De: Little Ashes. Dalí, Lorca y Buñuel.

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 Vemos a un joven recién desempacado con ropas a la antigua usanza ante la incrédula mirada de los otros estudiantes. Es un joven que da trazas de tímido, de inseguro. Una pintura cubista en el cuarto que servía de alojamiento a un genio en potencia, encargado de su construcción. Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech es la respuesta a la pregunta de otro joven por su nombre; quien lo pregunta es Luis Buñuel, llama a todos y presenta a un estudiante: Federico García Lorca. A partir de aquí empieza el viaje.

 Robert Pattinson interpreta a Salvador Dalí, de un modo extraño. Parece no del todo dueño del carácter del intrigante personaje y sin embargo va bien resuelto. Los otros dos son Javier Beltrán y Matthew McNulty.

 La película Little ashes dirigida por Paul Morrison nos adentra en el mundo de tres mentes por demás brillantes: un cineasta, un escritor y un artista plástico. Luis Buñuel, Federico García Lorca y Salvador Dalí. Sus inicios en la Residencia para estudiantes de Madrid, el amor no consumado entre el escritor y el pintor y la rivalidad amorosa entre Buñuel y Lorca por la disputa de la atención del potencial genio.

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 Hay escenas que no pueden ser dejadas de lado, y especial cuidado del director en traer la casa de Dalí y todos los referentes que conocemos de la historia. A medida que avanza la película conocemos también a Gala “Galushka” a quien el mismo Dalí nombró como su alma gemela—, el cambio radical que el pintor sufre en el nido de las creencias y las aspiraciones; la separación de Lorca y las referencias a “Un perro andaluz” (cortometraje surrealista hecho por Buñuel y Dalí), y acá vemos a Lorca, el andaluz por cierto. “¿De dónde exactamente soy?”. El amor del poeta a su pueblo y sus tradiciones, el ascenso de su carrera a la que no se presta especial tiempo y la muerte de Lorca a manos de la horrible guerra Civil Española.

 Es difícil encontrar la película en México, tontamente la encargué a Estados Unidos y si lo digo es para que no hagan lo mismo. En internet la hallan, y vale toda la pena verla. Las actuaciones de McNulty y Beltrán son por demás acertadas y qué mejor que ser testigos de una película que habla de seres por demás representativos de una época, para la historia.

cenniciat El título “Little Ashes” viene de una carta que escribió Lorca a su bienamado amigo Dalí y de la que a continuación reproducimos el fragmento:

“Acuérdate de mi cuando estés en la playa y sobretodo cuando pintes las crepitantes y únicas cenicitas ¡Ay mis cenicitas!  Pon mi nombre en el cuadro para que mi nombre sirva para algo en el mundo y dame un abrazo que bien lo necesita tú Federico”

 La película es Hispano-Británica y fue estrenada  el 7 de octubre de 2008.

 Dalí en alguna ocasión:

Él era homosexual, todos lo sabían, y estaba locamente enamorado de mi… Intentó follarme dos veces… Yo estaba muy molesto porque no era homosexual, y no estaba interesado en ceder. Además, duele. Así que no me aportó nada. (…)

 Las cartas hacen evidente una relación más allá de la llana amistad y es de acá de donde la guionista toma carne para la historia. No pierdan la oportunidad de verla.

Acá va el trailer:

 

 

Cargado de ruido: Bestia Festival 2014

Con una carga de diversos sonidos –jazz, rock, hardcore, metal e improvisación- el Bestia Festival llega en su segunda edición a la Ciudad de México del 19 al 23 de noviembre, y contará con la participación tanto de músicos nacionales como del extranjero; con ello, el festival pretende llevar los sentidos a otro nivel y lograr que las propuestas musicales generen su propia dimensión a través de la variedad y fusión de diversas vertientes sonoras y audiovisuales.

Imagen de: jorgeleon.mx

 Dentro del Bestia se podrán apreciar bandas que difícilmente son vistas en otros escenarios debido a los géneros que cada una maneja, sin embargo, el festival pretende borrar esas etiquetas y abrirle paso a la creación de nuevas propuestas sonoras.

 Entre la gama de artistas que se presentarán, aquí algunos:

Han Bennink y Terrie Ex – Dúo de batería y guitarra

Bennink, un emblema del jazz, se convirtió rápidamente en un baterista que ha inspirado a muchos artistas. Terrie Hessels, guitarrista de The Ex, ha logrado experimentar e incursionar en el mundo de jazz hace apenas una década, sin embargo, su trabajo es ampliamente reconocido. Este dúo se presenta por primera vez en México.

Bob Stewart

Uno de los representantes de la tuba, tiene más de 40 años de trayectoria en los que ha colaborado con Gil Evans, Sonny Rolling y Charles Haden, entre otros.  Formará parte del Heavy Metal Dúo junto con Ray Anderson en esta edición del festival. Ambos se presentan por primera vez en México.

Monogatari

Agrupación mexicana que experimenta con el punk, harsh noise y hardcore a través de sintetizadores, distorsiones e improvisación.

Foto de: bestiafestival.com
Foto de: bestiafestival.com

Para que no te pierdas de ningún detalle, aquí está la cartelera

19 de noviembre

Concierto de jazz en el Teatro de la Ciudad a las 20:30 horas

  • Han Bennink y Terrie Ex
  • Marc Ribot
  • Ray Anderson y Bob Stewart

21 de noviembre

Concierto acústico en la Biblioteca Vasconcelos a las 19:30 horas

Entrada libre *Cupo limitado

22 de noviembre

Concierto en la estación de metro Indianilla a las 21:00 horas

  • Neurosis
  • The Ex
  • Monogatari
  • Sic

Clínicas de Música

20 de noviembre de 2014

Museo Universitario del Chopo, foro del dinosaurio a las 18:00 horas

  • Mariana Flores
  • Han Bennink
  • Terrie Ex

Entrada libre *Cupo limitado para público general

Cine

19 al 23 de noviembre

Se presentarán cinco títulos y 22 funciones en diferentes sedes:

Cine Tonalá del 20 al 22

Cineteca del 20 al 23

Cinematógrafo del chopo del 19 al 22

Centro Cultural Universitario del 21 al 23

Los filmes que se presentarán son:

  • I Need a Dodge, Buscando el Coche de Joe Strummer, 2014

  • Get Action! La Historia de Teengenerate, 2014
  • Una Banda Llamada Death, 2012

  • Pat Metheny: The Orchestrion Project, 2012
  • Beautiful Frenzy, 2001

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Trainspotting: la novela de Irvine Welsh

Cuando escuchamos la palabra Trainspotting puede que sea totalmente ajena a nosotros o que nos obligue automáticamente a recordar aquella película de 1996 dirigida por Danny Boyle, la cual muestra las aventuras y desventuras de un grupo de heroinómanos procedentes de Edimburgo: Mark Renton, Sick Boy, Spud, Francis Begbie y Tommy (Begbie solo es alcohólico y Tommy se vuelve consumidor tiempo después): seis individuos que tienen como única preocupación el saber cuándo y cómo será su siguiente dosis.

Escena de la película de Danny Boyle
Escena de la película de Danny Boyle

 Entre todas estas peripecias se ven los intentos fallidos por dejar la heroína, la depresión y síndrome de abstinencia que puede generar el “estar limpio”, lo frecuentes que son las sobredosis, el riesgo de contraer SIDA y su poco o nulo interés por llevar una vida de mejor calidad.

 En los últimos años se ha convertido en una película de culto entre jóvenes y adultos; en su momento causó escándalo la forma tan cruda en que se muestra el mundo de las adicciones y toda consecuencia que genera el pertenecer a tan nocivo gremio. A pesar de lo realista que pueda ser la película (sin dejar de lado que es una excelente adaptación que incluso fue llevada al teatro) el libro lo es aún más.

 La mente detrás de toda esta crudeza relatada en cada una de sus historias es el escritor Irvine Welsh —quien cuenta con una breve aparición en el film—, de origen escocés, al igual que sus personajes. 

Trainspotting originalmente fue lanzada en entregas semanales en la revista literaria Rebel Inc. (1991). Posteriormente, en 1993, se recopiló y publicó el libro completo. A pesar de la indignación que generó, las malas críticas y el poco éxito augurado, significó el salto a la fama del autor y que éste se hiciera de un sinnúmero de seguidores. Incluso hoy en día es novela más vendida de Welsh.

Portada del libro de Irvine Welsh
Portada del libro de Irvine Welsh

 El título hace referencia al pasatiempo de ver trenes, y a la vez es un juego de palabras para denominar el inyectarse heroína. El libro tiene un lenguaje poco rebuscado pero está lleno de modismos escoceses, que conforme avanzan los capítulos son explicados, además de que en diversas ocasiones hace alusión al fútbol (al cual Welsh y sus personajes son aficionados), la música del momento y películas o actores. Las historias son  mayormente narradas desde la perspectiva de Renton (personaje principal, que al igual que Spud o Sick Boy  aparecen en otros libros del mismo autor, como Porno, secuela de Trainspotting, y Acid House) que de todos los personajes es el más consciente de su dura realidad.

 El futuro es algo impensable y muy poco o nada va a cambiar estando en Edimburgo, en ese lado de la ciudad que no aparece en los festivales, en la capital de la desocupación, la prostitución y el SIDA. Todo esto no es narrado de forma solemne, sino a través de un humor negro y chusco con historias deliberadamente entrelazadas para atrapar al lector.

Ve la película aquí, y conoce más acerca de Irvine Welsh.

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

Lista de Pre Seleccionados al Oscar de Animación 2014

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, misma que lleva a cabo la premiación de los Academy Awards, ha dado a conocer la primera parte de su selección en la categoría de película animada, para competir por la estatuilla de lo mejor del cine animado del 2014. Dicho evento está pensado para llevarse a cabo en febrero del próximo año, y aunque esta no es la lista definitiva de nominados (la cual será mucho más reducida) ya figuran fuertes candidatos en la lista de 20 películas que están siendo consideradas.

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Esta película de aventuras dirigida por Dean DeBlois, se estrenó oficialmente en Estados Unidos en junio de 2014.

A continuación presento la lista de las 20 pre-candidatas para el Oscar 2014:

  • Las Aventuras de Peabody y Sherman
  • Aviones 2: Equipo de Rescate
  • Los Boxtrolls
  • Cheatin
  • Cómo Entrenar a Tu Dragón 2
  • Giovanni’s Island
  • La Gran Aventura LEGO
  • Grandes Héroes
  • Henry & Me
  • The Hero of Color Ciry
  • Jack and the Cuckoo-Clock Heart
  • Legends of Oz: Dorothy´s Return
  • El Libro de la Vida
  • Minuscule – Valley of the Lost Ants
  • Los Pingüinos de Madagascar
  • Rio 2
  • Rocks in my Pocket
  • Song of the Sea
  • The Tale of the Princess Kaguya
  • Tinker Bell: Hadas y Piratas

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    En el doblaje latinoamericano de esta película estrenada en febrero de 2014, se encuentra la voz de Adrián Uribe como Mr. Peabody.

 

 

 Las apuestas ya han comenzado a generarse y aunque es evidente cuales son los favoritos en este momentopara la mayoría, no debemos olvidar que la Academia ha dado varias sorpresas a la hora de entregar los premios. Resulta extraño no ver presencia de Pixar, y más aún, ver un candidato del Studio Ghibli, considerando que la película de Isao Takahata fue registrada el mismo año que Se Levanta el Viento (Kaze Tachikuni, 2013), sin embargo, es de agradecerse que se tomen en cuenta títulos como ese, así como de otras grandes obras como Minuscule.

 La selección oficial se anunciará el 15 de enero del 2015 y será entonces cuando sabremos qué tan reñida será la competencia este año. Que si me permiten externar mi opinión, yo creo que este será uno de los años más competitivos y bien valdrá la pena enterarse de quien se llevará el premio en esta ocasión.

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Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados.

El encanto detrás de un Pelo Malo

Todo transcurre en Venezuela. Marta es una mujer que debe emplearse —bajo las circunstancias que se presenten, por difíciles que éstas resulten—, para mantener a sus dos hijos: un bebé de apenas unos meses, y un pequeño de nombre Junior. El resto del filme nos adentra en el muy particular universo de él.

 Este peculiar personaje de apenas nueve años se hace acompañar de su vecina en las andanzas aventuradas del vivir diario. Comparten algunos juegos, gustos y secretos en la complicidad de los ratos de ocio. Ambos deben tomarse unas fotografías para el colegio: ella aspira a hacerlo con un peinado, vestido y tacones altos, imitando a las misses que aparecen en la televisión, en los concursos de belleza; él, por su parte, desea solamente alaciarse el cabello y vestirse como un cantante.

 El inocente y empecinado afán en cambiar su apariencia física rebasa sus propios límites, al punto de permanecer largos ratos en el baño de casa, frente al espejo y con peine en mano, probando facilitar el proceso con los más extraños brebajes empleados como tratamientos capilares, todo esto a escondidas de su madre, quien conoce ya este comportamiento de Junior y le provoca un profundo rechazo hacia él.

 Junior conoce a su abuela, la madre de su padre —quien fallece de tiempo atrás, dejando viuda a Marta—, y comienza a crear un vínculo especial con ella; ella, amorosa cómplice que descubre en Junior mucho más de lo que su propia madre podría comprender y aceptar, y quien habrá de convertirse en un escape para su tirana realidad.

 Pelo Malo es el tercer largometraje dirigido por Mariana Rondón —precedido por A la media noche y media, de 1999, y Postales de Leningrado, película de 2007 de corte autobiográfico—, cineasta venezolana que también se ha desempeñado como productora y guionista de éste y otros filmes. De la mano de Marité Ugás y con el apoyo de la casa productora Sudaca Films, logra esta cinta en 2013, que ha circulado ya por distintos países y festivales, convirtiéndose a su paso en objeto de debate y polémica.

 Aunque con un motivo argumentativo aparentemente sencillo, como el aspecto del cabello del personaje principal, lo cierto es que la cinta involucra temas mucho más complejos. Atina a una certera descripción del entorno citadino venezolano, a ratos equiparable con el de la ciudad de México —y pudiera afirmarse que con muchas de las ciudades latinoamericanas—, bombardeado por los medios de comunicación masiva, la violencia —de distintos tipos, a diferentes niveles y escalas— adoptada casi como modo de vida, la difícil situación económica, la política, inclusive algo de religión; esto, enmarcado además con la discriminación, la intolerancia y la falta de empatía hacia la homosexualidad.

 Recientemente Mariana Rondón estuvo en México para presentar su más reciente producción en funciones especiales dentro de espacios como Cineteca Nacional y Cinépolis Diana. Previo a la proyección en la Cineteca se declaró feliz de estar en nuestro país presentando el filme, y honrada de hacerlo en un recinto como ése; posteriormente, ya concluida la película, se abrió un espacio de Q&A entre los asistentes y la realizadora.

 Explicó el porqué de centrarse en el tema de los concursos de belleza, tan enraizado en su patria —”allá las niñas aspiran a ser misses, y los hombres, militares”, explica—, además de bromear con el motivo del «pelo malo» —”en Venezuela, la segunda industria más importante, solamente seguida por la petrolera, es la del alaciado de cabello”—. Habló acerca de las aristas que el público encuentra en la trama de Pelo Malo; que a su paso por diferentes países, las distintas audiencias le han visto y recibido de maneras opuestas, y han enfocado su atención en distintos puntos para debatir en torno a múltiples temas que han ido desde la diversidad sexual, a la política y hasta el racismo.

 Ahondó también en la manera en que trabajó con sus actores —digna de destacar la plausible interpretación de Samantha Castillo como Marta, la enternecedora manera de Samuel Lange para dar vida a Junior y la chispa sin igual que Nelly Ramos entrega a la peculiar abuela—, con quienes el proceso de preproducción para trabajar el desarrollo de sus personajes fue de cerca de tres meses, logrando así un ambiente de familiaridad y confianza entre cada elemento del cast, y que, menciona, nunca habían trabajado en cine antes de esta película.

 

A mí no me interesa robarme la vida de un actor; me interesa
construir, con un actor, un personaje.

Mariana Rondón

 

 Hace algunas semanas formó parte del circuito de proyecciones realizado en el marco de MICGénero en su edición de 2014, ahora, la multipremiada Pelo Malo —parte de la selección oficial de festivales como el Toronto International Film Festival, y el Festival de San Sebastián en sus ediciones de 2013, además de situarse como una de las favoritas para representar a Venezuela en la próxima entrega de los Premios Oscar dentro de la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa— regresa a México por un periodo breve gracias a la distribución de Circo 2.12 en algunos recintos de la ciudad como complejos Cinépolis, Cineteca Nacional y Cine Tonalá.

 Te dejamos con material de Sudaca Films que muestra un poco de lo que sucedió durante del rodaje, y con el tráiler oficial de la película.

 

 

| Para más información, puedes consultar el sitio oficial de Pelo Malo.

Especial Ghibli: El Viaje de Chihiro

El trabajo de Hayao Miyazaki es famoso a nivel internacional, pero definitivamente una de las obras más emblemáticas de toda su filmografía es aquella que consiguió no sólo una nominación a los Academy Awards en el 2002, sino la codiciada estatuilla, superando así a las otras producciones americanas que fueron nominadas en la categoría de animación de ese año. Se trata de una película que no escatima en producción, y sobre todo, en creatividad. Ha sido llamada por algunos como la Alicia en el País de las Maravillas de oriente gracias a su temática y por el mundo fantástico tan fascinante que nos plantea. La película: El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001)

 La historia se centra en una niña llamada Chihiro, quien junto a sus padres se encuentra mudándose de casa. En el trayecto a su nuevo hogar, la familia se pierde y descubre la entrada a un extraño lugar lleno de puestos de comida. Los padres de Chihiro no pueden resistir el hambre y comienzan a comer sin parar, y es entonces cuando los problemas comienzan. Chihiro queda atrapada, sin saber cómo, en un mundo de dioses y fantasmas donde los humanos no son bienvenidos. Por si esto fuera poco, sus padres se convierten en cerdos y pronto descubre que el lugar está dominado por una malvada bruja de nombre Yubaba. Únicamente Haku, un misterioso muchacho, parece tener deseos de ayudarla a volver a su hogar y recuperar a sus padres, dejando a Chihiro en la incógnita de que hacer, y sobre todo, en quien confiar.

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 La película es sin más, espectacular. La historia podría resultar alarmante y confusa la primera vez que se ve la cinta, pero como casi toda la filmografía de Ghibli, es una película que debe verse varias veces. En términos de arte y animación sigue siendo excelsa, teniendo el plus de que ahora es más evidente el manejo de animación 3D en un mundo 2D. El diseño de personajes es extraordinario, resaltando figuras como el dragón Kohaku y el escalofriante Sin Cara. Además, otro punto que merece ser mencionado es la maravillosa banda sonora de Joe Hisaishi. Puedo decir que esta película es una de las que mejor música tiene en el estudio Ghibli. Este aspecto nos lleva desde momentos de gran tensión, hasta emocionarnos y conmovernos.

 Es resaltable también el mensaje de la cinta donde a pesar de que están muy bien definidos los héroes y los villanos, no existe un solo personaje que sea pura bondad o pura maldad. Todos tienen su lado de luz y de oscuridad, son imperfectos y pueden ser tentados, pero a sí mismo, pueden ayudar a otros. Es una película muy completa en cuando a historia y construcción de personajes. El mensaje final es aparentemente simple pero muy profundo y muy importante: Jamás olvidar quiénes somos.

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 En un agasajo visual lleno de simbología y elementos de la cultura japonesa, El Viaje de Chihiro es una de las magnas obras del estudio y su creador. Una película, ahora si me atrevo a definirla de esta manera, obligada de ver. Y si la primera vez no les convence, denle una segunda oportunidad, les aseguro que en esa segunda ocasión encontrarán más encanto a lo que están viendo. Aunque dudo mucho que sea necesario verla más de una vez para gustar de ella, no por nada, es una de las películas más importantes de Miyazaki, y en general, del animé.

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Aún no acaba: Ciclo de Cine al Aire Libre

Si eres de esas personas que buscan saciar su pasión por el cine, definitivamente no te puedes perder las siguientes proyecciones que La Casa del Cine MX trae a través del Ciclo de Cine al Aire Libre.

 La siguiente proyección es “Rio 50 Degrees: Carry on Carioca!” dirigida por Julien Temple. Una película que muestra la otra cara de Rio de Janeiro, retratando el crimen, violencia y pobreza que se vive en el lugar que fue testigo de la Copa del Mundo y lo será próximamente en los Juegos Olímpicos.

Foto tomada de: 12bitcrunch.blogspot.mx/
Foto tomada de: 12bitcrunch.blogspot.mx/

 La cita este  martes 11 de noviembre a las 19:00 horas en el Atrio de San Francisco (Francisco I. Madero 7). En este mismo lugar se proyectará “Purgatorio”, de Rodrigo Reyes, el miércoles 26 de noviembre a las 20:00 horas, la cual reúne historias pequeñas que revelan la realidad que se vive en la frontera México-Estados Unidos a través de imágenes impresionantes.

Las últimas dos proyecciones se llevarán a cabo el miércoles 3 y 10 de diciembre. El día 3 “No quiero dormir sola” de Natalia Beristaín estará en Plaza del Aguilita (Mesones s/n. Esquina con Roldán). Y el día 10 “Pastorela”, película de Emilio Portes, en Plaza San Jerónimo (San Jerónimo. Entre Isabel La Católica y 5 de Febrero), ambas a las 20:00 horas.

Es importante resaltar que ya se llevaron a cabo la proyección de tres filmes en el mes de octubre en el Atrio de San Francisco, en donde se pudieron apreciar “Tijuana Sonidos del Norte”, de Alberto Cortés; “Buena Vista Social Club”, de Win Wenders y “Tercera Llamada”, de Francisco Franco.

*Entrada libre.

La oscuridad invade el Museo del Chopo

El horror tiene un número y es el veintiuno: veintiún artistas que reviven la muerte, locura, maldad, lo paranormal y monstruoso a través de sus obras presentadas en la exposición Horror en el trópico, del Museo Universitario del Chopo.

 La tradición gótica reunida en la galería Helen Escobedo del Museo del Chopo exhibe obras de Daniel Guzmán, Doménico Cappello, Teresa Margolles, Renato Garza y Sofía Echeverri, entre otros, que buscan hacer visible aquello que comúnmente se mantiene reprimido y oculto.

La exposición inaugurada en septiembre estará abierta al público hasta el 5 de enero de 2015.

 El recorrido inicia con La mansión de la locura (1973), filme de Juan López Moctezuma, realizado en su mayoría cuando el Museo estaba abandonado. La película está basada en un cuento de Edgar Allan Poe y retoma la tradición clásica de lo gótico.

 Este viaje a través del horror estará disponible hasta el 5 de enero del 2015, de martes a domingo de 10:00 a 19:00. Martes y miércoles entrada libre. El costo es de $30 general y $15 universitario*.

* 50 % estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

http://www.youtube.com/watch?v=S0N9gyQx7P8

Review: La Leyenda de las Momias de Guanajuato

He de admitirlo, soy fan de las aventuras de Leo San Juan. Amé La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007) y me encantó La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) y por lo mismo, cuando supe que se preparaba una tercera parte de esta saga, en esta ocasión haciendo uso de las míticas momias de Guanajuato, sencillamente no podía ocultar mi emoción. Esta ilusión creció conforme fueron apareciendo los posters, y el tráiler de la cinta, y finalmente este fin de semana tuve la oportunidad de ver la tan esperada película.

 En esta ocasión, Leo San Juan y sus amigos llegan a la ciudad de Guanajuato en el año de 1810 (Así es, cuando la independencia estaba formándose, y de hecho por ahí hay una mención a esos eventos) donde conocen a Valentina, una osada niña que se ha propuesto luchar contra las malvadas momias que aterrorizan el lugar, y que aparentemente han secuestrado a la amiga de Leo, Xochitl. Valentina además trata de limpiar el buen nombre de su padre, un jefe de mineros que desapareció el mismo día que las momias atacaron, y no pasa mucho antes de que decida unir fuerzas con los recién llegados para enfrentar esta amenaza.

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 La trama es buena y atractiva. La animación muestra una mejora considerable a sus predecesoras y el diseño de arte está extraordinariamente bien logrado. Las panorámicas de Guanajuato son muy agradables a la vista y los que han tenido la oportunidad de visitar este lugar, en especial de noche, notarán que capta esa esencia casi mágica que sus calles guardan. No obstante, debo decir que de las tres películas esta resulta ser la menos encantadora.

 La cinta no es mala, es bastante disfrutable pero da la impresión de haber sido hecha mas por el compromiso de terminar la franquicia que por el deseo de hacer una nueva aventura de los personajes creados por Ricardo Arnaiz. El trazo de los personajes se ve muy grueso y en una pantalla de cine solo le da una apariencia más de animación de Adobe Flash, aunque esto no lo tomaría como un defecto, sino como el estilo que quisieron dar.

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 A mi parecer, el mayor problema de la película recae en el guión. La historia, como dije, cumple. Es interesante encontrar con una historia que no sólo refleja la amenaza de las fuerzas del más allá, sino la maldad y el egoísmo humano ante un villano capaz de sacrificar todo y a todos por lograr su meta, sin embargo, el problema es que las famosas momias resultan ser una amenaza casi nula. En varias partes de la película se maneja la broma del ataque zombie, y a decir verdad, eso parece. El concepto de las momias (incluido su proceso natural de momificación por los minerales de la tierra) se pierde y nos deja un concepto muy similar a cualquier capítulo de The Walking Dead (The Walking Dead, 2010).

Una de las cosas que me gustó mucho de la segunda película fue el diseño en serio aterrador de la Llorona, el cual causaba horror aún siendo un dibujo animado; en el caso de las momias, que prometían mucho mas terror (aun considerando que es una película para niños… que aceptémoslo, ya aguantan más cosas en las películas que muchos adultos) simplemente no se logra. Los diseños son aceptables, pero pudieron explotarlos mucho más en ese sentido.

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 Otro detalle son los constantes chistes que considero salen sobrando. Menciones a elementos como el facebook, el Wi Fi, los Likes, celulares y otras cosas, que si bien aportan humor a la cinta, se sienten fuera de lugar en una época donde ni siquiera existía la luz eléctrica. En la nahuala, los chistes eran similares pero más centrados a la época, mas creíbles en ese aspecto y aunque suena mal decirlo, más inteligentes. También elementos que jamás nos terminan de explicar como la aparición de un segundo Alebrije, que si bien es un personaje muy simpático, resulta confuso su presencia cuando en la primera película se hablaba claramente que esta especie habita únicamente en el mundo de los muertos (y de hecho hay tres alebrijes en la película). Tan sólo creo que pudieron y debieron explicar el porqué de estos personajes, mas no creo que estén de más en la trama.

 El trabajo de doblaje es bueno aunque insisto en que no se compara con el trabajo ya antes hecho por Andrés Bustamante, Martha Higareda y Germán Robles, siendo la voz de Rafael Inclán la única que respetaron en las tres cintas. El estilo de Ánima es bueno, pero desde la película anterior se notó un cambio de imagen en los personajes mucho más sencillo y lineal. Un cambio que se entiende fue llevado a cabo para facilitar y acelerar el proceso de producción, pero si vemos las momias y la nahuala, descubriremos que el estilo de la primera película es mucho más limpio, artesanal y agradable a la vista.

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 En conclusión, la película podrá gustar al público muy infantil aunque algunos elementos de humor fueron más cuidados para el público adulto. Hay unos cuantos albures ocultos para los que logren captarlos, aunque esto creo que también fue una debilidad en la cinta, ya que una familia se salió de la sala donde me encontraba cuando escucharon el primero de estos “chascarrillos”. ¿Es una mala película? no, pero si es para un público muy definido, quizá un público ya cautivo por las cintas pasadas. ¿Tiene calidad? sí, aunque no tanta como sus predecesoras. ¿Tiene elementos rescatables? muchos. Por desgracia, ¿es tan maravillosa como la primera o al menos la segunda película? temo que no. Aún así, como siempre los invito a verla y juzgar ustedes mismos, al menos un rato agradable en familia podrán lograr al verla.

Especial Ghibli: La Princesa Mononoke

Volviendo a la silla del director, y presentando una de sus obras más memorables y quizá la que contiene el mensaje más ambientalista, Hayao Miyazaki decidió dedicar su siguiente proyecto a una heroína para algunos similar al personaje de Nausicaä (también creación de Miyazaki) y tomando aspectos de obras como el libro de la selva de Kipling, pero dándole un enfoque más espiritual y hasta bélico.

 La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, 1997) está ambientada en la edad medio de Japón, y nos cuenta la historia del príncipe Ashitaka, un joven que luego de enfrentar a un demonio por salvar a su pueblo queda con una lesión que puede acabar con su vida si no la atiende de forma apropiada. En búsqueda de sanación, el príncipe se aventura lejos de su hogar y llega a una ciudad donde el hierro y la industria domina, este lugar es liderado por una ambiciosa mujer que está dispuesta a hacer cualquier cosa por el progreso, incluso destruir el bosque y a los espíritus que lo habitan. Ashitaka es recibido por los pobladores de esta ciudad y no tarda en darse cuenta de los planes de su líder, mismos que son frustrados por una misteriosa muchacha que vive en el bosque y que, se cree, fue criada por los espíritus lobo.

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 De este modo, Ashitaka se ve involucrado en una guerra entre el mundo natural y espiritual contra la ambición de los humanos y su necesidad de dominarlo todo. La historia para algunos es muy parecida (casi idéntica) a la de Nausicaä, como ya mencioné, sin embargo en esta producción se distingue un avance en la animación y un estilo muy distinto. No es que la anterior película tenga una mala realización, sino que aquí se nota un poco más la mano del director, con una elaboración más pulida y con claros homenajes a las películas de Kurosawa, de quien Miyazaki es un gran admirador.

 Esta película es por demás asombrosa, la ambientación es impresionante así como el diseño de las criaturas, desde los simpáticos Kodamas hasta el imponente espíritu del bosque. Tiene un carácter un tanto más maduro e incluso algunas escenas podrían catalogarse en el género de Gore. Aun así, la película es apta para el público de todas las edades. La música corre a cargo de Joe Hisaishi, otro nombre conocido en la filmografía de Ghibli y nos crea una banda sonora que solo se puede catalogar como espiritualmente genial.

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 Se dice que esta película pudo ser víctima de cierta censura y de una edición ajena a lo que el director había deseado, sin embargo, el estudio se negó rotundamente a aceptar esto, por lo que la cinta no fue tocada en ese sentido. También se comenta que fue un proceso complicado y difícil, con largas y pesadas sesiones de dibujo que provocaron que Miyazaki usara vendajes en su mano en la última etapa de producción.

 Se trata de una de las películas más representativas y famosas de Ghibli, una obra con una calidad impecable que aunque no nos muestra el típico final feliz, nos da un desenlace muy apropiado y una historia digna de contarse, y lo más importante, bien elaborada. Un deleite a la vista y el oído que recomiendo totalmente.

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Especial Ghibli: Susurros del Corazón

Es curioso pensar que una de las obras más grandes y mejor aceptadas por el público del Studio Ghibli sea una hecha por un talento diferente al de sus dos fundadores. Sin embargo, a diferencia de la película Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1994), esta si contó con apoyo del maestro Takahata y del maestro Miyazaki, siendo este segundo uno de los principales colaboradores en el guión. Así mismo, es curioso que una de las películas con una trama más realista y cotidiana, sea tan maravillosa al grado de compararse con aquellas fábulas llenas de magia e ilusión a la que esta compañía nos tiene acostumbrados.

 Quizá el título Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995) pueda parecer poco o nada atractiva para el público masculino. Sí, un título que nos vende literalmente lo que esto es, una historia de amor. La historia se centra en Shizuku, una adolescente adicta a la lectura y que posee un alma artística y muy creativa, su mundo parece consistir en una fantasía y a pesar de ser de una familia humilde, esta actitud le permite llevar una vida feliz, aunque con algunos problemas habituales con su hermana. Su cuento de hadas diario da un giro inesperado cuando descubre en varios libros de la biblioteca el nombre de Seiji Amasawa.

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 Shizuku decide buscar a este también aficionado de la lectura, quien resulta ser un joven músico que sueña con convertirse en un constructor de violines. Es de este modo como estos artistas forman una linda amistad que eventualmente se convierte en su propia historia romántica. La trama es sencilla pero debo decir que magistralmente lograda. Es una historia de amor que está tan bien llevada al grado de que incluso el público masculino la encontrará encantadora.

 En cuestiones de animación y arte sabemos que Ghibli hace trabajos impecables por lo que en este sector ya no nos sorprende, visualmente la cinta es una joya. Y no sólo por mostrar escenarios fantásticos y mágicos, sino por el detalle de otros lugares más cotidianos. Es extraordinario como puede aportar belleza a sitios como un departamento desordenado, una calle común y corriente y una hermosa tienda de antigüedades.

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 La historia tiene un balance perfecto entre el mundo real y el imaginario y nos muestra el proceso creativo de una obra artística. La cinta no solo habla del amor, sino del crecimiento del ser humano. Nos enseña a esforzarnos siempre y no rendirnos cuando al principio no logremos la perfección. A veces creemos que las cosas serán muy buenas desde el inicio y esta película nos muestra que siempre habrá tropiezos y detalles a mejorar, y aún así, nuestro trabajo puede ser muy bueno.

 Un plus a esta película es la genial música, destacando el tema central Country Roads, Take Me Home de John Denver cantada por Olivia Newton-John. Esta canción estilo country acepta el desafío de entrar en una historia que pudiera no admitirla, pero se apodera del espectador desde el inicio. Así mismo, es una película que contiene una de las escenas más memorables del cine animado, y si, es precisamente cuando Shizuku interpreta esta canción mientras Seiji la acompaña tocando el violín.

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 La película fue dirigida por el genial Yoshifumi Kondo, uno de los mejores pupilos de Miyazaki y que ante esta producción demostrara no solo un gran talento, sino una enorme promesa al mundo del anime. Lamentablemente, Kondo falleció luego de terminar esta cinta, evento que devastó a su maestro y que nos privó de toda la magia animada que pudo habernos dado.

 Es por eso que Susurros del Corazón es literalmente una obra maestra, el enorme aporte de su director al mundo y una pieza única cuyo molde fue destruido luego de su creación. Una de las obras magnas de Ghibli, la cinta por que jamás olvidaremos el nombre de Yoshifumi Kondo y una película que los amantes del cine no deben perderse. Una obra simple, con una historia sencilla, pero con un esplendor que ya quisieran muchas grandes producciones.

 

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

A diez años de la capicúa de Fernando Eimbcke

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Son apenas las once de la mañana cuando su madre lo deja solo en el departamento con unas cuantas advertencias, especificaciones y encargos como despedida. Flama se queda con Juan Pablo (“Moko”) para concretar el ritual semanal de videojuegos, Coca-Cola y toda la comida chatarra que asalten de la cocina. Es domingo.

 En el departamento 803 del edificio Niños Héroes de la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco se conjuntan en placentera armonía el ocio de los dos amigos y la dicha de satisfacerlo, sin padres cerca y con la única preocupación de elegir de qué sabor será la pizza que están por encargar.

 Suena el timbre y aparece un tercer personaje a cuadro, Rita, una vecina que pide a Flama utilizar el horno de su cocina para preparar un pastel; la posterior llamada a la cadena TelePizza y la escabrosa llegada de su repartidor trae consigo a Ulises, el sujeto que completaría este cuarteto de ordinarias pero al mismo tiempo peculiares figuras.

 Dos “niños” que se niegan como tales, con inquietudes un tanto disfrazadas de indiferencia, en busca de la personalidad propia y con curiosidades expresas. Una linda aunque acomplejada adolescente necesitada de atención y compañía. Un hombre que ha pasado por una gran cantidad de empleos sin sentirse satisfecho de sí mismo y viviendo al día bajo el eco absurdo del slogan de la empresa para la que presta sus servicios.

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 En Temporada de Patos se observa el desarrollo de la relación entre estos sujetos que, por alguna u otra razón, por accidente o casualidad, se ven obligados a convivir durante toda una tarde. Con algunos imprevistos ajenos a ellos mismos, esos lazos personales que comienzan a formarse parecen ser acelerados por las circunstancias que confluyen dentro del departamento que les cobija, como si éste les empujara de poco al desnudo emocional, al desahogo y a buscar en la otredad la comprensión que necesitan.

 Lo que podría parecer una línea argumentativa vaga y un tanto banal, deriva en un plano totalmente íntimo, en un retrato profundo de cada uno de los personajes que nos hace entender sus porqués. Moko, Flama, Rita y Ulises hacen de esa tarde singular e irrepetible, un afectuoso círculo de confianza, un descanso a sus vidas para coexistir en ese entorno vuelto una especie de caja de secretos que habrán de dejar unas cuantas horas después para nunca volver y, en cambio, enfrentarse al hastío y el desasosiego que les espera al cruzar la puerta hacia el corredor.

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 Además de lograr un genuino y melancólico retrato en blanco y negro de la ciudad de México en que se rescatan locaciones como la Torre Insignia, los edificios de Tlatelolco en planos abiertos, y la belleza de la poesía visual que implica la estaticidad de un objeto cualquiera, en la cinta se incluyen también detalles que aluden de lleno a la manera habitual en que nos relacionamos, muy propias de nuestra cultura y convivencia coloquial, como poseer moneditas de la suerte en las que se depositan las más grandes esperanzas, el deslindarse de alguna acción con el simple hecho de ser el primero en decir la palabra safo, o aquel juego de intentar adivinar el color del caramelo al momento de morderlo.

"Somos cuatro, como los Beatles", dice Rita en esta escena de la cinta con encuadre en contrapicada, haciendo referencia a la famosa fotografía del cuarteto inglés.
“Somos cuatro, como los Beatles”, dice Rita en esta escena de la cinta con encuadre en contrapicada, haciendo referencia a la famosa fotografía del cuarteto inglés.

 

 Fernando Eimbcke aborda temas como la identidad sexual, los problemas en casa, la relación con los padres y la insatisfacción de la vida que se lleva —entre algunos otros—, en esta entrega de 2004 y ópera prima del mexicano. Escrita y dirigida por el propio realizador, Temporada de Patos celebró el pasado 22 de octubre los primeros diez años de su lanzamiento.

 Las condiciones de esta fiesta de aniversario resultaron un tanto románticas. Diez años atrás, la película se estrenó en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en una sala abarrotada de espectadores y hoy, en 2014, es ese mismo evento el que le rinde los debidos homenajes. Desde el mes de mayo se especulaba acerca de lo que se haría con respecto a la cinta a razón de su aniversario —que incluía, por ejemplo, la remasterización del filme—; se hablaba de la inserción de éste como parte del programa de actividades de algún Festival de cine de México y, finalmente, es durante la doceava edición del FICM, inaugurada el 17 de octubre y por clausurarse el día 26, que se han llevado a cabo proyecciones especiales —con salas llenas, nuevamente— para engrandecer la celebración.

 Estos “jóvenes entusiastas con deseos de superarse” embonan como un muy atinado testimonio atemporal de la juventud que, como los patos, buscan emigrar a lugares mejores, aguas nuevas y climas más cálidos. Es digna de rescatarse una cita de la película, un pequeño fragmento en el que Ulises instruye a sus compañeros en la dinámica del vuelo de los patos —en V, explica, para unir fuerzas con el vuelo compartido y sacar adelante a la bandada de aves— al mismo tiempo que los cuatro observan el cuadro colgado en la sala de la casa de Flama, firmado de 1991, acaso como el leitmotiv de este discurso cinematográfico y a manera de metáfora del recién creado vínculo entre ellos.

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 Luego de su estreno, la cinta fue reconocida con múltiples galardones en los Premios Ariel, en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara e incluso en los Premios MTV de México en categorías como Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Ópera Prima, Mejor Fotografía (por Alexis Zabé) y Mejor Música compuesta para Cine (trabajada en alianza entre Alejandro Rosso —Plastilina Mosh— y el trío musical Liquits). Luego de esta primera gran entrega, el trabajo de Eimbcke continuaría con filmes como Lake Tahoe de 2008 y Club Sándwich en 2013, además de sumar en su obra ejemplares de cortometrajes y videos musicales para proyectos como los propios Plastilina Mosh, Jumbo y Molotov.

 Temporada de Patos es una obra amena y ligera, aunque no por eso vacía, que atrapa poco a poco al espectador en la trama que se entreteje de cuatro extremos para converger en estado de común entendimiento, trama dentro de la que inevitablemente termina por identificarse de alguna u otra manera; ese domingo de inicialmente imperceptible, pero creciente autoreconocimiento que lleva de las risas a melancolía.

Los actores Enrique Arreola (Ulises), Daniel Miranda (Flama), Danny Perea (Rita) y Diego Cataño (Moko), volvieron recientemente a Tlatelolco para recordar aquel cuarteto de 2004

A continuación, el tema principal de la película a cargo de Natalia Lafourcade, entonces acompañada de La Forquetina.

 

Jorge Gutiérrez, el nuevo rostro del México animado.

El nombre de Jorge R. Gutiérrez ya es mundialmente conocido luego del estreno de su primer largometraje, El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014). No obstante, este gran artista mexicano pasó algún tiempo en el anonimato aún a pesar de ser el creador de diversos conceptos de gran calidad para la televisión, el cine y el internet. En esta ocasión hablaré brevemente de sus obras más renombradas.

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 El estilo de Gutiérrez es inconfundible, desde el estilo de sus personajes hasta la paleta de colores (en su mayoría cálidos y brillantes) que usa en sus producciones. Pero eso sí, la marca de la cultura mexicana es sin duda el rasgo más fascinante y destacable en el trabajo de este animador en su compañía Mexopolis. Usualmente hace referencia al día de muertos, luchadores enmascarados y corridas de toros. Esta característica la vimos por primera vez en su cortometraje Carmelo (Carmelo, 2000), un trabajo modesto pero muy bien elaborado que nos narra la trágica historia de un niño que sueña con ser torero.

 Este cortometraje está hecho en animación 3D y en cierta forma representa los orígenes del libro de la vida, ya que al igual que este trabajo, los personajes parecen muñecos de madera. Además, la ambientación es muy similar, me atrevería a decir que fue uno de los primeros intentos de hacer la película que hoy en día podemos disfrutar en los cines. La historia de este corto es muy triste, pero a la vez hermosa, ya que encontramos a un pequeño que en su afán de ser como su padre, intenta seguir sus pasos aún a pesar del peligro que corre. Algunos lo verán como una advertencia de lo que no se debe hacer, sin embargo, yo lo veo como una metáfora de seguir nuestros sueños de forma cuidadosa y paciente. Es importante no renunciar a nuestros objetivos, mantenerlos siempre que se pueda, pero considerar que las cosas siempre tienen sus tiempos y sus formas por lo que no debemos querer correr antes de caminar.

 Tenemos también el concepto del Súper Macho, un personaje que Gutiérrez hizo para internet y que marca más a detalle los estándares de su labor. Aquí sale a relucir el gusto de este artista por la lucha libre mexicana, misma que también reflejó cuando trabajaba en la serie ¡Mucha Lucha! (¡Mucha Lucha!, 2004), que no fue de su creación, pero es evidente la influencia que tuvo en ella. Recordemos que además ha trabajado en otras series como Mad (Mad, 2010), donde aunque no se reconocen personajes mexicanos, también su estilo es incomparable con parodias de personajes de Street Fighter y Mario Bros, además de una siniestra pero a la vez encantadora representación de la muerte.

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 Por último pero definitivamente no menos importante, tenemos la serie animada que fuera producida por Nickelodeon, dirigida por Dave Thomas y que sirviera como carta de presentación para su reciente película; El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre: The Adventures of Manny Rivera, 2007). Esta serie disfrutó de gran éxito en Estados Unidos y en México, consiguiendo muy buena aceptación que además la hizo acreedora de promociones como los famosos Tazos de la marca Sabritas.

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 En esta serie, Gutiérrez refleja parte de su infancia representándose en Manny Rivera, un niño con poderes especiales y heredero de una larga dinastía de súper héroes y villanos. Este muchacho es en realidad El Tigre, un personaje que vive bajo la sombra de su padre, el súper héroe White Pantera, y su abuelo, el villano Puma Loco. El Tigre sufre ante la incógnita de no saber qué lado elegir, el bien o el mal. En sus aventuras es acompañado por su mejor amiga, Frida Suárez, una adorable niña con espíritu rebelde. Además, enfrenta a grandes villanos como la malvada Sartana de los Muertos (una versión aterradora de la Catrina).

 Esta serie no sólo planteó un concepto distinto al género de los súper héroes, sino que su estilo visual fue sencillamente impactante para el público de Nickelodeon. Desagraciadamente no se trata de la serie con más seguidores y hasta la fecha no se ha podido desarrollar una nueva temporada de la misma, pero un gran sector de seguidores sigue esperando que algún día eso sea posible.


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 El personaje de Manny Rivera es verdaderamente humano, un chico con buen corazón que desea ayudar a otros, pero que puede sucumbir ante las tentaciones que todo niño tiene. Resulta muy agradable y cómico ver versiones mexicanizadas de los héroes y villanos, que van desde mostachos golpeadores, sombreros robóticos, guitarras mágicas entre otros. Inclusive hay referencias a figuras legendarias como El Santo, los Caballeros Águila y por supuesto, los luchadores enmascarados. Además en el lado de los villanos tenemos referencias a figuras como el fallecido Malverde y el famosísimo guitarrista Carlos Santana.

 Desafortunadamente un sector del público ha tachado esta serie como “racista” y que se burla del mexicano por la imagen estereotipada que le da (sombreros, jorongos y que viajan en burro). Este pensamiento ha alejado a algunas personas, más bien les ha impedido darle una verdadera oportunidad y descubrir lo grandiosa que es la serie. Personalmente yo veo esta representación del mexicano mas como un homenaje que como una burla. Seamos honestos, es la imagen cultural que le damos al mundo así como los orientales dan una imagen de ojos rasgados, los africanos de piel morena, los escoceses usando faldas, etc. Pueden ser estereotipos, pero no es algo que deba tomarse como ofensivo, es casi como decir que nos enojamos porque nos comparan con los aztecas.

 El Tigre es una muy buena serie que además tiene mensajes ocultos; la escuela a la que asisten los personajes es la catedral metropolitana del zócalo, los personajes principales son una clara alusión a Diego Rivera y Frida Kahlo. La ciudad misma donde se desarrolla la historia se llama Miracle City (Ciudad Milagro) y al lado de ella un enorme volcán humea todo el tiempo… exacto, estamos hablando de la Ciudad de México (mismas iniciales) y el volcán Popocatepetl. Ciertamente los gustos son muy variados y no puedo prometer que todo mundo amará la serie, pero si tan sólo pudieran darle una oportunidad y ver un par de capítulos, seguro encontrarán muchas cosas positivas y divertidas.

 Y es así como un gran artista se va abriendo un muy merecido camino en los corazones y en la historia de la animación. Un hombre que junto a su esposa, Sandra Equihua (quien ha sido un gran apoyo en sus proyectos) lleva la imagen y el nombre de México a otro nivel y que estoy seguro que vale la pena no perder de vista ya que estamos ante uno de los más grandes genios de nuestra época.

Nai Ninshiki: See you in the space… cowboy

Cowboy Bebop

Quizás para nosotros, los nacidos en los ochenta y los hijos de la llamada X Generation, los animes sean nuestra marca más honda y prominente; jóvenes acogidos por la insipiente llegada de trazos de oriente que llenaban el hueco de la época con personajes míticos e inolvidables, estampando un encuentro afortunado de dos culturas.

 Cómo olvidar a los cinco guerreros de broce cruzando las doce casas del Zodiaco, con el séptimo sentido y batallas interminables; los increíbles goles y las canchas infinitas de los campeonatos estudiantiles del Japón; las princesas de la Luna, en busca del verdadero amor; las siete esferas perdidas que cumplirían cualquier deseo que pidas.

 La reciente lluvia y melancolía de estos días me hizo recordar una de estas historias que sobresale tanto por su ficción de escenarios y personajes, como por sus soundtracks exquisitos: Cowboy Bebop, del director Shinichiro Watanabe.

 En la serie emitida en el año 1998 en Japón, el Universo es el escenario de una historia simple, sorprendente, conmovedora y adictiva. Especie de western espacial, con guiños profundos que recuerdan al cine negro estadounidense, se desarrolla dentro de contextos cósmicos, comenzando en Tijuana (asteroide refugio de bandidos), donde Spike Spiegel, un caza recompensas elegante, diestro, independiente, huye de un pasado nebuloso mientras atrapa a unos cuantos truhanes por una muy buena suma de dinero estelar… siempre al ritmo de un buen jazz.

cowboy-bebop_00427906 La tripulación original de la nave Bebop se conforma por su propietario, Jet Black, compañero y amigo de Spike, con quien recorre la galaxia entera, cazando, estafando, apostando; al paso de los episodios, el grupo crece incorporando a la sexy Faye Valentine, una embustera profesional, buscada por sus fechorías; Ed, una hacker sin comparación y Ein, un perro “común” (más inteligente que cualquier humano), mascota de la nave, simplemente entrañable.

 La linealidad de la historia es finamente desviada para describir el pasado de cada uno de los protagonistas: recuerdos que no se olvidan, destinos inaplazables, reencuentros misteriosos, amores imposibles; siempre al contoneo de un acido y trepidante jazz.

cowboy-bebop-ost-1 Especialmente, Cowboy Bebop es una muestra magistral de lo que puede hacerse con un soundtrack. Son ocho los volúmenes, dirigidos por Yöko Kanno e interpretada por la banda The Seatbelts, que derriten el oído de un modo imparable, yendo de un acid jazz y jazz bebop, guiñando con ambient, blues, pop, clásica, para estallar en un poderoso heavy metal que hará de tu oreja un hermoso lío.

 Shinichiro Watanabe también ha dirigido Samurai Champloo, otra serie reconocida por su banda sonora y fina historia. Puedes darle un vistazo a los cortos de Kid´s Story y A detective story de The Animatrix, que es ya todo un clásico en el anime contemporáneo.

 En el 2013, el creador de esta serie afirmó en entrevista para la Red Carpet News TV, durante la MCM London ComicCon de ese año, que el final de la serie es engañoso y abrió puertas para una posible continuación de este fantástico anime.

 En suma, la mezcla de factores es lo que hace de Cowboy Bebop el recuerdo de un futuro posible, cuando bebamos cervezas estelares en las bahías de las Lunas de Plutón, durante alguna pelea estelar bajo la lluvia. Quizás reconozcas de lo que hablo, si no, no pierdas tiempo, busca y disfruta de esta maravilla animada con sus gloriosas melodías, por lo pronto… see you in the space, cowboy.

https://www.youtube.com/watch?v=Aw3fN3OPk3A

Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

Especial Ghibli: La Guerra de los Mapaches

Si bien tanto Isao Takahata como Hayao Miyazaki han sido colegas desde hace varios años, así como ambos maestros de la creación de historias y de la animación, es cierto que cada uno tiene un estilo único y especial. Takahata es, sobre todo, un artista con una visión un tanto más centrada e incluso realista, misma que plasma en sus películas. Podría decirse que la filmografía de este hombre es en algunos aspectos la más madura del Studio Ghibli, aún así, su tercera película dentro del estudio verdaderamente dejó volar su imaginación y nos llevó a un mundo donde la fantasía y el surrealismo están al tope, pero eso sí, reflejado en un problema global muy real.

 La Guerra de los Mapaches (Pompoko, 1994) es una película muy peculiar, quizá pudiese resultar difícil de entender y disfrutar para ciertos sectores del público, algo confusa debido a la gran cantidad de elementos y estilos que maneja, pero esa misma extrañeza es la que la vuelve una obra maestra. La historia se centra en la tragedia de un grupo de mapaches (O Tanuki) que luchan contra el inmenso problema que el ser humano ha llevado a sus vidas: la expansión del hombre ha ido destruyendo los bosques y espacios naturales, y por consiguiente, elimina el hogar de estos animales. Afortunadamente, ellos no están del todo indefensos, ya que poseen la mágica habilidad de transformarse en todo tipo de objetos y animales (incluso humanos), misma habilidad de la cual hacen uso para combatir esta amenaza a su hábitat.

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 La historia tiene un evidente y muy importante mensaje de concientización que nos demuestra que el progreso es bueno e importante, pero que aunque nuestras intenciones sean positivas es vital darnos cuenta que a veces ese avance nuestro representa un gran daño para nuestro planeta y las criaturas que en el habitan. En ocasiones la película pudiera parecer un fábula infantil, sin embargo la cinta está llena de momentos dramáticos, trágicos, desgarradores y por supuesto, maduros. En la historia vemos la melancolía de la muerte, el horror y el daño que el odio desenfrenado produce. También temas como el crecimiento, la adolescencia e incluso la vida sexual son tratados en esta película.

 Es curioso el hecho de que los tanukis sufren múltiples cambios en su apariencia durante la película; en ocasiones tienen un diseño totalmente realista y como animales que son, pero luego se vuelven antropomorfos y finalmente adoptan apariencias totalmente caricaturescas. Estos cambios son justificados por la habilidad de transformación de los personajes, así como una manera de enfatizar sus estados de ánimo.

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 Visualmente la historia también es una maravilla y la música es simplemente hermosa. La dirección de Takahata la hacen un éxtasis a los sentidos cuando se está viendo, sin embargo, la película seguramente encontrará un sector del público que la amará y otro que podría no gustar de ella. La narrativa a veces se torna algo confusa, sobre todo por momentos en que se mantienen largas conversaciones filosóficas entre personajes que pudieran desorientar e incluso cansar al espectador.

 Así pues, no puedo evitar señalar el principal detalle en la cinta que seguramente nadie pasará por alto y que probablemente incomodará a algunas personas al grado de dejar de ver la película (aunque puede tornarse en un toque muy cómico para otros). Ignoro el motivo por que el director decidió manejar esto, simplemente puedo aventurarme a especular sobre alguna metáfora de los puntos especiales del cuerpo donde guardamos energía (díganse chacras). El punto al cual me refiero es la constante presentación y referencia a los órganos sexuales masculinos presentes en todo momento en los personajes de este género. Y no me refiero sólo a que siempre están visibles, sino que literalmente en varias escenas los testículos son presentados como un punto de poder en los tanukis, inclusive una parte del cuerpo que puede ser usada como arma.

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 A pesar de este punto tan peculiar, considero que la cinta es apta para toda la familia, requiriendo eso sí algunas explicaciones a los espectadores más pequeños. Al final, el sabor de boca es totalmente agradable, terminamos por sentirnos identificados con los tanukis e incluso quererlos. Como punto adicional, y para los seguidores del estudio, existe un pequeño cameo al personaje de Kiki, la brujita (creada por Miyazaki) durante la cinta. Se trata de una película de apariencia infantil pero que resulta una experiencia muy madura, una excelente cinta de animación que les recomiendo ampliamente.

A veinte años de los Tiempos Violentos

“Me sé de memoria un pasaje que va bastante bien para esta ocasión:

La senda del justo está bloqueada por todos lados por las inequidades del egoísta y la tiranía del malvado. Bendito aquél que por caridad y buena voluntad es pastor del débil en las sombras, pues él guarda a su hermano y encuentra a niños perdidos. Y yo destruiré con gran venganza y con furiosa ira a aquellos que intenten envenenar y destruir a mis hermanos. Y sabrán que mi nombre es El Señor cuando desate mi venganza sobre ustedes”.

 Las fuentes varían en la fecha exacta de su estreno, puesto que antes de su aparición comercial circuló por distintos festivales —el debut fue, de hecho, en mayo de 1994 en el Festival de Cannes— pero de acuerdo al día de su estreno en la cartelera estadounidense es hoy, 14 de octubre, que se cumplen veinte años de una de las cintas más emblemáticas de la década de los ‘90.

 Como la quinta entrega de su filmografía, Quentin Tarantino realiza Pulp Fiction en 1993, que es la recopilación de tres guiones que el estadounidense habría escrito de joven para desarrollarlos como tres distintos largometrajes. Tiempos Violentos, como fue traducida para su distribución en Latinoamérica, fue recibida con grandes expectativas luego del éxito obtenido con Reservoir Dogs (1992), cinta de la que también fuera director, además de guionista y actor. Por cierto, existía una cuarta historia que planeaba incluirse como parte del mismo filme, una que trataba de los atropellos de un robo frustrado de joyas. Esta pieza se trabajo de manera independiente a los otros tres relatos y fue la que fungió de soporte a la realización de Perros de Reserva, precisamente.

 Es aventurado hablar de un filme de este calibre, además de imposible señalar algo que no se haya dicho ya —para bien y para mal— acerca de esta pieza ícono de Tarantino. Homenajeando al cine de clase B y de bajo presupuesto, es una cinta que hace distintas referencias a la cultura pop, que incluye entre sus diálogos y escenas algunos guiños a la misma cinematografía y que, luego de envejecer de la mejor manera y a veinte años de distancia, también ha sido merecedora de algunos otros.

Sandy Olsson y Danny Zuko, en Grease (1978). Debajo, el mismo Travolta como Vincent Vega acompañado de Mia Wallace.

 

Comparación de fotogramas que sugieren una suerte de homenaje a Pulp Fiction de parte de la aclamada serie televisiva Breaking Bad

  Vincent Vega y Jules Winnfield, únicos. Ezequiel 25:17 recitado al pie de la letra como mantra. Cuadros y líneas memorables que han permeado a través de los años como quotes inconfundibles. “Does he look like a bitch?”, una Royale de queso —como les llaman en Ámsterdam, por aquello del sistema métrico—, papas de McDonald’s con mayonesa, y el baile de Mia Wallace en Jack Rabbits Slim’s en loop infinito…

 Nombrada así con base en el término real del vocablo pulp, con algunas de las características fundamentales del cine noir de los años ’40 como particularidades de su realización, aunque clasificada como neo-noir por su cinismo y el abordaje de entornos actuales, Pulp Fiction es varias historias unidas en una misma línea temporal, humor negro e ironía vertidas en la violencia que se extrapola en el relato visual.

“Revista o libro de contenido escabroso que suele imprimirse en papel mal acabado”, indica la descripción.

 El elenco final sufrió algunos cambios respecto al que se planeaba originalmente. El papel de Mia Wallace había sido pensado para Isabella Rossellini, la estrella del cine ochentero Molly Ringwald, Halle Berry, Meg Ryan y Michelle Pfeiffer —esta última, la favorita de Tarantino—; fue ofrecido a Thurman, quien lo rechazó, para tiempo después reconsiderar dicha negativa y finalmente  convertirse en LA Mia Wallace definitiva.

 Vincent Vega fue un personaje que tuvo que ser reescrito y para el que se consideraron nombres como Daniel Day-Lewis, Mel Gibson y Liam Neeson, luego del interés manifiesto por parte de los propios actores, aunque es el director quien se inclina por John Travolta.

 Jules Winnfield es interpretado por Samuel L. Jackson luego de que el actor se ganara de lleno el reconocimiento de Tarantino durante el casting de Reservoir Dogs. Por su parte, para Butch se buscaba el perfil de figuras como Mickey Rourke o Sylvester Stallone, pero es Bruce Willis quien interpretará al personaje adaptándose, además, al bajo presupuesto de este filme y aceptando recibir un sueldo bajo por su participación en él.

 Finalmente, con un cast de primera que incluye figuras como las citadas anteriormente —algunos de estos nombres, constantes partícipes de su filmografía— Tarantino logra consolidar un crew sólido para personificar a cada uno de los individuos que conforman la que ahora se encumbra en las primeras posiciones de numerosos conteos que enlistan las mejores películas de los ’90.

 

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 Pulp Fiction fue galardonada en la misma ceremonia de su estreno, en el Festival de Cannes, con la Palma de Oro. Acreedora a siete nominaciones para los Premios Oscar de ese año incluyendo las categorías más importantes como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor por John Travolta, Mejor Actor de Reparto por Samuel L. Jackson y Mejor Actriz de Reparto por Uma Thurman; y ganadora del Oscar a Mejor guión original. Reconocida también en las nominaciones a los Globos de Oro y Premios BAFTA de 1994.

 Luego de ella, vendrían entregas como Jackie Brown en 1997, Kill Bill en sus dos volúmenes (2003 y 2004, respectivamente), Inglorious Basterds en 2009 y la más reciente Django Unchained de 2012, todas de la autoría de Quentin Tarantino, piezas con diversos reconocimientos del gremio y que refrendan el perfectamente definido estilo de este cineasta, adorador de la violencia y la sangre, aunque sin lograr igualar el impacto de este filme.

 Rechazo hacia su trabajo por gran parte del público cinéfilo y admiración por parte de otro tanto, lo cierto es que el legado de esta cinta es innegable: se convirtió en una película de culto, un clásico contemporáneo y un infaltable en la memoria cinematográfico de las masas.

 Siempre un deleite revisitar ejemplares como el ahora homenajeado por sus primeros veinte años de vida. Rindamos los honores correspondientes subiendo el volumen a esta pieza musical, un shot de adrenalina a los oídos. Larga vida a los Tiempos Violentos.

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The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
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 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Especial Ghibli: Puedo Escuchar el Mar

Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.

 Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.

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 Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.

 Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.

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 También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.

Especial Ghibli: Porco Rosso

Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.

 Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen.  Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.

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 Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.

 La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.

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 La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

Se Prepara Cinta Animada de Angry Birds

Resulta difícil pensar en alguien que actualmente desconozca el concepto de Angry Birds, uno de los juegos más populares de la época. Si bien sería exagerado decir que todos lo han jugado, existe una gran cantidad de artículos y productos que han tomado la imagen del juego, desde juguetes hasta versiones que parodian a otras películas famosas, la verdad es que el videojuego en cuestión es una opción bastante entretenida e incluso adictiva, que pudiera parecer simple, pero es precisamente esa sencillez lo que la ha hecho tan fácil de entender y de disfrutar. Algunos incluso llegan a olvidar que el juego resalta la aplicación de diversos elementos de la física, y creen que todo consiste en aventar a un montón de aves extrañas para destruir a los curiosos cerdos verdes.

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 Así mismo, la idea de que este juego fuera más allá del universo que lo vio nacer era tan inverosímil e incluso absurda que incluso existe una parodia en internet que jugaba de forma farsica sobre la bizarra idea de llevar a los “pájaros enojados” a la pantalla grande, misma que comparto a continuación:

 Sí, la idea era risible y aún lo sigue siendo. Cualquiera juraría que llevar a cabo una película de Angry Birds era prácticamente imposible, sin embargo, Sony Pictures no lo creyó así (de hecho existe una cinta animada no muy conocida, pero esta vez ya hablamos de un proyecto con mas producción y que sí podremos disfrutar en cine). Si bien el concepto de thriller bélico que manejaba el falso tráiler que he mencionado, la idea de realizar una película con un toque más familiar y usando la técnica de animación nos hace pensar que quizá ese concepto ser posible. Y más que posible, ya que la película de hecho está siendo realizada.

 Recientemente se mostró la primera imagen promocional de la película que tiene contemplado su estreno para el 1 de Julio del 2016. Como podemos ver, el diseño y estilo son prometedores y aunque aúno sabemos qué esperar de la historia que nos contarán, podemos estar tranquilos de que el manejo artístico y técnico serán cumplidores. Por si esto fuera poco, se ha confirmado la actuación de voces de grandes actores como Josh Gad, Danny McBride, Bill Hader e incluso el pequeño gigante, Peter Dinklage.

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Por lo pronto, y aunado a que la cinta será dirigida por Fergal Reilly y Clay Kaytis, no hay más datos relevantes. Tendremos que esperar casi dos años para descubrir si estamos ante un proyecto de gran alcance digno de la franquicia Angry Birds, o de una cinta animada mas del montón.  

Especial Ghibli: Recuerdos del Ayer

Después de su gran éxito y de crear una de las cintas más tristes y fuertes en la historia del animé, el maestro Isao Takahata optó por llevar a cabo un proyecto mucho más amigable y sencillo en cuanto al tema se refiere, no obstante, con una narrativa un tanto más compleja. En esta ocasión, la película elaborada por Studio Ghibli se orientó más a la nostalgia y las vivencias pasadas con la maravillosa cinta Recuerdos del Ayer (Omohide Poro Poro, 1991).

 La historia como tal es sencilla, Taeko es una exitosa mujer que está entrando a la edad de ser una “solterona” y decide pasar sus vacaciones visitando a unos amigos en el campo. En dicho viaje, ella recuerda diversos acontecimientos en su vida cuando iba en cuarto grado. A lo largo de la cinta tenemos una doble narrativa que nos muestra el viaje de Taeko adulta en el campo, aprendiendo de la vida y el trabajo en este difícil pero fascinante medio. Por otro lado, tenemos una serie de flashbacks donde vemos a la pequeña Taeko aprendiendo de la vida durante la escuela, en ese lapso encontramos etapas muy humanas como el primer amor, la aversión a cierto tipo de alimentos, la complicada vida de la hija menor en una tradicional y estricta familia japonesa, los infantiles sueños de estrellato e incluso, la atemorizante revelación de la menstruación para las niñas.

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 Aunque ciertamente la sinopsis pudiera no ser demasiado atractiva, he de decir que esta es una de las cintas más sólidas (en mi humilde opinión) del estudio. Es apta para verse por público de todas las edades, sin embargo son los adultos los que la disfrutarán más. Es imposible ver la película y no terminar con un agradable sentir nostálgico al mirar al pasado y recordar esos momentos tan mágicos y que a veces quisiéramos que volvieran. También la película nos da una lección de la forma en que nuestro pasado puede repercutir en nuestro presente y nuestro futuro.

 Quizá el único punto que no es del todo disfrutable de la película es el diseño de los personajes, los cuales cumplen con creces, pero que tras un intento de Takahata por darles mayor realismo dibujándoles algunas líneas en las mejillas, más bien les da un toque de más viejos. Visualmente no es la película más atractiva en ese sentido, sin embargo el diseño de arte es excelso, destacando los fondos campiranos que no dejan de emocionarnos al vernos.

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 No es una película para verse cuando se busca entretenimiento puro, acción, emociones fuertes y demás. Es una cinta que indaga en nuestro interior y con la cual es muy fácil sentirse identificado, una obra maestra total y absoluta que de hecho cuenta con una de las secuencias finales más hermosas que se pueden recordar en el animé. La cinta es una aventura al pasado, pero también al presente. No llega al punto de sacarnos unas cuantas lágrimas, pero el sentimiento de nostalgia es tan intenso y puro como cuando volvemos a ver a un buen amigo luego de años de ausencia. A mi parecer, una de las mejores cintas de Ghibli y una película ampliamente recomendable, no se la pueden perder.

Presentan Avances de la Nueva Película de Popeye en Marino

Luego de varios años de haberse estrenado en la televisión y ser uno de los pioneros de las series animadas, con un historial que incluyó hasta una cinta en Live Action con el fallecido Robin Williams, el marino más famoso volverá a la gran pantalla con su propia película animada en 3D. La cinta estará a cargo  de Sony Pictures Animation y será dirigida nada menos que por Genndy Tartakovsky, director de la película Hotel Transylvania (Hotel Transylvania, 2012) y creador de series como El Laboratorio de Dexter (Dexter´s Laborator, 1996) y Samurai Jack (Samurai Jack, 2001).

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 Recientemente, la empresa dio a conocer un fragmento de video que muestra el tipo de animación, acción y humor con la que contará la cinta de Popeye. Como se puede apreciar, y aunque no vemos en ningún momento las famosas espinacas, se nota que la animación CGI no afectará el tono “clásico” de dicha caricatura. Los movimientos y estilo se han mantenido y eso demuestra las declaraciones que Tartakovsky dio hace tiempo en el cual se decía admirador de este personaje y que uno de sus grandes sueños era hacer una película de este mismo.

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 Cabe mencionar también que el director reveló que una de sus motivaciones para realizar esta película fue el éxito que tuvo el humor “físico” de su película anterior, el cual divirtió al público de todas las edades y que los conocedores del personaje Popeye sabrán que es un humor muy adecuado para una nueva aventura. Aún no se ha dado una fecha de estreno ni muchos datos respecto al proyecto, pero esta pequeña muestra nos deja un buen sabor de boca. ¿Qué piensan ustedes?

México en el Reino Unido: Raindance Film Festival 2014

 Han apenas concluido los primeros días de actividad de la vigésima segunda edición del Raindance Film Festival de Londres, en cuyo programa se reúnen casi doscientas producciones de las que, algunas, figuran en competencia de categorías como Documental y Drama para largometrajes estadounidenses y mundiales, Cortometraje narrativo internacional, Cortometraje documental y Cortometraje animado. Otras cintas y documentales del film list harán aparición en los eventos del Festival sólo para una presentación formal, a manera de premieres oficiales a la crítica y al público. Habrá también apartados como Sundance Kids —enfocado a los niños, como su nombre lo dice— y From the Collection —cintas selectas—, entre otros.

Dentro de la lista de filmes a proyectarse en esta edición de 2014, México vuelve a enaltecer su nombre a nivel mundial en el ámbito cinematográfico con algunos ejemplares, dignos representantes. Cortometrajes y largometrajes figuran en el programa, aquí hacemos mención de algunos de ellos:

  • César Chávez. “El mexicano que desafió a Estados Unidos”. Es una biopic suyo proceso de realización se extendió por cerca de cuatro años. Narra parte de la vida de este personaje fallecido en 1993, líder y activista que, con protestas de no violencia, luchó por la defensa de los derechos civiles de los campesinos mexicanos en territorio yanqui. Con John Malkovich y Rosario Dawson como parte del elenco, y dirigida por Diego Luna, será la encargada de inaugurar la participación mexicana en el Festival.

 

  • Edén. Parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Guanajuato en la edición 2014, narra la historia de Alma, quien, luego de haber vivido en el extranjero junto con su padre, John, regresa a su pueblo natal para enterarse las posibles razones de aquella abrupta mudanza. Es una cinta de 95 minutos de duración filmada en San Miguel de Allende y dirigida por Elise Durant.

  • González. Dirigida por Christian Díaz Pardo, fue parte de la programación de circuitos como el del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) y del Festival Internacional de Cine de la Riviera Maya (RMFF), en las ediciones de 2014. Fue una de las películas que la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) había contemplado como posibles contendientes a representar a México en las próximas entregas de los Premios Oscar y Goya.

https://www.youtube.com/watch?v=pbqH37LcKmY

  • Grazing the Sky (A ras del cielo). Coproducción española de poco más de ochenta minutos de duración. Este documental dirigido por Horacio Alcalá es una bella crónica de la vida de un conjunto de artistas circenses. Se retrata la pasión por el oficio, el arduo trabajo diario, la intimidad y los vínculos creados entre los performers en busca de la perfección de sus actos. Al ser un trabajo que agrupa testimonios de talentos de distintas nacionalidades, se optó por que el tráiler se emitiera en el audio original, pero con leyendas y subtítulos en inglés.

https://www.youtube.com/watch?v=jvvPgTwWYG8

  • Navajazo. Igual que con la cinta González, esta placa formó parte de FICUNAM y RMFF en sus ediciones de 2014. Dirigida por Ricardo Silva, es un “documental de ficción”, como él mismo lo llama, rodado en Tijuana. Galardonado como Mejor Cineasta del Presente en el Festival de Cine de Locarno, en Suiza, Silva retrata en esta producción la crudeza de la vida diaria en un ambiente hostil, de lucha constante entre los personajes, donde bien confluyen las historias de drogadictos, prostitutas, migrantes, etcétera.

 

  • La Piedra Ausente. Conformado por archivos reales de materiales recuperados, fragmentos de animación y de grabaciones actuales, este documental de Sandra Rozental y Jesse Lerner narra el detrás de que existió durante el traslado del monolito con la figura del dios Tláloc desde el pueblo de San Miguel Coatlinchan, Texcoco, hasta su ubicación actual, a las afueras del Museo Nacional de Antropología.

 

  • Diego. Cortometraje dirigido por Sara Seligman Carriazo de duración de quince minutos que tiene como línea argumentativa principal aquello de que “la violencia es equivalente a una hombría bien forjada”. El protagonista, de apenas diez años, vive con la presión e imposición de esa forma de vida, pero su inocencia y ternura, la burbuja en la que él se resguarda, podrían ser la excepción a la regla.

 

 El intercambio cultural directo entre México y el Reino Unido no termina aquí, ya que se planea que para la edición de Raindance del año próximo, se lleve a cabo un encuentro de coproducción enfocado a la industria del cine mexicano, esto con el apoyo del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

 Además, con el apoyo del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), se traerá a nuestro país una muestra representativa de ejemplares del cine independiente del Reino Unido.

El cine mexicano ha descubierto en este encuentro fílmico una ventana para su proyección en el continente europeo, y la muestra de materiales que se exhibirán dan un panorama de su riqueza, diversidad temática y estilística.

– IMCINE.

 Todo indica que el 2015 será el año de México en el Reino Unido y viceversa, ya que también se prepara una muestra de cine gótico en alianza con la Cineteca Nacional, y hay proyección de trabajar con el Festival Internacional de Cine de Morelia para que la cinematografía británica tenga mayor presencia en el marco de sus actividades.

 Raindance Film Festival en su edición de 2014 dio inicio apenas en la noche del 24 de septiembre y culminará el día 6 de octubre, en Londres.

Don Gato vuelve a los cines

Sin duda alguna, uno de los mayores logros en la filmografía animada en México es el tan anhelado proyecto de Ánima Estudio, Don Gato y su Pandilla (Top Cat, 2011), basado en la popular serie hecha por Hannah Barbera en los 60´s. La película gozó de una buena aceptación tanto en crítica como en taquilla, y aunque existen sectores del público que la criticaron fuertemente debido al uso de elementos como robots en un mundo tan clásico al cual nos habíamos acostumbrado, o al guión mismo, cabe destacar que la nostalgia de ver nuevamente a todos esos personajes y guiños a la serie animada fueron suficientes para volver a Don Gato un gran golpe positivo en la industria.

 No es de extrañarse que el éxito de la cinta motivara a los creadores a pensar en una segunda parte misma que ya fue aprobada y se encuentra en proceso de producción. No obstante, no se trata de una secuela sino de una precuela. ¿La premisa? Don Gato y Benito Bodoque se conocerán y vivirán una serie de aventuras que terminará por la creación de la famosa pandilla y el primer encuentro con el oficial Matute. El título de la cinta será “Don Gato: El Inicio de la Pandilla”, y a diferencia de su predecesora esta película estará hecha enteramente en CGI, o animación 3D, como de hecho era el plan original para la primera película.

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 Según Fernando de Fuentes, presidente de Ánima Estudio, este es el proyecto más ambicioso que la empresa ha tenido desde su creación y se dijo muy entusiasmado al respecto. Y no es para menos, ya que no se trata solo de una cinta más en su historial al mercado internacional, sino que tendrán la oportunidad de explorar una etapa de la caricatura jamás antes vista, y siendo honestos, jamás cuestionada siquiera.

 Aún así, se trata de un gran reto para el estudio ya que deberá igualar o superar lo hecho en la primera parte; además, recordemos que trágicamente esta vez no se contará con la participación del gran Jorge Arvizu “El Tata” interpretando a Benito y a Cucho, personajes que hiciera famosos con su trabajo de voz en la serie de antaño. Como tal, Ánima ha aceptado el desafío y se ha comentado que se hará un exhaustivo proceso de audición para esas voces. Por lo pronto no nos queda más que confiar en que el amor de los mexicanos por estos personajes, y el profesionalismo de Ánima, nos traerán una película que cubra las expectativas. Seguiremos al pendiente.

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Con sabor al norte – Percy Jackson y los viejos cuentos que parecen nuevos

Entre los grandes clásicos de la literatura se encuentra la Íliada y la Odisea, ya que además de la historia sobre la Guerra de Troya, se ve también el origen del universo según la creencia de el gran pensador Homero. A partir de ello, se explica la mitología griega, el origen de los dioses y la jerarquía entre ellos.  

Imagen inspirada por la Íliada y la Odisea por Homero

 Leer mitología es (o era) de ayuda porque, además de ser un gran clásico, hace comprender muchas historias modernas. Hoy en día, podemos ver caricaturas con personajes como Cupido, Neptuno, los sátiros, las ninfas y las sirenas. El punto de comprender la mitología es que también podrías tener un sentido entero de lo que eran estos seres y la razón de su existencia. Muchos directores no tocan todo lo que comprenden estos seres pero sí los dejan como una referencia que el espectador puede analizar y entender algún sentido oculto en la historia que termina dándole más riqueza a su argumento.

Uno de los personajes que aparecen más en la actualidad es Cupido. Aunque sea un dios que por haber perdido su amada tomó esa imagen de niño para provocar amor y odio entre las personas en venganza.

 Por tanto, cuando apareció esta historia sobre Percy Jackson y el ladrón del rayo fue una revelación que podría haber sido un gran movimiento literario.

 La historia viene a ser sobre un chico problema que resulta ser un semidios, hijo de Poseidón. Se retomó el conocimiento mitológico para hacer una nueva generación de héroes olímpicos en la modernidad.

Imagen sobre Percy Jackson.

 El acierto con Percy Jackson fue el retomar el sentido de promiscuidad entre los dioses con los mortales para explicar cómo podría haber sido la situación de un semidios que vive en este mundo moderno y cómo afectan los monstruos en una sociedad como la nuestra. Pero la manera en que se trata de hacer que funcione eso con la vida de una ciudad como Nueva York llega casi a lo absurdo.

Medusa viendo su reflejo en la parte trasera de un Iphone.

 La razón de que un centauro de siente en una silla de ruedas para esconder su parte de caballo y convivir con los normales, que las armas se expandan de pulseras y que el Olimpo esté situado sobre el Empire State suena bastante descabellado. Puede ser que la gente guste de estas historias porque es activo, es fácil de leer y más que nada, porque explican la mitología de una manera más entendible que leyendo la Ilíada y la Odisea.

El mejor reflejo de la parte trasera de un Iphone en la historia, además de una publicidad no muy sutil

 No obstante, es un libro creado para quienes no desean digerir tanta información. Lo que quiere decir, que todo se explica en ese momento, no se deja un sentido de análisis profundo, sino que sólo alcanza a comprender circunstancias cotidianas en un ambiente llamativo. En resumen: el lector no batalla en pensar nada porque el libro todo lo explica de manera rápida y sin profundidad.

 He leído la saga porque es lectura ligera y porque, teniendo en cuenta la nueva moda, ahora no se hablan de los clásicos sino de una “nueva generación” a partir de ellos. Como Once Upon a Time, que es una historia entre los personajes de cuentos de hadas donde conviven y se pelean; Monster High, donde las protagonistas son las hijas de los monstruos de las historia clásicas; o Ever After High, que viene a ser lo mismo que Monster High, pero con todo lo que escribieron los Hermanos Grimm. Al menos Percy Jackson no creó a los semidioses de la nada, sino que partió de la realidad en la que los dioses gozaban bajar a enamorar mortales.

De las caricaturas ahora existen las hijas de la bella durmiente, Blancanieves, la Bruja malvada, de Cenicienta, del Sombrerero loco y de El Cazador de los cuentos de hadas.

 Y no es la única versión que traen a la éra moderna. También existen series como Sleepy Hollow en Fox sobre el jinete sin cabeza que revive en esta época y resulta ser un misterio para el departamento de policía, y  Grimm, la cual era  también una serie policiaca-fantasiosa.

Los clásicos en la actualidad son una moda que no ha podido ser un agregado al valor artístico que su historia inicial tuvo.

 La moda de la fantasía llegó a tener  estos giros deprimentes por querer copiar el gran éxito que fue Harry Potter y Crepúsculo. La única historia que fue mejor fundamentada (hasta donde yo he leído), fue la trilogía de Los Juegos del Hambre.

 Los Juegos del Hambre tomaron el coliseo griego para convertirlo en algo más tecnológico. Era mejor que las demás historias porque no nació de la fantasía, sino de la distopia de un mundo que acabó y se volvió a regenerar de manera diferente.

Tomaron una idea de la antigua roma y lo hicieron de nuevo en una distopia, cosa que pareció mejor fundamentada que otras películas u historias

 Es mejor cuando se exponen bien las leyes de un mundo, aunque este sea crudo y cruel, que presentar millones de objetos mágicos que salvan en el momento preciso. Lo mejor fundamentado se aprecia más realista. Incluso Harry Potter tuvo reglas, con grandes huecos en la historia, como el giratiempo, pero tenía más estabilidad que todas las nuevas series que se estrenan con estas temáticas.

Especial Ghibli: Kiki, Entregas a Domicilio

Después de que el adorable Totoro hiciera su aparición, Hayao Miyazaki optó por seguir en el camino que había elegido con su anterior producción, el infantil. La siguiente película del estudio y del director en cuestión, es probablemente una de las más débiles en esta filmografía, de hecho es una de las pocas que este escritor ha escuchado decir a algunos un rotundo “no me gustó tanto”. Mencionaba que Totoro no había sido la gran obra de Miyazaki, pero todo indica que el público le tomó más cariño que a esta nueva cinta. Ahora, tampoco digo que sea una mala película y que fue odiada por todos, ya que el Studio Ghibli parece tener ese toque divino del rey midas en el que lo que hace, termina convirtiéndose en cine de culto. Simplemente es una película que no gozó del aprecio de otras producciones.

 Kiki: Entregas a Domicilio (Majo no takkyûbin, 1989) nos cuenta una historia sencilla pero cumplidora acerca de una pequeña brujita que llega a una edad en la que, como se acostumbra, debe emprender un viaje de un año lejos de su hogar para entrenar sus habilidades mágicas. Kiki, la brujita, acompañada de su gato parlante, Jiji, viajan hasta una pintoresca ciudad junto al mar en donde se hacen amigos de un matrimonio de panaderos. Ellos les dan asilo en su hogar y no pasa mucho tiempo hasta que Kiki encuentre un uso a su habilidad de volar en escoba, ser repartidora a domicilio. Durante su estancia en dicha ciudad, Kiki conocerá a varios amigos y vivirá diversas aventuras que la ayudarán no solo a desarrollar sus poderes, sino a fortalecer la confianza que tiene en sí misma.

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 Irónicamente y aunque no sea una de las cintas en las que la gente piensa en primer lugar cuando escucha el nombre de su creador, la película tuvo muy buena recepción en Japón durante su estreno. Así mismo, fue la primera película del estudio que fue distribuida de forma internacional. Y es que aunque no cuenta con una historia tan elaborada como las que acostumbra hacer Miyazaki, resulta ser una película bastante entretenida y disfrutable.

 La animación y el manejo artístico son impecables de igual modo y resulta divertida la similitud que tiene la protagonista con Sheeta, personaje de otra cinta del estudio: Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986). Además, los más observadores descubrirán un muy sutil cameo de la brujita en cinta de Isao Takahata, Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994) de la cual hablaremos en otra ocasión. Los personajes son carismáticos y en momentos de verdad podemos sentir pena por las situaciones por las que pasan, lo que demuestra un manejo muy adecuado de la cinta en cuanto a inmersión.

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Cabe destacar además la banda sonora, ya que la película tiene una de las canciones más pegajosas en la historia del estudio y del anime, es imposible no querer ponerse a bailar mientras la escuchar. Al final de cuentas, la película no es tampoco la obra máxima de Ghibli y Miyazaki, pero es una película en verdad recomendable y que les aseguro, no se arrepentirán de darle una oportunidad.

http://www.youtube.com/watch?v=7p_wxIleNkI

Bienaventuradas las sombrillas, pues resguardarán al amor verdadero

¡Ay la cotidianidad de la vida!, al despertar nos topamos con diversas posturas ofuscadas a tratar de confrontar nuestra existencia golpe a golpe: un espejo, de frente a alguna prenda que ya no nos queda, dado el crecimiento de nuestra masa grasa corporal quizás y que ridículamente trata de abrirse paso entre la carne para verse fallida al final. Sumemos el descubrir una cana más en nuestro cabello, la ingrata se asoma a la vista de los ojos enmarcados en bolsas que más bien son del supermercado y cargan la despensa de un mes. Con desánimo nos damos cuenta de la ausencia de nuestra jovial actitud y caminamos a la puerta con decisión mezclado con desánimo, para afrontar un día más.

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 En víspera del año nuevo una lluvia torrencial cae sobre las calles de la ciudad. Un hombre espera en la esquina bajo un paraguas grande, una mujer baja apresurada de un taxi con una sombrilla pequeña solo para descubrir que ha olvidado sus pertenencias en el vehículo que se aleja. Él le ofrece intercambiar sombrillas, pero ella se niega, fría y violenta en su discurso. Al final accede, tras un rato ella lo acepta de acompañante a la cena familiar junto a su religiosa tía y su anoréxica hermana. Ella es Marissa, él es Sergio y tal vez realmente no estaban tan solos.

 La Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque presenta  una comedia deliciosa para reír de principio a fin sin dejar de reflexionar a cada momento. Santificarás las fiestas de  Conchi León, dirigida por Boris Schoemann aparece como una solución eficaz al divertimento, empero de una proposición de análisis a las relaciones humanas fuera del estereotipo familiar. Dentro del marco de una familia disfuncional la historia se desarrolla con detenimiento y agilidad.

 Para configurar la estructura de esta obra, la autora navega entre los efectos de la perdida para exprimir los tintes cómicos que pueda ofrecer. Marissa, su hermana Otilia y su Tía Felisa han perdido un año atrás a la madre de las muchachas, suicidio. El espíritu de su madre ronda la casa, toma asiento en la mesa, platica con la tía, pero aun así está ausente para sus hijas. Tres personajes que cargan problemas anímicos fuertes pero deciden esconder sus dolencias bajo una careta de autonomía que reacciona violenta al contacto. Tres tristes tigres tragaban trigo en el trigal, pero aquí solo observan el trigal y se guardan el hambre.

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 La tía aparece en la vida de las sobrinas para unir su soledad a la de ellas en espera de sentirse acompañada de un imaginario calor familiar, Marissa vive con la pesadez de ser ella misma refugiándose en la comida tras una decepción amorosa, Otilia busca sacar el miedo de su sistema sacándose la comida en el esfuerzo. Ninguna quiere caer en el fondo que llevó a la muerte a la desaparecida madre, pero al unirse se esfuerzan sin querer en empujarse mutuamente a tal extremo. De pronto un extraño propone admirar dicho cuadro en vez de reprocharlo, sacar sus virtudes y hasta aprender de ellas ¿Cuál desesperante o  encantador sería que alguien amara nuestros enormes defectos a primera impresión?

 León escribe en contra del convencionalismo, busca romper el esquema familiar y la rutina de las celebraciones decembrinas con un trago amargo que  posee un humor muy negro. No teme en brindarle a sus personajes rasgos delicados o un lenguaje soez, conoce muy bien la expresividad que esto proyectará y aprovecha cada palmo. Sirve una mesa con un banquete posiblemente suculento, del cual nadie come o bebe porque no hay sentido en el acto, el mismo es obsoleto, el festín es precario y perverso desde la mira objetiva pues la reunión ha dejado de tener un valor. Convoca a la carcajada plena pero con la reflexión de por medio.

 La dirección de Boris Schoemann aparece para complementar el pensamiento, situando a estos seres entre el sentimentalismo y un recoveco de soledad. Schoemann comprende las necesidades del diálogo agresivo e instala un tono de tal calibre en una familia que debiera ser cariñosa, pero no puede fingir o celebrar una partida. A pesar de esto se les propone afrontar la tormenta debajo de un paraguas, para poder avanzar bajo el agua, unidos, protegidos. No propone víctimas ni victimarios, sino la esperanza a sobrevivir.

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 Para despedir al año viejo  y tratar de comenzar una vez más, Schoemann convoca a la propia Conchi a darle vida al papel principal, exquisita en su interpretación, siendo dura y frágil al mismo tiempo logra cautivar y ser entrañable. Paloma Woolrich se torna en un elemento de fuga para la tensión ser la tía católica, entre ocurrencias y momentos de total debilidad la actriz se entiende altamente necesaria.

 Mariana Hartasánchez como la nefasta hermana provoca sentir compasión, enojo y frustración por dicho personaje, es esa persona tóxica con la cual no puedes vivir pero tampoco puedes dejar de vivir sin. Finalmente Alfonso Cárcamo aparece como Sergio, el nuevo “novio” de Marissa, y audiencia del embrollo familiar, siendo genial con sus intenciones y tonos. Este elenco se siente sólido, con una química eminente. La transformación de todos en la familia que recibe a un extraño o el extraño que experimenta la sensación e una familia es grata, genial y altamente disfrutable.

 No cualquier elenco puede sentarse a agredirse verbalmente y hacer reír al público sin hacerlo sentir incómodo o ajeno a los sentimientos que portan las palabras; Al contrario, tocan al espectador y transmiten la intención del título mismo en valorar una celebración por el concepto mismo o por la simple valía que lleva escuchar y apreciar la existencia de alguien más sentado a la mesa, sea o no de forma física. Santificarás las fiestas es inteligente, sensible y bella.

 No es malo permitirse experimentar una compañía que nos enseñe a valorarnos, lo malo sería no permitírselo. Así como no llenar la Villaurrutia con esta imperdible puesta.

Con sabor al norte – Viajes en el tiempo

Hace tiempo tocamos el tema del deconstruccionismo como una filosofía capaz de crear arte, dado que era una ideología relativamente nueva por el filósofo Jacques Derrida, donde se basaba en el lenguaje como un montón de signos sin los cuales no existía nada. En vez del “Pienso, luego existo” era más bien “Si hay algo hablado, existe”.

Jacques Derrida

 Uno de los puntos más importantes que puede verse en el arte es La Metafísica de la Presencia, que es el ser y el tiempo (aunque existen otros tipos de pensamiento, como el flujo del tiempo, el eternalismo, etc). Pero lo que nos interesa es el uso de esto en el arte, por lo cual no se tocará toda la explicación deconstructiva, sino de su uso.

 De La Metafísica de la Presencia nacen las historias sobre viajes en el tiempo o universos. Ya sea que el autor esté consiente de que está usando esta escuela de pensamiento, es un punto aparte. Las historias sobre viajes multidimensionales se tocan desde hace años. El padre de las novelas en viajes en el tiempo fue René Barjavel con El Viajero Imprudente (1943).

El libro es una historia del autor francés René Barjavel

 Después de ahí, nacieron grandes historias como La máquina del tiempo de H.G. Wells (2002), Volver al futuro de Robert Zemeckis (1985) y series como Doctro Who y Star Trek. Por ellas, todo mundo tiene una noción universal sobre el viaje en el tiempo y es:

Todo lo que hagas va a tener una repercusión en el futuro. Y de ahí se desenmascaran los universos paralelos.

Volver al futuro es suna de las historias más famosas sobre continuidad del tiempo.

 Para poderlos explicar según como Ken Levine presentó este aspecto en el videojuego Bioshock Infinite: “Cada decisión que tomes produce una vertiente por cada opción posible. En un mundo puede ser que sí, en otro puede ser que no, de ahí van las variables cambiando, creando nuevas posibilidades y por lo tanto, realidades”.

Los viajes en el tiempo son también una buena opción para la temática de videojuegos porque pueden ser tramas con mucha acción.

 Si es difícil de explicar, es más complicado de sacar adelante como historia.

 Primero. Tiene que quedar claro cómo es que el protagonista viaja en el tiempo, como en el Efecto Mariposa (2004). Te explican que el niño nació con una posibilidad cerebral que le permite viajar en el tiempo a distintas etapas de su vida y lo cambia a su conveniencia.

 Segundo. Debe quedar bien especificado cuando es un mundo paralelo y cuál era la realidad de la cual se partió. Entendíamos en El Efecto Mariposa, que Evan (Ashton Kutcher, protagonista) tenía una vida de clase media-baja, con una madre soltera, con una chica y un chico que provenían de una casa con un padre abusivo y otro amigo que quería seguirles el paso. Luego Evan se mueve para mejorar su vida con la chica, que resulta ser la persona que él quiere, pero en cada realidad arruina de alguna manera su vida.

http://www.youtube.com/watch?v=EE4AJdi61wk

 Si estos dos aspectos no se hacen bien, toda la historia falla. El hecho de los viajes en el tiempo debe parecer creíble bajo una pseudociencia para que el espectador no diga “¡Qué tontería!”. Lo mismo sucedió con Inception (2010), que no era un viaje entre dimensiones reales, sino dimensiones en la mente de una persona. Para que la historia no fuera ridícula se fundamentó bien antes de que empezara todo el desarrollo de meterse en los sueños de un hombre para implantar una idea.

A pesar de que son dimensiones entre los sueños, tiene gran parecido con los viajes en el tiempo por que sigue la misma estructura.

 Por último, un gran porcentaje de estas historias son temas bastante oscuros. Esto es porque cambiar el tiempo, para muchos, supone que da una posibilidad infinita de opciones en las que, el final que desea el protagonista, está inmerso en millones de variantes.

 Por tanto, cada vez que vean una temática sobre viajes en el tiempo, tengan en cuenta los dos grandes aspectos para poder criticarlo, porque así podrán saber si es bueno, excelente, pasable o falto de explicación.