El animado ganador de los Golden Globe Awards 2014

El pasado domingo 11 de enero se llevó a cabo la anual premiación de los Golden Globes, la cual reconoce lo mejor en cine y televisión y que es considerada por muchos como una especie de simulacro a los Academy Awards (Oscar). El evento estuvo lleno de luminarias y muchas producciones de la pantalla chica y grande fueron condecoradas y otras al menos fueron mencionadas. Como es costumbre, la categoría de película animada no estuvo exenta de este evento.

 Cinco nominadas se disputaron este codiciado premio, grandes titanes de la industria que nos brindaron una competencia en verdad reñida. Los candidatos fueron La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014), Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014), Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014), Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014) y El Libro de la Vida (Book of Life, 2014).

 

 

 Como podrán notar, este año destacaron las producciones hechas en formato 3D, siendo únicamente Los Boxtrolls la cinta realizada en stop motion. Todas las cintas tenían fuertes posibilidades de ganar y elementos destacables, desde la increíble animación de Lego y boxtrolls, hasta el fabuloso diseño de producción del libro de la vida, las emocionantes secuencias de grandes héroes y los dragones. Pero al final sólo podía haber una ganadora.

 El globo de oro al final fue para Cómo Entrenar a Tu Dragón 2, la cinta de Dreamworks Animation dirigida por Dean Deblois y que continúa la historia del joven vikingo Hipo Horrendo Abadejo III y su dragón Chimuelo. La cinta, al igual que su predecesora, está basada en la serie de libros infantiles de Cressida Cowell y ambas tuvieron muy buena aceptación en crítica y taquilla. Recordemos que la primera película fue una de las favoritas en su año de estreno y una de las nominadas más fuertes, terminando con una polémica derrota detrás de Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) de Disney y Pixar.

 ¿Conformes con este resultado? ¿Emocionados por la entrega de los Oscar cada vez más próxima? Su servidor sí lo está y por supuesto estaremos al pendiente de que cintas serán nominadas para el premio gordo de la academia, y eventualmente, sabremos quién es la gran ganadora de película animada del 2014.

Sensualidad, magia y sutileza : Cine a la Wong Kar-Wai


wong kar
Wong Kar-Wai.

“Hace 20 años, si en China le decías a alguien “Te quiero”, era algo vulgar, soez, era algo que se sobreentendía pero no se decía. En cambio es algo normal en Occidente, es más, es algo que debes hacer si lo sientes por una persona.”

La pequeña escena se transforma en una majestuosidad andante, entre diálogo e idea, la trama se torna compleja, diez minutos después la perfidia avanza sobre el tiempo y ya no son los mismos personajes, reencarnan en ellos una serie de personalidades que asombran (quizá) al que esté viendo cada detalle durante el lapso que corre la cinta. Yo me he quedado perpleja en todo el trabajo de Wong Kar-Wai (1958), me atreví a hacer una postura personal al respecto, ya que la vinculación entre la emoción y el sentido es meramente subjetiva, varía entre distintos tipos de percepciones, y era necesario enfatizar la reflexión que me aporta el trabajo del director chino.

 Esas películas que apremian y rompen a la vez el compacto actual –según los mecanismos de proyección- hacen que la cinta guste y llegué a extasiar en diversas formas. Pánico, dolor y un llanto tal vez, puedan ser los motores que prenden aún más los sentidos. Tan extraordinario ha sido su trabajo, que es importante mencionar que a lo largo de su trayectoria compagina la simplicidad con el trasfondo del “estar”, ejemplo de esto, es una película que logra embelesar como fue el caso de 2046 , cinta del año 2004 la cual transforma un medio entre tiempos: Pasado, presente y futuro, cuidados que van desde el manejo de la música hasta las apariciones de cada personaje. Personaje central, con pasión inaudita por el escrito, se fascina, redacta, revisa y relee, su motor el tiempo, secuela: El pasado. Deseando huir, corre a la búsqueda de lo fascinante, refleja su porvenir en el futuro… en su último escape. Representa el éxodo y la salvación al tiempo, corre, busca, encuentra un número que se graba y se repite constantemente: 2046.

2046 2004 DE WONG KAR WAI AVEC TONY LEUNG GONG LI KIMURA TAKUYA ZHANG ZIYI
Escena de “2046”
“Todo el que va a 2046 tiene la misma intención, quiere recapturar recuerdos perdidos. Porque en 2046 nada cambia nunca. Pero, nadie sabe si esto es verdad o no porque nadie ha regresado jamás.”

 Y mientras avanza la hora, enredos y confusiones aparecen; crees entender y de repente transformas la idea a lo que es, pero ése “es” se convierte en tu sentir, sólo corresponde a lo que pudiste percibir. Esa es la magia de Wong Kar Wai, te hace desplazarte por todos tus sentidos sin saber cuál va a ser el sabor final. Lo predecible no augura el recorrido de sus películas. No se prevé ni la mitad, mucho menos el desenlace.

 Deseando amar (2000) a simple vista (sólo por el título) ofrece como primera impresión, un melodrama que no pasa más allá de romanticismo peculiar de la cinematografía, sin embargo, la encrucijada aparece cuando ese mismo encabezado representa la barrera para que el amor llegue a la puerta de los protagonistas. Víctimas del engaño, del olvido y en desmedida de la soledad, se buscan implícitamente, para encontrarse dentro de lo que parece un círculo que nunca acaba, quieren deleite –no carnal– , y lo enfrentan enamorándose en cada límite. Con música de Nat King Cole, la burbuja rosa y ofuscada cobra los estragos del desasosiego.

mood
“Deseando amar” (2000)

 La incursión de Wong Kar-wai en el medio artístico fue en diversos guiones que realizó para algunos programas de televisión. Cabe mencionar que sus inicios en el cine no fueron algo fácil, ya que implicó un gran reto para él, y a pesar del fracaso rotundo de sus primeras cintas como fue Días salvajes (1990), siguió moldeando el estilo que lo definiría poco a poco. La sensación de seguir innovando en sus siguientes trabajos, lo definió como uno de los directores más aclamados de Oriente.

 Un hito de la modernidad como vía para generar condiciones que detonen el pasar de la vida a través de los años, es la consistencia que asombra la ficción en la que logra detonar la añoranza junto con los destellos sobre música y personificación. No es necesario ir más allá de los 30 minutos para saber que la obra es un método pulcro y blando a la vez, es un símbolo de lo distinto. Y lo diferente, promete más que lo necesario; generalmente asombra más de la cuenta. La sensualidad es otro componente elemental del director, que forma una línea indivisible entre lo sólido y obsecuente, un apartado que hace de la exquisitez, el siniestro final.

¿Qué Esperamos para el 2015 en Animación?

esponja

El 2014 se ha ido, es tiempo de ver nuevamente hacia adelante en esta época de nuevos proyectos, motivaciones sin fin y promesas que, esperemos, esta vez sí podremos cumplir. El año que terminó estuvo lleno de producciones animadas en México y el mundo, desde Momias en el Guanajuato de la época de la Revolución, hasta un perro y su hijo humano viajando en el tiempo. Vikingos montando dragones y un grupo de héroes nacidos de la unión de Disney y Marvel. Fue un gran año para la animación.

 Este 2015 viene con muchas interesantes propuestas que sin duda nos darán un año igual o mejor en lo que a animación se refiere. A continuación un pequeño recuento de las principales producciones que podremos disfrutar en los próximos doce meses. Viajes a la nostalgia, segundas y terceras partes, animación mexicana en 3D y mucho mas es lo que se acerca.

En el conteo navideño hablé de la serie Bob Esponja (Spongebob Squarepants, 1999), pues este año tendremos en la gran pantalla la segunda película de este cómico personaje. Una cinta que mezclará la animación 2D, 3D y el Live Action: Bob Esponja: Un Héroe Fuera del Agua (The Spongebob Movie: Sponge Out of Water, 2015). En esta ocasión, Bob y sus amigos deberán abandonar la comodidad de su hogar en las profundidades del mar para luchar contra un despiadado pirata que amenaza con destruir la vida en Fondo de Bikini. Esta promete ser una película llena del clásico humor de la serie y la película anterior, haciendo referencia a los súper héroes y sin duda, parodiando a otras cintas del género.

 Hotel_Transylvania_2-225587954-largeLos amantes del cine de terror… para niños, se sentirán dichosos de ver a los monstruos clásicos de regreso en las pantallas con la cinta Hotel Transylvania 2 (Hotel Transylvania 2, 2015), una cinta de nuevo dirigida por Genndy Tartakovsky que contará con las voces de Adam Sandler y el legendario comediante Mel Brooks, cuya experiencia en el género del horror cómico ya ha sido explotado antes en películas como El Joven Frankenstein (Young Frankenstein, 1974) y Drácula Muerto pero Feliz (Dracula: Dead and Loving It, 1995).

 Sin duda uno de los estrenos más esperados es la tercera parte de aquella saga que renovara la fe de muchos en la empresa Dreamworks Animation, me refiero a Kung Fu Panda 3 (Kung Fu Panda 3, 2015), así es, el adorable y valiente Panda, Po, estará de regreso con una tercera aventura que nos mantiene con enormes expectativas, contando ya con dos películas anteriores que nos regalaron una historia divertida y emotiva, llena de mensaje de auto superación y determinación.

 Para los amantes de las caricaturas de antaño, este 2015 llegará por vez primera a la pantalla grande y en formato 3D la cinta Charlie Brown y Snoopy: La Película (Peanuts, 2015), basada en la popular serie creada por Charles M. Schulz que gozaba de un humor a veces negro pero infantil al mismo tiempo y que nos relataba las aventuras (o desventuras) de un deprimido niño que se abre paso en un mundo donde los adultos son casi invisibles y donde los niños son tan listos que, tal vez sin saberlo, nos daban una crítica social en una forma tierna y sutil que hacía de este programa sencillamente encantador.

 Por último, pero no menos importante, las producciones mexicanas se abrirán paso también en las salas de cine del 2015. Por parte de la empresa Animex tendremos las cintas El Americano (El Americano: The Movie, 2014 de Ricardo Arnaiz y Selección Canina (Selección Canina, 2015). Los hermanos Riva Palacio nos traerán la tercera parte de su obra con Un Gallo con Muchos Huevos (Un Gallo con Muchos Huevos, 2015) y Ánima Estudios retomará su gran proyecto hasta la fecha con Don Gato: El Comienzo de la Pandilla, una película que se enfrentará a dos enormes retos: Será la primera película del estudio hecha enteramente en 3D además de que tendrán que lograr la calidad de la primera, esta vez sin la inigualable voz del fallecido Jorge Arvizu “El Tata”.

 

 No son todas las producciones animadas que podremos disfrutar este año. Tan sólo es una pequeña probada de lo que viene, así es que, amantes del cine y la animación, estén preparados porque habrá mucho, pero en verdad mucho, que ver. Todas son promesas muy grandes, el tiempo dirá cuales de ellas se convertirán en clásicos y cuales quedarán en el olvido.

don-gato-2

Me gustan tus arrugas: Gerontofilia

–¿Protector solar?

–¿Y si aterrizamos en Palm Springs?

–Ya te lo he dicho, me gustan tus arrugas

Imagina una relación amorosa que rompa los estándares que se han venido manejando desde hace años, en donde el amor, la pasión y el deseo sean los únicos que te digan qué hacer. Ese es el caso de Lake, un joven de 18 años que descubre que sus intereses han cambiado y que el placer que necesita ya no se lo puede dar su novia, sino el señor Peabody.

Gerontophilia_KeyArt Peabody es un señor de 80 años que vive en una residencia de ancianos, misma en la que Lake entra a trabajar y en la cual descubre su gerontofilia, inclinación sexual que para muchos es inconcebible.

 Imagina tener relaciones sexuales con alguien más grande que tú, en donde  estén de por medio  canas, piel flácida, arrugas y ese olor tan peculiar que caracteriza a las personas de la tercera edad. Imagina que la única manera de encontrar satisfacción y llegar al clímax sea así, con una persona que podría ser tu abuelo.

 Pues si nunca habías escuchado este término, entonces tienes que ver esta película canadiense del director Bruce La Bruce titulada así, Gerontofilia, en la cual el deseo y las relaciones amorosas son llevadas al siguiente nivel. Si piensas que de por si eso ya es bizarro, añádele que en esta relación con un abismo de años muy grande se maneja igualmente una relación homosexual.

 Puede que no sea nada sorprendente ni del otro mundo, pero cuando salen a la luz casos así, aún hay personas que no lo aceptan o repudian. Pero este no es el caso del director Bruce, ya que en su línea cinematográfica se ha caracterizado por traspasar las barreras y desestabilizar las normas tradicionales de la homosexualidad e identidad de género, siendo conocido como el pornógrafo punk.

 Gerontofilia es un filme canadiense protagonizado por Pier-Gabriel Lajoie, Walter Borden y Katie Boland y fue estrenada el 14 de febrero del 2014, que hará que veas como las relaciones sentimentales van más allá de la edad, en donde el amor es vivido en un viaje que no se logra  concluir pero que está lleno de celos, pasión y aventura.  Así que si quieres salir de la rutina y ver algo que no aparece todos los días en la pantalla grande no te la puedes perder.

Fotogramas de un corazón de náufrago : El cine de Eliseo Subiela

Eliseo  Subiela
Eliseo Subiela

Eliseo Subiela es uno de los directores latinoamericanos que podría  acceder (en algunos de sus trabajos) a la  categoría de “poeta del cine”, tal como lo denominaba aquel monstruo de la cinematografía y poeta de la imagen Andréi Tarkovski. Subiela nació en 1944 en Buenos Aires, Argentina, su formación como cienasta se  remonta a un breve paso por la Escuela de cine de La Plata.

El  no  soportar  la  realidad lo  llevó a  hacer  del  cine  un  refugio; admirador  empedernido de  Julio Cortázar y músico frustrado, como  ha  hecho  saber en algunas  ocasiones “hago  cine  porque no puedo tocar el saxo”. Subiela impregna sus filmes de un trance  completamente metafórico, siempre apoyado de un buen manejo  del  lenguaje  poético en  sus  guiones y tropos  visuales.

Con  17  trabajos audiovisuales , Subiela explora los  sentimientos de la humanidad posmoderna con un toque  místico, expone al  hombre  sufriendo su propio  naufragio, las  pasiones humanas, cuestiones  metafísicas, la  muerte, el  egoísmo, el amor, la locura, la  vida rutinaria de ciudad y la monotonía del  sedentarismo, todo con una  poética  que  aspira  a  filosofía, expuesta a través de  agudas  preguntas retóricas:

“¿Cómo amar sin poseer?”

Aquí  les  presento  mi selección  y recomendación de  los  5 trabajos  mejor logrados por  Eliseo Subiela que, con corazón de naufrago siempre apela  a la universalidad del amor,   nos  devela  el  encuentro entre hombre y mujer en extremos distintos de  una situación, como  epílogo o preludio de un naufragio.

El lado oscuro del corazón(1992)

thumb_movie-el-lado-oscuro-del-corazon_2.233x330_q95_box-8,0,525,768

 

Esta  es  quizá  es la  película  más  reconocida  de  Subiela.  El  Film es una coproducción entre Argentina y Canadá. Ambientada en Buenos Aires y Montevideo, es protagonizado por  Dario Grandinetti, Nacha Guevara y Sandra  Ballesteros,  sin duda, una  de  las  películas que  valen tan sólo por  su  guión.

Subiela  logra combinar  la  poesía  de  Oliverio Girondo, Juan Gelman y Mario Benedetti (quién aparece en la película), con la  narrativa  de  la  historia  sin hacerlo forzado, además de  reforzarlo con una poética  visual de  época que engloba la  disyuntiva  del  amor y la muerte, la  soledad, la vida en sudamerica después de las dictaduras y la  decadencia  social.  El lado oscuro del Corazón es  la lucha de Eros y Tanatos, un bolero hecho cine.

Mira la película aquí.

Hombre  mirando al sudeste(1986)

Hombre_mirando_al_sudeste-539575931-large 

Filme consecuencia del documental Un largo  silencio que  Subiela  filmó en 1963 sobre  un hospital psiquiátrico. La  película  aborda  el tema  de  la  locura desde  la vida de un interno, cuestiona los  procesos psiquiátricos y la misma  categorización de la locura como  enfermedad, ¿quiénes  son los  enfermos, los internos o la  sociedad?.

La  película es  protagonizada  por Lorenzo Quinteros  y Hugo Soto, en ella Subiela  logra un gran guión que nos  regala  estupendos y mordaces monólogos, además de secuencias visuales estridentes  como la interpretación de El beso de René Magritte. El mismo Subiela describe a la película como una experiencia  redonda.

Mira la película aquí.

 

 

 

Ultimas imágenes del Naufragio (1988)

 

 uinaufra

Para muchos esta es su mejor  película, paradójicamente  fue un fracaso en taquilla. Sin embargo, recibió muchos  premios en el  extranjero. Protagonizada por Lorenzo Quinteros, Noemí Frenkel y Hugo Soto.

El filme es  una metáfora de  la  crisis  económica de fines de los  años ochenta. Cuenta  la  historia  de un vendedor de seguros que pretende  escribir  una gran novela, éste conoce a Estela  y a su familia.

La historia, rica en el misticismo  metafórico  que  caracteriza a Subiela y, sin dejar de  lado la crítica a las  condiciones  sociales de  vida, muestra el subsistir  diario en la decadencia de las ciudades, con maestría  en el  guión-como siempre o  casi siempre- desnuda en los diálogos a esos aspectos ásperos del vivir en las urbes y, nos hace escuchar al  grito generalizado que  regularmente aguarda en silencio:

-¿A qué se dedica?

-A sobrevivir, todo lo que  no signifique agachar la  cabeza,  decir “sí señor”, empleos, órdenes. Nada de subordinación. A algo de  valor.

Mira la película aquí

.

El  resultado del amor (2007)

 

El resultado del amor

Protagonizada por  Sofía Gala Castiglione y Guillermo Peening. La historia nos lleva por los caminos de la transgresión, el amor, la prostitución, el misticismo, los  contrastes entre las  villas y la ciudad,  la muerte en la vida y  el huir de ella,  El  resultado del amor, se  trata de  engañar a la muerte, de la singularidad en lo aparentemente cotidiano. La película tiene una especie de intertextualidad  con Hombre mirando hacia el sudeste, y es aderezada por las  Greguerías de Ramón Gómez de la Serna, un toque de jazz con Billie Holliday. Hace del encuentro de  una botarga y un payaso lo más romántico,  o bien de un ex abogado con una prostituta, o de  otro modo, de una mujer violada con un saxofonista.

Mira  la película aquí.

 

 

El lado  oscuro del corazón 2 (2001)

 

2001 El lado oscuro del corazon 2 (esp) (dvd) 01 (1)

Una coproducción entre España y Argentina. Protagonizada por  Darío Grandinetti, Sandra Ballesteros, Ariadna Gil y Nacha Guerra. Esta vez con la  poesía  extraordinaria de Alejandra Pizarnik. Otro Fracaso en taquilla, si se  le  compara con  su predecesora. Sin embargo, al mantener las  tablas de la primera parte es un filme que riquísimo en el  guión, y en metáforas  visuales, además de  la dualidad  tánatos-eros, la película agrega  una  nueva  variante: el  tiempo, éste juega  un papel peculiar al ser el que  lleve  la  batuta  en el  juego de las  preguntas  retóricas.

¿La pasión  sobrevive al  tiempo y a la distancia, ante  el  ocaso de  magia, al inexorable paso del tiempo en el corazóna, a los  pasos hacia  atrás y la  gravedad horizontal?

Mira  la película aquí.

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

Kids: The movie

El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids

Especiales Navideños Animados: Última Parte

Al fin hemos llegado a la última parte de este especial navideño. En las primeras horas de este nuevo año, les presento otras dos opciones de capítulos navideños basados en series animadas. Anteriormente hablé del canal Cartoon Network, y ahora es turno de otro famoso canal que si bien actualmente ha perdido la mayor parte de su esencia, es definitivamente uno de los más famosos en cuanto a programación animada/infantil se refiere: Nickelodeon.

 first christmas 009De igual manera, este canal contaba con una amplia gama de series y personajes emblemáticos, sin embargo he de admitir que dos de ellos son los que personalmente me llegaron más en época navideña. El primer programa está lleno de humor absurdo e incluso considerado tonto por muchos. Una serie que ha tenido muchos seguidores y detractores, ha sido atacada incluso por la (en mi opinión, exagerada) idea de mostrar ejemplos de homosexualidad en los niños. Si, una serie muy polémica, pero nadie niega que uno de los mayores éxitos del canal: Bob Esponja (Spongebob Squarepants, 1999).

 La segunda serie es un tanto más inocente, más madura, pero igual de cómica y divertida. Para un gran sector del público, la obra máxima de Nickelodeon (muchos de ellos, padres de familia). Una caricatura que sigue las aventuras cotidianas de un niño de cuarto grado, huérfano, con una enorme imaginación (que apenas cabe en su también enorme cabeza) y con un corazón de oro. Una caricatura muy bien lograda que por desgracia jamás logró tener un cierre apropiado y que hoy día es difícil verla al aire: ¡Oye Arnold! (Hey Arnold!, 1996).

 Comencemos con Bob Esponja, esa pequeña esponja marina con eterno espíritu infantil que se gana la vida trabajando de cocinero en un restaurant de comida rápida. Hasta ahora ha tenido dos especiales navideños, el segundo de ellos hecho en una encantadora técnica de stop motion haciéndonos referencia a las obras de Rankin/ Bass, sin embargo, en esta ocasión hablaré del primero de ellos, un capítulo de doble duración titulado “¿Navidad, Quién?”.

first christmas 006

 En este capítulo, Bob esponja queda fascinado por el relato de su amiga Arenita acerca de una festividad de la superficie en la cual un tal Santa Claus visita las casas y deja regalos para aquellos que le escriben. Bob les habla a todos sus amigos y vecinos, explicándoles esta maravillosa idea, y juntos deciden celebrar la navidad por primera vez. Lamentablemente, su gruñón vecino Calamardo, se muestra en contra de la idea y se dice convencido de que Santa Claus no es más que una mentira y un fraude. ¿Será cierto?

 Este capítulo no sólo muestra todo el humor que la serie ostentaba en su mejor época, sino que la animación ya entraba en una etapa más fluida y limpia. Diría que es un especial que se posicionó en un punto donde el aspecto creativo y técnico estaba en su apogeo. Además, la historia que nos cuenta está muy bien llevada. No es el clásico cuento de Scrooge o el Grinch, pero si nos muestra como hasta el personaje más incrédulo puede hacer algo para avivar el espíritu y la magia con tal de que otros sigan creyendo. La lección de este especial es sin lugar a dudas que la navidad se trata de dar, y que cuando damos alegría, también alegría recibimos.

ArnoldsChristmasScreenshot

 Y ya para terminar, me permito hablar de la que en mi perspectiva es la joya de la corona de los especiales. El capítulo “La Navidad de Arnold” es un especial también de larga duración donde el materialismo y el comercio navideño son destrozados por el verdadero significado de esta fiesta. Todo comienza cuando el protagonista, Arnold, descubre con pesar que en el sorteo del intercambio de regalos le ha tocado regalarle algo al señor Hyunh. No es que Arnold no simpatice con su vecino, simplemente es la única persona en su hogar a quien no tiene idea de que regalarle.

 En una conversación con su vecino, el señor Hyunh le cuenta a Arnold la triste historia de cómo llegó desde Vietnam huyendo de la guerra y en busca de su hija Mei, a quien no ha visto desde que era un bebé. Y es así como una nueva aventura por un sueño imposible comienza, Arnold está decidido a darle esa navidad un reencuentro con su adorada hija a un hombre que está completamente sólo en el país. Por su parte Helga, la eterna enamorada de Arnold, también busca el regalo perfecto para darle al muchacho y de paso ganar su corazón. Deberá ser algo grande, impresionante, ostentoso y sumamente costoso… ¿Por qué eso es lo que hace que un regalo sea valioso, o no?

ac9

 Este episodio tiene una carga humorística inteligente y muy eficiente, se reirán mucho al verlo. Pero más que eso, es un capítulo que de verdad llega al corazón, un episodio que toca cada fibra de nuestros sentimientos, nos emocionará y les aseguro que les robará un par de lágrimas. Es una capítulo que hace énfasis en la bondad humana, en los milagros que la determinación puede lograr y en como el desprendimiento de algo que queremos con intensidad puede volverse la mayor prueba de amor en una época que trata justo de eso, del amor. A mi parecer, uno de los mejores episodios de la serie y quizá el mejor especial de navidad de los que he mencionado.

 Espero que esta pequeña lista de propuestas navideñas haya sido de su agrado. La navidad es una época mágica para todos. Seamos creyentes o no, gustemos del lado comercial o no, incluso para esos que se dicen detestar esta fiesta. Efectivamente los precios suben, el transito y la multitud se desbordan estos días… pero es la única fecha en que el mundo grita un mensaje de amar al prójimo, un momento en que las calles se alumbran de color y luz, una época que anuncia la llegada de un nuevo año y una nueva oportunidad de ser mejores. La animación lo ha sabido con el paso de los años, y nos ha ayudado a enriquecer esta experiencia.

Tarkovsky y la paradoja de la imagen


Siempre he pensado que un escritor se desnuda al escribir, simplemente pone toda su alma en la obra escrita.

“La creación artística exige una verdadera entrega de sí mismo”

-Tarkovsky, Esculpir en el tiempo, 1992.

tarkovski

 Está ahí expuesto, ya sea para dejar una evidencia de su mera existencia o expresar su lucha interna, o algo, cual sea su razón, él o ella misma se ha exhibido para la interpretación. Cualquier obra, tanto escrita o cinematográfica está abierta a la interpretación. Una vez leí como Tarkovsky declaraba que ningún crítico jamás entendió (¿enteramente?) El Espejo. Y siempre se me viene a la mente como el artista se pone su traje de indescifrable cuando nos revela todo o casi nada, y me llego a preguntar sobre la mimesis, la esencia del arte. ¿Qué tan auténtico puede llegar ser la obra creada? ¿Qué tan personal puede ser en relación a la diégesis? El Espejo es el trabajo más personal de Tarkovsky, contada de manera no lineal, consta de recuerdos principales de su niñez y después de su vida adulta, narrado por su padre a base de poemas escritos por éste y actuado por su madre.

 La poética dramática cumple el soporte con el que se cuenta la historia, es esencialmente subjetiva al reflejar las intangibles emociones por medio de sonidos o efectos de luz, sentimientos, sensaciones, emociones y pasiones expresadas sin decir nada gracias a la imagen, el cine contemplativo en su máxima expresión. Pero también objetiva al ser Tarkovsky, el personaje principal de la obra, aunque esté oculto gracias a las actuaciones. Entonces, ¿Que parte del mensaje no se recibió?, en mi opinión, Tarkovsky habla sobre lo que el sintió en el exacto momento en que sucedieron tales sucesos, de ahí en adelante llegamos a interpretar parte del mensaje. ¿Qué nos quería contar Tarkovsky? No podría contestarle, sería imposible, en primer lugar porque no cuento con los mismos antecedentes geográficos y culturales que él. En esculpir el tiempo, sus compatriotas fueron los más “cercanos” en haber recibido el mensaje. Se cerró el triángulo de Buhler.images (11)

 Cuando hablé sobre la trama de El espejo, de una manera externa declaré aspectos fundamentales, ni siquiera consideré discutir sobre la misma subjetividad de la película. Mi película favorita de Tarkovsky es Stalker, en mi opinión habla del hombre y su adicción a un lugar donde se cumplen los sueños y los más oscuros deseos, debido a la horrible situación en la que vive hace que este hombre quiera estar en la zona en vez de enfrentar su propia realidad, me atrevería a comparar la zona como una ensoñación, según creo, estas dos entidades tienen similitud en sus características. Pero volvemos a lo mismo, cada lectura de cualquier ente, pieza, objeto, obra está demandando una reflexión profunda.

 La función de la imagen recae en la función del arte; el arte está ahí para inspirar al cual dependerá del momento cultural en el que se viva. El arte contemporáneo vive para la reinterpretación. ¿Cuál es el mensaje? ¿Es necesario que haya una simbiosis entre el interpretar “exitosamente” el contenido y haber experimentado el placer estético?

 Si no se dice todo sobre un objeto de una sola vez, siempre existe la posibilidad de añadir algo con las propias reflexiones.

-Tarkovsky, Esculpir en el tiempo, 1992.

Cada detalle del texto artístico adquiere más de un significado y más de una posible interpretación, debido a que está inserto en diferentes sistemas de relaciones. Por ello el texto artístico posee una sobre significación que se advierte más fácilmente como una perdida, al no poder traducirlo cuando se tras codifica a un texto no artístico. Esto se debe a que, entre un texto literario (artístico) que ofrece dos o más planos, y un texto no literario que ofrece un solo plano, no puede darse una correspondencia univoca, luego no puede realizarse la transcodificación. Por esta misma razón, la interpretación del texto literario es plural. Hay una serie de interpretaciones posibles y admisibles debido a que nuevos códigos, de nuevas conciencias lectoras, revelan en el texto estratos semánticos. (Lotman, 1984)

Especiales Navideños Animados: Parte 5

La navidad ya pasó, pero este recuento de especiales navideños aún no. Recordemos que mi intención es la hablar de doce especiales, además de que no es tarde aún para disfrutar un poco de la magia festiva, y más si consideramos el año nuevo y el día de reyes dentro de la época. En esta ocasión hablaré de dos cortometrajes de la empresa Dreamworks Animation, que en sí están basados en películas de este estudio. No obstante, estas películas también fueron llevadas a la pantalla chica en series animadas, por lo cual vale la pena mencionarlas. Las series en cuestión son Kung Fu Panda: La Leyenda de Po (Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness, 2011) y Dragones: Jinetes/Defensores de Berk (Dragons: Riders/ Defenders of Berk, 2012), basadas por supuesto en las películas Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008) y Cómo Entrenar a Tu Dragón (How To Train Your Dragon, 2010) respectivamente.

 De esta manera comenzamos con el cortometraje Kung Fu Panda: El Festival de Invierno (Kung Fu Panda Holiday, 2010), una tierna historia que enaltece el valor de la familia y las tradiciones sobre los lujos y la elegancia. En esta historia, tenemos al guerrero Dragón, Po, quien es elegido anfitrión de la cena anual del festival de invierno en su aldea. Este cargo representa un gran honor y a la vez una enorme responsabilidad. Se trata de uno de los eventos más importantes al cual asisten los mejores maestros del Kung Fu, una oportunidad que Po anhela con todas sus fuerzas.

Kung-fu-panda-holiday-disneyscreencaps_com-1725

 Sin embargo, esta situación resulta también conflictiva ya que para cumplir con esta tarea, Po deberá sacrificar la celebración que tenía planeada con su padre, el señor Ping. El sueño se convierte en pesadilla por la cantidad de trabajo que conlleva y por la difícil decisión para Po sobre a quién debe complacer y a quién debe defraudar, a su maestro o a su padre.  El corto resulta muy divertido, con un humor inocente y a la vez picaresco, característico de la película, también contiene un gran nivel dramático que sin llegar a sacar lágrimas (como fue el caso de la segunda película) consigue una adecuada carga emotiva para poder decir “Qué bonita película” una vez que esta termina.

 Como tal nunca se menciona la navidad, sino el festival de invierno, pero se trata de una clara referencia a esta festividad. Además, es interesante ver un festejo donde mezcla la tradición occidental con un toque oriental que nos permite ver árboles decorados con esferas y algunos faroles chinos en medio de un campo nevado. Definitivamente una opción navideña que no se pueden perder y más en esta temporada.

Kung-fu-panda-holiday-disneyscreencaps_com-2459

 El segundo especial es el cortometraje Dragones: El Obsequio de Furia Nocturna (Dragons: Gift of the Night Fury, 2011), una pequeña historia que nos remonta a otro festejo que no es navidad, pero si una parodia de la misma, el Snoggletog. En dicho festejo, los vikingos celebran como cada año, pero esta vez acompañados de sus nuevos amigos dragones. Todo parece indicar que será el mejor evento de todos, sin embargo las cosas se complican cuando los dragones inesperada e inexplicablemente huyen de Berk.

 Los vikingos quedan devastados ante la extraña partida de sus amigos y mascotas, por lo que Hipo, el hijo del jefe, decide investigar. Por accidente termina siendo llevado a una isla distante en donde descubre un gran y adorable secreto sobre los dragones; mientras tanto en casa, sus amigos buscan la forma de rescatar la fiesta con resultados nada positivos que van desde un nauseabundo ponche de Yak hasta regalos explosivos.

Dragons-gift-of-the-night-fury-16

 Curiosamente es una de las historias de la saga “Dragones” que más indaga en el humor, pero como todo buen especial navideño no pierde el toque bonito. Es una historia cumplidora en el nivel de emotividad que nos resalta el valor de la amistad. Una cinta que los pequeños disfrutarán enormemente y que a los grandes les parecerá muy entretenida. Otra opción imperdible para estas fiestas. Además, cabe destacar que este corto no sólo hace referencia a la navidad, sino también a otras fiestas como la Pascua.

 Ambos cortos están hechos con una calidad de animación impecable y a mi parecer, están brillantemente escritos y ejecutados. Quizá de las opciones más sólidas que he dado hasta ahora. Los invito a disfrutarlos si aún no lo han hecho, y si los conocen, coincidirán conmigo en que son dos buenas propuestas para hacer de esta, ya pasada, navidad algo mucho más mágico.

A-moment-from-DreamWorks-Dragons-Gift-of-the-Night-Fury_event_main

Especiales Navideños Animados: Parte 4

El canal de televisión de paga para niños, Cartoon Network, fue famoso durante bastante tiempo por los especiales de navidad que presentaba en épocas decembrinas. En dichos maratones contaba con algunas películas festivas, así como de capítulos navideños de sus series, las famosas Cartoon Cartoons. Desgraciadamente estos especiales ya difícilmente se encuentran en la programación del canal, sin embargo los que tuvimos la dicha de verlos los recordamos con cariño y nos queda claro porque esa etapa es considerada por muchos como la época de oro del canal.

 Dos de esas series eran el inigualable Johnny Bravo (Johnny Bravo, 1997); y de las mentes que nos trajeron maravillas como El Laboratorio de Dexter (Dexter´s Laboratory, 1995)y Las Chicas Súper Poderosas (The Powerpuff Girls, 1998), llegó una interesante propuesta de caricatura llamada Mansión Foster para Amigos Imaginarios (Foster´s Home for Imaginary Friends, 2004). La primera de estas caricaturas nos contaba las desventuras de un hombre atlético y bien parecido que a pesar de sus esfuerzos por ser atractivo para las mujeres terminaba siendo rechazado y hasta golpeado brutalmente por ellas debido a su carácter en ocasiones machista y a su no tan abundante inteligencia. La segunda caricatura trataba de Mac, un niño que tras haber creado a Blu, su amigo imaginario, lo lleva a una casa especial (una especie de asilo) donde estos amigos eran recibidos y atendidos; logrando así una colección de curiosos personajes que se volvían también colegas del muchacho.

jpg

 Elegí estas dos series porque a pesar de que todos los Cartoon Cartoons tuvieron su especial de navidad, estas dos creo que tuvieron algo extra que aportar. En el caso de Johnny Bravo, el capítulo hace homenaje al cantico navideño “La Noche Antes de Navidad”, narrado enteramente en rimas nos relata la forma en que Johnny accidentalmente hiere a Santa Claus cuando lo confunde con un ladrón que intenta entrar a su hogar, y como castigo, debe tomar su lugar. Sí, es una premisa que ya habíamos visto en otros especiales, sin embargo no es la historia, sino la ejecución la que vale la pena destacar en este especial.

 El humor de la serie era exagerado y a veces crudo, digamos que una suerte de humor negro donde el personaje era torturado de mil maneras por miembros del supuesto “sexo débil”. En este especial es muy peculiar que ese elemento vital en el show (las mujeres) prácticamente no aparezca, al menos no como nos tenían acostumbrado. Aquí se destaca el amor a las mujeres pero desde el lado familiar, el lado navideño. Johnny muestra un gran amor por su madre al tratar de protegerla e incluso querer darle un gran obsequio de navidad. Pero no piensen que el humor s sacrificado por el lado tierno, hay mucho humor picaresco en este episodio. Cosas como un Santa gruñón hasta una esposa que se enfada con su marido por recibir un regalo equivocado (una prenda femenina destinada a alguien que no es ella) hacen de la noche buena de Johnny Bravo una opción muy divertida y agradable para ver.

johnny-bravo-twas-the-night-08

 En el caso de Mansión Foster la trama gira en la desilusión de Mac cuando su fe en Santa Claus comienza a desaparecer. Tras las burlas de su hermano mayor y otra serie de eventos que ponen en tela de juicio la existencia del gordito bonachón, el niño entra en crisis. Una escena muy destacable es cuando Mac, rezando, le pide a Santa que le dé una señal de su existencia; para ello, le dice que por esa ocasión su regalo consista en ropa interior (lo que nadie quiere recibir). Aquí me parece un gran referente a cuando la gente hace penitencia o renuncia a algo que desea con el motivo de su fe, en este caso reflejada en un niño que con tal de seguir creyendo, renuncia a sus juguetes.

968full-foster's-home-for-imaginary-friends-screenshot Además, es interesante pensar que un niño que vive en un mundo donde los amigos imaginarios realmente existen, que puede verlos, oírlos y tocarlos, pierda la fe en algo. Aquí nos demuestra una fase del ser humano donde a pesar de vivir siempre rodeado de magia, comienza a dejar de creer en ella. Quizá un guiño a la monotonía, quizá una crítica al ser humano de que no ve lo que tiene enfrente de su nariz, quizá sólo una historia navideña más. Sin embargo, el capítulo es en serio divertido y hasta conmovedor, y nos demuestra una de las más grandes lecciones navideñas, las cosas existen cuando nosotros hacemos que existan con nuestros sueños

 Si les es posible ver estos y más especiales de Cartoon Network, háganlo. Son episodios hechos para todo público y todas las edades. Un canal que en verdad se tomaba en serio la época decembrina y siempre buscaba satisfacer, mediante sus series originales, las expectativas de su público. Los invito a buscarlos y disfrutarlos, son una grandiosa opción que no los dejará decepcionados.

La reestructuración de los nuevos géneros cinematográficos

cine mexicano

Conforme fui creciendo, casi involuntariamente he tenido una visión malinchista hacia el cine mexicano, no porque genuinamente crea en ello sino gracias a los comentarios negativos y a la aversión de la escena mexicana del cine por una afinidad de gente a mi alrededor.

 Lamentablemente ha llegado a ser cierto, el cine mexicano carece de una imagen atractiva para muchos, debido a la constante tosquedad, vulgaridad y desfachatez que aparecen en él. A veces me pregunto si la falta no la tuvieron los mismos artistas contemporáneos (1982-2002) sino la generación mexicana educada por medio de una formación católica acostumbradas a un cine mas amable. Pero el arte es una reproducción de la realidad y la época de oro mexicano fue solamente una repetición cómica de la pobreza mexicana con figuras jocosas que hacían olvidar las penas que la misma audiencia vivía al momento de ver aquellas películas.

 En aquella época, el cine mexicano repetía la situación de pobreza e injusticias. Aun así, el publico tenia una gran variedad fílmica a escoger en los matinés y salas de cine gracias a los dramas y comedias con personalidades tales como Marga López o Mario Moreno Cantinflas. Se podía dar el lujo de ver otros géneros sin herir el mercado nacional.

 Con la llegada del nuevo milenio (Nueva era del cine mexicano) cineastas decidieron relatar la realidad mexicana sin tapujos. Registrando escenarios que se asemejaban a la situación critica de la delincuencia y criminalidad que embargaba la sociedad. Los mexicanos se evitaron ver el cine mexicano y prefirieron consumir el cine americano, al evitar escenas sexuales explícitas, lenguaje obsceno o situaciones violentas gráficas. Gracias al éxito de mexicanos en el extranjero, llegó a las escuelas de cine una nueva camada de estudiantes mexicanos que pronto harían que proliferarían el cáncer del cine mexicano.

 Al imitar géneros europeos, estudiantes trabajan el genero contemplativo donde la forma es la materia principal para contar una historia, dejando de lado al guion que fuera el cimiento de la obra cinematográfica. El cine mexicano deja de financiarse por los grandes estudios y comienza a financiarse por los mismos autores con la escasa ayuda del IMCINE o FIDECINE. Durante el 2013 el IMCINE solo otorga 9% y 20% en fondos para proyectos mexicanos los porcentajes se basan en las 1283 solicitudes para la producción de cortometrajes, de los cuales solo se llegaron a financiar 161 de ellos. De las 179 solicitudes para los largometrajes, solo 23 proyectos se llegaron a financiar. 249 millones espectadores asistieron a las salas nacionales en 2013, de los cuales 30.1 millones vieron películas mexicanas.

 Estas cifras alarmantes solo deben de concientizarnos, la audiencia mexicana no toma enserio el trabajo de los nuevos cineastas a causa de ciertos proyectos pretenciosos. No hay que confundir la simpleza con el arte contemporáneo. Debemos de tomar en serio el arte de hacer cine y dejar de utilizar la cámara como un recurso sino como una herramienta para la elaboración de nuevos esquemas. El cine mexicano debe de tener una reestructuración. Los maestros deben de empezar a enseñar a los estudiantes a tomar géneros del pasado, y así invitar a los estudiantes a formar una voz propia, y tomarse en serio el arte de registrar con el fin de contar historias que inspiren a una audiencia mexicana que necesita de un cambio social.

 La era digital nos alcanzó pero no hay que olvidar que debemos de hacer valer el tiempo que se dedica para hacer cine. Hay que tener una responsabilidad en el campo cinematográfico, y filmar dignamente con valor y respeto a este arte.

Ambulante en Vive Latino 2015

Hace unas semanas se dio a conocer el cartel completo del festival Vive Latino para su edición número 16, próxima a llevarse a cabo en 2015. Decenas de bandas distribuidas en los tres días de duración de este evento, del 13 al 15 de marzo.

 Sin embargo, aunque el hecho de que se reúnan proyectos nacionales e internacionales es, como tal, la meta primordial y el objeto de la realización de un evento de esta magnitud, se convierte también en motivo de congregación de distintos círculos y disciplinas que convergen en la misma línea temática: la música.

 Ejemplo de ello es el trabajo en conjunto que Vive Latino ha desarrollado con Ambulante, evento cinematográfico enfocado de lleno a la difusión de material documental, cuyas proyecciones circulan a lo largo de distintas sedes en todo el país durante meses. Ambulante hace una parada especial dentro de un espacio que poco a poco se ha ido incrementando y consolidado durante su participación activa en el marco de este Festival.

 La llamada Carpa Ambulante es considerada ya parte de la tradición del Vive Latino, y ofrece una distinguida lista de títulos particularmente dirigidos a los amantes del mundo de la música, público asiduo que también ha forjado en sus proyecciones dentro y fuera de los días que dura el festival. A continuación te presentamos la selección que esta gira de documentales ha destinado para proyectarse en los tres días del Vive Latino:

 

20 000 Days on Earth (20 000 días en la Tierra)

Dir.: Iain Forsythy y Jane Pollard

Es una producción de 2014 que retrata un poco de la vida cotidiana del músico australiano e ícono contemporáneo Nick Cave. Es etiquetado como docu-drama puesto que, pese a tratarse de un documental, se combina con una ficción cuya particularidad es que fluye sin guion alguno, por lo que el producto final resulta poco más provocador al crear del propio Cave un personaje en sí mismo. Se muestran parte de sus procesos creativos y hay apariciones de figuras importantes en la vida del artista, como Kylie Minogue, quien fuera pareja del también actor.

 

A Band Called Death (Una banda llamada Death)

Dir.: Jeff Howlett y Mark Covino

En uno de los pósters que promociona este documental, se lee: “Before there was punk, there was a band called Death” (“antes de que hubiera punk, hubo una banda llamada Death”). Situado en la década de 1970, narra la historia de una banda llamada así, Death, conformada por tres hermanos adolescentes que lograron grabar un single y hacer algunas presentaciones, pero debido al auge de la música disco en aquella época, su proyecto padeció el (des)atino de adelantarse a su tiempo, y se disolvió antes de lograr grabar un álbum. Death recibe hasta ahora la atención y reconocimiento que no le fueron concedidos antes, y es nombrada como la verdadera banda pionera del género.

 

Björk: Biophilia Live (Björk: Biophilia en vivo)

Dir.: Peter Strickland y Nick Fenton

En poco más de hora y media de duración se registra uno de los recitales que tuvo lugar en Londres y que fue parte del tour que trajo consigo la última entrega discográfica de Björk llamada precisamente, Biophilia, en 2011. Queda de manifiesto la sublime esencia de la descomunal artista islandesa, y hace al público parte de la atmósfera que crea sobre el escenario, con estrafalarios vestuarios, armioniosos juegos de luces y aquella inconfundible voz de fondo.

 

The Devil and Daniel Johnston (El diablo y Daniel Johnston)

Dir.: Jeff Feuerzeig

La vida de Daniel Johnston, artista maníaco-depresivo, parece destinada a las caídas y los tropiezos. Esto, a la par de su padecimiento de bipolaridad, es en gran parte responsable del talento que el estadounidense ha desarrollado desde joven, participando activamente en el cine y la música, además del dibujo. Un retrato de Johnston que muestra cómo la locura puede ser perfecta compañera de la lucidez creativa. Una suerte de alterego, tal y como lo sugiere el propio título de este documental, en circulación desde 2005.

 

 Everything Will Change (Todo va a cambiar)

Dir.: Justin Mitchell

¿Quién no habrá escuchado aquella memorable canción llamada Such Great Heights? Parte del álbum Give Up, de The Postal Service y firmado bajo el sello discográfico Sub Pop. Pese a la popularidad adquirida, esa fue la primer y única placa que materializó el grupo integrado por Benjamin Gibbard (Death Cab for Cutie), Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis. La mayoría de sus nuevos fans nunca pudieron verlos en vivo por lo que, para celebrar la primera década de vida del mencionado álbum, la disquera lanzó una versión extendida y la banda se reunió para salir de gira alrededor del mundo. Este documental muestra entrevistas íntimas y material de archivo tras bambalinas.

 

For Those About to Rock: The Story of Rodrigo and Gabriela

Dir.: Alejandro Franco

Este documental, dirigido por uno de los periodistas musicales actuales más reconocidos, cuenta el ascenso del dúo de músicos independientes. Es la historia de Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero, mexicanos que a temprana edad decidieron tomar el riesgo de perseguir sus sueños y vivir haciendo lo que más aman: música. Un inspirador y extenso viaje que les ha llevado a tocar desde en hoteles y restaurantes, hasta en algunos de los escenarios y festivales más importantes del mundo.

 

Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky (¿Es feliz el hombre que es alto?: una conversación animada con Noam Chomsky)

Dir.: Michel Gondry

“Un filme, un documental, una conversación”. La más reciente producción de Michel Gondry presenta una serie de entrevistas con el lingüista y filósofo Noam Chomsky. Es un documental animado que, con la ayuda de alucinantes y coloridos dibujos —creados por el propio realizador francés—, construye un retrato de Chomsky como profesor eminente y como hombre común. Una conversación hasta cierto punto compleja, donde la creatividad y la imaginación sirven para suavizar el rigor intelectual.

 

Last Days Here (Últimos días aquí)

Dir.: Don Argott y Demian Fenton

Bobby Liebling lleva 36 años definiendo qué es el hardrock a través de su banda Pentagram. Momentos de autodestrucción, conflictos entre sus miembros e infructíferos acuerdos con disqueras parecen haber condenado a la banda a la oscuridad musical. Después de pasar décadas escondido en el sótano de sus padres, por fin la música de Bobby es descubierta por la escena underground del heavy metal. Con la ayuda de Sean “Pellet” Pelletier, su amigo y manager, Bobby lucha por vencer a sus demonios.

 

Living Stars

Dir.: Mariano Cohn y Gastón Duprat

En Buenos Aires, Argentina, se documenta a decenas de personas reales, de todas las edades e identificadas con su nombre y profesión, bailando en espacios cotidianos de la ciudad sudamericana. Los dos realizadores de esta producción viajaron con su cámara al hogar de diversas personas, y les pidieron que escogieran una canción y la bailaran durante el tiempo que durara. Secretarias, administradores, instructores de judo, dentistas, estudiantes y niños bailan frente a la cámara, dando como resultado un documental poco convencional y sin diálogos.

 

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados)

Dir.: Florian Habicht

Estrenado en México en el marco de la pasada edición del Festival de Cine de Guanajuato, el documental de la banda liderada por Jarvis Cocker cuenta la historia detrás de una de las presentaciones de la agrupación que tuvo lugar en Sheffield, en 2012. Este lugar que, junto con la banda es “uno mismo”, según el propio Cocker. En este material audiovisual se incluyen entrevistas a los fans en espera del mencionado recital, además de pequeños gestos que precisan con dedicación la esencia PULP.

 

Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate

Dir.: Francesc Relea

La historia da incio junto al mar y continúa en un viaje sigue a los dos artistas, cómplices y amigos, a la par de Dos pájaron contraatacan (un tipo de “secuela” de la gira Dos pájaros de un tiro, que tuviera lugar previamente, en 2007), gira que desarrollaron en conjunto ambos artistas, en 2012. “Serrat es el símbolo. Viaja por América Latina desde hace 45 años. Además de la huella que dejó en su exilio mexicano, en Argentina y Chile sigue vivo el recuerdo de su compromiso contra los regímenes militares (…) Sabina es el cuate: el amigo, el colega, el cómplice para los mexicanos”

 

Supermensch: The Legend of Shep Gordon (Supermensch: la leyenda de Shep Gordon)

Dir.: Mike Myers.

Mike Myers aborda la carrera de un íntimo conocedor de Hollywood, el talent manager Shep Gordon. Tras aparecerse y adentrarse en el mundo del entretenimiento, Gordon hace amistad con Janis Joplin, Jim Morrison y Jimi Hendrix, y fue manager de Alice Cooper, Blondie, Luther Vandross, Teddy Pendergrass y Pink Floyd… por nueve días. El documental acecha la transformación de dicho personaje desde su época de hedonismo en la década de los 60, hasta el practicante religioso que se ha convertido ahora.

 

We Don’t Care About Music Anyway (De cualquier forma la música no nos interesa)

Dir.: Cédric Dupire y Gaspard Kuentz

Desde un  tornamesas, pasando por innovación musical desde una laptop y a través del robo o sampleo de música clásica, la escena avant-garde musical de Tokio confronta música y ruido, sonido e imagen, realidad y representación, documental y ficción. Esta producción muestra cómo más allá de la música y de su interpretación, el futuro y modo de existir de una ciudad, y de su sociedad en sí, está en su movimiento.

Ambulante, que en ediciones anteriores del Vive Latino ha agasajado a sus consumidores visuales con joyas como Blur: No Distance Left To Run y The Libertines: There Are No Innocent Bystanders en 2012, The Chemical Brothers: Don’t Think y Searching for Sugar Man en 2013, y Peaches Does Herself y The Punk Singer, deja altas expectativas tras revelar su selección para 2015. Ya, que llegue marzo.

 

| Para más información, consulta:

Ambulante

Vive Latino

Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

exclusive-first-penguins-of-madagascar-poster-166091-a-1406217671-470-75

 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

untitledp

 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Especiales Navideños Animados: Parte 3

Seguiremos este especial navideño hablando de dos series que comparten muchas diferencias entre sí pero también ciertas similitudes importantes. Ambas series cuentan los problemas “habituales” de la típica familia americana, una de ellas en situaciones donde la irreverencia es primordial, la otra maravillándonos con una civilización muy avanzada para la época en la que se encuentran.

 De la familia de Hannah Barbera tenemos a Los Picapiedra (The Flintstones, 1960), la familia de cavernícolas cuyas aventuras radican en el encanto de la monotonía de un mundo prehistórico, brillantemente retratado y adaptado como la vida en la actualidad donde hay beneficios como luz eléctrica, automóviles y televisión. La otra, una familia normal con un padre inepto, una madre excesivamente dedicada, un niño problema, una hija intelectual y una bebé superdotada que se enfrentan a un mundo americano donde la estupidez y las situaciones chuscas son abundantes. Del creador Matt Groening, Los Simpsons (The Simpsons, 1989).

jpg

 En el caso de este segundo programa, hemos tenido diversos especiales de noche de brujas y de navidad, sin embargo quisiera hablar del primero de todos y a mi parecer, uno de los mejores. El nombre del capítulo es “Los Simpsons se Asan ante un Fuego Lento”, haciendo referencia a un cántico navideño. En este episodio especial vemos a Homero, el padre, quien tras verse en problemas económicos y dándose cuenta de que no podrá darle una navidad llena de obsequios y color a su familia entra en desesperación.

 Este problema lleva al ingenuo hombre a buscar otros empleos que le dejen algo más de ingresos para pasar las fiestas. Sin embargo, todos estos trabajos resultan poco afortunados terminando en situaciones muy graciosas para el espectador. Una vez que parece que no hay otro camino, Homero decide arriesgarlo todo y apostar el poco dinero que tiene en las carreras de perros, logrando así un resultado inesperado, pero no por eso negativo. Este episodio no sólo demuestra todo el humorismo de la serie en sus mejores tiempos, sino que además muestra ese lado tierno de la navidad en donde lo menos material y comercial puede ser lo más hermoso de la navidad.

Christmas-Joy-Simpsons-585x450

 En el caso de los Picapiedra, también tenemos varios especiales de navidad y de igual forma hablaré del primero en salir al aire. Este capítulo nos cuenta la historia de Pedro Picapiedra, quien junto a su esposa Vilma y sus amigos Pablo y Betty, preparan una fiesta navideña de caridad para los niños necesitados. Las cosas se complican cuando Pedro y Pablo descubren al verdadero Santa Claus lastimado cerca de donde ellos viven.

a58f667b-ec17-4936-bce5-d683f32d4df0

 Al no ver otra opción, Santa les pide a sus anfitriones que lo sustituyan esa noche en repartir regalos por el mundo, tarea que ellos aceptan de inmediato. De ese modo da inicio la gran aventura que los lleva por todo el mundo e incluso a una espectacular visita al taller del Polo Norte, sin embargo el reto será cumplir con esta misión sin descuidar el otro compromiso que tenían para esa navidad. Se trata de un especial muy bien elaborado, con mucho mensaje y lleno de la magia navideña.

FredAndBarneySleigh

 He aquí otras dos opciones para ver en estas fiestas, ambas garantizan sonrisas al por mayor e historias que harán que hasta el más frío sienta simpatía por la época. Dos especiales que no pueden perderse.

Especiales Navideños Animados: Parte 2

Continuando con nuestra sección de especiales navideños de programas animados, nos vamos ahora a dos caricaturas cuyos personajes tenían algo en común: eran ratones. Todos identificamos nombres como Hannah Barbera y Steven Spielberg. Los primeros grandes creadores de conceptos para niños como El Oso Yogi, Scooby Doo, Los Supersonicos y los Picapiedra. El segundo un hombre legendario en la industria del cine que usó parte de sus recursos para la producción de algunas series animadas llenas de encanto infantil, aunque también de adulta irreverencia.

 El primer especial del que hablaremos es precisamente el que estuvo de la mano de Spielberg y una de sus series: Pinky y Cerebro (Pinky and the Brain, 1995). La serie nos contaba las desventuras de dos ratones de laboratorio genéticamente alterados que intentan apoderarse del mundo mediante una serie de elaborados planes que siempre terminaban en derrota. Uno de estos planes se dio lugar en el especial “Una Navidad con Pinky y Cerebro”, en el cual Cerebro (el líder) diseñaba a Cabezota, un muñeco hipnótico que podía poner a quien lo viera a los ojos en trance y obligarlo a esclavizarse ante su poder.

Captura de pantalla completa 26042014 051429 p.m.

 Aprovechando la época festiva y sabiendo que no hay taller de juguetes más completo, rápido y grande que el de Santa Claus, Cerebro y su amigo Pinky se embarcaban al Polo Norte con el fin de que el muñeco Cabezota fuera agregado a la lista de regalos de todo el mundo. De ese modo, en la mañana de navidad, todos abrirían sus obsequios y quedarían a su merced. Se trata de un plan de apariencia diabólica pero los conocedores de la caricatura sabrán que la serie estaba llena de humor absurdo pero inteligente al mismo tiempo, y este especial no es la excepción.

 La navidad de Pinky y Cerebro no sólo nos brinda un rato de carcajadas, sino además uno de los momentos más entrañables de la serie. Una lección de que hay días en los que vale la pena dejar de odiar y de querer ser más poderoso que el prójimo, hay momentos en los que el amor y la amistad pueden más que cualquier otra cosa y un detalle tan simple como una pequeña carta puede ser la diferencia cuando se escribe de corazón y pensando en algo más que el beneficio propio. Definitivamente es un especial navideño que nadie puede perderse y que vale la pena rescatar en estas fechas.

lt_163

 El segundo especial es el de una caricatura famosa de la empresa Hannah Barbera: Tom y Jerry (Tom & Jerry, 1995). Sí, me refiero a esa serie que ha sido parodiada infinidad de veces y que consistía en los esfuerzos del gato Tom por atrapar al ratón Jerry en una serie de secuencias divertidas aunque a veces extremistas. Una serie con un humor negro en ciertos puntos pero disfrutable para todo público, con personajes cuya relación rayaba entre el odio y la amistad.

 Hay varios especiales de esta serie, pero hablaré del que en mi opinión es el más memorable de todos; una película que fue lanzada directo a DVD con el referente de uno de los cuentos más clásicos de navidad. La cinta en cuestión es Tom y Jerry en El Cascanueces (Tom & Jerry: A Nutcracker Tale, 2007). ¿Por qué este especial es tan… pues especial? Ahora mismo se los explico.

F136627

 La historia trata sobre Jerry, quien disfruta junto a su amigo Tuffy de su evento anual preferido: El Ballet del Cascanueces. El pequeño ratón resulta ser un gran admirador de dicho espectáculo al grado de sentirse triste una vez que este termina. Jerry sueña con algún día poder ser parte del cuento y este deseo se vuelve realidad esa noche de navidad cuando, por arte de magia, él y Tuffy entran en el mundo del Cascanueces. Para empezar resulta fascinante como este mundo encantado es una mezcla entre un sueño y una obra de teatro, donde los espacios pueden variar desde un hermoso palacio, bosques nevados o simplemente un telón o camerino.

 En este nuevo reino de sueños y magia, Jerry es nombrado el soberano y pronto  se hace amigo de todos los juguetes encantados que ahí habitan. Para su desgracia, un grupo de gatos callejeros y su rey se dan cuenta de esto y en un ataque sorpresa toman posesión del reino. Mandan a Jerry y a sus amigos al destierro, y no conforme con eso, el rey gato manda a su capitán Tom a eliminar a Jerry para evitar que pueda volver y reclamar su trono.

tom-and-jerry-a-nutcracker-tale-885775l

 La ambientación de la película es sin duda magistral y aunado con la banda sonora original compuesta por Chaikovski, convierte a esta película en un verdadero clásico de navidad. Con el humor característico de esta serie y una aventura que cualquier niño desearía vivir, la película es un éxtasis visual que gustará a muchos. No obstante, he de admitir que es un proyecto dirigido más a los niños que a los adultos, pero no por eso es algo que los mayores no podrán disfrutar. Como punto adicional, si ustedes gustan de este famoso Ballet, la experiencia mágica será aún mayor.

 Dos nuevas opciones ampliamente recomendables, tan distintas como similares entre sí. Si tienen la posibilidad de verlas en estas fechas, háganlo; no se arrepentirán.

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

Captura de pantalla 2014-12-12 a la(s) 17.46.07

“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

Especiales Navideños Animados: Parte 1

La navidad nuevamente está llegando y como todo mundo sabe, el mundo de la animación ha ido muy de la mano con esta festividad desde la creación de este estilo artístico. Existen montones de películas y especiales que año con año, en época decembrina, podemos apreciar en cine y televisión; sin embargo, hay que recordar como muchos programas animados han dedicado por lo menos un capítulo de su repertorio a hacer honor a esta fecha.

 En esta ocasión me permito abrir un nuevo especial de animación en el cual hablaré un poco sobre algunos de estos capítulos especiales de caricaturas clásicas y nuevas, y de paso explicaré el por qué las considero sugerencias adecuadas para acompañar nuestras fiestas, ya sea en familia o viéndolas en solitario. Como diciembre es el doceavo mes, y como la canción navideña refiere a los doce días de navidad, hablaré de doce especiales que les recomendaría disfrutar este año.

pinguinos

 Para dar inicio adoptaré un poco el tema de la comedia navideña, dos especiales que sin perder ese toque tierno, dulce y de amor y paz que caracteriza a la navidad, nos hacen reír ante situaciones extremas y picarescas, incluso un poco irreverentes. El primer especial es un cortometraje inspirado en la serie (a la vez inspirada en la película) Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2008). Efectivamente me refiero a ese cuarteto de espías “bonitos y gorditos” que próximamente darán el salto a la gran pantalla en su propio filme.

 Este corto nos cuenta la aventura de Cabo, el miembro más joven y sensible del grupo, quien una navidad se percata que todos en el zoológico festejan en grande con sus amigos, todos excepto el oso polar. La soledad de ese compañero le causa tanta compasión que decide salir en busca de un buen obsequio para el oso, algo que le alegre la noche y le permita pasar una navidad sin igual. Desgraciadamente, Cabo termina metido en un gran lío cuando es confundido con un animal de juguete por una irritable anciana que lo lleva a casa.

Ted_navidad

 Cabo deberá ser rescatado por sus tres amigos Skipper, Kowalsky y Rico, quienes se enfrentarán a varios peligros que la gran ciudad ofrece (incluyendo a un adorable pero psicótico perro) en el proceso de salvarlo. La cinta está llena de ese humor absurdo pero contagioso que caracteriza las películas de Madagascar y la serie de los pingüinos, es una forma más libertina de disfrutar las fiestas; pero eso sí, tiene ese toque tierno y entrañable de la bondad, la amistad y el trabajo en equipo que aparte de hacernos reír en más de una ocasión, nos dejará con el sabor de boca de un gran especial navideño lleno de mensaje.

 ni La siguiente propuesta es sobre una serie de antaño, La Niñera (The Nanny, 1993), y si, se que esa serie fue filmada en live action. Y aunque en la primera temporada de la misma existe un especial de navidad (muy bueno, por cierto), resulta que la producción decidió hacer un segundo capítulo festivo usando la técnica de animación 2D, muy similar al opening del programa. Los conocedores de la serie sabrán el tipo de comedia que esta manejaba, un humor picaresco que hacía constantes referencias a Fran Fine, una mujer judía que encuentra trabajo como niñera de los hijos de un famoso productor de teatro. Su convivencia con esta familia estaba llena de situaciones chuscas donde se burlaban del medio artístico, la vida en barrios estadounidenses como Queens… y de Estados Unidos en general.

 El especial navideño en cuestión, es como mencioné, hecho totalmente en animación. En este capítulo, Fran y su protegido Brighton son transportados mágicamente al polo norte en donde conocen a Kris Kringle, o Santa Claus, y deciden ayudarlo a detener a C.C. la abominable Babcock, una bruja de hielo que trata de impedir que Santa entregue los regalos esa noche. De paso a esta tarea, Fran tratará de enseñarle a Brighton el valor de compartir y la importancia de dar, sobre todo en navidad.

La animación es muy simple pero el especial está muy bien logrado. He de admitir que el humor es un poco menos disfrutable que en la versión live action, sin embargo resulta ser una bonita historia que niños y adultos disfrutarán, sin mencionar el detalle de ver a todos los personajes de la serie reflejados en sus versiones animadas y navideñas. Definitivamente es un especial que vale la pena ver y más si son seguidores de la serie.

hqdefault2

 Empezamos con una parte chusca y traviesa de la navidad, pero que encierra todo el espíritu de esta época. En la siguiente ocasión traeré otras dos propuestas con la esperanza de que la animación esté presente en sus fiestas, y quizá, hacer de estas un poco ms mágicas. ¡Hasta la Próxima!

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

Captura de pantalla 2014-12-09 a la(s) 21.15.21

Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

25 años tras la caída del Muro de Berlín

Para acabar bien el año, Casa de Lago presenta La vida sin el muro. 25 años de la caída del muro de Berlín, un ciclo de cine que concluirá el próximo domingo 14 de diciembre. Aun tienes la oportunidad de disfrutar de las últimas dos proyecciones: Ningún lugar adonde ir y La sombra del caudillo.

berlin

 Ningún lugar adonde ir es una película dirigida por Oskar Roehler en 1999, la cual narra la historia la vida de la escritora Gisela Elsner, madre del director, a quien le fue imposible adaptarse a la nueva sociedad tras la caída del muro. De acuerdo con la prensa alemana, este filme es una de las metáforas más brillantes sobre la forma de ser y vivir después de la caída del Muro de Berlín.

 La sombra del caudillo, dirigida por Julio Bracho en 1960, se basa en la novela del escritor Martín Luis Guzmán, la cual narra la historia de sucesión presidencial que ocurrió años posteriores a la Revolución Mexicana. Esta película fue censurada durante 30 años tras un argumento emitido por la Secretaría de la Defensa Nacional en el que se decía que la película denigraba a México y sus instituciones.

 En las proyecciones pasadas se apreciaron Después de la revolución, de Dörte Franke y Marc Bauder; Berlín Babel, de Hubertus Siegert y Goodbye Lenin, de Wolfgang Becker.

 La cita es el próximo sábado 13 a las 17:00 horas y el domingo 14 a las 15:00 horas en la Sala Lumiére de Casa de Lago

Especial Ghibli: La Colina de las Amapolas

Finalmente hemos llegado a la última parte de este especial sobre las grandes obras del Studio Ghibli. En esta ocasión hablaré sobre la penúltima película que ha llegado a nuestro país, la última es una de la cual ya hablé con anterioridad y cuya nota pueden leer aquí.

 Volviendo al tema, en el 2011 Goro Miyazaki volvió a sentarse en la silla del director, esta vez con una película un tanto menos fantástica en tema, pero más grandiosa en profundidad. La cinta en cuestión es La Colina de las Amapolas (Kokuriko-zaka kar, 2011) , una cinta de romance que nos relata la travesía de un par de jóvenes. Por un lado tenemos a Umi, una jovencita que vive con su abuela y sus hermanos en una casa de huéspedes y cuyo padre falleció tiempo atrás en el mar. Por otro lado está Shun, un muchacho que vive en el puerto y que colabora en el periódico escolar.

From-Up-on-Poppy-Hill

 Cuando Umi y Shun se conocen rápidamente da inicio una relación en un principio conflictiva, pero poco a poco se vuelve amistad y (adivinaron) amor al final. No obstante, la tierna historia romántica de ambos se ve nublada por la decisión de los adultos de destruir la adorada casa de los clubes donde Shun trabaja, por lo que deberán unir fuerzas con sus amigos para salvar ese recinto tan importante para todos los estudiantes. Así mismo, una desgarradora revelación pondrá el amor de estos chicos en una situación que podría arruinarlo totalmente.

 Quizá es la única película de Ghibli que no maneja temas de fantasía en ningún sentido, ni en forma de sueño, sin embargo es una de las películas más entrañables de estudio con una historia de amor que es lo suficientemente emotiva para aquellos románticos empedernidos, pero sin caer en el abismo de lo cursi o exagerado. La animación y el diseño de arte son igual de perfectos que todas las cintas anteriores y al terminar la cinta nos podemos dar cuenta del enorme avance que el hijo Miyazaki logró en su segundo trabajo como director.

From-Up-on-Poppy-Hill2

 Quizá el punto débil de la cinta es su parecido con otras películas de Ghibli (sí, hablamos de ti, Susurros del Corazón), lo que nos hace pensar que vimos la misma historia en otra versión y por definición terminamos comparándola. Y aunque efectivamente hay muchas similitudes y esta nueva cinta no llega al nivel de la antes mencionada, nadie puede negar que se trata de un producto no de gran, sino de enorme calidad en todo sentido.

 La magia en esta versión además de la maravillosa ambientación de un Japón en épocas pasadas, es el fuerte lazo que crea el espectador con los personajes. Todo está tan bien logrado que uno puede identificarse con ellos, sentirse parte del grupo de alumnos e incluso añorar visitar esa hermosa (aunque muy destartalada) casa de clubes. Pocas cintas logran este lazo con el público y Ghibli era un estudio que definitivamente podía hacerlo. De esta manera nos quedamos con enormes expectativas de lo que Goro puede aportar a la animación y nos mantiene expectantes a las dos películas hechas por Ghibli que faltan por llegar a México, y desde luego, la noticia de que el estudio ha vuelto a abrir sus puertas.

From-Up-on-Poppy-Hill-post-11

 Luego de todo este especial de cine de animé, que en mi humilde opinión es arte puro, sólo me resta decirles que si no han visto por lo menos una película que tenga este nombre adornando su portada, se están perdiendo de mucho. Studio Ghibli, una verdadera fábrica de sueños para chicos y grandes, hombres y mujeres, orientales y occidentales.

Especial Ghibli: El Mundo Secreto de Arrietty

En el 2010, el Studio Ghibli nos impactó de nueva cuenta con una gran producción, esta vez tampoco bajo la dirección de Hayao Miyazaki. Basada en la novela de fantasía “Los Incurtores” de Mary Norton, el estudio llevó a cabo la realización de la cinta El Mundo Secreto de Arrietty (Karigurashi no Arietty, 2010) bajo la dirección de, en ese entonces novato, Hiromasa Yonebayashi y cuya labor con esta película le otorgó un lugar importante en el estudio, recientemente terminó su segunda obra, la cual aún no ha llegado a nuestro país.

 La película trata sobre un muchacho enfermizo de nombre Shaw que visita la casa de una tía en el campo con la esperanza de mejorar su salud y prepararse para una operación a la que será sometido pronto. En su estancia, Shaw descubre que la casa es habitada por pequeñas personas que se dedican a tomar prestados varios artículos de los humanos para sobrevivir. Una de ellas es Arrietty, una valiente chica que tras ser vista por Shaw entabla una amistad con él que lo llevará a conocer las maravillas de su mundo, y a ella, le mostrará que algunos humanos son peligrosos, pero algunos son confiables.

Arrietty_y_el_mundo_de_los_diminutos-

 Hiromasa logró un producto de gran calidad que se convirtió en un gran éxito de taquilla, además del record de ser el director más joven en la historia del estudio. Hayao Miyazaki estuvo muy al pendiente de la producción de la película, de hecho el guion es de su autoría, y permitió que la realización se adaptara al nuevo talento que estaba naciendo.  En esta ocasión la música estuvo a cargo de la compositora francesa Cecile Corbel, cuyo trabajo es verdaderamente memorable al entregar piezas musicales llenas de fantasía y un poco de misterio a la vez. Esta compositora, como dato adicional, se dijo fanática del Studio Ghibli e incluso confesó haberse inspirado en varias películas de Miyazaki y Takahata para las canciones.

 El éxito fue tal que la película logró superar a Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) en varias regiones y recaudó un aproximado de 110 millones de dólares, representando casi cinco veces el dinero invertido en su creación. No es de extrañar esto, ya que la película es hermosa en todos los sentidos. Desde su animación perfecta hasta sus paisajes tan bien elaborados que nos transportan de un pequeño pero bello jardín oriental desde la perspectiva humana hasta toda una jungla desde la vista de los diminutos.

arrietty-el-mundo-diminutos-dvd-blu-ray-el-18-L-QWm7QU

 Si aún no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una de las cintas de Ghibli más disfrutables en todos los sectores del público y una cinta obligada para los amantes de la magia y las historias donde enaltecen el valor de la amistad. Arrietty, una pequeña gigante del mundo de la animación.

https://www.youtube.com/watch?v=Vp2nb9Vq0yY

Las calles se teñirán de rojo

“Benditos sean los nuevos padres de la patria, por permitirnos purgar y purificar nuestras almas. Benditos sean los Estados Unidos, una nación renacida”

the-purge-2013-webdl-1080p-mkv_002362359

Imagina vivir en un país en donde los crímenes, violencia y desempleo estén en los números más bajos registrados históricamente. ¿Te atreverías a vivir en un país que brinde oportunidades a todos sus habitantes a cambio de una noche en la que es legal asesinar, robar y cualquier otro crimen?

 Este es el argumento de The Purge, una película que nos muestra una sociedad que se ha ido adaptando a través de los años a una nueva manera de vivir. Bajo la dirección de James DeMonaco, este filme retrata la vida de los Sandin, una familia común y corriente que se enfrentará a su peor pesadilla en la purga anual del año 2022.

 Las únicas reglas durante la Purga es que los funcionarios del gobierno de “ranking 10 o superior” deben permanecer ilesos y el uso de las armas por encima de “Clase 4” (por ejemplo, armas de destrucción masiva) están prohibidas.

 purga-louisvilleTras el estreno de esta película en 2013 y su segunda parte, The Purge: Anarchy, pareciera que la realidad superó la ficción, ya que el pasado 15 de agosto de 2014, en el estado de Louisville, Kentucky, comenzaron los rumores sobre llevar a cabo una purga real que comenzaría el viernes 15 de agosto a las 20:30 horas concluyendo al día siguiente a las 6:00 de la mañana.

 Obviamente las autoridades tomaron estas amenazas de manera alarmante, mientras también se preparaban para lo peor. Este llamado de violencia colectiva desató el pánico entre los habitantes, mismos que en la noche de ese día no paraban de llamar al departamento de policías reportando que escuchaban balazos y explosiones fuera de sus hogares.

 Imagina qué pasaría si en verdad se llevara a cabo una purga. ¿Los indices de violencia en verdad bajarían? ¿Purgar el alma una vez al año sería la solución a un sinfín de conflictos sociales? ¿Qué pasaría si se llevará a cabo en México?

 

NYFCC Awards 2014, o de posibles predicciones a los Premios Oscar 2015

Luego de la consumación de distintos festivales cinematográficos a lo largo y ancho del mundo, y durante todo el año, los últimos meses de éste se resumen a una especie de trance reflexivo que arroja como resultado el anuncio de la posible agrupación de cintas contendientes a la estatuilla de oro en sus numerosas categorías. Los premios Oscar: de dudosas tendencias, entendido cada vez menos como un galardón de prestigio, pero sin duda alguna una de las condecoraciones más afamadas.

 La lista definitiva —acordada por la propia Academia estadounidense, conformada por cerca de seis mil miembros entre actores, directores, productores, cinematógrafos y demás figuras de la industria— se da a conocer de manera pública en una ceremonia especial, para posteriormente llevar a cabo la respectiva premiación, evento magno de Hollywood, desarrollada en el marco de la popularmente conocida «Temporada de premios».

 Recientemente tuvo lugar la edición 2014 de la entrega de los New York Film Critics Circle (NYFCC, por sus siglas en inglés), ceremonia a cargo de la asociación estadounidense, fundada en 1935, que, debido a su proximidad a la mencionada ceremonia de los premios Oscar —a llevarse a cabo en la segunda mitad del mes de febrero de 2015—, y puesto que se desarrolló en el mismo país norteamericano, los resultados de dicha entrega aparecen como predicciones muy acertadas para la ceremonia de los Oscar.

En resumen:

 La ambiciosa Boyhood —distribuida en español como Momentos de una vida, cuyo rodaje se extendió por cerca de doce años, fue la acreedora al galardón a Mejor Película, al igual que su director, Richard Linklater, artífice de la trilogía compuesta por Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013), fue premiado como Mejor Director.

Ethan Hawke participó de manera muy activa en todo el trabajo que implicó Boyhood, cinta de la que también es actor, interpretando el papel del padre del protagonista. La dupla Hawke-Linklater resulta infalible luego de la trilogía de mencionada anteriormente, con Ethan en el rol masculino principal.

 El premio a Mejor Actriz fue para Marion Cotillard por su participación en dos cintas: The Immigrant, largometraje en el que actúa junto a Joaquin Phoenix, y Two Days, One Night, producción belga de 2014, parte de la selección de Cannes y cinta incluida en la 57 Muestra Internacional de la Cineteca. Por su parte Timothy Spall como protagonista de la biopic del pintor inglés Joseph Mallord William Turner, fue galardonado como Mejor Actor.

 Ida, la sobresaliente cinta polaca dirigida por Pawel Pawlikowski, presentada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato y también parte de la más reciente Muestra de la Cineteca, recibió el reconocimiento como Mejor Película Extranjera.

 La carismática cinta protagonizada por los curiosos juguetes de tez amarilla, The Lego Movie, fue premiada como Mejor Película Animada; mientras que el estéticamente intachable estilo del cine de Wes Anderson se hizo del premio de Mejor Guión por la cinta The Grand Budapest Hotel.

 Todos los anteriores son títulos ya conocidos, vistos por millones y aún en circulación para disfrute de otros tantos; los actores son figuras consolidadas, e incluso queridas por el público seguidor. Luego de la complaciente edición de 2014 a cargo del Círculo de Críticos Neoyorkino no queda más que aguardar la pasividad del fin de año en espera de las noticias que traiga consigo el inicio de 2015 en cuanto a materia cinematográfica se refiera. Pongámonos cómodos y vayamos preparando las palomitas.

Especial Ghibli: Ponyo

Regresando a las historias infantiles, Hayao Miyazaki decidió recurrir a un relato que escribió basándose en un serie de leyendas orientales, experiencias vividas en sus últimos viajes y quizá el punto clave, el cuento clásico de Hans Christian Andersen, La Sirenita; sin embargo, he de aclarar que su siguiente película no fue una adaptación de este cuento como erróneamente se pudiera pensar debido a su traducción en nuestro país. Más bien es una historia original basada en diversos elementos a modo de homenaje e incluso, ¿Por qué no decirlo?, de fanfiction.

 El Secreto de la Sirenita, título en México, o su traducción literal, Ponyo en el Acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) es el nombre de este proyecto. La película es una de las que más distribución ha recibido del Studio Ghibli y es una de las pocas que disfrutó de una temporada en salas de cine mexicanas. Así mismo, la cinta recibió apoyo de distribución de forma más directa por parte de la empresa Disney e incluso ostenta el nombre de John Lasseter como uno de sus productores.

ponyo_on_the_cliff_by_the_sea01

 La película nos cuenta la historia de Sosuke, un niño que vive solo con su madre en una casa junto al mar, en un acantilado. Su padre es marinero y constantemente está de viaje, por lo que la vida de Sosuke se encuentra dividida en ese sentido. Su rutina cambia cuando encuentra un extraño pez con cara de niña que habla y gusta de los alimentos humanos. Rápidamente se entabla una tierna amistad entre el niño y su nueva mascota, siendo esta bautizada con el nombre de Ponyo. Lo que Sosuke no sabe, es que Ponyo es en realidad hija de Fujimoto, un hombre con poderes mágicos que vive en el mar y que está decidido a evitar que su hija conviva con el mundo de los humanos y se pierda el equilibrio de la naturaleza, dando así inicio a una gran aventura para ambos, sobre todo para Ponyo, quien cada vez se enamora más de los humanos y de hecho, comienza a convertirse en uno.

 La historia es interesante aunque no es tan profunda como otras obras de Miyazaki, de hecho es muy sencilla y más siendo un producto hecho para niños. Sin embargo la película es ampliamente disfrutable, la imaginación de su director desborda en intensas secuencias donde olas convertidas en enormes peces golpean las costas y en otras escenas. El diseño de personajes y el diseño de arte son extraordinarios, así como la música de nueva cuenta compuesta por Joe Hisaishi. Como punto adicional, la canción principal de la película sin duda es de las más pegajosas jamás escuchadas y el que la escuche terminará cantándola el resto del día sin siquiera darse cuenta.

ponyo_07

 Esta producción nos habla de nueva cuenta de la importancia de mantener el medio ambiente, pero además le da un giro a este concepto cuando choca con otra lección: seguir nuestros sueños. Es interesante pensar en la contradicción que implica querer lograr nuestras metas (en este caso de una niña) y que el hacerlo tenga como consecuencia una gran catástrofe que afecta a todo el mundo. Es en este momento cuando nos enteramos que Ponyo es un cuento para niños, pero también tiene lecciones importantes para los adultos. ¿Una historia simple? Claro que si… tal vez… mejor ustedes decidan eso. Los invito a verla y dar su propio juicio, eso sí les aseguro, pasarán un rato muy agradable como con todo lo que Miyazaki ha logrado hasta ahora.

Ciclo de Cine: Primera Guerra Mundial 1914-2014

El Ciclo de Cine: Primera Guerra Mundial 1914-2014 que se está llevando a cabo en el Museo Nacional  de Historia del Castillo de Chapultepec está a punto de terminar, es por eso que si  aún no has ido tienes hasta el 13 de diciembre para ver el último filme Johnny cogió su fusil.

event-poster-3331287 Esta película, dirigida por Dalton Trumbo, en 1971, retrata la posición antibelicista de un soldado que pierde todas sus extremidades en una explosión durante la Primera Guerra Mundial y que finalmente trata de comunicar los horrores de la guerra.

 En esta conmemoración del centenario de la Gran guerra otros filmes que formaron parte del ciclo fueron Dr. Zhivago, La Gran Ilusión, Sin Novedad en el Frente y Gallipoli.

 Las últimas proyecciones de llevarán a cabo el próximo 6 y 13 de diciembre a las 12:00 horas en la sala de Historia  del Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec (Bosque de Chapultepec, Primera Sección). Entrada libre *Cupo limitado a 100 asistentes.

 

Especial Ghibli: Cuentos de Terramar

Como mencioné en la nota anterior, la realización de la cinta El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) fue causa de muchos conflictos para Hayao Miyazaki, incluida una pelea con su hijo. Y es que por hacer esa película, el maestro tuvo que renunciar a un proyecto que se suponía iba a dirigir pronto, mismo que fue tomado por Goro Miyazaki, el hijo en cuestión. Miyazaki padre vio con malos ojos que un proyecto de tal magnitud le fuera encomendado a alguien que no tenía experiencia en la animación y cuya labor actual era la de dirigir el museo Ghibli en Japón, tenía sus dudas con respecto a esta decisión aunque el involucrado fuera de su misma sangre.

 A pesar de la negativa, sus colaboradores productores le dieron la oportunidad a Goro y fue así como nació la cinta Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006), basada en el primer volumen de las novelas escritas por la estadounidense Ursula K. Le Guin, misma que ya había negado el proyecto a otros directores (por lo mismo, este proyecto era muy importante). La historia trata sobre la travesía del príncipe Arren, un joven que huye de su hogar tras haber atacado a su padre el rey. En su camino conoce al archimago Gavilán, quien le brinda su apoyo en su camino, y eventualmente a Theru, una joven con quien establece una relación al principio hostil, pero luego de gran amistad. Juntos deben luchar contra el malvado Lord Cob (O Lord Araña, como fue traducido en nuestro país), en un mundo donde la magia y las criaturas legendarias son una realidad, siendo los dragones los más mencionados en la cinta.

Cuentos_de_Terramar_Gedo_Senki-327502472-large

 Con un equipo de producción de primera, una banda sonora grandiosa hecha por Tamiya Terashima en donde se recurre a instrumentos medievales como la ocarina y la gaita, una de las canciones más recordadas y queridas del estudio y un director con nuevas ideas (y con el nombre de Miyazaki como plus), la película prometía mucho, de hecho en su semana de estreno fue la más taquillera, no obstante, su aceptación en otros sentidos no fueron demasiado espectaculares.

 Para empezar, la escritora del libro llegó a comentar que no consideraba que fuera una adaptación fiel a su obra, de hecho y aunque elogió la película y su aspecto gráfico, negó que esa fuera su historia, lo cual denotaba cierto nivel de decepción. Hayao, por su parte, también tuvo sus reservas ante el resultado. Nadie negaba que Goro había hecho una buena película, un proyecto que se notaba hecho con el corazón, con una animación impecable y unos escenarios más que bellos, de hecho están en la lista de los más hermosos de la filmografía del estudio. Sin embargo, todos coincidían en que a pesar de ello, algo había faltado.

ibeAMGsCqISo2K

Probablemente se debía a la inexperiencia de Goro, tal vez a que muchas partes del libro fueron cortadas y otras quedaron sin explicarse y confundieron a la audiencia, o tal vez la inevitable comparación del padre al hijo fue causa de enormes expectativas que no quedaron satisfechas. La película no está mal, de hecho es muy buena, tiene unas secuencias de acción fascinantes y debo decir que incluso un toque de horror gótico que ya desearían producciones de alto presupuesto. Es maravilloso ver el estilo anime en una historia que parece llevarse a cabo en Inglaterra. Efectivamente no es una película que tenga todo ese sello encantador de Ghibli, pero tampoco es una que pueda ser descartada.

 Es una cinta muy aceptable, verdaderamente buena y un excelente primer intento para un director novato. Aunque pudiera ser que no había mucha experiencia, se nota que el talento de su padre está ahí presente. Goro Miyazaki se ha convertido actualmente en una de las más grandes esperanzas del Studio Ghibli, y al ver sus dos obras actuales puedo decirles que la empresa de su padre está en muy buenas manos.

Se acerca lentamente el estreno de Inherent Vice

El pasado 30 de septiembre se dio a conocer al tráiler de Inherent Vice, una película que está creando mucha expectativa en el público. La adaptación de la novela con el mismo nombre (Vicio Propio, editada en México por Tusquets) de uno de los novelistas más aclamados y enigmáticos, Thomas Pynchon, y dirigida por Paul Thomas Anderson, que a su vez es uno de los directores estadounidenses más prometedores de los últimos años, contará con las actuaciones de Joaquin Phoenix, Owen Wilson, Reese Whiterspoon, Benicio del Toro y Josh Brolin.

 La historia trata de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective mariguanero, que está bajo la pista de su ex novia (Reese Whiterspoon), en la época final de la moda hippie a principios de los años 70. La historia se desenvuelve a través de músicos de surf, fanáticos del LSD y una serie de personajes y referencias propias de la locura psicodélica de la época. La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Nueva York el pasado 4 de octubre, pero tendremos que esperar a principios del año que viene para el estreno en México.

IV POSTER HORIZONTAL
La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 La crítica ya empezó a dar su opinión. Scott Foundals, de Variety, la compara con “los noirs fatalistas de la California de los 70, como ‘El largo adiós’ (Robert Altman, 1973), ‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974) y ‘La noche se mueve’ (Arthur Penn, 1975), en donde el suspense conecta con cuestiones más existenciales: ‘No para todos los gustos (incluida la Academia) esta rareza insobornable, discursiva y totalmente encantadora que ahuyentará a los habituales de las multisalas”. Mientras que Todd MaCarthy de Hollywood Reporter señala que es un “film desigual” y una “pálida ambientación de época”, incluso confirma lo indicado por el Scott Foundals señalando “pronósticos adversos”, asegura que tiene mayor cantidad de “elementos mainstream” que la anterior película del director, The Master, película destacada que no hizo feliz a todo el público.

 Aunque ya se había hecho un intento casi desconocido de adaptación de un libro de Thomas Pynchon (El Arco Iris de la Gravedad, adaptada por Robert Bramkamp en 2002), el próximo estreno de la película de P.T. Anderson será la primera vez que llegará de manera formal a la pantalla grande. La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 Paul Thomas Anderson es un director californiano nacido en 1970 que ha dirigido, hasta el día de hoy, seis largometrajes de los que destacan Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), There Will Be Blood (2007)y The Master (2012). Ha sido cinco veces nominado a los Oscares: mejor guión adaptado, película y director con la tercera película mencionada y mejor guión para la primera y segunda.

tumblr_ncp3vezLIA1qjaa1to1_1280
La adaptación de la novela de Thomas Pynchon, dirigida por Paul Thomas Anderson, llegará a México a principios de 2015.

 Thomas Rugles Pynchon Jr, el escritor de la novela en la que está basada la película, mejor conocido como Thomas Pynchon, nació en Nueva York en 1937, es uno de los narradores estadounidenses más leídos y aclamados hoy en día. Tiene un estilo particularmente complejo, además de una reclusión social absoluta que llega al extremo en el que no se conoce realmente nada de su persona, ni siquiera se puede asegurar que existen fotografías suyas. A pesar de su edad avanzada sólo ha publicado nueve novelas: V. (1963), La subasta del lote 49 (1966), El arco iris de gravedad (1973), Vineland (1990), Mason y Dixon (1997), Contraluz (2006), Vicio propio (2009), Bleeding edge (2013), Al límite (2014); y Lento aprendizaje (1984), un libro de relatos. Cuando ganó el National Book Award con El Arco Iris de la Gravedad, su novela mejor recibida, mandó a un comediante a recoger el reconocimiento. Es considerado por Harold Bloom como uno de los mejores escritores de su tiempo junto a Don DeLillo, Philip Roth y Cormac McCarthy y destaca por sus atrevimientos temáticos y estilísticos.

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

aclassdivided

 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

https://www.youtube.com/watch?v=gW5fKWJ3PiA

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

Especial Ghibli: El Increible Castillo Vagabundo

Sin duda alguna, la obra más famosa y conocida (aunque no la más premiada) del maestro Hayao Miyazaki es una cuya elaboración tomó muchos años, pasó por las manos de varios directores algunos incluso que no eran de la familia Ghibli—, y que muestra la belleza de la música, el arte y las clases sociales en una mezcla de la modernidad con la edad media. Una obra entrañable que no por nada está entre las favoritas del estudio. Un proyecto muy agotador que incluso indirectamente causó conflictos entre Miyazaki y su hijo Goro (asunto que explicaré en otra nota).

 El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) está basada en la novela de la escritora inglesa Diana Wynne Jones y nos cuenta la historia de Sophie, una joven bella y dulce, pero con una autoestima y una seguridad deplorables. Sophie trabaja en la tienda de sombreros de su madre y tiene una vida aparentemente simple hasta el día en que conoce a un extraño joven mago en la calle. La aparición de este mago traerá consigo muchos cambios a la vida de Sophie, siendo el mayor de ellos un hechizo arrojado por la bruja Calamidad que convierte a la muchacha en una mujer anciana.

howl-YoungHowl-big

 El mago en cuestión resulta ser Howl, dueño del castillo vagabundo que le sirve de refugio (portátil) para no ser descubierto por la bruja  Calamidad ni otros adversarios que están detrás de él. Sophie termina viviendo con Howl y sus ayudantes Mark y el demonio Kaisifer, y juntos emprenden una gran aventura con el fin de ayudar a Howl a conseguir eso que tanto le falta: un corazón, y de paso, romper la maldición que pesa sobre Sophie.

 Como podrán ver, es una de las tramas más complejas de la filmografía de este estudio y aunado con la brillante y hermosa música de Joe Hisaishi, más el talento de los animadores Ghibli, los artistas de fondos y la dirección de Hayao, la película es una verdadera joya del anime, la animación y el cine. Tuvo un éxito muy grande siendo una de las películas más fructíferas del estudio, pero no sólo por la genialidad con la cual está elaborada, sino por su contenido.

23

 La construcción de personajes es magistral, resaltando a la adorable Sophie y su transformación a lo largo de la cinta de ser una muchacha tímida a una valiente mujer capaz de arriesgarse a todo con tal de proteger a los que ama. En ocasiones incluso nos recuerda al cuento clásico “La Bella y la Bestia”, donde la hermosa joven ve la belleza en un ser que todo mundo considera un monstruo, y es que literalmente, Howl en ocasiones es un monstruo.

 Nos muestra la importancia de cosas como el valor, el amor, la amistad e incluso la piedad. La importancia de apoyar a otros, pero de una forma moderada que no incluya el abandono propio, además de la valía de la gente por su interior dejando de lado la belleza exterior, misma que a veces nos lleva al camino del egoísmo y la vanidad. Es una película brillante que nos ofrece una tierna historia de amor y magia en medio del horror de la guerra por cuestiones banales de ciertos gobiernos.

howls-moving-castle-20050531013509260-001

 La cinta ganó diversos reconocimientos alrededor del mundo, incluyendo la segunda nominación al Academy Award por la categoría de película animada, y aunque no logró llevarse la estatuilla, es indiscutiblemente una de las cintas más sobresalientes de aquella premiación. Un regalo a los sentidos, un viaje fantástico del cual nadie debe perderse. Los invito a ver la película y dejarse llevar por ese maravilloso y misterioso castillo, ¿A dónde? A donde su imaginación se los permita.

http://www.youtube.com/watch?v=MhaAj62njgs

Últimos días de la Muestra Internacional de Cine

La 57 edición de la Muestra Internacional de Cine, llevada  a cabo en la Cineteca Nacional, está a unos días de acabar, así que tienes hasta el 24 de noviembre para disfrutar algunos de los 14 títulos procedentes de Argentina, Polonia, Turquia, Suecia, Cuba, EE.UU., Canadá, Francia, Reino Unido, China, Rusia y México.

A este evento se suman a la programación la Muestra de Cine Español, el ciclo José Revueltas guionista y el Festival DOCS DF, con la retrospectiva  de Godfrey Reggio y el homenaje a Les Blank.

Aquí algunas de las películas que podrás disfrutar:

Sólo los amantes sobreviven

Jim Jarmusch. Reino Unido – Alemania, 2013

Desarrollada en las ciudades de Detroit y Tánger, Adam, un músico underground profundamente deprimido, se reúne con su enigmática amante, Eve. Su amor ha prevalecido por años, sin embargo su libertino idilio se verá interrumpido por Ava. ¿Podrán sobrevivir mientras el mundo se derrumba a su alrededor?

Mommy

Xavier Dolan. Canadá, 2014

Una ley en Canadá permite a los padres abandonar a sus hijos en el hospital cuando estos tienen problemas. Die intenta educar a su hijo Steve, que padece trastorno de déficit de atención, sin embargo, Kyla, una vecina, ofrece su ayuda. Su presencia es cada vez más intensa, por lo que comienzas a surgir preguntas sobre su vida y vínculo con Die y Steve.

La cita es en la Cineteca Nacional (Av. México-Coyoacán #389). *El costo para el público en general es de $40. Taquillas abiertas de lunes a domingo de 11:00 a 21:00 horas.

*$25 con credencial vigente de estudiante, maestro o del INAPAM
Consulta la cartelera

Especial Ghibli: El Regreso del Gato

Si bien es cierto que el Studio Ghibli no ha llevado a cabo ninguna secuela de alguna de sus producciones (aunque según rumores, si ha habido interés por hacerlo), lo más cercano a una segunda parte que este estudio nos ha brindado es la siguiente película.  Dirigida por otro nuevo talento del estudio, Hiroyuki Morita, El Regreso del Gato, o bien, Haru en el Reino de los Gatos (Neko no ongaeshi, 2002) es mas que una secuela o precuela, un spin off de la cinta Susurros del Corazón (Mimi wo sumaseba, 1995) también de Ghibli.

 Según algunos involucrados, esta película estaba pensada para ser la adaptación de la novela que Shisuku escribe en la película antes mencionada, la cual contaba con un elegante gato como protagonista. No obstante, los conocedores de la historia notarán que esta nueva cinta no tiene mucho que ver con aquel relato de fantasía más que sus personajes. La historia nos cuenta la travesía de Haru, una joven que tras quedar comprometida por accidente con un príncipe gato es transportada a un mundo donde ellos gobiernan y desean convertirla en su nueva princesa.

f1f8850633cfd27b9a045fd1fedd4de72198557c

 Haru queda atemorizada ante esta situación, ya que a pesar de que le ofrecen una vida de lujos y vacía de conflictos, para un humano resulta prácticamente imposible adaptarse a un mundo de felinos. Por si esto fuera poco, ella misma comienza a convertirse en un gato y dependerá de El Barón, su héroe gatuno, salvarla de ese peculiar destino y llevarla de regreso a su mundo y a su vida normal.

 Si bien no es una cinta tan magistral como otras que ha hecho el estudio, resulta ser un proyecto de gran valor y de gran calidad. Más aún considerando que se trata de una película que fue evolucionando de ser un corto para un parte de atracciones hasta todo un largometraje. Ambas historias no están conectadas y quizá eso es lo único que este servidor habría querido agregarle a la trama, pero fuera de eso, es una cinta muy disfrutable.

QualitŽ: deuxime gŽnŽration.   Titre: Le Royaume Des Chats.

Con un estilo de arte más colorido, casi al pastel, y una animación maravillosa, la película es muy disfrutable sin llegar a volverse legendaria. Quizá el público infantil la encontrará ligeramente mas disfrutable que los adultos, pero eso no significa que nos sea algo que los mayores no puedan gozar. Recomendaría ver primero su predecesora, más para disfrutar de las múltiples referencias que hay a esa otra película, no obstante, la cinta es tan sólida como para ser entendible y vista de forma independiente. Eso sí, no puedes ver una y perderte la otra. Ambas son excelentes películas, ambas dignas hijas de estudio de Hayao Miyazaki e Isao Takahata.

¿Quién es el asesino?

Estocolmo. Una masacre. Sangre. Muertos. Un crimen por resolver. Así es, una familia es brutalmente asesinada a sangre fría. El único testigo es Joseph, un joven de 15 años que sobrevivió a la masacre que acabo con sus padres y su hermana menor.

Imagen de: revistadeletras.net
Imagen de: revistadeletras.net

 “Voy a estar aquí sentado todo el tiempo. No tienes absolutamente nada que temer. Puedes sentirte completamente seguro. Estoy aquí por ti, no digas nada que no quieras decir, y tú mismo puedes dar por terminada la sesión de hipnotismo cuando quieras. Todo está tranquilo, silencioso y relajado. Ahora voy a contar hacia atrás, y con cada cifra que oigas te relajarás un poco más. Ahora estás completamente relajado. Todo está bien. Quiero que intentes recordar qué pasó ayer.”

 Este es el inicio de El Hipnotista, una de las novelas suecas que ha alcanzado gran éxito desde su publicación en 2010 por Lars Kepler, seudónimo utilizado por el matrimonio sueco de Alexander Ahndoril y Alexandra Coelho Ahndoril, famosos escritores, que decidieron mantener bajo secreto su identidad tanto tiempo como fuera posible.

Foto de: bonnier.com
Foto de: bonnier.com

 La novela pertenece al género negro sueco y en demasiadas ocasiones se ha dicho que Lars Kepler es el sucesor de Stieg Larsson, autor de la trilogía Millennium, misma que se publicó después de su muerte en 2004.

 El Hipnotista es la primera de ocho entregas que formarán parte de esta saga de literatura negra nórdica. Las publicaciones que han sucedido a este exitoso libro a nivel mundial son El Contrato, La Vidente y El hombre de arena, donde cada una puede apreciarse de manera independiente, pues lo único que las une es el investigador Joona Linna.

 Este libro ha generado diversas opiniones. Unos lo califican de brillante, ya que se caracteriza por ser impactante en la descripción de los hechos así como por la crudeza con que narra cada suceso. Otros, al contrario, lo definen simplemente como bueno, sin embargo, hablan de que en partes de la lectura se vuelve confuso en el juego de tiempos narrativos.

 La adaptación cinematográfica de este libro llego a la pantalla en 2013, bajo la dirección de Lasse Hallström.

Animación mexicana: Ciclo de cine en Museo Franz Mayer

Noviembre ha sido el mes de cortometrajes en el Museo Franz Mayer, así que no te puedes perder la última presentación de este Ciclo de Cine de animación mexicana el próximo 29 de noviembre. Dicho evento contará con cortometrajes producidos por  IMCINE.

Imagen de: conaculta.gob.mx
Imagen de: conaculta.gob.mx

  Dentro de los materiales que serán exhibidos se encuentra El Trompetista, de Raúl Morales Reyes, el cual narra la historia de un trompetista que tiene que enfrentarse al control autoritario y miedo para conseguir la libertad de interpretar su propia música.

 Como parte del Ciclo de Cine se presentaron el 1 y 15 de noviembre cortometrajes sobre el Día de Muertos, Proyecto 68 Voces y algunos pertenecientes al Festival Stop Motion México.

La cita es este próximo 29 de noviembre a las 13:00 horas en el auditorio del Museo Franz Mayer (Av. Hidalgo 45). *Entrada libre

Review: 6 Grandes Héroes

Es curioso que en los dos estrenos cinematográficos principales en nuestro país de esta semana la temática de ambas tenga un elemento en común: los súper héroes. Por un lado tenemos a la tan mencionada y aplaudida Birdman (Birdman, 2014), del director mexicano Alejandro González Iñárritu (cuyas recientes declaraciones en contra de este género causaron cierta polémica en algunos sectores del público). Por el otro lado, tenemos el estreno familiar, y lo que nos compete en esta sección, animado: 6 Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014).

 Hiro Hamada es un brillante chico con aptitudes para la robótica que vive en la imaginaria ciudad de San Fransokyo y que, motivado por su hermano Tadashi, aspira a ser aceptado en una prestigiosa universidad de jóvenes con mentes sobresalientes (osea, nerds). Luego de un desafortunado accidente que le cuesta la vida a Tadashi, Hiro descubre que uno de sus inventos ha sido robado por un villano enmascarado de fines nada claros, por lo que decide investigar al respecto. En su camino será ayudado por Baymax, un robot creado por su hermano y cuya única función es la de curar a la gente, además de un grupo de amigos nerds. Es de este modo como da inicio la aventura, y de paso, el nacimiento de un nuevo grupo de justicieros: Los 6 Grandes Héroes.

sfm33Zn

 La historia cumple con el fin de entretener, en ratos divertir y en otros conmover, cosa común en las películas de Disney; no obstante, el encanto de esta cinta es que tenemos la querida fórmula del estudio del ratón unido al puro estilo de los súper héroes (Recordemos que Marvel está involucrado en el proyecto). La trama es sencilla y en cierta forma predecible, sin embargo está muy bien lograda. La película divierte a chicos y grandes y el sabor de boca que nos deja al final es verdaderamente placentero. La animación, arte y diseño de personajes es magistral, destacando las tomas panorámicas de esta ciudad ficticia que combina el esplendor de una metrópoli americana con la cultura oriental.

 Así mismo, hay que resaltar a los protagonistas. Hiro resulta ser un personaje muy completo que refleja muy bien los dilemas de la pre adolescencia, además de que no es el típico héroe perfecto y sí un humano con temperamentos variables que en momentos de intenso dolor es capaz incluso de desear el mal a sus enemigos; por supuesto que todo esto sin perder la esencia de su buen corazón. Baymax por otro lado es el robot que todos quisiéramos tener, un personaje amable, adorable, servicial y un amigo incondicional. Resulta maravilloso cómo un personaje sin más rostro que un par de ojos totalmente negros, y cuyo tono de voz no tiene variación alguna por estados de ánimo (es una maquina a fin de cuentas) termine siendo tan entrañable y expresivo.

d8ed22ee860790f58ad96cf0266b861457b9c7ed

 Quizá no sea el gran descubrimiento de Disney, quizá no aporte nada más de lo que ya hemos visto en películas de Marvel o DC Comics, sin embargo la mezcla de estos dos universos resulta interesante y la película dejará satisfechos a los espectadores, sea cual sea su edad. Ampliamente recomendable y garantizado es que pasarán un buen rato viéndola. Personalmente, se ha agregado a mi lista de cintas animadas preferidas.

Federico Fellini: Recuerdos de Italia


best-federico-fellini-films
Taste of cinema.

La peculiaridad para retratar el ambiente social de 1950 a 1960 , recae en la sensibilidad que poseía Federico Fellini: llevar a través del séptimo arte la singularidad de los hechos tan controversiales que sucedían, tales como violencia intrafamiliar, discriminación, pobreza –en diversas facetas, lucha entre clases sociales y la precariedad de la vida en esa coyuntura mencionada. Aspectos que enriquecían la postura del director y guionista italiano, para brindarle al cine de lo mejor que se ha hecho internacionalmente.

vogue
Vogue.

 Conforme al transcurso de su vida, Federico Fellini veía en Italia la gran confrontación que  existía entre clases, lo cual incrementaba los problemas sociales y no permitía el desenvolvimiento pleno; por eso surge su necesidad de retratar a su natal país en cada película, ya sea desde diversos escenarios que iban de una mujer que perdió la esperanza en la vida y en sí misma, como a un núcleo social que sufría las consecuencias de una pobreza llena de desvaríos y censuras. Su cometido fue logrado de una manera tan clara y precisa, que su legado en la cinematografía dejó una gran huella que sigue reconociéndose en estos tiempos donde la crisis social hace su aparición de una manera descabellada. No fue en balde su trabajo, ya que obtuvo el reconocimiento de la Academia con cuatro premios Óscar, aunque cabe destacar que su finalidad nunca fue esa, él mismo se encargó de demostrarlo implícitamente en cada guion, ya que no presentaban características de pretensión ni simulación de los hechos, es por eso que alcanzó la precisión de cada problemática; pasando desde el momento lleno de felicidad hasta el más cruel.

guapos
Federico Fellini y Giulietta Masina.

 Su desempeño profesional  en primera instancia como dibujante le permitió tener una perspectiva más alta sobre lo que quería hacer, por lo que se dedicó primero a escribir y a dibujar; y posteriormente se dedicaría al séptimo arte. No fue fácil su desarrollo laboral, ya que se enfrentó a la represión por parte del Estado que perseguía indiscriminadamente a los artistas que trataban de impartir al público otro tipo de espectáculo, por lo cual al fungir como guionista de la serie Flash Gordon, tuvo que enfrentar al gobierno conservador siguiendo su trabajo en la misma línea. Nunca dejó que cuestiones externas le atemorizaran para hacer lo que tanto disfrutaba.

“Hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños: años pueden pasar en segundos y se puede saltar en un lugar a otro.”

— Federico Fellini.

cabi
Giulietta Masina en las Noches de Cabiria

 Hizo su aparición en el cine de manera magistral, gracias a la relación que mantuvo con el director italiano Roberto Rossellini , quien le ayudó en un principio a dar forma a obras maestras como Roma, ciudad abierta y El jeque en blanco. 1950 fue el año donde presentó su primer largometraje Luces de Varieté; con la película La Strada (1954) alcanzó el retrato de una sociedad sombría y llena de calumnias hacia una mujer que esperaba sólo ser amada, y que sufría una condición de pobreza  que la llevó a estar dispuesta a aceptar un sinfín de desplantes por una sociedad que sólo se mofaba de ella y la ponía en el centro del espectáculo como el títere que siempre se negó a ser, pero que por costumbre le fue impuesto y que sin duda, se acostumbró a serlo sin cuestionar el sentido del porqué se le trataba así. Giulietta Masina fue la gran estrella que le dio forma a personajes femeninos tan peculiares como Gelsomina en la Strada (1954), Cabiria en las noches de Cabiria (1956)  mujer que enfrentaba el reto de poder pertenecer al mundo siendo ella misma; su sensibilidad y carisma hacia la vida le permitían enamorarse fácilmente de cualquier hombre e imaginar un mundo de color rosa, lo cual no le permitía encontrar un equilibrio en su vida, se confiaba fácilmente de quien fuera y su vulnerabilidad la hizo presa de un dolor inmenso. Sin dejar pasar a Julieta de los espíritus (1965) personaje que puso al cine de cabeza, ya que la actuación logró compenetrar hacia el esquema social más oscuro de aquél tiempo, personaje que relata la infelicidad y la inseguridad de un ambiente familiar que sólo le provoca soledad (nada alejado de lo que pasa actualmente).

stra
Escena de La Strada.
gelsomina
Masina interpretando a Gelsomina.

 La dolce vita (1960), con la participación Marcello Mastroianni, obtuvo la Palma de oro en el Festival de Cannes. Ocho y medio (1963) también la protagonizó el italiano Marcello; ambas películas encontraron la situación de un mundo lleno de prejuicios y de vicios que los acercaban a la perdición o la reflexión según fuera el caso, por lo cual estas dos cintas reflejaron al mundo que olvida y que critica, sin tener un preámbulo constante. Se recordaba todo mientras causara algo positivo y de lo contrario, se desechaba.

cinema
Escena de La dolce vita.

Con música del célebre compositor Nino Rota, las cintas del guionista italiano alcanzaron la popularidad en todas las zonas periféricas del país justo como lo quería Fellini, hacer llegar a la gente más alejada del ambiente una reflexión que le permitiera tener una criterio más amplio sobre lo que acontecía en Italia a mediados del siglo XX. Melodías como la de Amacord, las noches de Cabiria, la dolce vita siguen impregnando la galantería de sumos detalles.

 Su versatilidad le permitió rebasar los límites del séptimo arte, para adoptar una perspectiva que difería con lo que se quería mostrar con lo que debería de enseñar al público, que era la realidad de tiempos difíciles donde la reflexión se tenía que abrir ante el cine a través de personajes tan bien definidos como los que se mencionaron con anterioridad. Una sociedad en crisis, con problemas por enfrentar su situación; cuestiones que no son tan diferentes de lo que pasa en estos momentos. Sin duda, el legado del gran genio italiano sigue en pie.