado para revistas de renombre en la industria de la moda, tales  como Vogue, Love, W Magazine y Bazaar. El trabajo de Walker se distingue por apegarse a los lineamientos de los medios para los que trabaja sin dejar de lado su toque personal. En sus fotografías imperan los elementos fantásticos, creando así imágenes que además de cumplir con el elemento fashion también crea un discurso visual que gira en torno a su propia concepción de lo fantástico, lo bello y lo incoherente. En una entrevista realizada por Karl Smith en 2012, Walker menciona que se anticipa al pedido haciéndo saber al interesado en su trabajo que tiene cierto apego por los insectos y en los cuentos de hadas. Esto dice mucho del proceso creativo del fotógrafo, pues antes de saber la propuesta de la revista para la cual ha sido llamado, el interesado debe estar enterado de que su trabajo puede involucrar algún fairy tale o cualquier otra idea extraída de libros para niños. “Fashion is not my leading direction as a photographer”.

 Es interesante observar cómo es que Walker combina la fotografía, la literatura y la moda para crear imágenes explosivas, llena de colores pastel, creando escenarios y dándoles vida a personajes de cuentos o películas populares. La narrativa visual que crea en sus imágenes se impregna de él y de sus gustos. Sin embargo, no deja de lado el papel del espectador al momento de hacer fotografía. En este sentido, Walker hace, en esa misma entrevista, una analogía entre la fotografía y una ventana entre lo que hay fuera en el mundo real y lo que hay dentro de su obra, la fantasía. Así pues, Walker hace una invitación al espectador a entrar en su mundo, en su fotografía, a pasar a través de la ventana que te transporta al mundo mágico, como si se tratara más bien del agujero de Alicia en el país de las maravillas por el cual se accede al mundo de la magia y del sinsentido.

Tim Wlaker, Kirsi Pyrhonen, 2008.
Tim Wlaker, Kirsi Pyrhonen, 2008.

 Al mismo tiempo en el que Walker explora la fotografía desde su visión en combinación con los parámetros establecidos por los medios, se muestra el tinte surrealista en su obra. Concha Casasus menciona que la fotografía surrealista de moda permite el triunfo de la creatividad y la aceptación de una publicación publicitaria. El trabajo de Walker es un coctel delicioso de moda, surrealismo, literatura y criaturas fantásticas, una mezcla de colores y texturas y diversos elementos que no deja el ojo quieto ni un solo momento mientras se mira sus fotografías.

Tim Walker, Karlie Kloss, publicada en Vogue de Gran Bretaña, 2011.
Tim Walker, Karlie Kloss, publicada en Vogue de Gran Bretaña, 2011.

Francia sin censura: Anouk Deville

Actualmente existe una gran cantidad de talento emergente en todas las áreas del arte, pero específicamente la fotografía es una de las ramas que más adeptos tiene, entre aficionados y fotógrafos profesionales. Esto se debe a la inmediatez que ofrece tanto para realizarla como para promocionarla gracias a las redes sociales. Lo anterior resulta específicamente con la fotografía digital, pero en lo que a fotografía análoga respecta es más largo, costoso y complejo el proceso tanto para producirla como para darla a conocer. Aún hoy en día existen fotógrafos que realizan su trabajo de forma análoga, y que en medio de la tecnología, consiguen digitalizar su material sin perder la calidad de éste, además de tener la posibilidad de añadir detalles y retoques sin tener que pasar horas en el cuarto oscuro.

 Entre ellos se encuentra Anouk Deville, una joven fotógrafa de origen francés que a pesar de su corta trayectoria en el medio del arte ya cuenta con diversas exposiciones tanto personales como colectivas en su país. Su obra basada sobre todo por el uso de blanco/negro y altos contrastes, evoca nostalgia, vacío, soledad y como ella misma lo describe: las imágenes son “crudas, duras y precisas.”

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“Poner  el propio cuerpo de vez en cuando produce que el fotógrafo se vea así mismo contra la opacidad del mundo” A.D.

 Bien podría ser considerada como una mezcla entre Nan Goldin y Robert Mapplethorpe ambos fotógrafos —, por la constante presencia de manchas de sangre, violencia, adicciones, sadomasoquismo y  transexualidad. Pero a pesar de todas estas similitudes, Anouk hace uso de otros recursos como la vejez, el abandono, los pies agrietados y una serie de autorretratos en donde expone su entorno a la vista del espectador, marcando de este modo una fuerte línea de trabajo, al que se considera como osado y sin temor a la censura. A diferencia de otros fotógrafos que fueron víctimas de esta forma de expresión, al hacer imágenes de la misma índole, Anouk ha podido ser libre de mostrar su propia visión del mundo, gracias a la apertura que permite internet en general, y no sólo en su país, sino hasta el otro lado del mundo.

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Échale un vistazo a todo el trabajo de Anouk aquí.

El almacén de la imagen: lectura y consumo de imágenes

La fotografía es un medio del cual se sirve el hombre para crear representaciones visuales de la realidad. El uso que se da de dichas representaciones cambia según el lugar y la época en la que hayan sido producidas; siendo así, cada género fotográfico tiene una función y un uso específico para el cual fue creado. En este sentido es importante que cuando se observe una imagen no sólo la leamos en sí misma, sino que la contextualicemos, la observemos incluso en el entorno en el que es presentada.

 Este tipo de análisis puede llevarse incluso en las imágenes presentadas por los medios de comunicación. La importancia de la fotografía y de la imagen en sí se hace explícita cuando comprendemos el mundo hipervisual en el que nos desenvolvemos con el día a día. La producción diaria de imágenes debe estar por encima de los límites de nuestra imaginación, mientras que, al mismo tiempo, nos convertimos en consumidores de la gran masa visual que se nos presenta todos los días a través de distintos medios de comunicación: internet, revistas, periódicos, cine y televisión. Lo cierto es que consumimos imágenes en un modo desmedido, pero es poco probable que sepamos leerlas, mucho menos interpretarlas y ser críticos no sólo con la imagen misma, sino también con el uso que los medios hacen de ella.

 Uno de los medios por los cuales se dio inicio tanto de la producción como del consumo de imágenes fue la creación de las revistas ilustradas. Desde finales del siglo XIX las revistas y los semanarios ilustrados habían comenzado a emplear imágenes, lo cual permitió que hubiera un cambio en la forma de hacer fotografía, pero también en la forma en la que se presentaba la información y en la manera en la que los lectores percibían la noticia. Un ejemplo de este cambio es el surgimiento de los semanarios ilustrados en México, tales como El Mundo Ilustrado (1894), y la creación de Rotofoto (1937), revista que aunque tuvo una duración efímera fue de gran impacto en la sociedad capitalina.

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Rotofoto fue una revista ilustrada de existencia efímera (sólo once números) que inició en mayo de 1938, teniendo como antecedente la revista estadounidense Life.

 Desde entonces la imagen cobraba importancia en su función informativa, sobre todo en un país como México en el que se pretendía mantener informado, interpretando la realidad social y política del país, a una sociedad que era mayormente analfabeta, tal como lo señala Elsie Mc Phail Fanger en su texto “Imágenes y medios de comunicación: el caso de Rotofoto”. Para los años cincuenta del siglo XX mexicano, la fotografía que hasta entonces se usaba en revistas y periódicos, comenzó a competir con la imagen en movimiento que ofrecía la televisión. Con ello se modificó la idea de veracidad sobre la cual se había mantenido a la fotografía, pues se confería mayor veracidad a la imagen en movimiento. Sin embargo, la fotografía no dejó de ser importante en revistas y periódicos, e incluso en nuestra época continúa siendo usada por los medios digitales que son conscientes sobre la demanda de imágenes por parte de los lectores que si bien no saben leer fotografías no se eximen de consumirlas.

 La mayoría de las revistas hacen uso de la imagen para ilustrar los artículos que conforman sus páginas y con ello abrir llegar a un público más amplio. Se trata de generar lectores de textos más que de formar lectores de imágenes. El punto es que el público sepa ser lector y crítico del texto que se muestra en las revistas y no tanto que haga crítica de la fotografía o ilustración que se le presenta. Así pues, la imagen se relega a un segundo término, provocando que se deje de lado su valor como medio en sí mismo, sin necesidad de restarle importancia como forma de expresión visual necesaria para atraer la atención de los lectores o de hacerles la lectura más llevadera.

 El punto está en que cada vez que nos topemos con una imagen en medios como revistas y periódicos, incluso en libros, seamos más críticos con los textos al mismo tiempo que con las imágenes. ¿Qué fotografías o ilustraciones nos presentan y cómo lo hacen? ¿Qué importancia tiene que haya imágenes en un texto publicado? ¿Qué intenta comunicar la imagen en función del texto o viceversa? Los tiempos han cambiado y con ellos se han modificado los modos en los que se presenta la información, que cada vez se adapta más a un público con poca educación visual pero con una insaciable demanda de imágenes. Es cuestión de observar la forma en la que revistas y periódicos, impresos o digitales, están produciendo y exhibiendo la información visual, en un intento por auto explorarnos, descubrirnos e interpretarnos como sociedad.

 

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

El almacén de la imagen: literatura y fotografía en Adela Goldbard

Uno de los nombres más reconocidos, por lo menos por fotógrafos y artistas, en la escena artística contemporánea en México es el de la fotógrafa Adela Goldbard (DF, 1979), sobre todo por tratarse de una artista muy joven que ha ido consolidando su obra desde hace poco tiempo. Goldbard ha sido beneficiaria, en diversos programas, de algunas becas del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Además en 2012 fue ganadora del Premio Centenario al artista emergente otorgado por zona MACO. Su trabajo, al igual que la de otras fotógrafas contemporáneas mexicanas tanto consagradas como emergentes, fue incluido en Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México 1910- 2010, una obra realizada por la historiadora del arte Emma Cecilia García Krinsky y publicada por el CONACULTA en el 2012. En ella se hace una revisión del trabajo de más de 100 fotógrafas mexicanas a lo largo de cien años.

Adela Goldbard, Lobo. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.
Adela Goldbard, Lobo, 2013. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.

 Adela Golbard tiene estudios en fotografía realizados en instituciones nacionales, entre ellas la Escuela Activa de Fotografía de Coyoacán y el Centro de la Imagen, así como internacionales, entre las que se encuentra la Escuela superior de arte y diseño en Sainttienne, en Francia. Sin embargo su obra no puede comprenderse sin revisar un poco de la historia personal de esta artista. En principio es necesario mencionar que Goldbard es egresada de la licenciatura de Letras Hispánicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Una vez dicho esto se puede entender mejor el hecho de que su obra como fotógrafa sea una constante dialéctica entre fotografía y literatura. Sin duda alguna, la interdisciplinariedad genera un discurso más rico.

Adela Goldbard
Adela Goldbard

 Así pues, la fotografía de Adela Golbard dialoga con la literatura y con otras formas de expresión artística como el video y la escultura, generando así nuevas realidades, nuevos y variados mundos posibles, que provocan un entrecruzamiento entre la realidad y la ficción. La literatura es considerada como el arte de la escritura, probablemente se entiende como la disciplina por medio de la cual se crean realidades ficticias y sólo eso. La fotografía, de la misma manera, ha fungido como ese medio por el cual el fotógrafo expresa o representa aquello que se piensa que es real, pero que no lo es. Porque, es necesario decirlo, la fotografía no muestra la realidad como se ha venido pensando desde el siglo XIX. La literatura tampoco la muestra, por ello mismo ha sido relegada, muchas veces, por las demás ciencias sociales que pretenden mostrar la realidad del pasado o del presente: la historia y la sociología.

 En ese sentido la interdisciplinariedad de la obra de Goldbard toma fuerza cuando pone en contraste el mundo real del mundo ficticio, en un intento por dejar de lado la separación, tanto en las disciplinas como en la dialéctica entre los dos mundos. Por ello, sus series fotográficas incorporan la puesta en escena como un elemento por el cual se entrecruza la realidad y la ficción. Trabajar con maquetas, menciona en una entrevista para Museógrafo TV, sería restarle ese toque de realidad.

Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.
Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.

 En esa búsqueda por fundir lo real de lo ficticio, Adela ha hecho uso de hemerografía al momento de pensar en sus proyectos, lo cual la guía en la senda de la investigación para definir y delimitar sus series. Tal es el caso de la serie La Isla de la fantasía, en la que busca reconstruir la realidad del pasado a través del uso de réplicas de aviones y una previa investigación sobre accidentes aéreos de funcionarios públicos. Se trata pues de hacer uso de la historia para reconstruir la memoria a través de la crítica por medio de la fotografía.

“Algo que para mí es importante en mi obra es cómo la ficción y la realidad parecen fundirse constantemente en nuestras vidas. De pronto me preguntan que por qué en escala natural si en la fotografía se puede un poco engañar al ojo en cuanto a la escala, pero para mí el trabajo que yo hago no es sólo un trabajo fotográfico, sino que es un trabajo en el que la cámara fotográfica o de video es importante como medio, pero que habla de la realidad en sí. Si yo trabajara con maquetas, no estaría trabajando realmente con una réplica de la realidad”.

— Adela Goldbard en entrevista para Museógrafo TV.

 Laura González Flores, doctora en Bellas Artes e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, hace un análisis de la obra del Goldbard, que lleva por título “Del buen préstamo de las artes. On the road de Adela Goldbard”. En él expone una analogía entre la serie On the road de la fotógrafa y la nóvela homónima de Jack Kerouac, pues la mezcla entre literatura y fotografía se da cuando Goldbard hace su serie basándose en los paisajes por los cuales pasaron los personajes de la obra de Kerouac. En las fotografías el territorio tiene una gran importancia y los objetos cobran vida y sentido a partir del uso de iluminación. Los colores fríos del paisaje se mezclan con los colores cálidos de los objetos creando así un equilibrio a nivel visual. La lectura de González Flores es muy atinado, dejando ver que el paisaje en la obra del Goldbard representa un espacio social roto en el que se hacen presentes los conflictos que ocurren en nuestro país en la actualidad: el narcotráfico, la crisis económica, la corrupción en un territorio nacional lleno de Oxxos; los mismos Oxxos que el fotógrafo mexicano Adam Wiseman ubica como parte del imaginario social del y de lo mexicano.

 La fotografía de Goldbard tiene presencia en la escena artística de nuestro país no sólo por tratarse de proyectos fotográficos que artísticamente están bien logrados en cuanto a composición y otros elementos del buen uso de la técnica fotográfica, sino que el discurso sobre el que la autora sustenta su obra es lo que permite que haya coherencia y sentido en los proyectos. Así pues, Golbard es en mi opinión una artista completa, pues su formación como literata y cómo fotógrafa le ha permitido sustentar los temas que fotografía provocando que su ejercicio sobre la ella vaya más allá del quehacer artístico.

Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.

El almacén de la imagen: Hasta pronto, René Burri

El lunes 20 de octubre algunos diarios y noticieros anunciaron la muerte de quien fuera considerado como uno de los fotógrafos más relevantes del siglo XX: el fotoperiodista suizo René Burri. Medios nacionales e internacionales como Excelsior, El Universal, El Financiero, The Guardian y Lightbox, por mencionar algunos, cubrieron y difundieron la noticia dedicando algunas líneas a mencionar que había muerto, con 81 años de edad, “el fotógrafo que inmortalizó al Che”.

René Burri.
René Burri.

 Al parecer, el trabajo que realizara Burri durante décadas se reduce a esa fotografía icónica del Che fumando un puro habano, a los retratos que realizó de artistas importantes como el pintor español Pablo Picasso o al arquitecto y pintor suizo Le Corbusier. Sin duda, el trabajo de Burri se define, en gran medida, por sus fotografías con temas políticos y sociales, pues como fotoperiodista pudo viajar por todo el mundo retratando a líderes políticos, guerras y conflictos sociales. Sin embargo, sería importante retomar su figura en tanto a sus aportaciones al mundo del fotoperiodismo y de la fotografía documental, sin restringirla a la del mero “fotógrafo que tomó la foto del Che”. Relegar el resto de su obra sería una manera muy cómoda de mitificarlo como fotógrafo a través sus las imágenes icónicas.

 René Burri fue un fotógrafo miembro con pleno derecho de la Magnum Photos desde 1959, cooperativa fotográfica reconocida a nivel mundial fundada en 1947 por los “founding fathers” de la fotoperiodismo del siglo XX: Robert Capa, Henri Cartier- Bresson, George Rodger, William Vandivent y David “chim” Seymour; contando con sedes en París, Nueva York, Tokyo y Londrés. El trabajo de René Burri fue publicado en distintos medios impresos como Life, The New York Times, Sunday Times, Paris- Match y Look. Esto hace que sea por demás considerado como uno de los mejores fotógrafos de la posguerra, sobre todo porque el mayor auge de su trabajo fue realizado a partir la década de 1950. No por nada Martin Parr, actual presidente de la Magnum Photos, se referiría al fallecimiento de Burri como la pérdida de uno de los artistas más poderosos en el mundo de la fotografía. Sin embargo, pienso que René Burri no debe ser recordado únicamente como el fotógrafo de la fotografía icónica del Che Guevara, o que su nombre sea reconocido por ser “el fotógrafo que realizó el retrato de Picasso”, porque como él hubo otros más que fotografiaron a gente reconocida. Creo firmemente que Burri debe ser recordado también por la forma en la que concebía la fotografía, por la manera en la que logró capturar en blanco y negro algunos conflictos sociales alrededor del mundo y por el modo en el que llegó a realizar crítica social a través de su fotografía documental realizada a color.

Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the "forbidden city", Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.
Rene Burri, Tien An Men square in front of main entrance to the “forbidden city”, Beigin, 1964. Crédito: Magnum Photos.

 Burri es ese fotógrafo que creció en el periodo del fotoperiodismo en blanco y negro, tal como lo harían los fundadores de la cooperativa Magnum Photos, y en ese sentido su obra a color cobra mucho más sentido. La publicación del libro Impossible Reminiscences en el 2012 es el resultado de la re- valoración de su trabajo como fotógrafo documental, más que como fotoperiodista. Es decir, del enaltecimiento de su obra como artista, como fotógrafo apasionado de la imagen más que de la noticia.

“[…]that’s the strength of photography, you decide the decisive moment, so to speak, to click the moment on and come up with the picture that never comes back again.” Rene Burri en entrevista para Phaidon.

 Él mismo quiere dejar de ser el fotógrafo que retrató a gente famosa, por eso mismo en Impossible Reminiscences se muestra la otra cara de Burri, aquella que ve a la humanidad con otros ojos, esa que deja de fijar su mirada en pintores, políticos y artistas para contemplar a quienes no tienen nombre. Así pues, intenta, según menciona en la entrevista para Phaidon, que sus fotografías muestren una parte de la realidad, expresar emociones en el resumen de una fotografía, aun en la imposibilidad de poder capturarlo todo.

René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Río de Janeiro, Brasil, 1967. Crédito: Magnum Photos.

 El punto está en que cuando pensemos en René Burri no sólo lo relacionemos directamente con sus imágenes icónicas, porque de esta manera estaríamos creando un mito en torno a este fotógrafo. Algo similar sucedió con el fotoperiodista mexicano Agustín Víctor Casasola, quien ha sido considerado como el fotógrafo de la Revolución mexicana, todo ello como resultado de la gran difusión que se ha hecho de las fotografías del conflicto armado que se encuentran en el Archivo Casasola. La publicación de las Historias gráficas de la Revolución mexicana a cargo de la familia Casasola han contribuido a la mitificación de este fotógrafo, haciendo que el trabajo de otros fotógrafos haya quedado relegado, sobre todo por la confusión que hay en torno a la autoría de las 483, 993 piezas que conforman el archivo. Así pues, las fotografías de la Revolución mexicana que forman parte del imaginario gráfico de los mexicanos, tales como la fotografía de la Adelita y de Emiliano Zapata, se han vuelto icónicas, menciona John Mraz, por su constante re publicación. En ese sentido, la mitificación de René Burri, como se muestra en el discurso de los medios de comunicación, gira en torno a de imagen del Che Guevara. Dejemos que sean las imágenes las que hablen de su autor sin necesidad de definir a éste a través de una sola fotografía. Que la noticia conmovedora del fallecimiento de René Burri sea una forma de enaltecerlo por su quehacer como fotógrafo más que por su fotografía de un personaje.

René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, San Cristobal, México, 1976. Crédito: Magnum Photos.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.
René Burri, Amalfi, Italia, 1966.

El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman

La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.

 La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.

  Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.

Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.
Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.

 Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.

Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.
Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.

 La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.

Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.
Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.

 Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.

 La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

 Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

Más de 43

Fue el 26 de septiembre, a principios de otoño. Esa noche, el sonido de las balas ensordeció muchos corazones, muchas esperanzas, muchos sueños. El aire tropical guerrerense dejó de exhalar brisa templada cuando todos supimos la noticia: eran 43, un número sordo, un número impar. Cuarenta y tres, 40+3, 4-3…43 puede ser un número pequeño, pero pesado: cargaba con tantos anhelos…

 43 anhelos que han permanecido amordazados, maniatados, sino es que dormidos, quemados, enterrados. Llanto por doquier, llanto de la madre de Jorge Aníbal, del padre de Felipe, de la hermana de Antonio… de la esposa e hija de Julio César, a quien le arrebataron el rostro en su intento por huir de las balas. Su cuerpo mutilado es el reflejo de la más dolorosa indiferencia, del sadismo de los que todo lo tienen, de la desesperanza, la miseria y el despojo.

 Ellos eran (no, no eran, son)… Ellos son esos chavos que provienen de familias campesinas, pero quieren superarse. Son quienes tienen el interés de compartir sus conocimientos, de enseñarles a leer a niños indígenas de la montaña que no hablan español. Caminaban de dos a cuatro kilómetros de sus casas a las escuelas cercanas a su comunidad. Por eso decidieron ir a la Normal, donde podrían comer y dormir para así aligerar los gastos familiares y valerse por sí mismos. Aunque fuera entre cucarachas, aunque tuvieran que dormir 10 en el mismo cuarto, no importaba, el fin justifica los medios.

 “¿Quiénes son esos pinches indios revoltosos?”, se leía y se escuchaba por ahí…quizás no lo sabemos, porque no son nuestros Emilianos, Israeles o Alexanders, porque sólo los hemos visto en las fotos que andan circulando. No les conocemos el rostro, pero sabemos que somos nosotros. Te das cuenta de que eres tú porque también eres estudiante, porque también corres el peligro de que te arranquen la vida por el simple hecho de ser joven y cuestionar lo que te rodea. Porque también te persiguen por pensar que puedes sacar del atraso a tu comunidad, porque te indigna nadar en la mierda y quieres salir de ella…

 Da rabia y coraje que los sueños de Abel y José Ángel “estén” enterrados en fosas clandestinas. Da terror imaginar el miedo y la incertidumbre de sus padres, de las madres campesinas que apenas hablan español, que no pueden entender por qué… ”¿Por qué nuestro muchacho? si él sólo venía a estudiar y superarse, ¿por qué me lo quitaron?”

A relative of one of the missing students from Ayotzinapa Teacher Training College "Raul Isidro Burgos" cries during prayers at the basketball court in the school at a private mass in Tixtla

 Iguala ya no será la misma. Iguala está salpicada de la sangre de David Josué, quien con apenas 15 años sólo sabía de amigos y fútbol. Se los arrebataron. Las huellas dactilares del odio son la única y más palpable evidencia de esta soledad infinita que recorre los huesos de todos y cada uno de nosotros, quienes les lloramos. Y su cadáver está repleto de ellas.

 El rostro de Julio César vive en nosotros, no nos lo arrancaron. Aún tenemos ojos para mirar y boca para gritar que vivos se los llevaron y vivios los queremos. Y mientras “ellos” buscan a 43 muertos, aquí esperamos a 43 vivos, para gritar con esta misma rabia que queremos justicia. Juntos y vivos o que todo arda. Somos más de 43.

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Imágenes tomadas de internet, la última del facebook de Semanca Huitzilin https://www.facebook.com/temixoch

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

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“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

http://www.youtube.com/watch?v=a_GVRC8IPjA

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

http://www.youtube.com/watch?v=HBH0jqyPDCg

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin

Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.

 El horror está asociado al sentimiento de miedo  causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.

Joel Peter Witkin, Leda.
Joel Peter Witkin, Leda.

 Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.

 Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.

Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.
Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.

 El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.

  En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía  se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.

 La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.

 La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.

 La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.

 El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.

Joel Peter Witkin
Joel Peter Witkin
Peter Witkin, Sanatorium.
Peter Witkin, Sanatorium.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.

Especial Ghibli: Puedo Escuchar el Mar

Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.

 Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.

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 Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.

 Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.

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 También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.

Layout: Difunde tu foto con Espejismo

Espejismo surgió como un proyecto entre universitarios en el año 2009 para sacar a la luz una Agenda Fotográfica 2010 entre fotógrafos amateurs. El resultado fue un trabajo de más de 6 meses en donde se planeó, estructuró, convocó, organizó, imprimió, y se publicó (con la participación de 15 fotógrafos y 5 anunciantes) un tiraje de 1000 ejemplares con 2000 postales a una tinta, distribuidos en Librerías Purrúa, y en librerías de Cuernavaca, Morelos.

Espejismo
Agenda Fotográfica2010

 Sin embargo, para las ediciones 2011 y 2012 el proyecto no se continuó porque los integrantes de la primera edición siguieron caminos distintos que los separó del proyecto. Para la edición 2013 uno de los integrantes retomó el proyecto con el propósito de darle continuidad a la misión con la que se había iniciado Espejismo.

 Hasta ahora, se ha realizado la edición pocket de 2013 y la edición ½ carta 2014, con la finalidad de dar difusión y exposición al trabajo de fotógrafos emergentes y amateurs a través del trabajo colaborativo y colectivo, con un nuevo propósito: impactar en el medio ambiente lo menos posible a través de los temas, de la experimentación de materiales y formatos.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2013, edición pocket

 El tema para la cuarta edición (2015) es La imagen como una posibilidad y alude a la oportunidad de construir la realidad material a partir de las impresiones que el fotógrafo captura por medio de formas y colores resultado de la contemplación, el estudio o la curiosidad.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 Desde esta perspectiva, Espejismo abre una oportunidad para dar voz a los fotógrafos en un espacio colectivo, en donde se trabaja en conjunto, uno no es sin el otro y viceversa; no parece una tarea fácil pero las tres ediciones anteriores dan fe de que se puede lograr.

 Los obstáculos que han enfrentado parecen enormes cuando no se cuenta con el apoyo de un patrocinador que asuma los costos de operación y producción, sin embargo Espejismo cree que no hay barreras altas que impidan continuar –independiente del número de tiraje– dar a luz cada edición demuestra un obstáculo menos.

 Si te gusta la fotografía y quieres difundir tu fotografía podría interesarte leer las bases para participar ya que la convocatoria tiene fecha de vencimiento hasta el último día de este mes; la participación puede ser en forma de colaboración ya que con ella se contribuye a reducir las dificultades y favorece el trabajo en colectivo, el valor de la colaboración es de igual relevancia que cualquier otro que se realice para funcionar.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2013
Espejismo
Agenda Fotográfica 2014
Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 

El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Si miráramos siempre al cielo

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

“Si miráramos siempre al cielo, acabaríamos por tener alas”.

– Gustave Flaubert

Una de las principales razones por las que un instante puede llamar toda mi atención y siguiente a ello surja la necesidad de capturarlo en una fotografía, es debido al hermoso cielo que se monta sobre el momento.

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Lago
DCIM100GOPRO
José Miguel
horizonte
Horizonte
coyutla
Coyutla

 

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

Chulavista Store

 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

¿Cuántos diablos hay que cumplir para dejar de estar maldita?

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Soy la oveja negra de la familia, con modales de cabra.

 La que se tiene que tapar los tatuajes cuando llega a casa porque mi mamá, de 60 años de edad, se molesta conmigo por tenerlos.

 Soy la flor que emerge del pantano y huele bien.

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 Hay varios fluidos que se han derramado en estos 25 años:

 Las lágrimas que salieron cuando me abandonaste.

 El sangrado vaginal que dejé de segregar hace poco más de un año.

 El flujo nasal que siguió luego de jornadas largas de llanto.

 El semen que me tragué y el que dejaste adentro.

 La sangre que corrió por mis nudillos cuando golpearon sin descanso el concreto. Maldita ansiedad.

 La cebada de mis latas de cerveza y el whisky, el ron, el mezcal, el pulque, el brandy; casi todo menos el horrendo vodka.

 La saliva que lubricó mis porros y la que me faltó luego del silencio introspectivo que deja la hierba codiciada y juzgada por muchos.

 El sudor de mis manos y de mis axilas.

 La grasa facial que se escurre tras la actividad diaria.

 No han pasado tantos años, sólo los suficientes. No he madurado del todo y no sé cómo se llega a ese ideal.

 Sólo sé que seguiré esparciendo jugos y caldos, regando mi esencia; con desprecio y repudio a las situaciones que no puedo controlar: tu ausencia, desdén y olvido.

Fotos: Jaime Tena 

Layout: Diseño, una voz al cambio climático

Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March

El cambio climático es uno de los temas más relevantes de nuestra época, entre discursos que reclaman nuevos compromisos al respecto y otros que lo tachan de fraude, el diseño se hace presente para establecer un vínculo entre el espectador y las diferentes posturas.

 El pasado domingo 21 de septiembre se llevó a cabo una manifestación mundial en contra del cambio climático como antesala a la Cumbre sobre el Clima que inició esta semana en la sede de la ONU en Nueva York, con la finalidad revitalizar aspiraciones y promover medidas.

 Previo al evento llovieron una serie de imágenes en redes sociales para convocar a gente de todo el mundo a participar en una marcha que pretendía ser la mayor protesta de un tiempo para acá sobre el tema.

 La complejidad del tema sugiere tomar conciencia sobre lo que está ocurriendo en nuestro planeta para conformar una opinión informada; Internet ha representado la ventana a un océano de información que se vale de múltiples discursos favorecidos entre otras disciplinas por el diseño, dejando en el espectador una semilla que altera su percepción y reafirma alguna de las tantas posturas.

 Así, los álbumes de fotos en Facebook de algunas organizaciones como Avaaz.org y Greenpeace recurrieron a las imágenes reproducidas por el sitio peoplesclimate.org para invitar a los internautas a formar parte de esta gran manifestación y generar presión social en vísperas de la Cumbre sobre el Clima.

 El poder de llegar a decenas de miles de personas a través de las imágenes sin depender del idioma hace del diseño una herramienta eficaz y con un alcance exponencial para lograr sus fines, sin embargo, solo representa una parte de la estrategia mediática para hacer relevante el tema, ya que se valió, entre muchas cosas, de personalidades destacadas de Hollywood como Leonardo Di Caprio y Mark Ruffalo, así como del alcalde de Nueva York, ministros, ex vicepresidentes y del Secretario General de la ONU, Ban Ki-Moon, para conformar una especie de voceros que dan fe al movimiento contra el cambio climático.

 La credibilidad de los mensajes se construye a través de una serie de articulaciones mediáticas que juegan un papel muy importante para comprender los fenómenos sociales que ocurren en nuestro tiempo, el diseño es partícipe de este juego que favorece o desacredita los discursos difundidos dándoles personalidad y voz particular, los significa para dar fe o confianza al espectador para conformar una opinión personal, pero influencia por el tipo de información tal es el caso de los que creen que el cambio climático es un fraude.

El día que no es y la noche que no debió ser

Estoy vacunado contra toda clase de enfermedades, de calamidades, de penas  y de miserias. Es la culminación de una vida de fortaleza. Soy absolutamente inmune.

– Henry Miller.

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Yo quería que se asomara a mi abismo y terminé siendo devorada por el suyo. Me llevó por un espiral incesante de emociones nuevas y violentas. Él buscó a una mujer y mis puños encontraron su rostro. No quería decirles, pero pude acceder a todo lo que quería esa noche, pude decirle que sí a todo lo que pidiera con tan sólo una de sus miradas perdidas. Pude, pero ahora no estoy tan segura.

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 Quería que bailáramos sin descanso, que saludara a mis amigas. Quería presentárselo a todos, mientras lo sujetaba fuerte de la mano. Quería que nos vieran juntos y reír del recuerdo de nuestra incidental primer cita. Quería que su brazo fuera una extensión de mi cuerpo. Quería despertar borracha junto a él. Quería que pensara que no iba a encontrar a nadie con los mismos tatuajes que los míos. Quería.

 También quería verme reflejada en sus lentes de contacto y levantarlos del suelo cada vez que se cayeran, para verlo correr preocupado hacia una fuente de agua. Quería convencerlo de hacer cosas que no quiere, sólo para darme gusto. Quería más de esos besos tiernos y feroces. La dualidad le va bien.

 No soporto la idea de que haya arruinado todo antes que yo, no me dio tiempo de hacer las estupideces habituales, que me nacen cuando estoy pasada de serotonina.

 Después de todo no me asustas. He visto demasiada decadencia y sí, es verdad eso que dicen: siempre se puede caer más abajo. Antes pensaba que cuando llegabas al fondo se terminaba la espera, pues no venía nada después, pero es mentira, y me costó varios porros entenderlo.

 Soy tanto veneno que no puedes digerir, tanto que ni me sorprende que la segunda vez que me viste, te convertiste en un monstruo, ¿será que sigues embrujado? o ¿será que olvidaste tomar tus medicamentos?

 Dime ¿quién eres tú? ¿por qué tienes tanto poder?

 Llevo tan poco sabiendo que existes y te he dedicado más líneas que a personas que han permanecido en mi existencia desde hace años. Puedo pasar toda la noche escribiendo para desahogar la angustia que sentí cuando vi que ya te habías ido y que la entrada del edificio estaba cubierta de sangre. Puedo platicar que estás demente o guardar el secreto. Tu recuerdo permanece. Tan inmune soy que antes de alejarme me sentí arrastrada a saber de ti. A encontrarte de nuevo. A matarte de un solo beso. Muérete, mátame. Sujeta mi cuello como esa noche y susurra otra vez que me amas.

tumblr_n5jskfVTJO1tbj34po1_500Fotos: Alan Isol 

México lindo y querido

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

 

(…) Esa es mi meta: hacer, a través de mi pintura, que se conozca a México, que se le estime.

– Rufino Tamayo

Existen muchas cosas que, cuando me encuentro lejos de mi México querido, me hacen recordarlo, como la música, la comida y el baile; pero ningún recuerdo será tan grande, como las imágenes que me ha permitido tomar de su gente, de sus tierras y de sus colores. Y así como Rufino Tamayo que quiso dar a conocerlo a través de su pintura, yo se los muestro  a través de algunas de mis fotografías.

huatulco
Huatulco
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Flor
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Pradera
soñador
Soñador

 

Galería #somoscreadores

 

 

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La develación del Totalmente Nuevo Chrysler 200 sucederá dentro de una impactante exposición de arte donde cada obra presentada abordará los conceptos de diseño, desempeño, tecnología e innovación que comparten y crean puentes de diálogo con el nuevo integrante de la familia Chrysler.

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La galería #somoscreadores surge así como una plataforma de fomento, promoción y difusión de las mejores propuestas creativas contemporáneas y emergentes. En esta exposición curada por Chrysler Group, los diseñadores y Andrea Chauvet Almazán, el Totalmente Nuevo Chrysler 200 se ha convertido en motivo de inspiración de Dr. Alderete, Alonso Cartú, Monairem y Amor Muñoz, cuatro grandes artistas de la escena contemporánea en México, quienes compartirán con nosotros el próximo 18 de septiembre a través de una exposición especial, sus más ambiciosas creaciones desde diferentes perspectivas, utilizando distintos materiales y poniendo en constante diálogo diferentes disciplinas e intereses.

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De esta forma, la creatividad, las ideas y las ganas de que se hagan realidad, son las principales cualidades que describen la propuesta artística de la galería #somoscreadores en la búsqueda de la consolidación del arte mexicano.

No dudes en buscar todos los detalles en la páginas oficiales:

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

 Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.
Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

 Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

La antigua pulquería
La antigua pulquería

 Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México
Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

 En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

El almacén de la imagen: la fotografía de Rodrigo Maawad

Una de las ventajas del advenimiento de los programas de pos producción en la fotografía es que se pueden crear escenarios fantásticos, adaptaciones ambientales y escenas que generalmente producimos en nuestra mente a través del ensueño. Sin embargo, no todo en la fotografía, sobre todo en la que abarca el género del surrealismo, puede ser producido en su totalidad por medio de recursos de pos producción. El trabajo del fotógrafo, artista contemporáneo, se desarrolla tanto en la experiencia de la materialización de una idea al momento de hacer el montaje para una fotografía, así como también de la labor realizada en tanto la edición de su obra.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 Cuando vemos una fotografía es necesario observar el discurso visual que se está presentando, por un lado está la idea o el concepto que el fotógrafo pretende mostrar con su trabajo, es decir, qué está queriendo decirnos con una serie o con una fotografía. Podemos entender, de manera intelectual, aquello que el fotógrafo está representando, si se trata de una crítica social, si es más bien documental o si se trata de una propuesta a nivel artístico. Lo que intenta exponer el artista se puede volver aun más fácil de interpretar si tenemos como apoyo un texto curatorial. Sin embargo, a veces sólo observamos el resultado final del trabajo, la fotografía como producto final que se expone a nosotros como consumidores. En ese sentido, cuando nos detenemos a ver una fotografía podemos llegar a olvidarnos de pensar en el proceso de producción previa a la toma, es decir, qué hizo el fotógrafo para poder llegar a esa imagen que exhibe.

 Los fotógrafos mentalizan la imagen que van a crear a través del recurso de la fotografía. Para la realización de una toma fotográfica se parte primero de una idea, se eligen los escenarios, los personajes que aparecerán en ella, los elementos que ayudaran a la representación de aquello que quieren transmitir.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 El trabajo del fotógrafo mexicano Rodrigo Maawad (1982) es un ejemplo perfecto de que el trabajo del fotógrafo toma forma desde la producción del escenario, de los personajes, y de la selección de elementos de los que se servirá para realizar su obra. Al ver las fotografías de Maawad se piensa en el uso de programas de posproducción, pero también es importante observar la preproducción.

Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.
Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.

 Rodrigo Maawad es un fotógrafo que se distingue por realizar casi por completo la producción de sus imágenes. La caracterización de sus personajes, hecha a partir del uso de máscaras y otros elementos, está a su cargo. Además elige meticulosamente los escenarios para crear cuadros alucinantes y fantásticos que reflejan una sola cosa: crítica social. Esto sucede con su serie Homo videns, en la que según comenta el fotógrafo, intenta mostrar una crítica a ese ser humano que consume la cultura a través de los medios, que imponen comportamientos sociales. El hombre homo sapiens que reflexiona, comenta en una entrevista para CONACULTA, se vuelve homo videns, esto es, un ser que ve pero que no entiende. Se siente la influencia del investigador italiano Giovanni Sartori en el discurso visual de Maawad. La serie fotográfica Homo videns muestra esta crítica social a las telecomunicaciones.

Hasta la llegada de la televisión a mediados de nuestro sigo, la acción de “ver” del hombre se había desarrollado en dos direcciones: sabíamos engrandecer lo más pequeño (con el microscopio), y sabíamos ver a lo lejos (con el binóculo y aún más con el telescopio). Pero la televisión nos permite verlo todo sin tener que movernos: lo visible nos llega a casa, prácticamente gratis, desde cualquier lugar.

– Giovannni Sartori. Homo videns. La sociedad teledirigida.

 Así pues, vemos en esta serie a personajes en situaciones de encierro, paredes blancas que aluden a un estado de inconsciencia. Observamos personajes masculinos en el espacio de lo privado, aquel que solo permite al hombre experimentar todo aquello que hay afuera a través de los medios: la televisión, la radio. El espacio privado recluye y obliga, de cierto modo, a conocer el mundo a través del consumo de programas televisivos que plantean una visión manipulada de la realidad. Las fotografías nos muestran a seres humanos que no piensan, que solo ven, con la televisión tan incrustada en la cabeza que se ha vuelto parte de sus cuerpos.

Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.
Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.

 Por otro lado, Maawad muestra a otro tipo de humanos con cuerpos igualmente transformados, pero los vemos protagonizando escenas en el espacio de lo exterior. El mundo en el que aparecen estos seres antropomorfos no es el espacio del hombre moderno, es decir, un espacio urbano en el que se desenvuelve el hombre citadino, típicamente el homo videns. Sino que más bien se observan espacios agrestes. Algunas de las escenas pueden llegar a ser un tanto terroríficas, sobre todo por el énfasis que hace el fotógrafo por transformar la cara de sus personajes. Pero al mismo tiempo el horror se muestra en el efecto psicológico de miedo que puede causar en los espectadores. Este tipo de escenas pueden tener lugar incluso en la mente de cualquier persona, son ambientes recurrentes en pesadillas en las que el sin- sentido puede horrorizar a cualquiera.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

 La transformación del cuerpo es indispensable en el trabajo del fotógrafo hidalguense Rodrigo Maawad, así como la selección meticulosa de los espacios en los que representa su crítica social. Este fotógrafo es el caso de un artista completo, un individuo comprometido más que con el consumo de cultura, como él mismo lo menciona, con la creación de cultura.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Patrones Inculcados

Texto y fotografías: Ale Assad
Instagram: aleassad97

“Todas las personas nacen como original
la mayoría muere como copia”

— Rafael Pintada

Si bien todas las personas nacemos únicas e inigualables, la mayoría morimos siguiendo patrones e ideas que la sociedad nos inculca. Por ello al final de la vida todos terminamos viendo hacia la misma dirección, pero no precisamente con el mismo propósito.

“Sabia Vetustez”  San Lorenzo. Tlaxcala, 2012
“Sabia Vetustez” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“María del alma”  San Lorenzo. Tlaxcala,  2012
“María del alma” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“inclinación”  San Lorenzo. Tlaxcala, 2012
“inclinación” San Lorenzo, Tlaxcala; 2012
“Cavilando”  San Lorenzo. Tlaxcala , 2012
“Cavilando” San Lorenzo, Tlaxcala;  2012

Karlie Kloss la modelo que dio la vuelta al mundo en menos de 80 días

Crédito: vogue.com

Hace un par de días, Chioma Nnadi columnista  de Vogue USA, publicó un artículo en la pagina web que quisiera retomar para ustedes. Este articulo trata sobre la modelo Karlie Kloss y su fashion travel a través del mundo.  Nnadi escribió que Phileas Fogg y su viaje en globo se quedó corto a comparación con esta travesía de la modelo. ¡Quizá lo más impresionante no sólo fue eso, sino que Karlie Koss ni siquiera salió del país!

 Exacto. No se trataba de la verdadera Karlie Kloss, sino de una impresión 3D que varias personas realizaron y tomaron fotos en los lugares más representativos del planeta, como la Torre Eiffel, El Coliseo en Roma, entre muchos otros.

 En total fueron 80 muñecas las que se imprimieron para realizar este proyecto. Los vínculos moda-arte emergen  y demuestran una vez más que no es necesario hacer una hazaña muy elaborada para dar una fusión entre estas dos disciplinas. En este caso la fotografía de moda está alcanzando un nuevo nivel de expresión: La impresión 3D

Karlie Kloss en NYC. Crédito Vogue.com

 No sólo en este ámbito ha sido utilizado la impresión 3D. Cantantes como Will.I.Am lo utilizó en ‘Scream and Shout’ para imprimir su propia cabeza. No importa con qué objetivo, si es egolatría o para generar controversia, como lo hizo M.I.A. en ‘Double Trouble Bubble’, la impresión tresdé se está convirtiendo en una herramienta artística que podría usarse con mayor frecuencia en unos años, y ¿por qué no? en algunos meses.

 Los vínculos entre la significación y la exposición de estas muñequitas de la modelo entran en una discusión. Misma que se presentó en el artículo de Vogue y aquí. Karlie Kloss no viajó por el mundo. Lo hizo una representación de esta persona, un ícono.

Crédito: Vogue.com

 El juego semiótico que se observa en este momento es, más que complejo. ¿Quién o qué es lo que se presenta en las fotografías de este proyecto? ¿Es una representación de la representación de Karlie Kloss en un lugar del mundo?

 La moda y el arte una vez más se unen para obtener como resultado un producto complejo, que, si lo desmenuzamos poco a poco, podremos llegar a una conclusión mucho más simple y no con tanto enredo como se ha pensado en estos últimos años. Las percepciones serán múltiples. Cada una de ellas con su propia explicación. ¿Y si sólo imprimieron una muñequita y le tomaron foto, así nada más? ¿Y si hay algo mucho más profundo en cuanto a la percepción y significación de la belleza, y un nuevo uso estético que no involucre a humanos, pero sí representaciones de ellos?  La respuesta la tienen ustedes, queridos lectores.

 Si desean consultar el artículo completo, y ver el resto de las fotografías en Vogue, da click aquí.

 

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.