Review: Aviones 2 Equipo de Rescate

Resulta complicado hablar de una serie de películas como esta de forma objetiva y sin apuntar a uno de los lados extremos del público que tiene, y es que siendo honestos, estas cintas son de esas que tienen a quienes las aman y otros quienes no las toleran. En lo personal, jamás he entendido el fenómeno que envuelve a estos títulos, originalmente creados por Pixar y ahora siendo elaborados por Disney Toons. Por un lado, no comprendo el motivo por el que estas películas son tan odiadas por algunos sectores, y de igual forma, ignoro por qué a pesar de esa negación del público, se siguen llevando a cabo.

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 Debo confesar que no soy fan de Cars (Cars, 2006), no vi la segunda película de esta saga ni la primera parte de la versión aérea, es decir, Aviones (Planes, 2013); no obstante, el hecho de no haber tenido la oportunidad de verlas no significa que no me gustaran, de hecho, no considero la película de los coches como una mala película.

 Ciertamente no son las películas más entrañables, originales y divertidas de la historia, pero tampoco creo que deban ser despreciadas. Es curioso que el resultado final no resulte tan mágico como otras películas animadas, ya que si nos ponemos a pensar tienen todo lo necesario: una historia emotiva, momentos de humor, buena animación, actuaciones aceptables y una premisa entretenida. Quizá el motivo sea la forma en que los proyectos fueron llevados, pero es un tema en el cual jamás nos pondremos de acuerdo.

 Menciono esto para dejar claro que mi impresión de la película Aviones 2: Equipo de Rescate (Planes: Fire &Rescue, 2014) no está basada en la continuación de una historia, sino en la película que vi. Muchas veces nos dejamos llevar por productos anteriores y no damos el valor adecuado a las cosas, por decirlo, nos gustó por la que 1 estuvo buena y esta siguió la trama… o lo opuesto, la 1 estuvo mejor y en la 2 arruinaron todo. Quizá fue mejor que viera esta segunda parte sin conocer a su predecesora (que es raro ver una secuela apenas un año después del estreno de la primera parte), que según dicen, es prácticamente la cinta Cars, pero con avioncitos.

 Lo primero que nos queda claro en esta película, dirigida por Roberts Gannaway, es que tiene como objetivo principal rendir homenaje a los valientes esfuerzos de los bomberos que día con día arriesgan sus vidas en el cumplimiento de su deber… y es que literalmente vemos esta frase antes incluso de la característica animación del castillo Disney. Si bien la labor de dichos héroes es algo totalmente digna de reconocer, admito que esto baja las expectativas de la cinta al pensar que veremos una película donde Estados Unidos se engrandecerá a sí mismo y a su gente (cosa que jamás vemos en el cine, ¿verdad?).

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 Sin embargo y conforme la cinta va avanzando, esta cuestión no estorba a la trama y nos permite disfrutar de una película entretenida y en ratos emotiva, sin embargo, tampoco llega a ser totalmente entrañable. En los aspectos técnicos no hay queja, Disney nos tiene acostumbrados a una calidad prácticamente impecable en animación y arte y esta no es la diferencia. Los personajes con simpáticos y aunque son maquinas cada uno tiene su personalidad bien definida. Aún así, lo que siento que destaca mas es la creación de escenarios, que aunque siempre los vemos como una caricatura, están muy bien elaborados. Algo que me gusta de esta saga y la de los autos es el divertido detalle de que todo es un mundo de autos y aviones: Montañas, árboles, nubes, animales, etc, en todo hay una de estas figuras ocultas que nos harán sonreír al descubrirlas.

 Las secuencias de acción son grandiosas, destacando una escena de un gran incendio forestal que en momentos de verdad impacta. La animación de fluidos es otro detalle que se debe aplaudir, ya que elementos como agua, fuego y humo son muy usados en esta historia y de verdad logran lo que quieren con ello. Ahora, si se preguntan si es una cinta que debe ser vista después de la primera parte, les comento que aunque si es recomendable hacerlo, no tendrán ningún problema para entenderle y comprender la relación de los personajes aún si se perdieron la anterior (lo digo por experiencia propia).

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 Eso es lo bueno, ¿y lo malo?… Pues, realmente no encontré más que un error en la película, lamentablemente es uno muy grande: No es algo muy entrañable, como comenté antes. Y es que la mayoría de las cintas animadas nos dan la garantía de que o nos harán reír mucho, o nos harán tener una bonita sensación con una historia tierna y conmovedora, y esta película se queda corta en ambos aspectos. Ciertamente la trama se presta a ser emotiva, hay momentos de gran heroicidad, amistad, conflictos personales y momentos jocosos, pero no es nada jamás antes visto.

 Personalmente jamás me reí, no me aburrí, pero tampoco hubo algo que me diera un ataque de carcajadas. Al final de la película y al salir del cine no me sentí robado, no lamenté haber pagado mi entrada ni pasar 83 minutos viéndola, me sentí bien y creo haber visto una buena película… pero tampoco salí adorando el producto. Por decirlo fríamente, es una cinta que cumple su labor de entretener y pasar un buen rato en familia, pero hasta ahí.

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 En cuanto a si la recomendaría o no, pues creo que eso depende de cada uno de ustedes. No se necesita ser un experto para saber a qué tipo de película se están metiendo y cada uno sabe qué tipo de cine le gusta y no le gusta. Afortunadamente tampoco es una película que hace sufrir a los adultos, no tiene chistes absurdos ni momentos ñoños, no es una cinta orientada a niños muy pequeños y ese detalle creo que ya es un gran logro en una película clasificación AA. Para concluir les comparto que la sala en la cual me encontraba estaba llena a medias, y durante la función escuché risas y frases emocionadas de muchos niños, así como vi a 3 familias retirarse antes de que la película terminara e incluso a un niño decir “ya me aburrí”.

 En conclusión, es una película que si quieren darle una oportunidad no les quitará nada, estoy casi seguro que se la pasaran bien. Pero si deciden no verla o esperar a rentarla en DVD, tampoco se perderán de mucho. Eso sí, aunque no es algo destacable tiene buenas moralejas como la determinación, el valor de seguir adelante a pesar de haber tropezado antes y la importancia de ayudar al prójimo.

http://www.youtube.com/watch?v=om8ukSA70hM

 

Con sabor al norte- historias de vampiros

 Uno de los seres míticos más famosos del cine y la literatura son los vampiros. Estos seres con apariencia humana que se alimentan de la sangre de otras personas; dotados de una belleza y seducción casi mágicas, pero con el temor a mostrarse a la luz del día. Suena bastante interesante para ser ficción… pero como toda leyenda, hay cosas que se asemejan a una realidad más siniestra.

 El vampiro más famoso es sin duda es el Conde Drácula, pero en la vida se llamaba Vlad Draculea. En realidad este hombre fue un famoso guerrero rumano que luchó contra la invasión de los otomanos en el siglo XV. Los rumores de las torturas que les infringió a sus prisioneros fue lo que, con los años, lo hizo el mito que es ahora.

Vlad Draculea

 Para mí, la que debería tener tal lugar en vez de Vlad, es la Condesa Sangrienta Elizabeth Báthory. No estoy segura de que le hayan hecho un film, pero deberían. Leí hace tiempo un libro de esta mujer donde hablaba de cómo maltrataba a las mucamas jóvenes de su castillo. Arrancaba pedazos de piel de jovencitas con sus propios dientes y se bañaba en sangre de cortesanas para “mantenerse siempre hermosa”. Al final la descubrieron por todo el olor a muerte que se podía percibir en el castillo, la aislaron en una torre donde sellaron la puerta con piedra y fuera se puso una placa diciendo “Aquí yace Elizabeth Báthory, la condesa condenada a muerte”.

Libro sobre la Condesa Sangrienta, disponible en epublibre.org

 A decir verdad, creo que los únicos que copiaron tal historia fueron los escritores de AMERICAN HORROR STORY: COVEN. Pero la hicieron con una dama francesa y rica que se hacía mascarillas con sangre de afroamericanos para mantener su juventud.

Madame Lalaurie de AMERICAN HORROR STORY: COVEN, historia inspirada en la condesa sangrienta

 Pero, en el film de NOSFERATU podemos ver la primera personificación de un vampiro tal cual lo imaginaríamos en nuestros días. De hecho, el actor que hizo al siniestro vampiro causó miles de leyendas por su aspecto. Entre ellas el hecho de que le habían pagado por morder el cuello de una persona en verdad. Los rumores nunca fueron comprobados.

http://www.youtube.com/watch?v=rcyzubFvBsA

 Ahora lo que hemos visto es un punto de vista más a lo romántico con Crepúsculo, historia que muchos dicen, acabó con el terror de los vampiros que aparecían en las novelas de Anne Rice, por ejemplo.

 Es cuestión de verlo bajo la perspectiva, en el caso de aquellos que piensan que los vampiros ahora solo brillan bajo el sol, existe una novela sueca muy interesante que podría llamar su atención.

 LET THE RIGHT ONE IN, es una novela escrita por John Ajvide Lindvist y es, a mi parecer, una historia muy ruda. El hecho de que existan las películas y ambas también toquen temas fuertes no tienen comparación con el libro.

LET THE RIGHT ONE IN es un libro que se llevó al cine en versión sueca y estadounidense. El libro toca temas más serios que en los films.

SPOILER:

 El punto por el cual me asquea y al mismo tiempo me maravilla la historia fue que el vampiro es un niño hermoso de doce años, que parece una niña. Hasta donde entiendo Eli (el vampirito), se lleva consigo a niños y los quiere para que, cuando crecen, maten en su lugar.

 Lo más aterrador es que cuando dicho niño crece enamorado de Eli desarrolla pedofilia, porque desea sólo al vampiro y si no consigue que éste le quiera, es capaz de conseguir amor en otra parte.

FIN DE SPOILER

 Las historias de vampiros todavía tienen muchos temas por tratarse y espero que sigan existiendo, porque a pesar de que mi estómago y mi sentido humano dice “cierra ese libro, por lo que más quieras” no puedo hacerlo.

Animación Universal: Las Trillizas de Belleville

 Siguiendo con las producciones realizadas por más de un país, en esta ocasión hablaré de una cinta producto del trabajo conjunto de Francia, Bélgica y Canadá. Dirigida por uno de los grandes del comic y la animación francesa, Sylvain Chomet.

 La película Las Trillizas de Belleville (Les Triplettes de Belleville, 2003) resulta ser una mezcla de drama, acción y un poco de comedia trágica que termina siendo una obra maestra de la animación y la cinematografía.

 La historia sigue las aventuras de Madame Souza, una adorable viejecita que queda al cuidado de su nieto, quien es víctima de una gran depresión por la ausencia de sus padres. Entre los intentos de la anciana por animar al niño, descubre la fascinación del pequeño por el ciclismo, pasión que eventualmente lo lleva a correr en importantes competencias como es el campeonato de Francia.

 Durante una de las competencias, el ciclista es secuestrado por la mafia francesa junto a otros concursantes. La abuela lo descubre y sigue a los delincuentes para salvar a su nieto. En su travesía recibe ayuda de tres viejas estrellas del espectáculo en plena decadencia, las trillizas de Belleville.

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 Sobre los los aspectos técnicos: La animación en 2D (y seguramente de forma tradicional) es impecable, los movimientos son fluidos y bien logrados. El estilo con colores cálidos en su mayoría nos recuerda a artistas como Toulouse Lautrec, es como si viéramos una vieja revista con movimiento, estilo que se convierte en algo encantador.

 La cinta no es muda, pero es curioso el manejo casi nulo de diálogo entre los personajes, casi todo se plantea con mímica y algunos sonidos, no obstante, la película es perfectamente entendible. Tiene momentos muy cómicos así como muy emocionantes y otros muy emotivos.

 La historia es algo extraña pero a la vez con un toque realista. Definitivamente es una película que tenía muy bien planteado lo que quería lograr y se realizó con la suficiente madurez de cintas como Los Intocables (The Untouchables, 1987), pero también con elementos fantásticos y hasta absurdos que darán momentos divertidos, pero no harán perder el interés ni el tono de la cinta. En verdad, un enorme logro en lo que respecta a contar una historia.

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 La película estuvo nominada a diversos premios entre los años 2003 y 2005, siendo acreedora de del premio Boston Society of Film Critics a mejor película de habla no inglesa.

 También hay que destacar el detalle del inicio de la cinta, en donde vemos a modo de flashback el momento de apogeo de las trillizas en una escena en blanco y negro y con una animación muy similar a los orígenes de este arte. Es un excelente toque para demostrar el tiempo en que se desarrollan las situaciones.

 Es un film que se puede gozar ampliamente y quizá el único detalle que no gusta demasiado es el mismo diseño de los personajes. El ciclista jamás cambia su expresión de tristeza y algunos personajes son muy extraños y hasta grotescos, pero es un detalle mínimo al final de la película.

 El sentimiento que nos deja es muy agradable y es una película 100% recomendable. Una obra maestra de principio a fin.

Animación Universal: El Secreto de Kells

 Aunque aún faltan un par de cintas de animación mexicana por mencionar (las que están próximas a estrenarse) , creo que es conveniente comenzar con esta nueva sección para dar un poco mas de frescura y que un servidor tenga oportunidad de analizar con mayor profundidad las cintas faltantes, (de las cuales he de admitir), se muy poco en este momento.

 En esta ocasión abro la sección Animación Universal, en la cual hablaré de cintas de animación extranjera que quizá no sean muy populares pero que tienen índices de calidad muy buenos y merecen ser conocidas. La distribución nula o escasa de varias de ellas es una gran limitante, por lo que es probable que no se encuentren con facilidad los títulos aquí mencionados. Pero créanme que si lo logran, no se arrepentirán.

 Hoy les hablaré de una película que a pesar de su estilo sencillo en 2D resulta ser un verdadero éxtasis para los amantes del cine, las historias mágicas y la animación. Se trata de la co-producción Belga-Irlandesa-Francesa, El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009). La película dirigida por Tomm Moore y Nora Twomey, quienes unen esfuerzos con la empresa Cartoon Salon. Resulta ser una historia entrañable, con tintes de cuento infantil pero lo suficientemente madura para llegar a los corazones del público adulto.

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 La trama consiste en la aventura de Brendan, un niño que vive en una ciudad controlada por su tío, el Abad Cellach, quien con el afán de proteger a su pueblo ha mandado a construir una gran muralla alrededor de la ciudad y de esa forma aislarlos a todos de los peligros del exterior (siendo un ataque vikingo el mayor de ellos). El niño no muestra deseos de ir más allá de los establecido hasta que conoce al monje Aidan, un sobreviviente del ataque de los vikingos que llega portando un antiguo manuscrito incompleto del legendario libro de Kells.

 Al conocer a Brendan, Aidan queda convencido de que el muchacho es el único que puede ayudarlo a terminar el manuscrito sagrado puesto que él poco a poco va quedando incapacitado para hacerlo. Brendan queda fascinado con la misión; sin embargo, ayudar a Aidan representa desobedecer las órdenes de su tío en todo sentido, lo que lo llevará a aventurarse al misterioso bosque donde conoce a Aisling, un espíritu guardián del bosque. Y eventualmente, a enfrentar no sólo a los vikingos, sino a un horror que ha estado oculto por mucho tiempo.

 La premisa es muy atractiva y recurre a diversos elementos interesantes de la mitología irlandesa y celta. La animación aunque de carácter muy caricaturesco está magistralmente lograda, los personajes expresan mucho, hay fluidez en sus movimientos y es muy fácil identificarse con ellos.

 La paleta de colores es muy agradable a la vista, es un estilo verdaderamente hermoso y artesanal que le va perfecto a una trama como esta. Es impresionante como cada detalle está hecho enteramente en 2D haciendo uso nulo de otros estilos que en producciones similares se ha recurrido para facilitar el trabajo. Asimismo, el carácter surrealista de algunas escenas, jugando con las perspectivas y los escenarios es grandioso, además es un riesgo que la producción tomó y superó con creces, ya que considero que en otras manos pudo quedar como un espectáculo caótico y extraño que hubiera desesperado a más de uno.

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 Quizá el único “pero” que pudiera ponerle a la cinta es que me habría gustado que se desarrollara más la relación entre Brendan y Aisling. No consiste en una relación romántica, pero sí en una amistad pura y tierna entre un niño humano y un ser mágico del bosque que, aunque si tiene continuidad, es poco lo que vemos al final. Puede ser que los directores lo vieran como un detalle menor, o que quisieran dejarlo a la imaginación del público, que son buenos argumentos pero personalmente me habría parecido un gran detalle indagar un poco más en ello.

 Fuera de eso, la película es una joya de la animación en todo sentido y si no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una historia que nos muestra el valor de la amistad y la determinación: cómo el tratar de sobreproteger algo de forma fanática y que pueda llegar a ser contraproducente. Como algo tan simple como hacer unos cuantos dibujos puede ser la diferencia y puede ser la respuesta a aquello que estamos buscando.

Marnie: La Nueva Cinta de Ghibli

 Para algunos quizá el nombre de Studio Ghibli no diga demasiado, sin embargo para los amantes de la animación y el animé definitivamente es uno de los términos más emblemáticos, amados y legendarios del medio. Próximamente podremos disfrutar en cines comerciales la más reciente producción de este estudio, (y curiosamente) uno de los más esperados al ser la obra de despedida de uno de los dos genios detrás de esta maravillosa empresa: Hayao Miyazaki.

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 ¿Pero… ya que él y su compañero, Isao Takahata, junto a otros talentos característicos del estudio están prácticamente en el retiro, la calidad de sus producciones se verá afectada? Si bien es cierto que no todas las cintas han sido dirigidas por estos dos maestros, siendo ejemplos de ello películas como: Cuentos de Terramar (Tales from Earthsea, 2006), El Regreso del Gato (The Cat Returns, 2002), Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1993), La Colina de las Amapolas (From Up the Poppy Hill, 2011), El Mundo Secreto de Arriety (The Borrower Arriety, 2010) y la queridísima Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995); la verdad es que tanto Miyazaki como Takahata han estado siempre al pendiente de lo que se realiza en sus dominios.

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 Luego de varios años de intenso trabajo, el estudio finalmente se despide de ambos (al menos eso parece) y algunos pudieran estar preocupados al respecto. No obstante, recientemente se ha revelado el tráiler del que será el primer largometraje hecho enteramente con la ausencia de los antes mencionados. El título del proyecto es When Marnie was There (con una traducción tentativa de “El Recuerdo de Marnie”), estará basado en la novela de la británica Joan G. Robinson y será dirigido por Hiromasa Yonebayashi.

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 La historia trata sobre Anna, una adolescente solitaria y con serios problemas para relacionarse que pasa una temporada con una familia cerca de la costa. Ahí conoce a Marnie, una extraña muchacha que se volverá su amiga y juntas irán develando varios misterios que las implican a ambas. Como podemos apreciar en el tráiler, el estilo de Ghibli se mantiene muy fiel y de hecho los conocedores de su filmografía podrán encontrar diversas similitudes con cintas anteriores, quizá algunos homenajes a sus fundadores. Sin embargo, el estilo también tiene cierta frescura y promete algunas sorpresas y cambios, se ha mencionado que la cinta será de un tono un poco más oscuro.

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 Por lo pronto podemos estar tranquilos y expectantes de lo que esta nueva producción nos ofrece, seguramente el estudio está en muy buenas manos y aún seguirá fascinándonos por muchos años más. Lo único malo de todo esto es que aunque la película se estrenará pronto en Japón, aún faltará tiempo para que llegue a México. Mientras tanto, (como mencioné) pronto podremos disfrutar de películas, como: Se Levanta el Viento (The Wind Rises, 2013) y muy posiblemente La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013). Así que otakus, animadores y amantes del buen cine, la espera ha comenzado.

Con sabor al norte- cinematerapia

Hace algunos días, mi mejor amiga criticaba la película Maléfica por el hecho de buscarle un trasfondo para hacerla ver buena (aunque en realidad sea mala). Me había percatado que el buscarle una “razón de ser” al villano de la película o de la historia, se estaba volviendo algo muy común.

El film Maléfica se hizo más como una búsqueda de justicia para la famosa villana que como se presentó hace años en la primera entrega de disney.

 Se supone que Elsa de FROZEN, iba a ser una villana hasta que escucharon su canción: LET IT GO. Por la cual cambiaron todo el guión y hacerla como una persona afligida. Incluso en la película: Juego Macabro II se explica que el asesino Jigsaw no hacia los juegos por diversión; sino porque tenía cáncer y deseaba hacer que las personas que elegía comenzaran a apreciar su vida de mejor manera.

 Les haré una pregunta, ¿si ustedes estuvieran en la situación de Maléfica, Elsa, o Jigsaw habrían actuado de la misma manera que ellos?

Esta película puede ayudar a alguien para superar la muerte de un ser querido

 La verdad es que estas películas van a tener una labor más grande. A lo largo de los años ha habido películas que nos hacen llorar por el mensaje que tienen y nos marcan. Esas marcas que llevamos en el corazón por las historias han comenzado a tener un nombre y se llama Cinematerapia.

 Identificarnos con un personaje o situación es una manera en cómo la cinematerapia funciona. Es como la pregunta que hice, pero a un nivel más complejo. Somos el único tipo de ser viviente que aprende por reflexión. Esto significa, que no tenemos que vivir algo para saber si es bueno o malo, con la pura historia de alguien más podemos darnos cuenta.

 Los fundadores de la cinematerapia tienen su propia página de internet http://www.cinematherapy.com/ en donde pueden leerse las razones por las cuales este tipo de terapia funciona. Así como toda la lista de películas con las que ellos han trabajado.

 Dicha lista se divide en: inspiración, problemas personales, sociales, niños, adolescentes, problemas familiares, de pareja, enfermedad mental, emocional y problemas médicos.

 La pregunta que todo mundo hace, ¿qué tipo de películas hay en esa lista?.Pensando que serán títulos de hace mucho años, o que son películas de arte que nadie va a poder conseguir. La realidad es que muchos de los films ya los hemos visto, pero no teníamos idea de que nos podrían ayudar.

 Por ejemplo. Una de mis películas favoritas es Más allá de los sueños, y aparece en esa lista como una película que ayuda a superar la muerte de un ser querido. Puede que esa sea muy fácil, pero en el caso de La Bella y la Bestia, dicha película está en la lista de problemas como: la  desfiguración.

 Ya si lo pensamos de esa forma, podría ser el caso. La bestia era un príncipe y vivió pensando que nadie lo amaría (por el hecho de verse horripilante), como alguien con alguna desfiguración. La película sería de gran ayuda al final.

 Espero que chequen la página. Yo cuando la descubrí hace unos años me la pasé pensando en que era una manera bastante interesante de utilizar el cine. El arte es, a final de cuentas, un escape para los sentimientos.

Animación Mexicana 25: El Secreto del Medallon de Jade

 Continuando con la filmografía animada en nuestro país. Hoy hablaremos del estudio Kaxan Animation, quienes (en el 2012) nos trajeron una de las pocas cintas hechas en Motion Capture en México. Se trata de una historia de magia y aventuras que busca estar a la par de otras producciones (al menos en narración) del legendario Steven Spielberg tales como: Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Arc, 1981) o Los Goonies (The Goonies, 1985).

 La película en cuestión se titula El Secreto del Medallón de Jade (El Secreto del Medallón de Jade, 2012), dirigida por Leopoldo Aguilar y Rodolfo Guzmán, que nos cuenta la historia de un grupo de niños que tras la muerte de su abuelo quedan inmersos en una gran aventura por recuperar un mágico amuleto. Matías, el protagonista de la cinta, siente una gran necesidad de descubrir el gran secreto debido al gran cariño que sentía por su abuelo y las historias que este les contaba. Desafortunadamente su camino se verá plagado de peligros como: templos con trampas mortales y un par de peligrosos cazadores que harán lo que sea para apoderarse del medallón.

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 La premisa prometiera darnos una película llena de acción que por lo menos nos daría un buen rato “palomero”. No obstante, y aunque la historia no está mal, la forma de llevarla no fue la mejor. Para empezar, estamos ante un producto orientado totalmente a los niños olvidándose casi del público juvenil o adulto. La aventura sería emocionante de no ser por la gran cantidad de chistes, diálogos y personajes demasiado inocentes para una historia de este tipo.

 Y es que siendo honestos, el factor de que un niño gordo esté más mortificado por tener hambre que por el hecho de que sus vidas peligran (no es precisamente lo más realista o coherente que hemos visto). Los villanos (cuyo estereotipado acento extranjero bien puede pasar por alto) tienen todo para ser personajes temibles, pero al final terminan siendo una versión en 3D del torpe equipo Rocket de la serie Pokemón (Pokemón, 1998). Además de graves fallos en las situaciones, por ejemplo: una escena en donde los personajes viajan en auto y literalmente disfrutan al ritmo de una canción de la radio, a pesar de saber que los persiguen unos cazadores que desean liquidarlos.

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 Pero como dije, es una cinta orientada al público infantil y en ese sentido es más que cumplidora. Los pequeños disfrutarán de ella sin problemas. Con respecto al trabajo de voces, cabe mencionar que es bastante aceptable en su mayoría destacando el gran trabajo de maestros del doblaje como: Esteban Siller (q.e.p.d.) e Isabel Martiñón. En el caso de los “star talents”: Adriana Barraza, Arath de la Torre y Eleazar Gómez, cumplen con el objetivo. Aunque por la misma naturaleza del proyecto no creo que nadie les dé un premio por dicha interpretación.

 En aspectos técnicos también hay una mezcla de sentimientos, se agradece la incursión del Mocap en producciones mexicanas y considerando la complejidad de esta técnica puedo decir que la película también cumple en los riesgos que toma. No obstante, sólo se queda en un buen intento ya que la animación (que en teoría debería ser perfecta por la captura de movimiento) sigue viéndose robótica y lenta en casi toda la cinta.

 El diseño de personajes, texturas y escenarios están bien (aunque con un estilo muy sencillo). Puede ser que esa sea la imagen que quisieron darle a la película y que pareciera a producciones como la más reciente serie del gato Garfield, o puede ser que la falta de experiencia en texturización, render, modelado y demás elementos sean los responsables. Otro aspecto a mencionar es sobre la captura facial (aún necesita mucho trabajo), ya que las expresiones de los personajes son muy básicas.

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 Así mismo la cinta cuenta con algunas escenas animadas en 2D que de hecho son las cosas más rescatables. No sólo la animación está bien lograda, sino que da un toque perfecto de un relato antiguo. Es como la cinta en Live Action que en sus recuerdos recurre al blanco y negro, pero aquí, recurre a los orígenes de la animación (detalle que me parece verdaderamente aplaudible).

 Como tal, la película no es mala pero definitivamente podría (y debería) ser mucho mejor. Es un proyecto muy bien intencionado que quizá realizándose con más tiempo o con mejor tecnología y con un guión más sólido que pensara mas en el público mayor podría haber sido grande. También se agradece el uso de otro tipo de historias que involucren fantasía y aventura en la cartelera mexicana.

 Se ha hablado de una secuela, y personalmente no me desagrada la idea. Siempre y cuando los productores decidan modificar el rumbo y acercarse más a su idea original. Recomendable totalmente para los niños, el público objetivo que quedará complacido. En resumen, la cinta cumple, pero una mayor visión del target hubiera sido más que genial.

http://www.youtube.com/watch?v=g9S9jbme0uM

 

Bonitos y Gorditos, muchachos…

Dreamworks Animation Studio se ha convertido en una de las empresas más importantes en el desarrollo de largometrajes y cortometrajes de animación que han gustado a chicos y grandes. Desde sus primeras producciones en 2D, que eran verdaderas joyas de la cinematografía como: El Principe de Egipto (The Prince of Egypt, 1998) y El Camino Hacia El Dorado (The Road to El Dorado, 2000), hasta producciones de gran calidad también como Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008) y Cómo Entrenar a Tu Dragón (How to Train your Dragon, 2010).

 Una de las cintas de más éxito a nivel producción (y no precisamente una de las favoritas del estudio), es la saga Madagascar (Madagascar, 2005). Muchos ya conocen la historia de aquellos animales que escapan de un zoológico para buscar a su amigo y terminan siendo transportados a otras partes del mundo como la isla que da nombre a la película; así como África y Francia entre otros países. Las cintas se han caracterizado por grandes dosis de humor, historias no tan complejas pero cumplidoras al momento de entretener, y sobre todo, personajes muy peculiares.

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 Sin embargo, los personajes que han gozado de mayor popularidad son los simpáticos pingüinos militares que constantemente están haciendo de las suyas en cada aventura (de hecho ellos son los causantes de que la historia se desarrolle, ya que son los primeros en escapar del zoológico). El hecho de tener una parodia de un valiente batallón con entrenamiento de guerra y tecnología de punta, oculto tras la máscara de esos personajes “bonitos y gorditos”, es verdaderamente divertido. ¿O acaso alguien ha sido totalmente inmune a Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky? Yo creo que nadie ha resistido reír al menos una vez ante este equipo.

 Los personajes se volvieron tan famosos que fueron acreedores a su propia serie de televisión y recientemente el sitio web The Hollywood Reporter dio a conocer la noticia de que se prepara una cuarta entrega de la franquicia, mas no será Madagascar 4, sino precisamente la película de los Pingüinos de Madagascar. Cabe mencionar que los 4 pequeños personajes ya tuvieron su protagónico en el especial de navidad de la franquicia, sin embargo esta será la primera vez que lo hagan en la gran pantalla y en una aventura de larga duración.

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 Aún no se ha dado a conocer la sinopsis de la película aunque ya contamos con algunos avances. El estreno está programado para finales de este año y en su reparto original contará con las voces de Bennedict Cumberbatch y John Malkovich y será dirigida por Eric Darnell (director de las tres primeras partes) y Simon J. Smith. Así que a esperar la nueva aventura que estos divertidos (y peligrosos) pingüinos nos tiene preparada.

http://www.youtube.com/watch?v=KHGHEpUeUwo

Lion Guard: El Reinado Continúa

Es poco probable que a estas alturas exista alguien que no conozca la película El Rey León (The Lion King, 1994), misma que celebra 20 años de haberse estrenado en cines y la cual es considerada, junto a La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, 1991) como una de las magnas obras del estudio Walt Disney. La cinta está inspirada en la obra de William Shakespeare, Hamlet, y fue acreedora no solo a varios premios, sino a dos secuelas que se estrenaron en formato casero e incluso a un musical de Broadway; que como dato adicional, próximamente se estrenará la versión mexicana.

 Ahora, Disney Television Animation, ha anunciado la realización de un producto más de esta saga. El titulo será Lion Guard y consistirá en una serie y película animada para la televisión que pretenden ser transmitidas por el canal Disney Jr y que nos contarán la historia de Lion, el segundo cachorro de Simba y Nala. El pequeño león será nombrado jefe de la guardia de las tierras del reino y como parte de sus deberes tendrá que formar su propio grupo de guardianes, los cuales a pesar de que las leyes dicten que deben ser leones jóvenes, terminaran siendo otro tipo de animales que a su criterio serán los más aptos para el trabajo.

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 Los que conocen el canal Disney Jr. saben que uno de los sellos característicos de sus producciones es el toque educativo que suelen tener. En el caso de esta nueva producción no será la excepción, ya que los realizadores están documentándose con diversos expertos en el tema, incluido el personal de Disney´s Animal Kingdom, para hacer de esta serie y película no solo una nueva aventura a contar; sino que sea una experiencia educativa para los niños. Probablemente como algún documental o una versión animada de las películas de Disney Nature.

 El proyecto está bajo la dirección de Howy Parkins, quien también es responsable de la serie Jake y los Piratas del País de Nunca Jamás (Jake and the Neverland Pirates, 2011), además del equipo de producción de otras series infantiles como es La Casa de Mickey Mouse (Mickey Mouse Clubhouse, 2006). Aunque si bien es cierto que no se trata de un producto orientado a todo público como lo fue la cinta de 1994, hay que reconocer que es una buena manera de conmemorar los 20 años de la misma y que bien llevado podría no solo dar un buen  producto a las generaciones actuales, sino que tal vez podría incluso acercarlas a otras películas de la época de oro de Disney.

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 Por ahora sólo nos queda esperar y tener buenas expectativas, después de todo El Rey León es un ícono en la historia de la animación y aunque sus secuelas no se consolidaron como clásicos. La verdad es que se trata de una historia que ha cautivado a la gran mayoría del público. Ya veremos si Lion Guard logra consolidarse como un digno sucesor del trono.

 

Primeros avances de “Song of the Sea”

 Los amantes de la animación extranjera, y en general de la buena animación, estarán contentos ante esta noticia. La empresa de animación irlandesa Cartoon Saloon, famosa por la película El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009), de la cual hablaremos próximamente, ha dado a conocer el poster y tráiler de su nueva producción. El título de la misma será Song of the Sea.

 La cinta contará la historia de Ben y su pequeña hermana Saorise, quienes deberán emprender un viaje fantástico por el mar en un mundo lleno de magia y leyendas con el fin de volver a su hogar. Como podemos ver en el tráiler, el diseño de personajes y la calidad de animación es realmente agradable a la vista y después de la cinta que la antecede podemos tener expectativas enormes ante este nuevo proyecto.

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 Según se ha mencionado, el talento de Kells se repetirá en esta producción, siendo el mismo director Tomm Moore, el mismo estudio (como ya dijimos) e incluso se ha confirmado la participación del actor Brendan Gleeson dando voz a un personaje de nuevo para este equipo. Si bien no se trata de un estudio muy famoso o no tenga un gran número de cintas en su haber, la calidad de sus productos nos hace olvidar el concepto de cantidad.

 Es interesante ver ese estilo “bonito” de dibujos que nos remontan a los libros de cuentos infantiles en historias que aunque van orientadas a los niños, tienen mucho más mensaje y una profundidad destacable que incluso los adultos podemos disfrutar (¿por qué no? ) y por supuesto, nos permite soñar.

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 Aún no se ha confirmado la fecha exacta del estreno, de hecho ni siquiera se ha dicho si llegará a nuestro país, pero cruzemos los dedos para que así sea. Aunque sea en formato casero. Song of the Sea (Song of the Sea, 2014), una nueva y muy prometedora película que sin duda bien valdrá la pena esperar (o buscar para ver).

http://www.youtube.com/watch?v=t0Ejpl3QFuU

Review: Cómo Entrenar a Tu Dragón 2

Luego de una larga espera de casi 4 años, finalmente llegó la secuela de la que por muchos es considerada como la obra maestra de Dreamworks (en cuanto a sus producciones en 3D), Cómo Entrenar a Tu Dragón (How To Train Your Dragon, 2010). Efectivamente nos referimos a aquella cinta que rompió con los estándares de las películas de esta empresa, las cuales parecían dar más importancia al lado humorístico sacrificando elementos básicos para tener historias sólidas y con el adecuado nivel de drama. Por supuesto que habían excepciones como el caso de la entrañable Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008), junto a esa cinta, los dragones de Berk lograron quedarse en los corazones de los espectadores mediante una verdadera joya de la animación.

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 El hacer una secuela era prácticamente una obligación de los productores, y de ese modo este fin de semana las salas de cine nos ofrecen la continuación de esta historia (en el cine, recordemos que existen cortometrajes y una serie animada). ¿El resultado?, una digna sucesora. La película resulta brillante en lo que al aspecto visual se refiere. La animación, texturas, efectos y edición son sencillamente impecables. Cabe mencionar que en ocasiones pudiéramos olvidar que estamos ante una cinta hecha por computadora y no vemos un vídeo tomado en live action.

 La historia nos habla de nuevo sobre Hipo y su dragón Chimuelo, cuya amistad sigue tan fuerte como siempre al igual que su vida tranquila en su hogar. No obstante, esta paz pronto se ve alterada por la posibilidad de que Hipo pronto sea el nuevo jefe de la tribu de vikingos (responsabilidad que atemorizaría a cualquiera), así como la llegada de un nuevo y poderoso enemigo que pretende hacerse de un ejército de dragones para arrasar todo lo que esté a su paso. La trama no es lo más novedoso ni tiene giros de tuerca espectaculares, sin embargo esto ni se nota gracias al maravilloso manejo de los otros elementos que la componen. 

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 Hay situaciones en la cinta mucho más maduras y arriesgadas que en la primera, más emotivas e incluso pudiéramos compararla un poco con El Rey León (The Lion King, 1994). Hechos más crudos que nos dejan con una cinta familiar; más no algo infantil que a los adultos pudiera aburrir. Pero esto no significa que las dosis de humor y acción estén perdidas, por el contrario, la película es realmente emocionante. A mi parecer, el equilibrio entre todos esos elementos está balanceado casi a la perfección.

 No diré que es mejor que la primera parte, pero si diré que está a su nivel  y que nos deja muy en claro por qué estos vikingos y dragones siguen estando en el gusto del público. El diseño de los personajes es fascinante en cuanto a ese detalle de que todos han crecido, esos pequeños rasgos como barbas que comienzan a crecer en los jóvenes, rostros y cuerpos que ya no son de niños, sino de adolescentes y modestas canas y arrugas en los personajes de más edad le dan un toque más realista.

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 Para terminar, la música es tan grandiosa como la primer parte, también hecha por John Powell. En ella se fortalecen todas las situaciones que ocurren durante la trama. A fin de cuentas es lo que debe lograr un buen soundtrack. Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How To Train Your Dragon 2, 2014) es una de las mejores cintas de animación de este año que divertirá a chicos y grandes. Llena de emoción y mensaje, ideal para verse en cualquier momento y si es en familia, mucho mejor. Quién sabe, es probable que la próxima entrega de los Academy Awards finalmente le haga justicia al director Dean DeBlois y le dé el Oscar a mejor película animada que, a mi criterio, se merecía desde la primera película de esta saga. Aquí el trailer: 

http://www.youtube.com/watch?v=kxGkbv_HLZ0

 

Review: Justin, el Caballero Valiente

Aunque usualmente no soy alguien que se deje llevar por apariencias y pensamientos, si soy alguien que gusta conocer las cosas antes de opinar al respecto, he de admitir que esta ha sido una de las pocas veces en que mis expectativas me hicieron dudar sobre si ver o no está película. Afortunadamente a final de cuentas decidí darle una oportunidad a Justin: El Caballero Valiente (Justin and the Knights of Valour, 2013), y debo decir que la película resultó no sólo ser entretenida, sino una gran película a mi parecer.

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 La cinta dirigida por Manuel Sicilia y producida por Antonia Banderas, nos relata la historia de Justin, un joven soñador y de noble espíritu que sueña con ser un caballero; sin embargo sus anhelos se ven limitados por la presión de su padre, quien es el abogado más importante del reino y cuyo afán por que su hijo siga sus pasos le causa un gran pesar al muchacho. Justin parece resignado a llevar una vida de leyes y renunciar a su sueño hasta que escucha hablar sobre la mítica espada perdida de su abuelo, un legendario caballero, y decide ir en la búsqueda de esa reliquia (además de ganar el corazón de su princesa en el proceso), lo que lleva a Justin a buscar a la antigua orden de la caballería para ser entrenado. En su camino deberá pasar por múltiples retos en compañía de sus nuevos amigos, una valerosa camarera y un bipolar hechicero, a la vez que enfrenta a un malvado caballero desterrado que desea apoderarse del trono.

 La premisa puede no ser algo demasiado novedosa, es quizá la misma historia medieval que hemos escuchado incontables veces con algunos detalles adicionales; sin embargo la trama está muy bien llevada. Los momentos de humor en ocasiones son demasiado infantiles pero es mínima está situación y es compensaba por otros detalles graciosos que serán agradables al público de todas las edades. Además, la película tiene una adecuada cantidad de drama como para volverse una película sólida, emotiva y cautivadora. Uno de mis temores principales era encontrarme con una de esas películas que parecen ser meras parodias del género, pero encontré una historia de caballeros que me hizo disfrutar como hace tiempo no lo hacía.

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 La animación cumple al darnos movimientos fluidos, un 3D muy bien logrado e incluso una encantadora secuencia en 2D maravillosamente lograda; sin embargo tampoco hablamos de una labor que compita con las grandes producciones de Dreamworks o Pixar, ofreciéndonos más una estética y un estilo muy similar a películas como Donkey Xote (Doneky Xote, 2007). No es algo impactante, pero cumplidor. Mención aparte para el diseño de escenarios y personajes, los cuales son muy agradables a la vista y rápidamente nos permiten sentir simpatía por los héroes. En cuanto a la psicología de los mismos, quizá no sean los personajes más complejos jamás vistos (los buenos son muy buenos y los malos muy malos), pero es una sorpresa agradable ver a un personaje como Justin, que es pequeño, delgado, con un espíritu tan valeroso y con tanta determinación.

 Entre el reparto original tenemos a las voces de Freddie Highmore, Rupert Everett, Alfred Molina, Julie Walters, Mark Strong y el propio Antonio Banderas. Si, efectivamente estamos ante una película dirigida sobre todo al público infantil, pero creo con firmeza que no es algo que los adultos sufrirán. Perfecta para pasar el rato en familia y aunque seguramente pasará desapercibida (y más luego de esta semana cuando los dragones de Dreamworks hagan su aparición) es una cinta que vale mucho la pena ver.

http://www.youtube.com/watch?v=njrUgdXpt64

 

Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario

 El mundo del animé es muy amplio y conocido en el mundo de la televisión, el cine y obviamente, la animación. Prácticamente todos los amantes de este tipo de arte han disfrutado de por lo menos uno de estos magistrales proyectos. Tal es el impacto del animé, que aunque actualmente es poco lo que se transmite en nuestro país, basta una visita a eventos como la TNT para darse cuenta de la enorme cantidad de seguidores que sin importar los esfuerzos requeridos, logran tener acceso a diversas series y películas.

 Hay varios títulos de animes que se consideran clásicos y hasta legendarios, muchos de estos son identificados hasta por personas que no gustan del género. Un ejemplo de esto es la serie que dio inicio en 1986 y que rápidamente se posicionó entre los preferidos de los fans gracias a su enorme nivel de acción, drama, personajes interesantes e incluso elementos de diversas mitologías y religiones: Los Caballeros del Zodiaco (Saint Seiya, 1986).

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 Seamos honestos, ¿quién no ha escuchado hablar de esta serie? No digo que a todos les guste, pero nadie puede negar la calidad y el impacto de este gran anime. Y es precisamente para los fans (entre los que me incluyo) para quienes va dirigida esta noticia que los llenará de emoción sin duda. Resulta que se tiene programado para este año el estreno del más reciente filme de la saga, misma que llevará por nombre Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario (Saint Seiya: Legend of Sanctuary, 2014).

 La distribuidora Diamond Films ha dado a conocer el primer poster y el tráiler en español de la película, cuyo estreno está considerado para el 19 de septiembre del 2014. En las imágenes podemos ver no sólo escenas que prometen un enorme nivel de emoción, sino que además notamos el estilo de animación 3D. Si bien es cierto que ya varias producciones han decidido tomar conceptos creados en 2D y pasarlos a este tipo de animación, resultará interesante ver lo que nos puede ofrecer esta nueva cinta con los efectos que la tecnología actual nos ofrece.

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 Por si esto fuera poco, el elenco original del doblaje está confirmado, de hecho en el tráiler se puede apreciar. Así que fanáticos, ya pueden ir apartando su boleto del cine para ver una nueva aventura del caballero pegaso, Seiya (con la inconfundible voz de Jesús Barrero). Por ahora no nos queda más que esperar con enormes expectativas, ¿y por qué no? ponernos al corriente de este inmenso universo si es que nunca se ha visto o se ha perdido contacto recientemente.

http://www.youtube.com/watch?v=dgRfWS8Ahn0

 

Animación Mexicana 24: El Gran Milagro

Si bien la mayoría de las películas animadas hechas en México pertenecen a la animación 2D, el 3D tampoco se ha quedado atrás. Algunas producciones se han hecho en nuestro país utilizando esta técnica, la cual cada día va más en aumento. Como recordarán, una de mis primeras notas hablaba precisamente del incremento en el interés de los nuevos animadores hacia el 3D, y aunque ciertamente es una rama de la animación en la cual México aún dista de ser un maestro, vale la pena mencionar los esfuerzos hechos hasta el momento. El_Gran_Milagro_-_2011_-__Region_1-4_por_sorete22_[dvd]_80

 En esta ocasión hablaré de una película muy peculiar, algunos ni siquiera la catalogan como una producción mexicana por el hecho de haberse hecho en conjunto con Estados Unidos. Además, el tema religioso que trata definitivamente le quita un sector del público (los ateos, por ejemplo), es una cinta que parece ir dirigida mas a un objetivo de evangelizar que de entretener; no obstante tiene varios elementos muy disfrutables para todo el que se digne a verla. Su nombre, El Gran Milagro (The Greatest Miracle, 2011).

 La historia aparentemente es muy sencilla, se trata de la perspectiva de tres personajes distintos que tras encontrarse en conflictos deciden acudir a misa para encontrar un rato de paz. A estos tres personajes los acompaña un muchacho de apariencia normal que eventualmente se revela como su ángel guardián y que a lo largo de la película les explicará el verdadero significado de la fe, la paz y el amor entre el prójimo a fin de ayudarlos a salir de sus apuros.

 Como acabo de mencionar, la premisa es atractiva sólo a un sector del público, por lo que no será de extrañarse que a muchos no les guste o que ni la conozcan. La animación y texturas son un buen intento, sin embargo es evidente que se trata de un estilo al cual apenas estamos ingresando. Los movimientos son robóticos y en ocasiones parece que estamos viendo un videojuego del Nintendo 64 o una presentación animada de un conjunto habitacional que pretende construirse.

 Pero no todo es malo, en cuestiones de diseño de personajes, iluminación y modelado de escenarios la película tiene calidad. Las escenas que ocurren dentro de la iglesia en verdad nos llenan del ambiente necesario. Así mismo la animación de fluidos, humo y nubes están bastante bien logradas. La actuación de voces no está exenta de errores, pero en general también cumple. En aspectos técnicos es pasable, si tuviera que evaluarla le daría un 7 o un 8. Ahora hablemos de otros aspectos.

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 No les voy a mentir, es una película que puede tornarse sumamente aburrida, pero todo depende del modo en que se vea. Saben que mi filosofía es que absolutamente todo es disfrutable pero hay que predisponerse. Es decir, los amantes de la acción, comedia, thriller y demás géneros parecidos que quieran encontrar esto en la película, sencillamente la van a odiar. Pero está la contraparte, y esto lo digo aún pensando en el público no creyente. La película puede ser extremadamente disfrutable si lo que se quiere es tener un momento de paz, reflexión, tranquilidad o incluso si el espectador pasa por un momento de mucho estrés, llega agotado del trabajo o tiene una preocupación muy grande, la película podría ser perfecta.

 Aclaro que no me refiero a que el espectador se volverá creyente ni que sus problemas desaparecerán por el mensaje de Dios, más bien me refiero al tono que tiene la cinta. La voz de los ángeles (que son idénticos entre ellos) es muy relajante, la música ayuda mucho y como dije, la ambientación está bien lograda. Es incluso como tener un video de relajación y al final de la película podría dejarnos un buen sentimiento. Es un proyecto que no juzga ideologías y que no obliga a nada, más bien propone. Yo lo catalogaría como un proyecto bien intencionado.

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 La cinta, dirigida por Bruce Morris no será una joya del séptimo arte, no la recomendaría a toda la gente, no es ni por asomo una maravilla en animación y tendrá muchos detractores. Sin embargo es un proyecto interesante que tiene cosas muy rescatables, encantará al sector del público al cual va dirigido e incluso nos da lecciones de vida como el no rendirse cuando parece que todo está perdido (y no por cosa divina, sino por el poder humano de cambiar nuestra suerte). Ojalá algún día puedan darle una oportunidad, quizá se encuentren con algo que no les gustará nada o les será indiferente… o quizá algo como esto sea justo lo que necesitan en este momento. Ustedes dirán.

http://www.youtube.com/watch?v=7VMSnUUNqeU

 

Animación Mexicana 23: Héroes Verdaderos

Como mencioné anteriormente, el festejo del bicentenario de la independencia de México (Y centenario de la revolución), las salas de cine se vieron ocupadas por diversas producciones de nuestro país, dos de ellas pertenecientes al  género de animación. Ya hablamos de la primera de ellas, Brijes (Brijes, 2010) y ahora toca turno a la segunda cinta, una mucho más acorde al festejo en cuestión y que de igual forma buscó la innovación mediante fórmulas ya utilizadas en otro país.

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 La película en cuestión llevó por nombre Héroes Verdaderos (Héroes Verdaderos, 2010) y consistió en un interesante y ambicioso proyecto de reflejar la historia de nuestra independencia al más puro estilo de la época de oro de Walt Disney. Esto quiere decir que un hecho histórico fue retratado de forma animada, con un pequeño toque de comedia, una historia alterna al acontecimiento real y, por supuesto, con un musical.

 La trama de la película es en sí la que todos conocemos, sin embargo no es vista desde la perspectiva de los héroes como Hidalgo, Morelos, Doña Josefa y otros (aunque si aparecen en la cinta), sino de tres jóvenes que se vieron envueltos en el conflicto. El primero de ellos es Mixcóatl, un muchacho indígena que es acusado injustamente por su medio hermano de la muerte de su abuelo, lo que lo obliga a huir de su hogar. El segundo es Carlos Navarro, el mejor amigo de Mixcóatl, un emprendedor y soñador criollo frustrado por la falta de equidad entre el trato de los peninsulares y los que son como él. Y como en toda historia debe haber una chica, tenemos a Tonatzin, prima de Mixcóatl y amor platónico de Carlos, en la cual encontramos a una mujer fuerte y valiente que a pesar de conocer su lugar en la sociedad, no duda en arriesgarlo todo por sus seres queridos.

 Y es así como los tres compañeros emprenden una gran aventura que los llevará a enlistarse en el movimiento armado liderado por el cura Don Miguel Hidalgo. La premisa es muy atractiva en especial considerando la época en la que la película fue estrenada, además de que a los padres siempre les encantará tener un medio más para educar a sus hijos sobre hechos tan importantes para el país como ese. La animación es enteramente 2D haciendo uso moderado del 3D para los escenarios, y ambas partes están muy bien logradas aunque, como todo, esta cinta no se escapó de ciertos errores, los cuales pasaron desapercibidos por la producción hasta su formato en DVD (Por ejemplo, un anciano caminando que de pronto desaparece de escena por unos instantes, claro error de algún fotograma que no fue considerado en la duración de la cinta.

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 Entre las voces tenemos a talentos como Kalimba, Víctor Trujillo y Jacqueline Andere, además de otros grandes del mundo del doblaje. Actoralmente la cinta cumple enteramente, en ese sentido creo que no hay queja alguna. En lo visual también se hizo un trabajo muy bueno, la dirección de arte es lo suficientemente buena para mantener al espectador en el ambiente correcto, ya sea de tranquilidad, tristeza, tensión, etc.

 Por desgracia la película también tuvo comentarios muy diversos, algunos de ellos quizá con justa razón. El motivo principal es justamente el que a muchos fascinó (y me incluyo), el parecido extraordinario con cintas como Pocahontas (Pocahontas, 1995) y Aladdin (Aladdin, 1992). Mencioné anteriormente que la película es un musical y como tal, los personajes cantan. No es un defecto en sí, de hecho hay momentos que se enaltecen gracias a ese medio… pero admitámoslo, no a toda la gente le gusta ese género y a varios les podría parecer ridículo ver a Hidalgo cantando el grito de dolores y a Morelos cantando en plena batalla.

 Pero recordemos que esto no es un pecado y si una cuestión de gustos, ya anteriormente cintas como El Príncipe de Egipto (The Prince of Egypt, 1998) han logrado llevar con éxito un hecho histórico a la pantalla mediante los musicales. La única parte en la que si coincido de que pudo no ser tan… excesivamente patriota, es el final. Así es, el cierre de la cinta consiste en una especie de homenaje a los héroes y a la esencia de México como una nación grande, fuerte e independiente que lamentablemente termina pareciendo un comercial televisivo o una escena sacada de La Rosa de Guadalupe (La Rosa de Guadalupe, 2008).

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 Por lo demás, a mi parecer la película, dirigida por Carlos Kuri, es una extraordinaria adaptación. Si, se toma algunas libertades pero son mínimas y no afecta el desarrollo de la historia que todos conocemos. Las canciones son buenas, el guion también en su mayoría, la animación tiene un muy aceptable nivel de calidad y como tal la película es algo que vale mucho la pena ver, e incluso tener en la colección. Como último detalle no puedo dejar de mencionar esa pequeña leyenda al principio que dice “Episodio Independencia”, ¿será acaso que los Héroes Verdaderos regresarán en otros hechos importantes como la Revolución Mexicana?, este servidor lo único que puede decir es: “Ojalá que si”.

http://www.youtube.com/watch?v=0mfDeMUMrFY

Animación Mexicana 22: Brijes

 on motivos de los festejos del 2010 en honor al bicentenario de la independencia de México, las salas de cine abrieron espacio para un importante número de cintas hechas en nuestro país. La mayoría de ellas se trataban de películas en acción real que trataban sobre crítica social, algunas de ellas incluso se escudaban del eslogan “Nada que Celebrar” en protesta a la situación que se vivía, y que aún se vive.

 Se trataban de trabajos interesantes y de mucha calidad, no obstante, unos de ellos sobresalían en llamar la atención. No me refiero a que fue una película cuya magnificencia opacó a las demás, sino al hecho de que en ese pequeño maratón de cine mexicano, esa cinta era la única que como tal no hablaba de los hechos históricos, ni de la forma en la que el país se encontraba, ni nada de eso. Se trataba de una cinta animada dirigida por Benito Fernández y que ciertamente rompía con todos los tópicos que se estaban manejando. Se trataba de la película Brijes (Brijes, 2010).

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 No fue la única cinta animada que fue transmitida en esas fechas, ni tampoco fue la más taquillera ni de la que más se habló. ¿Entonces que la hizo destacable? Para empezar, estamos hablando de un proyecto que en la búsqueda de ser innovador tuvo el acierto de mezclar diversos tipos de animación, la 2D y la 3D. Así mismo, los fondos de dicha cinta fueron muy variados, algunos fueron hechos a mano, otros dibujados directamente en flash, otros el 3D e incluso algunos fueron maquetas. En cuanto a diseño de producción podemos sugerir que es la cinta animada mexicana que más ha aportado y se ha arriesgado. Esto aunado al hecho de ser una de las primeras cintas hechas enteramente en México que gozó de un tratamiento en 3D para las salas de cine, y si, hablo de ese 3D con el cual parece que los objetos salen de la pantalla.

 

 La historia trataba de tres niños que en una visita al museo de antropología descubren el legendario código Brije, y al hacerlo despiertan a tres dioses ancestrales que les encomiendan una importante misión. La oscuridad está llenando al planeta, poniendo en peligro no sólo el equilibrio de la vida, sino el vínculo que los hombres tenían con el mundo mágico tiempo atrás.  De ese modo los tres niños, cada uno acompañado por un guardián Brije, deben viajar en el tiempo y a diversos lugares del mundo para detener esta amenaza y devolver la estabilidad a la tierra.

 Con respecto a la trama debo decir que fue gratificante tener una película mexicana que se salía de los temas que siempre se trataban (corrupción, drogas, pobreza, etc). Educativamente hablando, la película tiene mucha fuerza al mostrarnos hechos históricos importantes y datos culturales de este y otros países. La cinta es entretenida y aunque también va dirigida a un público enteramente infantil, tiene ciertos momentos que los adultos también pueden gozar.

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 Ahora hablemos de los puntos débiles de la cinta, los cuales comienzan con el guión y la historia. Si, acabo de decir que era una historia fresca en México, no obstante, la película tiene demasiados parecidos con otras cosas ya vistas. Creo que no soy el único que en algún momento vio la película como el “Pokemon” o “Digimon” mexicano, de hecho el diseño de los personajes es muy similar al estilo animé. No digo que esto sea malo, de hecho es una propuesta interesante, sin embargo ante esta situación es imposible catalogar la película como algo totalmente original.

 La animación también tiene diversas fallas, no siempre es fluida y en una sala de cine se veía demasiado el hecho de que algunas escenas fueron hechas totalmente en flash, que aunque es un programa que permite elaborar un proyecto entero, le quitaba brillo a un proyecto que visualmente pudo ser espectacular. De igual forma el guion tiene partes que no terminan de desarrollarse, algunas incluso son algo incoherentes aún en el  mundo fantástico que se nos propone.

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 Pero no todo es malo, la historia está bien llevada, los personajes son carismáticos y hay escenas muy vistosas. La inclusión de criaturas mágicas variadas es un concepto muy grato y no puedo dejar de mencionar el extraordinario “giro de tuerca” que la historia nos tiene preparada al final, un desenlace que definitivamente nadie ve venir hasta que nos lo muestran.

 La película al final resulta ser un buen proyecto, no de los mejores ni mucho menos perfecto, pero  aceptable. Una buena opción para ver en familia y para aquellos que gozan de las historias llenas de magia y aventura (ejem… los fanáticos de Pokemon y Digimon) les parecerá algo muy positivo siempre que se dediquen a ver la película y dejen por un momento las comparaciones. Brijes 3D, una interesante propuesta que los entretendrá y los hará pasar un buen rato. ¿Y tú ya tienes tu Brije?

 

México, quiere conocerte

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Por Fausto Leyva

¿De qué forma se puede conocer y asimilar a la humanidad sin salir de casa? Sin duda uno de los mecanismos más efectivos de la comunicación son los conceptos audiovisuales, es por ello que el cine y la música son un lenguaje universal que nos lleva y conecta en cada latitud de este planeta. En base a esto, por ejemplo, que con el cine de EUA conocemos el poderío militar del que son capaces, de que serán los héroes en una invasión extraterrestre y colonizarán otros planetas en busca de la paz universal; de Francia tenemos la certeza que ahí existen los mejores amantes y las mujeres más liberales del mundo, siendo personajes de complejos razonamientos existenciales. Y de la música, pues nadie sabe rockear mejor que los ingleses o bailar y cantarle a la vida mejor que un cubano.

 Pero, ¿Cuál es la carta de presentación México ante el mundo? ¿Cómo se nos percibe en otras tierras? Alguna vez escuché a unos americanos preguntar en donde se encuentran los mariachis que inmortalizó Jorge Negrete o Pedro Infante, no encontré respuesta para ello, al menos no cerca del centro de la Ciudad de México, pero surgió otra cuestión: ¿Por qué creerían estas personas que México es así aún?

 Para responder esta pregunta me encontré con el libro, EL CINE MEXICANO DEL SIGLO XX: estampas de una negación nacional (1910-2000) de Obed González Moreno (editado por Raíz del Hombre y el Instituto Mexiquense de Cultura) en el cual, a manera de ensayo, reflexiona sobre la realidad que se ha retratado en una selección de películas indispensables en la historia del cine nacional.

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 Obed Gonzales propone un análisis de la sociedad mexicana con base en una selección de personajes y cineastas, desdeñando la perspectiva psicológica que se presentan en estas piezas artísticas. Entre las películas citadas se encuentran Los hermanos de hierro de Israel Rodríguez, Los Caifanes de Juan Ibánez y Rojo amanecer de Jorge Fons, entre otras, de las cuales extrae, por una parte, la perspectiva social que se acentúa en las obras, así como el simbolismo con el cual se intenta conectar al espectador con el discurso del actor o el cineasta. De esta manera y situando el contexto histórico de cada película, se nos muestra la evolución de la sociedad mexicana, la cual muchas veces se nos acusa de relajados, paternalistas, violentos, etc., cosa que desde Octavio Paz con su Laberinto de la soledad o Antonio Guadarrama y su Trilogía de los grandes Tlatoanis han dejado sobre la mesa de discusión de cómo es ser mexicano.

 Este libro abre la puerta a un sinfín de hipótesis y argumentos con respecto al ser colectivo, específicamente del mexicano, pero que igual da pauta a revalorizar y cuestionar nuestra forma de ver cine y las causas que este lleva. Sin duda, amable lector, me permito invitarles a leer este libro, así como seguir el trabajo de este autor.

Nueva promesa en puerta: El Libro de la Vida

¡Amantes de las festividades mexicanas!, ¡Fanáticos de los talentos mexicanos sobresalientes!, ¡Yo los invoco! Así es, luego de varios meses de espera finalmente se ha dado a conocer el primer tráiler de la esperada cinta The Book of Life (The Book of Life, 2014), que pretende estrenarse en la época del día de Muertos de este mismo año. Si bien es cierto que varias personas esperamos con ansias este proyecto, seguramente hay muchos que desconocen de lo que estoy hablando, por lo cual procedo a explicarles.

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 Se trata de una cinta de animación  co-producción México y Estados Unidos que relatará una historia de amor con toques fantásticos, así mismo, se trata de un amor que deberá trascender más allá de la muerte. Lo sé, lo sé, la premisa parece muy similar a la película de Tim Burton, El Cadaver de la Novia (Corpse Bride, 2005), sin embargo este proyecto merece nuestra atención por diversos motivos.

 Para empezar, es una historia basada en el Día de Muertos Mexicano y como podrán apreciar en el tráiler, el estilo es muy característico. Aborda ese lado hermoso que en este país hemos sabido encontrarle a la muerte, convirtiendo su imagen en un motivo de fiesta llena de luz y color. Así mismo, la producción corre a cargo del gran genio Guillermo del Toro, responsable de joyas cinematográficas como Cronos (Cronos, 1993), El Espinazo del Diablo (El Espinazo del Diablo, 2001), El Laberinto del Fauno (El Laberinto del Fauno, 2006), Hellboy (Hellboy, 2004) y la más reciente, Titanes del Pacífico (Pacific Rim, 2013).

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 Por otra parte, la dirección corre a cargo de un gran animador mexicano que se ha abierto camino con éxito en Estados Unidos en empresas como Nickelodeon y Cartoon Network, Jorge R. Gutiérrez. Entre los trabajos más conocidos de este artista tenemos la peculiar, y en mi opinión, genial serie El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre: The Adventures of Manny Rivera, 2007). Con estos dos talentos mexicanos tras el proyecto podemos tener grandes expectativas. La cinta contará con las voces de Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ron Perlman  y Danny Trejo entre otros.

Ok, no espero que griten de emoción ante este tráiler, sin embargo los amantes de estos dos genios, así como de la animación, coincidirán conmigo en que se trata de un proyecto interesante que bien valdrá la pena disfrutar. En unos cuantos meses podremos saber si estamos ante una película animada que pasará a la historia, o un simple proyecto olvidable como tantos del montón.

Animación Mexicana 21: Juan Escopeta

 Como recordarán, una de las primeras cosas que comenté cuando expliqué algunos conceptos de la animación era aquella idea errónea que tienen algunos sobre que una producción animada debe ser enteramente para público infantil por ser una caricatura. Ya anteriormente di un ejemplo con El Santos vs la Tetona Mendoza (El Santos vs la Tetona Mendoza, 2012) de que esto no es verdad y la animación puede enfocarse al público adulto. En el caso de Animex, su última producción hasta la fecha también abordó de forma mucho más sutil estas historias maduras con el suficiente peso dramático como para caer en una historia para adultos.

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 Cuando supe que el título de la siguiente película de Animex sería nada menos que La Revolución de Juan Escopeta (La Revolución de Juan Escopeta, 2011) no pude evitar pensar en que sería una cinta orientada al sector infante. No obstante, la película resultó ser una grata sorpresa que si bien no carece de múltiples errores tanto en animación, como en el acting y la continuidad, termina siendo una película que combina de forma muy buena una travesía infantil junto con el lado oscuro de la vida, todo esto aprovechando la situación bélica de la revolución mexicana.

 Al igual que Nikté (Nikté, 2009) la película se desarrolla en una época histórica del país, mas no es si intención dar una clase de historia al respecto. Se trata de la aventura de Gaspar Tena, Gapo, un niño que vive en un humilde pueblo acompañado de su madre en espera del regreso de su hermano Damián, quien tiempo atrás partiera a la batalla.

 La vida de Gapo en es cierto modo sencilla y agradable, pero cuando el horror de la guerra llega a su hogar y lo deja desamparado, el niño no tendrá mejor opción que unirse a un legendario forajido llamado Juan Escopeta, lo cual lo llevará no solo a alejarse de su ciudad, sino de formar parte de ese cruel movimiento que todos recordamos en noviembre.

 El lado cómico es prácticamente nulo en esta cinta (cosa que caracterizaba al estudio en sus filmes anteriores), mas la cinta jamás se torna aburrida. La historia está bien estructurada en su mayoría y es lo suficientemente sólida para dejarnos con ese sabor de boca curioso por ser tan agradable y tan crudo al mismo tiempo. El final es verdaderamente inesperado pero me parece muy bien logrado, ya que sin el fin de dar spoilers, digamos que pasa de un momento en que todo parece haberse perdido a otro donde la esperanza y la determinación de continuar lo son todo. Podría decirse que es hasta un final un poco feliz… aunque no tanto.

 Donde la cinta falla es, como dije, un poco en la animación que no siempre es fluida y en el uso del 3D que en más de una ocasión resalta demasiado, quizá jugar un poco más con las texturas e iluminación no le hubiera caído nada mal. Así mismo, aunque la película tiene personajes bien estructurados, es lamentable el hecho de que salvo Gapo y Juan Escopeta, el resto del elenco tenga una participación tan corta. Esto es evidente sobre todo en el villano de la historia, El Zopilote, quien nos es presentado como un forajido siniestro, astuto y malvado hasta los huesos para ser derrotado de una forma, a mí parecer, demasiado rápida.

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 La dirección esta vez no estuvo a cargo de Ricardo Arnaiz (quien es productor de la cinta) sino de Jorge A. Estrada, aún así el diseño de personajes y el manejo artístico sigue siendo el que caracteriza a este estudio. Entre las voces tenemos de nueva cuenta a un elenco de primera con Joaquín Cosío, Bruno Bichir y Carlos Cobos (q.e.p.d).  La historia no es en sí demasiado fuerte, creo que es apta para todas las edades, pero si es recomendable no verla esperando un cuento de hadas donde los buenos se la pasan muy bien. Es una historia más madura, más realista y más fuerte.

 En conclusión, esta cinta es un muy interesante experimento que incluso pudiera ser digno de verse en épocas patrias, es entretenida y con un buen mensaje de lo difícil que es para un niño volverse hombre cuando menos lo espera. No es una obra maestra, pero tampoco una película olvidable, a mi parecer si es ampliamente recomendable.

Ánima Estudios y Chespirito Juntos Otra Vez

 Ok, ok, dije la última vez que ya habíamos terminado con Ánima Estudio, pero ya saben que las noticias surgen de la nada y no nos queda más que informarlas. Como recordarán, en una de las partes anteriores de la animación mexicana hablé, quizá no favoreciendo demasiado, sobre la serie animada que más ha trascendido de este estudio, es decir, El Chavo (El Chavo, 2006-2013).

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 ¿Ya han tenido la oportunidad de ver la serie?, ¿les gustó? Pues sea cual sea su respuesta, parece ser que al público latinoamericano si le pareció una gran idea pasar la creación de Roberto Gómez Bolaños “Chespirito” al mundo de la animación. La serie no sólo ha trascendido más de lo que los propios productores de Ánima esperaban (7 años de producción y un aproximado de 130 episodios no está nada mal, y sobre todo en México). Debido al éxito de este concepto, el productor Roberto Gómez Fernández (hijo del genio creador de la serie original) y el estudio han decidido animar a más personajes del pequeño Shakespeare.

 Por si no han adivinado cual es el personaje que dará el gran salto en esta ocasión, se trata nada más y nada menos que del héroe “El Chapulín Colorado” (Uno de los Avengers mexicanos, si existieran). El personaje ya antes había tenido versiones animadas para la promoción de productos, así como su propia tira cómica al igual que el Chavo, sin embargo jamás se había tratado antes la posibilidad de que tuviera su propia serie. Hoy es una realidad.

 El concepto será el mismo, usar los guiones escritos por el señor Chespirito y recrearlos en animación 2D. Según informan, la producción ya está en proceso y algunos capítulos ya están listos para realizarse. Se pretende iniciar con 20 capítulos, aunque si el éxito del Chavo se repite, sin duda serán muchos más. Cabe mencionar que en un guiño de continuidad, el actor de voz Jesús Guzmán, quien interpreta al Chavo, será el encargado de interpretar al protagonista de este nuevo proyecto.

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 Y por si esto fuera poco, la producción está tan confiada en la buena aceptación que la nueva serie tendrá que incluso ya se habla de la realización de un largometraje animado en 3D de este mismo personaje. ¿Será acaso que el nombre del Chaplin de México está destinado a seguir sonando en el mundo por muchos años más?

 Por lo pronto sólo nos queda esperar el resultado final. Personalmente la idea me gusta pero temo que ocurra lo mismo que con el Chavo y la serie pierda un poco de esencia, sin embargo, opto por dar el beneficio de la duda. La serie pretende ser transmitida en el 2015 aunque no han dado una fecha exacta, será entonces cuando podremos dar nuestro punto de vista al respecto. Por lo pronto “que no panda el cunico”, tengamos fe en el talento de los animadores mexicanos y a este ambicioso proyecto “¡síganlo los buenos!”

El Terror Fantástico de Robert Morgan

Uno de los directores más visionarios de hoy en día. Imagina una fusión entre la sensibilidad de Salvador Dalí, David Cronenberg, Ingmar Bergman, Tim Burton y los Quay Brothers y tendrás apenas una idea parcial de la brillantez pura del trabajo de este hombre. 
Mitch Davis, Rue Morgue Magazine.

Es una madrugada fría y espesa cuando te levantas por un mal sueño que te dejó una ola de sensaciones abyectas. Lo intentas pero no puedes volver a cerrar los ojos. Tu mente se ha llenado de imágenes oníricas con representaciones demasiado extrañas que no parecen sacadas de ninguna película de terror que jamás hayas visto. Es un miedo más profundo, es un terror oscuro que invade el cuerpo, no con asombro, ni con ataques de nervios, sino más bien con sensaciones lentas y constantes que cubren, con una capa gris, todos nuestros ánimos y degradan la asimilación de la realidad. ¿Alguna vez lo has sentido?

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 Las historias más retorcidas, los lugares más inhóspitos, personajes completamente atemorizantes con toques de dulzura casi aberrante. Un terror hecho con la materia prima que nuestro cerebro produce al dormir… Es trabajo de Robert Morgan.

 Nació en 1974, en un  pueblo llamado Yateley, en Hampshire, Inglaterra.  Dese que era un niño, Robert estaba obsesionado con monstruos e insectos, la razón, según la página animusfils.co.uk (sitio de promoción de nuevos directores), habría sido que su tío le mostró el filme Friend without a face (Friend without a face, 1958) de Arthur Crabtree. Una particular experiencia que logró marcarlo y más tarde consolidaría su estilo tétrico y crudo en cada uno de sus proyectos, hechos mayoritariamente, con la técnica de animación Stop Motion .

 En lo personal, una experiencia fascinante y muy original que me ha dejado con la boca abierta, saboreando emociones que duraron un par de horas incluso después de haber terminado de verlo.

 Estudió animación cinematográfica en The Surrey Institute Of Art And Design. En 1997 terminó su primer cortometraje The man in the lower-left hand corner of the photograph (The man in the lower-left hand corner of the photograph, 1999) que ganó 5 premios internacionales.

En 2001  hizo The Cat With Hands inspirado en una pesadilla que había tenido su hermana. Fue financiado por una cadena de televisión y gano más de 6 premios incluyendo el  Soho Rushes New Director Award.

Para 2003 hace de nuevo un cortometraje de animación llamado The Separation que ganó 15 premios internacionales, ahora incluyendo un BAFTA y varios otros de diferentes festivales. Se dice que en una de las exhibiciones en Stutgartt, una persona de la audiencia se quedó literalmente “sin aliento” durante unos segundos por el shock emocional que le había provocado el film.

https://www.youtube.com/watch?v=ybEjyGmVub8

El año siguiente trabajó en un proyecto live-action llamado Monsters.  Y no fue sino hasta 2011 cuando volvió a estrenar nuevo material llamado Bobby YeahAquí el link de su página personal.

 Los guiones tienen el poder de llevar al espectador por una serie de habitaciones fantasmales donde se representan los miedos infantiles y el perfil gris de nuestra propia mente. El aparente movimiento del escenario y sus personajes se adaptan a la estética melancólica que nos transporta a una visión distante del mundo real.  Y, absurdamente, cuando vemos el trabajo de Morgan, percibimos una sensación muy humana dentro de todo el contexto y las historias que nos relata.

 

 

 

Animación Mexicana 20: Nikté

 Volviendo a la empresa Animex, ahora totalmente localizada en la ciudad de Puebla, hablaremos hoy de uno de los que este servidor considera una de las grandes obras de la animación mexicana, aunque también una de las mas incomprendidas. Se trata de uno de esos proyectos que muchos detestan, pero  un porcentaje menor de la población aprecia.  Se trata del segundo largometraje de esta joven empresa; del director Ricardo Arnaiz, Nikté (Nikté, 2009).

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 Con una producción mucho más elevada que la película anterior, La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007), que de hecho recibió apoyo de la mismísima Universal Pictures; así como de la primera vez  este estudio donde se usó animación en 3D, CGI y un avance notable en animación, esta cinta nos remonta a la época de una cultura madre, los Olmecas.

 Se trata de la historia de Nikté, una soñadora y algo vanidosa niña que desea convertirse en alguien de suma importancia, con poder y sirvientes. Su deseo se ve realizado cuando descubre una antigua leyenda que habla de la llegada de una princesa celestial que guiará a su pueblo a superar un gran peligro que se avecina.

 De ese modo, Nikté finge ser dicha princesa y termina envuelta en una peligrosa aventura para encontrar la mítica flor divina, que es la única cosa en la tierra capaz de detener a un horrendo monstruo que amenaza a su aldea. En su travesía será ayudada por Chin, un desadaptado Chaneke que sólo quiere proteger a su pueblo, pero también peligrará ante los malvados planes de Kaas, el líder de una aldea vecina que pretende apoderarse de todo el país del hule a cualquier precio.

 La premisa es atractiva y aunque no deja de ser una historia más de un viaje lleno de pruebas para llegar a un objetivo, está muy bien desarrollada. El guión está lleno de chistes que dotan de humor la cinta, aunque este es su primera debilidad ya que mientras algunas bromas resultan de lo más jocosas, otras pudieran caer en estereotipos que aburrieron y/o incomodaron a más de uno (ejemplo, personajes olmecas usando términos como “chido” y “valedor”).

 Además de esto, algo que muchos no han entendido es que esta película trata de una historia de ficción que se desarrolla en una época que si existió, mas no por eso se trata de una cinta educativa ni histórica. En ningún momento pretende dar una clase de historia, aunque si se pueden apreciar muchos detalles de la época; lamentablemente un gran sector del público esperaba eso y al no encontrarlo se vio decepcionado.

Nikte-DVDRip-Capture-2 La cinta no gozó de mucho éxito en taquilla, hecho lamentable ya que es un producto muy bien logrado a pesar de algunos defectos que se pueden apreciar principalmente en la animación 3D y en la continuidad de algunas escenas. En el trabajo de las voces tenemos a personalidades como Sherlyn, Pierre Angelo, Maya Zapata, Regina Torné, Alex Lora, Silverio Palacios y los ya fallecidos Jorge Arvizu y Pedro Armendáriz, todos y cada uno de ellos brindando una gran actuación.

 Para terminar no puedo dejar de mencionar la excelente banda sonora del señor Gabriel Villar, quien creó una obra que combina la música prehispánica con todo el candor de la música actual. El score de fondo y las canciones son maravillosas y a mi criterio la película tiene uno de los mejores soundtracks en lo que respecta a las películas mexicanas (y no solo de animación). Ahora que si ustedes son de los que no gustan de los musicales, ni se preocupen, ya que la cinta si tiene canciones pero son manejadas como complemento, caso que viéramos en la película de Disney, Tarzán (Tarzan, 1999)

 Jamás me he explicado por qué mucha gente despreció esta película. Ciertamente a veces peca de ir a un público muy infantil igual que la nahuala, pero en su mayoría es una obra que todo público puede disfrutar. Pero bueno, en gustos se rompen géneros y aunque no puedo prometer que esta película les gustará, si la recomiendo ampliamente aunque sea para que la conozcan. Se trata de un producto que vale mucho la pena. Al final, Nikté nos deja un gran mensaje que no requiere viajar al pasado ni pertenecer a la realeza para identificarlo con nosotros: “Para ser el más grande, primero se debe aprender a ser el más pequeño”.

¡Únete a la 1era Edición del RUBBER FESTIVAL!

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¿Existe algún festival en nuestro país que combine cine y música? es difícil responder con certeza. En años recientes los festivales de cine han cobrado mayor fuerza entre las actividades culturales, principalmente. No sin dejar de mencionar, que la respuesta entre los jóvenes ha sido de gran interés.

 Es por ello que en esta ocasión hablaremos de un proyecto que logra conjuntar ambas disciplinas en un mismo festival. ZAPOTECO FILMS compañía creada para el desarrollo de proyectos cinematográficos independientes en México. Medio que pretende experimentar el arte de crear cine, posicionar nuevas tendencias que logren el desarrollo y crecimiento del mismo para una mayor difusión al público en general.

 Creada en el 2010 por Roberto Santos y Antonio Manrique, quienes cuentan con una amplia trayectoria en producciones como: Macabro Festival Internacional de Cine de Horror (2011,2012 y 2013), Mix, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video (2013), Alucardos: Retrato de un Vampiro (Alucardos: Retrato de un Vampiro, 2011), El Atentado (El Atentado,2007), Telehit (2010) y Lemon Films Presenta: El Productor (2008) principalmente.

 En base a dicha experiencia es que esté año logran crear  la primer edición del RUBBER Festival Internacional de la Música en el cine (a estrenarse del 18 al 27 de julio), proyecto sin fines de lucro que pretende acercar al espectador a la diversidad musical en nuestro país y otras culturas alrededor del mundo a través del séptimo arte. Vida y obra de compositores y agrupaciones que a lo largo del tiempo podrían considerarse  leyendas, o bien;  iconos de la cultura popular contemporánea.

Zapoteco_Beatles En esta primera edición podrán encontrar filmes como: SONIDOS DEL MUNDO, INDIA, SONIDOS DE MÉXICO, OAXACA. Homenajes a Kurt Cobain y los Beatles (en conmemoración a los cincuenta años de su llegada al continente americano), El cantante de Jazz y Santa (primeras películas sonoras).

 Además de contar con actividades como: música, danza, teatro y artes plásticas en las diferentes sedes: Museo Soumaya, Centro Cultural ALIAC y el Centro de Arte Bicentenario Poeta Hugo Gutiérrez Vega.

 Por último, los invitamos a que participen en la exposición RUBBER ART con motivo a condecorar el propio festival. A través de ilustraciones, fotografías o pinturas que aludan a la misma (la convocatoria cierra el dieciséis de mayo).

La prosa cortante y oscura de James Sallis

 

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Colaborador: Haroldo Piña Mendoza

 El nombre James Sallis (Helena, Arkansas, 1944) no me sonaba de nada hasta finales del 2011. Como muchos, me acerqué a su literatura gracias a Drive (Dive, 2011) película dirigida por Nicolas Winding Refn y protagonizada por Ryan Gosling. La cinta fue un verdadero suceso. Y tal fue la buena impresión que me dejó que no me atreví a leer a Sallis de manera inmediata. Me esperé un tiempo, dos años. Pensaba que el libro no estaría a la altura de la película, o viceversa, que es lo más común.

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 El caso de Drive es una de las pocas películas que ha logrado alcanzar el nivel de su fuente literaria. Lo curioso es que haya críticos que aplaudan mucho la película, etiquetándola incluso como de culto, mientras que al libro no se le toma en cuenta. O peor aún, comentan que es aburrido. Una de las críticas que leí señalaba que Sallis se entretenía demasiado en describir situaciones que no ayudaban a la historia y que lo único que lograban era dormir al lector. Definitivamente, decía la nota, vale la pena solamente la película. Recomendaba no acercarse al libro.

  Sí creo que la forma en que nos seduce la película es más efectiva que la forma en que lo intenta hacer la novela. El manejo de la cámara y los silencios en que ésta parece flotar y desplazarse es simplemente fenomenal. Si le agregamos la explosión de colores y sonidos, nos encontramos ante una película nada difícil, únicamente nos tenemos que dejar conducir. Pero recordemos que la actividad que realizamos al apreciar una película es meramente pasiva. Por lo contrario, con el libro, está en juego la imaginación del lector. En mi caso nunca me aburrí o perdí interés, ni con Drive (The Drive, 2005) ni con El regreso de Drive (Driven, 2012). Y cómo lo iba a hacer si tratan de la incapacidad de su protagonista de escapar de la violencia de la sociedad, y sobre todo de la violencia que yace en el fondo de sí mismo.

  Su concisa prosa me atrapó. El inicio de Drive, así como el de su continuación, son auténticas joyas. En el primero leemos: “Un rato después, sentado y con la espalda apoyada en la pared de un Motel 6, en la salida norte de Phoenix, contemplando el charco de sangre que avanzaba hacia él, Driver se preguntaría si no había cometido un grave error. Más tarde aún, ya no habría ninguna duda. Pero ahora Driver se encuentra, como dicen, en el momento. Y el momento incluye esa sangre que avanza hacia él, la apremiante luz del amanecer sobre las ventanas y la puerta, el tráfico de la autopista cercana, el llanto de alguien en la habitación contigua.”

2 Sallis es un auténtico maestro de la novela corta, sus palabras son contundentes y oscuras. En un extremo de una balanza coloca el universo pulp, y en el otro ubica la filosofía existencial. La manera en logra mantener el equilibrio es lo más notable de su narrativa. Al centrarnos en la historia, descubriremos que roza el cliché, por lo menos en lo que toca a Drive. Sin embargo, Sallis no cautiva por la historia en sí, sino por su manera de fragmentarla. Es capaz de concentrar en poco más de cien páginas una historia con un método narrativo que te hace pensar en el cine. Cada escena que plasma está repleta de detalles, y es en éstos donde se adquiere  el verdadero placer de sus letras, donde se percibe su habilidad para ir destilando de a poco la violencia. Sallis no tenía pensado escribir la continuación de Drive hasta que se lo preguntaron. Su respuesta fue que no lo sabía. Esa misma noche se sentó a su mesa y comenzó a escribirla. El resultado es igual de bueno.

 En El regreso de Drive, en su primera página, leemos: “Vinieron a por él justo después de las once de la mañana de un sábado; eran dos. Cada vez hacía más calor; la luz solar relucía en la fina película de sudor que cubría la frente de Elsa. Un atisbo de movimiento por el rabillo del ojo mientras ellos pasaban por un breve callejón: ahí estaba el primero. Saltó, golpeando con el pie y con todo su cuerpo la rodilla derecha de ese sujeto: la oyó crujir.”

De nuevo está ahí la cadencia, la respiración de Sallis que suda en cada página y que es un verdadero signo de identidad.

Animación Mexicana 19: Otra Película de Huevos

Es hora de retomar un concepto que ya habíamos tratado, y me refiero a aquel de esos dos hermanos que dieran el salto de las animaciones de internet a la gran pantalla. Como recordarán, los creadores de Huevocartoon (Rodolfo y Gabriel Riva Palacio) ya eran conocidos en el mundo del séptimo arte gracias a su primer largometraje, Una Película de Huevos (Una Película de Huevos, 2006). El éxito de dicha cinta permitió la producción de una segunda parte que dio mucho de qué hablar, ya que no sólo tuvo un gran éxito en taquilla, sino que mostró diversos cambios a su antecesora.

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 De ese modo, Otra Película de Huevos y un Pollo (Otra Película de Huevos y un Pollo, 2009) hizo su aparición en salas mexicanas, cautivando a algunos y dejando a otros un poco decepcionados.

La película sigue la historia de Toto, el huevo héroe de la primera entrega que ahora se ha convertido en un pollo, y como tal, debe aprender a sobrevivir en un mundo completamente distinto a lo que conoce. Por si esto fuera poco, un malévolo huevo brujo está obsesionado en capturarlo para tomar su corazón y utilizarlo en uno de sus hechizos, lo que culminará en una peligrosa aventura para él y sus amigos.

 Para empezar, la premisa de la cinta es bastante atractiva, parte de la maravilla que caracterizó a la primera película fue el factor de convertir hechos cotidianos como un desayuno en un viaje de autoconocimiento y superación. En esta ocasión se optó por agregar a este mundo elementos mágicos y de más acción. Los personajes continúan con su carisma característico, y las nuevas incursiones no quedan nada a deber. Desde el siniestro villano, Huevo Brujo (interpretado maravillosamente por Darío T. Pie), hasta la simpática Hueva Lancha (Lucila Mariscal) logran un buen equilibrio entre el lado cómico y el lado dramático.

 La animación como tal es igual de buena a su antecesora, sin embargo cuenta con el plus del uso del 3D. La primera cinta también usó esta técnica, pero en esta secuela es mucho más notorio, y es justo ese punto el primero que causa controversia. Ciertamente la película tiene un toque más profesional y el 3D permite mucho más dinamismo y escenas más complejas y emocionantes, no obstante, el toque artesanal que la primera parte tuvo se ve sacrificado en algunos momentos. No podemos dejar de comparar el estilo con el ya visto en la mayoría de las producciones de Ánima Estudio.

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 Como siempre menciono, este es un factor que puede ser un defecto o una virtud dependiendo únicamente del espectador. Ahora, también consideremos que para muchos, la historia no resultó ser tan entretenida como la primera. Personalmente creo que la cinta tomó un buen camino, y aunque existen cosas que si se extrañan de la primera película, creo que la segunda parte está muy bien hecha y tiene todo para sostenerse por sí misma.

 Igual que antes el humor está muy cuidado para mantener su doble sentido pero aún así ser para toda la familia, además de que es gratificante ver personajes más complejos como el caso de Toto, quien a pesar de haber logrado su sueño sigue teniendo dudas y conflictos. La banda sonora mejoró al estar más acorde con la trama de la película, aunque las canciones usadas a lo largo creo que no superan lo antes hecho (me gustaron más las elegidas en la primera parte).

 En conclusión, la película mostró una evolución notable en aspectos técnicos y en historia, pero el hecho de que varios prefieran la primera parte nos hace analizar esos detalles que pudieron faltar o estar de sobra. Pero bien, mejor o peor que si antecesora, la cinta es un proyecto bien logrado, bien cuidado, divertido y sólido que nos hace esperar ansiosos la tercera parte, próxima a estrenarse.

Animación Mexicana 18: El Santos

Y finalmente llegamos a la última parte de la antología de Ánima Estudio (hasta ahora). El último proyecto del estudio es quizá el más polémico, no sólo de la compañía sino del mundo de la animación, y del cine en general,  en México. Basada en la popular historieta creada por los dibujantes Jis y Trino, nació el proyecto de El Santos vs la Tetona Mendoza (El Santos vs la Tetona Mendoza, 2012). Dirigida por Andrés Couturier, creador de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003) y Alejandro Lozano, quien anteriormente fuera director de cintas como Matando Cabos (Matando Cabos, 2004) y Sultanes del Sur (Sultanes del Sur, 2007).

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 La película trata acerca de El Santos, un regordete y vulgar luchador (obvia parodia al icónico enmascarado de plata) quien trata de seguir adelante en la vida luego de su rompimiento con la Tetona Mendoza. Su rutina sufre un cambio cuando decide, junto a su amigo El Cabo, ayudar a la comunidad de los Zombies de Sahuayo a ser aceptados por la sociedad; no obstante, sus planes se ven afectados cuando la Tetona Mendoza inicia una revolución feminista que pondrá en apuros no sólo al protagonista, sino a todos los personajes masculinos.

 De entrada la premisa resulta un poco extraña y hasta bizarra, sin embargo los lectores conocedores de El Santos sabrán que ese tipo de historias y un humor muy subido de tono es característico de estos personajes. Y es justo ahí donde la película divide a su audiencia, ya que considero que va dirigida únicamente a un público demasiado específico. En resumen, los que gustan de la historieta amarán la cinta, y los que no la conocen y gustan de tramas mas aterrizadas y un humor más familiar (menos guarro) simplemente no podrán soportarla.

 Como adaptación es sencillamente impecable, los fans encontrarán en la película todo lo que buscan. Sí mismo, hay varios guiños a crítica social y hasta política que hacen de esta cinta una opción interesante, de hecho no dudaría que la película entre a las filas del cine de culto mexicano. Aún así, hablar de El Santos de manera objetiva es complicado, personalmente es la película de Ánima que menos me ha cautivado (junto con la de la AAA).

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 Hablando con toda franqueza y respeto, la cinta es visualmente una tortura. Si bien los dibujos mal hechos (si, mal hechos, los propios creadores aceptaron que era ese estilo de “dibujo feo” el que buscaban) pudieran resaltar en el impreso, en una pantalla de cine llegan a ser bastante cansados. Reitero que es una cinta que tiene un público muy selecto y aunque no la catalogaría como mal cine, tampoco la defendería como una obra maestra. La animación es buena a secas, totalmente hecha en 2D y a veces pareciendo hecha con flojera, pero insisto en que nos un defecto sino el estilo que se buscó darle con toda intención.

 Con respecto al trabajo de doblaje he de decir que es más que aplaudible, no sólo los personajes tienen carisma, sino que los actores que prestaron sus voces son verdaderas leyendas de la actuación que le dan a la cinta un toque épico en ese sentido. Podemos escuchar las voces de Daniel Jimenez Cacho, Regina Orozco, José María Yazpik, los hermanos Bichir, Joaquín Cosío, Jesús Ochoa, Andrés Bustamante y como un exquisito detalle adicional, el mismísimo director Guillermo del Toro interpretando al personaje Gamborimbo Ponx.

 Ahora, si hablamos de una película que resulta ser una adaptación perfecta, con crítica social y un elenco de primera, ¿Cuál es el problema? Pues bien, el problema no es en sí la cinta, sino el concepto que Jis y Trino crearon. Por un lado podría ser excelso, pero así mismo resulta un humor en exceso vulgar. Y no hablo sólo de las innumerables groserías y albures que se aprecian en toda la película (mismas que en varias ocasiones resultan muy jocosas), sino de diversas escenas sexuales explícitas, el constante énfasis de la necesidad de El Santos por satisfacer sus necesidades fisiológicas y otros chistes y escenas propios a la saga de Scary Movie (Scary Movie, 2000).

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 En conclusión, creo que El Santos vs la Tetona Mendoza es un proyecto inteligente, muy ambicioso y digno de ser visto. No obstante, también resulta una cinta “espantosa” en varios aspectos, definitivamente no apta para todo público y que lo que la hace brillante es también lo que la convierte en  una abominación animada. Sólo puedo decirles que el mejor juez serán ustedes mismos, y que está película es de esas cosas que dependen del cristal con que se miren.

Animación Mexicana 17: La Leyenda de la Llorona

Casi llegando a la recta final de las producciones actualmente terminadas de Ánima Estudio, y siguiendo con las aventuras de Leo San Juan, la historia que originalmente fuera desarrollada por Animex, cambió de hogar para una secuela, que abordó la misma temática y los mismos personajes, esta vez enfrentándose al que quizá sea el espectro más conocido de la cultura mexicana. De ese modo hace algunos años llegó a las pantallas de cine La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011).

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 Para empezar tenemos la gran pregunta, ¿Por qué Animex hizo la primera película y Ánima la segunda? Pues bien, hay muchas teorías al respecto; Algunas personas aseguran que el estudio Animex pasó por complicaciones económicas y por lo mismo decidió vender los derechos de la historia, sin embargo el propio director y escritor de la cinta original, Ricardo Arnaiz, declaró que esta decisión constaba de una alianza estratégica en la cual Ánima produciría la nueva aventura ya que Animex se encontraba con una gran carga laboral por dos proyectos fuertes, uno de ellos está próximo a estrenarse y el otro aún se encuentra en producción, mas adelante indagaremos sobre ellos.

 De ese modo, el nuevo director Alberto “Chino” Rodriguez, responsable de la dirección en varios capítulos de El Chavo (El Chavo, 2006-2013) y de la cinta AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010) retomó la historia con producción, historia y guión del propio Ricardo Arnaiz y volvió realidad ese sueño que varios fans de la Nahuala tenían (el final de la primera película daba pie a una secuela).

 En la historia, Leo San Juan y sus amigos llegan hasta el pueblo de Xochimilco, donde varios niños han sido secuestrados por el malvado espíritu de la llorona, una mujer resentida por la pérdida de sus propios hijos. En su camino, Leo conocerá a una nueva amiga: Kika, una simpática niña que está decidida a salvar a su hermano Beto, quien fuera capturado por la mujer fantasma. Así mismo, la llorona no es el único peligro que Xochimilco guarda, ya que también está la amenaza de la Isla de las Muñecas donde extraños sucesos se desarrollan.

 La premisa es muy atractiva y es una digna continuación a la aventura que ya conocíamos, además no se detiene ahí, sino que abrió camino a una tercera parte que pronto podremos disfrutar en cines: La Leyenda de las Momias (La Leyenda de las Momias, 2014). Pero…  ¿es tan buena como su predecesora? La cinta originó todo tipo de comentarios y es difícil optar por una verdad absoluta, sin embargo la opinión de su servidor es la siguiente.

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 Para empezar se aprecia mucho que la mayoría de la esencia de la nahuala sea respetada, de hecho hay una secuencia al principio que nos resume la primera película. No obstante, el estilo de Ánima resalta mucho. Animex usa un estilo en diseño de personajes y fondos muy característico, manual y artesanal. Ánima ya usa un concepto un poco más tecnológico con escenarios hechos casi enteramente en 3D y con diseños de personajes más apegados al programa de Adobe Flash.

 Esto, aunque mínimo, resultó un problema para los amantes de la primera parte. Además de eso, el cambio de voces fue fundamental también. Cuando la nahuala nos trajo las voces de monstruos de la actuación muy reconocidos, la llorona cambió casi a todo el elenco, siendo la voz de Rafael Inclán la única que aparentemente fue respetada como el Alebrije.

 Dicha situación costó la perdida de chispa en varios personajes como el de Don Andrés (La voz de Andrés Bustamante es simplemente inigualable) y un Leo San Juan mucho más maduro. No es que sea malo, al contrario, es aplaudible ver a un protagonista que va creciendo y madurando, sin embargo en cuestiones de continuidad, es extraño suponer que un niño asustadizo se volvió un joven más alto y con voz más adulta en el viaje a Xochimilco que, en teoría, habrá durado unos cuantos días en globo. (Nuevamente cito, la nahuala termina cuando salen de Puebla rumbo a Xochimilco y la Llorona empieza cuando llegan a su destino).

 Lo cual suma a otros errores de continuidad, al hecho de extrañar a varios personajes de la cinta anterior, la ausencia de la banda sonora original compuesta por Gabriel Villar y la aparición de nuevos personajes que no pueden dejar de compararse con algo ya visto en cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) haciendo aún más evidente la inspiración que esta historia ha tenido en el universo de Tim Burton nos hacen desear que Animex hubiera continuado el relato. No obstante, el trabajo tampoco es malo, a su modo y estilo se trata de una muy buena película, disfrutable para todas las edades, una animación mucho mejor lograda y con un equilibro de comedia, drama y hasta un toque de horror muy aceptable.maxresdefault

 A mi parecer es una de las mejores cintas de Ánima y como punto adicional, el diseño de la llorona es magnífico, me emocionó ver algo que pocos logran al dar un espectro de caricatura en verdad temible que incluso pudiera compararse a fantasmas como los aparecidos en The Gruge: La Maldición (The Grudge, 2004) o La Dama de Negro (The Woman in Black, 2012).

 En conclusión, La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) es un trabajo excepcional, ampliamente recomendable y digno heredero de las aventuras de Leo San Juan. Al final de la película nos deja con dos deseos, ver la tercera parte de la saga y que el personaje de Kika (que en serio se gana al público) aparezca en esta misma.

Animación Mexicana 16: La Leyenda de la Nahuala

Otro de los estudios de animación que vale la pena mencionar por la calidad de sus producciones es Animex, una empresa creada por Ricardo Arnaiz y Eduardo Jiménez, junto con el apoyo del gobierno de Puebla (en donde actualmente tiene su sede). Animex es una empresa un tanto más pequeña que Ánima Estudios, pero no por eso es menos profesional, de hecho las películas creadas por éste estudio son realmente buenas en muchos aspectos.

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 La primera producción de Animex originalmente llevaría como título “Maya, la primera gran historia” y se trataba de un ambicioso proyecto que contaría con el apoyo del actor Bruno Bichir. Así mismo, el estudio tenía otros proyectos para la televisión como era una serie animada de la clásica historieta de Gabriel Vargas, La Familia Burrón. Por desgracia ninguno de estos proyectos logró consolidarse, dándole a Animex un verdadero dilema para colocarse como un estudio formal.  No fue hasta el año del 2007 cuando el primer largometraje del estudio pudo llegar a las salas de cine, una historia basada en una de las fiestas más tradicionales de nuestro país: El Día de Muertos.

 La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007) es una película de animación 2D que cuéntala historia de Leo San Juan, un asustadizo niño que vive en la ciudad de Puebla de los Ángeles, en la época de la colonia. Su hermano Nando constantemente lo fastidia con la escalofriante leyenda de la Nahuala, una bruja que existiera tiempo atrás y que fuera capaz de robar la vida de los niños para obtener poder absoluto y vida eterna. Un día de muertos, Nando es capturado por aquella malvada hechicera, obligando a Leo a enfrentar sus miedos y enfrentar las fuerzas de ultratumba para salvarlo.

 Algunas personas consideraron la historia de la cinta como algo no demasiado original, pero el encanto de la misma es la forma en la que nos la relata. La película está llena de guiños a la cultura mexicana, con escenarios elaborados de manera impecable (si alguien conoce Puebla, se dará cuenta de ello) y con un guión que aunque a veces peca de estar demasiado orientado al público infantil, la mayor parte del tiempo resulta lo bastante sólido para dar una buena experiencia al público adulto también.

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 Los productores no repararon en gastos para la elección del elenco de voces, teniendo así personajes interpretados por personalidades como Jesús Ochoa, Rafael Inclán, Martha Higareda, Andrés Bustamante, Manuel “Loco” Valdés, Ofelia Medina y el primer actor (e icono del cine mexicano de horror) Germán Robles. La animación cumple en su mayoría aunque la película no está exenta de errores en la misma, así como otros detalles de continuidad, acting, y otros elementos.

 La música, hecha por Gabriel Villar, resulta ser uno de los mejores soundtracks en el cine mexicano (a opinión de este servidor) logrando un buen equilibrio entre melodías de suspenso, acción, comedia, drama y por supuesto, la esencia de México. Si a esto le sumamos el uso de canciones ya conocidas como “El Médico Brujo” y “No Es Serio Este Cementerio”, y de otras canciones originales como “Pan de Muerto” y obvio, “Calaverita de Azúcar”, obtenemos una banda sonora por demás rica y disfrutable.

 Como mencioné antes, el principal problema con la película es estar a veces muy orientado a los niños solamente y algunos detalles de la animación, pero si logramos superar esto nos quedamos con una cinta que no solamente es entretenida, sino además un clásico festivo que bien vale la pena ver en las fechas de muertos. Mención aparte a que la película fue lo bastante sólida para ser acreedora a una segunda y hasta una tercera parte… que no fueron hechas por Animex, mas adelante hablaremos de ellas.

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 Los personajes son entrañables, el héroe es un ejemplo del alcance que puede tener creer en nosotros mismos y la importancia de enfrentar los miedos. La mezcla entre la cultura católica (España) con la Prehispánica es una delicia al mostrarnos un universo donde ambas creencias pueden coexistir y complementarse. Personalmente espero y creo que Leo San Juan puede tener muchas más aventuras en este país donde las leyendas abundan. ¿Por qué no decirlo? Estamos ante una franquicia animada, orgullosamente mexicana, que bien pudiera estar a la altura de sagas como Piratas del Caribe o Indiana Jones, por supuesto que no en producción, pero si en contenido. Leo San Juan, el nuevo héroe de acción mexicano.

MENTES RETORCIDAS al cine

Muchas películas se han basado en hechos reales para crear ese suspenso en la gente y del mismo modo engancharlas a la historia. Algunas toman a diversos personajes, ya sea algún político, religioso u otra persona con cualidades para darlas a conocer gracias a sus buenas o trascendentes acciones. Hoy les hablaré de algunos famosos personajes que hicieron historia por sus actos terroríficos y espeluznantes, sus mentes retorcidas, obscuras y dementes los llevaron a asesinar gente de las formas más horribles posibles y ahora esos hechos fueron lanzados a la pantalla grande.

 Primero comencemos por definir el término “asesino serial”: sujeto que termina con la vida de tres o más personas durante un lapso de treinta días, durante este periodo dejan un tiempo denominado “enfriamiento”. Para la mayoría de los asesinos su motivación está basada en gratificaciones psicológicas que los incitan a matar, otros ya traen problemas desde la infancia ya sea por violencia intrafamiliar o en la escuela, lo que les deja secuelas graves que van acumulando para después desquitarse con la gente que se les pone enfrente. Muchos de los crímenes perpetuados por un sujeto siguen el mismo patrón, ya sea que sus víctimas sigan una misma característica en cuanto a sexo, raza, edad o cumplan el mismo procedimiento de asesinato.

  • TED BUNDY (1946-1989)

 Es uno de los asesinos más famosos, no solo por la cantidad de mujeres que asesinó, sino por sus tácticas para hacerlo, gracias a su mente brillante que poco a poco fue decayendo, dejando pistas que dieron paso a su captura. Fue acusado de canibalismo, escapó en diversas ocasiones de la policía, pero lo único que lo logró frenar fue la silla eléctrica. Varias de sus tácticas para engatusar a las chicas, consistían en llevar uno de los brazos enyesado y el otro cargando libros: por otro lado, mentía diciendo que su Volkswagen tenía problemas para arrancar.

 La vida de Ted fue llevada no solo una vez a la pantalla grande, sino en tres ocasiones. La primera con la cinta Ted Bundy (Ted Bundy, 2002), la siguiente titulada Un extraño a mi lado (The Stranger beside me, 2003), aunque sin duda la más famosa adaptación es la del propio Hannibal Lecter, personaje que se dio a conocer en la película El silencio de los inocentes (The Silence of the Lambs, 1991)

  • CHARLES MANSON  (1934)

¿Quién no conoce a este tipo con facha de rockero y mirada penetrante? Sin duda el asesino más famoso para mí gusto. Sorprendió, no solo por la frialdad de sus asesinatos, sino porque en muchos de ellos él no se manchó las manos, sino que reunió a un grupo de jóvenes a los que les difundió sus ideas de odio hacia la sociedad y los manipuló al punto de incitarlos a asesinar, dentro de las víctimas se encuentra la esposa de Roman Polanski, la actriz y modelo Sharon Tate.

 El rostro de Manson ahora no solo se puede ver en playeras o hasta pósters, sino en una teleserie de nombre Helter Skelter (1976-2004) un título que también se puede escuchar en muchas canciones.

  •  ANDREI CHIKATILO (1978- 1990)

 Mejor conocido como “El carnicero de Rostov”. Éste hombre, originario de Ucrania, asesino a más de 50 personas de formas horribles, siendo sus principales víctimas: jóvenes, y niños de ambos sexos, también prostitutas que se encontraba por las calles, a todos ellos los capturaba en estaciones de trenes, tras lo que los llevaba a lugares solitarios, donde comenzaba el infierno. Los torturaba ya sea a golpes o mordiéndolos y mutilándoles partes del cuerpo,lo que daba gran satisfacción. Después de muchos arrestos injustos a personas equivocadas dieron con Chikatilo dictándole pena de muerte.

Llevado a la pantalla grande por la película Ciudadano X (Citizen X, 1995) en donde cuentan la investigación del asesino de la Unión Soviética y los esfuerzos de los detectives por capturarlo.

  • JEFFREY LIONEL DAHMER (1960- 1994)

Conocido como El carnicero de Milwakee ,responsable de la muerte de 17 hombres y jóvenes, con lo que practico la necrofilia y el canibalismo. A este tipo con la mente atrofiada también le hicieron película de nombre Dahmer (Dahmer,2000). En donde se ve al depravado asesino dando su lado sumiso antes de cometer tremendas atrocidades.

 

 

Animación Mexicana 15: Don Gato

Además de trabajar en la película de Gaturro, Ánima Estudio se fijó el que sin lugar a dudas es su proyecto más emblemático, ambicioso y complejo: Don Gato y su Pandilla (Don Gato y su pandilla, 2011). En bien sabido que la caricatura creada por Hannah Barbera no tuvo un gran éxito en su país natal, pero en México fue poco más que un titán de la televisión que trascendió generaciones y llegó a público de todas las edades.

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 Era sólo cuestión de tiempo antes de que se decidiera hacer una película de ese popular y astuto gato, pero lo que casi nadie esperaba era que la iniciativa, la producción y el crédito del largometraje serían casi enteramente de México. Nuevamente nos encontramos ante un producto que para algunos no debería considerarse como cine nacional, pero realmente lo es y aunque las voces originales y los derechos pertenecen a estados unidos, la película es producto del esfuerzo de nuestro país.

 Siguiendo el ejemplo de Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010), el plan inicial era de una película hecha en 3D, de hecho algunos modelos fueron creados en ese formato antes de la producción. No obstante, la empresa decidió segur más el estilo clásico del 2D para dar vida a Don Gato y recurrir al 3D únicamente para escenarios y props como vehículos, escritorios y botes de basura. No fue la primera vez que Ánima usó este estilo (Imaginum (Imaginum, 2005) fue el pionero), pero al ver el producto final podemos saber que fue la mejor decisión para esta cinta. Ambos estilos, aunque destacables uno de otro, están muy bien coordinados y en ningún momento son un punto débil para la película.

 La película nos cuenta la historia de Don Gato y su inseparable pandilla, cuyos esfuerzos por obtener ganancias en la tranquila ciudad de Nueva York son causa de molestia del oficial Matute, la trama que todos los que vimos la serie recordamos. No obstante, el mundo de Don Gato se ve perturbado con la llegada del nuevo jefe de policía, Lucas Buenrostro, un vanidoso y ambicioso hombre amante de la tecnología que abusando de su nuevo poder toma el control de la ciudad con la ayuda de un ejército de robots.

 Quizá el tema de los robots pareciera que no va para nada con el mundo de Don Gato, este servidor pensó lo mismo al principio, sin embargo la historia está muy bien llevada y de hecho resulta en una buena moraleja sobre la importancia de no perder el lado humano en este mundo atascado de tecnología. La cinta es inteligente y divertida, en especial para los amantes de la serie quienes disfrutarán toda la película por sus múltiples cameos de figuras ya conocidas como el violinista Lazlo Lozla, el Marahá de Pocaju, la yegua Arabella, entre otros. Sin olvidar el homenaje a la clásica introducción del programa que resulta un deleite a la vista con ese nuevo estilo un poco más moderno.

Top Cat The Movie

 Finalmente no podemos dejar de lado el trabajo de doblaje. Muchas personas están en contra de este proceso y siempre prefieren ver los productos en el idioma original, cuestión totalmente respetable. Sin embargo a veces se olvidan de que México es (o debería ser) una potencia en lo que a este trabajo se refiere, y hablo de los estándares de calidad del mismo. La serie misma destacó en gran medida por los trabajos de grandes actores como Julio Lucena, Jorge Arvizu y Víctor Alcocer. Desgraciadamente la mayoría del elenco original ya había fallecido cuando la película se hizo (actualmente, todo el elenco), sin embargo la empresa Dubbing House realizó un espléndido trabajo en la selección de las nuevas voces. A diferencia de El Chavo Animado (El Chavo, 2006), las voces en esta cinta son muy similares a las originales y funciona perfectamente. Y por supuesto, lo más destacable quizá fue la participación del se Jorge Arvizu “El Tata” (q.e.p.d.) interpretando a Benito Bodoque y a Cucho.

 Ánima Estudio es la empresa con mas proyectos y éxitos en su haber en México, sin embargo, nadie puede negar que su magno trabajo es Don Gato y su Pandilla (Don Gato y su pandilla, 2011), una película hecha por y para fans de aquel gato amarillo (que incluso pudiéramos comparar con emblemas de nuestro cine como Germán Valdés “Tin Tan”). Una cinta hecha verdaderamente con el corazón y que se puede definir como un parte aguas en la historia del cine nacional.

www.youtube.com/watch?v=3MNCu1KTveI

Animación Mexicana 14: Teenage Fairytale Dropouts

Es curioso cuando un producto hecho en México no sea transmitido ni muy conocido en nuestro país, sin embargo debemos considerar que el talento mexicano cada día tiene más renombre a nivel internacional, al grado de que público de otros países han optado por solicitar nuestro trabajo para sus propias priones. Anteriormente hablamos de Kung Fu Magoo (Kung Fu Magoo, 2010) y Gaturro, la película (Gaturro, la película), películas aparentemente extranjeras pero hechas aquí, y ahora toca el turno a la televisión. Porque si, lectores, Ánima Estudio no se conformó con sólo hacer cine.

TFDO

 Luego del éxito de la serie de El Chavo y la buena aceptación del universo fantástico de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003), el estudio decidió que su siguiente proyecto sería una serie basada en su primer largometraje para ser vendida al extranjero. De ese modo el nacimiento de Teenage Fairytale Dropouts (Teenage Fairytale Dropouts, 2014) fue posible. La serie trata de la vida “cotidiana y normal” de tres adolescentes: Trafalgar, Jeremiah y Fury, hijos de grandes personalidades de los cuentos de hadas que habitan en la tierra de Fairytale Estates.

 Aunque actualmente la serie no es transmitida en nuestro país, el hecho de que la empresa Dubbing House esté trabajando en el doblaje mexicano de la serie nos hace pensar que pronto podremos disfrutar de ella. Se trata de un producto de alta calidad aunque es notorio que se trata de algo hecho enteramente para televisión. La animación es totalmente en 2D mediante el programa Adobe Flash (como casi todas las series animadas de la actualidad), pero está muy bien lograda.

 Este servidor ha tenido la oportunidad de ver un par de episodios y les puedo asegurar que verla no es para nada una mala experiencia. La caricatura es divertida e interesante, de hecho a veces nos remonta incluso a la época dorada de Hannah Barbera, aunque con un toque más moderno, claro. La estética es prácticamente la misma que la película en la cual está basada, aunque la evolución en la creación de escenarios, y por supuesto la animación, es enorme. Curiosamente la serie animada supera a la versión cinematográfica en estos aspectos.

 Quizá el único detalle que, personalmente, me impide disfrutar al 100% de esta serie es aquello mismo que la hace diferente a la cinta: Los personajes crecieron. Si bien los nombres cambiaron y pudiera parecer que son personajes distintos, resulta obvio que los tres protagonistas no son más que la versión adolescente de Gigante, Ada y Trafalgar. Creo que parte importante del encanto de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003) era la inocencia y la gracia de sus personajes, niños que luchaban por destacar en un mundo regido por adultos. Sus bromas absurdas y la ingenuidad de los infantes los hacían personajes entrañables, y no digo que sus versiones mayores no tengan su propio carisma, de hecho son personajes excelentes… sin embargo el diseño de los mismos en un afán de hacerlos parecer “jóvenes cool” siento que afectó esa imagen que los que vimos la película primero teníamos.

untitled Claro que es sólo una opinión y es aplaudible el hecho de que Ánima decidiera hacer evolucionar a sus personajes. Todo depende de la perspectiva y los gustos de la gente, como en mí caso que me resultan más gratos los personajes pequeños y cabezones, que los chicos altos, modernos y con peinados extraños (No puedo evitar mencionar el parecido que Fury tiene con las chicas de MonsterHigh). Así mismo, es lamentable la ausencia de Titán Caradura, que si bien el personaje es mencionado, hasta ahora no se de que la empresa tenga pensado incluirlo, al menos en la forma en que lo conocemos. Esto resulta decepcionante ya que dicho personaje es sin duda uno de los mejores y más temibles villanos hechos por el estudio.

 En conclusión, Teenage Fairytale Droupouts (Teenage Fairytale Dropouts, 2014) es una serie muy buena que divertirá a todo público, es fresca, amena, llena de guiños a los cuentos clásicos y que no está exenta de ciertas moralejas al final de cada episodio. Quizá Fairytale Estates no posea tanta magia como el pueblo de Varita Quebrada, pero es una digna continuación (o spin off) de la historia. Esperamos ansiosos que pronto podamos apreciarla en su hogar, México.

http://www.youtube.com/watch?v=GEXAISF07qo

Animación Mexicana 13: Gaturro

Además de crear convenios con Estados Unidos, Ánima también ha optado por unirse con talentos de América Latina, tal fue el caso de la coproducción realizada con Argentina, basada en los libros creados por Cristian Dzwonik, Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010). Aunque la película está considerada como un producto Argentino, cabe destacar los esfuerzos y el trabajo que los mexicanos realizaron para dicho proyecto.

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 La película nos cuenta la historia de Gaturro, un simpático gato con enormes cachetes que está enamorado de una gatita de nombre Agatha, y por la cual emprenderá una gran aventura en el mundo del espectáculo con la esperanza de ganar su corazón. Los personajes son muy agradables tanto en el diseño como en la personalidad. La historia, aunque con múltiples giros cómicos, resulta ser lo suficientemente madura y hasta emotiva, y nos ofrece enseñanzas como la determinación y la autovaloración, este último es el mensaje más importante de la cinta según el criterio de este servidor.

 Hasta ahora, esta cinta ha sido la única hecha enteramente en el formato 3D ,en el cual Ánima Estudio formó parte, recordemos que si bien el estudio ha usado este método para algunos elementos de sus películas, todos sus proyectos han sido en 2D. Y ya entrados en el tema del 3D, en esta película el formato es usado de forma muy aceptable. Ciertamente no compite con estándares de realismo como Dreamworks o Pixar, y de hecho el estilo recuerda mucho a otros proyectos como la más reciente serie de Garfield (que curiosamente también es la historia de un gato naranja hogareño).

Sin embargo esto no tiene por qué ser un punto negativo, ya que hay dos formas de ver esta situación. Puede tratarse de un 3D simple que se vio limitado por la tecnología o el temprano desarrollo de sus creadores en el tema… o como prefiero verlo, se trata de un estilo más caricaturesco y colorido que se hizo así a propósito para darle a la cinta un parecido mas al libro del cual se basa, agregándole un pequeño plus de volumen con el 3D.

 Cabe mencionar que este tipo de animación es muy vistoso, pero traicionero, es complicado lograr una animación fluida ya que se cuidan todos los ángulos posibles de vista y constantemente hay que verificar las texturas y la iluminación. Varias películas fallan en este sentido y la animación resulta un tanto acartonada, pero con Gaturro: la película (Gaturro: la película,2010) no es el caso. Los personajes son muy expresivos y el hecho de poder identificar a cada uno por su personalidad y su papel en el relato es un gran logro (Todos los gatos son idénticos físicamente, sólo se diferencian por algunos elementos como ropa, peinado y un cuello muy extenso.)

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 Otros retos del 3D también valen la pena mencionarse, ya que aunque pudieran no ser demasiado importantes a la historia, su buen funcionamiento ayuda mucho a la cinta. Elementos como la pecera en la que constantemente vemos nadando a uno de los amigos de Gaturro, un pez rojo, y donde el agua se ve muy real. La animación de fluidos es quizá de las más complejas ya que como tal los fluidos no se animan, sino que se crean simulaciones con fuerzas de gravedad, viento, viscosidad, etc. cuestiones que involucran matemáticas y física y que por lo mismo, pocos animadores tiene el valor de aceptar.

 Aunque no es una película que goce de gran popularidad en nuestro país, y aunque muchos ni siquiera la conocen o creen que no es un mérito mexicano, resulta ser un proyecto de gran calidad lleno de guiños a otros mundos del cine como Disney o el agente James Bond. Así mismo, resulta una película perfecta para ver en familia y en la cual los adultos no tendrán problemas para disfrutar. Los invito a ver Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010) y descubrir el potencial de este proyecto, que aunque no es 100% nuestro, tiene su parte orgullosamente mexicana.

Animación Mexicana 12: Kung Fu Magoo

 Volviendo a Ánima Estudio, cabe destacar que la empresa no está peleada con la idea de unir talentos con otros estudios y otros países. Prueba de esto es la primera producción de larga duración que Ánima hizo para el mercado extranjero: Kung Fu Magoo (Kunf Fu Magoo, 2010). En conjunto con la empresa Classic Media, le dió al famoso personaje Mr. Magoo la oportunidad de protagonizar una nueva aventura animada, misma que fue transmitida en nuestro país por el canal Cartoon Network.

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 Aunque técnicamente la película no se considera dentro del cine mexicano, la verdad es que nuestro país es el responsable de la mayor parte de la producción, incluso fue dirigida por Andrés Couturier, que fuera el responsable de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003) y El Agente 00-P2 (El Agente 00-P2, 2009). Entre el talento de voces tenemos a leyendas de la actuación de voz en E.U., Tom Kenny y Jeff Bennett, además de los juveniles Cole y Dylan Sprouse (Zack y Cody: Gemelos en Acción).

 La historia nos cuenta como los más grandes villanos del mundo, liderados por el perverso Tan Gu, organizan un magno evento Olímpico del mal y atraen la atención de la agencia anti maldad. Los agentes enviados para detener este siniestro acto son nada menos que Quincy Magoo y su sobrino Justin. De este modo da inicio a una serie de combates emocionantes y divertidos cuando Magoo se vuelve uno de los participantes del evento.

 En cuestiones de animación, la cinta no ofrece algo nuevo a lo que Ánima nos tiene acostumbrados sencilla animación 2D bien lograda, muy parecida al estilo de otras películas de este estudio. El trabajo artístico y diseño de personajes también cumple pero quizá su mayor acierto sea la psicología de estos. La historia es sencilla, pero se ve fortalecida con personajes complejos como es el caso de Justin, un muchacho que entra en la incógnita de que es más importante: Ayudar a su despistado tío o volverse el leal asistente de su ídolo, Cole Fusion. Lo mismo pasa con el villano Tan Gu, quien no se queda como un acartonado enemigo que es malo por naturaleza, al contrario, nos presentan un personaje que en el fondo lo único que desea es ser un buen padre.

 Siendo honestos, el título (Si, uno más de Kung Fu) y el aspecto del proyecto pudiera ser un obstáculo para que una buena parte del público se interese por él, quizá por eso no se trate de la cinta más popular de Ánima. No obstante, es un producto de calidad realmente aceptable que aunque no le cambiará la vida a nadie, tampoco le dejará la amarga sensación de que lo que duró la cinta fue un tiempo precioso perdido. Y claro, como ya es costumbre de este servidor recomendar, si al verla pueden dejar de lado a ese adulto que mostramos al mundo, será mucho mejor y más disfrutable.

Review: Ninfomanía Volumen 2 (Lars cierra la trilogía de la depresión)

Tal como reza el nombre de esta nota, Lars von Trier cierra con Ninfomanía Volumen 2 (Nymph()maniac Vol. 2, 2013) su trilogía dedicada a la depresión. Éstos 3 filmes [Ninfomanía abarca tanto Ninfomanía Volumen 1 (Nymph()maniac Vol. 1, 2013) como esta segunda entrega] que incluyen a Melancolía (Mencholia, 2011) y Anticristo (Antichrist, 2009) y que además han sido protagonizados por Charlotte Gainsbourg, muestran una faceta de éste padecimiento ubicado en distintas percepciones humanas y contextos, en éste caso el sexual.

 La parte uno abre el panorama, Joe es una ninfomaníaca, es encontrada en la calle por Selligman en medio del invierno, éste la lleva a su casa y ella comienza a contarle la historia de su vida, dividiéndola en capítulos que va nombrando inspirada en los elementos de la habitación del desconocido nuevo amigo. Nos despedimos con una Joe joven enfrentando el problema de la desaparición de su apetito sexual, desde ahí retoma ésta segunda entrega. nymphaniac

 Si bien la primera parte es una oda a la liberación femenina y tiene miradas hacia al papel de la mujer y los desniveles sociales ante la cuestión de percepción de la sexualidad según el género, en esta parte de la historia los elementos toman una nueva dirección.

 En esta segunda mitad, el análisis ocurre directamente al sentido existencialista con ápices en la sexualidad humana, no sólo Joe (personaje principal interpretado por Gainsbourg) narra las decisiones que la colocan en el aquí y ahora con la misma ligereza, sino que ese ritmo se tiñe de mayor seriedad y reflexión ante la doble moral impuesta por la sociedad a temas como el abandono de hogar por ejemplo y el sentido de pertenecer a uno mismo y realizar por ende las cosas par sí, no para llenar a alguien más.

 Al igual que la primera parte, la cinta tiene valiosas y arriesgados factores que la vuelven única, como emplazamientos de cámara más propositivos, una dirección de arte soberbia y bien estructurada, aunada a una fotografía impecable. Von Trier comienza ahora a jugar más con los saltos en el tiempo en su narrativa y nos adentra más a la trama con giros de tuerca inteligentes e inesperados.

 En la primer entrega, destaca la participación de Rammstein en la banda sonora, ahora sube al escalón Talking Heads, confirmando una muy buena selección para el soundtrack que acompaña a esta historia, que también se desenvuelve al ritmo de Bach, Mozart y demás enormes virtuosos clásicos, junto a la propia Gainsbourg.

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 El nivel de sexo explícito está tan cuidado como en la primera parte, de forma que también cualquier intromisión es justificada y cuidada para preservar su valía artística. Si lo que esperan es por fin ver pornografía visceral con el toque von Trier, no pasará, esto es arte, el sexo es un arte.

 Definitivamente el nuevo rumbo por el que gira la trama, confirmará el fanatismo que muchos testigos han mostrado por el Volumen 1 y es que por fin tenemos más tiempo de Charlotte Gainsbourg a cuadro y de nueva cuenta es fantástica junto al resto del reparto que incluye de nuevo a Shia LaBeouf. La dura y crítica visión del director danés, sostiene por cerca de dos horas el hilo de la trama provocando una absoluta empatía en el espectador y una apropiación de la historia, algo característico de él y que podemos vivir en cualquier otro de sus filmes.

 El sexo es la mera escusa para estudiar el comportamiento humano cuando el placer puede más que la obligación y el deber y no importan las barreras que puedan estar impuestas. Sin duda, no decepcionará a nadie en absoluto. Llegará a salas comerciales en Agosto, tres meses después del estreno oficial del Volumen 1. Por supuesto, la espera valdrá la pena.

5 Clásicos cinematográficos que serán tus favoritos

En toda reunión o fiesta se arma la plática con tus amigos o conocidos y no puede faltar una buena charla sobre cine, donde deberás lucir tu buen bagaje cultural en el séptimo arte, por lo que te traigo 5 películas que te harán ser el centro de atención no solo por sus grandes actuaciones o innovadora narrativa sino porque hacen reflexionar al espectador, teniendo un mensaje complicado por lo que no mucha gente lo puede entender.

1.-TAXI DRIVER (TAXI DRIVER, 1976)

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Es considera una obra maestra del director Martin Scorsese y por ende una de las mejores películas de los últimos 30 años, gracias a la ovacionada y excelente actuación de Robert De Niro.

La historia nos narra el progresivo envilecimiento moral de Travis Bickle (De Niro), un veterano de la guerra de Vietnam que consigue una plaza como taxista nocturno a causa de su insomnio crónico. La fauna humana que encuentra a partir de entonces le irá convenciendo en la idea de que debe actuar para acabar con la podredumbre que habita las calles de Nueva York.

 

 

 

 

 

 

2.- TIEMPOS VIOLENTOS (PULP FICTION, 1994)

Pulp_Fiction-740215304-large Los asesinos a sueldo Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) trabajan para un mafioso llamado Marsellus Wallace (Ving Rhames). Vincent tendrá que proteger a la pareja de Marsellus, Mia (Uma Thurman), quien termina al borde de la muerte tras una sobredosis de heroína.
Por otra parte un boxeador llamado Butch Coolidge (Bruce Willis) pretende escapar de la ciudad tras no cumplir con el combate amañado que había convenido con Wallace.

Si no se derraman ríos de sangre en una película no es de Quentin Tarantino, quien nos representa problemáticas sociales fuertes como la violencia, la drogadicción y una violación de una forma que no asimilas la gravedad sino es entretenido.

 

 

 

 

3.- NARANJA MECÁNICA (A CLOCKWORK ORANGE , 1971)

NaranjaMecanica Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex DeLarge (Malcolm McDowell) es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la ultraviolencia y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial, que lo cambiará completamente.

Esta controversial película que alboroto muchas mentes anticuadas, retrata la historia de un joven que quiere experimentar desafortunadamente todo resulta contraproducente al pagar todas y cada una de las cosas que ha cometido, lo cual convierte al villano Alex en un mártir, al que terminas amando y sufriendo por sus pesares. Kubrick un director que no le teme a lo nuevo adapta la historia de Anthony Burgess metiéndote en una atmósfera de música clásica, escenarios psicodélicos y leche “plus”.

 

4.- EL CLUB DE LA PELEA (Fight Club, 1999)

301px-FightClubCover Jack (Edward Norton) es un personaje insomne y desesperado por escapar de su fatal y aburrida vida. En un viaje en avión conoce a Tyler Durden (Brad Pitt), un carismático vendedor de jabón con una filosofía muy particular; Tyler cree que el perfeccionismo es para los débiles y que es la destrucción de uno mismo lo que realmente hace que la vida merezca la pena. Jack y Tyler forman un club de lucha secreto que se convierte en un éxito arrollador.

Esta película te atrapará desde el primer minuto, al combinar la historia que está basada en la novela de Chuck Palhniuk con los papeles bien logrados a cargo de Brad Pitt y Edward Norton quienes te mantienen en tensión hasta llegar al final completamente inesperado lo que la hace más interesante y confusa en algunos momentos. “El Club de la pelea” te mantendrá pegado a la pantalla constituyendo un cruce inédito entre el cine negro y la videocreación experimental.

 

 

5.- ETERNO RESPLANDOR DE UNA MENTE SIN RECUERDOS (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004)

Eternal_sunshine_of_the_spotless_mind_ver3 Una mujer usa los servicios de una empresa para borrar de su memoria todo recuerdo de su ex pareja. Ofendido, el hombre intenta hacer lo mismo que ella, pero el proceso no sucede según lo esperado y el protagonista debe atravesar la gigantesca marea de recuerdos de su propio cerebro para recomponer las cosas.

Esta es más que una película de amor, es una dosis visual refrescante e innovadora, no solo por su narrativa original y arriesgada también por las excepcionadas y buenas actuaciones de los protagonistas, Jim Carrey y  Kate Winslet. El primero no dejan rastro del “bufón” que nos hace entretiene en películas de comedia y Kate Winslet haciéndonos olvidar su papel en Titanic (Titanic, 1997).

De esta forma nos damos cuenta de que un director que arriesga en este caso Michel Gondry, director francés es un director que evoluciona la forma de ver una historia de amor y con esto el cine romántico y sensible.

 

 

 

Así que si tu película favorita es Diario de una pasión (The Notebook, 2004) te estás perdiendo en lo común.

Si no has visto al menos dos películas de estas ¿En qué mundo vives? Ve al vídeo club más cercano o activa tu cuenta de películas favorita y cómprate una buena dotación de golosinas para acompañar el  deleite de tu pupila con actuaciones excitantes e historias, bastante locas, para que en tu próxima reunión sorprendas a todos contándoles de tus películas favoritas.