Especial Ghibli: Mi Vecino Totoro

El mismo año en que Isao Takahata hizo llorar al mundo con La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka, 1988), su colega Hayao Miyazaki compensó ese momento de tristeza con la que se convertiría en una de sus obras más icónicas. Se trata de una película orientada al público infantil, cuyo protagonista se volvió tan famoso que no solo se volvió la mascota de Studio Ghibli, sino que incluso tuvo su propio cameo en la cinta americana Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010). El título de la película: Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988).

 La historia es aparentemente sencilla, nos cuenta la travesía de dos hermanas que se mudan con su padre al campo, la madre de las niñas sufre una enfermedad que la obliga a estar hospitalizada y lejos de su familia. Ayudados por sus vecinos y en un ambiente de completa paz, la familia parece llevar una vida ordinaria, sin embargo eso cambia cuando hermana mas pequeña descubre a un extraño animal parecido a un conejo enorme que vive en el bosque cerca de su hogar, dicho animal le recuerda a un ogro que aparecía en uno de sus cuentos para niños llamado Totoro, por lo que le da ese nombre a su extraño vecino.

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 No pasa mucho antes de que su hermana mayor se encuentre también con el gran Totoro y es así como una serie de aventuras dan inicio en un mundo donde la naturaleza va de la mano con la magia. Nuevamente y para variar, estamos ante una película llena de elementos imaginativos y en pro del medio ambiente; Totoro resulta ser una especie de guardián del bosque que enseña a las niñas lo importante que es permitir que todo crezca en la naturaleza, y lo hace de una forma divertida. El personaje resulta fascinante y lleno de carisma a pesar de no contar con diálogo alguno, es fácil ver el porqué Miyazaki lo tomó como su emblema.

 Es difícil elegir qué enfoque se le debe dar a la película, ¿las niñas en verdad vivieron una aventura mágica?, ¿o se trata todo de un juego y producto de su imaginación? Sea cual sea la respuesta, es claro otro mensaje que Miyazaki nos pretende dar en esta obra, la infancia es una etapa de la vida realmente hermosa. El conflicto en la historia tiene varios giros que llevan a las niñas desde momentos llenos de ocio con Totoro, hasta ratos donde la preocupación y el miedo de perder a su madre las hacen sufrir demasiado. Es en cierta forma una cinta mística, pero a la vez muy realista y humana.

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 Como he comentado, la película va dirigida al público infantil y eso es notorio en gran parte de la cinta, aún así, el público adulto puede disfrutarla sin problema. Una película que todo amante de Miyazaki debe conocer y si bien dista de ser la obra más grande del estudio, en definitiva es la más representativa y totalmente digna de verse, y si es en familia, mucho mejor.

Layout: Campo santo, guerra santa. Crítica a la Industria

El poder del cine documental radica en la posibilidad de trabajar con la realidad inmediata de manera honesta, en la visión de Lech Kowalski esto es una ventaja que permite reflejar problemas crudos que el cine comercial no trata o lo trata a manera de ficción.

Campo santo, guerra santa Cartel  Campo santo, guerra santa (Holy field, holy war, 2013), se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Marsella donde recibió el Premio Marsella Esperanza. Formó parte de la selección del Riviera Maya Film Festival y fue seleccionada para formar parte de la representación de lo mejor de este festival a través del Cilo Verano Riviera Maya conformado por ocho filmes que se presentaron del 7 al 16 de septiembre en la Sala 4, Arcady Boytler de la Cineteca Nacional.

 El filme se desarrolla en una localidad rural de Polonia e indaga sobre las consecuencias de la intervención industrial y la explotación de gas en estas zonas a través del descontento de los granjeros que se ven afectados directamente por estas prácticas.

 Cuestionar el status quo de la industria es una labor muy loable en nuestro tiempo ya que pocas veces se reflexiona sobre el origen y las consecuencias relacionadas con la idea de bienestar urbano que se ofrece en las ciudades del mundo.

Creo que el documental es una reacción al control corporativo de las grandes compañías dedicadas al negocio del cine, porque retrata la realidad de cualquier parte del mundo y es ahí donde radica su valor como género cinematográfico. Lech Kowalski

 El filme transgrede nuestra percepción sobre lo que en el hogar es un bien de primera necesidad, combustible doméstico que se utiliza para las actividades diarias como ducharse o cocinar, propiciando una seria reflexión que se hace necesaria para cuestionar lo que se da por establecido y que fácilmente se puede contextualizar a la realidad de cualquier país.

Lech Kowalski Pareciera que los temas relacionados con explotación de recursos naturales y contaminación no se agotan y dan la idea de abrumar la cotidianidad de la vida del hombre, por ejemplo las notas de prensa y televisión que mostraron el caso del derrame de 40 millones de metros cúbicos de sulfato de cobre acidulado que afectó a los pobladores y ecosistemas próximos al río Sonora y Bacanuchi al norte del país a causa de la empresa minera Grupo México.

 Sin duda estos temas serán inagotables, y es cuando surge la necesidad de exponerlos a través de alguna manifestación visual, para que por medio de ese lenguaje sean transmitidos y comuniquen, de tal manera que propicien una emoción o sentimiento con intención de denuncia, o que provoquen una sensibilización, y cuando el espectador se ve conmovido es ahí cuando se logra una profunda significación para el autor a través de dicha expresión artística.Campo santo, guerra santa

 El director, Lech Kowalski, se ha caracterizado por llevar a la pantalla grande vivencias que lo han marcado y a través de Campo santo, guerra santa se muestra taciturno por los trastornos que pasa la gente del campo y las alteraciones en la naturaleza a costa de la industria.

Campo santo, guerra santa

Especial Ghibli: La Tumba de las Luciernagas

Una de las características en las que he insistido desde las primeras notas con respecto a la animación, es que este arte es un formato, un estilo y no un género que esté limitado únicamente a un sector del público, el infantil. Existen diversas obras animadas cuya crudeza y madurez es envidiable incluso para los más grandes directores y géneros cinematográficos en live action.

 El Studio Ghibli se ha caracterizado por ese toque bonito y mágico que siempre está presente en sus películas, no obstante, la primera cinta dirigida por el maestro Isao Takahata dentro de esta compañía resultó ser una película llena de dolor, muerte, oscuridad y tragedia, que actualmente es considerada una joya de uno de los géneros más fuertes, el bélico.

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 Se trata de la película La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no haka, 1988), una obra maestra basada en la novela autobiográfica de Akiyuki Nosaka que nos cuenta la historia de Seita y Setsuko, dos hermanos que al quedar huérfanos en medio de una cruenta guerra que azota japón, deberán luchar por sobrevivir en ese mundo de fuego y sangre.

 Al principio, ambos niños no tienen mayores problemas para salir adelante, pero conforme la guerra avanza y la crisis en su país se hace más fuerte, la vida de ambos comienza a tornarse mucho más difícil, obligándolos a recurrir a extremos como el robo y literalmente, vivir en un refugio anti bombas abandonado.

 Es quizá el único filme de Ghibli con un final y una trama totalmente gris y melancólica, es una película en cierto modo incómoda de ver por la gran cantidad de depresión que llega a causar, pero a la vez, resulta un éxtasis poder verla. Como digna cinta del estudio, el aspecto artístico y técnico es impecable, pero es la historia lo que más llama la atención. Sí, hay escenas sangrientas, hay cosas horribles a cuadro como cadáveres y casas en llamas, pero resulta fascinante como el principal monstruo dentro de la historia resulta ser la indiferencia y el egoísmo que el ser humano es capaz de demostrar a sus semejantes.

 Aún así, no se trata de una crítica a la maldad de la gente. Todos los personajes son tan humanos como los que fungimos como público y sólo buscan su bienestar en un país que se ha ido al demonio. Ese miedo y necesidad de lograr el bienestar de los suyos es lo que los aleja de la idea de poder ayudar a los necesitados aunque estos sean niños. Esa ideología de que perderemos todo si damos un poquito a alguien más, está magistralmente reflejada en esta película.

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 Se trata de una obra de una calidad impactante, ha sido incluso comparada con otras maravillas del cine bélico como La Lista de Schindler (Schindler´s List, 1993) y El Pianista (The Pianist, 2002). Definitivamente no apta para menores de 12 años y una película de culto puro donde desde el primer minuto se nos da a entender a lo que nos enfrentamos con una sencilla frase: “Ese fue el día cuando yo morí”.

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

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Sobrevivir, ahí está el coraje

“PA’ QUEJAS ESTAMOS BUENOS, PERO PARA ACCIONES NO TANTO”

Si nos adentramos a indagar acerca del pasado bélico de la humanidad a través de los años llegaremos al panorama árido y desolador de la Guerra de los 30 años acaecida en Europa de 1618 a 1648. El detonante sería le religión y du división de partidarios” a la reforma y la contrarreforma Romano Germánica, pero las potencias rivales llevaron el conflicto a un nivel tal que determinó gran parte de la división y situación actual de la unión Europea. Una cruenta batalla que cobró el 30% de la población tan solo en Alemania.

 Es necesario conocer la guerra para poder hablar fluidamente de ella. Bertolt Bretch, un dramaturgo Alemán cuyo impacto en el teatro de los siglos XX Y XXI es imprescindible, fue médico durante la Primera Guerra Mundial y perdió a su hijo en la Segunda. Partidario convencido de los ideales comunistas con Marx como guía primario, Bretch vivió el exilio Nacionalista, tomó su experiencia para analizar  los orígenes y las intervenciones al conflicto bélico que lo había separado de su primogénito y plasmó su crítica en uno de los textos político-históricos más importantes del teatro moderno: Madre Coraje y sus hijos.

 “CUANDO EL OFICIAL ES BUENO NO SE NECESITA DE VALIENTES”

 El autor presenta a una astuta vendedora ambulante que lleva su carreta junto a sus tres hijos a través de la guerra, sorteando las diferencias ideológicas y sacando partido de las necesidades que dejan los enfrentamientos pero el precio que debe pagar solo es equiparable a lo que para ella tiene valor ponderante a su viejo carromato, sus hijos. 

 Tras la intrépida y excelente dirección de Iona Weissberg y Aline De La Cruz, Teatro UNAM ofrece una visión diferente de la obra de Bretch en el Teatro Juan Ruiz De Alarcón. Convertida en un musical, Madre Coraje y sus hijos es adaptada a la época de la Revolución Mexicana. Allí, Ana María de los miedos arrastra su carreta atravesando el conflicto desde el golpe contra Porfirio Díaz al movimiento zapatista.

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 Una de  las características de la obra de Bretch es incendiar en el público el razonamiento con la información ofrecida, motivarlo a sacar sus propias conclusiones, denotando la posición de los hombres como simples elementos en uso sin fin o valor para quienes crean la guerra a través de esta pieza. Las directoras encuentran la oportunidad de relacionar  esta información bajo la pregunta clara: ¿Han servido para algo las guerras?, específicamente ¿La Revolución Mexicana?, ¿Algo cambió, se mejoraron las cosas? Y si la respuesta es sí ¿Por qué entonces seguimos en conflicto?

 No hay posturas políticas, Madre Coraje es la solución pobre pero eficaz a las necesidades de los revolucionarios, a quienes quieren respuestas. Demuestra condiciones de la actualidad y siempre que simplemente son escalofriantes, dónde el poder calla al intelecto y sobrevivir es una esperanza no implícita para ejercer un oficio como el periodismo. La fraternidad que Francia promovía con su respectivo acto revolucionario no es más que una utopía. El tiempo es inclemente y exige empeñar el alma, unirse a la corrupción, agachar la mirada, entonces un número musical se alza glorioso y declama “Cómo si al estar callado la verdad no nos dañara”.

“AQUELLOS QUE INICIAN LAS GUERRAS SON LOS QUE CONVIERTEN EN BESTIAS A LOS HOMBRES”

 Bajo una adaptación sublime no solo se ejecuta una traspolación correcta entre localidades, sino que hacen acto de presencia la picardía mexicana y los guiños a la actualidad para poder comunicar el discurso de la puesta de manera efectiva y convincente. Entre broma y broma las líneas duras penetran como puñales abriendo la tensión en el público y mostrando un espejo social palpable.

 La guerra es un negocio que no fallece, va a volver y la paz es una palabra más del diccionario. Los problemas reales de la sociedad como la pobreza, el analfabetismo, la venta del patrimonio se cocinan en un segundo plano despreciando a la falsa cultura al tiempo que se cosecha la desesperanza.

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 Pero lo plausible de esta obra va más allá del discurso político o de identidad social. Conocemos a una figura materna que podría ser cualquier madre mexicana, una mujer luchona que no le importa ser dura con sus decisiones para ver por el bienestar de su familia. Madre Coraje ha visto el funesto futuro de sus hijos, pero llegará entera hasta el final para afrontar la guerra y vivir de ella, aun cuando conservar a sus hijos ajenos al panorama resulte más que incongruente.

 Sin duda este es el musical del año para nuestro país. Corridos creados del texto original con uno que otro adorno musical moderno llevan el hilo conductor de la historia, bajo la batuta de Mario Santos las canciones entran con precisión y aprovechamiento, son pegajosas, nutren e invitan a unirse en unísono a la protesta expuesta. Tal como deben hacer las intervenciones musicales en el teatro musical estos pasajes aparecen cuando el discurso simplemente dicho no basta para externar los sentimientos, las reglas se cumplen y se siente en el público, de ahí la buena recepción.

 En los niveles de escenografía e iluminación, la obra se antoja exquisita y así se sirve a la mesa. Sergio Villegas diseña un aparato escenográfico entre un giratorio, la carreta multiusos, telares con bellísimas estampas mexicanas sujetas a transparencias que permitan una isóptica favorable y más elementos que con limpieza y simpleza llenan cada cuadro sin opacar a los actores o ponderar. Es un organismo de acompañamiento (como debe ser) orgánico que se funde en total complicidad a la iluminación de Xóchitl González, quien sabe que es lo que hay que ver en escena y lo señala, desarrollando transiciones y climas  bastante buenos.

 El vestuario de Emilio Rebollar no se queda atrás, mezcla identidad revolucionaria con toques actuales permitiendo aún más unificación entre trama y contexto.

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Fotografía: Daniel González

 Para presentar la puesta, el telón anuncia “La excelente obra de Madre Coraje y sus hijos de Bertolt Bretch, una revista de la supuesta revolución”, así un presentador con toques de stand up (algo raramente bien realizado en nuestro país) a cargo de un genial Artús Chávez nos conduce escena a escena. Alejandra Ley como Madre Coraje alcanza la plenitud y consagración en su carrera actoral, encarna con seguridad y empatía las necesidades cómicas y dramáticas en un timing y tonos perfectos. Es sensible, auténtica y franca con su admirable trabajo que ejecuta con fuerza y dinamismo sobresalientes.

 Acompañando a los actores hay correctas actuaciones de un gran elenco: Rodrigo Murray (si bien no posee una voz privilegiada al canto se defiende y complementa con su actuación), Alondra Hidalgo (quien sin decir una palabra es capaz de conquistar a la audiencia), Emmanuel Cortés, Alberto Carlos López, Eugenio Bartilotti, Lorena Martínez (con una genial interpretación de una socialité francesa que evoca y tiene bases indiscutibles en Betty BO5, famoso personaje de la también actriz Alejandra Bogue), Omar Saavedra, Joana Camacho y Larisa Urbina (A esta última destacaré por ser el miembro del ensamble con mayor aptitud vocal y por robar cuadro aliviando tensión en un homenaje al famoso grito telenovelero de ¡Maldita lisiada!).

 No cabe duda que cuando se tiene claro el panorama desde la dirección y se congrega a un equipo creativo que comprende las necesidades y se identifica se generan trabajos maravillosos como este. No hay una sola acción dramatúrgica de Juan Alberto AlejosOmar Mattar que no se adecúe al público y no se reciba con agrado. Una obra que merece seguir mucho tiempo en cartelera, cambiar de teatros si es necesario. Madre Coraje es contestataria, deber de todos es escucharla.

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Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

Diversidad artística: Festival Internacional Cultural Revueltas 2014


Más de 140 espectáculos, aproximadamente 1500 artistas locales, además de talento de talla internacional  se presentarán del 3 al 19 de Octubre en el estado de Durango, en el marco del Festival Internacional Revueltas 2013, como parte de una serie de eventos que busca homogeneizar la diversidad e identidad. Dicha celebración se abrirá paso a lo largo de casi un mes en la ciudad que fue capital de la Nueva Vizcaya. Portugal y Zacatecas, serán los portavoces primordiales de esta conmemoración.

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Crédito:Euroamérica
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Crédito:Momento de Zacatecas

 En su décima edición, el Festival Internacional Revueltas 2014 invita al público a disfrutar de una gran variedad de actividades en escena, además de un evento lleno de pluralidad cultural. Las presentaciones, se darán cita en diversos sitios, que van desde teatros hasta plazas públicas. Durango será el lugar sede que involucra a todo el talento artístico de esta época, mezclando la belleza barroca y ancestral de la ciudad con el gran elenco participante.

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Crédito:Facebook Festival Revueltas

 Jazz,  folklore, electro, pop y rock serán algunos de los géneros musicales que se podrán presenciar en esta presentación, que conmemora los 100 años del natalicio de José Revueltas. En lo que respecta a contexto musical, destaca lo siguiente:

  • Miguel Bosé
  • Solé Giménez
  • Susana Zabaleta
  • Café Tacvba
  • Proyecto alemán de música electrónica
  • Homenaje a
  • Festival internacional de arpa
  • Lila Downs
  • Tributo a José Alfredo Jiménez

 Toda esta celebración se acompañará de la inauguración del museo  de arte contemporáneo Guillermo Ceniceros; que contará con toda la gama artística del muralista mexicano reconociendo el talento de un gran artista nacional que ejemplifica al México austero y sobreviviente a través de los años.

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Crédito.Conaculta

 La gran aportación de José Revueltas, se verá  plasmada en el tiraje de  más 1000 ejemplares de su respectiva obra en aproximadamente 153 bibliotecas públicas.Además de incluir dentro de las actividades, diversos talleres (artes plásticas) para niños.

 El gran alcance de esta conmemoración radica en que más de 26 municipios, serán la base de presentaciones en todo el programa, dando también la pauta para acercarse a los grupos más marginados del estado. En ese sentido, se contará con el programa control remoto dirigido por tres medios de comunicación local; es decir, el evento se podrá presenciar en los respectivos sitios virtuales de transmisión.

 Cultura, novedad y un gran sentido de pertenencia serán los factores clave para dar paso a Octubre y a sus destellos mágicos e inigualables del Festival Revueltas en su décima edición. Augurando un mes lleno de patriotismo y una vinculación armónica con el arte internacional, se conjugará un solo objetivo: Crear un ambiente singular y que se acompañará de la cultura de toda una época.

 Un conjunto de vanguardia artística le dará el toque primordial a esta presentación, con el eje más concreto:  Vincular al arte local con el externo; además de buscar la pauta para generar lazos de fraternidad artística a lo largo de todo un mes y poder reforzarla a lo largo de cada edición.

 En palabras del gobernador Jorge Herrera del estado sede, se expresa el objetivo de esta décima muestra:

“Será la forma del arte, que se dará al mundo para apreciar la cultura”

 

Especial Ghibli (Orígenes): Goshu el Violonchelista

Finalmente hemos llegado a la última parte de los orígenes del Studio Ghibli, una cinta no muy conocida que para muchos no consiste en un trabajo maestro, sin embargo, a pesar de que es una película de carácter sumamente pasivo, resulta ser una película muy bien lograda y perfecta para aquellos que gustan de pasar un momento de relajación y la música clásica.

 La cinta en cuestión es Goshu: El Violonchelista (Sero Hiki no Goshu, 1982), y trata una sencilla pero entretenida historia acerca de un joven violonchelista profesional que toca en una pequeña orquesta. Luego de que el director comienza a criticar el trabajo de Goshu, este entra en conflicto al no entender porque parece haber perdido su talento musical. Mientras practica en su pequeña cabaña en el campo, Goshu recibe la visita de un extraño grupo de animales parlantes conformados por un gato, un cuckoo, un pequeño mapache y una madre ratona y su hijo. Cada uno de ellos visita a Goshu en una noche distinta para pedirle que no se rinda y que siga tocando.

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 En un principio, Goshu se siente molesto y frustrado por tener a esos intrusos en su hogar, no obstante, con cada animal que lo visita, descubre no solo trucos para mejorar su calidad musical, sino que aprende la importancia que su música (aparentemente insignificante) tiene en la vida de dichos animales.  La película tiene un mensaje de superación muy hermoso, y aunque no estamos precisamente ante una película emotiva, la lección de no menospreciar a los demás (y a nosotros mismos) es sencillamente maravillosa.

 La animación tiene toda la pinta de una película de antaño en cuanto a animación se refiere, pero no por eso se trata de un trabajo con mala calidad, sino todo lo contrario. Quizá el único punto a mejorar de la película es su ritmo que en ocasiones resulta un tanto lento, pero puede ser muy disfrutable si al verla nos tomamos el trabajo y el tiempo de analizar la situación. La historia es similar al clásico Cuento de Navidad de Charles Dickens, tal vez, pero aquí se tiene el giro de que el protagonista debe cambiar no su actitud al mundo, sino a su propio ser.

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 Si tienen la oportunidad de ver la cinta descubrirán que el director Isao Takahata tiene una gran capacidad para contar historias de distintos tipos. Con estos proyectos realizados, y otros cuantos más, ambos animadores japoneses al fin estuvieron listos para fundar su propio estudio, el sueño que tanto habían anhelado. Y es de esta manera como se construyeron los cimientos de esa fábrica de sueños llamada Studio Ghibli, la próxima ocasión comenzaremos a indagar en sus películas oficiales.

De la exposición “Autorretrato desde tu espejo” en El Tin-tanismo

 

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La galería-café “El tin-tanismo” es una casona estilo porfirista y, sin duda, un lugar que brilla por su hospitalidad y particularidad. Ubicado en la Avenida Azcapotzalco, este recinto nombrado así por la inclinación del dueño Juan José al actor mexicano Tin Tan, es en todo, un homenaje al artista mexicano. Mantiene abiertas sus puertas de jueves a domingo al público consumidor del arte y el ambiente bohemio, y a los artistas que encuentran en este lugar, un refugio a su obra: pintores, escritores, actores, directores de escena y escultores merodean entre sus mesas pequeñas y un ambiente de intimidad

 En esta ocasión se abre a la exposición colectiva “Autorretrato desde tu espejo” una mirada a quién observa desde el ojo más crítico, el de uno mismo. Ahí, artistas se plantean e ilustran a sí mismos desde su propia óptica, imaginación y perspectiva; se muestran, se desnudan, desde el asomarse a un espejo en que sólo se muestra la realidad que ellos advierten. Por ser su visión, su universo, es esto lo que vuelve rico al hecho; decía Salvador Dalí que si un imbécil pretendiera reproducir a la perfección el cuadro de alguien más le saldría un imbécil, porque todo arte es autobiográfico, ¿habrá algo más cierto? ¿qué más autobiográfico que un autorretrato?

 La inauguración de la exposición se llevó a cabo el 28 de Agosto del 2014 en el Tin-Tanismo, aquí los artistas plásticos: Fernando Bello, Ignacio Bustos, Felipe Gaytán, Brenda Mítchelle, Mary Paz López, Humberto Luna, Thorwing Moroslew ,Manuel Quiróz, Arturo Rodríguez, Efraín Romero, Abraham Salgado, Meche Verma y Arturo Vilchis desnudaron la técnica, se expusieron a sí mismos y expusieron sus motivaciones: para Gaytán la soledad, para Mary la madre; la letra y el personaje para Mitchelle; el suicidio para Fernando, para Meche es el árbol, en una noche de tragos de la casa, buena música y tertulia.

 La exposición estará abierta al público hasta el 16 de septiembre en:

Av. Azcapotzalco 145
Col. El Recreo
Azcapotzalco, Distrito Federal
Tels.: (55) 2811 6817

 Dense una vuelta, prueben las bebidas de la casa y gocen de la hospitalidad de Juanjo y su hijo, en un lugar abierto a las posibilidades del arte y en constante cambio.

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Especial Ghibli (Origenes): El Castillo de Cagliostro

Continuando con las travesías del apenas naciente Studio Ghibli por la pantalla chica, y tras la realización de varias series de aceptable éxito, los dos amigos animadores sin saberlo estaban llegando a la culminación de sus sueños justo cuando se encontraban trabajando en la serie Lupin III (Rumpan Sansei, 1967), esta serie es quizá el mayor logro televisivo de estos dos artistas nipones, ya que se trata de un concepto que fue muy bien recibido por el público, contó con más de 200 capítulos realizados, películas animadas, live action, musicales, videojuegos y hasta obras de teatro.

 La historia se centraba en las aventuras de Arsene Lupin III, creado por el novelista Maurice Leblanc, uno de los más grandes y carismáticos ladrones jamás conocidos, quien con la ayuda de su inseparable colega, Daisuke Jigen, llevaban a cabo todo tipo de misiones peligrosas y emocionantes, siempre huyendo del alcance del valiente y noble, pero algo torpe, inspector Koichi Zenigata. Se trata de un concepto que contaba con historias entretenidas, secuencias de acción que incluso asombraron al mismísimo Steven Spielberg y unos personajes con quienes era prácticamente imposible no simpatizar.

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 Hablar demasiado a fondo de esta serie tomaría mucho tiempo, por lo que me limitaré a hablar de la segunda película (la más representativa) basada en esta serie. Se trata no sólo de la aventura más conocida de Lupin III, sino el debut oficial como director de largometrajes de Hayao Miyazaki. La película en cuestión fue nombrada El Castillo de Cagliostro (Rupan sansei Kariosutoro no shiro, 1979).

 En esta cinta, Lupin y Jigen comienzan a notar que sus últimos robos se han visto afectados por un misterioso falsificador que ha estado cambiando el botín por copias de dinero. En un intento de resolver esta situación, deciden ir al ficticio ducado de Cagliostro, en donde suponen se encuentra el falsificador. En su camino se cruzan con una hermosa joven que huye de un grupo de sicarios, poco a poco los protagonistas descubrirán que esta jovencita es en realidad heredera de una importante familia que está siendo obligada por el perverso Conde Cagliostro para casarse con ella. Lupin siente que algo en esa chica le resulta familiar y es así como decide ayudarla, pero dicha aventura no le resultará nada fácil considerando la intromisión de la interpool, el inspector Zenigata (su eterno rival) y los siniestros planes del Conde, quien resulta ser un villano en verdad despiadado.

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 A pesar de su estilo clásico, la película tiene una animación que raya en la perfección, un diseño de arte extraordinario, un guión sólido que aunque en momentos peca de ser demasiado estrafalario y hasta absurdo (característica de Miyazaki), una historia emocionante y conmovedora e incluso un nivel de suspenso que muchos thrillers para adultos desearían. Es una película que no sólo marcó la llegada a los cines del gran Miyazaki, sino que fue un parteaguas para muchas cintas de este género. Una joya de la animación y la cinematografía que nadie puede darse el gusto de perderse. Denle una oportunidad y verán cómo este ladrón terminará robando su atención, y eventualmente, su corazón.

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Con sabor al norte- El show más visto en la historia de internet

 Hay veces en las que alguien me pasa un video que me gusta. Ocurrió hace unos dos días cuando mi amigo Xavy “El Twisted” Becker de ESports Latinoamerica, hizo que viera esta serie de Rap en YouTube.

 Epic Rap Battles of History por Peter Shukoff es, un duelo de rap entre chavos que fingen ser personajes históricos o ficticios. Luego le piden al público que decida a los “competidores” para el siguiente video.

 Lo pongo aquí porque no estoy totalmente segura si es arte y quiero ver qué opinan ustedes que nos leen. Tengo sentimientos encontrados con este show por las siguientes razones:

  1. Los raperos necesitan un vocabulario extenso para poder hacer lo que hacen y ellos tienen que leer, en teoría, sobre el personaje que están representando.
  2. La información que dan es inexacta, de hecho hay personajes que no deberían de competir. Se supone que son históricos y ponen a Darth Vader contra Adolf Hitler.

https://www.youtube.com/watch?v=9X829Tdcr6Q

3. Es una idea que a nadie se le había ocurrido, no nació con fines de lucro, sino como una sátira. Aunque no sé si ellos sabían que estaban haciendo sátira en ese momento, pero lo es.

 Sátira es ese tipo de burla malintencionada y exagerada que se hace acerca de alguna situación o de alguien, que en este caso aparece en TODOS LOS VIDEOS.

 La peor parte puede ser que los artistas si sepan todo lo que están haciendo, pero  su público es el que pide cosas tan absurdas. Ya mencioné arriba que son los viewers los que eligen quien compite en el siguiente episodio, por lo tanto la tontería y risotada puede venir de ahí.

 Según TheFineBros, Epic Rap Battles of History es el show más visto en la historia del Internet. Lo que hace el canal de TheFineBros es enseñarle videos de distintos tipos a un grupo de adolescentes, o de gente mayor y preguntarles su opinión así como darles datos importantes de este show.

 No me malentiendan, yo me reí como nunca cuando vi a Mozart contra Skrillex  y el genio musical le gritaba el significado de “Fortissimo” al Dj, un concepto musical para la música estruendosa.

 Yo creo que este es uno de esos casos donde nace algo que podría llegar a ser arte, pero no lo es.

 Y se preguntarán ¿Arte que no es arte? Es un punto extraño, pero esto me parece original, inexacto y posiblemente está creciendo. De cualquier manera dudo mucho que Peter Shukoff supiera lo que estaba haciendo cuando creó todo esto.

 Lo dejo a la consideración de cada quien y me encantaría que vieran los videos que he puesto aquí para que me den su opinión del tema porque yo lo disfruté mucho, pero no sé y no creo que sea arte aunque tiene tintes de un verdadero esfuerzo por detrás. Está bien hecho, alguien se esforzó por las canciones, la producción, los trajes ¡Todo!

 Y para todos aquellos que digan “¿Es enserio?”: Sí, lo es. La sátira es desde la antigua Grecia y no porque de risa y sea tonto significa que no es arte. De hecho, hacer comedia en cualquier estilo es de las cosas más complicadas del mundo ¿Por qué creen que Robin Williams era un genio?

 Y de aquí voy a tocar el tema del Rap, porque no me refiero a Eminem, Snoop Dog, sino al verdadero género que tenía un sentido fuerte detrás. Que ahora veamos con los artistas un peyorativo del Rap no quiere decir que la buena música de este género haya muerto, ya lo van a ver.

Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

Conan el niño del futuro

 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

Con sabor al norte- ROOM por Emma Donoghue

Portada del libro en inglés

 Escribir un libro no es tarea fácil. Uno tiene que crear personajes con pensamientos complejos, mundos de fantasía, o tener la perspectiva de alguien muy peculiar. Yo, en lo personal y con base en lo que he leído, considero que no hay nada más difícil que escribir una historia desde el punto de vista de un niño. Por eso hablo de Room, porque ¡Dios mío! Enserio lo logró esta mujer. Emma Donoghue es una escritora Irlandés-canadiense con un proyecto que nació en 2010 y ahora va en camino para hacerse una película que, estoy casi segura, no será ni la mitad de buena que el libro.

Emma Donoghue

 La historia la cuenta Jack, un niño de cinco años que vive en La Habitación con Ma (de la cual, nunca se sabe su nombre). En La Habitación existen sus cosas favoritas como Cama, Mesa, Balón, etc. Lo curioso es que cada noche, Jack entra en Armario con Frazada para dormir antes de que entre El Viejo Nick.

Un croquis de La Habitación donde vivieron Ma y Jack

 Me tardé, más o menos, treinta páginas para darme cuenta que Ma era una muchacha secuestrada desde hace años y Jack había sido producto de ella con su secuestrador. La madre, para mantener al niño controlado, le mintió y le hizo creer que La Habitación era todo su mundo. Jack pensaba que nada de lo que aparecía en la televisión era real. Entonces, al cumplir cinco años, ella desmiente todo para pedirle a Jack que la ayude a escapar.

 Después de eso empieza el lento, doloroso y desesperante proceso de socializar otra vez. Es más complicado para el niño salir al mundo, cuando para su madre se vuelve molesto tratar con el niño que no entiende el sentido de libertad. Jack quiere volver a La Habitación mientras que Ma no desea volver jamás. Es por eso que pienso que la película no saldrá tan bien.

 Casi todo lo que habla el libro es acerca de lo que piensa Jack. Y existen ciertas situaciones horribles donde Jack no entiende a lo que se refieren los adultos, como cuando le preguntan si el Viejo Nick le ha lastimado y Jack dice que sólo lo tiró cuando trataba de escapar. No existe la malicia en el niño, no la necesita, con la descripción es suficiente para que trabaje la malicia del lector.

 En las películas es visual, pasó lo mismo con El Niño de la Pijama de Rayas (2006) por John Boyne. El tipo de escritura era el mismo con Bruno, que tenía ocho años. Por lo tanto era el fin de su inocencia. Bruno entendía más el mundo, solo tenía problemas para entender el maltrato hacia los judíos.

Escena del Niño de la Pijama de Rayas donde Bruno conoce a un niño judío llamado Shmuel

 En la película El niño de la Pijama de Rayas estrenada en el 2008 por Miramax fue un film que hizo a muchas personas llorar. Sin embargo, pierde completamente el sentido de la novela ya que no puedes conocer los pensamientos de Bruno como pasó en el libro. Ver las situaciones como un ente omnipresente hace que pierdas todo el encanto de ver las cosas con los ojos de niño. Con Room es muy seguro que pase lo mismo y sea una experiencia completamente distinta a la que ofrece el escritor.

 Les recomiendo que lean el libro antes de ver la película. Yo sí considero que hay películas que le ganen a los libros, pero en esta ocasión no tengo ese presentimiento.

Room 237: El resplandor y el genio de Stanley Kubrick

El resplandor es una película de Stanley Kubrick estrenada en 1980, basada en la obra homónima de Stephen King publicada en 1977 . Hasta acá todo va bien, una gran adaptación de un libro excelente, pero por mucho, la película de Stanley Kubrick supera en demasía al libro a tal nivel que empecé a obsesionarme con esto, sobre todo después de ver el recomendadísimo documental Room 237 de Rodney Ascher, mi obsesión después de ver el documental creció a tal punto, que empecé a formularme la idea de usar un gorrito de aluminio.

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 Y es que yo sabía que Kubrick fue un director de lo más peculiar, famoso por guardar los detalles en sus obras cinematográficas y por su excelente gusto musical en las adaptaciones, también famoso por rasguñar la misantropía en cuanto a sus habilidades sociales, pero sobre todo por ser una mente brillante en el gremio. A todo esto, les contaré el por qué de mi obsesión y por qué El Resplandor simplemente es una de las mejores películas de terror y suspenso que se han hecho.

 Bueno, como ya mencioné, siempre fui fanático de la cinta, la actuación de Jack Nicholson en particular creo que ha sido, junto con The One Flew Over The Cukoo’s Nest, una de sus mejores actuaciones y eso es mucho decir;  siguiendo la trama de ésta película, los personajes sombríos que van apareciendo a lo largo del filme, así como  las escenas superpuestas y las múltiples referencias al exterminio de las tribus nativo-americanas, del supuesto falso alunizaje del Apolo 11 y del Holocausto, hacen que al mirar esta cinta se recurra a un constante stop’n’go para evitar perder algún detalle significativo que nos haga creer que de hecho Stanley quería que viéramos más allá de la cinta.

 Como sabemos, el argumento principal es acerca de un hombre que va a vivir con su familia a un famoso hotel durante una temporada con el fin de cuidar las instalaciones, al parecer dicho hotel posee un pasado obscuro, pues Grady, el hombre que se encargó anteriormente de realizar la misma tarea, había matado a su esposa y a sus dos hijas con una hacha; Jack Torrance, que es el protagonista del terrorífico film, sucumbe ante los fantasmas que resguarda el majestuoso recinto y termina por intentar matar a su esposa Wendy y a su hijo Dany, quien posee la habilidad de comunicarse por telequinesis y de ver más allá de lo aparente, cualidad que es mencionada en la película como “El Resplandor”.

"Come and play with us, Danny. Forever... and ever... and ever.”
“Come and play with us, Danny. Forever… and ever… and ever.”

  La historia “oculta” (o al menos una aproximación a ella) es contada en Room 237, dividiendo y analizando algunas de las escenas más emblemáticas de la película, sólo ahí nos damos cuenta del genio de Stanley, el planteamiento de los locutores, gira en torno a los mensajes subliminales que quedan implícitos en la cinta, añadiendo aspectos de la vida del propio Kubrick y de su acercamiento al oscuro arte del marketing, poniendo énfasis en ciertos puntos clave como lo son los mensajes del alunizaje y de la constante lejanía que guardaba la cinta con respecto a la obra literaria.

La cinematografía mexicana en camino a 2015

Comedia, terror, ciencia ficción, drama o acción. Sea cual sea el género cinematográfico que se pretenda poner sobre la mesa como objeto de discusión, resultará por arrojarnos, casi invariablemente, un mismo resultado: la oferta que extiende la cartelera comercial de la industria se reduce a un puñado de producciones estadounidenses con un bosquejo de línea argumentativa que, al paso, se llena con distintos recursos pero, salvo contadas ocasiones, entrega productos genéricos prescindibles.

 Es imposible que las producciones mexicanas intenten, siquiera, seguir el ritmo de la maquinaria vecina. No es ningún secreto el lugar que tienen éstas con respecto a las otras; que, pese al reducido número de salas que se les asignan a lo largo del país, o bien, en el Distrito Federal y el área metropolitana, deben hacerse de una taquilla importante desde su primer fin de semana de exhibición para defender su lugar en estos grandes complejos

 Sin embargo, de hace algunos años y hasta ahora, hemos sido testigos de un crecimiento importante de la industria local, de una mejora considerable en la calidad de algunas de las producciones exportadas con sello mexicano. Dentro del gremio cinematográfico han destacado nombres de realizadores connacionales y de cintas gestadas en este país y, aunque nos encontramos todavía ante un caso de mexicanos en el extranjero, donde éstas entregas parecen ser mejor apreciadas por foráneos, es grato saber de películas que rompen este estigma con que carga el cine nacional y que son ejemplares de producciones sólidas, limpias, concisas, pensadas y bien logradas.

 Como muestra de ello, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematofráficas (AMACC) ha dado a conocer la lista de cintas que podrían representar a México en la 29 entrega de los Premios Goya, y en la 89 entrega de los Premios Oscar, ambas a llevarse a cabo en 2015. A continuación te la presentamos:

Cantinflas

Dirigida por Sebastián del Amo, fue estrenada apenas hace unas semanas en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Es una biopic del actor Mario Moreno vista desde los ojos de su alterego, este personaje que acaparó el género de comedia de la cinematografía mexicana durante la segunda mitad del siglo XX. Se ubica en el tiempo en que estaba por realizarse la cinta La vuelta al mundo en ochenta días (1965), durante el encuentro que su realizador, Mike Todd, tiene en con aquel pintoresco personaje tan arraigado en nuestra cultura, ícono hasta hoy día.

 Oscar Jaenada será quien dará vida al también llamado 'Mimo de México'.

Güeros

Road movie de 106 minutos de duración. Le valió a su realizador, Alonso Ruizpalacios, el premio a Mejor Ópera Prima en el marco del Festival de Cine de Berlín en el pasado mes de febrero, así como su proyección en el Festival de cine de Tribeca, de Nueva York. Recientemente se anunció que llegará a salas mexicanas en los primeros meses de 2015 gracias a la distribuidora Cine Caníbal.

 La cinta 'Güeros' se filmó en formato blanco y negro.

Guten Tag, Ramón

Trata una temática recurrente en el plano nacional: la migración. Esta coproducción germano-mexicana nos presenta a Ramón, interpretado por Kristyan Ferrer (Las Horas Muertas, 2013) y sus desventuras vividas del otro lado del mundo. La entrañable cinta de Jorge Ramírez-Suárez se encuentra actualmente en exhibición, y llegará a pantallas internacionales durante la segunda mitad del año y hasta 2015, distribuida por 20th Century Fox.

Kristyan Ferrer da vida a Ramón.

∙ La dictadura perfecta

Luego de lo que parecía terminar en una trilogía compuesta por La Ley de Herodes (1999), Un Mundo Maravilloso (2006) y El Infierno (2010), Luis Estrada volvió a aparecerse en el mapa con una nueva producción llena de humor negro, con personajes y situaciones que podrían parecernos extrañamente familiares. Caras conocidas, queridas y que han sido partícipes en las tres cintas anteriores, como Joaquín Cosío y Damián Alcázar, son parte de esta producción, aunque también se suman personalidades que quizá nunca pensamos ver en proyectos de éste tipo, tal como Osvaldo Benavides, Alfonso Herrera o Silvia Navarro. Incluso Sergio Mayer

De Luis Estrada.

Mi amiga Bety

Documental dirigido por Diana Garay, egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Basado en una historia real, cuenta la vida de Bety, amiga de la infancia de la propia Garay, quien fue resuelta como culpable del asesinato de su madre y condenada a treina años de prisión a la edad de diecinueve. Aunque se encuentra en rotación nacional e internacional desde 2012, fue apenas en este año que llegó a las pantallas de la Cineteca.

 Documental de Diana Garay, basado en una historia real.

Quebranto

Parte del circuito de proyecciones de la gira de documentales de Ambulante, y del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) —esto en 2013—, y acreedora de premios como el Ariel a Mejor Documental, en 2014. Aquí, Roberto Fiesco desmitifica el tabú de la homosexualidad y de la condición transgénero: presenta a Fernando García y nos lleva por lo que vivió durante la transición a convertirse en quien ahora es, Coral Bonelli. Dentro de su labor de acercamiento con el público, ha sido proyectada en recintos como Cine Tonalá, la Casa del Lago y recientemente dentro de la programación de Canal 22.

Coral Bonelli.

 Los títulos restantes de la lista son El Incidente (dir. Isaac Ezban, 2013), González (dir. Christian Díaz Pardo, 2013), H2Omx (dir. José Cohen/Lorenzo Hagerman, 2013), Huérfanos (dir. Guita Schyfter, 2013), Inercia (dir. Isabel Muñóz Cota Callejas, 2012), La revolución de los alcatraces (dir. Luciana Kaplan, 2013), Mi universo en minúsculas (dir. Hatuey Viveros, 2013), La Obediencia Perfecta (dir. Luiz Urquiza, 2014), Paraíso (dir. Mariana Chenillo, 2014), Purgatorio: viaje a corazón de la frontera (dir. Rodrigo Reyes, 2012), ¿Qué sueñan las cabras? (dir. Jorge Prior, 2011), Volando bajo (dir. Beto Gómez, 2014) y Workers (dir. José Luis Valle, 2013).

 Sí, la oferta es muy amplia, y es alentador saber que se vislumbra un panorama viable y competitivo en la industria nacional. Quedaremos en espera de ver estos títulos en salas comerciales nacionales, y seguir la evolución del posicionamiento de nuestro país como potencial productor referente de la industria cinematográfica.

Se revela nuevo proyecto de Ánima Estudios en 3D

 Ánima Estudios es quizá el estudio de animación mexicano más famoso hasta la fecha, con diversos proyectos para cine y televisión en su haber y convenios con importantes empresas de entretenimiento y publicidad la han mantenido como una de las compañías más importantes en la industria, no sólo de animación, sino quizás del cine en general. Próximamente podremos disfrutar de la tercera entrega de las aventuras de Leo San Juan (creación de Ricardo Arnaiz) en la cinta “La Leyenda de las Momias”, pero los planes del estudio para el futuro ya están más que preparados.

 Recientemente José Carlos García de Letona, Vicepresidente del estudio, dio a conocer que el próximo proyecto de la empresa llevará por título “Campeones de Oz” y que será un ambicioso proyecto hecho nada menos que en formato 3D. Cabe mencionar que aunque Ánima ha usado esta técnica para algunos elementos de sus cintas, como los fondos, esta será la primera película hecha totalmente con este medio. Dijo sentirse orgulloso de los resultados hasta ahora y del gran esfuerzo que sus colaboradores han puesto para desarrollar esta película, cuyo reto técnico y artístico fue verdaderamente grande.

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 No dio detalles de la trama de la película, sin embargo, comentó que la idea original y el diseño de los personajes estuvieron a cargo de otro grande de la animación: Jorge R. Gutiérrez. Para los que aún no identifiquen a este artista, se trata del director de la exitosa serie “El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera” y de la película próxima a estrenarse “El Libro de la Vida” que constará de un romance basado en el día de muertos y que está respaldado por la producción de Guillermo del Toro.

 El proyecto lleva aproximadamente 38 meses de producción y finalmente está entrando a la etapa de post producción. Será dirigida por Alberto Mar, responsable del gran logro de Ánima Estudios, la película de Don Gato y se comenta que la película tuvo cierta participación extranjera aunque el equipo de trabajo fue en su mayoría mexicano. Seguiremos al pendiente sobre este tema y esperaremos que la mente de Jorge Gutiérrez y el trabajo de Ánima nos traigan una película digna de recordar y enorgullecer más a la industria mexicana.

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Con sabor al norte- Películas prohibidas

La semana pasada escribí acerca de unos cuantos libros que han sido censurados a lo largo la historia y alguno que otro sigue siendo vetado hasta nuestros días. Por su parte, las películas también se han visto afectadas por esta práctica. Es apropiado decir que, como el ejemplo de la nota anterior, en Cinema Paradiso el padre del pueblo se encargaba de ver las películas antes que el resto del público para eliminar las escenas obscenas.

 Esto es porque la iglesia tuvo una gran influencia en diversos aspectos. La iglesia no sólo estaba conjugada con el gobierno sino que los monjes, hace mucho tiempo, se encargaban de escribir los libros una y otra vez para mandarse a otros monasterios. Para los hombres que deseaban conocer más cosas del mundo, tenían que volverse religiosos con tal de llegar a esa información, puesto que no estaba abierta para todo el público.

Pintura de un escribano

 En fin.  La primer película de la que hablaré es La Brújula Dorada que salió en el 2007 inspirada en la saga de His Dark Materials que se publicó en 1997 por Philip Pulman. Aunque tuviera muy buena animación no salió una segunda parte porque el Vaticano consideró que el film hacía que le público tuviera una “idea equivocada de la iglesia”. Afortunadamente no vetaron los libros y son accesibles en cualquier país hasta ahora, por lo que si desean saber el final de la historia conviene que lo consigan.

 La segunda película es una de mis favoritas. El Ciempiés Humano 2 fue temporalmente prohibida en Australia por ser tan explícita, violenta y con escenas de sexo tan grotescas. La verdad es que el encanto de esta obra es el hecho de que parece un film de terror de los años treinta por ser blanco y negro, en contraste con la rudeza de la historia. 

 El ciempiés humano es la historia de un doctor experto en la separación de siameses que tenía el deseo de juntar tres personas como si fuera un ciempiés para crear una nueva forma de vida. Entonces encuentra a sus víctimas, quienes viven como la nueva mascota del doctor. La historia tiene sus errores, pero la actuación del villano es increíble. La segunda parte es de un pobre y trastornado hombre que desea hacer la misma criatura, pero no es doctor, por lo tanto no usa anestesia para su plan.

 Otra buena película de miedo que entró en esta lista fue La Masacre de Texas. Su versión original, estrenada en 1974, no fue bien recibida en Alemania y prohibida temporalmente en Islandia y Noruega por la violencia de las escenas.

 Incluso se prohibió a Los juegos del hambre en Vietnam por ser violenta, algo que se ve como un paseo de preescolar comparada con la película más vetada: A Serbian Film creada en el 2010 por Srđan Spasojević.

Pero la ganadora de todas es Cannibal Holocaust. Prohibida en Islandia, Nueva Zelanda, Noruega, Bután, Grecia, Irán, Islandia, Kuwait, Moroco, Noruega, Filipinas, Singapur, Sudáfrica, Sir Lanka, Suecia, Turquía, entre otros. Al parecer esta película lanzada en 1979 por Ruggero Deodato tiene escenas de fuerte maltrato animal y violencia. Por lo tanto tiene tantas prohibiciones.

 No he encontrado una película prohibida en México, por lo cual pueden buscar cualquiera de la lista en internet y verlas bajo su propio riesgo. Si saben de alguna que aquí no se pueda ver, háganmelo saber en los comentarios y hasta la próxima. 

Especial Ghibli (Origenes): Series de Televisión

 Aunque el Studio Ghibli aún no ha presentado una producción oficial para la televisión como tal, más que el proyecto titulado Sansoku no Musume Ronja (dirigido por Goro Miyazaki), la verdad es que los orígenes de la compañía fueron muy de la mano con la pantalla chica. Series que hoy en día se consideran legendarias y clásicos llenos de nostalgia, las famosas “caricaturas bonitas” de antes, varias de ellas son prueba del enorme ingenio de estos artistas. De hecho, algunas personas se han interesado por este estudio con sólo recordar esos títulos que marcaron su infancia.

 Fueron diversas las series que llevaron a cabo, algunas como Ana de las Tejas Verdes (Akage no An, 1979), Chie la Gamberra (Jarinko Chie, 1981) y Sherlock Hound (Meitantei Hoomuzu, 1984), que quizá en México no sean demasiado conocidas. También tenemos otras series mucho más representativas como Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978), de la cual hablaremos en la siguiente sección, y también la exitosa Lupin III (Rupan Sansei, 1971), que también dejaremos para otra ocasión.

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 Como podrán apreciar, hablar de cada una de estas series nos llevaría mucho tiempo y muchas notas, por lo mismo, en esta ocasión hablaré de las dos series que mas destacaron del dúo Takahata/Miyazaki, tanto así que en México ganaron un público sólido y amante de su dulzura. Series que imagino todos conocemos aunque sea de oído. Basadas en famosas historias infantiles, estas series mantuvieron su target infantil, aunque con un toque ligeramente más maduro.

 La primera serie es la famosa Heidi (Arupusu no Shojo Haiji, 1974), basada en la obra de Johanna Spyri y que nos cuenta las aventuras de una pequeña niña que vive en los Alpes suizos en compañía de su abuelo, un anciano reservado y enérgico con la gente, pero que guarda un amor y una dedicación ejemplar para con su nieta. La niña también cuenta con la amistad de Pedro el pastor, el único ser humano que parece tener una buena relación con el abuelo y con quien pasa momentos increíbles ante la belleza de las montañas. La vida perfecta de Heidi se ve afectada cuando su tía Dette la lleva por la fuerza a la ciudad Frankfurt, donde se convierte en la mejor y única amiga de Clara, una niña inválida que vive a la sombra de la soledad y el estricto dominio de la señora Rottenmeyer, su institutriz.

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 Es poco lo que puedo hablar de esta serie y que nadie sepa, se trata de una historia conmovedora en todo sentido. Constó de 52 episodios y es una de las caricaturas más famosas en la televisión mexicana de antaño. Con una animación magnifica (y mas para la época), un diseño de fondos y arte espectacular, obra del mismo Hayao Miyazaki y una gran dirección por parte de Isao Takahata, no es de extrañar que esta caricatura sea tan querida por casi todos los que la han visto.

 Cabe mencionar que la serie está llena de buenos mensajes y valores como la importancia de preservar la magia y la inocencia infantil, mantener la esperanza siempre aunque todo parezca en nuestra contra, la amistad, el amor familiar, el no juzgar a una persona sin conocerla antes, y por supuesto, lo maravilloso que puede ser alejarnos de aquello a lo que estamos acostumbrados y probar de repente cosas nuevas.

 Sin embargo también hay puntos que para algunos pudieran no ser perfectos, como el hecho de que el personaje principal es una niña adorable y de un corazón noble y agradecido a más no poder, pero a la vez acostumbrada a hacer lo que quiere siempre y cuando esa libertad se ve limitada, termina volviéndose una víctima de los “malvados” adultos que tratan de imponer cierta disciplina. En el mundo de los niños es una visión sin pecados, pero algunos adultos quizá piensen que lo mejor es que los niños vayan aprendiendo la importancia del deber desde que son pequeños.

 La segunda serie es una que no tuvo tanto impacto en México, pero eso no significa que no tuvo un muy merecido éxito. Muy similar a Heidi y basada en el libro “Corazón, EL Diario De un Niño” de Edmundo de Amicis, llegó Marco: De los Apeninos a los Andes (Haha wo Tazunete Sanzenri, 1976), también dirigida por Isao Tkahata  y que nos cuenta la historia de Marco Rossi, un niño que se ve separado de su madre cuando esta debe viajar a la Argentina en busca de empleo para ayudar a su esposo, un médico bondadoso pero pobre. Por un tiempo, Marco y su familia viven normalmente en la ciudad de Génova, Italia, hasta que el pequeño nota que las cartas de mamá tardan más en llegar y una serie de pensamientos, sueños y eventos le hacen creer que ella está en problemas y necesita de él. De ese modo, Marco emprende una gran aventura hacia el continente Americano en busca de su madre, descubriendo en el camino desde amigos maravillosos como Peppino y su Tropa, hasta obstáculos demasiado fuertes para un niño, y que sin embargo, debe afrontar solo.

 Esta serie ha sido comparada e incluso confundida con otra caricatura, Remi, el Niño de Nadie (le Nakki Ko, 1977), por la trama similar y la crudeza de algunos aspectos de la serie; pero no nos equivoquemos, que son dos caricaturas distintas. La serie es igual de conmovedora y bien hecha, con una animación y manejo artístico de primera, lecciones de vida que abarcan la amistad, el valor, la determinación y el porqué los humanos debemos apoyarnos entre nosotros. También muestra aspectos muy fuertes y negativos de la sociedad, gente capaz de robar a un niño indefenso y solo, o dejarlo a su suerte cuando este llega a pedir auxilio. Es una serie que nos muestra las dos caras de la moneda, la buena y la mala, ante la sociedad y en más de una ocasión nos hará reflexionar sobre nuestros actos.

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 Las dos son caricaturas brillantes y hermosas que todos deberíamos ver por lo menos una vez. Claro que es casi imposible que hoy tengan el impacto que tuvieron y que para algunos resulten series demasiado infantiles y hasta bobas en distintos aspectos. Pero recordemos que son caricaturas hechas para niños y contadas desde la perspectiva de los pequeños.  Un rato para imaginar, historias llenas de valentía y problemas adultos que al final son superadas por la mente y alma de los más chicos, y aparentemente, los más vulnerables. Luego de verlas podríamos preguntarnos si el mundo no sería un mejor lugar si esos niños internos que todos tenemos jamás desaparecieran.

XIII años de horror

Puede pensarse lo más aterrador y más catastrófico del número XIII tal vez haya algo de razón en ello pero definitivamente Edna Campos y su equipo, ha demostrado por trece años consecutivos que el cine de este género es mucho más que sangre, baba y tripas “volando por doquier”. Fue presentado en la Cineteca Nacional,  “MACABRO FICH”, que en su décima tercera edición, nuevamente trae una muestra cinematográfica del género que hace tener pesadilla a más de uno… el género de Horror.

 El festival dará inicio el próximo 21 de agosto y concluirá hasta el 31 del mismo mes. Contando con su premiación, ya reconocida a nivel mundial, en donde serán expuestos más 30 cortometrajes nacionales e internacionales, así como la proyección de 15 largometrajes entre los que se encuentra Regina, del director Javier Ávila, que participa representando a México.

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 La Lucha Libre, siempre ha sido parte de la cultura mexicana y este año “MACABRO” decidió demostrar que los luchadores también “se rifan” el físico fuera del ring. “Terror del Rudo” es una propuesta en la que participa activamente Killer Film, critico de cine, que además de poseer una actitud completamente luchistica y una mascara que deja más que claro su amor por el pancracio, ha investigado el por qué del éxito y magia del “Cine de Luchadores”. Si a esto sumamos la presencia de Capitán Tinieblas, consagrado luchador mexicano, que además de haber participado en 7 cintas ha demostrado su cariño el cine con un sin fin de participaciones, no reconocidas como la estrella que actualmente es.

 Como novedad este año es presentado “Macabrolab” proyecto que pretende ampliar el conocimiento de los amantes del cine de horror, esto será por medio de la impartición de un taller en la que se podrá experimentar y perfeccionar por medio de apoyo técnico de profesionales en el área como Henry Bedwell y Fernando Rovzar, entre muchos otros expertos en el tema cinematográfico.

 Además de las proyecciones de las cintas, se llevará a cabo un reconocimiento a la vida y obra del escritos del género de terror Stephen King, en la que se congregarán escritores tales como Iván Farias, Rogelio Flores, Óscar Alejandro Luviano, Gabriela Damián Miravete y Rodolfo J.M., una vez concluida esta sesión se proyectará “El Resplandor”, protagonizada por Jack Nicholson.

 La Cineteca Nacional será una de las sedes de “MACABRO”, así como el Cinematográfo del Chopo y el Museo Panteón de San Fernando, Laboratorio de Arte Alameda, Centro Cultural Carranza, Circuito de FARO, además del mencionado anteriormente Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”.

 En fin, queda la invitación abierta a los amantes del terror y a lo que deseen saltar de su butaca más de una ocasión. Esta XIII edición promete dejar un gran sabor de boca a los asistentes, además de tener la oportunidad de ver obras cinematográficas que permiten admirar y encontrar la belleza en el mundo oscuro y tenebroso del cine de horror.

Se prepara película de Betty Boop

 Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop.  Según informes, el director Simon Cowel  ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

 Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

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 El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

 Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

 Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

 La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

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Review: Más Negro Que La Noche, y otros ataques a Taboada

Carlos Enrique Taboada
Carlos Enrique Taboada

 Si algo puede resultar indignante es cuando alguien toma una idea original para trabajarla hasta desacreditarla. En el cine este fenómeno ha pasado con grandes títulos como Psicosis (Psycho, 1960), se antoja increíble que alguien haya decidido rehacer un clásico, ese alguien fue Gus Van Sant con una horrenda modernización de una obra maestra de Hitchcock.

 Pero bien dice el dicho, “lo que no has de querer en tu casa lo has de tener”, mientras nos quejemos amargamente de que rehicieron Carrie (Carrie, 1976), Halloween (Halloween, 1978) y otras cintas icónicas de la cultura del cine de terror, en nuestro país dichos atentados han sido también perpetrados.

 Carlos Enrique Taboada fue y seguirá siendo pilar del cine de terror mexicano, los grandes títulos que realizó. Hasta El Viento Tiene Miedo (1968), El Libro De Piedra (1969), Más Negro que La Noche (1975) y Veneno Para Las Hadas (1984), dejaron una escuela para lograr una cinta verdaderamente aterradora con una estructura sencilla y una historia atrapante. Lamentablemente hay alumnos que prefieren copiar al maestro en vez de realizar propias ideas.

 Primero, Gustavo Moheno se adentró con el remake de Hasta El Viento Tiene Miedo (2007) con Martha Higareda como protagonista. Destruyó la historia original del fantasma que rondaba a un grupo de señoritas confinadas en castigo veraniego dentro de un exclusivo colegio femenino, a un fantasma que ronda en una clínica para mujeres jóvenes que sufren desórdenes alimenticios y psicológicos.

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 La ridícula, e insertada con calzador, lectura lésbica que alteraba la trama para desesperadamente “modernizarla” fue quizás el infortunio más recordado y la primer puñalada a Taboada, con malas actuaciones juveniles y una Verónica Langer que pese a ser una maravillosa actriz, no llegaba ni a los talones a la  actuación original de Marga López como la desalmada directora Bernarnda.

 Luego, Julio César Estrada se atrevió a profanar la obra del cineasta de nuevo, esta vez con El Libro De Piedra (2009), protagonizada por Plutarco Haza, Ludwika Paleta y Evangelina Sosa, en los roles originales de Joaquín Cordero, Norma Lazareno y Marga López. No solo esta versión fue aún peor actuada que el  remake de Hasta El Viento Tiene Miedo, sino que sufría de una clara falta de visión en la dirección. Segunda puñalada.

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 La insípida musicalización, el patético ejercicio de maquillaje o la incoherencia de las secuencias son solo antesala al verdadero grano que inclina la balanza: es la intragable  Mariana Beyer siendo una pésima actriz infantil que buscaba emular a la fantástica (y ahora retirada) Lucy Buj en el papel de Silvia, la hija pequeña de un acaudalado hombre que se acaba de mudar  con su padre y madrastra a una hacienda y queda bajo la tutela de una institutriz, la cual será testigo de una extraña y obsesiva amistad que comienza entre la niña y Hugo, la estatua de un niño leyendo un libro que está en uno de los jardines.

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 Cómo al director probablemente el personaje de la institutriz (Marga López originalmente) le adjudicaba poca sustancia, decidió sumarle una hija muerta a su pasado. ¿El resultado? Evangelina Sosa dando la actuación más falsa de su vida y probablemente la que oculta en su currículum. Además de que no le creemos el dolor de la pérdida de su hija, es más buena que Andrea Legarreta como  la maestra Lupita de ¡Vivan Los Niños!

 Pero bueno, dicen que la tercera es la vencida, y toca el turno a una nueva versión de Más Negro Que La Noche, ahora dirigida por Henry Bedwell. Y sorpresivamente el rumbo cambia, por fin una cinta inspirada en un clásico con un verdadero ejercicio de producción. Pero el que el diseño de producción sea espectacular no asegura un resultado de la misma calidad.

 En la historia original, Ofelia (Claudia Islas) ha llegado  de un viaje de negocios  y le han  notificado que su tía  Susana (a quién no veía desde su infancia) ha muerto, heredándole su casona por ser la pariente más cercana, todo con la única condición de que cuide de su amado gato Becker. Ofelia se muda con ayuda de su novio al lugar con sus amigas, Aurora (Susana Dosamantes) una bibliotecaria, Pilar (Helena Rojo) divorciada y vive de la pensión que su ex le da, pero en el fondo lo sigue frecuentando y Marta (Lucía Méndez) prima de Aurora y modelo. La casa incluye a Sofía (Alicia Palacios), la ama de llaves de la difunta tía, quien tras la muerte accidental del gato advierte que muchas cosas estarán por venir.

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 Esta sencilla historia, que consistía en un alma en pena por la muerte del único ser al que amaba en vida, se ve sumamente dañada en esta nueva adaptación. De entrada ahora es la tía Ofelia quien deja la casa a su sobrina Greta (Zuria Vega), quién vivió un corto tiempo de su infancia con ella tras el accidente en que murieron sus padres y hermana. Con Greta viven sus amigas María (Adriana Louvier), Pilar (Eréndira Ibarra) y Vicky (Ona Casamiquela), además de que es novia del hermano de Pilar, interpretado por José María Torre.

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 Continuando las modificaciones, SPOILER,  la tía Ofelia aparentemente se amargó porque su esposo le fue infiel el día de su boda y cual capítulo de Mujeres Asesinas lo mató tiempo después junto a la liviana que lo secundó. Este será el gran secreto de la historia. Sumamos que la casona se convierte en una enorme mansión cuasi victoriana y sumamente tétrica, resguardada por la gran Margarita Sanz como Evangelina, ama de llaves.

 La película es un ejercicio muy complejo, por un lado es totalmente infiel a Taboada y ofensiva: no solo sale de la esencia simple del director, dónde el miedo auténtico era la causa de la muerte de las protagonistas, sino que se empeña en hilar mil subtemas que nunca cierran y se quedan en el aire entorpeciendo el ritmo.

 Ninguno de los personajes crece ni conocemos algo de sus historias. De Greta la protagonista nunca alcanzamos a saber casi nada de su vida, o por qué se le aparece su hermana ni porque la difunta mencionada usaba vestidos que no eran nada de su época a juzgar por la edad.

Luego el personaje de Eréndira Ibarra, rebelde, irreverente y aparentemente una nini que vive a expensas de su amiga pero como toda buena hipster usa el catálogo entero de H&M  y adopta un estilo Mónica Naranjo con un cabello bicolor. Sumamos que tiene mil tatuajes que pretende explicar y nunca hace. Ah y para completar el cuadro: es lesbiana. ¿Por qué Eréndira Ibarra siempre  hace estos personajes?

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 Adriana Louvier es quizás tras Zuria Vega la única con una actuación natural, por puro insight inquirimos que es escritora y pues el gato de la mansión mata a su hurón, ella le guarda rencor y tras la muerte del asesino comienza a enloquecer. Luego Ona Casamiquela en el papel que nadie entiende qué hace en la cinta, de entrada es Española y ya. No hace nada más que besuquearse con todos, drogarse, quejarse, comer y decirle a su novio (Miguel Rodarte) que las otras no son sus amigas. Ok entonces ¿Qué demonios hace en esa casa? ¿Qué hace para vivir? ¿Cuál es su propósito como personaje? ¿Por qué todas viven bajo el mismo techo?

 La cinta tiene uno de los diálogos más absurdos del cine mexicano, un ejemplo:

“Greta: (sorprendida) ¡Evangelina, estás aquí!

Evangelina: Sí, aquí estoy”

 Henry Bedwell busca copiar un modelo norteamericano con objetos que se mueven, fuerza sobrenatural, un cuadro viviente, estruendo como vía para romper tensión, etc., etc. No permite a ningún personaje, bueno ni al gato, llevar una línea auténtica. Nada pasa, solo un collage de escenas en modo aleatorio con una dirección de arte exquisita entre ellas. Uno termina por confundirse, la promesa de asustar se cumple en contadas 2 veces, y una de ellas por acción del gore innecesario y moralino en su empleo. Ah y el 3D, claro, nunca se había visto en el país, pero no es nada sorprendente, ni algo que llegue a aprovecharse.

 En resumen: esta barbarie oligofrénica  desvirtúa nuevamente a Taboada por su origen. Los únicos motivos para verla serían la actuación de Margarita Sanz, la dirección de arte y la banda sonora. SI has visto la versión original odiarás esta, pero llorarás de risa ante el absurdo, específicamente en la escena post créditos dónde el gato ataca a Miguel Rodarte, con un combate tan torpe digno de la épica pelea de Anna Faris y el gato negro en Scary Movie 2.

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 Al final un arma de doble filo, pues deja entrever elementos para generar un filme original. Directores y productores: basta del remake, KM 31 es el ejemplo de que querer hacer algo nuevo y con ganas genera éxito, atrévanse y háganlo.  ¡Sean originales!, dejen a Taboada descansar en paz. Ya lo intentaron 3 veces y no lo superaron ¿Qué esperan? ¿Hacer Veneno para las hadas en 2016? Sean honestos, ninguna niña actriz superaría a Ana Patricia Rojo y a Elsa María Gutiérrez, es tiempo de reconsiderar y dejar a los clásicos como lo que son.

Especial Ghibli (Orígenes): Las Aventuras de Panda y sus Amigos

Luego del despido de Isao Takahata de Toei Doga, él y su pupilo Hayao Miyazaki decidieron seguir orientando sus talentos a la creación de películas y series animadas. La siguiente creación de este par fue definitivamente la película más infantil e incluso ingenua de su haber. Se trata de dos cortometrajes que unidos forman una cinta de amistad y fantasía, Las Aventuras de Panda y sus Amigos (Panda Kopanda, 1972).

 Este fue de los primeros esfuerzos de Miyazaki como escritor y guionista, y de inmediato mostró su amor por las historias orientadas a los niños. Con un relato creado por él mismo y la dirección de Takahata, la cinta se llevó a cabo sin mayores complicaciones y con un éxito aceptable. Es una película muy simple tanto en diseño como en historia y con el único propósito de entretener a los más pequeños. Para algunos, esta película pudiera parecer la más floja del estudio (que aún no existía), sin embargo y a pesar de su aire demasiado ingenuo, también es considerada por muchos como una obra de culto.

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 La historia sigue las aventuras de Mimiko, una alegre e independiente niña que tras quedarse sola en casa es visitada por un pequeño Panda y su padre, con quienes forja una relación de amistad y un trato un tanto inusual, aunque en cierta manera, conmovedor. Mimiko es una niña que no tiene padres, por lo que Papá Panda decide ser su padre a la vez que ella se vuelva la mamá (¿y hermana?) adoptiva del hijo Pandita. De ese modo y como una familia feliz, pasan toda clase de aventuras con los habitantes de la villa, el personal del zoológico y el circo, siendo este el hogar de otro de sus amigos, un juguetón tigrito.

 La película va directo al punto y no se mete en demasiados detalles, por ejemplo, jamás es explicado como alguien puede dejar sola a una niña de menos de 10 años de edad. Sin embargo es una situación entendible considerando que es un planteamiento totalmente fantástico e incluso de fábula. Vamos, todos llegamos a disfrutar de cuentos que no tenían mucho sentido cuando éramos niños, y como he dicho desde el principio, esta película va dirigida totalmente a ellos.

 Lamento decir que a diferencia de las otras cintas infantiles de Ghibli, esta sí podría tornarse en un padecimiento al público adulto. La trama es completamente sencilla e inocente, los chistes infantiles y absurdos están en todo momento, hay elementos simpáticos pero algo cursis en la cinta. Por ejemplo: cuando el Pandita y el Tigrito se conocen hay toda una conversación entre ellos que consta de frases tales como “Soy un Pandita”, “Soy un Tigrito”, “¡Qué bien, que bien, un pandita!”, “¡Que bien, que bien, un lindo tigrito para ser nuestro amigo!”. Creo que con este ejemplo ya pueden darse una idea del tono de la cinta.

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 A pesar de eso, la cinta es bastante entretenida. Si son capaces de apagar su mente por un rato y volver a la infancia (pero en serio volver a ella) la pasarán muy bien. La animación y el arte son simples, pero con un estándar de calidad dentro de esa sencillez muy buena. Todo es visualmente agradable y los amantes del Studio Ghibli encontrarán en la cinta diversos elementos que surgieron ahí y que reconocerán de otras películas de Miyazaki. El parecido de Papá Panda con el personaje Totoro, es sin duda el más representativo de ellos.

 No es una cinta para todo público, de hecho pudiera ser que la única manera de que un adulto disfrute de ella totalmente es siendo fan de Ghibli. Aún así es una película que vale mucho la pena y que los niños seguramente adorarán. Como dijeron alguna vez, esos dos “estaban empezando”, pero en verdad fue un inicio bastante bueno.

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo

Robin williams 3 Robin Williams: Un tributo ilustradoJean Jullien

La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.

 En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.

 La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.

robin1 Robin Williams: Un tributo ilustradoPrasad Bhat

robin4 Robin Williams: Un tributo ilustradoGordon Armstrong

robin williams1 660x394 Robin Williams: Un tributo ilustradoChris (Simpsons Artist)

Robin Williams 2 Robin Williams: Un tributo ilustradoNaolito

robin11 Robin Williams: Un tributo ilustradoJulia Sonmi

robin3 Robin Williams: Un tributo ilustradoAlexandre Godreau

robin2 Robin Williams: Un tributo ilustrado

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Con sabor al norte- Robin Williams

 Un gran actor que se llevó miles de risas de todos a través del tiempo, quien nos hizo llorar en dramas tan hermosos con imágenes increíbles, al cual le gustaba tanto The Leyend of Zelda, como para nombrar Zelda a su propia hija. Amigos, murió el eterno Peter Pan.

Hook, el regreso del Capitán Garfio

 Los hijos de los noventas recordarán despertarse temprano para ver las películas para niños en el canal Azteca 7 donde salía este actor que pretendía ser una ancianita en MRS. DOUBTFIRE. También apareció como ese niño que creció en la jungla dentro de un juego maldito en JUMANJI, era entretenido verlo matar arañas, correr lejos de la estampida y evitar al cazador.

MRS. DOUBTFIRE

 Al crecer vimos que Robin Williams no fue tan solo un comendiante, sino que también participó en historias más conmovedoras como Patch Adams. Esa película es la razón por la que tantos muchachos quisieron ser médicos. También fue el villano que quiso la genialidad de August Rush para él, o verlo ganar el Oscar con GOOD WILL HUNTING.

THE GOOD WILL HUNTING

 No es el primero ni será el último que se nos va por suicidio. A veces es muy triste pensar cómo alguien que pudo hacer reír tanto, pudo haber tenido tantos problemas, pero como dicen: a veces los que más felices hacen a los demás son los que se encuentran más tristes por dentro.

  Pero esta nota vamos a mencionar una serie que vale la pena verse, fue de los inicios de este gran actor y es una entretenida serie para poder ver más de sus trabajos.

MORK AND MINDY

 MORK & MINDY era una serie producida entre 1978 y 1982 donde Robin Williams personificaba a un extraterrestre llamado Mork, que llega por orden de su líder al planeta tierra y es alojado por Mindy, mientras aprende sobre el comportamiento humano.

https://www.youtube.com/watch?v=WQx4–L0TdY

 Es una comedia muy divertida que llegaron a pasar hace algunos años en NICK AT NIGHT por el canal NICKELODEON. La actuación de él decía un poco de lo que se iba a convertir y llegas a darte cuenta de lo curiosas que somos las personas en general, además de que hay una pequeña historia de amor y todo se ve muy divertido al verlo vestido de esa manera.

JUMANJI

 Por último, hablaré de la película que en mi opinión tiene más enseñanza que todas las que he visto de él. Ya he mencionado el libro antes en mis recomendaciones, pero ahora hablaré del sentido que tiene esta historia.

WHAT DREAMS MAY COME

 Más allá de los sueños lo vemos como una película donde el muere para ir al paraíso. La realidad es que el paraíso para el autor de la novela no era un lugar feliz, sino la cosecha de aquello que fuimos e hicimos en vida. El Cielo no era un lugar en sí, sino un estado mental en el que todos veían lo que su alma alimentó para ver.

WHAT DREAMS MAY COME

 El suicidio fue reprochable, y muchas religiones dicen que el infierno es el lugar de la persona que se suicida, incluso la película lo menciona, pero la verdadera novela habla que quien se quita la vida esperará el tiempo que le quedaba de vida “natural” hasta que pueda pasar al cielo. No se le niega a nadie, sólo es cuestión de madurez mental.

WHAT DREAMS MAY COME

 Espero que esta despedida les haya gustado, yo, como todos los que gustaron de su trabajo, lo extrañaremos mucho. Justamente esa película era la que me gustaba más y hablaba del sitio donde espero que él se encuentre ahora.

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Especial Ghibli (Orígenes): Hols, El Príncipe del Sol

 Con motivo de la triste noticia del posible cierre del Studio Ghibli, abro una nueva sección especial homenajeando a esta legendaria empresa de animación. La verdad es que el futuro de esta compañía es incierto y todo parece indicar que no pasará nada que lamentemos, más aún tras declaraciones de sus directivos en el cual anuncian la producción de algunos cortometrajes para ser exhibidos en el museo del estudio, ubicado en Tokyo.

 Pero antes de hablar del estudio y sus logros, es importante conocer parte de sus inicios. Es bien sabido que el más famoso director que trabajó en el estudio fue Hayao Miyazaki, cuya fama se volvió tal que incluso ha opacado al genio que fuera su amigo, socio, y maestro, Isao Takahata.

 Takahata ya era un nombre relativamente conocido en el mundo de la animación cuando Miyazaki llegó con él. Su amistad surgió cuando Hayao entró a trabajar a la empresa Toei Doga y quedar bajo el liderazgo de Isao, quien se encontraba elaborando la primera obra de este dúo (y quizá una de las más complicadas), Las Aventuras de Hols: El Príncipe del Sol (Horus: Prince of the Sun, 1968), también conocida como La Princesa Encantada.

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 Con Takahata en la dirección y Miyazaki en el departamento de animación, la película fue uno de los proyectos más escabrosos de la compañía. La falta de recursos, altos costos, tiempos de entrega que no lograban cumplirse y como siempre, choques de visión entre la producción y el director hicieron de esta cinta una verdadera pesadilla en su proceso de elaboración. No obstante y a pesar de más de un momento en los cuales parecía que el proyecto quedaría estancado, la película fue terminada.

 Desafortunadamente dicha película costó más de lo que recaudó, de hecho hay quien asegura que fue un fracaso que le costó su empleo a Isao Takahata. Al final, pasaría a la historia en la lista de las cintas que se han vuelto cine de culto cuando en su época fue tan menospreciada. Es una película difícil de conseguir (prácticamente imposible en formato original), pero que se puede encontrar en internet y créanme, es una cinta que no se arrepentirán de ver.

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 La animación es amateur, la paleta de colores muy sencilla y tiene varios errores de proporciones y continuidad. Se nota que es obra de principiantes, sin embargo, unos principiantes que pusieron gran amor y esfuerzo a su creación y esos detalles son los que hacen de esta película una joya.

 Sí, la animación carece de muchas cosas, pero tampoco es una mala animación que no logre transmitir la historia que se pretende contar. Comparándola con los siguientes trabajos de este par, pareciera una obra menor, pero es una digna creación indirecta de Ghibli, que de hecho fue el parte aguas en una enorme faceta del animé.

 La historia se desarrolla en la Edad de Hierro en tierras europeas y cuenta la travesía de Hols, un muchacho que a la muerte de su padre queda solo y debe valerse por sí mismo. Antes de morir, su padre le pide que viaje en busca de otros humanos que puedan aceptarlo, tarea que Hols cumple sin dudar. No pasa mucho tiempo antes de encontrar una aldea de pescadores que vive atemorizada por un monstruo marino, mismo que Hols derrota ganándose la simpatía de casi todos.

 Las cosas parecen ser perfectas hasta que Hols conoce a Hilda, una niña solitaria con una hermosa voz que cautiva a los hombres cuando canta. Hols y Hilda entablan una bella amistad sin saber que la chica secretamente sirve al malvado Grunwald, un hechicero cuyo único objetivo es destruir a la humanidad.

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 El tono de la película es en su mayoría infantil, una historia de aventura y fantasía que incluye valores como la amistad, la determinación, el coraje y la importancia de luchar por el prójimo, sin mencionar animales que hablan. Aún así, la película no cae en un género que los adultos no puedan disfrutar, de hecho la cinta es madura y tiene momentos sumamente fuertes que abarcan temas como la muerte, la magia negra, traición, monstruos e incluso una sutil escena de desnudo.

 Como mencioné antes, es una película que no está exenta de errores de todo tipo, pero la calidad y la pasión con la que fue hecha, el trabajo y el corazón impregnados en ella a pesar de lo difícil que fue son notorios y al final, el espectador puede percibir eso y el sabor de boca es muy agradable. Es una película que todo fan del animé debería conocer, y si son fans de Studio Ghibli, con mayor razón. Ampliamente recomendable, una cinta para todas las edades y digna de verse sólo por ser la semilla que dio origen a ese inmenso roble de magia animada.

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Hasta Luego, Ghibli

Les tengo dos noticias, una buena y una mala, ambas acerca del rumor del cual hablamos anteriormente: el posible cierre de puertas del famoso Studio Ghibli, ubicado en Japón. La mala es que efectivamente el estudio cerrará sus puertas debido a una situación económica complicada por la cual está pasando esta empresa. Toshio Suzuki, director y cofundador del estudio, fue el responsable de dar la noticia.

 Según se comenta, la razón principal de esta decisión se debe al bajo éxito de las dos últimas producciones realizadas, La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013) y El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014). Debido a esto, los accionistas del estudio han comenzado a perder ingresos ya considerar desmantelar esta empresa y de ese modo, poner fin a futuros proyectos que pudieran realizar.

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 Esta es una posibilidad aterradora para el mundo de la animación y del cine, ya que Ghibli es el responsable de una parte importante y fundamental de la animación japonesa. Sus filmes no solo tienen gran calidad en cuestiones técnicas, sino en sus historias y en la forma de contarlas. Una dura decisión para los propietarios, y por supuesto, los fanáticos.

 Ahora, no todo está perdido, ya que la noticia buena consiste en que recientes declaraciones del propio Susuki sugieren que esta es una decisión que no pretende ser permanente. El estudio cerrará pero sólo por un tiempo hasta ver si pueden recuperar sus ingresos. El plan es continuar produciendo cintas de gran calidad y tienen buenas esperanzas de que así pueda suceder.

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 Recordemos también que la dificultad de mantener el estudio en este momento se debe en gran medida no solo al fracaso de sus recientes proyectos, sino a la plantilla fija de trabajadores que tenían. Es decir, contrario a lo que los estudios de animación acostumbran, Ghibli proporcionaba un sueldo mensual a sus colaboradores hubiera o no un proyecto a desarrollarse. No se sabe con exactitud el coste que esto representaba anualmente, pero sí se ha dicho que la cifra era titánica. Por ahora el estudio mantendrá un equipo pequeño de trabajo para los proyectos personales del señor Miyazaki (cofundador y principal imagen), como cortometrajes para el museo que mantienen en Japón.

 También existe un rumor aún no confirmado de que el director y productor Michael Bay, responsable de la saga de Transformers, está pensando en adquirir los derechos del estudio, pero aún no se sabe mucho de eso. Por lo pronto no nos queda más que esperar nuevas noticias y esperar que esto solo sea un mal sueño. De cerrar sus puertas, Ghibli sería una pérdida enorme e irremplazable para el mundo de la animación. Esperemos que ese lapso sin ellos no sea demasiado largo. Seguiremos al pendiente y a modo de homenaje a esta fábrica de sueños, próximamente hablaré de cada una de sus películas esperando que aquellos que no las conocen puedan saber de ellas, quizá acercarse y entender el porque es tan triste este momento para el mundo de la animación.

Animación Universal: Persepolis

 Tengo que admitir que aunque disfruto mucho del cine independiente y el extranjero, la cinta de la que hablaré en esta ocasión no era una que me entusiasmara ver demasiado. Probablemente esté mal decir esto, pero el tema de los países árabes no suele ser muy entretenido en términos realistas, donde en vez de ver folclor y cultura es más sobresaliente el concepto de la guerra y la pobreza. No digo que sea aburrido, pero si algo no apto para aquellos que odian ponerse tristes.

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 Algo así esperaba ver en Persepolis (Persepolis, 2007), una cinta de animación francesa dirigida por Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi y que nos cuenta la historia de las aventuras (y desventuras) de una niña iraní cuya infancia se ve atormentada por la guerra y el descontento contra el Sha y que eventualmente se enfrenta al desprecio y la soledad cuando decide dejar su nación y probar suerte en países extranjeros.  No obstante, y contrario a mis expectativas que de hecho se incrementaron al ver que la cinta era en blanco y negro, la película no sólo fue divertida, sino que me pareció una verdadera obra maestra.

 Para empezar hay que destacar la animación, la cual es sencilla y con un diseño de personajes muy simple, pero que tiene una fluidez y una naturalidad sobresalientes, de hecho es una maravilla ver cada cuadro hecho de forma manual y con tanto cuidado que sin que podamos hacer nada, nos atrapará. El tono de la cinta es en cierta manera crudo, pero jamás se siente como una película deprimente, de hecho nos sacará varias risas. Es muy curioso ver secuencias tan caricaturescas tipo Tex Avery en una misma historia que usa temas tan fuertes como la muerte, la guerra, el sexo, la droga y por supuesto, algunas palabras altisonantes.

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 No es una película para niños, sin embargo puedo decir sin equivocarme que los adultos volverán un poco a su infancia ante esta película tan madura y a la vez tan de niños. Tiene todo lo necesario en una trama que nos muestra el horror que se vivió en Irán en esas fechas, es una clase de historia y de superación fenomenal, pero a la vez tiene la frescura de una caricatura. Honestamente, jamás había visto una cinta que mezclara esos elementos de forma tan sublime.

 Los personajes son expresivos a más no poder y es imposible no identificarse con la protagonista. Incluso podría decir que es una cinta muy colorida a pesar del blanco y negro que caracteriza gran parte de ella (hay unas breves escenas a color). Por mucho, una cinta que no se pueden perder y un ejemplo más de por qué el cine francés es tan popular que hasta hacen maratones en nuestro país. Espero que algún día, esos maratones nos permitan ver esta película en la pantalla grande, sería una experiencia por la que sin duda pagaría.

PERSEPOLIS

Animación Universal: Vamos a la Luna

 El cine animado en Bélgica también cuenta con producciones en 3D, las cuales si bien distan de estar a la altura de los grandes, tienen una calidad bastante aceptable y de hecho, aunque suene mal, tiene detalles que pudieron ser mucho peores.

 Una de las cintas mas representativas de este ejemplo llegó a cines mexicanos hace algún tiempo. Y he de admitirlo, en un principio no sabía que se trataba de una producción que no pertenecía enteramente a Estados Unidos por un simple detalle: la historia.

 Vamos a la Luna (Fly Me to the Moon, 2008) es una tierna película familiar que habla de tres valientes y traviesas moscas que tiene el sueño de llegar a la Luna, y para lograrlo deciden entrar como polizones nada menos que a la misión del Apolo 11, lo que los llevará una gran aventura llena de peligros que involucran los riesgos habituales de un insecto en el mundo humano, pero además, la intromisión de las “malvadas” moscas rusas.

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 Si, así como lo leen, no es ni la trama más original ni menos patriota que hemos visto, de hecho peca de caer en la categoría de esas cintas donde los norteamericanos (o los americanos, como parece ser que todo el mundo los llama) son los grandes héroes de la galaxia y los que se oponen a ellos son más perversos que el diablo. Sin embargo, y a pesar de todo esto, la película está bien manejada e incluso esa historia es fácil de aceptar para todo público.

 La animación está muy bien lograda y aunque el trabajo de iluminación y texturas es simple y no aporta nada nuevo ni espectacular, resulta cumplidor. El diseño de personajes es curioso, con personajes simpáticos aunque al principio parezcan un poco raros (consecuencia de todas las cintas que tratan de humanizar, pero en serio humanizar, a los animales). No es una joya en cuanto a efectos visuales se refiere, pero tampoco cae en lo mediocre.

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 Volviendo a la trama, la película tiene un guión divertido y otorga más peso al sueño de unos niños, el amor familiar y la determinación de lograr un sueño aún cuando todo parece ir en contra, que prácticamente nos olvidamos de las banderas y nos adentramos en la aventura de esas mosquitas que rápidamente se ganan nuestra amistad y nuestro apoyo. Sin embargo. he de aclarar que al final termina siendo una película que sólo busca entretener a los niños, los adultos no la padecen, pero tampoco la considerarán una maravilla del cine. De hecho, la cinta recibió muy malas críticas, luego de su estreno.

 Aún así recordemos que el cine (y la animación) es arte, y como tal tiene el único objetivo de que el artista exprese algo. También la percepción de aquellos que vean ese arte variara en tantos sentidos. Los mejores críticos son ustedes y aunque como dije, es una cinta muy genérica, me parece un muy buen intento de sus creadores para adentrarse al mundo del 3D y es una película que aunque no aporta nada nuevo, cumple la difícil labor de ser un producto infantil que incluso los adultos pueden disfrutar aunque sea en momentos.

Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

¿Studio Ghibli Cerca del Fin?

Un alarmante rumor se está difundiendo por la red, y aunque aún es algo que ninguno de los involucrados y/o algún otro portal han siquiera mencionado, la sola idea hace temblar a los amantes de la animación y el animé. Con la última película del maestro Hayao Miyazaki en salas de cines comerciales, y con la expectativa de dos nueva producciones circulando por el mundo, el legendario Studio Ghibli podría cerrar sus puertas y detener la creación de largometrajes animados.

 Según el sitio de Internet Koi-Nya.net, el estudio ha decidido abandonar la labor realizada por tantos años. Si bien el futuro de la compañía ya era incierto con el retiro de Miyazaki e Isao Takahata, se ha hablado mucho de que aún hay vida después de estos dos genios. Hay que recordar que hace poco se dio el anuncio de una serie animada que ya estaba en proceso de producción y que sería dirigida por Goro Miyazaki, de la cual no se ha hablado nada al respecto.

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 Personalmente, veo poco probable que eso ocurra, sin embargo tampoco parece ser una noticia tan inverosímil. El reto de mantener la calidad de las películas sin el equipo que creó y levantó el estudio es grande, sin embargo no es imposible.

 Ahora, es más factible la razón que este portal explica, y que considera que los altos costos de producción y las bajas ganancias del estudio recientemente los ha llevado a retirarse. Se menciona que la penúltima película ya presentada La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2013) no recaudó el dinero esperado, volviéndose un fracaso y condenando el futuro de la empresa.

 Es desconcertante escuchar este tipo de noticias, sobre todo porque sabemos que Ghibli es un estudio que se ha caracterizado por la calidad que maneja, aunque no siempre sea comercial. Pensaríamos que luego de tantos años de proyectos con altas y bajas, los propietarios ya estarían listos para crisis de esta índole. Por lo pronto nos sentimos aliviados de que parece ser un mero rumor y esperamos que resulte serlo.

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 Mientras se da una confirmación o negación de esta noticia, seguimos en espera de las aventuras de Kaguya y de la más reciente cinta, El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014), la cual reveló hace unos días su más actualizado tráiler, que les compartimos a continuación. La cinta acaba de estrenarse en cines japoneses, así que roguemos por que el éxito que tenga sea lo suficientemente aceptable para salvar el futuro de este extraordinario estudio que nos da más que películas de animé, nos da arte en todos los sentidos.

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=lO79qkKDUNY