Review: Ninfomanía Volumen 1 (Lars von Trier… lo has hecho de nuevo)

Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol. 1, 2013), última y controversial creación del cineasta danés Lars von Trier, se estrenó en México en el marco de la 56 Muestra Internacional de la Cineteca Nacional. Los boletos para esta película se terminaron días antes de la primera función (en parte porque von Trier es un director consagrado, en gran parte porque el morbo que se condensó alrededor de la película fue inmenso), pero para alegría de todos los fans de el director y de todos los morbosos de clóset, la cinta se estrenará de nuevo el 15 de mayo en el cine comercial.

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Cast de Nymphomaniac

 Previo a su estreno, la película comenzó a generar mucha expectativa debido al tema que iba a tratar: la vida sexual de una ninfómana (interpretada por Charlotte Gainsbourg) desde su adolescencia hasta sus 50 años. von Trier aumentó la expectativa cuando retrasó la producción de la película para seguir entrevistando mujeres acerca de sus vidas sexuales (sí, quién no lo hubiera hecho). Además, es fácil imaginar que cuando una película tiene el nombre que ésta tiene y una publicidad con todos los protagonistas desnudos en una explosión orgásmica, no necesitarás un gran esfuerzo para que la gente quiera ir a verla. No contento con esto, el director (que fue llamado varias veces un “genio” de la mercadotecnia), fue sacando poco a poco a la luz pequeños fragmentos de cada uno de los capítulos que conforman esta primera parte, ocasionando la salivación mental (y por qué no, física) de aquéllos que los vieron.

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Los pósters orgásmicos de Joe y K

 Joe (Charlotte Gainsbourg) es encontrada por Seligman (Stellan Skarsgård)  golpeada e inconsciente en una calle. Después de llevarla a su casa para ofrecerle té y pastelillos judíos, ella comienza a contarle la historia de su vida: la historia (según ella) de una pecadora. Ella se detesta a sí misma, él trata de convencerla de que no ha hecho nada malo. Su plática navega entre el sexo, la pesca, Edgar Allan Poe, la religión, el sexo, Bach, los números de Fibonacci y el sexo (sí, casi siempre es algo relacionado con el sexo). Seligman es culto, y encuentra analogías muy poéticas de todo lo que le cuenta Joe, buscando siempre sublimar acciones que para los ojos de ella resultan horripilantes. Es un relato emocional, duro, confrontativo, muy bello, que sólo podría haber sido logrado por la genialidad de von Trier. Algunas escenas son tan perfectas y emocionantes que lo único que queda es agradecer de rodillas y con lágrimas en los ojos al dios del cine (no puedo dar spoilers, pero cuando vean la película, lo discutimos).

 Ahora, es importante aclarar una cosa: Pese a todo lo dicho, es altamente probable que una persona que asista a la película con la sola intención de echarse un taco de ojo y no de regocijarse con el arte del maestro responsable de Melancolía (Mencholia, 2011), salga decepcionado de la sala. Lo importante no es de lo que trata la película, sino cómo está hecha. Algunos reseñistas de revistas renombradas (cuyo nombre mantendré en el anonimato) critican a la película por no ser lo suficientemente “retadora”. Pues si “retador” significa para ellos un torrente de salvajismo y sadomasoquismo vulgar sin censura, definitivamente no fueron al lugar apropiado.

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Lars von Trier

 Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol 1, 2013) es una maravilla por su cinematografía, desarrollo de los personajes, simbolismos y analogías, referencias a la ciencias y a las artes y finalmente por su humor negro. Predominan las tomas hechas cámara en mano, una de las fuertísimas reminiscencias  del movimiento Dogma 95, del cual von Trier fue co-fundador (si quieren saber más de Dogma 95, una revolución fílmica de los 90’s que buscaba luchar contra las tendencias ilusionistas, superficiales y tecnológicas de la época, entren aquí). Este tipo de tomas, así como la crudeza de los diálogos y los escenarios, son la manera en la que este director busca dotar de realismo a su cine, diferenciándose de la falsedad imperante del cine comercial.

 Lars von Trier es un director sin pelos en los ojos (sí, ojos), que no teme mostrarnos las profundidades más obscuras de la psique humana. En sus películas, los personajes son capaces de cualquier cosa (así como en la vida real, pues). De alguna manera, su arte es un reflejo de la crudeza con la que puede funcionar el mundo, donde no hay espacio para el “vivirán felices para siempre”. Recomiendo mucho que vayan a ver esta película en mayo, les aseguro que es una experiencia que sin duda los amantes del buen cine disfrutarán inmensamente.

Animación Mexicana 11: Una Película de Huevos

En esta ocasión trataremos el tema de una película cuyo éxito dejó sorprendidos tanto a la crítica como a sus propios creadores. Una cinta que provocó mucha expectativa pero a la vez cierto desdén por parte de un sector del público antes incluso de su estreno: Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006).

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 Basada en las exitosas animaciones creadas por la empresa Huevo Cartoon, fundada por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006) parecería ser un largometraje animado para un público muy adulto, donde la irreverencia, el doble sentido y la vulgaridad predominarían; y es que los conocedores de la página de internet sabrán que el humor de Huevo Cartoon puede llegar a ser un poco subido de tono.

 La película llamó a las salas a los seguidores de dichas animaciones, pero varias personas no querían darle la oportunidad, argumentando frases como: “de seguro es película para nacos”, palabras textuales que este servidor llegó a escuchar.

 No obstante, el equipo de producción detrás de la cinta tenía una visión que iba más allá de lo que todos creían. Sí, por supuesto que la película requería albures, chistes para adultos y cosas por el estilo, no iban a decepcionar a sus fans. Pero cabe recalcar que los hermanos Riva Palacio tenían espíritus firmes acerca de lo que buscaban y como tal supieron desde el principio la dirección en que querían seguir con este proyecto.  

 Con un humor fiel al estilo original, pero adecuadamente equilibrado a un humor más inocente y familiar, aunado con una historia aparentemente sencilla pero llena de valores como la determinación, los sueños, la amistad, el amor y el valor,  culminó el proyecto convirtiéndose en una película para toda la familia que fue muy bien recibido por el público.una_pe8

 La historia trata sobre Toto, un huevo de gallina que desea ir más allá de su destino como desayuno y convertirse en un gran pollo. Con la ayuda de sus amigos, Willy y Tocino, emprenderá un peligroso viaje para volver a su hogar y cumplir su sueño, pero no le será tan fácil ya que la vida de un huevo está llena de peligros como los propios humanos, animales hambrientos y los infames huevos de reptil. La película cuenta con las voces de Bruno Bichir, Carlos Espejel, Angélica Vale y los mismos Riva Palacio, cuyas interpretaciones cumplen totalmente.

 La animación es magnífica, pudiera ser la película con mejor calidad de animación en México, el guion muy ingenioso y divertido e incluso la banda sonora está hecha con gran inteligencia, ya que funciona tanto en los momentos cómicos como en los emotivos. Y por si esto fuera poco, la cinta también tiene buenas dosis de acción, incluyendo una escena de batalla, evocando el estilo de las cintas con justas medievales, pero ubicadas en el mundo de los huevos.

 Si no han visto la cinta, háganlo, les aseguro que no se arrepentirán. Disfrútenla y como bien dijera Confi, uno de los personajes, “que el colesterol los acompañe”.

http://www.youtube.com/watch?v=cNPLYU3Q4LE

Animación Mexicana Parte 10: AAA, La Película

Si bien es cierto que las producciones de Ánima Estudios cuentan con un nivel de calidad bastante bueno tanto en producción como en difusión, no está exenta de ciertos tropiezos en el camino. El cuarto largometraje del estudio es quizá el más incomprendido,  no sólo de su filmografía, sino de casi todo el historial del cine animado en México, lo que resulta irónico considerando que esta película toma como base un elemento de gran relevancia en nuestra cultura: La Lucha Libre.

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 Recordemos que los luchadores enmascarados son más que un emblema de México a nivel internacional, producciones extranjeras los han incluso aprovechado. Series como “Mucha Lucha”, películas como “Los Campeones de la Lucha Libre” y hasta videojuegos como “Guacamelee” son claros ejemplos. Dichos títulos han sido bien recibidos en varias partes del mundo a pesar de la polémica que pudieran generar (muchos mexicanos se ofenden por como son retratados).

 Volviendo a México, la película en cuestión de la que ahora hablamos se titula AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010). A decir verdad, la trama de la cinta pudiera ser atractiva, la lucha eterna entre los luchadores técnicos (los buenos) contra los rudos (los malos) que se sale de control hasta terminar en una aventura que los compete a ambos, obligándolos a unir fuerzas para un bien común (en este caso, el futuro de la lucha en sí). Seamos honestos, las películas sobre deportes se vuelven adictivas a pesar de que las tramas suelen ser las mismas y a veces hacen más grandes los acontecimientos (más dramáticos de lo que fueron).

 Si, la idea resultó ser buena, además de que era interesante ver la versión animada de personalidades de la lucha como La Parca, Octagón y Abismo Negro (q.e.p.d); entonces…  ¿cuál es el problema? Según el criterio de este servidor, dos cosas son las que doblegan el proyecto. La primera es la incursión de demasiados elementos a la trama, subtemas que van desde cosas mágicas hasta viajes en el tiempo (“Sin Limite en el Tiempo” resulta ser un juego de palabras). Considero que lo que la producción intentó hacer fue seguir el camino de cine de culto mexicano como la filmografía del Santo y Blue Demon, las cuales contaban con tramas extrañas pero que funcionaban. Quizá el error aquí fue saturar una sola película con demasiadas cosas.

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El segundo fallo que considero es el guión, con diálogos que a veces se ven forzados para causar gracia. Está lleno de chistes que tal vez hubieran funcionado con actores reales (live action) o interpretados de otro modo. Con todo respeto a la producción, debo decir que a veces los luchadores pierden la figura a la que deberían aspirar, por parecer personajes ingenuos y ridículos del tipo de comedias como Drake y Josh (Drake & Josh, 2004).

 La animación es aceptable al igual que el trabajo de arte, el diseño de personajes me encanta y creo que el concepto era de mucho potencial. Por desgracia, no soy el único que piensa que la ejecución pudo ser muchísimo mejor, volviendo a AAA: La Película, es la primera caída del ring de este estudio. Recomendable para verse si a uno le gustan las luchas o la animación, pero para formar parte de la colección de logros mexicanos… no mucho, más bien, para esconderse.

Review: The Grand Budapest Hotel, o de cómo ser un gerontofílico refinado

Para todos aquellos fans insaciables de Wes Anderson y también para aquéllos que no están familiarizados con el trabajo de este singular director estadounidense, El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014) es una película que sin duda recomiendo ir a ver. Sólo estará dos días más en la 56 Muestra Internacional de Cine en la Cineteca Nacional, así que apresúrense a hacer planes cinéfilos para esta Semana Santa o se la perderán.

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 ¿Por qué vale tanto la pena ir a verla? No sólo es Wes Anderson en su máxima expresión (los que lo conocen seguramente sabrán a qué me refiero; los que no lo conocen, sigan leyendo y ya se enterarán), sino que son 99 minutos de un humor fino y ameno que les alegrará sumamente el día y les sacará un número bastante considerable de carcajadas inesperadas.

 Como es su costumbre, Anderson se consiguió un tremendo cast para realizar esta película, conformado por grandes actores como Ralph Fiennes, Edward Norton, Adrien Brody, Willem Dafoe, Léa Seydoux, Jeff Godlblum, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Jude Law, Tilda Swinton, Bill Murray y Owen Wilson. La protagonizan Ralph Fiennes y dos jóvenes actores que hacen un papel admirable al lado de tantas estrellas: Tony Revolori y Saoirse Ronan.

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 El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014) es una mezcla bastante particular de humor liviano, aventura (incluyendo persecución en trineo y esquís), amor y suspenso. Tiene mucho de películas como Quémese Después de Leerse (Burn After Reading, 2008), de los hermanos Coen, donde uno puede presenciar horrorizado un asesinato mientras se ríe de lo absurda que es la situación.

 La trama gira en torno a Gustave (Ralph Fiennes), concierge del Gran Budapest Hotel, y Zero (Tony Revolori), el nuevo lobby boy, que después de la muerte de una de las ancianas y millonarias amantes de Gustave, Madame D (Tilda Swinton), se ven envueltos en una avalancha de misterio e intriga. Junto con la joven panadera y hermosa esposa de Zero, Agatha (Saoirse Ronan), deberán de resolver una serie de enigmas y hacer lo que sea necesario para salvar el pescuezo.

 Como es común en las películas de Anderson (recordemos la improbable amistad de Max Fischer y Herman Blume en Rushmore), Gustave y Zero pasan de tener una relación formal de jefe-empleado a crear una de hermandad profunda. Los dos personajes están solos en el mundo y encuentran en el otro el apoyo, la comprensión y el amor incondicional que todos los humanos deseamos y necesitamos.

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 No sólo es El Gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014) una película con una gran trama y excelentes actuaciones, sino que también es una muestra incomparable de belleza estética. Wes Anderson se caracteriza por ser tremendamente obsesivo con los sets y escenarios que usa, y en su nueva película no sólo continúa con esta costumbre sino que la lleva hasta sus últimas consecuencias. Predominan las tomas simétricas, las coreografías largas perfectamente sincronizadas y la selección sumamente cuidadosa de los colores.

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 Wes Anderson ha dicho alguna vez que si no hubiera sido cineasta, sería arquitecto, y tal vez es por eso que pone tanto empeño en que sus espacios sean no sólo funcionales, sino hermosos. (Si quieren una probadita de la usual monocromía de Wes Anderson, pueden ver este cortometraje). Toda la película está repleta de escenas que, si fueran estáticas, podrían haber salido de la mano de un pintor amante de los tonos pastel. Esto es algo que sin lugar a dudas define a este joven director como uno de los más importantes de nuestra época, que no sólo busca entretenernos, sino crear una obra de arte en su totalidad, donde cada detalle está perfectamente colocado para lograr una impresión profunda sobre el espectador.

 Espero que esto sea más que suficiente para animarlos a darse una vuelta por la Cineteca Nacional para ver esta increíble película. Y no sólo eso: ojalá y sea un incentivo para ahondar en el trabajo de este espectacular director, que con películas como Rushmore (Rushmore, 1998),  Los excéntricos Tenenbaum (The Royal Tenenbaums, 2001), El Fantástico Señor Zorro (Fantastic Mr. Fox, 2009 ) y por supuesto Un Reino Bajo La Luna (Moonrise Kingdom, 2012), ha establecido una marca muy personal en el mundo del cine que estoy seguro perdurará a través de la historia: una película de Wes Anderson es, inconfundiblemente, una película de Wes Anderson.

Review: Rio 2

Las películas animadas son cada vez más frecuentes, las películas sobre historias de animales, también. Algunas personas han llegado a pensar que el género ya está aburriendo y que muchas de estas cintas aparecen para volverse una más del montón. ¿Pasa esto con la nueva película de Blue Sky Animation (responsables de la saga de La Era del Hielo [Ice Age])?

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 Supongo que todo depende de la perspectiva, aunque la mayoría de las personas seguramente pensarán que si, este es el caso de Rio 2(Rio 2, 2014). Pero no mal entiendan, esto no quiere decir que la película sea mala, al contrario.

 Los que vieron la primera parte sabrán que el gran encanto radicaba en el aspecto visual (el carnaval de Brasil animado es una maravilla), además de números musicales que se pueden catalogar como magistrales. La secuela nos ofrece más o menos lo mismo, de hecho en ese sentido es tan buena como su predecesora y nadie negará que este año mundialista es el momento perfecto para la llegada de esta cinta.

 Desafortunadamente, el problema con la película es eso, que nos ofrece prácticamente lo mismo que ya vimos. Visualmente es fantástica y la música cumple con creces (de hecho es curioso que los personajes cantan mas, siendo que en la primera parte las canciones estaban de fondo casi siempre), pero la historia no es nada que no hayamos encontrado antes.

 Los personajes son carismáticos y divertidos, pero al igual que antes adquieren un aire a veces demasiado infantil, que si bien, gustará mucho a los niños, los adultos quizá no lo aprecien. Un ejemplo: humanos que al intentar comunicarse con aves se ponen a cacarear, situación que vimos en la película 1 y que puede dar una idea del tipo de humor que encontrarán en gran parte de esta secuela.

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 Esto último aplica para todos los personajes, desde los buenos a los malos. En el caso de los villanos es quizá más notorio, ya que en un afán de mantener un producto para toda la familia (y en que todos tienen ratos cómicos) prácticamente pierden ese lado amenazante que otras películas nos han brindado en sus antagonistas.

 Mencionando el trabajo de doblaje, es realmente bueno en todos los sentidos y se agradece a los responsables el haber evitado mexicanizar tanto los diálogos como ocurriera con la primera parte.

 Aún así, a pesar de que Rio 2 (Rio 2, 2014) no es ni por asomo la mejor película de animación en lo que va del año, es una excelente opción para pasar un rato en familia. Tiene momentos muy graciosos incluso para los adultos, ratos dramáticos, lecciones de vida, familia y un momento que involucra una especie de partido de fútbol en serio jocoso y entretenido.

 Como secuela cumple, como película independiente, también, sin embargo me temo que efectivamente será de esas películas que difícilmente se convertirán en un clásico del género. Aún así vayan a verla, seguro pasarán un rato agradable y más si es en compañía de infantes.

Animación Mexicana Parte 9: El Agente 00-P2

Ya prácticamente ostentando el reinado del estudio de animación más importante del país, Ánima decidió arriesgarse y buscar nuevos horizontes para su tercer proyecto de larga duración. Como se comentó en la nota acerca de la cinta Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003), el humor que se manejaba estaba muy dirigido a un sector infantil, cuestión que abarcó también a Imaginum (Imaginum, 2005) y a El Chavo Animado (El Chavo, 2006). En palabras de uno de los (en ese entonces) productores del estudio, se consideraba un humor demasiado “fresa”.

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 Con la esperanza de llegar al público juvenil, e incluso adulto, el tercer largometraje adoptó elementos mucho más maduros como una historia tipo Thriller policiaco combinado con simpáticos personajes animales, y un estilo de humor un poquito más subido de tono: El Agente 00-P2 (El Agente 00-P2, 2009). La historia nos habla de un guacamayo que trabaja como conserje en una importante agencia de espionaje y que sueña con ser un agente. Su ilusión se ve cumplida cuando por accidente se le asigna el mayor caso de todos, detener los siniestros planes de la criminal “Mamá Osa” para congelar al mundo entero.

 Este proyecto resulta interesante por la variedad de elementos que lo conforman, a simple viste pudiera ser una película más para los niños, pero el argumento es bastante sólido para los amantes del género. Se usa mucho el doble sentido, aunque de forma muy familiar (sigue siendo para toda la familia, pero los adultos podrían disfrutarla más que producciones anteriores), e incluso tiene momentos bastante crudos y/o emotivos que, al menos en mi opinión, no esperaba de una cinta así.

 La actuación de voces cumple ampliamente con nombres como Jaime Camil, Dulce María y los primeros actores Rogelio Guerra y Silvia Pinal. La animación muestra una gran mejoría, además de que la cinta se arriesga a complejas secuencias de acción (la mayoría con momentos jocosos) que nos dejarán satisfechos. Aún así, este proyecto dista de ser el mejor hecho por la empresa. Quizá ese punto a favor de tener una buena variedad de elementos tanto infantiles como maduros pudiera ser su punto en contra también, ya que en ocasiones el público puede confundirse.

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 ¿A que me refiero con esto? Un ejemplo: la cinta comienza con una familia de personajes adorables en pantalla disfrutando un día de campo, momentos después algo acontece y termina en tragedia (los niños pequeños sufrirán por esto). Luego tenemos partes de humor puro y al siguiente momento, un momento demasiado serio. Por supuesto que es sólo una opinión, pero me parece difícil definir esta película en una categoría en específico y aunque jamás se torna aburrida, el público sensible difícilmente podrá disfrutarla como aquello para lo que se planeo: Una comedia familiar.

 A pesar de eso, considero al Agente 00-P2 (desde el título pueden darse una idea) como una buena evolución del estudio y una película que aunque no se corona entre las preferidas de Ánima, si es una digna creación que vale mucho la pena ver.

Las cinco más grandes injusticias de los premios Oscar

Muchos pensamos que los premios Óscar que la Academia premia son entregados de forma bien pensada, a artistas y películas que realmente lo merecen. Aunque si nos ponemos a analizar, en los 85 años que se ha llevado a cabo la mayor premiación del séptimo arte, nos daremos cuenta de muchas injusticias que se han pasado por alto. Estamos de acuerdo que no todos podemos concordar a la hora de ver a alguien premiado, pero en este conteo los errores han sido imperdonables.

 Enlistaremos a continuación las cinco grandes injusticias de los Premios de la Academia:

AlfredHitchcock_claqueta 1. HITCHCOCK

 Alfred Hitchcock es uno de los más grandes directores de la historia del cine al innovar en cuanto al manejo de la cámara, con un gran uso de encuadres que provocaban en sus películas ansiedad, miedo y empatía en el público. Pero la Academia no lo supo valorar al solo otorgarle el premio a Mejor Película a la cinta Rebeca (Rebeca, 1940), dejando de lado sus obras maestras como Los 39 escalones (The 39 Steps, 1935), Encadenados (Notorious, 1949), Vértigo (Vertigo, 1958) o Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959). También fue galardonado con el premio Premio En Memoria  de Irving G. Thalberg, en el año de 1967.

  1.                                                                                                                                           
  2.  

Charlie-Chaplin-Wallpaper-Photo2. CHAPLIN

 Como no recordar a uno de los pioneros en el cine y no solo eso, sino uno de los más grandes directores y actores del séptimo arte, al que solo le otorgaron el Óscar en dos ocasiones, siendo una de estas por su contribución en la banda sonora de “Luces de la ciudad”,(1931) y dos premios honoríficos  que al menos pudo disfrutar en vida.

 





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3.KUBRICK

¿Quién no recuerda uno de los grandes filmes de la historia como Naranja Mecánica? Pues Stanley Kubrick, el director de esta película y otros grandes filmes como Barry Lyndon (Barry Lyndon, 1975) Espartaco (Sapartacus, 1960) o Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba  (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1964) Nunca fue premiado como debería por la academia por su trabajo como director sino solo por los efectos especiales de 2001: Una Odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey, 1968).

                                                                                                 

  

 



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4. MORRICONE

Una película no sería una buena película sin un buen soundtrack y muchos de las grandes banda sonoras del cine fueron compuestos por el genio Ennio Morricone, para las películas: La misión (The mission, 1986), Cinema Paradiso (Cinema Paradiso, 1988), Los intocables (The Untouchables, 1987) o Erase una vez en América (Once Upon A Time In America, 1984). Morricone solo ha consiguió 5 nominaciones y un premio de la Academia en reconocimiento por su trayectoria.



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5. Scorsese

Martin Scorsese es uno de los mejores directores activos de la industria del cine, pero sus mejores películas como Malas Calles (Mean Streets, 1973), Taxi Driver (Taxi Driver, 1976) o Toro Salvaje (Raging Bull, 1980), nunca fueron premiadas, la academia lo ha ignorado y solo le ha hecho justicia una vez por la película Los Infiltrados (The Departed, 2006) con el premio  a Mejor película en la entrega número 79. Esta, por otra parte no es considerada una de las mejores películas del talentoso director lo que nos resulta contradictorio al merecer otras de sus cintas el premio .

Como verán esta solo es una parte de las muchas injusticias que ha cometido la Academia y que abordaremos después, sin duda las injusticias suceden hasta con grandes genios y obras del séptimo arte.

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Izquierda ( Robert De Niro) “Taxi Driver”, Derecha (Anthony Perkins) “Psicosis” y Centro (Malcolm McDowell)”Naranja Mecánica”.

Animación Mexicana Parte 8: El Chavo (Nota 2)

Seguimos con este concepto tan exitoso y tan controversia en el que se ha vuelto el Chavo Animado, quizá la mayor creación  de Ánima Estudio. En la nota pasada hablé sobre los elementos que considero positivos de la serie tales como el doblaje y el diseño de personajes. Ahora indagaré un poco en las debilidades que considero que tiene.

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En el caso del desarrollo de las historias, veo muy difícil que los que crecimos con la serie original nos acoplemos a esta nueva propuesta. Los guiones, las historias, los diálogos y los chistes son los mismos, sin embargo se vuelve evidente que el genio de Roberto Gómez Bolaños al escribir se veía complementado en gran manera por el talento de sus actores, quienes lograban efectos que los personajes animados no. La animación permite ir más allá de los límites y en este caso se intentó provechar esto. No obstante, es discutible que esta serie lo requiriera ya que la mayoría de las situaciones resultaban ser más divertidas con los pocos elementos que se tenían antes. A lo que voy es que diversas escenas tratan de explicarse demasiado, quizá para que los niños las entiendan, y eso hace perder el brillo de las mismas.

 Aunado a esto, la animación resulta un tanto acartonada en la mayoría del tiempo. Sabemos que Chespirito usaba mucho la comedia fársica o el Clown, misma que se viera inspirada gracias a personalidades como Charles Chaplin. Los personajes animados carecen totalmente de esta magia y a pesar de que podemos indagar más en la fantasía de los niños (llegando a verlos incluso en secuencias imaginarias en la selva o en la época medieval), creo que el concepto humorístico de la serie decayó. Claro que estoy generalizando, hay momentos en la versión animada verdaderamente divertidos.

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Así mismo, no puedo evitar mencionar la ausencia del personaje de la Chilindrina. Es bien sabido (y no asunto nuestro) que la relación entre la actriz María Antonieta de las Nieves y Chespirito tiene sus diferencias actualmente, y esto se ve reflejado en la caricatura. Ignoro si el personaje no está ahí por una actitud despectiva del creador con esta actriz, o si se deba a que este ya no posea los derechos del personaje.

 Se entiende esta decisión, sin embargo como espectador no me siento satisfecho. La Chilindrina era uno de los personajes más carismáticos de  vecindad (con un llanto inigualable) y definitivamente se extraña demasiado. La producción optó por cubrir este hueco con el personaje de la Popis, decisión que no consideraría la más acertada, ya que para hacerlo, el mismo personaje tuvo que cambiar en varios aspectos que también lo caracterizaban.

 La calidad de la serie como tal es innegable (no digo perfecta, pero aceptable), sin embargo como adaptación queda mucho a deber. Sin embargo también debemos considerar que el target al cual está dirigida es al público infantil actual, el cual no creció viendo a los actores interpretando a esos personajes. Me queda claro que un gran sector del público infantil disfruta y de hecho prefiere esta versión, por lo que no nos queda más que decir que para sus fines está muy bien hecha.

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En conclusión, ¿es una buena serie?: Sí ¿Es mejor que su predecesora?: Depende mucho de la perspectiva de cada espectador ¿Es una serie que yo veo, disfruto y recomiendo?: No, pero no me es difícil encontrar todo aquello positivo que ofrece. A fin de cuentas, el mejor critico es uno mismo, por lo mismo los invito a verla si tienen esa inquietud y ustedes mismos decidan cual de las dos prefiere, o incluso si gustan quedarse con amas… o con ninguna.

A continuación un par de ejemplos del tipo de humor de la versión original y la versión animada, por si no han tenido la oportunidad de verlas.

http://www.youtube.com/watch?v=CUgVG3Sv3xo

V.S.

¿Qué fue del terror?

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¿A quién no le gusta ir al cine a sentir adrenalina?

Al gritar, al taparse los ojos, porque sabes que en cualquier momento algo malo y horrible va a ocurrir, sientes como el vello se te eriza y tienes ganas de salir corriendo de la sala de cine.

 Eso es lo que hace con nosotros el buen cine de terror, pero ahora ya no se toma mucho en cuenta el suspenso o las historias que de verdad llamen la atención al público por su innovación, un buen guión o buenas actuaciones, lo de ahora ya son películas llenas de sangre, cuerpos mutilados, exorcismos exagerados y muñecos diabólicos.

 El cine de terror surgió de la literatura de este mismo género, donde se extrajo la idea de meter leyendas populares, supersticiones, todo basado en los temores de la gente, tomados de la cultura popular. Los cuentos por otra parte nacieron en la mitad del siglo XVIII; de ahí surgieron los personajes básicos como: los monstruos, fantasmas, brujas, zombies o el mismísimo Frankenstein.

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 Los escenarios más usados son los cementerios, las casas abandonadas, castillos, ruinas; lugares lúgubres que forman una combinación perfecta con el sonido, creando una atmósfera macabra y atrayendo al espectador a formar parte de la historia. Teniendo como referencia Psicosis (Psycho, 1960), El Resplandor (The Shining, 1980) o Tiburón (Jaws,1975), siendo más famosas por su banda sonora.

 El mal, es el protagonista de la película, despertando los más bajos códigos de conducta, moral o bondad. Los personajes principales, que por lo general son todo lo contrario a la maldad, deben luchar contra seres llenos de ira y sed de venganza.

 Pero el cine de ahora ha evolucionado tanto, por ejemplo, gracias a las salas de cine en 4D se puede tener una experiencia aún más real, desafortunadamente  las historias ya no son nada nuevas y la experiencia no se concreta. Tenemos por una parte el apocalipsis zombie, o el enfermo mental que se alimenta de la gente, o los típicos grupos estudiantiles que llegan a un bosque por diversión encontrándose con un tipo con serios problemas mentales, historias que terminan exterminando a la mayoría de sus personajes y dónde lo único que provoca es risa involuntaria, o asco por los litros de sangre falsa derramada o la asquerosa carnicería.

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 Otros conceptos interesantes que se han tomado en este género es el “falso documental”, películas grabadas en primera persona sin grandes efectos visuales, donde todo es grabado con una “cámara casera]”, dándole el efecto de realismo buscado y creando una mayor empatía con el publico. Un filme famoso en este rango es El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Project, 1999) estrenada en el año de 1999, aunque esta técnica fue originada por la cinta Holocausto Caníbal lanzada en 1979.  Y de las que tenemos como resultado ya en años más recientes encontramos a  Actividad Paranormal (Paranormal Activity, 2011), REC ( REC, 2007) o Cloverfield, Mounstruo (Cloverfield, 2008).

 Muchas otras cintas solo son remakes de películas viejas y famosas en su tiempo, a las que solo les aumentaron más violencia, o incluso modificaron la historia, mejorando los efectos especiales, con esto la iluminación y la banda sonora, pero no todas tienen la ventaja de superar a las versiones originales, de eso depende el gusto de cada persona y por supuesto la visión del director.

 Esperemos que el cine de terror retome esas características que lo hacían un género llamativo para el espectador dejando a un lado el Gore comercial. Pero, ¿tú qué opinas?

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Llega la 56 Muestra de Cine Internacional a la Cineteca

Tras décadas de ofrecerse como la programación que anima la oferta en muchas salas de cine del país,la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional vuelve en su primer edición del 2014, afirmándose una vez más como una ventana hacia el mundo a través del cine.

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 Durante esta primavera, en su edición 56, la Muestra ofrecerá un programa compuesto de 14 títulosde países como Argentina, Alemania, Brasil, Chile, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Islandia, Italia, Japón y México, que ilustran la realidad de la realización fílmica alrededor del mundo.

 Iniciando con con La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, escrita por el propio Gavaldón en colaboración con José Revueltas, que en conmemoración del centenario de la legendaria  María Félix, se exhibirá en un nuevo formato de  35mm .

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 Polissía (2011) de  Maïwenn Le Besco, que fuese Premio Especial del Jurado en Festival de Cannes en 2011, se integra a la lista por parte de Francia, mientras que desde Dinamarca, Lars Von Trier presentará, su ya polémica,Ninfomanía vol. 1 ( Nymphomaniac, chapter one. 2013), la historia de una chica adicta al sexo y sus descabelladas acciones para satisfacer su impulso.

 La nominada al Oscar, Se levanta el viento (Kaze Tachinu (The Wind Rises). 2013) de Hayao Miyazaki también figura en este festín internacional de filmes. Mientras que tras triunfar en la Muestra de Venecia en 2013, la cinta del canadiense Xavier Dolan, basada en la existosa obra teatral de Michel Marc Bouchard, Tom en la granja (Tom at the farm. 2013), una interesante perspectiva sobre la homosexualidad con el cineasta en el rol principal.

 Ésta vez el país encargado del cierre será China, con la cinta de Jia Zhangke Un toque de pecado (Tian zhu ding2013) del chino, acerca presente convulsivo de China como consecuencia del inapelable clima económico que impera en el país.

 

 La Muestra podrá disfrutarse a partir del 11 de abril con otros destacables títulos como El gran hotel Budapest (The Great Budapest Hotel. 2014).

https://www.youtube.com/watch?v=ds58RJGoX3Y

Animación Mexicana Parte 8: El Chavo (Nota 1)

Continuando con las producciones realizadas por Ánima Estudios, pasamos a su primer gran proyecto de éxito para la televisión. Luego de producciones como los Cascaritos y Poncho Balón, la empresa decidió aprovechar la unión que había creado con Televisa y apostar por un proyecto que se había intentado ya algún tiempo atrás. Con la producción de Roberto Gómez Fernández, Ánima llevó a la pantalla chica las aventuras de uno de los personajes más emblemáticos del gran Chespirito, el Chavo del 8. 

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 La expectativa y los esfuerzos fueron enormes, se trataba de un gran salto y un gran riesgo tomar a un personaje tan querido a nivel internacional. Afortunadamente para la empresa, el proyecto actualmente goza de un gran éxito en América Latina, superando expectativas e incluso forzando a los escritores a crear nuevas aventuras para los vecinos de la vecindad del chavo. Es importante señalar que la serie tomó los guiones originales de la serie Live Action, pero el impacto de la serie los ha obligado a ir más allá de lo que ya habíamos visto. Interpretado por personalidades como el propio Chespirito, Carlos Villagrán, Ramón Valdez y Florinda Meza entre otros.

 

 Con respecto a la serie y viéndola de la forma más objetiva que me es posible, la considero un buen proyecto, el diseño de los personajes cumple con creces al captar la esencia de los mismos y ubicándoLos en las características con que fueron creados, es decir, en la serie original veíamos a adultos interpretando niños, pero en esta versión los niños en verdad lo son. El trabajo de doblaje también cumple aunque también se ha generado polémica al respecto. Animado2 

 Los amantes de la serie original nunca lograron sentirse cómodos con el cambio de voces, incluyendo a su servidor, sin embargo debemos considerar que era un cambio obvio y necesario. Los actores originales ya no pueden desempeñar los personajes (caso aparte del señor Edgar Vivar, quien sí ha llegado a dar voz en este proyecto), la mayoría ya es gente de cierta edad y algunos incluso ya fallecieron. Considero que este detalle no es algo que debamos recriminar, puesto que la producción se esforzó por encontrar voces lo más parecidas posibles, además de que los actuales actores hacen bien su trabajo.

 

 Ojalá pudiera hablar más de esta serie en una sola nota pero hay varios puntos aparte que me gustaría tratar. Por lo mismo, dividiré en dos notas este concepto. Ciertamente las comparaciones entre ambas series son inevitables y justamente creo que el Chavo del 8 original funge como la principal fortaleza del Chavo animado, pero también termina siendo su mayor debilidad. En la próxima nota indagaré mas al respecto.

 

Review: Ilusión Nacional

“Una vez yo tuve una ilusión y no supe qué hacer con ella”  Julieta Venegas

El fútbol es por superioridad, sino es que excelencia más bien, el deporte más popular del mundo. Casi todas las naciones de este planeta lo practican con una selección oficial que represente al país, selecciones federadas mundialmente en la FIFA. Quién desde 1930, organiza la justa deportiva más importante tras los Juegos Olímpicos, la Copa Mundial de Fútbol, o como nosotros llamamos cariñosamente “El mundial”.

 Lo de Olallo Rubio son los documentales, lo supimos con su ópera prima ¿Y tu cuánto cuestas? (2007), lo corroboramos en Gimme The Power (2012) Sí, el que hizo junto a Molotov y le valió varios premios y lo dimos por sentado tras la aparición de su cinta de ficción This is not a movie (2011), la cual, irónicamente a su título, nadie entendió y fue generalmente ignorada por crítica y público. Pero ahora, Rubio viene con todo para presentar una pieza muy bien lograda que lleva por nombre Ilusión Nacional (2014).1948176_635487406524627_994354236_n

 En Ilusión Nacional, el director y guionista expone un muy buen trabajo de investigación documental para adentrarnos al mundo del deporte del balón pie, dándonos una visión amplia de la historia del mismo y su influencia socio política, para hacer un marcado énfasis en la manera que ha afectado desde su práctica a la población mexicana.

 ¿Porqué los mexicanos son tan fieles, incluso cuando las derrotas son más que las victorias?, ¿A qué se debe la mediocridad generada en la práctica del juego?, ¿Qué factores han desvirtuado la calidad del mismo y de sus actores?, Rubio responde a estas preguntas y más, con una visión y diálogo de amplia apertura que conecta plenamente con la audiencia.

 Pareciera que estuviese diseñada para poder ser entendida y entrañable para todo el que la vea, y esto se cumple a la perfección. No es necesario saber de fútbol, conocer su historia o reglas, el funcionamiento de la FIFA, vaya ni siquiera el ser afín a esta práctica, pues al final la cinta se torna entrañable para todos, al ser una amplia gama de lo que el deporte de mayor rango de afición en México significa paras sus jugadores, para los comercios etc.

 Recalco sobre la genial investigación detrás de este documental, Olallo nos presenta imágenes de lo que es necesario ver, no más. Verdaderamente atrapa con la forma en la que une los discursos visual y auditivo para facilitar el impacto del conjunto, rescatando elementos surgidos del detrás de la afición, que se volvieron ejes de cultura popular e impusieron moda. Este es otro de los motivos por el cual uno entiende perfectamente lo que pasa, y hasta se siente analista a la hora de tomar la silla del juez, pues los datos se arrojan de manera que nos son familiares, incluso vivenciales.

 El autor no da un juicio personal directo, más su buen maneje de la yuxtaposición material, complementa un método informativo bastante dinámico, relajado y divertido. Además destaca totalmente la dirección de arte que elige para orquestar el desfile de cuadros, bastante fresco y original.

 En lo personal, para alguien que no es asiduo a este deporte y conoce prácticamente nada del mismo, me fascinó, no solo por los valores fílmicos detrás, sino porque verdaderamente muestra el sentido de automática identificación que todos tenemos ante la selección cuando la moneda en el aire es el mundial. Nos hace parte, nos informa y nos invita a opinar.

 Será determinante que todo fan (y no tanto) acuda a ver este trabajo a la brevedad, que mejor año para lanzar un buen trabajo como este, que el año de Brasil 2014.

Animación Mexicana Parte 7: Imaginum

Luego del estreno de Magos y Gigantes y gracias a ese gran esfuerzo de Ánima Estudios por seguir produciendo cintas animadas 100% mexicanas, el estudio nos trajo una nueva aventura pasando del mundo medieval y mágico al universo tecnológico y de ciencia ficción. He de admitir que la primera vez que vi un póster de esta cinta no llamó de inmediato mi atención, de hecho no tenía conocimiento de que se tratara de una película mexicana hasta mucho después. Si bien la cinta estuvo en salas de cine, la distribución fue poca a comparación de otras películas, me atrevería a decir que incluso su predecesora tuvo más propaganda.

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Pero ya saben que es inútil juzgar a un libro por su pasta, y luego de algún tiempo tuve la oportunidad de ver Imaginum, segundo largometraje de Ánima, debo decir que la sorpresa fue grata. Se trata de la historia de Dante, un niño que se hace amigo de unos alienígenas prófugos que le muestran la tecnología del Imaginum, la fuerza más poderosa del universo. Dante podrá disfrutar de este descubrimiento a la vez que se divierte con sus nuevos amigos, sin embargo también tendrá que cuidar ese enorme poder del alcance de Yxxxxx, un alienígena malvado que planea dominarlo.

Entre los puntos memorables de la película está la historia, que si bien pudiera parecer simple, cumple al darnos un relato entretenido y entrañable, el guion cuenta con diversos chistes menos infantiles que Magos y Gigantes (de hecho por ahí hay algún referente a esta película), aunque muchos de ellos sólo en México serán apreciados en su totalidad. Cabe mencionar que el trabajo de doblaje es igual de bueno, dirigido nuevamente por el señor Rubén Trujillo (Trujo) y la voz del villano está a cargo del reconocido y ya experimentado en doblaje, Eugenio Derbez, cuya interpretación no podría ser mejor para este curioso personaje.

Entre los puntos a mejorar está la paleta de colores, los cuales están bien pero en ocasiones lucen demasiado brillantes y eso pudiera afectar a algún sector del público (en lo que al disfrute de la cinta se refiere). La animación mejoró notablemente aunque aún tiene algunos detalles. Recordemos que Ánima se caracteriza por dar vida a sus personajes mediante las partes previamente dibujadas y las van armando como si fueran marionetas en dibujos; esto hace más rápido el proceso pero a veces afecta la fluidez de la animación.

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Así mismo, y en un muy personal punto de vista, hubiera preferido que las canciones usadas en la película fueran hechas aquí y en español. Magos y Gigantes contó con una banda sonora hecha enteramente en México, mientras que Imaginum recurre a canciones en inglés. En propias palabras de uno de los productores de la cinta, esta decisión se tomó debido a las bajas ventas y aceptación del primer soundtrack. Esto no es un defecto de la película, sin embargo refleja el eterno pensamiento del mexicano de “si es de México, entonces no es bueno”, y eso es sencillamente triste.

Al final Imaginum es una cinta entretenida y divertida que gustará a un sector más amplio del público. Un excelente avance de esta empresa y que vale mucho la pena ver. Para terminar, el hecho de que el poder supremo sea la misma imaginación me parece un detalle verdaderamente maravilloso. Imaginum, una película fuera de este mundo.

                                             http://www.youtube.com/watch?v=OzQNbXRzH0M

Animación Mexicana Parte 6: Magos y Gigantes

Después de casi 30 años de que la animación pareciera ausente en la producción mexicana, una naciente empresa llegó con una interesante propuesta. Ahora el nombre de Ánima Estudio es muy conocido no sólo en nuestro país, sino en toda América Latina, pero muchos ignoran que el 203 fue el año en que esta compañía (en ese entonces novata) se aventuró e incursionó en las salas de cine con la cinta “Magos y Gigantes”, la cual tuvo un modesto éxito, no lo suficiente para sonar en cada rincón del país, pero si para formar las bases de la empresa y volverla el titán que ahora es.600full-magos-y-gigantes-poster

 Si bien la calidad de animación pareciera haber retrocedido en esos años, como si la industria se hubiera reiniciado, la película tiene elementos dignos de analizar. La historia nos remonta al mágico pueblo de Varita Quebrada, donde los tres amigos: Gigante (un gigante enano), Ada (una malhumorada hadita sin alas) y Trafalgar (un mago extraño con deseos de grandeza) se ven envueltos en una aventura para salvar a la princesa Luna, quien fue capturada por el malvado hechicero Titán Caradura.

 El relato es entretenido y tierno, además de que está lleno de valores como la amistad, la determinación y la autovaloración. El diseño de los personajes es muy atractivo visualmente, así como el mundo mágico que se creó para la cinta.

 El trabajo de doblaje es acertado, teniendo los personajes voces de talentos como Rubén Trujillo, Francisco Colmeneros y Arath de la Torre. La música también funciona perfecta con la trama, al igual que las canciones elegidas, siendo quizás la canción “Un Amigo Así” del grupo Ha*Ash la más memorable, además de que es la canción con la que abre y cierra la historia.

 Sin embargo, viendo objetivamente el trabajo, la animación podría haber estado mucho mejor. Se nota de inmediato que la cinta está hecha enteramente en flash, lo que no es malo, pero si le da un toque de animación para internet.

 El público adulto podría aburrirse mucho, ya que es una película cuyos diálogos y chistes se dirigen enteramente al público infantil. La recomendación de este servidor es verla sólo cuando estemos dispuestos a soltar nu estro niño interno, de lo contrario esta película podría ser una experiencia no muy grata.

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 Con esto no trato de decir que la película es mala, de hecho es una cinta muy disfrutable a mi opinión y una de mis favoritas de Ánima, pero cierto es el admitir que tiene sus fallas. En conclusión podríamos decir que fue un buen intento para ser el primer trabajo, y más aún, se aprecia que decidieran realizarla.

 

 ¿Es para todo público?, si y no, la familia entera la puede ver, pero no complacerá los gustos de todos. ¿Es recomendable si te gusta la animación? Ampliamente ¿Es una película animada que vale la pena ver, para conocer más la animación mexicana? Definitivamente.

https://www.youtube.com/watch?v=l4iOgTbVj1o

Fantastic Man: ¿Quién es William Onyeabor?

Mucha especulación se ha hecho sobre quién es William Onyeabor, músico pionero de la electrónica en la década de los setenta en Nigeria. Poco se sabía de él , pese a ser muy reconocido en  su país y seguido por grandes críticos de todo el mundo.

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 Noisey hizo un documental buscando a este enigmático personaje, del cuál poco se conoce y mucho se hablaba. Viajando a Nigeria y conociendo a las personas que colaboraron con él dentro de su carrera.

 Contiene entrevistas con Damon Albarn, Caribou y Femi Kuti.

 Aquí puedes ver todo el documental.

X-Men: Days of Future Past Trailer Oficial #2

El segundo avance de la película más reciente de X-Men está aquí. 2 minutos 37 segundos de tensión por una guerra que viene, que puede resultar en el día del juicio para los mutantes.

 Conocemos al villano de la película, Bolivar Trask (Peter Dinklage) y su ejército de sentinelas. Esta película parece contendrá una gran  y que unirá a lo carga dramática, uniendo a los  X-Men jóvenes con los contemporáneos, esperemos que sea buen material el que veamos este verano.

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Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Animación Mexicana Parte 5: Los Supersabios

El cómic y la animación no son muy diferentes, de hecho van de la mano en la mayoría de sus elementos. Recordemos que una de las actividades preliminares para realizar una animación, es el storyboard, que para fines prácticos es un cómic. ¿A que quiero llegar con esto?, a que no nos debe sorprender cuando un tira cómica da el salto a la pantalla (chica o grande). Tal es el caso de DC Comics y Marvel, por ejemplo, pero en México también se ha dado este fenómeno.

Puede que no a un nivel tan grande como el de los súper héroes de las empresas antes mencionadas, la industria del cómic mexicano no es muy popular (refiriéndonos al hecho en México, no a las traducciones) pero si hay títulos de gran calidad como “La Familia Burrón”, “Kalimán” y “Memín Pinguín”. Ahora pues, debemos mencionar la obra del historietista Germán Butze, un trabajo creado en nuestro país y que eventualmente cobró vida en el mundo de la animación: “Los supersabios”.

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Probablemente pocos sepan de este concepto, ya que se trató de una serie y una película con un paso modesto (si no es que desafortunado) por las pantallas, además de que la cinta es del año de 1978 y no se retransmite ya casi en la actualidad. La historia trata de las aventuras de Paco, Pepe y Panza. Tres amigos científicos que a pesar de su corta edad son capaces de crear inventos de los más avanzados y los usan en pro de la ciencia, a la vez que combaten a los villanos Solomillo y Don Seve.

La cinta no fue del todo bien recibida, de hecho se dice que el creador del comic no gustó de ella para nada. La animación pudiera parecer simple hoy día, pero para la época era una verdadera proeza. Aunado a eso, debemos tomar en consideración los otros puntos destacables en Los supersabios como el valor educativo, la producción bastante aceptable con la que se contaba (de hecho me atrevería a decir que muchos detalles eran mejor cuidados que series actuales) y el orgullo de poder decir que México experimentó con el tema de la ciencia ficción, ¿y por qué no decirlo?, fue de los primeros en abordar el tema de los niños genio, que eventualmente usaran series estadounidenses como El Laboratorio de Dexter y Jimmy Neutrón.

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Es difícil decir si podría gustar al sector infantil de estos tiempos, pero tampoco habría que descartar esa posibilidad. Una serie y una película muy difíciles de encontrar, pero a juzgar por los breves fragmentos que podemos hallar en internet, nos deja un buen sabor de boca a quienes disfrutamos de la animación y ganas de conocer un poco mejor esta fase del entretenimiento mexicano.

http://www.youtube.com/watch?v=W-jdZpJMdxQ

 

Review: Se Levanta el Viento

Ok, ok, ya nos hemos retrasado con el recuento de animación mexicana y aún falta para llegar a la animación japonesa. Pero la verdad es que las noticias no esperan a nadie y los acontecimientos siguen llegando. Hace poco se llevó a cabo la entrega de los Oscares y mencionábamos que la ganadora, Frozen, tuvo a una digna rival a vencer. Esta película es nada menos que la última obra del famoso director japonés, Hayao Miyazaki. El título, The Wind Rises, o en español, Se Levanta el Viento.

 Finalmente la espera terminó y la película ha sido mostrada en algunas salas de nuestro país. Gracias al festival internacional de cine de la UNAM, este servidor tuvo la oportunidad y el gozo de verla. En otra ocasión indagaré en el legado de Miyazaki y el Estudio Ghibli, pero para los conocedores de este artista saben que cuando se habla del buen Hayao, se habla de buen cine. La cinta es simplemente magnífica.

THE WIND RISES. © 2013 Nibariki - GNDHDDTK

 Ciertamente no es algo para todo público, puede haber algunos sectores que no gusten de este tipo de narración o del tema que toca la cinta. Se trata de la historia de Jiro Horikoshi, diseñador de aviones que vivió en la época de la gran depresión de Japón, por los tiempos del levantamiento Nazi e Alemania. Mucha polémica ha generado esta historia ya que el trabajo de Jiro fue usado para fines bélicos, uno de los hechos más representativos fue el bombardeo a Pearl Harbor.

 No obstante resulta fascinante como el tema de la guerra queda tratado al mínimo, sólo lo necesario. La película no es bélica, sino que es una historia de la determinación humana, el trabajo para lograr nuestros sueños y el valor de la amistad y el amor. Al tratarse de Ghibli ni siquiera vale la pena buscar errores en la animación o el arte de la cinta, todo siempre resulta impecable. Las metáforas, la estética y ese mundo de sueños que solo Miyazaki nos puede dar termina convirtiéndose en una película sin más, extraordinaria.

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 El primer tercio pudiera tornarse un poco pesado y lento para algunos, pero eventualmente la historia nos atrapa y nos cautiva. Personalmente, esta cinta me dejó una sensación de gran placer y melancolía por pensar que podría ser el último trabajo de este genio. No es fácil verla hoy día por cuestiones de distribución, pero si les es posible encontrarla, admírenla y prepárense para un viaje lleno de emociones e imaginación. Un agasajo a los sentidos, Se Levanta el Viento, una película que te hace volar. A continuación, el trailer de la película.

 

Peanuts, la película: Charlie Brown en 3D

Peanuts será parte de otra generación, con un nuevo largometraje animado, cuya producción está en camino, contando Snoopy y sus amigos de vuelta. Con un fecha tentativa de estreno para el 6 de noviembre de 2015.

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 Será esta la quinta película inspirada en los personajes creados por Charles M. Schulz, será realizada en animación CGI, pero con acabado plano, respetando la identidad de la caricatura original.

 La primera cinta que se hizo de Peanuts fue Un niño llamado Charlie Brown (A Boy Named Charlie Brown) en 1969, escrita por el propio Schulz y dirigida por Bill Meléndez. Será además la primera en realizarse desde la muerte  del caricaturista.

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 Les dejamos el teaser- trailer:

Ingmar Bergman TV: Regresa el cine de Bergman a la Cineteca Nacional

El cine muchas veces se puede entender por muchos por hacer cine a la pantalla grande, desestimando en gran parte a las producciones en la pantalla chica (la televisión).

 Ingmar Bergman, el muy reconocido director sueco,  ganó mucho prestigio por cintas como El manantial de la doncella (1960), En el umbral de la vida (1958),  Fresas salvajes (1957), Persona (1966), etc. Además de hacer cine a la pantalla grande incursionó  en la pantalla chica haciendo series y películas.

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Fanny & Alexander

 La Cineteca Nacional trae una propuesta bastante diferente a la usual con el ciclo Ingmar Bergman TV, proyectando series y películas para la televisión, realizadas por el renombrado director, en las que destacan Fanny y Alexander, Escenas de un matrimonio, El rito, Documental sobre Farö, entre otras.

 Si bien, hay títulos como Fanny y Alexander, junto a Escenas de un matrimonio, ambas siendo series televisivas que fueron adaptadas a largometraje, la proyección de los capítulos serán de uno por exhibición de 5 y 6 capítulos, respectivamente.

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Escenas de un matrimonio

 Ingmar Bergman TV estará en proyección del 18 de marzo al 6 de abril de 2014.

 Más información en http://www.cinetecanacional.net/

Transformaciones que los llevaron al Oscar

 

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El cine es el medio en el cual todo puede suceder, podemos ver cosas inimaginables hacerse realidad y todo eso sucede también gracias a los actores, quienes les dan vida a los personajes. Los actores deben meterse en el papel, hacerlo parte de ellos tanto en el aspecto psicológico como físico  para de esa forma transmitir al público lo que se desea.

 Existen transformaciones físicas que han llevado a diversos actores a obtener el reconocimiento mas deseado en el mundo del cine, el Oscar. Gracias a la pasada entrega de los premios de la academia, dedicaremos esta nota a esos personajes que han pasado a la historia del séptimo arte, no solo por su bien logrado trabajo sino también por toda la historia que hay detrás de quien lo interpreta .

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 Comencemos por el reciente ganador del Oscar a Mejor Actor, Matthew McConaughey quien obtuvo el premio gracias a su participación en la película autobiográfica Dallas Buyers Club, donde interpreta a Ron Woodroof, un electricista inmerso en el mundo de las adicciones y enfermo de SIDA. Matthew tuvo que perder 20 kilos en 4 meses, algo que logró atraer las miradas y reconocimiento, que junto a su buen trabajo actoral ganó varios premios.

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 Robert De Niro, en una de las obras maestras de Scorsese, Toro Salvaje (Raging Bull), asombró al público por su cambio físico al interpretar el papel del boxeador Jake La Motta. En esta película se ve el cambio por el que pasó La Motta en el transcurso del tiempo en el cuadrilátero y en su retiro, lo que fue todo un reto para De Niro, ya que en esta cinta sufrió dos cambios físicos, siendo el segundo el más sorprendente, aumentando 27 kilos, algo que aparte de que lo llevo a obtener la presea, también lo llevo a caer en una fuerte depresión.

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 Y qué decir de Edward Norton, quien se rapó la cabeza, dejó crecer el bigote y  tatuó una esvástica en el pecho, para interpetar a Derek Vinyard. Para este papel, Norton tuvo que aumentar más de 13 kilos su masa muscular, en la genial Historia Americana X (American Story X).

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 Por último, uno de los cambios más sorprendentes de las películas, el que sufrió la actriz Charlize Theron para interpretar a una asesina de nombre Aileen Wournos, en la cinta Monster. En el drama, podemos ver a esta hermosa actriz, considerada como uno de los rostros más bellos de Hollywood, convertirse en una mujer de complexión robusta y antiestética apariencia, Charlize acepto aumentar una docena de kilos que además fueron complementados con maquillaje. Gracias a que corrió el riesgo con esta magistral actuación pudo obtener la estatuilla dorada.

 Y la lista es larga, muchos otros actores se han sometido a cambios físicos para llegar a meterse en el personaje, hacerlo suyo y lograr obtener el premio más deseado en el séptimo arte, pero por ahora, sólo ellos serán los destacados.

Review: El extraño del lago

Alain Guiraudie es el autor de El extraño del lago (L’Inconnu du lac), película que llega a las salas de nuestro país tras haberse llevado el premio a Mejor Director en la categoría Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes 2013.

 Esta es una cinta que de entrada no es tan fácil de asimilar en sus primeros 20 minutos. La historia es acerca de Franck, un joven asiduo a visitar un lago nudista, que a la par es un sitio de encuentros gay. En el lugar, las relaciones sexuales se dan a diestra y siniestra, incluso a veces sin medida alguna de protección. Ahí conoce a Michel, un adonis por el cual siente una atracción intensa, hasta que un día lo descubre cometiendo un crimen, del cual se vuelve un testigo silencioso, iniciando una relación de amor, deseo y miedo.

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 La cinta se va deshebrando con un ritmo ascendente, presentandonos primero el amplio panorama, para después centrarse en el foco que creará la tensión directo hasta el final. De manera directa, el director nos expone el ambientre promiscuo con escenas de actos sexuales sumamente explícitas, pero curiosamente, llegan a pasar a segundo plano dado el efecto de la acción dramática ejercida.

 Guiraudie busca explorar en un nivel superior la inevitable condición del ser humano a sentirse atraído a aquello que sabemos puede causarnos un mal, salpicando entre los destellos del guion una crítica enorme a la práctica de sexo sin protección y a la sumisión de valores autómata.

 Al tiempo, el director realiza una absorbente alegoría acerca del deseo y la perversión que implica ceder ante la oscuridad tras el. La homosexualidad resulta entonces un mero pretexto para envolvernos en un juego psicológico que busca apaciguar las ganas a pesar de los resultados que pueda conllevar.

 La  inteligente narrativa del filme, crea en el espectador una sensación de necesidad, buscando más y más elementos que sigan la labor de hilar la historia. Con una fotografía muy notable que divide los puntos de conflicto entre luz/sombra de la trama y actuaciones bastante buenas.

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 Impera el silencio musical en todo momento, la idea de aproximarnos tanto a los procesos psicológicos del personaje principal, lleva al propio texto a reclamar su lugar como principal; por lo que, añadir música resultaría trivial y deshonesto al propio concepto.

  La influencia por parte de Alfred Hitchcock es evidente, sosteniendo una tensión general que mantiene al filo de la butaca cuando enreda más sus cuerdas.

 Recomendada para adolescentes y adultos (amplio criterio indispensable tristemente), podrás disfrutar de esta cinta en cines selectos y en la Cineteca Nacional.

Veronica Mars, la película

Hoy es el estreno mundial de Veronica Mars, la película. Luego de tres exitosas temporadas y la espera de una cuarta que nunca llegó, Rob Thomas se pone como meta la creación de un reencuentro en la pantalla grande para todos los fanáticos.

 Aquel que dio vida al personaje de Veronica Mars en 2004, lanzó una campaña de financiamiento (crowdfunding) a través de Kickstarter, consiguiendo su meta inicial de 2 millones de dólares en menos de 12 horas. Ha llegado el momento de que los fanáticos disfruten de un año de trabajo. aunque no será exhibida en cines mexicanos, será a través de algunas plataformas de Internet donde podrán verla.

Algunas cosas nunca cambian
Algunas cosas nunca cambian

 En esta historia, pasaron 10 años y Veronica (Kristen Bell) ha transformado su vida: es una exitosa abogada con una destacada trayectoria, que está a punto de ser aceptada en una firma de Nueva York. Todo marcha bien, pero las cosas cambian cuando recibe una llamada de Logan, a quien culpan de homicidio y pide su ayuda una vez más. Así es como regresa a Neptune, California, donde la delincuencia a crecido y revivirá aquellos años de highschool asistiendo a una reunión generacional que acabará en desastre.

Reencuentro
Reencuentro

 Si eres un fiel seguidor de la serie, disfrutarás mucho de esta producción. De no ser así, puedes pasar un rato lleno de intrigas y buen humor conociendo a esta todavía joven detective: Veronica Mars.

 

 

Aarón Fernández vuelve con Las Horas Muertas

Ciudad de México.- Tiene nueve habitaciones; restemos la bodega. En cada una de ellas no deben faltar sábanas nuevas, toallas limpias y una caja de pañuelos junto a la cama. El trabajo es sencillo, lo único que requiere es un buen servicio, un trato amable y la mayor discreción del mundo. Sebastián lo sabe. Miranda no. El motel se llama “Palma Real”. Allí el tiempo es un caso perdido.

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 El productor y director mexicano, Aarón Fernández (Chihuahua, 1972), se hace presente con la exhibición de la cinta Las horas muertas, un retrato esparcido, en distintas situaciones, que conforman el crisol de  la historia final. El inabarcable paso del tiempo; sus tristezas, sus glorias.

 Sebastián Ramírez Novoa está por cumplir 18 años. Su tío Henry, administrador de un pequeño motel en Guerrero, lo deja a cargo mientras él está bajo examinación médica. Sebastián no repela, conduce la administración con tranquilidad; pero, con el paso de los días, el andar del reloj se torna insoportable. Él es discreto, tal y como le recomendó su tío, hasta que Miranda aparece en el motel, indiscretamente.

 Después de haber presentado la cinta Partes usadas, Las horas muertas cuenta con la intervención del fotógrafo Javier Morón, así como los actores Kristyan Ferrer y Adriana Paz. El largometraje se filmó en el 2012; demoró más de año y medio en salir a las salas de cine. Pero los elogios no se han hecho esperar.

 Miranda es una mujer mayor. Ella sale con Mario, un hombre casado que le ofrece a Miranda apenas destellos de un romance que nació muerto, infructuoso. Cada vez que él la cita en el motel, ella espera. Es en esta pausa del mundo donde conoce a Sebastián. Las miradas los llevan a la conversación, las palabras a la sonrisa y la sonrisa a la complicidad: ya no hay lugar para las manecillas.

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 Este largometraje mexicano ganó el premio a la Mejor Contribución Artística en el marco del Tokio International Film Festival en su edición 26. Actualmente, la misma cinta también está en los proyectores del Festival Internacional del Cine de Morelia (FICM) y se espera que continúe cosechando el reconocimiento que ya obtuvo en Asia.

 La discreción es deliciosa o impertinente según se maneje. Miranda y Sebastián no lo dicen. Las horas muertas es una llamada de atención para quienes pierden el tiempo, para quienes se desesperan, o, simplemente, para quienes lo dejan pasar como si se tratara de un motel. Uno de esos resguardos con propio encanto donde hombres y mujeres hacen de las horas muertas un motivo de vida.

 

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Al final, asegura Miranda, todos los amores van y vienen. Quién sabe el tiempo…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Review: Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman

Dreamworks no será el estudio de animación más famoso, ni mucho menos el consentido de la mayor parte del público; sin embargo, nadie puede negar que cada año crece más y más como estudio, siendo la animación el género en que muestra una gran maestría en ocasiones.

 Desde sus primeras películas en 2D, como El Príncipe de Egipto, hasta sus más memorables logros en 3D, tales como Cómo Entrenar a Tu Dragón, el sello de esta empresa se ha convertido en una garantía de que, mínimo, pasaremos un rato agradable en la sala del cine.

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 La última película de animación que nos brinda este estudio, Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman (Mr. Peabody & Sherman), basada en la serie de televisión de antaño, es verdaderamente una joya. En algunos portales de internet se le dio una crítica negativa con gran influencia al público, sin embargo recuerden que el mejor crítico es uno mismo. En el caso de su servidor, les comento que la película me hizo pasar uno de los momentos más agradables en años. Pocas películas me hacen salir de la sala y querer entrar de nuevo a verla, esta lo logró. 

 La película nos cuenta la historia del Sr. Peabody, un inteligentísimo perro que tras superar todos los logros habidos y por haber de la humanidad, decide buscar el máximo reto… La paternidad. De ese modo, Peabody adopta a un pequeño niño de nombre Sherman y con afán de heredarle su gran conocimiento del mundo, diseña una máquina del tiempo. Sin duda no hay mejor forma de aprender la historia que vivirla. Y es así como esta peculiar dúo nos acompaña a través de hechos como la revolución francesa, el renacimiento, el antiguo Egipto y la batalla de Troya.

 Con una historia simple, pero bien lograda, personajes muy bien elaborados, una animación por demás grandiosa, toques de humor que todo el público adorará y momentos enternecedores que sacarán varias lágrimas, la película sin duda vale la pena. Pero no me crean a mí, véanla ustedes y si tiene la suerte de verla en una sala llena de niños que explotan en risa, como fue mi caso, podrán hasta revivir su infancia y unírseles. No olvidemos otro dato importante, la película nos enseña hechos y personajes históricos, que si bien no nos harán expertos en la materia, si resultan suficientemente educativos para el espectador que no entienda su contexto.

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 Con música del maestro Danny Elfman y un trabajo de doblaje por demás aceptable, Peabody & Sherman vuelan en el tiempo para llegar a nuestra generación y ganarse el corazón de muchos. Una cinta ampliamente recomendable; Definitivamente una adición más a la lista de favoritas de este humilde escritor. Por último, sólo me resta decir que espero se decidan hacer una secuela. Denle la oportunidad, seguro la disfrutarán.

Amor índigo ¿O no?

Michel Gondry tiene como sello su peculiar estilo para manejar los elementos a cuadro, a la par de su visión única de los elementos expuestos.

 En esta ocasión, tras una carrera que abarca títulos geniales como ¨Eterno resplandor de una mente sin recuerdos¨ (Eternal Sunshine Of The Spotless Mind), ¨Originalmente pirata¨ (Be Kind, Rewind), como muy desafortunados como ¨El avispón verde¨ (The Green Hornet), nos otorga una nueva cinta bajo el nombre de ¨Amor índigo¨ (L’Écume des jours). 

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 La historia nos presenta a un hombre joven llamado Colin, con una vida plena y feliz, sostén económico fuerte y ganas de encontrar el amor, esto último ocurre cuando conoce a Chloe, se enamoran profundamente e inician una vida juntos, hasta que un día una extraña enfermedad ataca a Chloe: un lirio acuático está creciendo en su pulmón.

 Gondry comienza a contar la historia de este hombre dentro de un mundo pleno y feliz, lleno de color y sorpresas de la magia cotidiana, para poco a poco comenzar a contrastar este mundo con los problemas que comienzan a llegar a la vida de Colin con la enfermedad de Chloe y otros factores que empezarán a quitarle el brillo a su entorno para sumergirlo en la oscuridad del blanco y negro.

 Visualmente, de principio a fin es una maravilla, con una fotografía poética que habla por si misma a la par que el guión (que destaca por su gran creatividad y contenido) encamina su discurso apoyándose de manera total.

 Gondry exterioriza con metáforas todo el filme, en realidad podría ser el filme con mayor número de metáforas antes expuestas de todos los tiempos. Arroja varias críticas sociales al consumismo, la perversidad en las instituciones religiosas, la valorización de la felicidad a través de la posesión económica, la estabilidad de la pareja ante los conflictos y muchas cosas más.

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 La línea narrativa por la que el director encamina a su obra se mantiene en un intento de atrapar visualmente al espectador, y aunque lo logra, llega un momento en el cual (a propósito, pero bache al fin) el ritmo comienza a aletargarse en la primer parte de la cinta, para acelerar por completo en la segunda y comenzar una evolución cromática bastante interesante que lleva del gozo a la pesadez entera.

 Así como el personaje central de la historia ve modificado su mundo de plenitud en una reducción que parece no tener fin, es la misma sensación que a través del audiovisual va generando esta película, nos lleva de amarla a odiarla en 2 horas con 10 minutos. Pero tras digerirla después de un rato es más sencillo el comenzar a asimilar el porque de las situaciones.

 Las actuaciones principales corren a cargo de Romain Durais, Audrey Tautou y Omar Sy. Trabajos muy bien realizados y acordes a la intención del director.

 Si te gustó ¨Eterno resplandor…¨te gustará, si detestas el cine de arte mejor no acercarse

Labor Day: el infinito síndrome de Estocolmo

Es un lugar común decir que el amor sin locura no es amor, a veces sin importar las consecuencias de semejantes premisas. Nuestras sociedades modernas han querido ver en el acto de amar sin medida ni razón una suerte de redención para nuestra nada afable condición humana. Amar, adorar, reverenciar, conquistar, seducir o coquetear son verbos que necesitan (cuando menos) de dos seres en un continuo intercambio de fuerzas donde, frecuentemente, uno resulta como el dominado, el subyugado, el sumiso.

 Mientras el contrario, aquel ser indómito, difícil y rebelde impone su voluntad, a veces sin dejar notar al primero su calidad de reducido. El síndrome de Estocolmo (aquel donde una persona retenida contra su voluntad desarrolla una relación de complicidad con su captor) y el amor parecieran presentar patrones de locura no tan lejanos uno del otro. Este conflictivo lazo emocional que surge es el cauce principal de Labor Day.

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 Aires de Esperanza (Labor Day) es una película basada en la novela homónima de Joyce Maynard y dirigida por Jason Reitman, en la cual emana de improviso (como suele ocurrir) un lazo que atará el destino de distintas personas que jamás hubiera ocurrido de no ser por estar en el momento y lugar necesarios. Es también una alegoría que intenta dejar en claro que las segundas oportunidades son siempre necesarias, especialmente porque no sabemos cuándo podremos necesitar una.

 ¿Qué es aquello que nos impulsa a caer en semejante síndrome? ¿Cómo logramos establecer un vínculo afectivo con un ser que nos somete? Podría ser parte de la respuesta la soledad que debemos atravesar en algún momento de nuestras vidas. Adele Wheeler (Kate Winslet) es una madre soltera que, atravesando por un momento depresivo, se encuentra de la forma menos esperada con Frank Chambers (Josh Brolin), un convicto que se ha fugado. Así, en compañía de Henry (Gattlin Griffith), el hijo de Adele, comienza a crearse un vínculo entre los tres que tienen un pasado en común, algo que de alguna forma les ata y les lleva al lugar al que se encuentran. Durante la película podremos descubrir que Frank tiene un historial que le condena por algo que, tal vez, nunca quiso hacer y sin embargo debe asumir las consecuencias.

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 Jason Reitman se consolida como un director maduro en cuanto a sus historias se refiere (trabajos previos como Juno o Thank You for Smoking lo vaticinaron). Si bien Labor Day es una película basada en una novela ajena, Reitman logra pulir a sus personajes encarnados por los actores de una forma detallada y natural, lo que asegura consumir un cine creado de forma noble y sincera, que intenta liberarse del grillete hollywoodense. Aunque la trama toma su propio tiempo para cocinarse, de forma general la historia logra desarrollarse de una forma sincera pero no ingenua, sin caer en formas caprichosas ni repeticiones de algo más. El director logra un manejo adecuado de la cámara para resaltar aquellos momentos más emotivos de la cinta, situaciones en las cuales podremos descubrir pequeños detalles que crean un relieve único de los personajes; se logra, con todo esto, un equilibrio entre forma y fondo, adecuado para la historia que se narra. Reitman logra un producto que sin duda dejará una huella en aquellos que la vean, especialmente en aquellos que logren descifrar cuál es el lugar que toman en su relación amorosa: el ser indómito o aquel subyugado.

Reseña 300: El Nacimiento de un Imperio

La gloria griega regresa a las pantallas, de la mano de Sullivan Stapleton y Eva Green como protagonistas. Esta cinta data de los hechos antes de la batalla que tuvieron los 300 espartanos contra los persas y lo que fue de su batalla, el nacimiento del imperio del Dios Rey Jerjes y su mano derecha Artemisia.

 La historia ubica a los griegos y los persas en su expansión de territorio, la respuesta del Comandante griego Temístocles ante la amenaza y las consecuencias que cargarían a la respuesta de Jerjes, la batalla de los Espartanos (300, 2006), y la continuación de la batalla de Temístocles con los griegos, que es en lo que más se basa esta película, en la lucha que lleva Temístocles de principio hasta las últimas consecuencias.

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 Es una película que gracias a sus efectos especiales es muy envolvente en escenas de batalla y otras decisivas en la historia. Pero algunos elementos mal usados, como la fotografía, el tono que resalta los negros y aumenta el contraste, el uso de la sangre (que es muy exagerado por partes)  combinando con el slow motion, llegan a volverla cansada.

 La historia al principio puede confundirte por el manejo de los hechos, pero poco a poco se va acomodando y la trama misma te lo va refrescando. Por momentos puede ser lenta, en otros se recupera pero, sin duda no podría durar ni más, ni menos. Tiene lo esencial para plasmar los hechos y la visión de cómo sucedieron.

 300: El nacimiento de un imperio, tiene lo necesario para atraparte durante los 102 minutos que dura, aunque al salir puedes pensar que pudiste haber visto algo mejor.

Frozen ganadora del Oscar a Mejor Cinta Animada

El pasado 2 de marzo se llevó a cabo la 86 entrega de los Academy Awards. Como es bien sabido, nuestro país se llenó de regocijo ante la victoria de nombres como Alfonso Cuarón, Lupita Nyong´o y Emmanuel Lubezki, en las categorías de Mejor Director,Mejor Actriz de Reparto y Cinematografía, respectivamente. Según la opinión pública, esta ha sido una de las entregas del Oscar más esperadas y reñidas en varios años, los candidatos tenían mucho que dar, por lo que era realmente complicado elegir a un favorito. La categoría de Mejor Película Animada no fue la excepción.

 Ya antes dimos la lista de las películas que compitieron por la anhelada estatuilla, y aunque de las 5 nominadas sólo 2 de ellas eran las que verdaderamente se disputaban el premio, no por eso dejó de ser un momento de sumo interés en la ceremonia. Por un lado teníamos al legendario estudio Disney con su primera producción fuerte en bastante tiempo, sin el nombre de Pixar adornándolo. Basada en la obra de Has Christian Andersen, “La Reina de las Nieves”, Frozen: Una Aventura Congelada.

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 En la otra esquina teníamos desde el lejano oriente la gran (y posiblemente última) obra de Hayao Miyazaki, uno de los grandes genios del anime contemporáneo: Se Levanta el Viento. Por un lado este era un premio que Disney disputaba ya de mucho tiempo atrás, un trabajo que rebasó récords en taquilla y arrasó con otros premios. Por el otro, una historia entrañable dirigida a una audiencia no precisamente infantil, que marcaba el fin de una era crucial para los amantes de la animación (el retiro de Miyazaki).

 Al final la estatuilla fue para Frozen, la que siendo honestos se postulaba como la gran favorita. Opiniones encontradas ha marcado esta decisión, aunque hemos de aceptar que aunque el trabajo de Miyazaki es excelso, Frozen también tenía mucho para defenderse. Sea cual sea el caso, y estén  no estén de acuerdo con el ganador, la verdad es que esta nominación resultó ser ya un gran aliento para la animación japonesa y una magnífica noticia para nosotros, ya que próximamente podremos disfrutar de esta cinta en las salas mexicanas. Cabe mencionar que el resultado fue anunciado por Kim Novak y el ahora ganador del Oscar, Matthew McConaughey.

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 Si no han visto Frozen, háganlo. Sobre todo es recomendable hacerlo en familia y con niños, les puedo asegurar que la experiencia será mágica para todos. Claro, si son de aquellos que no gustan de las historias infantiles y los musicales… quizá sí podrían evitarla. Lo mismo va para The Wind Rises (título en inglés de Se Levanta El Viento), la cual ya he tenido el placer de disfrutar, pero mi opinión se las daré en otra ocasión.

 Y es así como tenemos una nueva ganadora de lo mejor de animación del 2013. Ahora a esperar ansiosos lo que el 2014 tendrá para nosotros, que he de decirles, comenzamos muy bien con cintas como La Gran Aventura Lego y Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman, esperen pronto la reseña de esta última cinta también.

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Un breve análisis de la entrega número 86 del Oscar

Sin duda, entre las más grandes desgracias de la televisión mexicana se encuentran los traductores de eventos en vivo, tal como los Premios de la Academia, pero gracias a la magia del SAP, pudimos disfrutar de una entrega bajo la batuta de la siempre genial Ellen DeGeneres.

 Gravity se coronó como la máxima ganadora de la noche con un total de 7 premios, entre los cuales forzosamente destacan el galardón a Mejor Director  otorgado a Alfonso Cuarón y Mejor Fotografía para Emmanuel Lubezki. Ambos importantísimos (y merecidísimos)  reconocimientos al genio y figura de los mexicanos, ya que de verdad ambos realizaron el trabajo más destacable del año en sus respectivas áreas, logrando nuevos estándares en cinematografía y en sus propias carreras.

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 Las categorías actorales cumplieron en lo estimado, levantando la presea a mejor actor Matthew  McConaughey por Dallas Buyers Club, misma cinta que valió mejor actor de reparto a Jared Leto. Sin duda Leto era el merecedor indiscutible al tener todos los elementos que a la academia gustan para un premio: transformación radical, una actuación sólida, conmovedora y el reconocimiento en toda premiación previa (Golden Globe, SAG, Spirits, Critic’s Choice).

 También hubo queja por el hecho de que Leonardo DiCaprio perdiera ante McConaughey, pero al final nos queda recordar que la propia academia cometió un grave error al no reconocer en 2001 a Kate Hudson por Almost Famous , premio que sin duda hubiese llevado por el mismo camino de calidad a Hudson, quien en ese momento encontraba el mismo renacer en su carrera que McConaughey está teniendo, ¿No iban a cometer el mismo error dos veces, o sí? Además Leonardo ya es un gran actor y vienen muchas cosas para el, bueno, eso confiamos.

 Por su parte Cate Blanchett destacó como mejor actriz por Blue Jasmine, cinta donde en verdad da una cátedra de actuación y además era la favorita, tristemente Meryl Streep se encontró en el momento donde es tan sublime al actuar que ya no logró asombrar a la academia esta vez con August: Osage County, dónde realizó un auténtico duelo actoral junto a Julia Roberts, otra nominada cuya excelente actuación (no cualquiera se logra poner a la par de Meryl Streep), se vio opacada por el inevitable brillo de la primeriza, pero genial, Lupita Nyong’o.

 Spike Jonze se llevó mejor guión original por Her (deseo cumplido para todos los que temíamos que se lo llevara American Hustle, por dado el amor que Hollywood ha manifestado tenerle), mientras que 12 Years A Slave se llevó a casa mejor guión adaptado, premio que le aseguró finalmente mejor película, favorita por la crítica y el público.

 Sorpresas:

 – Mr. Hublot como corto animado, fenomenal y de mayor calidad a la expectativa de ¨Get A Horse!¨

 – Pink y su tributo a The Wizard Of Oz.

 ¿Premiación justa? En lo absoluto, generalmente hay molestias o casos de ¨¿Cómo fulanito de tal pudo haber ganado? ¨ (inserte aquí el dilema de Argo ganando mejor película el año pasado), mas sin embargo, esta ceremonia tuvo una división agradable (y hasta predecible) de las estatuillas y todos terminaron muy contentos.

 ¿Predicciones al siguiente año? Aún no, pero seguramente Meryl Streep estará ahí.

Animación Mexicana Parte 4: Katy, Kiki y Koko

Continuando con la historia de la cinematografía animada en México, hablaré esta semana de una secuela. Antes hice referencia a la cinta “Katy la Oruga”, la cual nos contaba la historia de una pequeña oruga y su travesía para convertirse e mariposa. Pues bien, esta cinta fue acreedora a una segunda parte que nos demostraba que aún cuando hemos logrado nuestro sueño, siempre hay mas aventuras por vivir. La primera parte nos hablaba del camino de una niña para volverse mujer, esta segunda parte nos cuenta de una mujer que debe volverse madre.

Si bien se trata de una película que no es totalmente de este país ya que fue en co-producción con España, ciertamente tiene toda la estética y todo el toque mexicano con el cual nos podemos identificar fácilmente. Su trama ingresa a nuevos personajes, conserva algunos cuantos de la primera película (aunque por supuesto en edad más madura) y se anima a tomar un rumbo un poco más fantástico.

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Por raro que suene, mientras que en la primera parte el peligro radicaba en cuervos y un gato de los campos, esta vez los personajes se enfrentan a fuerzas extraterrestres. Literalmente los protagonistas deberán salvar su mundo de los extraños invasores, recurriendo así a enseñanzas que ya teníamos antes como la amistad y la determinación. No obstante, el punto clave no es ese en la película, sino en la evolución que el personaje de Katy tiene ya como una mujer madura. La ingenua oruga ahora tendrá que ser el apoyo de los dos pequeños, Kiki y Koko, que dependen de sus acciones.

En el lado de los niños también tiene su encanto. Uno podría pensar que esas historias de niños que deben salvar a todos los adultos fuera absurda… pero recordemos que estamos frente a una cinta infantil. Así mismo, el objetivo de la película va más allá de mostrar que los pequeños lo pueden todo. Kiki y Koko resultan ser criaturas muy vulnerables e ingenuas en muchos aspectos, pero salen adelante con la ayuda de su madre y de sus amigos. A fin de cuentas, se trata de un esfuerzo en conjunto. Los adultos son la base para que la situación avance, pero los niños no son para nada elementos inútiles y de hecho son muy importantes en el relato.

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Por eso y en conclusión, si disfrutaron la primera parte pueden estar seguros de que lo harán también con esta. Una película que aún llega a transmitirse en televisión y que resulta una grata experiencia en familia. Para algunos quizá muy infantil, pero no olvidemos que si la animación nos ha enseñado algo es que todos tenemos un niño interior que sueña con que lo dejemos salir de vez en cuando. Nos lo agradecerá y nosotros mismos lo haremos.

 

Review: La Gran Aventura Lego

Desde hace algunas semanas iniciamos con una semblanza sobre la animación en nuestro país, sin embargo a fin de ir variando un poco las cosas y no tornar esto rutinario y aburrido, haremos de vez en cuando algunas pausas en el tema. Esto no significa que la sección de animación mexicana haya terminado, aún falta para eso. Simplemente en esta ocasión quise traerles un comentario respecto a la más reciente película de animación que ha llegado a las salas de cine: La Gran Aventura Lego.

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Esto no es una crítica y no se le dará una calificación a la cinta, ya que eso siempre es muy subjetivo. Únicamente hablaré de los puntos positivos y negativos que como espectador pude apreciar. Realmente no se tendría que hablar de algo como un punto en contra, ya que la película es realmente buena. Quizá lo único que se podría señalar es que con el historial que tiene Lego con base a sus cortometrajes y videojuegos esperaba una mayor dosis de humor. No digo que no tenga varios momentos graciosos, aunque sí es definitivamente una película en la que los pequeños reirán más que los grandes.

Ahora pasemos a las cosas positivas de la película: la historia es al principio simple pero entretenida, la típica travesía del héroe que comienza siendo nadie para volverse el salvador del mundo. Eventualmente la trama toma un interesante giro el cual no revelaré para no arruinar la sorpresa a quienes no la han visto, sólo diré que podría dar lugar a una curiosa discusión filosófica digna de obras como “El Mundo de Sofía”. Los personajes están bien “construidos” así como los escenarios. El trabajo de doblaje es totalmente digno y profesional, dándoles la personalidad que cada uno necesita.

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Así mismo, cabe mencionar que el trabajo de animación es magistral, podríamos estar ante uno de los fuertes contendientes al Oscar 2014. Tengo entendido que se trata de animación digital, pero no queda claro si se trata de 3D o de stop motion, como sea, los efectos están perfectamente logrados. Es todo un deleite ver elementos como agua, fuego y humo creados con piezas Lego.

Al final, La Gran Aventura Lego termina siendo una excelente opción para ver en familia. Los niños disfrutarán de una aventura divertida y los adultos podrán apreciar otros elementos entre los que no se escapa una que otra crítica social que abarca temas como la poca tolerancia, el conformismo, la rutina y la falta de información del pueblo. Pareciera una película infantil, y lo es, pero es de esas obras que se atreven a ir un paso más allá.

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Animación Mexicana Parte 3: Katy la Oruga

Otra de las joyas de la cinematografía animada de nuestro país es una un poco mas conocida que las obras que mencioné anteriormente, sin embargo tampoco cuenta con una gran fama, cosa que resulta triste tomando en cuenta que hay algunos animadores que inclusive no conocen un poco más a fondo el medio en el que trabajan.

Se trata de Katy la Oruga, dirigida por los hermanos Santiago y José Luis Moro. Es una película de carácter infantil, con una animación un poco más fluida que otros trabajos que hemos abordado, aunque aún conserva ese toque “clásico” que nos hace ver que es una producción que ya lleva varios años que se realizó. El argumento consiste en la vida de una pequeña oruga que lucha por convertirse en mariposa, lidiando los peligros que el mundo tiene y siendo ayudada también por diversos amigos que hace en su travesía, siendo el caso más representativo el del ratón Gilberto.

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La cinta fue realizada en el año de 1983 y aunque su público consiste en niños, también trata temas maduros que abordados desde la perspectiva de la tierna oruga, pueden ayudar a los pequeños a saber cómo cuidarse en varias situaciones de la vida. En esta cinta se muestran valores como la determinación y la ambición de ser algo mejor, pero también los villanos presentan numerosos defectos humanos como la envidia, la soberbia, la maldad y el materialismo.

Citando un ejemplo de estos comportamientos, tenemos una escena que en la opinión de este escritor llama mucho la atención. Durante su viaje, Katy encuentra a un sapo que es propietario de una tienda y este personaje hace lo posible por venderle un botón. Un objeto que él mismo le dice que de nada le servirá, pero que el encanto de las cosas materiales a veces solo consiste en poseerlas, aunque jamás las utilicemos. Por si esto fuera poco, Katy firma un contrato en el cual se compromete a pagar por dicho botón, demostrando como las personas a veces pueden ser tan hábiles y otras pueden ser tan ingenuas.

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El doblaje de la cinta estuvo a cargo del legendario Francisco Colmeneros y contó con las voces de otros grandes actores de voz como Cristina Camargo (Heidi), Alfonso Obregón (Shrek) y Esteban Siller (Gargamel) q.e.p.d. No es una película fácil de conseguir, al menos no en formato DVD o Bluray, pero en internet puede ser disfrutada y definitivamente se trata de un proyecto digno de verse. Ampliamente recomendable y entrañable, tanto así que incluso contó con una secuela de la cual hablaremos la siguiente semana.

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Animación Mexicana Parte 2: Oliver Twist

La semana pasada dimos inicio a la sección de la industria mexicana en animación e indagamos un poco en la primera producción hecha en nuestro país. A partir de aquí ya no seguiremos cronológicamente, sino por secciones que incluyan a las empresas, estilos y directores mexicanos. La producción de la que hablamos antes, Los Tres Reyes Magos, fue obra del señor Fernando Ruiz. La siguiente película de la que hablaremos se trata de la segunda de las dos películas que este hombre dirigió.

Pero antes les cuestiono: ¿La tienda Sears tiene algo que ver con la industria de la animación?… la respuesta es un SÍ. Hace ya varios años, esta tienda tuvo como promoción navideña obsequiar un VHS al realizar cierto número de compras. Dicho video contenía la película “El Pequeño Ladronzuelo”, también de Fernando Ruiz.

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Es un poco confuso encontrar esta película, ya que es conocida también como “Las Aventuras de Oliver Twist” y fuera de aquella promoción la película no se ha distribuido. Puede no ser una cinta muy popular, sin embargo es una película que vale la pena ver. Con un estilo muy similar a su predecesora en cuanto a animación y diseño de personas, aunque tomando una estética más europea al tratarse de una historia que se desarrolla en Londres.

En esta ocasión tenemos una película musical con bellas canciones hechas por Plácido Domingo Jr. La historia es la que todos conocemos, el clásico de Dickens es muy bien transportado al dibujo animado con algunos ligeros cambios para hacerlo más apto al público infantil. Tiene de todo, drama, comedia, escenas emotivas e incluso algunas partes de terror ligero que en verdad proyectan el sufrimiento de Oliver ante las desventuras que se le ponen al frente.

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El único detalle que quizá podría mencionar, y que creo que pudo manejarse de otra manera, es el diseño del protagonista. Según esta versión, Oliver es un niño muy frágil y noble, de rasgos muy finos y delicados. Un personaje muy vulnerable pero muy dulce a la vez, lo que lo hace víctima perfecta de las malvadas autoridades del orfanato y por supuesto el siniestro Bill Sikes.

Este manejo del personaje resulta interesante y aceptable, no obstante, entre ese diseño “muy bonito” y el que la voz de Oliver sea interpretado por la actriz de voz, Rocío Garcel (Bulma en Dragon Ball), hacen que sea fácil confundir a Oliver con una niña. Garcel hace un gran trabajo y su voz le queda al personaje, la mayor parte del tiempo sí parece que habla un niño, pero en ocasiones no puede evitar sonar muy femenina.

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Fuera de este detalle, “El Pequeño Ladronzuelo”  es una obra muy buena, agradable a la vista y al oído y un deleite para quien guste de las producciones animadas, las historias clásicas de Dickens… y por supuesto, orgullosamente mexicana.