Layout: Taverna Libraria, encuadernación en miniatura

La relación entre el diseño y la encuadernación es muy estrecha, por ejemplo, al considerarse la elaboración artística de un libro; el aspecto exterior de algo siempre genera una impresión, si es de un objeto de diseño debe considerarse como consecuencia de un estudio previo que cubre algunos de los aspectos importantes de cualquier proyecto.

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 El aspecto exterior de un libro es resultado del trabajo de las personas que constantemente practican la encuadernación y adquieren una habilidad educada y delicada para manipular los materiales relacionados con esta técnica.

 Diana Vázquez es una diseñadora gráfica que ha ido más allá de aprender a encuadernar para experimentar esta técnica en miniatura. Después de aprender y trabajar varios tipos de encuadernaciones, con formatos y tamaños distintos, ha encontrado en las miniaturas una satisfacción muy grande para producir un sello particular que distingue a su obra en comparación con otras.

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Las miniaturas siempre me han llamado la atención, me encanta ver como se logran plasmar tantos detalles en objetos pequeños… hasta ahora lo más pequeño que he hecho es como de 1 x 1.5 cm. como era tan pequeño se me ocurrió ponerlo en un arete para que no se me perdiera.

 Su inquietud empezó en casa, al observar y disfrutar el trabajo que su padre habría realizado tiempo atrás en los talleres cuando estudiaba la educación básica. Ante la nula posibilidad de estudiar encuadernación como taller optativo en la secundaria, el destino de Diana decidió que esa oportunidad llegaría tiempo después, ya como diseñadora profesional y capacitándose en cursos que impartían sus maestros de encuadernación.

…la inquietud me surgió un día de pequeña al encontrar en casa algunos libros que encuadernó mi papá cuando cursó el taller de encuadernación en la secundaria. Me pareció una cosa fascinante…

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 Su propuesta de encuadernado consta de diferentes modelos pero en estructura es similar, el trabajo es igual o más difícil que el de una encuadernación de tamaño convencional; su habilidad y delicadeza para compaginar, cortar folios, armar cuadernillos, coser, colocar cabezadas, armar carteras, y demás pasos que conforman la encuadernación son de un detalle delicado para rematar con los broqueles en el caso de los aretes, y que pueden ser de distintos materiales pero con forma similar, como de gancho.

Los primeros libritos que hice fueron con hojas en blanco, pero me gustó la idea de darles más realismo y me di a la tarea de formar paginas con texto simulado y algunas imágenes, quizá esa haya sido la parte más laboriosa. Disfruto todo el proceso porque tiene su encanto hacerlo en pequeño…

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 Lo más difícil para ella es darse a conocer porque su trabajo entre semana en un despacho de museografía absorbe gran parte de su tiempo, sin embargo, ha decidido seguir con lo que le apasiona y buscar nuevos clientes, clientes que valoran el trabajo, esfuerzo y cariño que pone por ejemplo en cada par de aretes. Diana esta abierta a trabajar con las ideas de la gente que busque en su obra plasmar ese afecto por los libros, por eso es solo cuestión de contactarla para platicar y hacer un pedido.

A corto plazo mi idea es incorporar más estilos de encuadernación, también otras presentaciones distintas de los aretes y quizá armar una página para vender en línea.

Taverna Libraria

 

 

 

 

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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Hikaru Cho: Body painting bajo el realismo social


El mundo pasa por una violación hacia la integridad humana, ya sea desde sucesos tempranos hasta los que han relatado poco a poco una serie de pretensiones malintencionadas. En el arte se ha constituido una protesta inminente hacia lo que dañe o ultraje la estabilidad social. No es casual: Siglo XXI, época de los desaventurados y desamparados emocionalmente, daño hacia sí mismo y a los demás, deducción o no, la capacidad por difuminar ese sentimiento de nostalgia hacia los buenos tiempos, ha cautivado a miles de artistas en todo el globo terráqueo. Asia, continente enigmático y sutil, clarifica el sopor de la vida y la necesidad por poner un brillo hacia la mirada perdida. Joven, originaria de Tokyo, Hikaru Cho expresa su sentir ante la expresión del realismo, que detona un variado número de pormenores.

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 Hace aproximadamente dos años, la joven japonesa se integró a la campaña global de Amnistía Internacional sobre derechos sexuales y reproductivos, opinión que le permitió constituir un gran esfuerzo a su labor concerniente. En ese sentido, toma como eje central el declive hacia el respeto como tal de los derechos humanos en general, un sentir que le motiva a sincronizar el cuerpo humano como directriz para empezar la obra. La atención la amerita la masa corporal, el body painting es la técnica que demuestra una forma de compenetrar la manifestación ante la mezquindad de caos de este tiempo. Mujeres y hombres, víctimas de la opresión y del delinque perpetuo son las bases para que la inspiración llegase a Cho de una manera tan controversial y sorprendente. La vacilación aparece cuando se relaciona un rostro con grietas, y no se sabe a ciencia cierta si se está viendo una fotografía o es una sensación extraña entre la angustia y la tranquilidad del modelo en cuestión. La incredulidad juega un papel vital en la creación de la tokiota, sin embargo, precisamente ese aspecto delimita que tan reflexivo pueda ser el contraste de aseveración.

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My Body My Rights (MBMR)

 No solamente se manifestó sobre la importancia de concientizar a la humanidad ante los derechos humanos; su crítica muestra también el declive hacia el que se halla el humano por falta de su propia sintonía. De una u otra forma, la convención entre alcance y limitación va desde el prejuicio hacia la conservación del cuerpo como algo perfecto hasta la muerte en vida. Los objetos pueden ser cierres, frutas, partes de la taxonomía humana… todo tipo de detalles encarnan en la pintura con acrílico que realiza. Con apenas 21 años, logra la pulcritud de algo novedoso, destaca por su arte y también por su pensamiento que conlleva a la autodeterminación e introspección. Indudablemente el reconocimiento llega, y ha compenetrado en marcas de renombre en Japón, así como la realización de diversas colaboraciones con revistas asiáticas y hasta el diseño de formas de maquillaje para modelos en especial. La trascendencia ha sido de gran relevancia para la mujer audaz que contempla la esfera social desde la transformación; primero desde la limitante hasta la construcción de otros paradigmas.

 Sujetos a cuestionamientos y a múltiples aseveraciones día a día, los seres humanos somos la mezcla perfecta entre el deber y el hacer, y en ese tránsito, la variedad de detalles conciernen en un sentido diferente. La función cotidiana varía dependiendo del compromiso y proyecto ante el cual se pertenezca, sin embargo, la similitud entre todos radica en los modos de plasmar a la vida; ya sea desde un aspecto tan trivial como benevolente. El sentimiento de Hikaru Cho se transforma en el reclamo hacia la iniquidad misma del humano, ya sea presentada a su cuerpo, su sentir o a sus semejantes; la necesidad por ser libres, alberga la gran esperanza de la artista japonesa.

Crédito: Fotografías de la página oficial de : HIKARU CHO

Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Tadanori Yokoo: Ilustración japonesa

Gracias a la tecnología y a toda esa parafernalia moderna a la que muchos, sino es que todos, tenemos acceso, se pueden consultar un sinfín de artistas, ilustraciones, fotografías, música, ropa, imágenes, escritos… conocimiento.

 Es grato encontrar en la página oficial del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) infinidad de opciones para consultar, percibir y consumir. Esta nueva brecha tecnológica hace que la información y el conocimiento estén a dos o tres clicks de distancia. Quizá haya factores que no permitan a un lector consumir arte por medio de la web, pero debemos darnos cuenta que este medio está presente; y si lo comparamos con el consumo de arte de 1960 es cosa de locos pensar que en tu casa puedes ver y conocer las principales tendencias artísticas de la época.

crédito: MoMA & Tadanori Yokoo
Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

 Justamente en este espacio web, encontré a un ilustrador que tuvo su máxima expresión en las décadas de los 60 y 70. Se trata de Tadanori Yokoo, de origen japonés, que manifestó en sus ilustraciones la ideología de los años vividos, dibujos atemporales que sobreponen alguna “normatividad” estética, sus collages, su dominio del pincel permitió a Yokoo ser uno de los ilustradores más importantes de su época.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Sin duda el uso del cartel como propaganda fue parteaguas para que este artista pudiera materializar sus ideas y conceptos  en papel. La inspiración se da de los carteles propagandísticos de la guerra. Si bien dicha inspiración no es tan explícita, el cartel fue parte fundamental de la ideologización de los ciudadanos a lo largo de la segunda guerra mundial.

El MoMA rescata alguna de sus ilustraciones y en ellas se puede observar un halo de protesta, rebeldía y sobretodo una interpretación de la realidad bastante descabellada. Pero, ¿descabellada para quién? ¿para mí? Quizá lo sea gracias a al rompimiento estético de las normas “occidentales” de belleza, algo no necesariamente debe ser bello o feo para ser interesante y, sin alguna duda, el trabajo de Tadanori Yokoo es interesante. Los juicios que yo podría otorgar a su trabajo serán congruentes o no a las diferentes posturas que los lectores perciban en su obra. Lo importante es cómo y con qué contexto lo percibe quien lee ahora estas líneas.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Es importante a su vez considerar estos nuevos espacios digitales para consumir arte, ya sea una galería en internet o las pequeñas exhibiciones que podrían curarse en la web de los museos más importantes del mundo, esta nueva oportunidad que nos brinda “la era moderna” no debe dejarse pasar desapercibida.

 Yokoo es un ilustrador japonés que emigró a Japón en los 60 para iniciar su carrera de diseñador. Él fue uno de los responsables de crear las famosas ilustraciones de obras de teatro presentadas en aquél país. Los dibujos de Tadanori exponen la vida diaria de los japoneses y en su técnica se ha usado la fotografía para crear collages con toque tradicionalista. A su vez, su trabajo intervino en varias revistas en 1970 y 1980 con pósters con gran carga psicodélica y vanguardista. Su trabajo se ha visto en la obra de Yukio Mishima, en producciones de las óperas de Richard Wagner y como portada del disco “Amigos” del guitarrista Santana.

Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Desnudo del ser y del alma: Francesca Woodman


Mezcla de seriedad, penumbra que dialoga entre el matiz blanco y grisáceo, contornos de un cuerpo desolado con la perdida de fuerza en su estado físico, caras con el apetito vacío; entes que se deletrean en cada toma, parpadeo de luz que sólo alcanza delimitar el contenido, escenarios ofuscados. La cámara de Francesca Woodman, sabía bien que el individuo se encuentra condenado bajo sus propios titubeos y angustias, él es su único enemigo en la tierra. Temores que desembocan en un auxilio en tinieblas, en un mundo del blanco y negro.

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 Woodman (1958-1981), mujer norteamericana que se enfrentó a la rigidez de los críticos de arte. Llena de una chispa caótica y un trabajo diferente, la llevó a ser víctima por un lapso de tiempo de la depresión, que la sumergió en la angustia y en la reflexión misma, paradójicamente. Cuerpo, mente y alma encajaban como el artefacto idóneo de escena, la mujer formaba parte del icono protagonista de la toma. Los tres elementos son parte del desenvolvimiento en cada ruta trazada, sin embargo, también pueden representar el infierno, ya que atraen emociones de ansiedad; mismas que se vuelven los compañeros de los miedos del ser humano. ¿Por qué retratar el cuerpo? ¿Por qué una mujer? La fémina se acompleja más rápido, pierde su sintonía cuando empieza a involucrarse con un sentido de fatiga ante su ser y su pensar como parte social.

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 1979 fue el año en que las ilusiones por salir del contexto se hacían más prominentes. Esperanzas que terminaron en un tumulto desolador, ya que el rechazo se hizo presente en la gran comarca del arte: Nueva York. Todo se nubló para la fotógrafa y el descontento perforó aún más su estado anímico. Lugares fríos, melancólicos y espectrales como traídos de ultratumba, pertenecían al portafolio de la norteamericana que pasó un tiempo en Europa, siendo la sede principal Roma. Roma cubierta de arte y de membrete de propaganda, también desconoció el trabajo fotográfico de Woodman. Parecía que el desnudo no formaba parte del acierto del público, mucho menos con la composición a la que ataba su obra; era la misma desnudez del alma y del cuerpo, se unían para delimitar el miedo y la frustración hacia la esencia misma. Y como el hombre siempre ha sido partícipe de la mentira y el engaño, en cuanto se trata de un aspecto que se sume a la sinceridad a la vida, se indigna, huye y discrimina; tal fue el caso de esta artista.

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 Colorado, su lugar natal, quedó retirado de su lente, para poder alcanzar una serie de experiencias que harían de la mujer, su admiración más grande. Su trabajo es muestra de la belleza y demagogia encerrada en el sexo femenino. Lejos de encontrarse a sí misma, la mujer es la presa más fácil de actos superfluos, que la reivindican como un objeto. Francesca iría más allá de eso; el desnudo como vía para descubrir la gran aflicción del “sexo débil” –a mención de lo que se ha tratado de hacer ver a la mujer–.

 Vuelta a un cuerpo para retratar de varias maneras la vaciedad de los pensamientos que al considerarlos insensatos, se sumergen en el viento del olvido. Entes que dominan la mente y que no permiten el libre tránsito del juicio. Escondes y tratas de aparentar, hay que desnudarse para descubrir de que estamos hechos –tanto de materia como de sentimientos–. El espectro es el pánico, horror para encontrar lo que tanto se niega y el segundo es el dolor, éste es el gran abismo.

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 “Esta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo.Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraño efecto en mi vida… La fotografía es también una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a través de mi mente.”
– Francesca Woodman.

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 Uno de sus primeros trabajos, fue “Autorretrato con trece” (1972). Oculta su cara, mientras que sus misterios y realidades de la vida le acompañaban para reflejar al humano bajo sus sentidos más nauseabundos. Ese pavor hacia la franqueza, sólo desemboca en el acto de traicionar el “ser” del mismo hombre. Un trabajo sensato desde el principio. Mundo de cobardía que Francesca delineó perfectamente desde que inició sus estudios en Rhode Island School of Design. En poco tiempo, logró recorrer la yuxtaposición entre cuerpo y alma a través de fotografías que mostraban la necesidad por descubrir que había más allá de lo tangible que tanto persigue el hombre.

 El cuerpo femenino fue su estandarte para poder dar cuenta de la opresión que radica entre lo que no acepta la sociedad; núcleo que se llena de aspectos de doble moral que singularizan la memoria fotográfica de Francesca Woodman. En vida no pudo ser partícipe del reconocimiento hacia lo que sembró, sin embargo, después de un suicidio que ganó la vida de la gran artista; su legado se observó desde otra perspectiva y cinco años después, en el Wellesley College Museum se presentó parte de su obra. Woodman es otro claro ejemplo de que muchos artistas no son ni siquiera nombrados cuando poseen vida, sino hasta que se reflexiona que la muerte fue el único escape que les quedaba para salir de una prisión tan hostil.

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Yo sólo sé que no sé nada, otra vez

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Cada vez sabemos menos. Cada vez  lo que sabemos se convierte en poca cosa frente al  juicio de los demás. Ya sea que se hable de moda, de fotografía, de arte, de amor, de cine o de cualquier otra cosa abstracta que tenga que ver algo material. Es decir, el pensamiento genera más conocimiento a partir de lo ya sabido, pero también crea lagunas de desconocimiento y en este re-conocimiento se proyectan en las formas materiales de los conceptos abstractos; por ejemplo, una fotografía y el sentido que tenga ésta. Un desfile de modas y su repercusión social fuera de las carpas temporales, etc.

Y gracias a esta materialización de lo abstracto, quizá nuestra cabeza se haga enorme de ego para aplicar genuinamente las deducciones, las subjetividades (como esta entrada y como las anteriores porque, en efecto, la subjetividad es individual y los textos por más acercados sean a lo objetivo no pueden serlo porque es una interpretación. ¿Qué es ser objetivo en esta era de conceptos y demás aspectos abstractos?) y el posicionamiento hacía ser superior a alguien, simplemente por saber más que el otro.

¿Qué es lo que nos convierte en devoradores  físicos del conocimiento y monstruos juzgadores de las personas que no saben?  Pareciera que el mismo conocimiento nos deja ciegos y no nos permite siquiera compartir la información obtenida.

El conocimiento o el saber hacen que sepamos menos y actuemos más como animales. ¿Será que la consciencia y la sabiduría nos lleve a un estado más arcaico del “ser” donde el yo y súper yo entran más en conflicto con el tú y el súper tú?

Quizá, y sólo quizá estas preguntas cuasi filosóficas sean respondidas con interminables charlas existencialistas que poco o mucho resolverán las ideas que acabo de preguntarme. Pero vaya, ¿acaso de esto no se trata la búsqueda del conocimiento? ¿Acaso entre el más se nos dará el menos? ¿Cómo es que Sócrates pudo saber que no sabía nada?

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En alguna conferencia de Julieta Fierro, la astrónoma precisó la experiencia de Galileo con la sabiduría y los dogmas sociales. En esta plática recalcó que se ha pensado que entre más enredado sea el concepto o más abstracto se conciba, será mucho más puro el conocimiento de aquél acontecer. Cosa que es completamente errónea (y vuelvo a lo mismo ¿Quién sabe realmente que lo que digo es erróneo? ) y retomando la experiencia de Galileo dijo: Galileo optó por recaudar lo que ya se sabía para poder descubrir nuevo conocimiento.

Así pues, el saber  no te hace mejor persona sólo por saberlo sino que se debe saber para qué o en qué se podrá usar ese conocimiento obtenido. ¿Para enseñar y que la ignorancia sea erradicada?  Si incluso se juzga de pretencioso a los que dicen que enseñan. El mundo y la sabiduría es una contradicción absoluta.

Hay muchos que piensan que saben más y por lo tanto piensan que es mejor que no sepamos nada, pues al saber se hará un ejercicio de iguales y las superioridades serán exterminadas, lo cual, en los juegos de poder, no serían convenientes.

Quizá la ignorancia no acabe nunca porque nunca nadie sabrá el todo.  Y es esta ignorancia la que ocasiona guerras discusiones y pleitos cotidianos, es la que baja autoestimas, que degenera el sentido del saber, que paraliza. La ignorancia es el síntoma de la arrogancia y la pretensión pero también la ignorancia es lo cósmico de la sabiduría y la encarnación de la humildad.

Ilustraciones: Pedro Sosa.

Layout: Gloomyland, la sonrisa de un recuerdo de infancia

Gloomyland

Se acerca vertiginosamente la Navidad y es inevitable pensar en el árbol adornado con luces, esferas, listones y todo tipo de figuritas eclécticas; en los regalos y los alimentos que se comparten en familia, los cuales pueden volverse memorables por ser horrendos o placenteros, o tal vez en los niños que están a nuestro alrededor y que nos hacen recordar al niño que fuimos, lleno de expectativas por los obsequios que recibiríamos. Este mismo efecto de añoranza es el que se vive con Gloomyland.

Gloomyland nace de la mente de Tania, quien se niega a dejar morir su niña interior y la nutre a diario creando personajes que alegren a la gente y sobre todo que les recuerde su niñez o a sus mejores amigos…

Cerdito by Gloomyland

 Un ejercito de pequeñas figuritas desplegadas en una mesa de bazar sorprende con sus caritas tiernas, ojitos de un color sólido y brillante, estambres en una gama clara si se trata de animalitos o de un verde muy brillante si son cactus que están sembrados en una diminuta maceta de plástico.

Es un mundo donde todo puede hacerse de estambre, con el objetivo de hacerte sonreír y recordar tu niñez…

 Por más de dos años Tania Labastida Mendoza ha creado estas figuritas que teje de manera artesanal y aunque el tiempo y las circunstancias le han permitido desarrollarse profesionalmente como marca independiente obteniendo un ingreso, también ha trabajado muy duro para llegar a donde está.

Colección de perritos by Gloomyland

 Tania estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño, lo que anteriormente se conocía como Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM; incursionó en la fotografía, serigrafía, huecograbado y litografía pero su afición por todo lo relacionado con el art toy la llevó a experimentar con el crochet, técnica de tejido que aprendió de su abuelita, gracias a lo cual, y yendo más allá de lo convencional, es que comenzó a crear los personajes de Gloomyland.

Admiro a Twinkie Chan y a muchos ilustradores, creo que en el fondo soy una ilustradora de closet o me gustaría serlo; ahorita mis favoritos son Cars & Telephones…

 Su proceso creativo surge a partir de una idea, la cual visualiza con los colores, la plasma en papel para después pensar en los materiales que va ha necesitar. La parte más divertida comenta, es llevar a cabo el prototipo, ya que experimenta con las puntadas que utilizará al tejer, las cuales usará para cubrir la estructura previamente planeada.

Cactus by Gloomyland

Nunca, al menos que yo recuerde queda a la primera, así que a destejer y tejer hasta que vaya agarrando la forma que quiero y después a anotarlo para tener el patrón y que las piezas subsecuentes sean lo más parecidas ya que al ser hechas a mano siempre quedan diferentes…

 Tania encontró en los bazares de diseño y arte una plataforma para darse a conocer, ha participado en bastantes donde ha vendido muchos personajes de Gloomyland; sin embargo, nota que lamentablemente no todos los expositores promueven productos originales, ni siquiera productos hechos en México, sino importados de China, lo cual deja mucho que desear de los organizadores que están detrás de los bazares donde participan.

Unicornio by Gloomyland

 Glomyland de Tania Labastida estará presente en Liebre Libre Bazar los días 19, 20 y 21 de diciembre, ubicado en Bolívar No. 8,  a unos metros de la estación Allende de la línea 2 del metro (color azul), en el Centro Histórico de la Ciudad de México, si tienes vacaciones o no piensas salir de la ciudad es una buena oportunidad para conocerla y llevarte un amigurumi

 

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

La ilustración de las cadenas bajo Chiara Bautista


 

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

La ilustración mexicana ha desempeñado un papel increíble en los últimos años que merece el reconocimiento de la sociedad. Tal es el caso del trabajo de Chiara Bautista, ilustradora de origen nacional que radica en Estados Unidos y que trata el emblema del dibujo desde una trama bastante interesante. Víctimas del abandono o no, su trabajo muestra a mujeres atrapadas que parecen ser la víctima de un hecho que las aflige y las aprisiona por un buen tiempo. ¿Cuál podría ser ese calvario? Se podría considerar como las fuentes de un caos emocional, ya que en este planeta vacilamos sobre lo que está bien y lo que está mal –desde la perspectiva de la moral. A su vez, ese afán moraloide que acompaña al humano cuando ve las cosas por primera vez desde un aspecto purgativo y sin considerar el porqué de la sensación humana, causa tantos destrozos de vacío existencial. Aquí es donde radica el clímax de la expresión de Milk (como también se le conoce a Chiara).

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Chiara Bautista.

 Pasión, subversión, libertad y esperanza podrían ser los palabras que permiten conceptualizar cada imagen que deletrea la necesidad por descubrir al individuo desde una concepción meramente sensomotora, es decir sin un sentido de apego hacia lo que sólo es tangible (cuestiones materiales). Más allá de eso, el concepto humanista que demuestra Milk en su trabajo, involucra también la necesidad por recrear un ambiente de esperanza en un mundo tan olvidado de sí mismo. Recuerdos más, reflexiones menos… la arbitrariedad de la sociedad. 

 “Bellos y falsos”, “La pasión” y “El inmisericorde abandono de la niña pulpo” son algunas de las frases que acompañan a cada creación, por lo que es lógico pensar que existe una relación entre lo que se hace y lo que parece ser un proceso de reflexión de la vida cotidiana. Chiara de una manera muy ingeniosa, abre la puerta hacia un esquema de criterio que abone entre pensar y accionar, es decir, no perder la línea de la vida; el ser dueños de nuestros propios deseos y así forjar nuestros detalles más mundanos. ¿Qué pasaría si todos nos dejáramos llevar de la misma forma? Sin duda, no habría esa posibilidad de crítica y también de poder plasmar cada quien su ruta ante lo que cree pertinente y lo que no, pero algo que nos acompaña a todos y con letras grandes lo podría ratificar es la palabra prejuicio.

 Retomo una frase: “Bellos y falsos” ¿Qué tan falsos somos? Si la falsedad hablase, creo que todos tendríamos que decir algo de ella, el fingir es un ameno acompañante de la mentira y la banalidad. Hechos de un mar de vacíos emocionales sin poder comprender el porqué del abismo, deambulamos entre rechazar y aceptar lo que realmente somos o queremos ser. La propia encrucijada se haya en cada desfiguro que pretendemos hacer con la finalidad de encontrar la esencia de las causas y los efectos. Mentimos cuando decimos que desconocemos lo que está bien o mal, somos dueños del prejuicio hasta el cansancio. Una vez más, Chiara Bautista da en el clavo en cada muestra de sus imágenes.

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

 Cuerdas y redes se pueden vislumbrar en gran parte del ingenio de Chiara Bautista, que se logra presentar a lo largo de su trabajo. ¿Cuáles podrían ser esas ataduras? Las cadenas hacia la mera pretensión, involucran al hombre en una serie de mecanismos que lo hacen inerte en la participación que desenvuelve en la sociedad; sociedad que aplaude las máscaras y los buenos deseos de un mundo más hostil. Gancho al hígado, Chiara vuelve a dar tiro al blanco. La pulcritud que se detona en cada ilustración apunta el gran logro de la mexicana. ¿Somos víctimas de esas cadenas o pretendemos serlo? Cada uno de nosotros tiene la respuesta certera, la ilustradora sólo hace su debido trabajo: Dar rienda suelta a la imaginación.

 Las ilustraciones de esta mujer llena de talento no están alejadas de lo que siente el individuo. Necesidades nos hace presa de una ruina inaudita que nos hace caer en los temores más abruptos. La descripción de esto, radica en cada imagen que singulariza las relaciones humanas.

Ya viene la nueva edición de Festival Marvin: #Marvin15

¡Ya está confirmado! El próximo 16 de mayo del 2015 llega México la quinta edición del Festival Marvin, en el cual se presentarán proyectos emergentes  y consagrados de música, cine y arte. En sus ediciones anteriores, sobre todo la de este año, Festival Marvin ha dejado a todos sus asistentes con la piel erizada y con ganas de más, es por eso que no hay razones ni motivos para no asistir próximamente.

Festival Marvin 2012
Festival Marvin 2012

 Recordemos que  desde la creación de este festival han desfilado gran cantidad de artistas naciones y extranjeros como Holy Fuck, IMS, Juan Cirerol, Quiero Club, Fujiya & Miyagi, Carla Morrison, Crocodiles, Atlas Sound, Foxygen, Reptile Youth, Teen Flirt, Ruido Rosa, entre otros.

 En esta  última edición que se realizó el 17 de mayo en el circuito Condesa-Roma se presentaron 52 actos provenientes de diversos lugares como Los Tres, de Chile; Phèdre, de Cánada; Go!Zilla, de Italia y  los headliner Danny Brown, una de las figuras del hip hop contemporáneo de Detroit y Daniel Jonhston, que aparte de músico es escritor e ilustrador, quien visitó por primera vez México.

Dentro de las ocho foros que se repartieron a lo largo del corredor Condesa-Roma, también se pudieron apreciar esculturas,   fotografías, collages, pinturas y proyecciones de cine a cargo de CutOutFest.

¿Cómo surge el Festival?

 El origen del Festival se da en celebración de los 10 años de la Revista Marvin, la cual se encarga aparte de aspecto musical, de mostrar una recopilación de nuevas tendencias, corrientes y propuestas culturales.

Todos estos aspectos se han tocado a lo largo de estos cuatro Festivales. Música en vivo, caminatas que permiten apreciar otro tipo de arte, distinto a lo que se puede encontrar en las salas de museos, así como proyecciones cinematográficas en algunos de los parques más famosos de la Ciudad de México.

Festival Marvin 2014
Festival Marvin 2014

Los boletos ya están disponibles, entra aquí y consigue los tuyos.

Checa una probadita de lo que se vivió este año en Festival Marvin, sólo para que te animes a ir.

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Layout: Cuarto de Máquinas, la posibilidad del mundo al revés por medio de los objetos

…Estamos imaginando, con esta frase se presenta Cuarto de Máquinas cuando buscas más información en redes sociales o su tienda en línea.Cuarto de Máquinas

 Ya sea una libreta, una taza, un cuadro o un libro ilustrado, Cuarto de Máquinas tiene una propuesta fresca que evoca a los objetos para llamar a la nostalgia a través de la formas que se van reconociendo cuando se hace una lectura detallada de sus diseños.

 Con un toque de humor y frases sencillas elaboran una poesía visual traducida en un objeto cotidiano, propiciando una conexión emocional que provoca la necesidad de quererlo de inmediato. El proceso de diseño consiste en la retroalimentación de las ideas de sus creativos y que comparten sobre algo que les interesa en particular permeado por su entorno.

Asumimos dos procesos creativos distintos que en algún momento se deben conectar para identificar si esa idea, esa imagen, ese sueño que nos ronda la cabeza se puede realizar… Consideramos fundamental para nuestro proceso creativo, todo; caminar, ver películas, escuchar música, ir al teatro, leer, revisar blogs, hojear revistas, visitar cafés, platicar con los amigos, dibujar, andar en bicicleta, jugar…

 

Detrás de las máquinas1_4Maquinas-08Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas está conformado por Raquel García y Mauricio López, quienes han unido su talento para producir objetos que se distinguen rápidamente por las ilustraciones cargadas de formas cotidianas y naturales con un toque de poesía visual y diseños tipo collage que fusionan formas geométricas con elementos orgánicos.

Estudiamos juntos en la Universidad, después nos hicimos novios, con el paso del tiempo ya teníamos proyectos en conjunto que nos llenaban de emoción y nos hacían creer en el mundo al revés.

Lo bueno y malo de los bazares…Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas transmite buena vibra cuando los conoces en persona, ya sea en algún bazar o en la calle. Su popularidad ha ido en aumento y estos últimos meses han sido muy importantes para ellos ya que el participar en los bazares de diseño, les ha permitido que más personas los conozcan y tengan un canal de venta directo, sin embargo, reflexionan sobre la posibilidad de encontrar nuevas caminos de difusión y no estancarse.

Reconocemos la importancia de los bazares para darle visibilidad al diseño independiente, pero también pensamos que el diseño no debería construirse únicamente desde el planteamiento comercial, sería importante no perder de vista el plano creativo, el experimental y las contribuciones sociales y culturales que el diseño puede generar. 

Diseño AutogestivoCuarto de Máquinas

En Tráfico Bazar han encontrado un lugar para conocer gente que se ha identificado con su proyecto y poder tantear el terrero sobre lo que están haciendo otras marcas de diseño independiente, aunque ellos se describen como un proyecto autogestivo que permite hacer las cosas de distinta manera a las establecidas en el campo laboral del diseño.

A nosotros nos gusta explicar el diseño autogestivo como aquel que surge por iniciativa del diseñador, y en lugar de centrarse en las necesidades del cliente, busca generar un diálogo con el usuario final del objeto de diseño. Digamos que no importa quien está detrás, sino delante del diseño. 

Cuarto de MáquinasSu adaptabilidad a la corriente de formas de venta los ha llevado a poner su tienda en línea a través de Kichink para comercializar sus productos proporcionándoles visibilidad a otro nivel, sin embargo, y bajo su percepción ese alcance aún es limitado.

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Ben Young: Escultura líquida en cristal

Deserted Crédito: Ben Young

El entorno del artista definirá su obra. Cada lugar, cada ambiente y cada pieza en el mundo que sea referente de quien hace arte, escriba, diseñe y confeccione estará presente en sus creaciones.  Tal como pasa con Elena Garro escribiendo sobre la Francia que la acogió en su autoexilio, o los murales que Siqueiros pintó y que reflejaban México; lo que rodea al creador será pieza importante en su trabajo y se verá reflejado en el mismo.

 Nacido en Nueva Zelanda, Ben Young, ahora radicado en Sydney Australia retoma de su entorno y lugar de residencia la inspiración necesaria para esculpir en vidrio pequeños océanos e islas de concreto que invitan a darse un chapuzón en esa pequeña escultura. La técnica con la que trabaja es el cristal cortado y ha hecho de éste material su principal materia prima de trabajo.

Lonesome Light. Crédito: Ben Young
The Entrance, crédito Ben Young.

 Ya con diez años de carrera, Ben Young empezó a buscar inspiración entre las islas y océano que le rodeaban. Su labor no fue fácil, pues manejar el vidrio y darle forma a este como el mar requiere de un gran proceso que no es nada sencillo (aunque pareciera lo contrario).

Rough Waters, crédito Ben Young

 La experiencia de ver estas imágenes no sólo realza los sentidos, sino que una de las intenciones de este autor es que las esculturas muestren diferentes perspectivas de las bahías, Islas y mares. No obstante las piezas como una mujer embarazada o creaciones más abstractas muestran otras formas de ver el mundo que nos rodea.

New Beginnings Crédito: Ben Young

Para conocer más de este artista pincha aquí.

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

#IlustradoresConAyotzinapa: a un mes del siniestro

Se ha cumplido un mes ya. Poco más de treinta días transcurridos desde aquél en que comenzó a correr la noticia de la atrocidad que para algunos —acaso los crédulos, ingenuos— parecía algo falaz, bárbaros actos inhumanos que simplemente no figuraban en la idea de realidad que se concebía.

 Menuda realidad… Que con este hecho vino a destaparse lo legítima y brutal que es para los desventurados, carentes de oportunidades para hacerse escuchar, de armas para defenderse, y de medios para hacer justicia a todos los futuros amordazados, los caminos coartados, los anhelos arrebatados. Víctimas, mártires del terror, la cobardía, la miseria y la repulsión de la misma especie. Esos desventurados que fueron seis, son 43 y la cifra se agrava a cada día que pasa.

 Continúa siendo estremecedor tocar el tema. ¿Qué tan vago es referirse a ellos con la palabra «desaparecidos»? ¿Es todo esto una suerte de sinécdoque que se sitúa ante nosotros a manera de reality check? ¿Ya despertamos? ¿Y qué con el repudio que despiertan estos reprobables sucesos hacia la pesadilla que han hecho los dirigentes de nuestro país con él? ¿Qué remedo de autoridades tenemos? ¿Qué se hace con la indignidad y la humillación como el sentir común de una nación entera? Por si eso no fuera suficiente, ¿qué se hará con la desaprobación categórica hacia tal infamia por parte de países, intelectuales y ciudadanos del mundo que no dejan solidarizarse?

 Hay muchas preguntas que se formulan al instante y pocas respuestas que puedan sosegar la urgencia de resolverlas. Tampoco es fácil encontrar soluciones para llevar a la práctica ante incidentes que se detonan como consecuencia de un truculento trasfondo del que incluso hay temor por conocer. Potenciar la lucha o apaciguar la resignación, es el dilema. Aunque el incalculable compendio de muestras de apoyo y fraternidad que se han hecho a las familias de los 43 normalistas de Iguala resulte, sin lugar a dudas, un empuje inequívoco a no darse por vencido. Que la unión hace la fuerza, lo sabemos.

 Recientemente comenzó a aparecer por las redes la leyenda #IlustradoresConAyotzinapa. Este proyecto nació de Valeria Gallo con la intención de humanizar las cifras y dar rostros a los desaparecidos puesto que, señala, puede tratarse de algún conocido o familiar cercano, y cualquiera de nosotros podría verse envuelto en la vulnerabilidad de las circunstancias. Invitó a colaborar a Margarita Sada y otros colegas, se fueron esparciendo los resultados y a apenas pocos días de haber arrancado, ha sido acogido de manera satisfactoria entre la comunidad artística aludida con más de 200 aportaciones a la causa, y contando.

"Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista".
“Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista”.

 

"Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández".
“Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández”.

 La sensibilización que trae consigo el arte es, en ocasiones, difícil de expresarse con palabras. Como al ver un cuadro o una fotografía, es casi imposible traducir a la oralidad la cantidad de emociones que despierta y de ideas que evoca.

 Sucede justamente así. Es sobrecogedor cómo miles de voces claman aún por Saúl Bruno García, por Leonel Castro Abarca, por Cutberto Ortiz Ramos y por Alexander Mora Venancio.  Cómo personas que ni siquiera conocían a Carlos Iván Martínez Villareal o a Doriam González Parral exigen que se les regrese con vida a sus familias. Vivos se los llevaron y vivos los queremos.

 Porque para la reparación de esa realidad mencionada, no bastarán cientos de noches más que reflejen cambios significativos y poco podrá revertirse a como antes era. Porque a veces hace falta creer. Porque el mínimo gesto del prójimo, la empatía y el brindar apoyo sin que se pida, puede traer consigo una resonancia inconmensurable, como el aleteo de una mariposa. Porque son más de 43. Porque no es sólo México, es cada persona del globo que se solidariza con ellos. Porque ¿quién dijo que todo está perdido?

| Galería completa de #IlustradoresConAyotzinapa

"Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz".
“Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz”.

 

"Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos".
“Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos”.

 

"Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza".
“Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza”.

 

"Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero".
“Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero”.

 

"Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin".
“Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin”.

 

"Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral".
“Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral”.

 

"Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo".
“Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo”.

 

"Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres".
“Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres”.

 

"Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos".
“Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos”.

 

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

¿Todos somos moda? Reflexión sobre la moda y las normas sociales

Comme des Garçons, una de tantas marcas que crean micromundos en sus colecciones. Crédito: Les Do It.

En el desfile, las modelos caminan y dan sentido a la colección. Con las luces, la atmósfera envuelve al espectador convirtiéndolo en más que un público,  en un universo interno de la colección. Cada desfile, cada pieza es un micromundo con sus sentidos y sus significados, con su trabajo y con su pertenencia.

 Los hilos son cosidos, pero también se cosen los significados en la ropa. ¿Cuál es significado real de la ropa? ¿cubrir? ¿demostrar? ¿comunicar o incomunicar? Seguro las preguntas filosóficas de la moda se responderán observando y sacando conclusiones con cada conducta de la moda. El qué se pone, y porqué lo hace. Cómo es que el impacto de cualquier movimiento social trae consigo una moda en textil o si esta moda textil causa movimientos sociales. Cómo es que dentro de estos micromundos se crean micropensares que arriesgan y expresan ideas subversivas al sistema.

 Pero, ¿qué sistema? ¿existe un sistema de la moda? ¿los cánones son sistema?¿cómo es este sistema el que rige las reglas de cómo vestir y ser vestido? Rojo con azul, zapatos bajos con faldas o bolsas que combinen con el color del cinturón han sido algunas “reglas” impuestas duran siglos ¿por quiénes? Por los que han tenido el poder de las decisiones.

 La confección de una prenda con base a estos cánones representará una conformidad de cómo está organizada una sociedad. Las faldas cortas en los sesenta implementaron una nueva moda entre las jóvenes, aunada a la liberación sexual femenina. A su vez, la confrontación y revelación de los hombres al traje formal también estuvo presente.  Quizá estos cambios de paradigmas en la moda permitieron a los sujetos cambiar su mentalidad también.

 Sin embargo, pienso que la utilización de cánones y de reglas en la moda solo es para el control de estos micromundos, que de tanto he hablado en entradas anteriores (con Michel Foucault) no obstante es interesante hacer la reflexión de cuándo aparecen estas nuevas modas y si actualmente contamos con una nueva moda que nos lleve a cambiar de mentalidad hacia el mundo y sus sistemas.

Maison Martin Margiela, considerada como una de las marcas antimoda en los 90s y actualmente. Crédito: tumblr.com

 ¿Será lo mainstream? ¿será lo hipster? ¿o el seapunk? Lo cierto es que cada una de estas “categorías” son simples etiquetas para clasificar lo que está fuera de este canon, de este control y por ende de lo “normal”. La antimoda y las diferentes manifestaciones que van en contra de la normatimidad en la moda son considerados diferentes, locos y por ende ajenos. Pensando siempre que  sólo un grupo muy pequeño de individuos puede tener acceso a el.

 Pero, a pesar de tener esta visión de que la moda es exclusiva, y que cierto grupo de personas es extraño a ella y no están inmersos en la industria se equivocan. El uso de ropa definía y clasificaba a la gente según su estatus social. Si una persona se vestía “bien” era considerada persona con una jerarquía social mayor que alguien que vistiera “mal” los términos bien y mal son usados en esta reflexión por el tipo de telas o la calidad de la tela.

 Una vez que el comercio empezó a surgir en la era medieval, los burgueses empezaron a vestirse mejor que los nobles y el clero, lo cual hacía verse mayores (socialmente) a los burgueses. Por esta razón, el clero y toda la clase monárquica empezó a buscar formas para controlar que los burgueses dejasen de vestirse mejor.

 Este control ha estado presente actualmente, si bien no tan marcado como hace cientos de años, las transformaciones en la moda y en los diseños siempre han significado un ajuste social al qué vestir y qué no vestir. Luego vendría la industria, las colecciones y los cambios de ropa por estación. Es así como  todos somos parte de la moda, todos somos parte de un sistema, con sus normas y reglas, con sus cambios cíclicos e industrializados. Y no se puede decir que no se es parte de la moda, pues, al contrario, la moda va mucho más allá que de unos zapatos bonitos. Los microuniversos son universos al final.

Formas de vestir en la Edad Media. Crédito: Arquehistoria

 

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

marilyn quote chanel
“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

http://www.youtube.com/watch?v=a_GVRC8IPjA

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

http://www.youtube.com/watch?v=HBH0jqyPDCg

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Kuru: esmaltes mexicanos con mucho color

Eterno amanecer, la más reciente colección de Kuru. Crédito: Kuru.mx

Cuando se trata de verse bien y complementar un buen look, las uñas deben brillar por sus colores y no por su falta de cuidado. Si bien muchos dicen que las manos son la carta de presentación de cualquier persona, no siempre es así, pues, a pesar de tener un peso importante en el atuendo completo, lo que importa es la seguridad y confianza con la que se porta una prenda.

 Sin embargo, existen varias opciones para cuidar no sólo el estilo de ropa, sino las manos y por ende las uñas. ¿Por qué hablar de las uñas en una entrada sobre arte y moda? Me es muy importante destacarlas, debido a que el color, los diseños y creatividad pueden traer consigo un concepción mayor sobre arte, artesanía y moda aplicada a esta parte del cuerpo que para algunos podrían pasar desapercibida. Además de que, como bien he recalcado en entradas anteriores, la moda no sólo está presente en pantalones, blusas o abrigos; es parte de, mas no lo es todo.

 Aunque la mayoría de las personas sólo conocen esmaltes comerciales y extranjeros, es necesario resaltar y hacer notar marcas del país que igualan, y aveces superan, la calidad de un esmalte comercial.  Chulavista te trae una buena recomendación para tus uñas: Kuru, los esmaltes artesanales mexicanos hechos con pigmentos naturales y queratina para el cuidado.

 La inspiración de estos barnices son las distintos objetos muy representativos de México. Por ejemplo, hay un color rosa llamado “Tamal de dulce” o un café “piloncillo”. Su línea de colores es extensa, y con cada temporada se agregan más opciones para lucir bien el color en las uñas sin dejar de lado la tradición mexicana divertida y cálida.

Café Piloncillo, de Kuru. / Chulavista Store

 Creo que hay que mencionar sin duda, la línea de flourecentes, que brillan en la obscuridad. Kuru es una de las pocas marcas que tiene ese tipo de esmaltes y lo puedes conseguir en distintas partes, no sólo del D.F. sino en el resto de la república, por ejemplo en Monterrey, Veracruz o Guadalajara.

 Su diseño también resalta, ya que usa pequeños tejidos en las tapas que simulan ser encaje. Esto le da un toque romántico y poco convencional a la marca, sumándole un punto extra en cuestiones de identidad y diferenciación.

 Para conocer más de marca pincha aquí; para obtener esmaltes da click aquí. 

Layout: Difunde tu foto con Espejismo

Espejismo surgió como un proyecto entre universitarios en el año 2009 para sacar a la luz una Agenda Fotográfica 2010 entre fotógrafos amateurs. El resultado fue un trabajo de más de 6 meses en donde se planeó, estructuró, convocó, organizó, imprimió, y se publicó (con la participación de 15 fotógrafos y 5 anunciantes) un tiraje de 1000 ejemplares con 2000 postales a una tinta, distribuidos en Librerías Purrúa, y en librerías de Cuernavaca, Morelos.

Espejismo
Agenda Fotográfica2010

 Sin embargo, para las ediciones 2011 y 2012 el proyecto no se continuó porque los integrantes de la primera edición siguieron caminos distintos que los separó del proyecto. Para la edición 2013 uno de los integrantes retomó el proyecto con el propósito de darle continuidad a la misión con la que se había iniciado Espejismo.

 Hasta ahora, se ha realizado la edición pocket de 2013 y la edición ½ carta 2014, con la finalidad de dar difusión y exposición al trabajo de fotógrafos emergentes y amateurs a través del trabajo colaborativo y colectivo, con un nuevo propósito: impactar en el medio ambiente lo menos posible a través de los temas, de la experimentación de materiales y formatos.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2013, edición pocket

 El tema para la cuarta edición (2015) es La imagen como una posibilidad y alude a la oportunidad de construir la realidad material a partir de las impresiones que el fotógrafo captura por medio de formas y colores resultado de la contemplación, el estudio o la curiosidad.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 Desde esta perspectiva, Espejismo abre una oportunidad para dar voz a los fotógrafos en un espacio colectivo, en donde se trabaja en conjunto, uno no es sin el otro y viceversa; no parece una tarea fácil pero las tres ediciones anteriores dan fe de que se puede lograr.

 Los obstáculos que han enfrentado parecen enormes cuando no se cuenta con el apoyo de un patrocinador que asuma los costos de operación y producción, sin embargo Espejismo cree que no hay barreras altas que impidan continuar –independiente del número de tiraje– dar a luz cada edición demuestra un obstáculo menos.

 Si te gusta la fotografía y quieres difundir tu fotografía podría interesarte leer las bases para participar ya que la convocatoria tiene fecha de vencimiento hasta el último día de este mes; la participación puede ser en forma de colaboración ya que con ella se contribuye a reducir las dificultades y favorece el trabajo en colectivo, el valor de la colaboración es de igual relevancia que cualquier otro que se realice para funcionar.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2013
Espejismo
Agenda Fotográfica 2014
Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

Chulavista Store

 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

El apoyo hacia el diseño nacional : ¿Mucho o poco?


La industria ha enaltecido a lo largo del tiempo, las grandes posibilidades de adaptar mejores condiciones socioeconómicas para un país – ya sea en materia de crecimiento o desarrollo– , para ello se ha requerido de gran inversión de capital, tanto inversión extranjera directa o por medio del financiamiento nacional.

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Crédito: Blog costuritas.

 El hecho radica en que las posibilidades por adecuar una mejor vía de crecimiento y producción – expresado en el porcentaje del Producto Interno Bruto– es decir, a través de lo que se genere en una economía, se han tergiversado de manera que se olvida la importancia del avance del mercado interno. Bien es cierto, que la posibilidad de crecimiento ha disminuido porque el sector terciario (el de servicios) es el que más ha mostrado un aumento, mientras que el sector industrial ha declinado su producción y por ende, impacta de forma negativa en el desarrollo motriz del país.

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Crédito:Chulavista Store.

 Una serie de políticas económicas, se han implementado para darle paso a la coyuntura entre la necesidad de desarrollo y crecimiento, por lo cual es indispensable entender la importancia del sector industrial en la economía mexicana.

 Dentro del sector secundario, se encuentra la industria textil, actividad que ha sido portavoz de grandes avances en materia de innovación, creatividad y desarrollo social. La creación de esta área, permanece con el objetivo de crear mejores condiciones que permitan el crecimiento sostenido del Producto Interno Bruto, sin embargo, en ese afán por querer aumentar la producción; se ha olvidado el desarrollo del productor independiente, del que no depende de las empresas extranjeras en el país y que busca la forma de adecuarse a las circunstancias que el propio mercado le impone – tal es el caso de las barreras de entrada– , por lo que su talento parece no tener cabida en el ámbito de compra- venta.

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Crédito: Tumblr

 ¿Por qué se le niega el paso a diseñadores independientes? Simplemente, porque la economía mexicana adecua sus necesidades a las del mercado externo, y tiende a fragmentar a los portavoces del ingenio nacional. Diseñadores que se comprometen, que tratan de darle una nueva forma a la creación y a lo moderno, que rompen estereotipos y que a través de la idea buscan abrir una serie de tendencias que vinculan el sentido nacional.

 Parece ser, que las formas y atuendos del exterior le atraen más al público, pero la pregunta es: ¿Por qué no apoyar a la creatividad de nuestro país? Tantos diseñadores de moda independientes existen en nuestra nación y el apoyo no se ve fomentado, ni por parte del sector industrial textil ni por el comprador.

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Crédito:Chulavista Store.

 Marcas como Valetta y Cómeme historias, cobran vida para darle forma a sus ideas a través de distintas creaciones y atuendos, que le permiten al público admirar una nueva gama de matices en lo que se ofrece.

 Es hora de apoyar al talento nacional, a los diferentes conceptos que aparecen y muestran una serie de esquemas que rompen barreras y que vinculan un concepto muy diferente del que se está acostumbrado.

 Cómeme historias, es una marca independiente que se dedica al diseño de ropa y accesorios para bebé, vincula su idea con diversos personajes ilustrados, lo cual muestra una idea precisa sobre lo que se trata de mostrar el público.

 Valetta, mezcla tendencias en torno al diseño de trajes de baño y bolsos, teniendo un concepto innovador y general del significado de la mujer en la sociedad.

 Tanto Cómeme historias como Valetta, sus productos a la venta pueden consultarse en Chulavista Store, permitiendo vincular la difusión del talento mexicano a través de un medio que le permite abrirse paso al productor nacional.

Layout: Diseño, una voz al cambio climático

Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March
Obtenida del sitio Peoples Climate March

El cambio climático es uno de los temas más relevantes de nuestra época, entre discursos que reclaman nuevos compromisos al respecto y otros que lo tachan de fraude, el diseño se hace presente para establecer un vínculo entre el espectador y las diferentes posturas.

 El pasado domingo 21 de septiembre se llevó a cabo una manifestación mundial en contra del cambio climático como antesala a la Cumbre sobre el Clima que inició esta semana en la sede de la ONU en Nueva York, con la finalidad revitalizar aspiraciones y promover medidas.

 Previo al evento llovieron una serie de imágenes en redes sociales para convocar a gente de todo el mundo a participar en una marcha que pretendía ser la mayor protesta de un tiempo para acá sobre el tema.

 La complejidad del tema sugiere tomar conciencia sobre lo que está ocurriendo en nuestro planeta para conformar una opinión informada; Internet ha representado la ventana a un océano de información que se vale de múltiples discursos favorecidos entre otras disciplinas por el diseño, dejando en el espectador una semilla que altera su percepción y reafirma alguna de las tantas posturas.

 Así, los álbumes de fotos en Facebook de algunas organizaciones como Avaaz.org y Greenpeace recurrieron a las imágenes reproducidas por el sitio peoplesclimate.org para invitar a los internautas a formar parte de esta gran manifestación y generar presión social en vísperas de la Cumbre sobre el Clima.

 El poder de llegar a decenas de miles de personas a través de las imágenes sin depender del idioma hace del diseño una herramienta eficaz y con un alcance exponencial para lograr sus fines, sin embargo, solo representa una parte de la estrategia mediática para hacer relevante el tema, ya que se valió, entre muchas cosas, de personalidades destacadas de Hollywood como Leonardo Di Caprio y Mark Ruffalo, así como del alcalde de Nueva York, ministros, ex vicepresidentes y del Secretario General de la ONU, Ban Ki-Moon, para conformar una especie de voceros que dan fe al movimiento contra el cambio climático.

 La credibilidad de los mensajes se construye a través de una serie de articulaciones mediáticas que juegan un papel muy importante para comprender los fenómenos sociales que ocurren en nuestro tiempo, el diseño es partícipe de este juego que favorece o desacredita los discursos difundidos dándoles personalidad y voz particular, los significa para dar fe o confianza al espectador para conformar una opinión personal, pero influencia por el tipo de información tal es el caso de los que creen que el cambio climático es un fraude.