Conoce Joyride Magazine

 

¿Te gusta la música?

Morrisey, The Horrors, Pixies, Jamie XX, Franz Ferdinand, The Black Keys… Joyride Magazine te mantiene al tanto de la escena en México y el mundo.

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La idea de leer una revista en línea con un formato tan apegado a como se ve en papel, es algo muy atractivo. Tiene muchas ventajas, empezando por lo cómodo. Muchos podrán argumentar para las revistas en línea lo mismo que para la digitalización de libros: no es lo mismo, y cada quien cuenta su historia. Sin embargo, me gusta la idea de poder leerla las veces que quiera sin necesidad de llevarla conmigo a donde vaya o tener que comprarla en tal o cual lugar, además de ese detalle de redireccionar la información y poder ver los mejores videos del mes con tan sólo dar un “click”.

Joyride es más que una revista

 No sólo están bien posicionados como medio dentro del mundo de la música alternativa, lo que da como resultado una agenda variada y buenas exclusivas, también hacen eventos con grandes exponentes mexicanos y tienen un podcast semanal JOYRIDE•FM // ST VINCENT que hace de Joyride una inigualable “experiencia multimedia para los internautas”.

 Cada dos meses sale un número diferente de la revista, pero constantemente se sube contenido a la página de internet JOYRIDEMX.COM con las últimas noticias a nivel internacional tanto en música como en libros, cine, diseño y política.

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 Con fotografía propia y contenido original, espera la cobertura de festivales como el Corona Capital, Indio Emergente en Queretaro, MICsite en el José Cuervo Salón y conciertos en el Plaza Condesa, Auditorio Blackberry y Pepsi Center WTC, entre otros. Joyride Magazine es una producción de calidad en el diseño y el contenido hecha por Colectivo Canalla, preparado para ti.

 Ésta es su más reciente edición, échale un ojo a la entrevista con The Weeks, con Jogui; conoce lo que está haciendo James Blake; visita las recomendaciones de lugares para comer y entérate de los top 5 en videos, discos y singles del año:

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Joyride Magazine

 Los invito a leer esta revista que página con página te lleva por un camino electrizante de guitarras y baterías, como su nombre lo dice, un gran viaje a través de una gran variedad de bandas musicales que hoy, más que nunca, suenan con fuerza a través de internet.

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 FB Joyride Magazine México

Twitter @joyridemx

 Una forma de acercarte a tus bandas favoritas y seguir conociendo nuevas propuestas antes de que suenen en la radio.

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Una plataforma a partir de la experiencia, una forma de vida.                                                   Eso es Joyride Magazine

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Migrar: se vive, se escribe, se dibuja

“Así, un día, mi mamá puso sus cosas en una bolsa, nos tomó de la mano y dejamos nuestra casa.”

De vez en cuando (porque cuando no se quiere, el tiempo se cuenta de cuando en cuando), el espíritu de un niño se ve obligado a endurecerse, a no sentir, a no llorar. El cuerpo del niño tiene que migrar.

 Antes de asistir al destino obligado, los pies se encontraban desnudos, llenos de tierra con olor a semilla recién sembrada. Las bocas están tan rojas como una sandía joven y hermosa; y esas sandías se ríen a carcajadas porque la vida es verde. Los ojos sonríen y se mojan con el único propósito de dormir bajo aquella luz encargada de alumbrar los troncos oscuros.

 Migrar es un tributo, una memoria para todos aquellos que en el intento de ir a las grandes ciudades en busca de una sola oportunidad, desaparecen junto con la esperanza. Migrar es una consciencia latente, eterna

Este libro nos dice que alguien se acuerda de los que todos se olvidan, que alguien los quiere y los extraña. Nos repite que ellos tienen el derecho y la necesidad de ser recordados, “de existir”.

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 Llegado el tiempo, todo se termina. El campo muestra la otra cara. Aquel pueblo lleno de todo, se queda sin nada; poco a poco dejan de nacer niños porque las mujeres no tienen hombres. Los pies huelen áridos; en las bocas se seca la fruta; los ojos duermen obligados por tanto llorar.

 La esperanza les dice que afuera hay tierras fértiles, pero la realidad los golpea con el concreto. Una parte de nosotros muere cuando abandona su hogar.

 Saltar, correr, respirar hondo, ahogarse de cansancio deja de ser divertido. Finalmente, ya no se vive, se sobrevive.

 Todos somos lectores e ilustradores; la imaginación juega con el diseño de lo que se va leyendo. Aquí es diferente. Esta obra nos ofrece una lectura doble, cuya finalidad radica en complementarse una a otra. Por un lado, se narra con letras una historia rápida y triste sobre las desventuras de irse al otro lado, y por otro, se lee la misma historia con base en dibujos.

 José Manuel Mateo es un poeta, ensayista y cuentista mexicano, becario por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, así como doctor en Letras de la UNAM. Él estuvo encargado de relatar el testimonio de un niño arrancado de su hogar.

 Javier Martínez Pedro, es un artista de Guerrero que colaboró como ilustrador en este innovador libro, realizando su trabajo sobre papel amate, para que quede impregnada parte de la historia indígena que sobrevive sin que se escriba su historia.

“Por eso hicimos este libro, para no olvidar que las niñas y los niños migrantes existen y padecen…y también porque otra realidad reclama fuerte su derecho a existir.”

 Las letras, el dibujo, el papel y el corazón tienen un propósito en este título editado por Ediciones Tecolote.edic tecolote

 Esta editorial fue galardonada con el Premio “Nuevos Horizontes” en 2012 gracias a la publicación de esta obra. Migrar resulta una lectura obligada para todos.

Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Isabelle Manhes, desafiando las pasarelas

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Mediante el uso de telas de algodón, lana, seda, raso, popelina y paños, enriquecidas con texturas orgánicas y un toque de geometría mediante el uso de técnicas de fruncido, plisado, grabado sobre tela, serigrafía, recortado, acolchado, etc; es difícil confundir en la pasarela el estilo de Isabelle Manhes.

Diseño a diseño, el trabajo de este genio de la alta costura y el vestido que ha trabajado con Marc Jacobs, ha sido asistente estilista en Harpers Bazaar e ilustradora de Kristina Popovitch, en Louis-Vuitton, entre otros diseñadores, cuenta con un genuino distintivo que combina en esencia, una profunda comprensión de los patrones naturales, así como una idea clara del movimiento, desplazamiento y colorido de los insectos que deriva en una divertida, pero elegante apuesta que Doritos® te sugiere conocer para aguzar tus sentidos rumbo al paraíso tropical del Carnaval de Bahidorá.

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Versátil e inspiradora, Isabel es sin lugar a dudas, una diseñadora de modas For The Bold.

 

No pierdas detalle de los maravillosos diseños de Isabelle Mahnes visitando su página y de cada paso de Doritos® a través de:

 

#Bahidoritos

https://twitter.com/Doritos_MX

https://www.facebook.com/DoritosMX?fref=ts

Metalenguajes por Le Mat Colectivo

Los pasados 15 y 16 de Diciembre, Le Mat Colectivo junto a Fundación Techo presentaron  “Metalenguajes”, una muestra del trabajo de 15 artistas emergentes nacionales e internacionales, reinterpretando, con distintas técnicas, obras de artistas consagrados.

La cita fue en Mat Colision, un espacio al norte de la Ciudad de México en donde nos encontramos con todo tipo de objetos vintange. Entre cuadros, sillas, muebles y toda clase de objetos interesantes, Daniela González-directora de Colectivo Cultural LeMat- presentó las obras a los asistentes. Así mismo, el evento contó con la presencia de algunos de los artistas expositores, como Tiffany Bazán, Daniela Barrios, La marcha parlante, entre otros.

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Mat Colision, un lugar lleno de objetos con historia.
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Daniela González presentando “Metalenguajes”
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Obra de “La marcha parlante” .
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La artista Daniela Barrios en la presentación de su obra “Consolando al otro yo”.

Así mismo, Chulavista Art House fue parte de Metalenguajes, al presentar a Teatro Fugaz, un talentoso grupo de jóvenes provenientes de la Escuela Nacional de Arte Teatral, que representaron una versión muy original de Otelo, la famosa obra de William Shakespeare.

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Teatro Fugaz interpretando su versión de “Otelo”

Agradecemos a todos los que hicieron posible una edición más de Metalenguajes  y los invitamos a seguir de cerca las actividades de nuestros amigos de Le Mat Colectivo.

Mat Colision se encuentra ubicado en la esquina de Eulalia Guzmán 223 (eje 2)  y Circuito Interior.

Primera Bienal de Arte CMUCH

1era Bienal de Arte CMUCH

por Denisse Meza

La vejez es la etapa en la que los seres humanos comienzan a rememorar capítulos de su vida y experimentan cambios físicos y mentales basados en su ritmo de vida y ocupaciones; también representa la experiencia, es interesante para algunas personas de generaciones más recientes escuchar a sus abuelos contarles historias que formaron parte de su pasado.

En la Casa de la Cultura de la ciudad de Puebla se lleva a cabo una exposición artística de diversas manifestaciones (como pintura, escultura y fotografía, entre otras), en las que vemos plasmada, por medio de imágenes, parte de la experiencia adquirida a través de los años así como las consecuencias de éstos y las formas de reivindicarlos. Creadas por estudiantes del CMUNCH (Centro Mexicano Universitario de Ciencias y Humanidades), las obras se presentan en la 1era Bienal de Arte CMUCH.

Como espectador puedes percibir en cada pincelada los sentimientos del artista, los colores te hipnotizan y crean en tu mente una historia e, incluso, provocan a tu imaginación para formar parte de ella. Las esculturas son un fragmento de esa existencia, al ser más palpables, te adentran en ella y te permiten analizar detenidamente las texturas, materiales y objetos, que tal vez se han dejado en el olvido, asignándoles el significado correcto.

No duden en asistir a la 1era Bienal de Arte CMUCH en estas vacaciones decembrinas, un lugar donde podrás deleitar tus pupilas y entrar en una completa reflexión sobre la subsistencia. La exposición se encuentra abierta al público hasta el 10 de enero del 2014.

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São Paulo, capital del arte urbano

Brasil se ha convertido en un lugar que comienza a despuntar en diferentes áreas; conocido por sus socios regionales como “el gigante sudamericano”, el estado brasileño ha logrado posicionar a su país como punta de lanza en cuanto a desarrollo económico, social y político dentro de Latinoamérica. Por si fuera poco, Brasil será el próximo año sede de la Copa Mundial de Fútbol soccer, evento deportivo que atrae a millares de personas de diversas partes del mundo, lo cual se traduce en una exuberante derrama económica para los tiempos venideros. Pero no todo es carnaval en São Paulo, tenemos también el otro lado de la moneda: si bien se ha logrado sacar a buena parte de la población brasileña de la pobreza, ésta dejó alguna merma en el tejido social, originando problemas de violencia e inseguridad en buena parte del país.

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Es así que tenemos un escenario ideal para el desarrollo de las artes, dentro del contexto de una economía pujante (que desplazó a México en el papel protagónico dentro de Latinoamérica) que contrasta de forma evidente con los niveles de violencia. Justo aquí, el arte urbano logró florecer como una ventana hacia algo mejor, como prueba de que el talento no respeta condición alguna para emerger.

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Las calles de São Paulo se han convertido en la galería al aire libre más grande del mundo. En sus calles podemos encontrar muchos ejemplos de todo esto, donde las personas dedicadas a realizar grafitis han decidido hacer suyo el entorno y utilizarlo como su lienzo personal. Aunque el arte urbano no es para todos, aquí ha logrado posicionarse como algo del día a día de las personas, llegando a tornar el ambiente gris de muchas zonas en algo más colorido y alegre.

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En la avenida Cruceiro do Sul, al norte de la ciudad, un grupo de artístas pintó 66 páneles, creando así el primer Museo Abierto de Arte Urbano de São Paulo  (MAAU). Esto tuvo como bandera una de las bases del arte urbano: la accesibilidad, haciendo del hecho de estar en la calle algo democrático, ya que la gente no necesita ir a una galería para poder apreciarlo.

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En este momento, la capital alberga la 14ta edición de la Graffiti Fine Art, un proyecto del artista Binho Ribeiro, que expone grafitis en el Museo de Arte Brasileño de Escultura hasta el 29 de Diciembre.

MOCAPS: Digitaliza la Realidad

Existe un concepto en la animación llamado Acting, pero ¿qué quiere decir? Básicamente, que al momento de animar se debe dotar al personaje de una personalidad: puede estar triste, feliz, enojado, emocionado, etc. De cierta manera, el animador es un actor. No hay de otra, el animador debe actuar para saber trasmitir determinadas sensaciones al personaje que está creando. A algunos no les gusta, pero ni modo, no hay forma de que un actor profesional se convierta en el personaje animado… esperen… ¡si la hay!

Motion Capture (MOCAP) es la forma en la que los movimientos de una persona literalmente pueden convertirse en un personaje animado. Extraño, pero cierto. Se trata de un método muy avanzado, que si bien aún tiene algunos detalles que deben ajustarse, se ha convertido en una herramienta útil tanto para cintas animadas como de live action.

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Funciona de la siguiente manera: tenemos al actor, le colocamos un traje especial al que se le adhieren en puntos muy específicos unos sensores. Estos sensores no tienen nada de mágico: son simples pelotitas recubiertas con un material que las hace reconocibles a unas cámaras especiales. Las cámaras sólo captan sombras y el color de las pelotitas, es decir, ellas graban las pelotitas moviéndose junto al cuerpo del actor.

El sujeto actúa y las cámaras lo graban. Después sólo hay que disfrazarlo por medio de la computadora. El movimiento captado se aplica al personaje previamente modelado y riggeado (o sea, que ya tenga esqueleto digital integrado). El personaje realizará los mismos movimientos que el actor realizó, resultando así en una animación mucho más perfecta y natural obtenida directamente de una persona en el mundo real.

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¡Genial! ¡Ese tipo de animación hace el trabajo mucho más fácil!… eh, de hecho no. El MOCAP es uno de los procesos más complicados, ya que requiere al menos doce cámaras especiales que se colocan alrededor de un foro. Las cámaras deben calibrarse constantemente, lo que se vuelve tedioso luego de un rato. El actor debe llevar a cabo una coreografía para ser reconocido por las cámaras. El resultado es un archivo personalizado que sólo reconocerá las proporciones de este mismo actor y no de otro más.

Y cuidadito con que uno de los sensores se caiga, pues al volver a colocarlo el lugar debe ser exacto. Un milímetro de diferencia puede provocar que la grabación se arruine. Es un trabajo que requiere bastantes horas de concentración. Suena horrible, pero gracias a él tenemos resultados de una calidad extraordinaria como Gollum de “El señor de los anillos”, King Kong, Davy Jones de “Piratas del Caribe” y Caesar de “El Planeta de los simios”.

100th Room presenta:

Para continuar con la celebración de los 100 años de búsqueda de lo único y lo diferente, 100TH ROOM reúne a cien artistas para conmemorar aquello que los inspira a crear y compartir: el arte, el diseño y la historia a través de sus ojos.

En esta, la última semana del 100th Room que será los días 7, 8 y 9 de Noviembre contaremos con los siguientes eventos:

 

Jueves 7 de Noviembre

Contaremos con un taller de Animación Digital con Daniel Farah. Es importante mencionar que el acceso será únicamente con invitación. Al terminar la sesión, se inaugurará la exposición Espacio y Compañía que reúne a más de veinte artistas. Para cerrar la noche, Lemon Mint se encargará de la música.

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viernes 8 de noviembre

El viernes contaremos con un taller de Diseño Gráfico con Oliver Barrón. El acceso será con invitación y contamos con un lugar disponible para uno de ustedes. Por la noche, contaremos con la música de Pirate Stereo.

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Sábado 8 de noviembre

El sábado, último día del evento, se llevará a cabo la clausura. El acceso es solo con invitación y habrá varias sorpresas.

Esperamos contar con su presencia a lo largo de estos tres días. No olviden que se trata de la última semana para celebrar el encuentro entre los artistas y el público. Pueden encontrarnos en Twitter, Facebook e Instagram, utilizamos #100Room

Festival Internacional de las Luces México 2013

Durante cuatro días el Centro Histórico de la Ciudad de México se vestirá de luz y sonido.

fes luz 2El 7 de noviembre inicia el Festival Internacional de las Luces México 2013 que por primera vez llega a América Latina. Después de presentarse en diversos países como Japón, Alemania y Francia, la muestra artística hará escala en nuestro país.

Durante el festival el público disfrutará del trabajo de artistas nacionales y foráneos a través de proyecciones en distintos edificios emblemáticos, Dj sets y clases magistrales, además contará con El Foro Internacional de la Luz, donde expertos discutirán sobre el arte lumínico el 8 y 9 de noviembre en el Museo Franz Mayer.

Los espectáculos se llevaran a cabo de  19 a 23 horas. También contará  con el recorrido “La noche de las luciérnagas” el 8 de noviembre sobre el Corredor Reforma; la entrada es libre.

Las 13 obras de la Ruta

1. Antiguo Palacio del Arzobispado Museo de la SHCP. “Sin cabida” de Betsabeé Romero. (Instalación de luz) Calle de Moneda No. 4.

2. SEFI-CELE Antigua Escuela de Ing. “Expansión textual” de Ice Trip. (Proyecciones) Calle Guatemala No. 90

3. Paraninfo de Autonomía. “Las flores del infierno” de Irene Blaise. (Cajas de luz) Calle Lic. Verdad No.2

4. Museo de la Luz. “Memento mori” de Rocio Asensi. (Escultura de luz) Calle del Carmen No. 31

5. Plaza Tolsá / Cuba y Argentina. “Turibus” de Errantes.
(Proyección) Calle Tacuba s/n entre Marconi y Xicoténcatl

6. Plaza de Santo Domingo. “Fuego” de Flow Fabric Art. (Performance)
Calle República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

7. Plaza Garibaldi. “Globos monumentales” de Liga Mexicana de Globos de Cantolla. (Globos)
Calle Caminito s/n / República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

8. Iglesia de la Concepción Cuepopan. “Candelabro” de Valeria Florescano. (Escultura de luz)
Calle Belisario Domínguez s/n entre Dr. Mora y Ángela Peralta

9. Fachada del Palacio de Bellas Artes. “El origen del mundo” de Miguel Chevalier. (Fachada Virtual) Av. Hidalgo No. 1

10. Kiosko Alameda Central. “Kiosko-cinema” de Paolo Tosini.
(Proyecciones 8mm y digital) Av. Hidalgo s/n entre Av. Juárez y Dr. Mora

11. Alameda Central. “Los nidos” de Lucion Media.
(Escultura de luz) Av Hidalgo s/n entre Juárez y Dr. Mora

12. Laboratorio Arte Alameda. “Esto no es carne” de Erick Meyenberg, Marisol Cal y Mayor y Jorge Torres Sáenz.
(Performance) Calle Dr. Mora No. 7

13. Laboratorio Arte Alameda. “SAE” del Colectivo del SAE.
(Proyección) Calle Dr. Mora No. 7

La animación 2D y el por qué debe quedarse

Uno de los primeros tipos de animación, y quizá el más conocido, es la animación en segunda dimensión. Las famosas “caricaturas” nos han acompañado desde siempre volviéndose el clásico referente de lo que a este arte se refiere. Desde aquel Mickey Mouse navegando en su pequeño barco de vapor en blanco y negro, hasta el detallado y proporcionado estilo del animé, la animación 2D es un agasajo visual, una maravilla que, desafortunadamente, parece estar a punto de desaparecer.

 

La animación (como se mencionó en la entrega anterior) se trata de múltiples imágenes que, al ser vistas de forma rápida y consecutiva, crean la ilusión del movimiento. Una buena animación 2D requiere no sólo de cierta habilidad para el dibujo, sino de una enorme dedicación y paciencia. Cada dibujo debe estar tan detallado como el anterior y los cambios que sufre para crear movimiento son mínimos. Contrario a la animación 3D, Stop Motion y Motion Capture, en esta categoría es preciso re-dibujar absolutamente todo, y puede que este sea el motivo por el que a muchos ya no les agrada llevarla a cabo.

Pero todo depende de los gustos del artista. La enorme cantidad de trabajo durante el proceso de animación es un elemento que le baja el ánimo a cualquiera, pero ciertamente una gran ventaja es que el 2D puede facilitar el proceso y darle al animador más control sobre el movimiento que se está creando. Claro que tampoco es obligatorio hacerla. Habiendo diversas formas de animar, uno puede elegir la que más le acomode.

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El punto aquí es la preocupación que a algunos animadores ha causado la llegada de la tecnología. La animación es un medio digital y sin los avances técnicos no se podría llevar a cabo, en ningún momento se busca criticar dichos avances. Hay enorme belleza en la animación más avanzada, sin embargo recordemos que siempre vale la pena no olvidar lo clásico.

Los dibujos animados no sólo pueden mostrarnos tanta majestad como la vida misma, un paisaje puede verse tan hermoso como uno real. Además, logra que la estética de un personaje de mal aspecto sea tierno y agradable, como fue el caso del Jorobado de Notre Dame de Disney. Y ya para terminar y aprovechando que se mencionó este estudio, siempre se pueden hacer pequeñas “trampitas” para reducir el trabajo. Les compartimos un video donde se puede apreciar como este famosísimo estudio pudo reciclar secuencias y ahorrarse muchas horas laborales.

Nos emociona ver cada día animaciones más impactantes, más detalladas y realistas. Esperamos que siga avanzando y sorprendiéndonos, pero eso no significa olvidar la escuela antigua. A pesar de los años, aún tiene mucho por enseñar.

La bioclimática: una aplicación sustentable en la arquitectura.

2009-isla-palenque-bio-climatic-studies1Dentro de los diversos términos que escuchamos al hablar de arquitectura verde o sustentable nos podemos encontrar con el de bioclimática. Ésta es un tipo de aplicación pasiva de tecnologías para lograr que una edificación sea funcional  para el ser humano a la vez que es respetuosa con el medio ambiente del lugar en el que se emplaza. Una aplicación activa de tecnología sería por ejemplo el implemento de paneles solares para  la captura de energía o la construcción de azoteas verdes para aprovechar su aislamiento térmico.

Una aplicación pasiva no involucra sistemas de alta tecnología ni aparatos sofisticados, para ser aplicada basta con conocer los recursos naturales con los que se cuenta, aprovecharlos y cuidarlos. Es decir, conocer y trabajar con el flujo de energías locales del lugar donde se pretende levantar una edificación. En el caso de la bioclimática, hay que conocer y trabajar con los elementos climáticos del lugar para que la construcción, desde su emplazamiento y arquitectura, juegue con estos para lograr una temperatura y condiciones confortables al interior al tiempo que cuida el ecosistema del que es parte.

Por ejemplo, si estamos en un lugar cálido como la costa se pueden utilizar techos altos para que el aire frío entre por debajo y salga por arriba logrando una buena circulación de éste al tiempo que se ventila el espacio interior y se mantiene la temperatura fresca.  Para evitar que los interiores se calienten demasiado se puede aplicar también el uso de parasoles para generar sombra, la implementación de fachadas dobles, vegetación o materiales de baja inercia térmica (que no absorben calor) sobre las fachadas que recibe la mayor parte del sol durante el día. Todo esto puede reducir o definitivamente acabar con la necesidad de implementar tecnologías nocivas para el medio ambiente como lo son los aires acondicionados que a pesar de gastar tanta energía son muy utilizados.

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En un lugar frío lo ideal es abrirse hacia el sol y protegerse de los vientos. Al implementarse en un terreno de clima frío se debe orientar la edificación de tal forma que reciba la mayor cantidad de sol a lo largo del día al tiempo que se utilizan materiales de alta inercia térmica, es decir, que absorben el calor en el día para liberarlo en la noche. En este tipo de climas también se pueden utilizar fachadas dobles ya que éstas funcionan perfectamente como aislante térmico, sea en clima frío o cálido.

La bioclimática es una herramienta de diseño muy valiosa ya que permite a la arquitectura convivir y funcionar de manera armoniosa con el medio ambiente. Las arquitecturas antiguas la aplicaban de manera muy espontánea, era simplemente uso de sentido común jugar con los elementos climáticos del lugar Cuando se empezaron a descubrir tecnologías y materiales innovadores se empezaron a aplicar estos sin sentido y se dejó de un lado la bioclimática, remediando las fallas que esto ocasionaba con aires acondicionados y calefacciones. Es tiempo de volver a utilizar la bioclimática como una herramienta primordial en el diseño arquitectónico ya que es imperativo dejar de construir edificaciones y ciudades nocivas para este planeta en el que vivimos.

Breakdance: un baile en el aire

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El breakdance, también conocido como breaking, b-boying o b-girling, es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura hip hop surgido en las comunidades latinoamericanas y afroamericanas de Nueva York a comienzos de los años 70.

 El breakdance se compone en esencia del body popping, que es imitar los movimiento hidráulicos de un robot; el locking, que es un baile controlado donde se agita el cuerpo súbitamente volviendo a la posición original y el breaking (b-boying) que consiste en girar en el piso sin control.

 

1377583_10153301706575434_1114355618_nMario Á. Reyes Juárez, orgullosamente Poblano, además de ser Licenciado en Diseño Multimedia es Profesor de Breakdance o Bboying en un Instituto Municipal de la Juventud. También ha estudiado artes plásticas, danza moderna y clásica entre otras. Ahora Mario tiene 19 años bailando breakdance que fue lo que realmente le impactó a muy temprana edad.

En cuanto al diseño fueron muchas cosas las que lo guiaron hacia su otra pasión: diseñar es parte de su vida. El arte del graffiti fue una de sus primeras etapas en sus últimos años de primaria, pasando a tomar diferentes clases de arte durante la preparatoria, exponiéndose a muchas más disciplinas como la pintura, fotografía, escultura, cerámica, joyería y diseño gráfico.

 

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Las primeras figuras inspiradoras de Mario fueron Michael Jackson, Bruce Lee y James Brown. “Mi inspiración han sido mi familia, amigos, el mundo, las caídas, el dolor, los momentos felices, lo insignificante, los sueños, la curiosidad  y más…La inspiración nace a veces de la nada, pero cuando no, pues hay que hacer que nazca. “

Mario ha participado en eventos en el extranjero, ya que forma parte de un grupo de breakdance llamado The Floor Spiders Crew. Un grupo que como tal contribuyo y aún todavía sigue contribuyendo a la cultura del Hip hop.

 

 

Conoce más sobre Mario en https://www.facebook.com/marj.designs

 

 

 

 

 

 

 

Studio Design App, la aplicación de los diseñadores

Los diseñadores gráficos ya cuentan con una aplicación para dispositivos móviles creada especialmente para ellos, se trata de Studio Design App, la cual cuenta con más de 600 herramientas para la construcción de imágenes y un sistema de red social para que los profesionales difundan su trabajo y, si así lo desean, también pueden compartir sus diseños en otras comunidades virtuales dedicadas a la imagen.

Entre los elementos de diseño que ofrece esta aplicación se encuentra una amplia variedad de filtros, tipografías, marcos, texturas, fondos, logos, iconos y formas predefinidas, además, funge como editor de fotografías. Con todas estas herramientas, Studio Design App no sólo le es útil a diseñadores profesionales, sino que busca ser una plataforma que ayude a los aficionados a iniciarse en esta disciplina mediante la creación de gráficos y a aprender del trabajo compartido por los expertos.

Saca al diseñador que llevas dentro y comparte tus creaciones con el mundo.

Studio Design App, creada por Overlay Studio Inc., es uno de los lanzamientos más recientes en Applestore y, según el sitio web instagramers.com, podría considerarse el Instagram de los diseñadores. Esta aplicación apareció el pasado 16 de agosto y, a poco más de un mes del inicio de sus descargas, la tienda virtual anunció la saturación del servicio debido a la alta demanda de suscripciones al mismo; sin embargo, ya está disponible una nueva versión que puede bajarse gratuitamente.

Por el momento, la aplicación sólo está disponible para iPhone, iPad y iPod Touch, pero se prevé la creación de versiones para otros dispositivos en el futuro.

 

 

Gabriela Granados: una visión infantil

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Ella es Gabriela Granados, es de México D.F. y trabaja como ilustradora desde hace diez años. Su ilustración va más enfocada al público infantil.

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Gabriela ha colaborado con editoriales nacionales y extranjeras, como MacGraw-Hill Nueva York.

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Trabaja con ilustración tradicional, que es la que se realiza a mano, Gabriela no trabaja en medios digitales, su técnica es utilizar acrílicos y acuarelas. Puedes encontrar su trabajo en cojines, tarjetas, fundas para ipod, ipad y laptops.

 

Conoce mas de Gabriela Ganados en http://gabriela-granados.blogspot.com­

 

 

Licor de Lete

Licor de Lete, ¿Una canción? ¿Una banda musical? ¿Una bebida? Un título así puede ser interpretado de mil y un maneras, sin embargo en este caso nos referimos a una extraordinaria puesta en escena a la cual asistimos el pasado Sábado 21 de Septiembre del año en curso.

“En Licor del Lete, una especie de Thriller, varios personajes mitológicos coinciden en el bar de Tiresias, en el contexto de un conflicto bélico estilo siglo XX. Sísifo, el más astuto de todos los hombres, ha escapado del Hades llevándose consigo un poco de las aguas del olvido mientras que Proteido, quien posee la habilidad de transformase en otros, tiene el encargo de recuperarlas; ambos coinciden en el bar de Tiresias, el famoso adivino ciego de Tebas quien duda entre beber esas aguas o confrontar su destino.

El objetivo de la obra teatral consiste en escenificar una resignificación de algunos mitos griegos, en un contexto más cercano: una guerra que lo consume todo. Se trata de un juego de apariencias y confusiones, de ideales traicionados y deseos insatisfechos donde el olvido, que causa beber el Licor del Lete, parece ser la única respuesta para los sobrevivientes de este apocalipsis.”

Como se menciona anteriormente, esta es una obra basada en la mitología griega pero llevada a la época actual, aspecto que realmente valoramos por el hecho de que muchas de las personas, ya sean jóvenes o adultos, suelen quejarse de que el teatro y/o la historia siempre resultan un tema aburrido, es por eso que el grupo teatral Imaginartes decide salir de la cotidianidad y hacer las cosas diferentes e innovadoras, comparadas con el resto de muchos trabajos actuales.

La historia se desarrolla en un lugar pequeño, lo cual por ningún motivo es impedimento para que los actores saquen a relucir su talento y dejen al público con un excelente sabor de boca, ya que los personajes tienen constante interacción con el público, además de tenerlos siempre a la expectativa de que en cualquier momento algo interesante sucederá.

Licor de Lete o el caso de las aguas del olvido, dirigida por Francisco Tabris Berges en co-dirección con Rodrigo Canchola nos transportará a un lugar totalmente diferente en el que cada hecho, cada acción, cada movimiento y cada personaje nos sorprenderá minuto a minuto.

En Chulavista Art House A.C. una vez más nos enorgullece saber que aún existe teatro de calidad y personas que saben apreciarlo, personas por las cuales este grandioso arte sigue con vida.

Moda sustentable, moda que cuestiona

 

Por: Remitente

@remitente_df

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moda sustentable

La industria de la moda es hoy en día altamente problemática, en la medida en que se ha convertido en una de las más nocivas para el medio ambiente. Pero no sólo para éste, también para las condiciones de vida de muchos trabajadores de todo el mundo que se encuentran sometidos a un régimen de precariedad y explotación laboral.

Investigaciones llevadas a cabo por SETEM (Campaña Ropa Limpia) ponen de relieve que las empleadas –porque en su mayoría son mujeres– de muchas de las grandes empresas de moda en lugares como Marruecos cumplen jornadas de hasta 14 horas diarias por salarios que pueden ser inferiores a los 100 euros mensuales y que rara vez superan los 200. La situación en otros países como Bangladesh es aún peor: se sitúan entre los 20 y los 35 euros mensuales y los hundimientos e incendios de fábricas han matado a cientos de personas en los últimos cinco años. Investigaciones indican que en la mayoría de los países las grandes empresas han ganado terreno al pequeño comercio y que se ha producido una revolución comercial en el sector. Las empresas han tratado de superar la timidez consumista, forzando así a que los consumidores entren y compren. Existe además una desigualdad de género: los hombres ganan más dinero que las mujeres por el mismo trabajo. Es evidente, por tanto, que nos vestimos con precios bajos pero a un coste muy alto, aún más elevado si tenemos en cuenta que se está consumiendo más moda que nunca antes en la historia de la humanidad.

Entre las estrategias para conseguirlo se emplea una cada vez más rápida rotación de stocks y un lanzamiento casi constante de nuevas colecciones. Una temporada puede, por ejemplo, constar de tres colecciones (o incluso más), que apenas duran tres semanas en tienda y suponen nuevas tentaciones para unos consumidores que no tienen tiempo de disfrutar de la ropa en su tradicional sentido estacional.

Pequeños pasos hacia una moda más sostenible

Para quienes puedan sentir una mínima sensación de mala conciencia, no faltan las opciones de eso que se ha denominado «eco-chic», –más una tendencia estilística superficial que una alternativa real– pues se basa sobre todo en una apariencia de naturalidad de las fibras que no siempre es así. Muchas de ellas proceden de cultivos tratados con productos químicos o se han sometido a procesos de fabricación menos respetuosos con la Naturaleza de lo que prometen a primera vista. eco chic

Ahora bien, pese a este panorama tan poco agradable algo está cambiando en el sector porque, poco a poco, están surgiendo otros modelos que van desde el «hazlo tú mismo» (DIY-Do It Yourself), pasando por la clásica –y en las últimas décadas prácticamente en desuso– «reforma» de nuestro vestuario y la creación de grupos de costura y tricotado (Stitch & Bitch), hasta proyectos de hacktivismo y actos micro-políticos basados en el cortar, coser y hacer –como los desarrollados por Otto Busch con su «Reform Project»–, que cuestionan el sistema moda.

Incluso las grandes empresas han dado algunos tímidos pasos en esa dirección (incorporando a su producción algodón de comercio justo y poliéster reciclado, por ejemplo) para responder a una demanda, pequeña pero significativa, de unos consumidores que poseen cierta conciencia medioambiental. Este es, por ejemplo, el caso de H&M que en abril de 2011 lanzó su «Conscious collection» o el de C&A que, desde 2007, vende algunas prendas de algodón orgánico. Ésta y otras marcas han repartido en diversas ocasiones folletos con consejos sobre cómo cuidar la ropa para alargar su vida. Por su parte, Kenzo lanzó en la primavera de 2011 y dentro de su línea «Kenzo Doll», una colección «vintage» –a un precio más bajo de lo habitual en esta firma pero en edición limitada– realizada a partir de telas sobrantes, es decir, del reciclaje, una propuesta que ya había realizado anteriormente Yves Saint Laurent.

Sin embargo, para quienes apuestan por un diseño sustentable éstas no son verdaderas soluciones sino simples parches en un sistema moda que tiene que transformarse casi por completo, empezando por llegar a la raíz del problema: un consumo inconsciente y desaforado que se desenvuelve de espaldas a cualquiera de las consecuencias sociales y medio ambientales negativas que provoca. Y el propio sistema moda lo fomenta y alimenta constantemente, como ya se ha mencionado.

Reemplazar cantidad por calidad

La moda sustentable, como alternativa de diseño, se plantea llegar precisamente a la raíz y provocar transformaciones que sean realmente significativas. Demanda un reemplazo de la cantidad por la calidad, un giro de lo global a lo local, del consumir al hacer o del consumo de los recursos naturales al aprecio del mundo natural.

Hay que desmitificar el mundo de la moda, alejándola tanto del elitismo de las pasarelas como del patrón de consumo actual, opinan los defensores del diseño sustentable, pero también hay que tomar conciencia de que ésta ocupa un lugar crucial en nuestra cultura porque es parte del comportamiento humano y un valioso ámbito creativo. No es cuestión, por tanto, de que desaparezca, como sugieren los más extremos, sino de que el sistema en el que se encuentra inserta sea capaz de encontrar un equilibrio con el medio ambiente y de incorporar valores sociales positivos.

green-fashionNo se trata, pues, únicamente de adquirir menos ropa –una opción válida pero algo simplista en un sistema tan complejo como el actual– sino de cambiar nuestra percepción de ella, las ideas sobre su diseño, los materiales y los modos de producción, con el objetivo de que vayamos abandonando un tipo de relación (con la moda en general) que, a día de hoy, resulta destructiva para el medio ambiente y las personas.

Una de las principales propuestas de la moda sustentable es observar cómo actúa la naturaleza y seguir algunos de los principios que la rigen: cooperación, simbiosis y eficiencia. Pero, también, trabajar sobre aspectos presentes en ella tales como la ligereza, la flexibilidad y la diversidad como modo de contrarrestar el poder de una industria dominada por la estandarización y las tendencias que hace que todos, en cualquier parte del mundo, invirtamos en el último modelo para ser distintos y, paradójicamente, vayamos vestidos iguales. Frente a la homogeneización, la diferencia.

La sustentabilidad en moda pasa, además, por un cambio en los materiales empleados: de las fibras artificiales a las naturales (como el algodón orgánico, la lana, el lino o el bambú) pero además por una transformación en los modos de fabricación, con productores más pequeños pero más flexibles.

Como dice Kate Fletcher, diseñadora y consultora británica, especializada en moda sustentable: “Se trata de una relación fuerte y atenta entre el consumidor y el productor. Se trata de producir prendas de vestir que inicien un debate, apelen a una significación profunda o necesiten del usuario para terminarlas con pericia, imaginación o estilo. Se trata de diseñar piezas de confianza y capacidad de inducir que alienten a la versatilidad, la inventiva, la personalización y la participación individual. Sólo entonces la gente se transformará de consumidores ciegos que eligen entre productos preparados y cerrados a ciudadanos que realizan elecciones conscientes de cómo compran, usan y se deshacen de su ropa.»

Reclaimed: Un término muy utilizado en el Diseño Sustentable

Por: RemitentCAFEe Diseño Sustentable

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Dentro del diseño sustentable y el uso de materiales reciclados existe un término que en inglés es reclaimed, que quiere decir reclamado o recuperado. Este término se usa para nombrar materiales que han sido rescatados de la basura después de remodelaciones o demoliciones de construcciones.

Un material es reutilizado cuando estamos hablando de una pequeña escala, es decir, cuando se fabrican objetos pequeños y de forma casera. A un material reutilizado a gran escala y dentro de las disciplinas de la arquitectura o el diseño industrial se le llama recuperado.

Existen actualmente en México varios ejemplos de proyectos con materiales recuperados, aparte de muchos arquitectos y diseñadores que se han ido sumando a esta nueva tendencia que trata de minimizar un poco el gasto de materiales nuevos en remodelaciones o construcciones nuevas en general. También se ha ido adquiriendo una nueva estética de lo recuperado, la mayoría de las veces estos materiales no tienen un acabado perfecto y brillante como de fábrica, pero se valora su acabado rústico y con cierta “historia de vida”.

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Se pueden recuperar desde acabados de piso completos hasta marcos de ventanas y puertas, vigas y piezas de madera que después pueden formar parte de algún mueble, etc. La cadena de cafés Cielito Querido Café diseñada por el despacho de arquitectura ESRAWE utiliza azulejos de cemento y madera recuperada en su diseño de interores, para cubrir muros y pisos. El bed&breakfast Patio 77 en la Colonia San Rafael de la Ciudad de México cuenta con muebles de baño y mesas de sala construídas por los mismos dueños con vigas de madera que fueron rescatadas del sótano.

Actualmente, países como Estado Unidos cuentan con empresas y sitios de internet especializados en la comercialización de este tipo de materiales (www.heritagesalvage.com o www.planetreuse.com). Sólo se necesita gente que se dedique a rescatar lo que se puede y venderlo a quienes estén dispuestos a incluirlos en sus diseños en lugar de comprar materiales nuevos que involucran gastos innecesarios de recursos, tanto humanos, como naturales.

En países como el nuestro estas prácticas no son tan comerciales, sin embargo hay muchas opciones, el punto es querer hacerlo y buscar las oportunidades. Si te dedicas a la arquitectura, el diseño y la construcción pregunta a tus proveedores sobre el uso de este tipo de materiales, Remitente es uno de ellos.

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Si estás a punto de remodelar tu casa o acondicionar tu nuevo local, pide a tu arquitecto o diseñador de interiores que incluyan materiales rescatados en sus diseños.

¿Para qué seguir fabricando y comprando materiales nuevos cuando todos los días se desechan muchos que todavía sirven?

Tutorial de fusión de imágenes por The Art Boulevard

El día de hoy te compartimos un tutorial muy interesante publicado por nuestros amigos de The Art Boulevard, realizado por Susana López , una joven artista visual de Gijón. Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde también realizó el doctorado, su trabajo ha estado expuesto en galerías, ayuntamientos, asociaciones culturales, en exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera de España (1a Space en Hong Kong, South London Gallery en Londres o Pha´ke en Bilbao).
Los proyectos fotográficos de Susana, a menudo difundidos online, tienen un perspectiva global que se centra en temas como la inmigración, los viajes o el consumismo. 

Lo primero que voy a explicar son un par de cosas sencillas acerca de las dimensiones de las imágenes.

Las imágenes gráficas digitales se miden en puntos por pixeles  (DPI, puntos por pulgada o PPI, pixeles por pulgada). 72 ppp, es una resolución óptima para imágenes en pantallas. Para imágenes destinadas a impresión, cualquier resolución entre 150 y 600 ppp es adecuada.

Para modificar el tamaño de la imagen en Photoshop, por ejemplo, abrimos la imagen y buscamos tamaño de lienzo. En esta ventana es donde podemos modificar el tamaño  (anchura, altura o resolución) de la imagen digital.

Ahora vamos a fusionar dos imágenes para crear una nueva.

Lo primero que tenemos que hacer es seleccionar y abrir las dos imágenes que queremos fusionar. (Archivo, abrir y en la lista de imágenes buscar las dos que nos gustaría fusionar.) Comprobamos que ambas tengan la misma medida.

También necesitamos abrir un lienzo en blanco o crear un nuevo documento.

Necesitamos asignar un nombre al documento y especificar el tamaño con el que queremos trabajar.

Ahora vamos a trasladar las dos imágenes que queremos fusionar al nuevo lienzo que acabamos de crear. Existen dos opciones para esto:

– Con la herramienta arrastra hasta el lienzo en blanco.

– Con la herramienta Selección para toda la imagen copiamos y pegamos en el nuevo lienzo.

Ahora que ya tenemos las dos imágenes que queremos fusionar en el nuevo lienzo, hay que decidir la composición que queremos hacer. Esta será una composición sencilla para familiarizarnos con las herramientas. A medida que ganemos destreza y confianza podemos ir complicando las composiciones.

A menudo, me guío por las transparencias para ajustar la imagen antes de empezar a trabajar.

¿Cómo hacer más transparente una capa?. Vamos al Menú, abrimos la ventana de capas y presionamos sobre la capa que queremos modificar. Una vez que la capa está desbloqueada o activa, vamos a la opción de opacidad y modificamos el valor.

Con ambas imágenes más transparentes comenzamos a trabajar. Utilizamos la herramienta borrar para ir eliminando lo que no necesitamos.

Activamos la herramienta goma, como vemos en la imagen superior izquierda. En el menú de goma podemos ir ajustando los tamaños a medida que vamos trabajando. Por lo general, yo comienzo con una goma de gran tamaño para eliminar grandes zonas que no necesito y luego la voy reduciendo para completar los detalles.

Esta parte del proceso es más artística e intuitiva.

Ahora ya tenemos la nueva imagen. Antes de guardarla en formato JPG tenemos que volver a la transparencia original de las capas. Repetimos la operación anterior pero en esta ocasión aumentamos el valor.

Para finalizar ajustamos el tamaño de la nueva imagen.

Ahora que ya tenemos la imagen final, la podemos volver a abrir y podemos modificar el color.

Para consultar más tutoriales, da click aquí.

¿Qué es el upcycling?

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Por: Remitente

@remitente_df

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El Upcycling es una palabra en inglés que no tiene una traducción literal en nuestro idioma pero que tiene como concepto el transformar un objeto sin uso o considerado basura en un producto nuevo, de igual o mayor utilidad y valor; además de amigables con el medioambiente.

A diferencia del reciclaje, los materiales no son transformados o degradados para volverlos a utilizar, sino que se utiliza la misma materia prima de manera mejorada, aplicando nuevas maneras de utilizarlo, cambiando sus funciones originales.

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Hacer upcycling ayuda a reducir los residuos,  a disminuir el uso de materiales vírgenes y a prolongar la vida de lo que ya existe. El límite está en la creatividad de cada persona.

Este concepto de reutilizar se está volviendo cada vez más popular; artistas y marcas empiezan a pagar a los consumidores por llevarles sus residuos para convertirlos en productos renovados y originales.

Hay muchas cosas que se pueden hacer, por ejemplo:  las latas se pueden transformar  en floreros, cestas, recipientes para lápices, juguetes, cajas para envolver regalos, lámparas, etc. Decorándola con pintura o papel de colores, se puede transformar en algo útil y bello.

En Estados Unidos, el uso cada vez mayor del upcycling ha llevado incluso a la creación de concursos para premiar a los diseños más originales. En Nueva York, el Instituto de Diseño Pratt ha desarrollado la iniciativa Diseño por un dólar. Como su nombre indica, su objetivo ha sido que los estudiantes de este centro realizaran productos que no superaran esta cantidad. El resultado ha sido sorprendente: lámparas con mangas de camisa o cajas de huevos, bolsos con papel de supermercado o velas con cáscaras de naranja.

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La necesidad ecológica de no generar desechos, utilizar productos sustentables y maximizar el uso de los recursos, ha provocado que el tema de upcycling sea uno muy pertinente en nuestros días y que sea la base principal de la filosofía y misión de nosotros Remitente Diseño Sustentable.

Te recomendamos leer “Cradle to Cradle, Remaking the Way We Make Things”  de Michael Braungart y William McDonough para que te enteres un poco más sobre el tema.

¿Un sillón o un librero? ¡Los dos!

La decoración de interiores suele ser un tema de vital importancia para los amantes de los espacios personalizados, cómodos y ordenados, es por ello que los diseñadores de muebles y accesorios ornamentales intentan crear objetos cada vez más originales e innovadores, incluso han recurrido a lo multiusos para construir piezas prácticas que hagan de cualquier habitación un lugar impecable y acogedor.

Tal es el caso de la empresa italiana de diseño Nobody&Co., cuya especialidad es la fabricación de muebles que tienen un concepto asociado con el pensamiento y el lenguaje, por tal razón crearon una línea de sillones y poufs que, además de garantizar comodidad al momento de sentarse, cuentan con un plus multiusos: fungen como libreros.

Bibliochaise, de Nobody&Co.

Bibliopouf, de Nobody&Co.

Estas creaciones fueron bautizadas como Bibliochaise y Bibliopouf, ambos tienen la apariencia normal tanto de un sillón individual como de un pouf, sin embargo, sus costados, respaldo, descansabrazos y bases tienen una serie de ranuras para colocar los tomos; aunque la cantidad de volúmenes que caben en estos muebles no es exacta, en la página web de Nobody&Co. (www.nobodyandco.it) se aproxima que pueden almacenar colecciones de libros equivalentes a uno o cinco metros lineales, según el tamaño del asiento.

Además de los sillones y poufs, la empresa italiana creó un mueble cuyo diseño se apega más a un librero tradicional, pues consiste en una pared donde pueden colocarse los tomos; sin embargo, en lugar de repisas, cuenta con unas barras que sobresalen de la superficie para sostener los volúmenes. El nombre de este anaquel es Piola Bookshelf y es innovador debido a que, una vez lleno de ejemplares, simula una pared construida a base de libros en lugar de tabiques.

Nobody&Co. fue fundada por Alissé Matta y Giovanni Genari en el año 2005, desde entonces fabrican muebles cuyo doble uso sea el almacenamiento de libros. Por su originalidad, en abril de este año los sillones Bibliochaise y Bibliopouf fueron parte de la exhibición Intorno al Liibro, presentada durante la Semana del Diseño en Milán; en mayo de 2013 presentaron la edición limitada de 24 Gold Bibliochaise en el evento INTERIORS LDN, el cual se llevó a cabo en Londres.

Estos sillones son muy prácticos para los amantes del orden, pero también para aquellos devora libros, pues seguramente tienen tantos en su casa que ya no saben donde ponerlos o cómo acomodarlos, por lo tanto, les sería útil un mueble con este diseño y capacidad.

Piola bookshelf, de Nobody&Co.

 

Fuente Ovejuna, teatro de calidad en Querétaro

Fuente Ovejuna es una obra teatral en tres actos escrita por Lope de Vega; actualmente se presenta en el Mesón de los Cómicos de la Legua, un pequeño lugar ubicado en Guillermo Prieto #7 en el Centro Histórico del Estado de Querétaro.

Fuente Ovejuna es una obra de contenido social y reivindicativo. Presenta la rebelión del pueblo unido ante la tiranía y la injusticia expuestas a finales del siglo XV y principios del XVI; se cree que la obra fue escrita entre 1612 y 1614 y se puede considerar de una gran valentía, pertenece al género teatral pedagógico.

El pasado Viernes 03 de agosto del presente año nos dimos la oportunidad de asistir a presenciar la obra de teatro antes mencionada, llegamos al lugar en punto de las 21:00 horas y lo primero que pudimos observar fue a varias personas a las afueras del recinto esperando que les dieran acceso al lugar, cuando finalmente llegó el momento comenzamos a pasar, minutos después comenzó la presentación.

El escenario ubicado varias filas delante de nuestros asientos era grande y bastante iluminado, con un piso de madera y algunos pilares a modo de decoración, cabe mencionar que también tenía diversas entradas y salidas las cuales fueron utilizadas perfectamente por los actores, quienes estaban coordinados para no causar distracciones al momento de salir de escena.

Durante toda la presentación se puede observar que los diversos actores manejan tanto un vestuario como un maquillaje bastante sencillos, de igual manera sucede con la utilería que comúnmente fueron sillas y mesas que aparentaban poder moverlas con facilidad.

A lo largo de la obra se pudo notar el excelente manejo de las luces ya que se lograban diversos efectos de profundidad y amplitud del escenario.

El punto que tal vez falló un poco fue la cuestión del audio ya que muchas veces no se entendían los diálogos que los personajes emitían, además de que había mucho ruido ambiental debido a que los actores permanecían descalzos sobre la duela y al correr se producía bastante ruido, además de que el personal del teatro se atravesaba constantemente entre el público para servir tanto comida como bebida.

En Chulavista Art House A.C. sabemos todo el trabajo que hay detrás de una puesta en escena y creemos que dicha obra es buena, ya que los actores se metían en su personaje y lo representaban bastante bien, además de que, a diferencia de muchas obras teatrales en esta los golpes eran verdaderos.

Así que los invitamos a asistir a Fuente Ovejuna ya que se seguirá presentando los días viernes y sábados de lo que resta del mes de agosto hasta el 21 del mes entrante. ¡Larga vida al Teatro!

House of Vans llega a México

Por: Lalo Cruz

@Lalo_Croix

Después de recorrer ciudades como Nueva York, Berlín, Seúl y Calgary, House of Vans hace escala México. La música, el arte y deporte se unirán en un mismo sitio del 5 al 8 de septiembre. House of vans 2 En el 2010 House of Vans abrió sus puertas en Brooklyn, Nueva York, lugar donde convergen diferentes proyectos artísticos y su famoso bowl para deleite de la escena skate. Desde entonces este foro multidisciplinario se convirtió en un referente, ahora viaja de manera itinerante y le toca a nuestro país ser el anfitrión. El evento  será amenizado con la música de bandas nacionales y foráneas como: Kinky, Eagles of Death Metal, Black Lips, Cults, División Minúscula, Priscila y Marcela Viejo de Quiero Club, Clubz, Damn Disko, Apolo y Apocalipsis. También contará con expositores de arte urbano y espacios para los amantes de la tabla sobre ruedas.

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Con esta convivencia,  Vans busca crear una mezcla perfecta entre las diferentes disciplinas para unificarlas y hacer uno mismo. La cita es en Avenida Reforma No.35 en la delegación Cuauhtémoc. Las bases para poder asistir se darán a conocer en www.vans.com.mx/houseofvans

Niño Pelado: una forma diferente de diseñar

“Si no amas y te divierte lo que haces, tienes un trabajo y no una pasión. Y la pasión es la que marca la diferencia”.

296143_466337376778864_423988522_nNiño pelado es  un diseñador gráfico, ilustrador y escenógrafo, conocido en sus inicios  como “el chavo de las cajitas”. Hace alrededor de 6 años que inició su proyecto  que actualmente se ha dado a conocer por su interpretación creativa de personajes plasmados en PLUSH TOYS (muñecos de tela).

Desde chico siempre fue inquieto, toda la vida ha dibujado personajes. Sobre ello nos comenta “dibujo en cualquier lugar donde me es posible, considerando que en todos lados, siempre hay un personaje que es digno de ilustrar, ya que genera en ti sentimientos como alegría, recuerdo y admiración.”

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Sus primeros diseños los comercializaba a través de personajes creados en cartón para recortar y armar. Los luchadores fue la primer línea que se diseñó, “poco a poco nos dimos cuenta de que  los muñecos de papel, no eran lo suficientemente resistentes con el tiempo, haciendo una inmensa cantidad de pruebas en diferentes sustratos, llegamos al producto final, MUÑECOS DE TELA.”

Estos han sido los productos que  han abierto las puertas para el crecimiento de la marca Niño Pelado, ya que es un material que no se maltrata y su durabilidad y originalidad han hecho que los consumidores coleccionen los 170 diseños que conforman la marca.

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La idea de Niño Pelado es crear y dar vida a personajes mediante productos originales que alivianarán el día a día de todo su público, con finalidad de brindar un poco de humor y sorpresa.

Uno de los elementos imprescindibles en el trabajo de Niño Pelado es la buena vibra que se transmite mediante sus productos, es que tengan algún sentimiento, recuerdo o emoción.

 El crecimiento de la marca ha sido muy rápido, ya que han sido apoyados enormemente en Facebook y Twitter, el trabajo de Niño Pelado, se ha dado conocer en muchas partes del país y del mundo, permitiendo llevar piezas a países como EUA, España, Colombia, entre otros.

Capturando instantes: Roberto Medina

Roberto Medina, un joven de 26 años de edad, originario del DF, dedicado a capturar instantes nos cuenta que dicha actividad  le gusta desde que era muy pequeño “tenía una de las primeras cámaras digitales con 1 megapixel creo jaja, tomaba fotos de todo, después con mi celular, un Sony Ericsson muy popular que hubo, posteriormente lo vi en la carrera y bueno, tuve mejores fotos y poco a poco comencé a especializarme”

También admite que además de hobbie y ocupación lo considera pasión y vida.

Al momento de preguntarle si cree que transmite algo a la gente a través de sus fotografías, nos comentó que siempre trata de transmitir algo y como está un poco más enfocado al retrato que a otro tipo de fotografía, trata de que con la simple mirada se pueda reflejar y conocer la esencia de una persona.

Comúnmente vemos que los fotógrafos se enfocan en cierta temática para crear su arte, sin embargo Roberto afirma que a él le gusta fotografiar de todo, ya sea retrato, paisaje u objetos ya que lo que él busca es compartir con el mundo su forma de ver las cosas, la humanidad y la vida en general.

Desviándonos un poco del tema, también nos cuenta que no tiene un fotógrafo favorito en específico sino que sigue a varios que su trabajo le llama la atención, aunque por el momento se ha estado enfocando un poco más en Annie Leibovitz por la manera en la que retrata a los artistas.

Un dato curioso que surgió en medio de la amena conversación fue que nunca se imaginó que terminaría dedicándose a la fotografía.

“Antes de entrar a Comunicación iba a entrar a Filosofía y Letras para hacerme escritor pero viendo la situación respecto a la lectura nacional mejor decidí irme a la carrera de Comunicación.

Cuando recién ingresé a la carrera me interesaba mucho el periodismo, conforme pasaba el tiempo me comenzó a llamar más la atención la publicidad y el marketing , y al finalizar la carrera quería especializarme en Comunicación Organizacional.

Y bueno, al terminar la Universidad, por diversas situaciones que la vida te presenta, me fui acercando a la fotografía y heme aquí.”

Finalmente nos comenta que sus metas tanto a corto como a largo plazo son tener su propio estudio, trabajar para alguna revista de moda y vivir de lo que le apasiona que sin duda es la fotografía.

Así que de nuevo tenemos un claro ejemplo de que los sueños con esfuerzo y dedicación se pueden hacer realidad.

Rodaje 671 en Querétaro.

El pasado Viernes 09 de Agosto del presente año, el grupo de comunicación C671 de la Universidad de León, plantel Querétaro se dispuso a iniciar el rodaje de un cortometraje llamado “Despierto por un amigo”, esto como parte del proyecto final de la materia de Producción Televisiva, cabe mencionar que dicho proyecto se comenzó semanas antes con la pre-producción, es decir, la creación del guión tanto literario como técnico, búsqueda de talentos, arreglo de horarios, distribución de puestos, planeación de locaciones, entre otras actividades.

El Jueves 08 de Agosto, primer día de grabación, se comenzaron a realizar las tomas de las primeras escenas, las cuales se llevaron a cabo sin problema alguno, exceptuando que durante la grabación de una escena en exterior, para ser exactos, en un parque, comenzó a llover y las cosas se tuvieron que realizar de una manera más ágil con el objetivo de que la cámara no sufriera daño alguno.

El Viernes 08 de Agosto, segundo y último día de grabación, se realizaron diversas tomas en diferentes lugares, el primer espacio utilizado fue la misma universidad de los estudiantes de la carrera de comunicación; Para esto, los protagonistas del cortometraje, Fernando Gutiérrez y Monse Rivas llegaron a la locación en punto de las 12:00 pm para comenzar a grabar las escenas correspondientes, terminando dichas tomas, se dirigieron a la siguiente locación que era la casa de una chica del mismo grupo, ahí es en donde probablemente se encontraron con las primeras grandes dificultades, la iluminación era un poco complicada debido a que el guión marcaba que la escena era de noche y en realidad se estaba grabando en un caluroso día aproximadamente a las 2:00 pm. Después de un par de horas las escenas destinadas para dicho lugar quedaron listas y fue momento de trasladarse nuevamente para continuar con la grabación.

En el último espacio es en donde se grabarían la mayor cantidad de escenas, además de ser las más difíciles, por lo mismo antes de comenzar tanto con arreglo de escenografía como cambio de vestuario, maquillaje y demás se decidió dar un break para comer y recuperar energías, posteriormente se hicieron los arreglos necesarios para así poder continuar con el rodaje que duró unas cuantas horas más, alrededor de las 21:00 hrs todo el equipo tenía una severa fatiga, sin embargo eso no impidió que cada quien siguiera realizando sus actividades correspondientes.

Finalmente, después de más de 12 horas de arduo trabajo se dio por terminada la grabación con comentarios como el siguiente:

“La experiencia que me quedó de las más de 12 horas de grabación fue que en equipo todo se realiza más rápido y de mejor manera.

El grupo se unió para llegar a un fin, y los extras fueron muy acomedidos al hacer más que su trabajo y ayudar a componer la escenografía entre otras tareas del staff.

La grabación fue extenuante, como tuvo sus momentos de risa, también tuvo sus momentos de frustración en los cuales ya todos queríamos terminar e irnos a casa.

Creo que trabajando en equipo, todo se puede lograr, ya que varias cabezas piensan mejor que una y eso se notó gracias a que cada quien desempeñó su trabajo, ya fuera como staff, extra, director, productor o siendo parte del departamento de arte.”  -Diana Gutiérrez, Departamento de Arte.

Construir con materiales reciclados: un nuevo desafío.

Por: Remitente

@remitente_df

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Durante miles de años el ser humano ha realizado actividades tendientes a satisfacer susnecesidades, sin importarle la cantidad de residuos que produce la realización de tales actividades. Esto responde a una constante visión a corto plazo que busca el beneficio inmediato sin medir las consecuencias. Pero a partir de la Revolución Industrial, y particularmente en el último siglo, la producción de residuos es tan importante que el hombre ha tenido que empezar a pensar qué va a hacer con ellos, pues constituyen un verdadero problema. Paralelamente a los entes gubernamentales que se comienzan a preocupar por una gestión integral de los residuos, surgen movimientos ecológicos y empresas que animan a tomar conciencia en la temática del reciclado, como una forma de no despilfarrar los recursos disponibles, y de disminuir la contaminación del medio ambiente.

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En el campo de la arquitectura y la construcción es muy reciente el comienzo del uso de materiales reciclados, sobre todo de aquellos procedentes de otras industrias. Uno de los primeros materiales reciclados con los que se ha empezado a construir es el PET (Polietileno-Tereftalato), plástico con el que se fabrican botellas para las bebidas. Este material es ligero, transparente, resistente, hermético, no tóxico y no altera las propiedades del contenido.

Por las cualidades descritas y por su bajo costo se empezó a generalizar el uso del PET a partir de la década de los ochenta en envases descartables, en sustitución de los envases de vidrio retornables; uno de los motivos por los cuales aumentó el volumen de la basura urbana considerablemente. Los movimientos ecológicos señalaron esto como un signo de alarma. Los envases descartables no son biodegradables, y si no son destinados al reciclado, son enterrados, incinerados o se acumulan en basureros al aire libre. No reciclar el PET es tanto una fuente de contaminación, como una pérdida de materia prima.

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El reciclado puede reducir la cantidad de desechos que se disponen actualmente en los predios de enterramiento sanitarios municipales, por lo cual se disminuirían los costos que debe pagar el Estado para la disposición de los mismos, y las consecuencias ambientales no deseadas. El acopio por separado de los residuos útiles es el primer paso básico para el reciclaje de los materiales y depende de la cultura de las poblaciones.

Pero, ¿cómo se utilizan estas botellas de PET para construir viviendas?

Existen tres tipos de reciclado del PET: el mecánico, el químico y el energético; siendo el primero el más usado por ser el menos costoso.

El reciclado mecánico consiste en varias etapas donde se realiza: la separación manual de las botellas, el triturado en partículas, clasificación de partículas por aire (se separa el polipropileno), lavado, inmersión en agua y separación electrostática (se separa el aluminio).

Los envases son triturados y así son incorporados a las mezclas cementicias, sin necesidad de desprenderle etiquetas, tapas.

Por lo tanto, los bloques desarrollados con PET reciclado son una alternativa posible para la ejecución de cerramientos de construcciones, más ecológicos, más livianos y de mejor aislación térmica, que los bloques convencionales de cemento y arena gruesa que se utilizan tradicionalmente.Su resistencia mecánica es menor, pero suficiente para cumplir la función de constituir mamposterías para cerramiento de viviendas de hasta dos pisos de altura. Por su bajo costo, son aptos para viviendas y construcciones de interés social.

Hay numerosas organizaciones en todo el mundo que se ocupan de impulsar el reciclado de plásticos:

– ABEPET (Associação Brasileira dos Fabricantes de Emalagens de PET).

– AMEE (Asociación Mexicana de Envase y Embalaje).

– APME (Association of Plastic Manufacturers in Europe).

– APR (Association of Postconsumer Plastic Recyclers, de Estados Unidos).

– CEMPRE (Associação Compromisso Empresarial para Reciclagem, de Brasil).

– Club Español de los Residuos.

– CWC (Clean Washington Center, en Estados Unidos).

– Ecoembalajes España S.A.

– Forum PET (de Alemania).

– NAPCOR (National Association for PET Container Resources, de Estados Unidos).

– National Recycling Forum (de Gran Bretaña).

– PETCORE (PET Container Recycle Europe).

– Recoup (Organización nacional de reciclado de botellas plásticas, de Gran Bretaña).

Pintando sueños

Francisco, un joven de 26 años dedicado al tatuaje nos cuenta que inició en esta profesión debido a que desde que era pequeño, para ser exactos, desde que cursaba la primaria le llamaba mucho la atención el dibujo, incluso recuerda que él y un amigo suyo les pintaban los brazos a varios compañeros de su salón, además de hacer dibujos de Dragon Ball para venderlos a sus amigos y conocidos, también recuerda que a diferencia de los demás, él prefería dibujar, crear y generar cosas nuevas antes que practicar un deporte o andar correteando a las niñas “pienso que todos de niños siempre dibujamos, no creo que sea algo nato simplemente mejoras cuando encuentras un interés, un motivo, una razón o intención de plasmar algo que sientes, piensas o quieres expresar, en lo particular yo lo comencé a hacer mucho más en forma hace aproximadamente cinco años cuando empecé a tatuarme y al hacerlo me di cuenta de toda la iconografía que hay detrás de este mundo.”

También nos comenta que lo que más le gusta de la pintura es la libertad que existe no sólo de estilos o técnicas, sino que al dejar de querer crear algo nuevo y ser totalmente innovador, las cosas fluyen naturalmente.

Tanto el tatuaje como el dibujo y la pintura están en constante evolución por lo cual siempre hay cosas que aprender, y esto se logra viendo nuevas obras e ideas de personas a las que admiramos.

Nos asegura que todo esto lo considera como un hobbie debido a que nunca ha tenido estudios en específico acerca de la pintura, únicamente ha tomado pequeños cursos y seguido consejos de personas que se dedican a ello, pero si tuviera la oportunidad de nombrarlo pasión por el simple hecho de amar lo que hace, así sería.

Al preguntarle si cree que transmite algún mensaje a la gente a través de la pintura nos respondió lo siguiente: “la verdad es que nunca me cuestiono si transmito algo a la gente con lo que pinto, al menos no un mensaje, ni tengo una intención específica hasta ahora, claro que me encanta la idea de que a la gente le agrade lo que hago, pero mi objetivo principal siempre es pintar algo que me guste, algo que yo vería y pudiera apreciar con mi estilo y mis gustos, si lo que pinto cumple con ese cometido todo lo demás es extra.”

También nos menciona que su artista favorito es Alphonse Mucha, porque todo su trabajo en general le parece impresionante desde la posición de elementos, composición e iconografía que maneja, todo esto lo inspira a plasmar nuevas ideas.

Por último nos cuenta que su principal meta es seguir haciendo lo que hace y día a día mejorar en todos los aspectos, tratar de sobresalir sin hacer menos a los demás, sino luchar por no estancarse.

Francisco Javier Nieto Tovar, un claro ejemplo de que los sueños de la niñez perseveran, crecen y se hacen realidad.

Arquitectura sustentable

Por: Remitente

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La Arquitectura Sustentable o “verde” es un tema complicado hoy en día, ya que como en muchos ámbitos a veces lo que se vende como “verde” no lo es de fondo, aprovechando la necesidad de cambio verdadero para convertirlo en una simple moda. Hay que saber discernir entre los farsantes y la arquitectura realmente responsable y comprometida con la problemática ambiental actual.

A diferencia de cualquiera de las corrientes arquitectónicas pasadas, lo que hace que la arquitectura sustentable tenga valor es por cómo funciona, no tanto por cómo se ve. Claro está que como cualquier disciplina relacionada con las artes, la estética siempre está presente y tiene una fuerte incidencia en la obra final.

La industria no es la única responsable de la problemática ambiental actual y ésta no es exclusiva del primer mundo. En el mundo de la construcción se consumen anualmente enormes cantidades de energía para simplemente abastecer las necesidades de aires acondicionados. Esto sin mencionar la misma filosofía lineal de extracción, producción, consumo y descarte que rige el manejo de acabados y materiales en general. La sola construcción de ciudades genera el 30% de los desechos mundiales y éstas se siguen expandiendo hacia territorios naturales que deberían permanecer intactos.

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Hoy la necesidad de sustentabilidad es mucho más compleja, tiene muchos más niveles y va mucho más allá de un simple diseño basado en un buen estudio de sol y vientos. Se tienen que tomar en cuenta muchas otras cosas. Primero, hay que tener en cuenta el lugar: los flujos energéticos y materiales locales, cultura y aprovechamiento de infraestructura existente en lugar de urbanizar naturaleza. Después hay que pensar en la optimización de recursos durante la construcción, es decir, evitar el desperdicio de materiales y energías. Los materiales escogidos, tanto para la estructura, como para los acabados deben ser seguros, reciclables y de preferencia reciclados. En el caso de lo reciclado también hay que tener cuidado e investigar bien los materiales, hay procesos de reciclaje que son aún más nocivos para el planeta que simplemente producir el material desde cero, precisamente porque éste no está diseñado para ser reciclado.

La localización de cualquier edificio debe promover y facilitar el uso de redes de transporte público masivo y el uso de medios alternativos como la bicicleta. La arquitectura sustentable debe también, desde su diseño interior, promover el bienestar humano y la adopción de estilos de vida ambientalmente más responsables.

Hay arquitectos que mundialmente son ejemplo por implementar al máximo en sus diseños estas medidas, como es el caso de William McDonough, quien ha desarrollado edificios como la Base de Sustentabilidad de la NASA en el Centro de Investigación Ames y trabaja actualmente en un proyecto de urbanización en China, enfrentando los terribles problemas de ese país en cuanto a exceso de población y agotamiento de recursos naturales para proporcionar vivienda y sustento.

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Hay otros arquitectos y constructores que, a pesar de no ser famosos o trabajar con grandes proyectos y tecnologías de punta, están comprometidos con generar viviendas más responsables con el medio ambiente y el propio ser humano. Existe actualmente toda una ola de aplicación pasiva de tecnologías en la construcción tales como: bioclimática, materiales rescatados, construcción con barro y otros materiales locales y de bajo presupuesto, baños secos, recolección de aguas lluvias, energía solar, composta y mano de obra no especializada.

Esto es sólo un resumen de los puntos básicos que debe tocar la arquitectura realmente sustentable. La realidad es que nuestro mundo actual, globalizado y capitalista es muy complejo, y para poder ser 100% “verdes” se tienen todavía que cambiar procesos, ajustar políticas, rediseñar industrias y sobre todo transformar la mentalidad colectiva.

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Actualmente nuestro mundo es tan diverso y vive tan aprisa que existen muchas formas de hacer arquitectura, sin embargo creo que la más valiosa es ésta, ya que va en busca de un cambio real que representaría una mejoría en nuestra forma de habitar este planeta.

 Para más información sobre sustentabilidad, entra a www.remitente.mx

YAGO PARTAL Y SU ARTE VISUAL

Yago Partal es un gran creador de artes visuales. Sus obras están llenas de sentimientos y emociones que se pueden ver y sentir, las expresiones de sus obras son lo que hace de Yago un maestro visual.

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Destrucción de una mente, por Yago Partal.

No todas su creaciones son  grises y llenas de dolor, su trabajo esta lleno de múltiples obras que sin duda alguna son tan diferentes como las personas, aunque su creador es el mismo. Es muy emocionante ver el cambio de colores y contrastes, los cuales hace de Portal, un artista multifacético que no se enfrasca en un solo estilo.

Yago también es el  autor de los Zoo Portraits, una serie de retratos de diversos animales con vestimentas muy modernas que encantan a todos.

  yago partal

yagopartal3Sin duda, Partal es un artista muy original, siempre dispuesto a probar nuevas cosas y experimentar para poder crear algo que nos deje asombrados, ya sea blanco y negro o completamente lleno de colores, sus obras siempre nos harán voltear y observarlas con gusto.

Para conocer más de su trabajo, entra a www.zooportraits.com o da click aquí.

Tierra de Nadie, Baron Negro en Querétaro

El pasado domingo 28 de julio del presente año el grupo de teatro Barón Negro tuvo una participación dentro del Festival Cultural Santiago de Querétaro con motivo del 482 aniversario de dicho estado.

El grupo conformado por MaFer Monroy, Carlos Casas y Fabián Verdín en escena, Roberto Ramírez en musicalización y Jean Paul Carstensen bajo la dirección, tuvo la oportunidad de presentar su ya conocida puesta en escena titulada Tierra de Nadie.

La historia se desarrolla sobre un escenario bastante sencillo compuesto por varias mantas que pueden ser acomodadas de diferentes maneras y de una forma rápida, todo esto para facilitar el trabajo de los actores, de la misma manera la utilería y vestuario son simples, sin dejar de lado la estética de la producción.

La presentación se llevó a cabo en el Cineteatro Rosalío Solano, ubicado en el centro histórico de la ciudad. En punto de las 18:00 horas los asistentes tuvimos acceso al lugar y a las 18:10 horas se dio la tercera llamada con la cual la obra dio inicio.

La historia gira en torno a tres personajes principales, el señor Craw, Leonor y Kame, quienes se encuentran en un lugar llamado “Tierra de Nadie”, un espacio en el que se asegura era muy diferente, lleno de árboles, flores, animales y demás cosas que hacen que un lugar sea bonito y agradable para vivir, sin embargo ahora es una tierra árida, seca y sin vida; Además de todo en dicho lugar los personajes adquieren una personalidad totalmente diferente a la que tenían en vida, sumándole que con frecuencia olvidaban de dónde venían o hacia dónde iban.

El clímax de la obra llega cuando después de una larga caminata, y el encuentro con un gato sabio se descubre que el señor Craw en realidad es el padre de Leonor, el inconveniente de todo esto es que debido a los actos realizados en vida a Leonor no le pertenece estar ahí ya que los dioses la exigen por su buen comportamiento.

El momento más emotivo, en el que incluso hubo personas que llegaron a las lágrimas, se encuentra cuando Leonor y su padre se tienen que despedir.

Al preguntar a Carlos Casas, uno de los actores de dicha obra ¿cuál es el mensaje que buscan transmitir? Nos contestó “Hablar sobre la pérdida cuando se presenta la muerte, además de esto provocar una reflexión sobre los actos que realizamos en vida teniendo en cuenta que tal vez algo o alguien nos lo cobre en una vida posterior.”

Así mismo nos dimos a la tarea de preguntar a varios espectadores, ambos estudiantes de la carrera de comunicación, su opinión acerca de la puesta en escena, nos contestaron lo siguiente:

Paulina Reséndiz nos dice “Fue una buena obra en la que para muchos el mensaje que deja significa bastante, de igual manera la actuación de los chavos fue muy buena.”

Néstor Moya nos comenta “La obra fue muy buena, técnicamente me gustaron mucho los movimientos de los títeres y las emociones que lograban proyectar, como mensaje me deja que aun después de la muerte debemos cumplir con un destino.”

Cabe mencionar que el lugar estuvo lleno de gente, que con sus risas y aplausos enriquecieron de manera sorprendente dicha presentación.

Prosolve, obra de arte anti smog

Parece un panal, pero es un hospital. Llama la atención la textura de la pared construida a base de hoyitos irregulares, la cual está sobrepuesta a un muro blanco, tan ordinario como cualquier otro; sin embargo, lo más interesante de esta construcción no es su semejanza al hogar de las abejas, ni sus propiedades decorativas que convierten un recinto poco agradable en una fachada atractiva, sino que tiene un valor agregado, pues este diseño limpia el smog y mantiene al edificio libre de contaminantes.

Fachada del Hospital Doctor Manuel Gea González.
Foto: Reforma.

Esta imagen corresponde al Hospital Doctor Manuel Gea González, cuya construcción, encomendada por la Secretaría de Salud a la empresa ICA, emplea el material Prosolve, el cual convierte el smog en sales no tóxicas e impide su paso a este edificio que, por sus futuras funciones, deberá permanecer sanitizado.

El prosolve es un material plástico de origen alemán, el cual tiene un recubrimiento de dióxido de titanio que al entrar en contacto con la radiación solar, los rayos ultravioleta y el smog, genera una reacción química que produce sales, mismas que se limpian de la superficie con la lluvia, según declaró Josué Hoil, Gerente de Proyecto en ICA, para el diario Reforma.

Además de limpiar el smog, este material protege al edificio de la luz y reduce las radiaciones solares, lo cual permite ahorrar energía porque el espacio concentra menos calor y, por ende, se puede minimizar el uso de aire acondicionado, detalló Holi.

Sin embargo, el prosolve tiene una particularidad estética, pues su forma es similar a la de un panal que, al ser montado en una fachada, logra un efecto visual llamativo capaz de embellecer espacios y volver agradable un sitio que tiende a ser deprimente, tal como es un hospital.

Panel de Prosolve.

Cada panal de prosolve se compone por cinco partes y el hospital cuenta con un patrón armado por 500 bloques elaborados con un total de 2 mil 500 piezas para cubrir alrededor de 10 metros cuadrados. El panel utilizado para el muro del edificio tardó 45 días en construirse.

El Hospital Doctor Manuel Gea González ya puede ubicarse en las vialidades de Tlalpan y San Fernando, al sur de la Ciudad de México; sin embargo, la obra, iniciada en junio de 2011, aún está inconclusa y se estima su término en noviembre de 2013. El presupuesto para este proyecto fue de mil 200 millones de pesos.

El mérito de este edificio está en su contribución al cuidado del ambiente y de la salud de los pacientes del hospital, sin embargo, es notable el efecto estético que ofrece este panel geométrico a muros simples; obras como esta permiten darse cuenta de que el velar por una mejor calidad del aire es un arte indirecto.

FLUIDICO, ESCULTURA EN MOVIMIENTO.

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Fluidico es una instalación artística interactiva del Hyundai´s Advanced Design (el centro de diseño avanzado) ubicado en Berlín.

La pieza escultura en movimiento  está formada por 12000 orbes translúcidos suspendidos con hilos casi invisibles y proyectores de luz 3D, los cuales simulan el movimiento a través  de los orbes.

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Esta obra refleja bastante bien la innovación y el movimiento de nuestra época. El uso de 8 proyectores de alta velocidad y un escenario adaptado para la resaltar la iluminación, puede ser apreciada en cualquier ángulo posible.

Las cosas siempre cambian y se innovan, pero que mejor forma de combinar la ciencia y el arte,  ya que esta espectacular obra se concibió gracias a que  Hyundai realizo un estudio de “WHITEvoid” y con base en los resultados de su estudios, inicio la elaboración de esta escultura en movimiento, recordándonos que es posible crear arte, con lo más sencillo hasta con lo más complejo.

 

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El Teatro olvidado

El Teatro, ¿Aburrido o interesante? En la época en la que estamos hay muchas personas que aún no han tenido la dicha de asistir a una puesta en escena y a pesar de esto tienen el descaro de afirmar que su falta de interés por este maravilloso tipo de arte es que les parece demasiado aburrido, pero ¿Cómo pueden asegurar esto si jamás se han dado el tiempo para empaparse de la magia que es transmitida por diversos personajes, quienes te transportan a un mundo completamente diferente?

Éste tipo de personas también suele comentar que prefiere realizar otro tipo de actividades que en su criterio les parecen más interesantes, tales como ir al cine o de antro; y sí, son actividades que realmente relajan y te hacen olvidar al menos por un momento de la carga de estrés que cada uno de nosotros tenemos; sin embargo creemos que debemos de darnos el tiempo para conocer tanto como cosas, como actividades y lugares nuevos, y una excelente opción para esto perfectamente podría ser  asistir a una obra de teatro en la que sin duda se aprenden miles de cosas.

El teatro es un arte al que le urge empezar a ser reconocido, la mayoría de la población cree que para montar un espectáculo basta con subirse al escenario y “entretener” al público, pero las cosas no son así, para poder llevar a cabo un buen performance son necesarias diversas herramientas de apoyo tales como vestuario, maquillaje, escenografía, utilería, y una infinidad de cosas más, de la misma manera son necesarios permisos con el gobierno y cientos de horas de ensayo por las cuales los actores dejan de realizar actividades importantes para ellos o asistir a eventos. En cierta ocasión un profesor de teatro, con un tono realmente serio dijo “Prepárense para el gran mundo del teatro, olvídense de las fiestas, ya que jamás podrán volver a faltar a algún ensayo o función, así sea el funeral de su madre, en ésta carrera, sólo podrán faltar cuando se trate de su propia muerte.” Cosas como éstas  son las que los asistentes no suelen valorar o simplemente no quieren darse cuenta.

Tal vez suene muy drástico, pero tal vez esta falta de interés por parte de la sociedad, respecto a asistir al teatro, está provocando el desplazamiento del mismo, ya que por ésta simple y sencilla razón muchos grupos actorales comienzan a desanimarse por la falta de audiencia en las diferentes presentaciones que llegan a programar.

En Chulavista Art House A.C.  tenemos la seguridad de que aún estamos a tiempo de rescatar lo que nos queda del teatro, así que ¡manos a la obra!

JORDI RINS; DECORACIÓN CON TIPOGRAFÍAS.

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El español Jordi Rins es un diseñador gráfico, director de arte y freelance,  el cual ha creado muchas cosas creativas he innovadoras. En su página de behance se puede encontrar una gran muestra de su trabajo, como la publicidad  de las paletas Chupa Chups y de la marca Adidas, entre otras cosas.

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Uno de los trabajos más llamativos que realizo fue el desarrollado para una tienda de comida vegetariana, la cual decoro únicamente con tipografías, mostrando que basta ser creativos para darle vida a un lugar.

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Jordi Rins utilizo  un fondo negro y plumones blancos para hacer las tipografías. Las palabras que plasmo en esas paredes hacen referencia a la temática de la tienda, es decir, ecología, agroecológia, verduras y productos de temporada. El diseño de Rins provoca voltear, ver y entrar a la tienda y saber de qué se trata. No hace falta una gran cantidad de cosas para poder decorar un lugar, con imaginación, pulso firme y una buena tipografía, cualquier lugar se verá increíble.

 

Para conocer más de su trabajo, da click aquí.