Talento mexicano: Campus Denim

A pesar de que  a muchos, les pareciera que el contacto con la moda  sólo  se consigue con la compra de ropa de tiendas exclusivas y marcas extranjeras, va mucho más allá de este pensamiento hacia lo que es el consumo de moda en nuestro país. Si bien todo lo dicho anteriormente en este párrafo entra en una mínima porción de lo que es el consumo de moda, debemos saber quiénes son los nuevos exponentes de moda nacional. Ya que también ofrecen muy buenas propuestas que normalmente no se ven o no son tan reconocidas como se pensaría.

 ¿Podrías imaginar que existe diseño en prendas tan cotidianas como los jeans? ¡Claro que existe! Y lo mejor de todo es que  quienes hacen este trabajo (Que podría pasar como sencillo, tal como en la entrada de Hilary Fayle y el arte que puede verse fácil de realizar pero en realidad no lo es del todo) es totalmente nacional.

 Así es, se tratan de los jeans mexicanos de  Campus Denim. Marca nacional que se dedica al diseño de pantalones de mezclilla para hombre.  Fabricados desde Monterrey, Campus Denim ofrece una alternativa para todo aquél que sufre cada vez que escoge un nuevo par de jeans nuevos y la calidad es mala o los acabados de baja calidad.

Detalle. Crédito: Facebook oficial.

 Estos pantalones ofrecen tres tipos de estilos: Straight, Skinny y Punjabi. (Debo confesar que yo no sabía de la existencia del punjabi, y eso fue algo totalmente nuevo para mí, me dejó sorprendido de este tipo de corte en mezclilla) Algo básico que cualquiera pudiera encontrar en cualquier tienda, sin embargo, la característica de estos pantalones es que trabajo 100% mexicano, de muy alta calidad en el bordado y en la manufactura. Por lo tanto, no sólo ayudarías al fomento de moda y diseño mexicano, sino que además te llevas un producto de calidad y resistente.

Skinny, Punjabi & Straight. Crédito: facebook oficial

 A pesar de que el proceso de jeans se ha vuelto industrial, Campus Denim no busca ese cometido: “No estamos en busca de producción masiva; estamos creando cuidadosamente un par a la vez, a través de un proceso no automatizado. Nosotros inspeccionamos y firmamos cada par antes de que abandonen el taller.” Por lo que cada pieza que obtengas será parte de un diseño único e irrepetible.

 Aunque digan que ellos no hacen moda, sino buenos jeans, dejan en claro que a pesar de no ser una marca extravagante y opulenta, la calidad de la tela y del trabajo hacen a la marca distinguirse de cualquier otra que produzca pantalones. Al final, la moda es todo y todos usamos moda; y estos buenos pantalones de mezclilla entran en esta categoría por su buen trabajo y su buena calidad.

 Si te interesa adquirir un par de estos jeans mexicanos, pincha aquí. 

Campus. Crédito: Facebook Oficial

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

Moda e inspiración

Parte de escribir sobre moda es saber cuáles son las tendencias de cada temporada. Cuando es invierno, las diferentes marcas y diseñadores ya están exponiendo lo que se usará en verano. Siempre hay un paso adelante. Estas colecciones fungen como un control de lo que se debe usar. Hay una imposición.

 Pero al estar dentro de este campo discursivo se deberán aceptar estas y muchas otras cosas más, por ejemplo, los must wear o encontrarse con prendas repetidas en la calle. Todo es parte de la moda, y así lo hemos aceptado.

 Sin embargo, cada temporada y cada desfile muestra algo “nuevo”, algo que no nos hubiéramos imaginado que podría tomarse de inspiración para la creación del diseño textil. Como ejemplo está la colección de Haute Couture de Dior en 2004 cuando usó como inspiración a Egipto; o las recientes colecciones de Dolce & Gabbana, cuyo arte bizantino y ahora la actividad taurina forman parte de la creación de esta legendaria marca.

Dior Spring/Summer 2004 crédito: style.com

 Pero se debe partir de algo fundamental: La inspiración. La iluminación que trae consigo es una cosa y la pieza final (ropa, accesorios) es otra. Así como el arte, la inspiración es una etapa del proceso de creación. La obra, que en este caso son las colecciones, es el producto final de este proceso. Parte de lo que es la inspiración, imaginación y la formación de estas prendas viene desde mucho antes, en la cabeza del diseñador.

 Así que podría haber pocos temas de dónde inspirarse para realizar ropa, aunque lo que de verdad importa será cómo el diseñador  se llevará a cabo la idea. Las percepciones de cada diseñador, marca y demás equipo creativo, será diferente, única e individual.

 ¿Qué hubiera pasado si el tema de los faraones y egipcios lo hubiera realizado otra marca? Algo que vemos muy común, es esta repetición de temas de inspiración. ¿Cuántas veces no se ha mostrado algo relacionado con los años 20? ¿O 60? ¿Y ahora 90?

D&G F/W 2013 crédito: metro.co.uk

 Sin duda, el camino y el resultado final de cada uno de  los diseñadores será distinto. Es por eso que las modas regresan. Porque hacen un comeback con diferencias bien marcadas a cada determinada época. Y aunque las comparaciones no son recomendables, las repeticiones tampoco, y esto hace cada vez más difícil a los diseñadores crear algo nuevo. Sin embargo esta dificultad no imposibilita que a un tema se le trabaje de una manera única y con frescura para crear algo que no nos habíamos imaginado antes.

 Tan sólo recordar lo que había en tendencia a principios del 2000 puede hacernos reflexionar sobre cómo está la moda ahorita, y cómo estará en 20 años. ¿Seguirán las mismas marcas? ¿Qué nuevas prendas estaremos usando? ¿Quiénes serán los nuevos diseñadores legendarios? Incluso se podría bajar el tiempo de 20 a 5 años. Ya que la moda es, y seguirá siendo, partícipe de los acontecimientos sociales, ideológicos, etc. de la sociedad actual.

#somoscreadores convoca

 

 

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La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

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Maude White y el espacio negativo en sus ilustraciones

Crédito: Julian Montague, para Maude White

“I want my art to communicate to the observer what my words cannot do effectively.”

La delicadeza va de la mano con la técnica. Cualquier cosa, por más delicada que sea deberá ser parte de un trabajo meticuloso, cuyo método se imprima en el resultado de la pieza. Hay quienes los detalles son de gran importancia para que una obra sea perfecta para una exhibición o para cualquier propósito que se le incurra.

Quizá esta técnica de los detalles sea precisa para personas con obsesiones ocultas que manifiesten a través de sus piezas artísticas. El propósito de una obra es comunicar. Tal como lo hacen las ilustraciones de Maude White.

Maude White es una reconocida ilustradora en Estados Unidos. En su pagina web, expone todo el trabajo que con gran esfuerzo, trabajo y delicadeza crea para todos sus fans en el mundo. Su técnica es sencilla: cortar papel para crear espacio negativo.

Crédito: Maude White

Dentro de su pagina web, se podrá encontrar una pequeña explicación de sus obras y el porqué el uso de papel y navajas para crear grandes y detalladas figuras de animales, personas y cualquier cosa que la imaginación de Maude White le ayude a lograr.

El arte y la ilustración se vuelven medios, herramientas para trasladar pensamientos, ideas, visiones, etc. al mundo material. Ya sea como lo hace White, o una escultura, el arte busca comunicar, expresar y transmitir. Lo que expone Maude White en su trabajo es el claro uso del Op Art; el uso de juegos visuales hacen parecer a las ilustraciones como una fotografía en negativo o un stencil listo para usarse.

Crédito: Maude White

La autora de estos dibujos cortados en papel menciona algo que debe rescatarse. El espacio negativo en sus obras. El espacio dentro de un no espacio. Se puede leer que desde muy pequeña, Maude White se interesó en el espcio negativo que había en distintas cosas. Este espacio negativo llenado con la nada hace que sus obras adquieran un sentido filosófico, metafísico que va más allá de una simple interpretación de su servidor.

Aún creando propuestas artísticas y pensamientos filosóficos, White describe en su web oficial, que la relación con los materiales y ella son realmente respetuosos. Esta artista de Buffalo menciona que el usar papel le hace ver la gran fuerza que tiene esta fibra cuando está en el proceso de creación.

Crédito: Maude White

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

El baúl de la alteración emocional:Los intelectuales

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Crédito:Insightuaemex.net.

Bipolaridad, esquizofrenia, depresión y demás trastornos mentales acechan a los genios artísticos desde tiempos remotos; lapsos que sólo se remiten a su capacidad de reflexión y crítica con su respectiva época. Las condiciones para su desenvolvimiento, no permitieron que se reflejara la capacidad de socializar con su entorno, mucho menos con las modas que acentuaban una dura agonía, para los que no están dispuestos a tolerar la banalidad de adquirir principios ajenos a su sentir.

 Parece ser, que todo el conjunto de malestares emocionales hacen de sus presas, a las mentes maestras del talento pintoresco y fructífero de todas las artes. Literatura, pintura, música son algunas de las áreas donde se han registrado personajes de renombre, que padecieron la intensidad de experimentar todas sus emociones a flor de piel y que sin duda, vincularon el dolor y la nobleza hacia la vida misma.

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Crédito:Portal de psicoanálisis en línea.

 ¿Por qué los malestares emocionales persiguen a los intelectuales? ¿Por qué a las mentes más brillantes? Investigadores del Instituto de Psiquiatría de Estocolmo, han estudiado este fenómeno y han llegado a la conclusión, de que hay una relación  causal entre  desarrollo intelectual y trastorno mental, y en cierta parte, un problema hereditario. A través de diversas pruebas, se logró obtener el resultante de que a mayor bipolaridad o depresión, mayor grado de intelecto.

 Las personas intelectuales, tienden a desarrollar de forma más genérica padecimientos psicológicos más graves; esto se debe en parte a la formación existencial que han desarrollado, es decir , su concepción difiere a la de la mayoría, lo que ocasiona su “sufrimiento” – por llamarlo así – por no poder formar parte del pensamiento más homogéneo de la sociedad, por lo que su diferencia sensorial y perceptiva les permite crear nuevas ideas, mejores alternativas y una situación social distinta.Tal padecimiento, encuentra sus raíces en lo que establece Zeigarnik y Bratus:

“El enfoque personal de la percepción desarrollado por una serie de psicólogos americanos contemporáneos plantea que la percepción se considera como un proceso selectivo determinado por la interacción de las cualidades objetivas de la estimulación y de los factores internos motivacionales; además de que la percepción garantiza la adaptación de la personalidad al mundo exterior y refleja el nivel de su adaptación”

 ¿Cómo adaptarse a una sociedad? Indudablemente el hecho de estar cercano a modas y ademanes en constante movimiento, resulta más difícil para aquéllas personas que están lejos de sentirse en sincronía con su entorno y a su vez, consigo mismo. El malestar se acentúa, cuando se trata de buscar y crear una nueva forma de vida…una vía más agradable para el “desadaptado” y  más extraña para el sumiso.

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Crédito:Tumblr.

 ¿Por qué al rechazo? Adjetivos calificativos como “raro”, “ñoño”, “solitario”, “gruñón” forman parte de la renuencia hacia la aceptación de las personas, que brindan al panorama una luz de realidad, su creatividad parece molestarles a los demás;cayendo en lo más mezquino: Catalogar como “impropio” su comportamiento y visión social.

 Ante el distanciamiento de la rutina social, la falta de complementariedad contempla a los genios artísticos que buscan la manera de pintar el mundo “a su color más real, al más grosero” , tonalidad que parece no gustarle a cualquier tipo de persona. El drama y la sinergia emocional, los atrapa en cada una de sus obras, en cada mirada…en cada fantasía.

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Crédito:Ceadin.org.

 El delirio por transmitir, acaba siendo su propia cárcel – que se convertirá en un sótano para toda la vida – . Ejecutan lo inalcanzable, lo imperceptible y lo más abrupto de la creación humana (no apto para mentes duras y sin rigor emocional) su arte transforma el mundo, la visión y el caos mental por el que se atraviesa día a día.

 Todas las áreas del arte, han registrado que los genios, la mayoría del tiempo han pasado por los padecimientos anteriormente mencionados, entre esas luces antagónicas están (por mencionar algunos) :

 En literatura:

  • Alejandra Pizarnik, quien entre sus letras y su neurosis acabó por contar su suicidio en vida; su agonía por querer desfallecer.
  • Virginia Woolf, ferviente defensora del papel de la mujer en la sociedad, reflejó su osadía por salir de un patriarcado que la asfixiaba constantemente.
  • Fiódor Dostoievski , soñador de lo criminal, encubridor de su propio miedo: El descubrir su verdadera identidad.
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Crédito:Argentina independiente.

 En pintura:

  • Pablo Picasso, amante de la soledad, pintor de los miedos más ocultos del ser; representante de los temores más abruptos.
  • Vincent Van Gogh, la frustración de su infancia y de un mundo que no podía entender su forma de expresarse, lo orilló a ser un individuo aislado y triste.
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Crédito:Tumblr.

 Nos definimos como seres congruentes ¿La irreverencia es mala? ¿Mala para quién? Sino estamos acostumbrados al anhelo, a soñar un nuevo mundo, a no crear …ni mucho menos a transmitir, creo que los que están mal, son los que “no están locos”.

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

La sencillez no siempre es lo como la pintan: Hilary Fayle y su tejido en hojas

Hilary Fayle; crédito: página oficial de Hilary Fayle.

A veces, lo que atrae de una obra de arte o de alguna hazaña como la danza o  inclusive de un deporte, es que parezca fácil de realizar. Sencillo: que den ganas de hacerlo inmediatamente. Sin duda, es un objetivo que muy pocos artistas, deportistas, etc. logran. No porque no puedan, sino porque dar esa percepción al espectador es muy difícil y requiere una técnica muy bien trabajada y, por supuesto, mucha práctica.

 El arte es una de las actividades que tendrá muchas definiciones, múltiples definiciones y diversas interpretaciones, y falta mencionar las significaciones de los que consumen, viven, sienten y demás, la actividad artística. El crear arte y disfrutarlo no está muy lejos del producto final, que es el consumirlo. Es decir, se hace arte para expresar y por ende para interpretar una realidad y esto es lo que lectores como creadores buscamos: interpretar.

 El trabajo de un artista estará lleno de obstáculos (quizá mentales, quizá físicos, justo como el bloqueo y falta de inspiración) que imposibiliten o procrastinen una pieza u obra. Pero, cuando no, la inspiración, la imaginación y la acción llegan como viejas amigas a un reencuentro grupal, entusiastas, tímidas, pero con mucho más fuerza.

 Y quizá esto permita que la actividad terminada se vea sencilla, sin un trabajo extenuante. Y eso hace interesante al trabajo de cada mujer o de cada hombre que realice una actividad cualquiera, porque hasta un informe o una carta tiene “su arte”.

 Hilary Fayle justamente realiza lo que acabo de escribir como introducción. Originaria del “western NY” empezó a crear  objetos  que “fueran parte de su vida central”. Según ella, en su página oficial, estudia la creación de materiales y fibras en Virginia, Georgia USA.  Si la presentáramos de esta manera, su relevancia pareciera muy poca. ¿Por qué ella? ¿Qué hace?

 Bien, para responder las preguntas hace falta ver parte de su trabajo para comprender todo lo que he escrito.

Crédito: Hilary Fayle

 Como se puede ver en la imagen, lo que hace Hilary Fayle con las hojas y los tejidos es bastante complicado. Primero por la fragilidad que todos sabemos que poseen las hojas de los árboles. Segundo porque también sabemos, después de unas horas, las hojas se vuelven duras y fáciles de desquebrajar. Y en tercera, la forma en que los tejidos son expuestos, armados y finalizados.

 Fayle destaca en sus creaciones una forma distinta de percibir la naturaleza. Ella emplea fibras de diferentes materiales para la realización de los diseños que podríamos pensar que lo hizo una arañita de jardín. “I generally try to use renewable, sustainable and environmentally friendly materials for my art, so this was an obvious choice.” Su trayectoria apenas comienza. Ha tenido algunas residencias artísticas en su país y sus hojas tejidas han aparecido en libros de arte y en portadas del mismo tema.

 Y es aquí cuando regreso al principio. La formación de estas propuestas artísticas, por más estéticas que pudieran ser, destacan por la “facilidad” que manifiestan. Se ve sencillo de realizar, pero dudo mucho que lo sea. El cuidado de las fibras que se utilizan para los tejidos, así como el cuidado (posiblemente) extremo que deberán tener las hojas, antes, durante  y después de que la pieza esté terminada deberá costar mucho trabajo para esta artista neoyorkina.

Crédito: Hilary Fayle

 Sin duda, el quehacer artístico podrá figurarse y catalogarse como algo sencillo, fácil de hacer; sin embargo, la técnica y el trabajo que hay detrás, podrá ser lo más laborioso y difícil de realizar. No obstante, el resultado valdrá la pena. Aunque claro, existen obras que parecen ser sacadas de algo mucho más abstracto, que implican poco trabajo como una piña en una habitación o un punto negro en un lienzo blanco. Esa realización artística podrá ser explicada en otra ocasión, pues es otra historia.

Para saber más de su obra, y ver más de su trabajo, visita su pagina oficial aquí.

Armadillo Pots: La dualidad entre la vida y la muerte en una maceta

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Armadillo Pots es una empresa dedicada al diseño de interiores, conformada por una pareja de diseñadores que al buscar una maceta no encontraron un modelo de su agrado, por lo que surgió la necesidad de crear las propias. La calavera fue elegida como símbolo principal por todo el misticismo que esconden.

 En entrevista, Álvaro Arismendi, uno de los fundadores de Armadillo Post, dijo que la imagen poderosa de los cráneos fue elegida porque representa la dualidad de la vida y la muerte, ya que una calavera simboliza algo”muerto” y alberga a un ser vivo, la planta, cactus o cualquier especie que se elija. “En cada pieza hay una sentimiento increíble y distinto, pero siempre emocionante, por hacerlas nosotros mismos” expresó.

 Las macetas están hechas de resina sintética “super resistente”, por lo que pueden estar en interiores o al aire libre y durarán de por vida.

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 Lo que empezó como un simple pasatiempo ha cobrado fuerza y es una empresa que se consolida del talento artesanal, pues cada maceta es hecha y pintada a mano. Aunque por el momento el equipo de Armadillo Pots se integra de dos personas, en un futuro esperan ser más para que el negocio continúe con su expansión.

 Según Álvaro cada maceta tiene una personalidad, que va con la persona que la escoge, incluso, considera que el color que elijas es una muestra de tu interior reflejado en una planta que estará en tu casa.

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 La intención de los diseñadores y a la vez su mayor recompensa es que las personas que adquieren estos artículos para adornar interiores, noten la calidad de sus productos y el esmero que ponen en cada modelo.

 Para realizar pedidos pueden contactarlos en su página de Facebook, donde podrán realizar pedidos y contribuir a la difusión del diseño mexicano, hecho por nuevos talentos. Hay envíos al interior de la República, y en el Distrito Federal pueden visitar la tienda para elegir la calavera que mejor les acomode, ubicada en la Col. Roma, Yucatan 87.

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#somoscreadores: cuatro ejes, cuatro artistas invitados

El Totalmente Nuevo Chrysler 200 ha sido la inspiración de Dr. Alderete, Cartú, Monairem y Amor Muñoz, los cuatro talentosos artistas que han creado especialmente para el proyecto #somoscreadores obras centradas en los cuatro ejes principales que dieron lugar a esta pieza automotriz:

Dr. Alderete y su particular gráfica abordan el concepto de diseño a través de un homenaje al visionario diseñador automotriz Virgil Exner para remarcar este eje como un factor que, a lo largo de la historia, ha distinguido a Chrysler en la industria automotriz.

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Alonso Cartú, cuya escultura elaborada principalmente con cerámica representa el esfuerzo y el trabajo de 200 manos creadoras, evoca el concepto del desempeño como una fuerza vital en el proceso de creación.

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La interesante propuesta de Monairem donde tiene lugar la experimentación audiovisual, reflexiona acerca de la tecnología y la interactividad que ésta detona en el público como un nuevo paradigma en donde todos pueden convertirse en creadores de sus propias experiencias.

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Y finalmente, Amor Muñoz, que con su pieza demuestra que no existen límites para vivir nuevas experiencias, trabaja con el concepto de innovación mediante una instalación sonora y textil que busca envolver al individuo en una atmósfera industrial para invitarlo a reflexionar sobre la fuerza de trabajo y los sistemas de producción.

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Así, en la exposición especial que tendrá lugar el 18 de septiembre, las diferentes perspectivas de estos cuatro ejes se encontrarán para iniciar un diálogo entre disciplinas e intereses y que recopilará los 200 trabajos de los mejores artistas emergentes nacionales.

Consulta toda la información de #somoscreadores a través de sus medios oficiales:

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

 

Karlie Kloss la modelo que dio la vuelta al mundo en menos de 80 días

Crédito: vogue.com

Hace un par de días, Chioma Nnadi columnista  de Vogue USA, publicó un artículo en la pagina web que quisiera retomar para ustedes. Este articulo trata sobre la modelo Karlie Kloss y su fashion travel a través del mundo.  Nnadi escribió que Phileas Fogg y su viaje en globo se quedó corto a comparación con esta travesía de la modelo. ¡Quizá lo más impresionante no sólo fue eso, sino que Karlie Koss ni siquiera salió del país!

 Exacto. No se trataba de la verdadera Karlie Kloss, sino de una impresión 3D que varias personas realizaron y tomaron fotos en los lugares más representativos del planeta, como la Torre Eiffel, El Coliseo en Roma, entre muchos otros.

 En total fueron 80 muñecas las que se imprimieron para realizar este proyecto. Los vínculos moda-arte emergen  y demuestran una vez más que no es necesario hacer una hazaña muy elaborada para dar una fusión entre estas dos disciplinas. En este caso la fotografía de moda está alcanzando un nuevo nivel de expresión: La impresión 3D

Karlie Kloss en NYC. Crédito Vogue.com

 No sólo en este ámbito ha sido utilizado la impresión 3D. Cantantes como Will.I.Am lo utilizó en ‘Scream and Shout’ para imprimir su propia cabeza. No importa con qué objetivo, si es egolatría o para generar controversia, como lo hizo M.I.A. en ‘Double Trouble Bubble’, la impresión tresdé se está convirtiendo en una herramienta artística que podría usarse con mayor frecuencia en unos años, y ¿por qué no? en algunos meses.

 Los vínculos entre la significación y la exposición de estas muñequitas de la modelo entran en una discusión. Misma que se presentó en el artículo de Vogue y aquí. Karlie Kloss no viajó por el mundo. Lo hizo una representación de esta persona, un ícono.

Crédito: Vogue.com

 El juego semiótico que se observa en este momento es, más que complejo. ¿Quién o qué es lo que se presenta en las fotografías de este proyecto? ¿Es una representación de la representación de Karlie Kloss en un lugar del mundo?

 La moda y el arte una vez más se unen para obtener como resultado un producto complejo, que, si lo desmenuzamos poco a poco, podremos llegar a una conclusión mucho más simple y no con tanto enredo como se ha pensado en estos últimos años. Las percepciones serán múltiples. Cada una de ellas con su propia explicación. ¿Y si sólo imprimieron una muñequita y le tomaron foto, así nada más? ¿Y si hay algo mucho más profundo en cuanto a la percepción y significación de la belleza, y un nuevo uso estético que no involucre a humanos, pero sí representaciones de ellos?  La respuesta la tienen ustedes, queridos lectores.

 Si desean consultar el artículo completo, y ver el resto de las fotografías en Vogue, da click aquí.

 

Fuera opresión, bienvenida a la reflexión: Komal Collective y el esténcil

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Crédito: Komal.bligoo.com

Reavivar el arte libertario a través de la técnica del esténcil, es el elemento que define a Komal Collective, grupo activista que trata de promover la educación libertaria en diversos aspectos apreciados desde cualquier punto de la calle. Sus infinitos detalles en cada plantilla, hacen alusión a la falta de conciencia social que existe en diversos aspectos cotidianos que van desde lo político hasta lo económico.

 El descontrol de la sociedad, la inminente presunción en la que se encuentra y su poder de negación en torno a sus circunstancias más adversas, ha propiciado que el arte en sus diferentes modalidades, se manifieste para dar lo que necesita la gente y el mundo : libertad y rebeldía.

 ¿Cuántos no hemos pensado algo pero por “temor” no lo hacemos? ¿Acaso suponemos actuar bajo nuestros propios pensamientos? En un tejido social donde se olvida la fraternidad humana, donde la mayoría de las veces se vislumbra angustia, soledad y frustración, aparece el olvido de la hiriente realidad de los pasos. La reflexión del día llega seguida de un remordimiento, de una pesadez y entonces dejamos de lado nuestro sentido de ser.

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Crédito:Komal.bligoo.com

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Crédito:Komal.bligoo.com
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Crédito:Komal.bligoo.com

 El síntoma de descontento, no sólo se plasma en el habla sino también a la hora de adoptar cuestiones que a la misma sociedad no le son inherentes y atentan contra su integridad. La paradoja se encuentra en la yuxtaposición que existe entre querer y poder -–bien dicen que querer es poder–. Pero ¿poder no es querer? ¿anhelamos poder, pero no querer? El arte libertario, define claramente esta yuxtaposición: Somos la sombra de nuestros propios deseos y representamos la luz para la dominación de los que no acostumbran soñar.

 En palabras del propio colectivo, se expresa el sentir de una parte del desconcierto que existe, del querer mostrar una reflexión a través de lo siguiente:

“Nos gusta la intervención visual en la calle, es hermosa, sorprendente, y sugiere una sensación.Podría llamarse graffiti, instalación, plantilla, carteles, pegatinas. Finalmente, esto es lo que nos gusta hacer […] . Nosotros tratamos de llenar de color y de vida a la sociedad cada vez más muerta y perdida. Queremos hacer reflexionar a la gente y tocar su lado humano y tratar de cambiar el mundo”

 A través del trabajo que realizan, buscan darle sentido a su creación: El generar reflexión y tener un fundamento claramente sólido. Construir y plasmar ideas, son la base para forjar la expresión y sobre todo, el sentir humano. ¿Cuántas veces nos hemos sentido aislados y oprimidos por los cuestionamientos sociales? La mayoría del tiempo, atravesamos por el sentimiento culposo de nuestro actuar y a veces; de nuestro pensar. El hombre es libre de pensamiento, pero muy pocas veces es consciente de esto y trata de revelar su descontento hablando por detrás y poniendo cinta adhesiva en su boca para toda la vida.

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Crédito:Komal.bligoo.com

 Todavía queremos creer, por lo pronto sigue brillando esa lucecita en cada uno de nosotros. El ejemplo es Komal Collective, que a partir de sus plantillas muestra a la gente sus costumbres más arraigadas al modelo de dominación en sus diferentes modalidades. Conciencia y más conciencia, son las palabras que claman para corroborar que la capacidad reflexiva aún no se ha perdido.

 Gente que pelea, que lucha, que piensa, que opina y que no se sienta cómodamente en el sillón de su casa para decir ¡Ya para qué! ¡No se puede hacer nada!, forma parte de la descripción clara del colectivo que trata de hacer un proceso de coyuntura social, integrando los grandes retos que enfrenta la población; desafíos que van desde autonomía hasta el entendimiento de nuestra vida cotidiana.

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Crédito:Komal.bligoo.com

 Se busca crear, vincular arte con libertad, unir a la sociedad a través de su independencia y de su sentir ante el dramático contexto por el que atraviesa constantemente; para poder darle color a las calles y al grito contenido en cada uno de nosotros.

 Manifestación y rebeldía, se fusionan para transmitir raciocinios alrededor de una nación que olvida su sentir y solamente, se establece bajo la monotonía de los que sembraron la indiferencia de un pueblo que ya no llora por gente que muere de hambre, por comunidades enteras que sufren de violencia en sus diferentes denominaciones, por miles de personas en sometimiento, por el olvido del 85% de gente en condición de pobreza en todo el país, por mujeres que trabajan doble jornada laboral en las maquilas, por la aniquilación de comunidades indígenas… y la lista podría ser más larga de lo que ya es. Pero el olvido del dolor, es lo que hace del mexicano un ser egocéntrico que se conforma con la mediatización del eje opresor.

 Ciertamente, la educación y formación libertaria desembocan como una luz magnánima entre los que no acostumbran gritar “Ya estamos hasta la madre” , en los que solamente chiflan y aplauden…esos que abandonan a su gente más afectada.

Sitios del colectivo:

http://komal.bligoo.com/

https://www.facebook.com/pages/Komal-Collective/302799353068863

Diversidad artística: Festival Internacional Cultural Revueltas 2014


Más de 140 espectáculos, aproximadamente 1500 artistas locales, además de talento de talla internacional  se presentarán del 3 al 19 de Octubre en el estado de Durango, en el marco del Festival Internacional Revueltas 2013, como parte de una serie de eventos que busca homogeneizar la diversidad e identidad. Dicha celebración se abrirá paso a lo largo de casi un mes en la ciudad que fue capital de la Nueva Vizcaya. Portugal y Zacatecas, serán los portavoces primordiales de esta conmemoración.

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Crédito:Euroamérica
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Crédito:Momento de Zacatecas

 En su décima edición, el Festival Internacional Revueltas 2014 invita al público a disfrutar de una gran variedad de actividades en escena, además de un evento lleno de pluralidad cultural. Las presentaciones, se darán cita en diversos sitios, que van desde teatros hasta plazas públicas. Durango será el lugar sede que involucra a todo el talento artístico de esta época, mezclando la belleza barroca y ancestral de la ciudad con el gran elenco participante.

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Crédito:Facebook Festival Revueltas

 Jazz,  folklore, electro, pop y rock serán algunos de los géneros musicales que se podrán presenciar en esta presentación, que conmemora los 100 años del natalicio de José Revueltas. En lo que respecta a contexto musical, destaca lo siguiente:

  • Miguel Bosé
  • Solé Giménez
  • Susana Zabaleta
  • Café Tacvba
  • Proyecto alemán de música electrónica
  • Homenaje a
  • Festival internacional de arpa
  • Lila Downs
  • Tributo a José Alfredo Jiménez

 Toda esta celebración se acompañará de la inauguración del museo  de arte contemporáneo Guillermo Ceniceros; que contará con toda la gama artística del muralista mexicano reconociendo el talento de un gran artista nacional que ejemplifica al México austero y sobreviviente a través de los años.

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Crédito.Conaculta

 La gran aportación de José Revueltas, se verá  plasmada en el tiraje de  más 1000 ejemplares de su respectiva obra en aproximadamente 153 bibliotecas públicas.Además de incluir dentro de las actividades, diversos talleres (artes plásticas) para niños.

 El gran alcance de esta conmemoración radica en que más de 26 municipios, serán la base de presentaciones en todo el programa, dando también la pauta para acercarse a los grupos más marginados del estado. En ese sentido, se contará con el programa control remoto dirigido por tres medios de comunicación local; es decir, el evento se podrá presenciar en los respectivos sitios virtuales de transmisión.

 Cultura, novedad y un gran sentido de pertenencia serán los factores clave para dar paso a Octubre y a sus destellos mágicos e inigualables del Festival Revueltas en su décima edición. Augurando un mes lleno de patriotismo y una vinculación armónica con el arte internacional, se conjugará un solo objetivo: Crear un ambiente singular y que se acompañará de la cultura de toda una época.

 Un conjunto de vanguardia artística le dará el toque primordial a esta presentación, con el eje más concreto:  Vincular al arte local con el externo; además de buscar la pauta para generar lazos de fraternidad artística a lo largo de todo un mes y poder reforzarla a lo largo de cada edición.

 En palabras del gobernador Jorge Herrera del estado sede, se expresa el objetivo de esta décima muestra:

“Será la forma del arte, que se dará al mundo para apreciar la cultura”

 

Layout: Local vs Global

El pasado 30 de agosto, la directora ejecutiva de Diseño Social En+, María Hidalgo, publicó en el sitio Muhimu una nota titulada Tres blogueros de moda viajaron a Camboya. H&M les prohibió hablar de lo que vieron, en donde relata el shock que vivieron los jóvenes noruegos al vivir un mes en el país asiático de acuerdo a las deplorables condiciones de vida y trabajo que llevaban las empleadas textiles.

Algunas ventajas
Algunas ventajas

 ¿Se es cómplice de favorecer dichas prácticas al comprar en estas tiendas multinacionales que son denunciadas por prácticas de explotación laboral? Como diseñador, ya sea gráfico, de modas, industrial o de escaparates ¿se coadyuva a este tipo de prácticas al trabajar para ellas?

 La realidad es que se es juez y parte, es decir, la experiencia profesional que se alcanza en cadenas internacionales o de gran relevancia nacional son enriquecedores para los profesionales en diseño, sin embargo, puede llegar un punto en el que no sea suficiente el nivel alcanzado o los intereses profesionales sean otros, los cuales favorezcan el emprendimiento profesional independiente.

 Cuando se inicia un proyecto de diseño de manera independiente se presentan una serie de dificultades que las multinacionales y cadenas nacionales en su caso pueden resolver, por ejemplo, a través de la contratación de personal, la capitalización económica a través de beneficios bancarios, facilidades o privilegios fiscales a través de relaciones con el gobierno, entre otros.

 Ante esta situación que enfrentan los diseñadores, han surgido en nuestro país plataformas para exhibir y comercializar productos creados por talento nacional y en algunos casos por extranjeros, propiciando el desarrollo de un mercado local, autogestivo y justo. Con este fin en común proliferaron los bazares de diseño como Tráfico Bazar, Vanitas, Bazar Mexicanitas, DIM (Diseño Independiente Mexicano), Lonja Mercantil, Bazar Fusión, Liebre Libre Bazar, Mercado de Diseño (Monterrey), entre muchos otros no solo en el Distrito Federal, también en Guadalajara.

 Estos bazares se distinguen por vender productos hechos a mano, factor reflejado en el precio, pero si se toma en cuenta el proceso de creación tipo artesanal no se podría comparar con los grandes almacenes o multinacionales.

Seis razones para consumir local
Seis razones para consumir local

 Los expositores, por lo regular, no tienen un lugar físico a demás de los bazares en dónde ofrecer sus productos, solo se exhiben en Facebook y otras redes sociales, aunque muchos ya se aventuraron a comercializar a través de Internet por medio de Kichnk ó Trendyta.

 Por otro lado, los bazares están en el terreno del comercio informal, muchos de los expositores no pagan impuestos por lo que tampoco deducen y las condiciones laborales con las que trabajan son a la medida de sus expectativas económicas, es decir, si quieren ganar más tienen que trabajar bastante.

 Una de las características de comprar en las multinacionales es la posibilidad de adquirir objetos que se producen en otros países y que forman parte de una tendencia global, aunque generalmente se propicia el consumo desmedido y el desecho al por mayor.

 En contraste, hay comunidades que se han beneficiado de las industrias instaladas en los países que no tienen leyes contra la explotación laboral, en algunos casos se han mejorado los caminos para trasladarse a su zona de trabajo, o los empleados reciben mejor paga por su jornada laboral a comparación de la que obtendrían por trabajar en el campo, como lo explica Johan Norberg En Defensa de la Globalización

 Indudablemente se favorece la explotación laboral de personas cuando se compra en los grandes almacenes, así como el comercio informal al consumir en los bazares diseño; de tal modo que el diseñador puede estar en medio de esta situación y resulta complejo tomar partido sin considerar todas la variables involucradas

 No se podría juzgar si es blanco o negro, es más bien una escala tonal de grises, con matices que dan características particulares a cada situación. Es igual de delicado pertenecer al comercio informal como comprar una prenda en H&M y en cada caso se desprenden subtemas más complejos relacionados con el modelo capitalista y el bienestar individual, en vez de propiciar un bien común y el comercio justo.

Pros y contras de comprar local
Pros y contras de comprar local

Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché

Crédito: tumblr

Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.

 Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.

 El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.

 Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador  al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que  este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.

 La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.

 Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.

Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.

Adiós a un grande: Manuel Pertegaz

Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes,  etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.

 Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos,  han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.

 Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.

 Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.

Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es

 Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?

 Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.

 Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.

 Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.

 La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid  o la Aguja de Oro entre muchos más.  Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.

 Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.

MUTEK 2014: Cuarta edición en la Ciudad de México


Vinculación digital e ingenio son los términos más precisos que corresponden al sentido que ofrece el Festival de Creatividad Digital (MUTEK) en su cuarta presentación en México. Mezcla diversas formas de innovación, para darle un sentido más amplio a las artes audiovisuales a través de la presentación de diversos talentos;encargándose de brindar la  oportunidad de conocer más acerca de su alcance como proyecto de vanguardia.

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Crédito:Residentaadvisor.net

 A través del programa Play, se ha brindado la ampliación para recibir a más talento de origen extranjero y nacional. En ese sentido, una ingeniosa manera entre el aspecto visual y sonoro, se generaliza para darle a éste proyecto una sorpresiva presentación que romperá los esquemas tradicionales.

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Crédito:8bitgeeks.com

 A/Visions y Para/Visions  son dos itinerarios que presentarán una combinación entre matemáticas y la aplicación de tecnología, de una forma muy interesante e impactante. Traerán consigo un conjunto de elementos visuales extraordinarios que se mostrarán de forma idónea con el gusto del espectador.

La edición 2014 de Mutek trae consigo una gran diversidad de propuestas multifacéticas y, por ende, espectaculares. Las fechas de presentación están confirmadas en el mes de Octubre, los días 20 al 26 del año en cuestión; teniendo como sede la Ciudad de México.

El sonypass será el boleto para poder ingresar al festival durante toda la semana, su adquisición puede ser vía Ticketmaster.Sin duda, música electrónica acompañada de arte visual serán el toque primordial, para ofrecer un evento de altura y gran precisión escénica.Dentro del line up que se confirmó, algunos de los proyectos asistentes serán los siguientes:

 

  • AXEL BOMAN

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    Crédito:Mutek.mx
  • BEN FROST
  • BOUNDARY
  • DAITO MANABE
  • DANIEL AVERY
  • DERU & EFFIXX 1979 AV DOCUMENT
  • JON HOPKINS
  • KANGDING RAY
  • LAWRENCE
  • MAOTIK & FRAKTION
  • MAX COOPER
  • ONEOHTRIX POINT NEVER FEAT. NATE BOYCE
  • PANTHA DU PRINCE & THE BELL LABORATORY
  • SIETE CATORCE

https://www.youtube.com/watch?v=xP-rrzK2JOw

 

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

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Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

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Crédito:Tumblr.
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Crédito:Domus Web.
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Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Layout: Colectivo Tres, espacio para artistas emergentes

Catálogo de exposiciones
Catálogo de exposiciones

Residentes de la Ciudad de México, Colectivo Tres tiene como fin generar exposiciones con la obra de jóvenes artistas que buscan espacios para exhibirla con el objetivo de promover el arte y la cultura.

 Alfredo Gallegos, Carla Esquivel, Celic Cruz, Emilia López, Javier Zugarazo y Mérce Jara se conocieron en la FAD (Facultad de Artes y Diseño de la UNAM) y decidieron juntar su talento y esfuerzo para exhibir su obra, sin embargo se toparon con la estrecha posibilidad de contar con el espacio y el apoyo necesario para lograr su propósito.

Nuestro principal problema es no tener un espacio para trabajar y no contar con ningún apoyo económico, Colectivo Tres es un proyecto autogestivo.

 Al parecer, ser joven y artista se atisba como un camino arduo por recorrer dentro del gremio, por lo que la propuesta de Colectivo Tres es una alternativa muy interesante para todo aquel que necesite darse a conocer.

 A partir de una planteamiento discursivo, organizan la convocatoria, buscan los espacios, crean la identidad gráfica, generan los documentos de préstamos de obras, diseñan la museografía, realizan el montaje y preparan la inauguración y clausura de una exposición, entre otras actividades que conlleva su gestión.

 Gestionar esta labor es importante para ellos, representa la manera en que pueden vincular al arte como una forma de conocimiento expuesto en el terreno cultural de la sociedad. La formulación Curatorial representa un pilar importante para dar razón a su proyecto y sobre ésta existe un autoconocimiento de sus posibilidades y alcances como jóvenes artistas.

Entendemos que es difícil la profesionalización de las artes, ya que se requieren espacios para exhibirla, una plataforma que promuevasu trabajo. Nuestras exhibiciones buscan ser la plataforma que los artistas necesitan para emerger.

Obra en exposición
Obra en exposición

 Como jóvenes no es habitual que se posea una propiedad para llevar a cabo tal cometido, por lo que se tiene que reconocer la labor que Colectivo Tres realiza; la búsqueda del espacio para la exhibición más la difusión del arte no es una tarea fácil, involucra distintos aspectos, como la localización, los propósitos afines, las necesidades de montaje, así como las estrategias de difusión, entre otras actividades que deben articularse con un objetivo en común.

 Las temáticas con las que buscan trabajar para la realización de las exposiciones se basan primordialmente en el discurso que propongan los artistas, por lo que constantemente lanzan convocatorias las cuales se pueden consultar en sus redes sociales y en su blog, que es su principal canal de comunicación.

 Finalmente, debido a que no cuentan con ningún apoyo económico institucional, la participación del artista no termina en presentar su propuesta, sino en la cooperación económica que den los artistas para solventar los gastos del montaje, el catálogo e identidad gráfica. Están abiertos a recibir patrocinios con la fiel intención de ofrecerles mejores condiciones a los expositores.

Tenemos muchos planes, este año habrán más exposiciones en diferentes recintos, esperamos que en un corto plazo nos establezcamos como empresa cultural y tengamos un espacio para trabajar y a largo plazo podamos fundarnos como una galería cuyo principal interés sea la promoción del arte y la cultura.

Sesión fotográfica para catálogo
Sesión fotográfica para catálogo
Preparación del espacio para montaje
Preparación del espacio para montaje

Entre montones de ropa y precios bajos: Las Pacas

Hay montones de ropa en todos lados. Las montañas de prendas que quizá jamás usaríamos se encuentran dispersos por toda la calle. Algunos puestos cuelgan los mejores “trapos” en largos tubos que tienen función de  clósets improvisados. Remates, gritos, gente sumergida en mares de ropa.  Así es como se vive un día en las pacas de la ciudad de México.

 Ya sea en la de Pino Suarez, en las de la Lagunilla o en cualquier otro tianguis, las pacas han sido parte de la vestimenta de miles, quizá millones, de personas que acostumbran escarbar  en lo más profundo de un gran bulto de ropa que ha adquirido un sin número de mitos: Ropa de muerto, ropa usada, ropa robada, o simplemente ropa que no se vendió y que termina tirada en un puesto de lona roja y marchantes gritando dos piezas por cinco.

 ¿Qué tiene o qué ha tenido de extraordinario esta forma de consumo del vestido? Si bien, las pacas han estado presentes durante muchos años, éstas han adquirido un mayor auge gracias a los jóvenes o personas no tan jóvenes que frecuentan el uso de una moda, una tendencia en su manera de vestir: Lo vintage.

crédito: telemundo

 Sería una generalización decir que todos los jóvenes y los no tanto, que usan ropa vintage han subido las ventas en las pacas de Pino o de la Lagu. O que todos los hipsters compran en pacas. No. Hay gente que le agrada comprar en pacas, los más aventurados, los temerarios que no hacen caso de los mitos urbanos sobre estos montones de ropa, fueron y serán los primeros sumergidos en, como ya lo he descrito, este mar de trapitos.

 Se debe  recordar que el universo de las pacas posee muy pocas prendas vintage o de aspecto viejo. Los afortunados encontrarán ropa muy barata y acorde a sus gustos. Chamarras ochenteras, camisas con estampados poco comunes, zapatos, bolsas y demás prendas que darán un estilo retro a la vida de quien lo porta, generalmente, habrán sido comprados en alguna venta de garaje o en alguna paca bajo una extenuante búsqueda y una talento innato de regatear.

 Claro, existen tiendas especializadas en ropa y accesorios súper vintage, como si el tiempo no hubiera pasado y los suéteres con chaquiras y lentejuelas que se usaba The Nanny estuvieran esperando a alguien lo suficientemente valiente para usarlo y para comprarlo. Goodbye Folk es una de estas tiendas vintage.

 Sin embargo, la diferencia con una tienda como esa y un puesto del tianguis es inmensa. No sólo por la selección de ropa y el espacio físico que representan. Sino más bien por los precios que son dos extremos diferentes: Un suéter vintage en una tienda establecida quizá valga poco menos que 600 o 700 pesos; no obstante, en el tianguis un suéter (que posiblemente tendrás que lavar tres veces) de esa misma línea, saldrá en, por mucho 100 pesos (los más talentosos podrán conseguirlo en 50 o menos) Eso sí, el precio siempre será diferente y será algo que lleve a lamentaciones o a la gloria misma del “fashionismo”.

 Sin duda, las pacas podrán ser una buena opción para los que no le temen a los mitos y leyendas que rodean a estas montañas de ropa. Buena opción para aquellos que sean pacientes para buscar buenas gangas, buenas prendas y cuidar su dinero sin perder estilo. Las pacas ofrecen tesoros vintage que debemos buscar, tal como se busca la aguja en un pajar.

crédito: chihuahuaexpres

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

OFFF MÉXICO 2014: EL VÍNCULO POST-DIGITAL EN SU TERCERA EDICIÓN

Offf México 2014 surge de la creatividad en la actual época digital , teniendo como antesala y sede la ciudad española de Barcelona. En el año 2012 se presenta en su primera edición en nuestro país, bajo el nombre de Festival Internacional de Creatividad y Cultura Digital, presentando gran aceptación y éxito. En su tercera edición en México, tendrá como días de exhibición el 28,29 y 30 de Agosto respectivamente.

ShiroSchwarz | Crédito:Página oficial Offf México.

Los lugares donde se harán las exposiciones (dependiendo de la actividad) se distribuyen de la siguiente manera:

  • Auditorio Blackberry: Será el lugar donde se presenten todas las conferencias.
  • Cocolab: En dicho lugar, se situarán parte de los talleres.
  • Centro de cultura digital: Exposición y demostración de diversos talleres.

Dicho festival mezcla tres cuestiones fundamentales que son el diseño, el arte y la tecnología y en un conjunto formarán parte de su toque y atractivo vanguardista. El entusiasmo con el que fue presentado por primera vez en el territorio nacional, causó un gran aplauso por parte de los asistentes; que admirados de la creatividad y la singularidad esperaban con ansias esta tercera edición.

Las actividades que se ofrecen son bastante interesantes, entre ellas:

  • Conferencias: Que tratarán la perspectiva de la creatividad en torno al diseño digital, además de mezclar el arte.
  • Talleres:Se mostrarán las bases sobre las cuales, se han desarrollao los ejes para vincular aportaciones creativas en el mundo digital.
  • Expo talleres: Se impartirán del 4 al 15 de agosto sin costo alguno.Cabe mencionar, que el cupo es limitado por lo que se requiere el aviso mismo. Dentro de los temas a impartir están la animación,ilustración y manejo de un software especial.
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Crédito:Página oficial Offf México.

Para poder participar en los diversos talleres que se manejarán, el registro de hará por medio de la página web del sitio oficial del festival; ya que el cupo es limitado.

En lo que respecta a ventas, se marca el apoyo hacia diversos tipos de diseñadores que no muestran dependencia alguna; por lo  cual se abarcará desde prendas de vestir hasta diferentes tipos de muebles.

El precio de los boletos es de $400 a $500 respectivamente para la asistencia a las conferencias.

Sin duda conceptos como innovación, creatividad y aldea digital; harán su gran aparición en esta tercera edición para fomentar el gran potencial del talento nacional.

Layout: Rediseño de logotipo del ITESM

Antes y después
Antes y después

Gran alboroto causó el nuevo “logo” del Tec de Monterrey en redes sociales, pero ¿existe una buena razón para tal comidilla? El pasado 11 de Agosto la institución anunció a través de la cuenta oficial de Twitter: ¡Nos transformamos para un mundo mejor! #SoyTec #EnciendeElCambio Con esta nueva imagen los memes (imágenes reproducidas en Internet y de gran propagación aludiendo o evocando una idea de tipo humorístico) no se hicieron esperar y mostraron con gran imaginación lo que para ellos evoca la nueva antorcha del escudo del Tecnológico. Memes Tec de Monterrey

 El tema llegó a tal punto que los comentarios en Internet señalaron que la nueva imagen del Tec es similar a la de otras instituciones educativas como la Universidad de Jyvaskyla, Finlandia, o la imagen que poseía la Institución Universitaria Salazar y Herrera de Colombia. Logo-IUSH-JY ¿Por qué transformar su identidad institucional de esa manera? ¿Por qué centrar su atención en la antorcha? ¿Hubo un estudio gráfico para llegar a este nivel de síntesis? ¿Fue su mejor propuesta? ¿Qué tan original es? ¿Cuánto habrán pagado por esta nueva identidad? ¿Por qué crear un logotipo de “uso cotidiano”? ¿La nueva estrategia de identidad incluían una estrategia mediática? En el diseño gráfico existen 5 rasgos a considerar para la elaboración de un logotipo que propicie gran impacto y armonía visual:

  1. Legiblilidad – que su lectura sea visible hasta en el tamaño más pequeño.
  2. Escalable – que sus características morfológicas funcionen a cualquier tamaño requerido.
  3. Reproducible – que su reproducción sea posible sin restricciones materiales.
  4. Distinguible – que no sea perceptible tanto en positivo como en negativo.
  5. Memorable – que impacte y no se olvide.

Por otro lado, Mecate Diseño publicó en mayo pasado en su blog 11 Pasos para el logo perfecto de acuerdo a Borja Acosta de Vizcaino en compañía de Álvaro Abrante, diseñadores españoles quienes lo compartieron con sus lectores:

  1. Funciona verticalmente
  2. Funciona sin una caja alrededor
  3. Se puede bocetar fácilmente
  4. ¿Menos de dos fuentes?
  5. Abstracto antes que literal
  6. La marca es la suma de todo, el logo no
  7. El logo es una sugerencias, una impresión, una pista
  8. La función del logo es dar una cara legible y reconocible a tu marca
  9. No preguntes verde o azul, pregunta técnico o moderno
  10. Define la marca, luego ejecútala
  11. Asúmelo, alguien estará descontento con tu marca

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 De acuerdo a los 11 Pasos… la nueva imagen del Tecnológico del Monterrey parece que no tiene problemas y cumple con los aspectos formales de diseño propuestos, hasta pareciera que fue afortunado el cambio ya que si sometemos el logotipo anterior a los 11 Pasos… no tendría el mismo resultado. Sin embargo, si la funcionalidad de un logotipo radica en su capacidad para comunicar una idea deseada o ideal, la configuración y conformación de los aspectos a transmitir se interpretaron de maneras no esperada por la institución, especialmente la síntesis de la forma dejó mucho que desear por su similitud a formas cotidianas y populares que no tienen que ver con el discurso oficial de la Institución.

 El asunto se hace más complejo cuando la nueva imagen se presta a críticas relacionadas a plagio, ya que se estarían involucrando temas vinculados a la originalidad, propiedad intelectual y reputación de autor, dando pie a futuras notas. Finalmente la construcción de un logotipo es la suma de significados denotativos (lo que se puede observar en una primera impresión) y connotativos (con lo que se pueden relacionar). Éstos permiten su lectura a través de la configuración de formas adecuadas en una composición armónica pero que es vulnerable a distintas lecturas, así pues, hay que hacer énfasis en el estudio de la connotación por la cual se puede ver afectada la propuesta de identidad.

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo

Robin williams 3 Robin Williams: Un tributo ilustradoJean Jullien

La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.

 En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.

 La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.

robin1 Robin Williams: Un tributo ilustradoPrasad Bhat

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robin williams1 660x394 Robin Williams: Un tributo ilustradoChris (Simpsons Artist)

Robin Williams 2 Robin Williams: Un tributo ilustradoNaolito

robin11 Robin Williams: Un tributo ilustradoJulia Sonmi

robin3 Robin Williams: Un tributo ilustradoAlexandre Godreau

robin2 Robin Williams: Un tributo ilustrado

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Retrospección histórica: Frida Kahlo

 Me gusta pensar que la historia, más que acontecimientos pasados, está hecha de la memoria de todos. Susan Sontag escribía que la memoria no podía ser colectiva por el simple hecho de que ésta era, por naturaleza, individual. Pienso, que la memoria como historia siempre será colectiva, siempre y cuando, el colectivo sea mutuo, y que su raíz principal es la individualidad del sujeto.

Hoy daremos una mirada hacFrida besando la mano de Diegoia esta memoria colectiva que poseemos todos. Se trata de las pinturas de Frida Kahlo, quizá uno de los iconos más representativos de la cultura popular mexicana.

 Aunque muchas veces no tan apreciada y tan aclamada como pensamos, algunos tachándola de un icono sobrevalorado y otros manifestando que ella no puede ser la representación de México.

 Sin duda, sea cual sean los pensamientos hacia ésta pintora, sus cuadros, vestidos e ideologías se encuentran hoy presentes.

 Catalogada como una artista surrealista, Frida Kahlo nunca se consideró a sí misma como una. Cabe destacar acerca de sus pinturas lo que decía: “Nunca pinto sueños ni  pesadillas, pinto mi propia realidad.” Realidad que se vuelve tangible con sus cuadros y diario personal. ¿Qué otra cosa novedosa podremos escribir de Frida K.  si existe mucho material de ella? ¿Cómo podemos dar una nueva perspectiva hacia las pinturas, como el estilo de la artista? ¿Apreciando su trabajo? ¿Asistiendo a sus exposiciones? ¿Cómo?

Frida Kahlo para revista Vogue. Crédito. vogue.mx

 Si bien existen un sinnúmero de artículos, libros y películas, documentales y más material de esta autora, Frida sigue siendo parte de una colectividad que arraiga no sólo una corriente artística, sino ahora de moda con la exposición “Las Apariencias Engañan” donde muestran objetos personales, como los múltiples vestidos que acompañaron una vida llena de soledad y dolor, y que, además, vistieron esos cuadros que son referente artístico nacional.

 Ahora, no sólo se trata de lo que usaba, sino el porqué lo usaba. Es esta búsqueda de identidad indígena lo que hizo que Frida se destacara de otras mujeres, mismas que compartían  un estilo de vestir diferente, más afrancesado, más estadounidense, más extranjero.

 Estos vestidos que adornan sus retratos no eran los únicos. ¿Qué pasa con el vestido de terciopelo? ¿O el vestido rosa del autorretraro en la frontera? O ¿El vestido de tehuana en el cuadro: “Mi vestido cuelga aquí”? Entre otros más, claro. Sin duda, Frida no sólo pintaba el sufrimiento y la realidad en la que se desenvolvía, sino escribía con la pintura.

 Escribía historias, pensamientos e ideologías. Basta con dar un vistazo a “Moisés o Núcleo Solar” o  “El Camión” no sin antes mencionar “El marxismo dará salud a los enfermos” donde está presente el uso de metáforas, y demás recursos literarios que se vuelven también visuales.

Frida en la casa azul.  Esta fusión entre arte y moda sería uno de los muchos ejemplos de los que me imaginaba cuando escribí Moda y Arte, una introducción.

 El arte y la moda siempre tendrán en común la apreciación subjetiva del lector. Un vestido, con sus colores y bordados, contiene signos que ayudarán a darle identidad a un grupo de indígenas, o a una pintora. Cualquier cosa que usemos tiene un significado. Cualquier obra de arte, tendrá un significado. Todos, o la mayoría de ellos, variables, únicos, o individuales. Así como la memoria, que es colectiva pero también individual.

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Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Sobre moda y arte, una introducción

Moda.  Una palabra que ha causado un sinnúmero de reacciones. Algunas buenas, algunas malas. Que si es discriminatoria, que si no lo es. Que si la moda es para unos pocos… que es exclusiva. Anna Wintour, editora en jefe de la revista VOGUE decía que la moda puede causar nervios y miedo a la gente. ¿Por qué será? ¿Por la revista que ella dirige donde muestra ciertos cánones de belleza? ¿Por los medios de comunicación? ¿Por qué temerle a la moda?

Anna Wintour respecto a la moda en su documental: The September Issue. crédito: tumblr.com

 Antes de hablar de esta palabra tendremos que definir qué es moda, que viene del francés mode. Según la RAE,  una fuente primaria de consulta de datos, se define a la moda como el “uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.”

 Si bien, la costumbre de usar ciertas prendas, ciertos estilos de pelo, e incluso ciertas maneras de caminar o actuar con base al atuendo que uno posee,  el término, por más que te de cierta seguridad para decir que estás en boga, no siempre se puede considerar como un proceso textil y social.

 En una entrevista a Emmanuele M.M. De Román, Directora de IES Moda, Casa de Francia, cuando se realizó el primer desfile de moda más grande del mundo en México, comentaba que la moda era algo que todos usábamos y que todos somos parte de ella. En una definición más específica, se puede mencionar que es el hecho de estilarse, es decir, ponerle un toque personal a las prendas, por lo que todos, sin excepción están dentro de este sistema.

 Sin embargo, si nos quedamos  con un concepto de que la moda es sólo prendas y estilos personales de cómo vestir un pantalón o una chamarra, se caerá en el miedo y el nerviosismo que Anna Wintour mencionaba antes. No por una cierta conspiración, sino porque todos están preocupados en ser aceptados, a pesar de que todos estemos dentro de un espacio discursivo.  La moda, como bien dice, es una costumbre. La moda, puede ser, entonces, no sólo hacía la ropa, sino conductas sociales o  formas de expresión (como el arte, la danza etc.)

 Debo hacer un paréntesis en este punto. Cuando me invitaron a colaborar en este espacio, me pidieron hablar sobre moda. ¿Moda en qué? Pregunté. ¿Moda en ropa? ¿Moda en el arte? ¿En la danza? Yo quisiera abrir el concepto de lo que es moda. Porque también la moda es el uso masivo de ciertas ideas. Basta con recordar las clases de estadística para entender que la moda eran  los números con mayor frecuencia en los cálculos.

 Así que  esta palabra no sólo debería hablar de ropa y su parte artística como podríamos pensar comúnmente que es de lo que se trata este tema. Si tan sólo pudiéramos abrir un poco más el significado, y pudiéramos vislumbrar  otro tipo de miradas hacia lo que es “la moda” podríamos, entonces, descubrir que puede ir en algún estilo fotográfico, algunas formas de creación artística, porque como bien decía YSL: ” La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella, hay que ser un artista.”. Que el Mainstream es moda, como la moda es Mainstream.

 Así que dentro de estas colaboraciones, no sólo se hablará de ropa, estilos de vestir,  sino de las visiones sobre el arte, fotografía  y otros productos  que puedan caber dentro de un concepto más amplio de lo que es la moda.

Yves Saint Laurent inspirado en la obra de Mondrian. Crédito: Ottodisanpietro.

 Y parte importante es la raíz y principio de todo. El diseñador o el que crea. Parte de todo lo que es creado y material ha estado en cabeza de alguien, los productos finales y la reacción de la gente ya es la parte secundaria, lo que llamaríamos moda o arte. Así, entonces, podemos ver que son simples traducciones y que tienen mucho en común, tanto, que se pueden hacer fusiones interesantes.

 Tal vez, con este análisis  podríamos dejarle de temer a la palabra o mínimo dejar los nervios de lado, así de podrá incursionar hacia algo más sencillo de explicar, y que ojo, no trata de encasillar y decir: Todas las obras de arte son moda. No, el objetivo no es ese. El objetivo es encontrar en las formaciones discursivas de la moda, los toques de arte, lo estético o no, de la obra, etc.  Abrir significados permitirá voltear a ver más cosas y no sólo enfocarse en una sola. Todos somos moda porque consumimos y elegimos discursos, todos tenemos eso en común.

Rey Kalavera: De cuando el erotismo se mezcla con lo macabro

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Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.

 La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.

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 RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque menciona “le gustan las chicas con rasgos latinos”.

 Es pasante de la carrera de sociología y lleva  seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.

 Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.

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 Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.

 El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.

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Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

El almacén de la imagen: El cuerpo en la fotografía

 El miércoles pasado se inauguró la exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, en la que se reúne la obra de varios fotógrafos que realizaron su trabajo en torno a un tema: el cuerpo.

 La exposición se alberga en Patricia Conde Galería, que se encuentra en la calle Lafontaine #73 en Polanco.  No es difícil poder encontrar el lugar, pues uno puede entrar por Presidente Masaryk, la avenida más famosa de Polanco, además de que la galería se muy visible gracias a la fachada hecha de cristales.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 Patricia Conde Galería se abrió en 2009 y surgió en una necesidad de crear un espacio especializado en fotografía contemporánea. Se trata de un lugar que abre sus puertas a proyectos sólidos e innovadores de artistas mexicanos y extranjeros con amplia y mediana trayectoria, así como también a aquellos fotógrafos emergentes. Es decir, la galería pretende ser lo más incluyente posible en el escenario de la creación fotográfica. En este sentido, el proyecto de Patricia Conde, quien funda y dirige este espacio cultural es sustancial, sobre todo por la difusión que hace de la creación artística en torno a la fotografía en nuestro país.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 La galería es pequeña, pero no por eso los espacios dentro de ella son reducidos. La exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, que se exhibe en este momento, fue curada por el crítico en fotografía e historiador del arte José Antonio Rodríguez, quien además es editor de la revista Alquimia y colaborador en el blog del Centro de la Imagen.

 La idea de esta exposición era mostrar el cuerpo como representación de la historia no tanto colectiva sino individual. Revisiones IV pretende reconstruir la idea tan tradicional del cuerpo comúnmente sensual y erotizado. Las palabras de historiador salen a la luz cuando José Antonio Rodríguez afirma que esta exposición es la exhibición de una microhistoria sobre el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea. El cuerpo como narrativa visual, como lienzo individual que se transforma conforme pasa el tiempo, de ahí la idea de que el cuerpo es historia en tanto receptor de memorias.

Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.
Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.

 El trabajo en torno al cuerpo reúne a doce fotógrafos con diversas propuestas. Pía Elizondo y Patricia Lagarde presentan Diario 2003- 2005, Ángela Arziniaga muestra “El génesis y las nuevas ideas. También expone Bela Limenes, Cannon Bernáldez, Rafael Galván, Kenia Nares, Humberto Ríos, Arturo Fuentes, Rodrigo Mawaad, Daniela Matute  con Oda a mi madre y Saraí Ojeda con su serie Frágil. El catálogo digital de la exposición puede ser consultado en: http://issuu.com/pcgaleria/docs/cat_rev_iv_v1.4_copia

Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.
Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.

 Sin embargo vale mucho la pena poder asistir a la galería a ver la exposición, pues se puede apreciar mejor las fotografías, sobre todo por el tamaño de cada una de estas, la iluminación, la colocación y el acomodo que se ha hecho de cada una de las piezas.

Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.
Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.

Just 4 Fun: Más que piel y panties

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Alina para just4fun Foto: Angel Angón

 Hace cinco meses surgió Just 4 Fun, un proyecto fotográfico, que si tuviera soundtrack sería con bandas de punk rock. Un blog con imágenes que el lente de la cámara de alguien, con una mente talentosa captó.

 Un club de fotógrafos provenientes de Guadalajara, Michoacán y el Distrito Federal, entre otras localidades, integran el “crew” de Just 4 Fun, con series que incitan a la sensualidad, al usar como principal musa la figura femenina. A veces con ropa y otras no.

 Angel Angón y Armando Huertas, un par de tapatios que comparten el gusto por la estética visual, visitaron la capital para conocer a Alan Isol, parte fundamental del equipo, y realizar colaboraciones con marcas de ropa de ropa para chicas como RIP Rosa Pistola y SKVM. 

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 Ellos, además de Jaime Tena, Luis Ramone y el venezolano Rafael Mesa componen los arpegios, de una canción que suena a Descendents. Senos, nalgas y piel componen las estacadas que sueltan estos fotógrafos en sus disparos.

 No es complicado entender su trabajo pues como el nombre sugiere el objetivo es pasarla bien o como menciona Alan Isol “es para conseguir una novia modelo”, comenta entre risas.

 La literatura es un elemento clave en la relación interpersonal de quienes integran el blog de chicas semi encueradas. Entre los autores que comparten se encuentra Allen Ginsberg, Neal Cassady y Jack Kerouac.

 La influencia es notable al hacer del alcohol y la fiesta un estilo de vida y supervivencia.

 Para ver más de su trabajo puedes seguirlos en Tumblr o en el sitio Harddayco.

 Pero ya hablé mucho de estos muchachos, mejor les dejo una muestra de lo que se puede crear aún sin tener sueldo, ni tener alguna otra pretensión que no sea una vida despreocupada, pero nunca ociosa.