El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

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MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

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Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

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Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

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 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

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Llega la 56 Muestra de Cine Internacional a la Cineteca

Tras décadas de ofrecerse como la programación que anima la oferta en muchas salas de cine del país,la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional vuelve en su primer edición del 2014, afirmándose una vez más como una ventana hacia el mundo a través del cine.

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 Durante esta primavera, en su edición 56, la Muestra ofrecerá un programa compuesto de 14 títulosde países como Argentina, Alemania, Brasil, Chile, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Islandia, Italia, Japón y México, que ilustran la realidad de la realización fílmica alrededor del mundo.

 Iniciando con con La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, escrita por el propio Gavaldón en colaboración con José Revueltas, que en conmemoración del centenario de la legendaria  María Félix, se exhibirá en un nuevo formato de  35mm .

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 Polissía (2011) de  Maïwenn Le Besco, que fuese Premio Especial del Jurado en Festival de Cannes en 2011, se integra a la lista por parte de Francia, mientras que desde Dinamarca, Lars Von Trier presentará, su ya polémica,Ninfomanía vol. 1 ( Nymphomaniac, chapter one. 2013), la historia de una chica adicta al sexo y sus descabelladas acciones para satisfacer su impulso.

 La nominada al Oscar, Se levanta el viento (Kaze Tachinu (The Wind Rises). 2013) de Hayao Miyazaki también figura en este festín internacional de filmes. Mientras que tras triunfar en la Muestra de Venecia en 2013, la cinta del canadiense Xavier Dolan, basada en la existosa obra teatral de Michel Marc Bouchard, Tom en la granja (Tom at the farm. 2013), una interesante perspectiva sobre la homosexualidad con el cineasta en el rol principal.

 Ésta vez el país encargado del cierre será China, con la cinta de Jia Zhangke Un toque de pecado (Tian zhu ding2013) del chino, acerca presente convulsivo de China como consecuencia del inapelable clima económico que impera en el país.

 

 La Muestra podrá disfrutarse a partir del 11 de abril con otros destacables títulos como El gran hotel Budapest (The Great Budapest Hotel. 2014).

Originally posted 2014-04-04 02:26:14. Republished by Blog Post Promoter

Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

Originally posted 2013-12-16 15:24:49. Republished by Blog Post Promoter

Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

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 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

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 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Originally posted 2014-12-22 10:03:08. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

Originally posted 2014-07-28 09:25:21. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

Originally posted 2014-09-08 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

El primero y el don Juan

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En el principio, compró El Escribidor su lápiz y su hoja; y la hoja estaba vacía y el lápiz sin usar, y las tinieblas estaban sobre la faz de la página, y las ideas se movían sobre la faz de la página. Y dijo El Escribidor: haya un texto, y…. no hubo un texto, por lo que debió detenerse a divagar un poco con la esperanza de tropezar con algún buen tema para su colaboración inicial en Chulavista. ¿Un libro? Quizá después, pero el clima no parecía apropiado para eso; ¿un concierto? Hace años que El Escribidor no se para frente a un escenario. ¿Un disco? El Escribidor no se distingue por sus saberes musicales y, confiesa, nunca logró tocar en sus clases de música en la secundaria (flauta incluida) nada que tuviera más de tres notas. ¿Cine? Sí, el cine parecía una opción viable: una película, palomitas y refresco; eso, claro, si la cartelera lo permitía.

Con esto decidido, El Escribidor se desempolvó, salió al mundo y caminó sobre avenida Universidad en busca de una sala donde se proyectara eso que han dado en llamar Séptimo Arte. Cuando pasó por la estación del metro Coyoacán, miró a su derecha y la Cineteca parecía llamarlo: un canto quería seducirlo, como las Sirenas intentaron seducir a Ulises; y así como éste hizo, El Escribidor se tapó los oídos y fingió demencia, pues recordó que 11 de cada 10 veces (sic) el sueño lo ha vencido en sus intentos de arañar con la razón o el sentimiento los altos conceptos del cine de arte (lo que sea que eso signifique). Pero El Escribidor no es ni sociólogo ni poeta, por lo que siguió su marcha ya con un conocido refresco de cola en mano.

Varios sorbos después, apareció en el horizonte una plaza de las no pocas que pueblan las aceras del sur de la ciudad. El Escribidor alzó la vista y contempló maravillado el anuncio de una famosa cadena de cines (nótese que la fama no resulta siempre del prestigio), al tiempo que notó cómo el sol habíase ya tornado luna. Al Escribidor no le gusta la noche, a menos que ésta venga con la promesa de una buena copa, así que decidió tomar la primera oportunidad que se le presentara en la taquilla, ver una película que reseñar y regresar cuanto antes al hogar. De la cartelera se distinguió una cinta por la desgracia de su nombre: Un atrevido don Juan (El Escribidor tiene la certeza de que los malos traductores van directo al infierno y arden con mayor crueldad en un círculo del que Dante nunca habló). El morbo arrastraba la mirada hacia el resumen del desgraciado don Juan. En principio, el nombre original: Don Jon; el asunto mejoraba. Después, el género: comedia romántica; aún mejor: El Escribidor quería llorar, reír y enamorarse con Joseph Gordon-Levitt y Scarlett Johansson, los protagonistas. Finalmente, tres palabras que raramente fallan en vender: pornografía, adicción y amo… antes de terminar de esa última palabra, El Escribidor ya estaba apoltronado en una butaca (premium por aquello de su gusto por el dispendio) y deseando comprarse un automóvil, un celular y todo aquello que le fue ofrecido en la publicidad sin fin que precede a toda película.

don-jon-2Las palomitas ya escaseaban cuando se mostró en pantalla el nombre de la productora a cargo de los dineros: Hit Record. Una fan (¿o un fan? El Escribidor no sabría decir verdad) gritó con las hormonas en la boca: “Ay, es la productora de Joseph”. Silencio después. Los rollos empezaron a girar y El Escribidor se desparramó sobre su vastísimo asiento. Más o menos 90 minutos después, la esperanza en el amor había vuelto, pero no un amor cualquiera, sino El Amor. ¿Para qué mira uno este tipo de películas sino para evadirse de la realidad?

El Escribidor no quiere echar a perder Don Jon a los lectores; por esto, no contará minuciosamente la historia, pero se siente obligado, después de la abultada crónica de sus andares, a ofrecer siquiera una descripción general sobre el argumento y los personajes del film (los sinónimos escasean), y finalizar el texto con su opinión (humilde o no).

Los personajes Barbara (Scarlett Johansson) y Jon (Joseph Gordon-Levitt) representan dos concepciones estereotípicas del amor: ella, la de la mujer en espera del hombre perfecto con disposición a sacrificarle todo sin pedir nada, una idea más cercana al amor que don Quijote profesa a su señora Dulcinea, que al posible en el siglo XXI, y que ella toma como letra sagrada de las chick flicks a las que es aficionada; él, por otra parte, no consigue hallar el placer prometido por la fantasía del porno en la realidad del sexo que, por cierto, no le es escaso.

Los personajes se conocen durante una noche de fiesta; “She’s a ten”, afirma Jon luego de verla. Baile y flirteo siguen a las primeras palabras que intercambian, para continuar los meses siguientes con un lento proceso de cortejo en el que, por supuesto, ella no accede al fornicio: “I want it to be special”, dice Barbara, que no duda en imponerse al enamorado Jon de quien espera hacer un hombre “de bien” antes de darle la “prueba de amor”. Cuando esto por fin sucede, la decepción se apersona: ni siquiera con ella The Don obtiene el placer sexual que había esperado, por lo que enseguida salta de la cama que ambos comparten y corre a masturbarse frente a las imágenes de PornHub (todos los derechos reservados). Ella lo descubre y explota entre la indignación y el escándalo. Tras una breve pelea, todo se arregla con una mentira y una prohibición tajante del porno.

El noviazgo sigue con la disposición del personaje de Gordon-Levitt a aceptar cualquier cosa que la rubia, educada en la filosofía de la comedia romántica, le imponga: qué es y qué no un hombre, qué debe hacer y cómo comportarse, cómo debe ser el amor, e incluso quién debe estar a cargo de la limpieza de su casa.

Un tercer personaje, la viuda y liberal Esther, bajo la interpretación de la veterana Julianne Moore, funciona como elemento de crítica a estas posiciones entre el amor de película romántica que espera Barbara y el sexo salvaje de PornHub que anhela Jon. Es a través de ella que se cuestionan ambas posturas y se propone otra de mayor libertad entre los amantes.

donjon-1El Escribidor siente que ha contado ya de más y prefiere detener su perorata descriptiva-narrativa con una conclusión: Don Jon, primera película escrita y dirigida por Joseph Gordon-Levitt, busca cuestionar los clichés sobre el amor y el sexo que predominan entre hombres y mujeres. Para esto, recurre no a figuras de inadaptados como suele usarse, sino que, con base en el lugar común, se construyen personajes bien establecidos en el centro de la sociedad a los que se lleva hacia situaciones de confrontación en las que puede apreciarse el punto crítico de la cinta. Finalmente, El Escribidor ve en ésta una película ligera y divertida que, sin mayores pretensiones artísticas, logra algunas carcajadas del espectador que no espera más que entretenimiento, palomitas y refresco.

El Escribidor salió de la sala de cine preguntándose: ¿todos los hombres ven porno?

El tráiler a continuación:

 

 

Originally posted 2013-12-12 19:55:32. Republished by Blog Post Promoter

Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Originally posted 2014-03-25 15:41:05. Republished by Blog Post Promoter

KINOKI 2013: Desde el cuarto infierno

Por Julio César Reyes

Creado en el 2004 por alumnos de la Universidad Iberoamericana, el KINOKI Festival Internacional de Cine Universitario, toma su nombre del movimiento que surge en Eurasia hacia 1922 con un hombre llamado Dziga Vertov quien propuso los conceptos de la Kino Pravda (cine-verdad) y Kino Glaz (cine-ojo) que buscan expresar una verdad más profunda percibida por el ojo humano a través del séptimo arte.

KINOKI surgió debido a la ausencia de espacios de exhibición para trabajos cinematográficos. Promueve a cineastas emergentes y talentos nuevos de otras escuelas y países que han incursionado en este arte. Aquí interactúan muchos cineastas mexicanos del futuro.

Dentro de la instalaciones de la Universidad Iberoamericana y como parte de KINOKI 2013, el pasado jueves se proyectaron en el sótano 4 del estacionamiento dos cintas ad hoc a esta época del año por su temática dominada por el género del terror.

Los espectadores asistentes disfrutaron de Martyrs (2008), protagonizada por Morjona Alaoui y Mylène Jamponoï; durante una noche en Francia a principios de los años 70, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es descubierta al borde de la carretera. Casi catatónica, no se acuerda de nada, los policías encuentran rápidamente el lugar donde estuvo encerrada, un matadero abandonado; Lucie no lleva ningún rastro de abusos sexuales, lo que refuerza el carácter misterioso del caso. Hospitalizada, reaprende a vivir a pesar de las pesadillas donde aparece una mujer torturada y forja una amistad con Ana, otra niña a cargo de la institución después de haber sufrido abusos en su familia.  Quince años más tarde, en una casa de campo, aparece Lucie, con fusil en mano, disparando a toda la familia.

Para la segunda función presentaron The Evil Dead (1981) un clásico del terror.  Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

Alrededor de las 10 de la noche finalizó la proyección, los asistentes se mostraban satisfechos por estas cintas que muestran una perspectiva  más arriesgada en este género cinematográfico

Originally posted 2012-10-28 21:00:46. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: Jóvenes directores con futuro

Por: Jesús Herrera

 

El cortometraje es el primer paso de un novel director en el largo camino del quehacer cinematográfico. En ellos, los jóvenes directores tienen la oportunidad de lograr un acercamiento a la realización de un film sin la necesidad de contar con un gran presupuesto para ello.

Son numerosos los cortometrajes que se realizan año tras año alrededor del mundo, sin embargo, a pesar de su gran calidad, muchos de ellos quedan en el olvido debido a la nula o escasa difusión y los pocos espacios de exhibición para tales trabajos. Por ello, Chulavista hace un recuento de algunos directores que tienen un gran futuro en el cine. Aquí sus trabajos:

Edgar Nito

Es egresado del CCC, su cortometraje Y Volveré (2010) ha sido ganador en numerosos festivales, los más importantes: SITGES, GIFF, LEBU y Screamfest L.A.

Shaun Escayg

Es egresado de la School Of Communication Arts, nación en Trinidad y Tobago, se ha dedicado, principalmente, a la animación y efectos especiales. Entre varios trabajos destacan Transformers 3 y su cortometraje Fish (2012), con el cual fue semifinalista del Your Film Festival de YouTube.

David Muñoz

Es estudiante del CUEC, su cortometraje Salvador (2011) fue uno de los seleccionados para el Tercer Rally Universitario del GIFF

Originally posted 2012-08-22 16:00:53. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 11: Una Película de Huevos

En esta ocasión trataremos el tema de una película cuyo éxito dejó sorprendidos tanto a la crítica como a sus propios creadores. Una cinta que provocó mucha expectativa pero a la vez cierto desdén por parte de un sector del público antes incluso de su estreno: Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006).

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 Basada en las exitosas animaciones creadas por la empresa Huevo Cartoon, fundada por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006) parecería ser un largometraje animado para un público muy adulto, donde la irreverencia, el doble sentido y la vulgaridad predominarían; y es que los conocedores de la página de internet sabrán que el humor de Huevo Cartoon puede llegar a ser un poco subido de tono.

 La película llamó a las salas a los seguidores de dichas animaciones, pero varias personas no querían darle la oportunidad, argumentando frases como: “de seguro es película para nacos”, palabras textuales que este servidor llegó a escuchar.

 No obstante, el equipo de producción detrás de la cinta tenía una visión que iba más allá de lo que todos creían. Sí, por supuesto que la película requería albures, chistes para adultos y cosas por el estilo, no iban a decepcionar a sus fans. Pero cabe recalcar que los hermanos Riva Palacio tenían espíritus firmes acerca de lo que buscaban y como tal supieron desde el principio la dirección en que querían seguir con este proyecto.  

 Con un humor fiel al estilo original, pero adecuadamente equilibrado a un humor más inocente y familiar, aunado con una historia aparentemente sencilla pero llena de valores como la determinación, los sueños, la amistad, el amor y el valor,  culminó el proyecto convirtiéndose en una película para toda la familia que fue muy bien recibido por el público.una_pe8

 La historia trata sobre Toto, un huevo de gallina que desea ir más allá de su destino como desayuno y convertirse en un gran pollo. Con la ayuda de sus amigos, Willy y Tocino, emprenderá un peligroso viaje para volver a su hogar y cumplir su sueño, pero no le será tan fácil ya que la vida de un huevo está llena de peligros como los propios humanos, animales hambrientos y los infames huevos de reptil. La película cuenta con las voces de Bruno Bichir, Carlos Espejel, Angélica Vale y los mismos Riva Palacio, cuyas interpretaciones cumplen totalmente.

 La animación es magnífica, pudiera ser la película con mejor calidad de animación en México, el guion muy ingenioso y divertido e incluso la banda sonora está hecha con gran inteligencia, ya que funciona tanto en los momentos cómicos como en los emotivos. Y por si esto fuera poco, la cinta también tiene buenas dosis de acción, incluyendo una escena de batalla, evocando el estilo de las cintas con justas medievales, pero ubicadas en el mundo de los huevos.

 Si no han visto la cinta, háganlo, les aseguro que no se arrepentirán. Disfrútenla y como bien dijera Confi, uno de los personajes, “que el colesterol los acompañe”.

http://www.youtube.com/watch?v=cNPLYU3Q4LE

Originally posted 2014-04-21 02:35:05. Republished by Blog Post Promoter

Tarantino y el Western

 

Quentin Tarantino ha construido una reputación que le coloca aparte, como a muchos otros directores, de la montaña de contenido audiovisual producido en Hollywood.

El audaz realizador se ha preocupado por contar historias clásicas en formatos novedosos. Sus personajes, simples y definidos aunque no por eso unidimensionales, suelen entrelazarse en historias contadas a través de cronologías alternativas a la lineal.

Si Pulp Fiction y Jackie Brown tienen influencias más marcadas del cine de mafiosos, Kill Bill e Inglourious Basterds se acercan más al western por sus temáticas recurrentes como la venganza, los llaneros solitarios y los duelos a muerte. Sin duda, el género interesa e inspira al director originario de California.

Sin embargo, Tarantino nunca se había lanzado a realizar un western cuyo marco escénico de hecho fuese el viejo oeste de aquel ex Estados Unidos conquistado y domesticado sólo a medias. Hasta ahora.

Django Unchained, su más reciente producción a estrenarse mundialmente a finales de diciembre, es un homenaje al género del spaghetti western, que dominó las pantallas en el vecino país del norte durante los años sesenta y setenta del siglo pasado. Eran películas situadas en el viejo oeste y producidas mayoritariamente por italianos.

La cinta de Tarantino lleva el nombre de una de las películas más emblemáticas de la era del spaghetti western (Django, 1966), la cual a su vez inició un frenesí de westerns con el mismo nombre pero con historias y personajes distintos.

Con un elenco estelar que incluye actores como Jamie Foxx, Christopher Waltz, Leonardo Di Caprio y Samuel L. Jackson entre otros, la historia gira alrededor de un esclavo negro (Foxx) recién adquirido y contratado por un cazarecompensas (Waltz) para eliminar por venganza a una pandilla de matones a cambio de su libertad definitiva.

Tarantino ha declarado que quería hacer una película sobre un tema fundamental en la historia de Estados Unidos como la lucha por la libertad de los afroamericanos, pero quería mantenerlo en un marco relajado como el que permite el spaghetti western.

La nueva entrega del carismático cineasta seguramente despertará fuertes aficiones y desprecios. El estilo de Tarantino no siempre gusta y su gusto por la hipérbole visual y la violencia gráfica no es para todos los estómagos. Quizá la única garantía al entrar a la sala de cine a ver un film de Tarantino sea que la película proyectada sin duda será un trabajo con mucho oficio y reflejará preocupación por la construcción de universos detallados y excéntricos personajes.

Trailer de Django Unchained:

Originally posted 2012-11-30 18:00:05. Republished by Blog Post Promoter

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Originally posted 2013-05-10 13:07:48. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Originally posted 2014-08-29 11:40:28. Republished by Blog Post Promoter

La oscuridad invade el Museo del Chopo

El horror tiene un número y es el veintiuno: veintiún artistas que reviven la muerte, locura, maldad, lo paranormal y monstruoso a través de sus obras presentadas en la exposición Horror en el trópico, del Museo Universitario del Chopo.

 La tradición gótica reunida en la galería Helen Escobedo del Museo del Chopo exhibe obras de Daniel Guzmán, Doménico Cappello, Teresa Margolles, Renato Garza y Sofía Echeverri, entre otros, que buscan hacer visible aquello que comúnmente se mantiene reprimido y oculto.

La exposición inaugurada en septiembre estará abierta al público hasta el 5 de enero de 2015.

 El recorrido inicia con La mansión de la locura (1973), filme de Juan López Moctezuma, realizado en su mayoría cuando el Museo estaba abandonado. La película está basada en un cuento de Edgar Allan Poe y retoma la tradición clásica de lo gótico.

 Este viaje a través del horror estará disponible hasta el 5 de enero del 2015, de martes a domingo de 10:00 a 19:00. Martes y miércoles entrada libre. El costo es de $30 general y $15 universitario*.

* 50 % estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Originally posted 2014-11-07 09:00:06. Republished by Blog Post Promoter

Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

Originally posted 2014-10-20 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- Películas prohibidas

La semana pasada escribí acerca de unos cuantos libros que han sido censurados a lo largo la historia y alguno que otro sigue siendo vetado hasta nuestros días. Por su parte, las películas también se han visto afectadas por esta práctica. Es apropiado decir que, como el ejemplo de la nota anterior, en Cinema Paradiso el padre del pueblo se encargaba de ver las películas antes que el resto del público para eliminar las escenas obscenas.

 Esto es porque la iglesia tuvo una gran influencia en diversos aspectos. La iglesia no sólo estaba conjugada con el gobierno sino que los monjes, hace mucho tiempo, se encargaban de escribir los libros una y otra vez para mandarse a otros monasterios. Para los hombres que deseaban conocer más cosas del mundo, tenían que volverse religiosos con tal de llegar a esa información, puesto que no estaba abierta para todo el público.

Pintura de un escribano

 En fin.  La primer película de la que hablaré es La Brújula Dorada que salió en el 2007 inspirada en la saga de His Dark Materials que se publicó en 1997 por Philip Pulman. Aunque tuviera muy buena animación no salió una segunda parte porque el Vaticano consideró que el film hacía que le público tuviera una “idea equivocada de la iglesia”. Afortunadamente no vetaron los libros y son accesibles en cualquier país hasta ahora, por lo que si desean saber el final de la historia conviene que lo consigan.

 La segunda película es una de mis favoritas. El Ciempiés Humano 2 fue temporalmente prohibida en Australia por ser tan explícita, violenta y con escenas de sexo tan grotescas. La verdad es que el encanto de esta obra es el hecho de que parece un film de terror de los años treinta por ser blanco y negro, en contraste con la rudeza de la historia. 

 El ciempiés humano es la historia de un doctor experto en la separación de siameses que tenía el deseo de juntar tres personas como si fuera un ciempiés para crear una nueva forma de vida. Entonces encuentra a sus víctimas, quienes viven como la nueva mascota del doctor. La historia tiene sus errores, pero la actuación del villano es increíble. La segunda parte es de un pobre y trastornado hombre que desea hacer la misma criatura, pero no es doctor, por lo tanto no usa anestesia para su plan.

 Otra buena película de miedo que entró en esta lista fue La Masacre de Texas. Su versión original, estrenada en 1974, no fue bien recibida en Alemania y prohibida temporalmente en Islandia y Noruega por la violencia de las escenas.

 Incluso se prohibió a Los juegos del hambre en Vietnam por ser violenta, algo que se ve como un paseo de preescolar comparada con la película más vetada: A Serbian Film creada en el 2010 por Srđan Spasojević.

Pero la ganadora de todas es Cannibal Holocaust. Prohibida en Islandia, Nueva Zelanda, Noruega, Bután, Grecia, Irán, Islandia, Kuwait, Moroco, Noruega, Filipinas, Singapur, Sudáfrica, Sir Lanka, Suecia, Turquía, entre otros. Al parecer esta película lanzada en 1979 por Ruggero Deodato tiene escenas de fuerte maltrato animal y violencia. Por lo tanto tiene tantas prohibiciones.

 No he encontrado una película prohibida en México, por lo cual pueden buscar cualquiera de la lista en internet y verlas bajo su propio riesgo. Si saben de alguna que aquí no se pueda ver, háganmelo saber en los comentarios y hasta la próxima. 

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12ª Semana de Cine Alemán y las nuevas propuestas cinematográficas

Una vez más, la Cineteca Nacional en colaboración con el Goethe-Institut Mexiko y el complejo comercial de cines Cinépolis, traerán la 12ª Semana de Cine Alemán en la Ciudad de México del 15 de agosto al 1 de septiembre.

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12ª Semana de Cine Alemán en México

Con un interés particular en la creación de jóvenes cineastas en Alemania, y en especial a la visión femenina, se presentarán nueve ficciones y tres documentales; además, en su inauguración, se proyectará la primera parte de la película Los nibelungos (1924) recientemente restaurada del conocido director alemán Fritz Lang.

 La programación y curaduría incluye una retrospectiva dedicada a la actriz  y diva del cine alemán Barbara Sukowa que estará en el ciclo, el acercamiento al productor Ben von Dobeneck de la película Polvo sobre nuestros corazones y de la directora Anne Kodura que presentará su documental Tierra desolada: Para que nadie se dé cuenta.

La 12ª Semana de Cine Alemán es una grata plataforma que permite el acercamiento del publico mexicano a cintas que han sido proyectadas y multipremiadas recientemente en festivales de cine como Locarno, Cannes, Berlinale, entre otros. Con una propuesta multifacética, la intensión es presentar distintos tópicos, distintas perspectivas, distintas visiones que trabajan biografías, la preocupación por el sin sentido de la vida contemporánea, el papel del hombre que se debate entre la orientación y la desorientación.

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Oh Boy, 24 hrs. en Berlín (2012) de Jan Ole Gerster

 Contenidos diversos que hacen una suerte de recorrido histórico de cine, de directores, de momentos en la historia de Alemania: desde la puesta en escena del cine de Lang, el particular tratamiento sobre el tema de la segunda guerra mundial con Lore de Cate Shortland, el éxtasis de la sociedad contemporánea con Oh Boy, 24 hrs. en Berlín de Jan Ole Gerste, hasta las propuestas más arriesgadas como El extraño gatito de Ramon Zürcher, presentado en Forum, la sección experimental en la Berlinale.

En la clausura se proyectará Los nibelungos: La venganza de Krimilda (parte 2) de Fritz Lang. Las sedes para este festín de cine serán las salas de la Cineteca Nacional y las llamadas Salas de Arte de los complejos Diana, Perisur e Interlomas de Cinépolis en el Distrito Federal. Además, la oferta cinematográfica hará un recorrido por otras ciudad del país como Puebla, Mérida y Querétaro y , gracias a la adquisición de los derechos de las películas Hannah Arendt, Lore y Mi amigo alemán, formarán parte del catálogo y tendrán su espacio en más salas de cine.

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Para más información de la programación completa, consulta la página de la Cineteca Nacional, del Goethe-Institut Mexiko y de Cinépolis.

Ficción:

Los nibelungos: La muerte de Sigfrido (parte 1)
Los nibelungos: La venganza de Krimilda (parte 2)
El amigo alemán de Jeanine Meerapfel
Polvo sobre nuestros corazones de Hannah Doose
El extraño gatito de  Ramon Zürcher.
Lore de Cate Shortland
Nada malo puede suceder de Katrin Gebbe
El hijo adoptivo de Markus Imboden
Silvi de Nico Sommer
Hannah Arendt de Margarethe von Trotta
Oh Boy, 24 hrs. en Berlín de Jan Ole Gerster

Documental:
No me olvides de David Sieveking
Tierra desolada: para que nadie se dé cuenta de Anne Kodura
El brillo de los días de Tizza Covi y Rainer Frimmel

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Hannah Arendt (2012) de Margarethe von Trotta

 

 

Originally posted 2013-08-08 19:01:37. Republished by Blog Post Promoter

Con sabor al norte- cinematerapia

Hace algunos días, mi mejor amiga criticaba la película Maléfica por el hecho de buscarle un trasfondo para hacerla ver buena (aunque en realidad sea mala). Me había percatado que el buscarle una “razón de ser” al villano de la película o de la historia, se estaba volviendo algo muy común.

El film Maléfica se hizo más como una búsqueda de justicia para la famosa villana que como se presentó hace años en la primera entrega de disney.

 Se supone que Elsa de FROZEN, iba a ser una villana hasta que escucharon su canción: LET IT GO. Por la cual cambiaron todo el guión y hacerla como una persona afligida. Incluso en la película: Juego Macabro II se explica que el asesino Jigsaw no hacia los juegos por diversión; sino porque tenía cáncer y deseaba hacer que las personas que elegía comenzaran a apreciar su vida de mejor manera.

 Les haré una pregunta, ¿si ustedes estuvieran en la situación de Maléfica, Elsa, o Jigsaw habrían actuado de la misma manera que ellos?

Esta película puede ayudar a alguien para superar la muerte de un ser querido

 La verdad es que estas películas van a tener una labor más grande. A lo largo de los años ha habido películas que nos hacen llorar por el mensaje que tienen y nos marcan. Esas marcas que llevamos en el corazón por las historias han comenzado a tener un nombre y se llama Cinematerapia.

 Identificarnos con un personaje o situación es una manera en cómo la cinematerapia funciona. Es como la pregunta que hice, pero a un nivel más complejo. Somos el único tipo de ser viviente que aprende por reflexión. Esto significa, que no tenemos que vivir algo para saber si es bueno o malo, con la pura historia de alguien más podemos darnos cuenta.

 Los fundadores de la cinematerapia tienen su propia página de internet http://www.cinematherapy.com/ en donde pueden leerse las razones por las cuales este tipo de terapia funciona. Así como toda la lista de películas con las que ellos han trabajado.

 Dicha lista se divide en: inspiración, problemas personales, sociales, niños, adolescentes, problemas familiares, de pareja, enfermedad mental, emocional y problemas médicos.

 La pregunta que todo mundo hace, ¿qué tipo de películas hay en esa lista?.Pensando que serán títulos de hace mucho años, o que son películas de arte que nadie va a poder conseguir. La realidad es que muchos de los films ya los hemos visto, pero no teníamos idea de que nos podrían ayudar.

 Por ejemplo. Una de mis películas favoritas es Más allá de los sueños, y aparece en esa lista como una película que ayuda a superar la muerte de un ser querido. Puede que esa sea muy fácil, pero en el caso de La Bella y la Bestia, dicha película está en la lista de problemas como: la  desfiguración.

 Ya si lo pensamos de esa forma, podría ser el caso. La bestia era un príncipe y vivió pensando que nadie lo amaría (por el hecho de verse horripilante), como alguien con alguna desfiguración. La película sería de gran ayuda al final.

 Espero que chequen la página. Yo cuando la descubrí hace unos años me la pasé pensando en que era una manera bastante interesante de utilizar el cine. El arte es, a final de cuentas, un escape para los sentimientos.

Originally posted 2014-07-08 18:30:44. Republished by Blog Post Promoter

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

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 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

Originally posted 2014-11-24 12:45:15. Republished by Blog Post Promoter

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

Kids: The movie

El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids

Originally posted 2015-01-02 09:20:27. Republished by Blog Post Promoter

Especial Laika: Coraline y la Puerta Secreta

Celebrando el anuncio de la primera película de animación stop motion en México, en esta ocasión comenzaré con un muy pequeño especial acerca de un estudio estadounidense que aunque no cuenta con una gran cantidad de películas hechas, sus productos poseen con una enorme calidad al grado de que han sido de los pocos estudios (quizá el único) que cada película que hace es nominada a toda clase de premios. Este estudio ha ganado fama por su habilidad en animación stop motion con tres películas que comparten un tema, el horror dirigido a niños.10891629_800

 Hablo del estudio Laika, propiedad de Phil Knight y la empresa Nike. Este estudio se dio a conocer oficialmente y a nivel internacional en el 2009 tras el estreno de su ópera prima, Coraline y la Puerta Secreta (Coraline, 2009) del director Henry Selick, aquel que ya mostrara ser un titán en la animación de este estilo tras dirigir cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) y Jim y el Durazno Gigante (James and the Giant Peach, 1996). La película de Coraline está basada en la novela de Neil Gaiman, publicada en el 2002 y fue un éxito a nivel taquilla y critica.

 La cinta nos cuenta la historia de Coraline (No, no es Caroline), una niña que vive enojada y aburrida de su existencia rutinaria. La relación con su madre es tensa y las cosas empeoran cuando su familia decide mudarse a una vieja casa que ha sido dividida en departamentos que son habitados por excéntricos vecinos. Un día, Coraline descubre una puerta extraña que la lleva a un mundo paralelo al suyo, una especie de mundo del espejo donde cada persona de su mundo está reflejada ahí, pero siendo totalmente diferente a lo que es realmente. Como característica de este mundo, todos sus habitantes tienen ojos de botón. En ese lugar, Coraline conoce a su Otra Madre, quien parece tener siempre tiempo para ella y un carácter mucho mas agradable y divertido que su madre real. Coraline queda fascinada con este universo al grado de querer regresar una y otra vez, sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que descubra que nada es lo que parece y que un oscuro y aterrador secreto se esconde detrás de la puerta.

 La película resulta ser una propuesta más que interesante, con una animación impecable, un diseño de producción sin igual y una banda sonora peculiar, aunque totalmente cumplidora. El mensaje que da es importante para todos aquellos que no aprecian lo que tienen y que fácilmente pueden sucumbir a aquello que parezca ser perfecto en un mundo donde no todo lo que brilla es oro. Así mismo, la película es una opción familiar y dirigida a niños, pero sorpresivamente tiene el suficiente nivel de suspenso y horror para complacer a los amantes del género. Es una película que puede ser disfrutada por todos, incluso es considerada de culto por un sector del público, sin embargo esta característica puede ser un punto negativo para aquellos niños que sean muy asustadizos.

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 Además de eso, la película podría tranquilamente catalogarse como cine de arte, con un manejo de situaciones donde el surrealismo domina casi todo. A veces puede ser confusa, muy extraña para algunos espectadores. Aquellos que no disfruten de este tipo de historias mejor absténgase de verla, pero al menos los invito a ver algunas escenas y descubrir que visualmente esta película es una maravilla. Fue la primera película del que se ha vuelto un titán de la animación. Una obra maestra en todo su esplendor, aunque como dije, para un público muy específico. Los invito a verla y dar su propia opinión. Háganlo y créanme, no volverán a ver los muñecos con ojos de botón con algo adorable.

https://www.youtube.com/watch?v=LO3n67BQvh0

 

Originally posted 2015-02-12 10:10:26. Republished by Blog Post Promoter

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Originally posted 2015-02-12 10:04:44. Republished by Blog Post Promoter

¿Cómo harían los mudos una película muda?

Pensamos a través de un lenguaje que aprehendimos a través del oído principalmente. Abstraemos gracias a ello y generamos pensamiento, transmitimos ideas. Pero ¿cómo se manifiestan las personas sordas? José Antonio Cordero, egresado del CCC, captura estos conceptos, los sueños de un grupo de sordos que viven en la costa de Oaxaca, en su filme Música ocular que estará en la cartelera de Cineteca Nacional hasta el próximo 20 de junio.

En una serie de relatos, se narra, en su propio lenguaje de señas, la vida de personas cuya ausencia de oído no les imposibilita contar su historia develando las aspiraciones, los sueños, el miedo y su concepción del mundo a través de su sordera.

Una opción para esta semana donde podemos enfrentarnos a algo completamente alterno, que si no podemos comprender, al menos tratar de asimilar y generar una simpatía que nos deje una experiencia para desarrollar no sólo nuestro conocimiento intelectual, sino moral.

A continuación el trailer del film:

Originally posted 2013-06-14 15:27:59. Republished by Blog Post Promoter

Se acerca lentamente el estreno de Inherent Vice

El pasado 30 de septiembre se dio a conocer al tráiler de Inherent Vice, una película que está creando mucha expectativa en el público. La adaptación de la novela con el mismo nombre (Vicio Propio, editada en México por Tusquets) de uno de los novelistas más aclamados y enigmáticos, Thomas Pynchon, y dirigida por Paul Thomas Anderson, que a su vez es uno de los directores estadounidenses más prometedores de los últimos años, contará con las actuaciones de Joaquin Phoenix, Owen Wilson, Reese Whiterspoon, Benicio del Toro y Josh Brolin.

 La historia trata de Doc Sportello (Joaquin Phoenix), un detective mariguanero, que está bajo la pista de su ex novia (Reese Whiterspoon), en la época final de la moda hippie a principios de los años 70. La historia se desenvuelve a través de músicos de surf, fanáticos del LSD y una serie de personajes y referencias propias de la locura psicodélica de la época. La película fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Nueva York el pasado 4 de octubre, pero tendremos que esperar a principios del año que viene para el estreno en México.

IV POSTER HORIZONTAL
La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 La crítica ya empezó a dar su opinión. Scott Foundals, de Variety, la compara con “los noirs fatalistas de la California de los 70, como ‘El largo adiós’ (Robert Altman, 1973), ‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974) y ‘La noche se mueve’ (Arthur Penn, 1975), en donde el suspense conecta con cuestiones más existenciales: ‘No para todos los gustos (incluida la Academia) esta rareza insobornable, discursiva y totalmente encantadora que ahuyentará a los habituales de las multisalas”. Mientras que Todd MaCarthy de Hollywood Reporter señala que es un “film desigual” y una “pálida ambientación de época”, incluso confirma lo indicado por el Scott Foundals señalando “pronósticos adversos”, asegura que tiene mayor cantidad de “elementos mainstream” que la anterior película del director, The Master, película destacada que no hizo feliz a todo el público.

 Aunque ya se había hecho un intento casi desconocido de adaptación de un libro de Thomas Pynchon (El Arco Iris de la Gravedad, adaptada por Robert Bramkamp en 2002), el próximo estreno de la película de P.T. Anderson será la primera vez que llegará de manera formal a la pantalla grande. La cinta se dará a conocer en Estados Unidos el próximo 12 de diciembre.

 Paul Thomas Anderson es un director californiano nacido en 1970 que ha dirigido, hasta el día de hoy, seis largometrajes de los que destacan Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), There Will Be Blood (2007)y The Master (2012). Ha sido cinco veces nominado a los Oscares: mejor guión adaptado, película y director con la tercera película mencionada y mejor guión para la primera y segunda.

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La adaptación de la novela de Thomas Pynchon, dirigida por Paul Thomas Anderson, llegará a México a principios de 2015.

 Thomas Rugles Pynchon Jr, el escritor de la novela en la que está basada la película, mejor conocido como Thomas Pynchon, nació en Nueva York en 1937, es uno de los narradores estadounidenses más leídos y aclamados hoy en día. Tiene un estilo particularmente complejo, además de una reclusión social absoluta que llega al extremo en el que no se conoce realmente nada de su persona, ni siquiera se puede asegurar que existen fotografías suyas. A pesar de su edad avanzada sólo ha publicado nueve novelas: V. (1963), La subasta del lote 49 (1966), El arco iris de gravedad (1973), Vineland (1990), Mason y Dixon (1997), Contraluz (2006), Vicio propio (2009), Bleeding edge (2013), Al límite (2014); y Lento aprendizaje (1984), un libro de relatos. Cuando ganó el National Book Award con El Arco Iris de la Gravedad, su novela mejor recibida, mandó a un comediante a recoger el reconocimiento. Es considerado por Harold Bloom como uno de los mejores escritores de su tiempo junto a Don DeLillo, Philip Roth y Cormac McCarthy y destaca por sus atrevimientos temáticos y estilísticos.

Originally posted 2014-11-27 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de la naturaleza: Flora

Flora es un Fashion Film que por medio del cuerpo humano enaltece piezas confeccionadas a detalle; inspiradas en la naturaleza, las flores y el espíritu como una extensión de la naturaleza que físicamente se expresa en movimientos que remiten al balanceo de una flor al compás del viento, en un fondo negro como la noche que se rinde ante la espectacularidad de la belleza pura. Telas tornasol y prints caleidoscópicos forman parte de esta pequeña obra que cuenta con la colaboración del fotógrafo Dmitri Loginov que si bien, no es una pieza espectacular sí es un interesante documento visual que alimenta e inspira.

 

Originally posted 2013-01-24 16:55:05. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de cine express: el rotoscopio

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

En la era digital de la producción cinematográfica, pocas técnicas tradicionales de animación han sobrevivido tan bien como la animación por rotoscopio. Aunque adaptado a las herramientas contemporáneas, este método ha dado a luz a algunos de los proyectos animados más interesantes de la última década.

La forma más común actualmente de animar mediante esta técnica es filmar en video de alta calidad y editar un primer corte, luego fragmentar el material en cuadros independientes y finalmente ilustrar cuadro por cuadro para agregar o sustraer elementos y modificar el material original.

El resultado es un look híbrido entre video y animación que adquiere la forma de una caricatura hiperrealista. La ventaja es que se tiene una base, que es el material original, sobre la cual se puede jugar para sobreponer y dislocar las imágenes, exagerarlas, darles vida propia, etc.

Waltz with Bashir es una realización de Ari Folman también híbrida en su género por combinar entrevistas y tomas propias de un documental con animaciones que representan sueños y situaciones ficticias. La historia es la de un soldado israelí que luchó en la Guerra del Líbano de 1982 (el mismo Folman) que busca reconstruir sus memorias olvidadas de aquellos años.

Waking Life es el primero de dos esfuerzos en el campo del rotoscopio del director estadounidense Richard Linklater, considerado como un bicho raro por la comunidad hollywoodense. La película, también un cuasi-documental, es una frenética sucesión de secuencias y sketches en los que se repasan y discuten temas relacionados con la vida, la muerte y los sueños. Algunos años más tarde, el mismo Linklater dirigió una pieza de ficción animada por rotoscopio basada en el clásico de Philip K. Dick A Scanner Darkly. Protagonizada por Keanu Reeves y Robert Downey Jr, relata un futuro distópico en el cual un agente policial encubierto ve sus realidades empalmadas al punto de la confusión por el consumo de una sustancia que está destruyendo a la humanidad.

Paprika de Satoshi Kon es una pieza anime sobre doctores que investigan nuevas técnicas para tratar traumas psicológicos mediante la introducción a los sueños de individuos y su exploración. Aunque sólo utilizada en las secuencias de los sueños, la técnica adereza la película por la maestría y sutileza con la que se aplica.

 

Waltz with Bashir (subtitulada)

 

Waking Life (en inglés sin subtítulos)

http://video.google.com/videoplay?docid=7583894250854515095

 

A Scanner Darkly (doblada al español)

http://vk.com/video113238821_162294780?hash=d9e6560cbf9aa445

 

Paprika (doblada al español)

Originally posted 2012-10-03 20:00:44. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de Cine Express: Revolución

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Cada año a estas alturas se escucha y promueve en nuestro país el tema de la Revolución Mexicana como un hecho cuasi mítico, con todos sus personajes -los buenos, los malos, los héroes y villanos. Con toda seguridad, la historia de lo que realmente sucedió difiere de las versiones plasmadas en los libros de texto de la SEP y cuenta con un sinfín de matices, complejidades y contradicciones. Pero es el aspecto que más se da por hecho precisamente el más cuestionable también -¿significó ese movimiento armado una verdadera revolución para el país?

El latín re-evolutio originalmente era utilizado para describir una regresión a algún estado anterior de las cosas. Literalmente “volver a girar”, significaba “enrollar” algo que ya había sido “desenrollado (evolutio)”. La Revolución Francesa, impulsada por las ideas ilustradas, puso fin para siempre a la monarquía en aquel país y encaminó al mundo occidental hacia la democracia participativa como forma de gobierno. El movimiento también marcó una transformación en el uso del término “revolución”, que fue utilizado a partir de entonces en un contexto sociopolítico y con una connotación hacia el progreso.

Después de ese movimiento, la palabra se convirtió en un primer nombre para muchos movimientos alrededor del mundo que buscaban por lo general expulsar a algún gobierno y generar un cambio drástico en las sociedades que los engendraban. Los estadounidenses nombraron revolución a su lucha por emanciparse. La Revolución Soviética llevó a los comunistas al poder y la Revolución Cubana hizo lo propio en el Caribe, de la mano de personajes como Fidel Castro y Ernesto “El Che” Guevara.

La idea de los cambios violentos que conducen al progreso ha permeado con fuerza en la humanidad. El término “revolución” sigue asociado en la conciencia colectiva a un romanticismo místico, a pesar de que a estas alturas ya se ha visto que las revoluciones forman parte de la gran cadena de transformaciones que las sociedades suelen sufrir cíclicamente, y que no necesariamente lleva a un mundo ni a una vida mejor. Los cambios sin retorno en distintas áreas no asociadas a la política también han llevado el mote, como en el caso de la “revolución industrial” y más recientemente la “revolución de la información”.

Este Ciclo de Cine Express está dedicado a algunas de las revoluciones más notables de la historia.

Apodada “la madre de todas las revoluciones”, la Revolución Francesa significó un verdadero cambio en el paradigma social, político y religioso de las potencias occidentales. Desvirtuada al final, como suele suceder, se trata del acontecimiento sociopolítico más relevante de la historia reciente. Este documental del History Channel relata con detalle el movimiento de principio a fin. (En español)

La Revolución Mexicana fue un movimiento armado cuyo propósito era derrocar la dictadura de Porfirio Díaz, instalar la democracia sin reelección como forma de gobierno y recuperar la tierra para los campesinos. En estos objetivos, el movimiento fracasó o tuvo éxito sólo parcialmente. En este documental se hace un recuento de la una de las revoluciones más largas y sangrientas de América. (En español)

La Revolución Cubana fue el principal triunfo del comunismo en América, y situó a la pequeña isla del Caribe en el centro de la pugna entre las máximas potencias mundiales de ese entonces, conocida como la Guerra Fría. Cuba, Caminos de Revolución es una retrospectiva -quizá demasiado optimista- del movimiento. (En español)

Islandia, la Revolución Silenciosa es un reportaje de TeleSur acerca del movimiento ciudadano en el pequeño país escandinavo que en los últimos años y ante el peor desastre financiero de su historia arrebató el poder a la clase política. Se trata de un suceso poco difundido por los medios masivos que ha generado admiración y asombro para otros países cuyo sistema político y económico se encuentra secuestrado por minorías privilegiadas. (En español)

Cómo Empezar una Revolución es un documental acerca de la llamada Primavera Árabe y los movimientos de ocupas e indignados que desde inicios de la actual década han surgido alrededor del planeta en reacción a los malos gobiernos y a la desigualdad. (En español)

Originally posted 2012-11-22 11:48:26. Republished by Blog Post Promoter

Los Ginger Ninjas y la Revolución Agradable

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Los Ginger Ninjas, Rodando México es un documental de Sergio Morkin que relata el recorrido en bicicleta a través de México que una banda californiana de rock folclórico realizó para difundir un mensaje ecológico. Como muestra de repudio al abuso en la extracción de recursos del planeta, la electricidad de sus tocadas también es generada con la energía de bicicletas fijas pedaleadas en vivo. La cinta fue proyectada ayer en Cinemex Plaza Insurgentes como parte del festival de documentales DocsDF.

El grupo, que también cargó en sus bicicletas sus instrumentos y bocinas, es liderado por Kipchoge Spencer, un músico y activista que se ha dedicado durante años a predicar el evangelio de lo que él llama “La Revolución Agradable” -una cosmovisión que pone el énfasis en disfrutar la vida y cuidar el planeta. Además del mensaje anti automovilístico, la idea de transportarse en bicicleta parte de la intención de disfrutar el viaje, saborear el proceso de llegar de un lugar a otro.

La película transita entre momentos conmovedores, chuscos y todos los intermedios. Sutilmente pasa de imágenes que muestran a los miembros entregados en esfuerzo a trepar en bici las montañas del territorio mexicano a escenas vergonzosamente graciosas como cuando Kipchoge confronta a los automovilistas de la Ciudad de México que simplemente no se enteran de que la ciclovía está hecha para que circulen por ella las bicicletas, como resultaría obvio.

Durante el viaje los personajes se dispersan, se marchan y regresan. La película no pretende mostrarlos como héroes ascetas sino como seres humanos falibles y vulnerables. En ese intento incluye las tensiones entre las relaciones de unos con otros, sobre todo la relación amorosa entre Spencer y Eco, una cantante argentina que es coautora de gran parte de las canciones de los Ginger Ninjas. Uno de los mejores momentos es cuando Eco abandona a la banda justo antes de la tocada en el Zócalo del DF y Kipchoge, nostálgico, hace un triste esfuerzo por cubrir su parte cantando como mujer en español.

En parte por su lenguaje lleno de términos esotéricos como “vibras” y “energía”, resulta tentador tachar a estos aventureros de gringos forevers. Este es el tipo de personas que hacen ceremonias en las que queman cabezas de burro de papel al marcharse para “cortar el vínculo con el grupo”. Por momentos sus expresiones suenan extrañamente religiosas, como cuando hablan de “ambientes pesados” y “guerra espiritual”. En el fondo, es difícil no sentir empatía por la valentía y corazón que muestran al realizar un viaje tan pesado y mantener una sonrisa en sus rostros al tocar para los curiosos mexicanos que intrigados acuden a sus presentaciones. En medio de su foreverismo, han tomado las riendas de sus vidas para difundir un mensaje positivo y relevante. Hay algo en su ingenuidad que inspira admiración.

No se trata de intelectuales que atesoran verdades sublimes, sino de gente común y corriente con mucho valor. Quizá es ahí donde yace la importancia del documental, el mensaje de fondo es que cualquiera puede hacer algo para transformar su vida y la de los que lo rodean.

Sergio Morkin conversó al final de la función con los espectadores y confesó que al igual que los personajes él mismo sufrió una transformación durante el viaje, al explorar la libertad y la vida desde el carril de baja velocidad.  Relató también su frustración al descubrir que por mucho tiempo a Kipchoge no le pareció el resultado final ya que en su opinión incluía demasiadas escenas de sus altercados con Eco. El director argentino considera que la historia de amor era fundamental para infundir intimidad y humanidad a la película y sostenerla durante su hora y media de duración.

Los Ginger Ninjas, Rodando México se presentará de nuevo hoy a las 22:15 en Cinemas Lumiere Reforma y concluirá su ciclo con otras funciones el sábado y el domingo en Jaima Parque México y el MUNAL, respectivamente.

 

Originally posted 2012-11-15 16:00:04. Republished by Blog Post Promoter

Vista al Futuro: Película de los Supersonicos

Como bien sabemos, los famosos reboots o reinvenciones de los clásicos animados ha estado de moda desde hace varios años. Personajes como Scooby Doo, El Osos Yogui, Los Picapiedra y Don Gato han dado el salto a la pantalla grande y a las nuevas generaciones, algunas con mayor éxito que otras, pero indudablemente siempre nos produce curiosidad ver como enaltecieron o arruinaron las caricaturas que muchos veíamos de pequeños… o seguimos viendo.

 Hace algún tiempo se habló de una adaptación Live Action de la popular serie de Hannah Barbera, Los Supersonicos (The Jetsons, 1962), misma que recientemente ha sido desmentida por Deadline, quien informó que se ha confirmado la realización de una película basada en esta caricatura, sin embargo, se ha llegado a la decisión de que la cinta sea animada.

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 La película será adaptada por Warner Bros y escrita por Matt Lieberman. El director y la trama de la cinta aún son desconocidos, aunque algunos opinan que podría respetarse a quien estuviera considerado para dirigir la versión en acción real, Kanye West.  Tampoco se ha confirmado si la adaptación continuará con la animación 2D que caracterizaba a la serie o si se hará una versión en 3D como sucederá con los personajes de Charlie Brown y Popeye próximamente.

 Recordemos que ya existe una película animada sobre estos personajes hecha en 2D y con un ligero uso del CGI (que en esa época era casi irreal para los espectadores) y que la serie en cuestión tuvo una duración total de 4 años dividida en 4 temporadas. Una de las creaciones más populares de Hannah Barbera, ya veremos si esta nueva película le hace justicia y logra el gran reto, gustar a las nuevas generaciones acostumbradas a otro tipo de caricaturas.

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Originally posted 2015-02-03 12:48:45. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 22: Brijes

 on motivos de los festejos del 2010 en honor al bicentenario de la independencia de México, las salas de cine abrieron espacio para un importante número de cintas hechas en nuestro país. La mayoría de ellas se trataban de películas en acción real que trataban sobre crítica social, algunas de ellas incluso se escudaban del eslogan “Nada que Celebrar” en protesta a la situación que se vivía, y que aún se vive.

 Se trataban de trabajos interesantes y de mucha calidad, no obstante, unos de ellos sobresalían en llamar la atención. No me refiero a que fue una película cuya magnificencia opacó a las demás, sino al hecho de que en ese pequeño maratón de cine mexicano, esa cinta era la única que como tal no hablaba de los hechos históricos, ni de la forma en la que el país se encontraba, ni nada de eso. Se trataba de una cinta animada dirigida por Benito Fernández y que ciertamente rompía con todos los tópicos que se estaban manejando. Se trataba de la película Brijes (Brijes, 2010).

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 No fue la única cinta animada que fue transmitida en esas fechas, ni tampoco fue la más taquillera ni de la que más se habló. ¿Entonces que la hizo destacable? Para empezar, estamos hablando de un proyecto que en la búsqueda de ser innovador tuvo el acierto de mezclar diversos tipos de animación, la 2D y la 3D. Así mismo, los fondos de dicha cinta fueron muy variados, algunos fueron hechos a mano, otros dibujados directamente en flash, otros el 3D e incluso algunos fueron maquetas. En cuanto a diseño de producción podemos sugerir que es la cinta animada mexicana que más ha aportado y se ha arriesgado. Esto aunado al hecho de ser una de las primeras cintas hechas enteramente en México que gozó de un tratamiento en 3D para las salas de cine, y si, hablo de ese 3D con el cual parece que los objetos salen de la pantalla.

 

 La historia trataba de tres niños que en una visita al museo de antropología descubren el legendario código Brije, y al hacerlo despiertan a tres dioses ancestrales que les encomiendan una importante misión. La oscuridad está llenando al planeta, poniendo en peligro no sólo el equilibrio de la vida, sino el vínculo que los hombres tenían con el mundo mágico tiempo atrás.  De ese modo los tres niños, cada uno acompañado por un guardián Brije, deben viajar en el tiempo y a diversos lugares del mundo para detener esta amenaza y devolver la estabilidad a la tierra.

 Con respecto a la trama debo decir que fue gratificante tener una película mexicana que se salía de los temas que siempre se trataban (corrupción, drogas, pobreza, etc). Educativamente hablando, la película tiene mucha fuerza al mostrarnos hechos históricos importantes y datos culturales de este y otros países. La cinta es entretenida y aunque también va dirigida a un público enteramente infantil, tiene ciertos momentos que los adultos también pueden gozar.

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 Ahora hablemos de los puntos débiles de la cinta, los cuales comienzan con el guión y la historia. Si, acabo de decir que era una historia fresca en México, no obstante, la película tiene demasiados parecidos con otras cosas ya vistas. Creo que no soy el único que en algún momento vio la película como el “Pokemon” o “Digimon” mexicano, de hecho el diseño de los personajes es muy similar al estilo animé. No digo que esto sea malo, de hecho es una propuesta interesante, sin embargo ante esta situación es imposible catalogar la película como algo totalmente original.

 La animación también tiene diversas fallas, no siempre es fluida y en una sala de cine se veía demasiado el hecho de que algunas escenas fueron hechas totalmente en flash, que aunque es un programa que permite elaborar un proyecto entero, le quitaba brillo a un proyecto que visualmente pudo ser espectacular. De igual forma el guion tiene partes que no terminan de desarrollarse, algunas incluso son algo incoherentes aún en el  mundo fantástico que se nos propone.

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 Pero no todo es malo, la historia está bien llevada, los personajes son carismáticos y hay escenas muy vistosas. La inclusión de criaturas mágicas variadas es un concepto muy grato y no puedo dejar de mencionar el extraordinario “giro de tuerca” que la historia nos tiene preparada al final, un desenlace que definitivamente nadie ve venir hasta que nos lo muestran.

 La película al final resulta ser un buen proyecto, no de los mejores ni mucho menos perfecto, pero  aceptable. Una buena opción para ver en familia y para aquellos que gozan de las historias llenas de magia y aventura (ejem… los fanáticos de Pokemon y Digimon) les parecerá algo muy positivo siempre que se dediquen a ver la película y dejen por un momento las comparaciones. Brijes 3D, una interesante propuesta que los entretendrá y los hará pasar un buen rato. ¿Y tú ya tienes tu Brije?

 

Originally posted 2014-06-05 01:31:54. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana 25: El Secreto del Medallon de Jade

 Continuando con la filmografía animada en nuestro país. Hoy hablaremos del estudio Kaxan Animation, quienes (en el 2012) nos trajeron una de las pocas cintas hechas en Motion Capture en México. Se trata de una historia de magia y aventuras que busca estar a la par de otras producciones (al menos en narración) del legendario Steven Spielberg tales como: Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Arc, 1981) o Los Goonies (The Goonies, 1985).

 La película en cuestión se titula El Secreto del Medallón de Jade (El Secreto del Medallón de Jade, 2012), dirigida por Leopoldo Aguilar y Rodolfo Guzmán, que nos cuenta la historia de un grupo de niños que tras la muerte de su abuelo quedan inmersos en una gran aventura por recuperar un mágico amuleto. Matías, el protagonista de la cinta, siente una gran necesidad de descubrir el gran secreto debido al gran cariño que sentía por su abuelo y las historias que este les contaba. Desafortunadamente su camino se verá plagado de peligros como: templos con trampas mortales y un par de peligrosos cazadores que harán lo que sea para apoderarse del medallón.

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 La premisa prometiera darnos una película llena de acción que por lo menos nos daría un buen rato “palomero”. No obstante, y aunque la historia no está mal, la forma de llevarla no fue la mejor. Para empezar, estamos ante un producto orientado totalmente a los niños olvidándose casi del público juvenil o adulto. La aventura sería emocionante de no ser por la gran cantidad de chistes, diálogos y personajes demasiado inocentes para una historia de este tipo.

 Y es que siendo honestos, el factor de que un niño gordo esté más mortificado por tener hambre que por el hecho de que sus vidas peligran (no es precisamente lo más realista o coherente que hemos visto). Los villanos (cuyo estereotipado acento extranjero bien puede pasar por alto) tienen todo para ser personajes temibles, pero al final terminan siendo una versión en 3D del torpe equipo Rocket de la serie Pokemón (Pokemón, 1998). Además de graves fallos en las situaciones, por ejemplo: una escena en donde los personajes viajan en auto y literalmente disfrutan al ritmo de una canción de la radio, a pesar de saber que los persiguen unos cazadores que desean liquidarlos.

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 Pero como dije, es una cinta orientada al público infantil y en ese sentido es más que cumplidora. Los pequeños disfrutarán de ella sin problemas. Con respecto al trabajo de voces, cabe mencionar que es bastante aceptable en su mayoría destacando el gran trabajo de maestros del doblaje como: Esteban Siller (q.e.p.d.) e Isabel Martiñón. En el caso de los “star talents”: Adriana Barraza, Arath de la Torre y Eleazar Gómez, cumplen con el objetivo. Aunque por la misma naturaleza del proyecto no creo que nadie les dé un premio por dicha interpretación.

 En aspectos técnicos también hay una mezcla de sentimientos, se agradece la incursión del Mocap en producciones mexicanas y considerando la complejidad de esta técnica puedo decir que la película también cumple en los riesgos que toma. No obstante, sólo se queda en un buen intento ya que la animación (que en teoría debería ser perfecta por la captura de movimiento) sigue viéndose robótica y lenta en casi toda la cinta.

 El diseño de personajes, texturas y escenarios están bien (aunque con un estilo muy sencillo). Puede ser que esa sea la imagen que quisieron darle a la película y que pareciera a producciones como la más reciente serie del gato Garfield, o puede ser que la falta de experiencia en texturización, render, modelado y demás elementos sean los responsables. Otro aspecto a mencionar es sobre la captura facial (aún necesita mucho trabajo), ya que las expresiones de los personajes son muy básicas.

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 Así mismo la cinta cuenta con algunas escenas animadas en 2D que de hecho son las cosas más rescatables. No sólo la animación está bien lograda, sino que da un toque perfecto de un relato antiguo. Es como la cinta en Live Action que en sus recuerdos recurre al blanco y negro, pero aquí, recurre a los orígenes de la animación (detalle que me parece verdaderamente aplaudible).

 Como tal, la película no es mala pero definitivamente podría (y debería) ser mucho mejor. Es un proyecto muy bien intencionado que quizá realizándose con más tiempo o con mejor tecnología y con un guión más sólido que pensara mas en el público mayor podría haber sido grande. También se agradece el uso de otro tipo de historias que involucren fantasía y aventura en la cartelera mexicana.

 Se ha hablado de una secuela, y personalmente no me desagrada la idea. Siempre y cuando los productores decidan modificar el rumbo y acercarse más a su idea original. Recomendable totalmente para los niños, el público objetivo que quedará complacido. En resumen, la cinta cumple, pero una mayor visión del target hubiera sido más que genial.

http://www.youtube.com/watch?v=g9S9jbme0uM

 

Originally posted 2014-07-06 21:17:23. Republished by Blog Post Promoter

Ciclo de Cine Express: El hombre en la luna

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

El pasado 25 de agosto falleció Neil Armstrong, portador de un nombre muy presente en la memoria colectiva de la humanidad por tratarse del primer hombre en pisar la Luna.

Esto sucedió en 1969 durante el clímax de la llamada Guerra Fría, sostenida entre Estados Unidos y sus principales aliados VS. la Unión Soviética. Durante décadas, el combate entre las dos potencias e ideologías confrontadas del mundo tuvo lugar casi exclusivamente en el terreno de la política y la innovación tecnológica. La llamada Guerra Espacial, un subtítulo de este combate no bélico, se convirtió en la obsesión de ambos bloques.

Fueron los soviéticos los primeros en poner a un hombre, Yuri Gagarin, en el espacio exterior en 1961; pero el premio mayor fue para los norteamericanos quienes ocho años después y, tras un impulso especial del gobierno de John F. Kennedy al programa Apollo, alcanzaron la gloria lunar.

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En retrospectiva, era mucho lo que se esperaba de la conquista de la Luna y que no sucedió. Pocos años después de la hazaña, el gobierno estadounidense suspendió el programa y la Luna se quedó tan desierta como lo había estado durante millones de años. Fue el mismo Armstrong, durante los últimos años de su vida quien impulsó un nuevo programa para regresar que hasta ahora no parece aún factible.

Ciertamente el alunizaje puede ser considerado un logro tremendo de la especie humana, pero también refleja otro rasgo no tan admirable. La cantidad de recursos y esfuerzos vertidos en un proyecto como el Apollo tenían como fin llegar a la Luna pero no se sabía bien para qué. Además de los avances en nuestro conocimiento del vecino satélite, todo parece indicar que se trató de un caso más de lucha de egos, fútil si se le ubica en la gran escala de las cosas.

Este ciclo de cine express está dedicado a esa búsqueda y a las personas involucradas en ella.

In the Shadow of the Moon es un recuento de las misiones humanas a la Luna con la intervención y aportación de sus protagonistas.

http://www.youtube.com/watch?v=89a6byoXiEw

Moonwalk One (en inglés sin subtítulos) se centra en contar la historia del Apollo 11, la primera misión exitosa del programa, tripulada por Neil Armstrong.

The Truth Behind the Moon Landings (en inglés sin subtítulos) es un documental que desmiente aquellas teorías de conspiración que sugerían que el alunizaje no había sucedido en realidad.

(Ver documental completo: The truth Behind the moon Landings)

Moon for Sale (en inglés sin subtítulos) plantea el posible regreso a la Luna y su colonización humana gracias al descubrimiento de Helio-3 en grandes cantidades            .

 

Originally posted 2012-08-29 20:00:34. Republished by Blog Post Promoter

Animación Mexicana Parte 8: El Chavo (Nota 2)

Seguimos con este concepto tan exitoso y tan controversia en el que se ha vuelto el Chavo Animado, quizá la mayor creación  de Ánima Estudio. En la nota pasada hablé sobre los elementos que considero positivos de la serie tales como el doblaje y el diseño de personajes. Ahora indagaré un poco en las debilidades que considero que tiene.

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En el caso del desarrollo de las historias, veo muy difícil que los que crecimos con la serie original nos acoplemos a esta nueva propuesta. Los guiones, las historias, los diálogos y los chistes son los mismos, sin embargo se vuelve evidente que el genio de Roberto Gómez Bolaños al escribir se veía complementado en gran manera por el talento de sus actores, quienes lograban efectos que los personajes animados no. La animación permite ir más allá de los límites y en este caso se intentó provechar esto. No obstante, es discutible que esta serie lo requiriera ya que la mayoría de las situaciones resultaban ser más divertidas con los pocos elementos que se tenían antes. A lo que voy es que diversas escenas tratan de explicarse demasiado, quizá para que los niños las entiendan, y eso hace perder el brillo de las mismas.

 Aunado a esto, la animación resulta un tanto acartonada en la mayoría del tiempo. Sabemos que Chespirito usaba mucho la comedia fársica o el Clown, misma que se viera inspirada gracias a personalidades como Charles Chaplin. Los personajes animados carecen totalmente de esta magia y a pesar de que podemos indagar más en la fantasía de los niños (llegando a verlos incluso en secuencias imaginarias en la selva o en la época medieval), creo que el concepto humorístico de la serie decayó. Claro que estoy generalizando, hay momentos en la versión animada verdaderamente divertidos.

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Así mismo, no puedo evitar mencionar la ausencia del personaje de la Chilindrina. Es bien sabido (y no asunto nuestro) que la relación entre la actriz María Antonieta de las Nieves y Chespirito tiene sus diferencias actualmente, y esto se ve reflejado en la caricatura. Ignoro si el personaje no está ahí por una actitud despectiva del creador con esta actriz, o si se deba a que este ya no posea los derechos del personaje.

 Se entiende esta decisión, sin embargo como espectador no me siento satisfecho. La Chilindrina era uno de los personajes más carismáticos de  vecindad (con un llanto inigualable) y definitivamente se extraña demasiado. La producción optó por cubrir este hueco con el personaje de la Popis, decisión que no consideraría la más acertada, ya que para hacerlo, el mismo personaje tuvo que cambiar en varios aspectos que también lo caracterizaban.

 La calidad de la serie como tal es innegable (no digo perfecta, pero aceptable), sin embargo como adaptación queda mucho a deber. Sin embargo también debemos considerar que el target al cual está dirigida es al público infantil actual, el cual no creció viendo a los actores interpretando a esos personajes. Me queda claro que un gran sector del público infantil disfruta y de hecho prefiere esta versión, por lo que no nos queda más que decir que para sus fines está muy bien hecha.

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En conclusión, ¿es una buena serie?: Sí ¿Es mejor que su predecesora?: Depende mucho de la perspectiva de cada espectador ¿Es una serie que yo veo, disfruto y recomiendo?: No, pero no me es difícil encontrar todo aquello positivo que ofrece. A fin de cuentas, el mejor critico es uno mismo, por lo mismo los invito a verla si tienen esa inquietud y ustedes mismos decidan cual de las dos prefiere, o incluso si gustan quedarse con amas… o con ninguna.

A continuación un par de ejemplos del tipo de humor de la versión original y la versión animada, por si no han tenido la oportunidad de verlas.

http://www.youtube.com/watch?v=CUgVG3Sv3xo

V.S.

http://www.youtube.com/watch?v=8DyoqaEmbtM

Originally posted 2014-04-07 10:08:17. Republished by Blog Post Promoter

Review: Cómo Entrenar a Tu Dragón 2

Luego de una larga espera de casi 4 años, finalmente llegó la secuela de la que por muchos es considerada como la obra maestra de Dreamworks (en cuanto a sus producciones en 3D), Cómo Entrenar a Tu Dragón (How To Train Your Dragon, 2010). Efectivamente nos referimos a aquella cinta que rompió con los estándares de las películas de esta empresa, las cuales parecían dar más importancia al lado humorístico sacrificando elementos básicos para tener historias sólidas y con el adecuado nivel de drama. Por supuesto que habían excepciones como el caso de la entrañable Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008), junto a esa cinta, los dragones de Berk lograron quedarse en los corazones de los espectadores mediante una verdadera joya de la animación.

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 El hacer una secuela era prácticamente una obligación de los productores, y de ese modo este fin de semana las salas de cine nos ofrecen la continuación de esta historia (en el cine, recordemos que existen cortometrajes y una serie animada). ¿El resultado?, una digna sucesora. La película resulta brillante en lo que al aspecto visual se refiere. La animación, texturas, efectos y edición son sencillamente impecables. Cabe mencionar que en ocasiones pudiéramos olvidar que estamos ante una cinta hecha por computadora y no vemos un vídeo tomado en live action.

 La historia nos habla de nuevo sobre Hipo y su dragón Chimuelo, cuya amistad sigue tan fuerte como siempre al igual que su vida tranquila en su hogar. No obstante, esta paz pronto se ve alterada por la posibilidad de que Hipo pronto sea el nuevo jefe de la tribu de vikingos (responsabilidad que atemorizaría a cualquiera), así como la llegada de un nuevo y poderoso enemigo que pretende hacerse de un ejército de dragones para arrasar todo lo que esté a su paso. La trama no es lo más novedoso ni tiene giros de tuerca espectaculares, sin embargo esto ni se nota gracias al maravilloso manejo de los otros elementos que la componen. 

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 Hay situaciones en la cinta mucho más maduras y arriesgadas que en la primera, más emotivas e incluso pudiéramos compararla un poco con El Rey León (The Lion King, 1994). Hechos más crudos que nos dejan con una cinta familiar; más no algo infantil que a los adultos pudiera aburrir. Pero esto no significa que las dosis de humor y acción estén perdidas, por el contrario, la película es realmente emocionante. A mi parecer, el equilibrio entre todos esos elementos está balanceado casi a la perfección.

 No diré que es mejor que la primera parte, pero si diré que está a su nivel  y que nos deja muy en claro por qué estos vikingos y dragones siguen estando en el gusto del público. El diseño de los personajes es fascinante en cuanto a ese detalle de que todos han crecido, esos pequeños rasgos como barbas que comienzan a crecer en los jóvenes, rostros y cuerpos que ya no son de niños, sino de adolescentes y modestas canas y arrugas en los personajes de más edad le dan un toque más realista.

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 Para terminar, la música es tan grandiosa como la primer parte, también hecha por John Powell. En ella se fortalecen todas las situaciones que ocurren durante la trama. A fin de cuentas es lo que debe lograr un buen soundtrack. Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How To Train Your Dragon 2, 2014) es una de las mejores cintas de animación de este año que divertirá a chicos y grandes. Llena de emoción y mensaje, ideal para verse en cualquier momento y si es en familia, mucho mejor. Quién sabe, es probable que la próxima entrega de los Academy Awards finalmente le haga justicia al director Dean DeBlois y le dé el Oscar a mejor película animada que, a mi criterio, se merecía desde la primera película de esta saga. Aquí el trailer: 

http://www.youtube.com/watch?v=kxGkbv_HLZ0

 

Originally posted 2014-06-22 23:29:22. Republished by Blog Post Promoter

El Libro de la Selva vuelve a los cines

El nombre de Jon Favreau ha pasado de ser un modesto actor y director de cintas como El Duende (Elf, 2003) y Zathura: Una Aventura Espacial (Zathura: A Space Adventure, 2005) a volverse todo un ícono del cine de acción y de grandes producciones desde su incursión en el Marvel Cinematic Universe con la cinta Iron Man: El Hombre de Hierro (Iron Man, 2008). Hoy día, este realizador se ha enfocado en otro tipo de proyectos, y aprovechando la adquisición de la empresa Marvel por parte de Disney, y el éxito comercial de este director en dichas producciones, la empresa le ha encomendado un nuevo reto; llevar a la pantalla grande una nueva versión del que fuera el último clásico que el mismísimo Walt Disney supervisó: El Libro de la Selva.

 002982_1LLa película está basada en la obra de Rudyard Kipling y aunque no se ha dicho si también contará con la misma historia del clásico animado, podemos suponer que al tratarse de una producción de la misma compañía si tendrá cierta similitud, aunque con cambios que la hagan una cinta más acorde con la época actual. Cabe destacar que la cinta será hecha en formato Live Action, sin embargo entra también en la categoría de producto animado puesto que la mayoría de los personajes tendrán que ser hechos en CGI. El  único que hasta ahora se ha confirmado que literalmente veremos en pantalla es al debutante Nell Sethi en el papel del protagonista Mowgli.

 En los otros papeles, que consistirán en animales animados como mencioné antes, tendremos a Bill Murray interpretando la voz del oso Baloo, Ben Kingsley como la Pantera Bagheera y a Lupita Nyong´o como la madre loba. En el lado de los villanos tendremos a Scarlett Johansson como la víbora Kaa, a Christopher Walken como el Rey Louie y la intimidante voz de Idris Elba será la encargada de dar ferocidad al tigre Shere Khan. Cabe mencionar que otro proyecto relacionado con esta historia se está llevando a cabo bajo la dirección del experto en Motion Capture, Andy Serkis, sin embargo aún no se han dado a conocer muchos datos de esa cinta, por lo cual lo dejaremos para otra ocasión.

 El desafío será grande al tratarse de una de las cintas más queridas y emblemáticas del estudio del ratón, además de un debut complicado para el joven Nell quien tendrá que actuar prácticamente sólo frente a las cámaras en esta producción que combinará la animación con la actuación real. Por ahora no se han dado más detalles al respecto salvo por una ilustración de arte conceptual que nos adelanta un poco de lo que podremos ver en pantallas. La cinta está planeada para estrenarse en formato 2D y 3D a partir de Octubre de este año. Así es que, fanáticos de Favreau y de este tipo de cintas, estén atentos para volver a la jungla.

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Sobrevivir, ahí está el coraje

“PA’ QUEJAS ESTAMOS BUENOS, PERO PARA ACCIONES NO TANTO”

Si nos adentramos a indagar acerca del pasado bélico de la humanidad a través de los años llegaremos al panorama árido y desolador de la Guerra de los 30 años acaecida en Europa de 1618 a 1648. El detonante sería le religión y du división de partidarios” a la reforma y la contrarreforma Romano Germánica, pero las potencias rivales llevaron el conflicto a un nivel tal que determinó gran parte de la división y situación actual de la unión Europea. Una cruenta batalla que cobró el 30% de la población tan solo en Alemania.

 Es necesario conocer la guerra para poder hablar fluidamente de ella. Bertolt Bretch, un dramaturgo Alemán cuyo impacto en el teatro de los siglos XX Y XXI es imprescindible, fue médico durante la Primera Guerra Mundial y perdió a su hijo en la Segunda. Partidario convencido de los ideales comunistas con Marx como guía primario, Bretch vivió el exilio Nacionalista, tomó su experiencia para analizar  los orígenes y las intervenciones al conflicto bélico que lo había separado de su primogénito y plasmó su crítica en uno de los textos político-históricos más importantes del teatro moderno: Madre Coraje y sus hijos.

 “CUANDO EL OFICIAL ES BUENO NO SE NECESITA DE VALIENTES”

 El autor presenta a una astuta vendedora ambulante que lleva su carreta junto a sus tres hijos a través de la guerra, sorteando las diferencias ideológicas y sacando partido de las necesidades que dejan los enfrentamientos pero el precio que debe pagar solo es equiparable a lo que para ella tiene valor ponderante a su viejo carromato, sus hijos. 

 Tras la intrépida y excelente dirección de Iona Weissberg y Aline De La Cruz, Teatro UNAM ofrece una visión diferente de la obra de Bretch en el Teatro Juan Ruiz De Alarcón. Convertida en un musical, Madre Coraje y sus hijos es adaptada a la época de la Revolución Mexicana. Allí, Ana María de los miedos arrastra su carreta atravesando el conflicto desde el golpe contra Porfirio Díaz al movimiento zapatista.

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 Una de  las características de la obra de Bretch es incendiar en el público el razonamiento con la información ofrecida, motivarlo a sacar sus propias conclusiones, denotando la posición de los hombres como simples elementos en uso sin fin o valor para quienes crean la guerra a través de esta pieza. Las directoras encuentran la oportunidad de relacionar  esta información bajo la pregunta clara: ¿Han servido para algo las guerras?, específicamente ¿La Revolución Mexicana?, ¿Algo cambió, se mejoraron las cosas? Y si la respuesta es sí ¿Por qué entonces seguimos en conflicto?

 No hay posturas políticas, Madre Coraje es la solución pobre pero eficaz a las necesidades de los revolucionarios, a quienes quieren respuestas. Demuestra condiciones de la actualidad y siempre que simplemente son escalofriantes, dónde el poder calla al intelecto y sobrevivir es una esperanza no implícita para ejercer un oficio como el periodismo. La fraternidad que Francia promovía con su respectivo acto revolucionario no es más que una utopía. El tiempo es inclemente y exige empeñar el alma, unirse a la corrupción, agachar la mirada, entonces un número musical se alza glorioso y declama “Cómo si al estar callado la verdad no nos dañara”.

“AQUELLOS QUE INICIAN LAS GUERRAS SON LOS QUE CONVIERTEN EN BESTIAS A LOS HOMBRES”

 Bajo una adaptación sublime no solo se ejecuta una traspolación correcta entre localidades, sino que hacen acto de presencia la picardía mexicana y los guiños a la actualidad para poder comunicar el discurso de la puesta de manera efectiva y convincente. Entre broma y broma las líneas duras penetran como puñales abriendo la tensión en el público y mostrando un espejo social palpable.

 La guerra es un negocio que no fallece, va a volver y la paz es una palabra más del diccionario. Los problemas reales de la sociedad como la pobreza, el analfabetismo, la venta del patrimonio se cocinan en un segundo plano despreciando a la falsa cultura al tiempo que se cosecha la desesperanza.

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 Pero lo plausible de esta obra va más allá del discurso político o de identidad social. Conocemos a una figura materna que podría ser cualquier madre mexicana, una mujer luchona que no le importa ser dura con sus decisiones para ver por el bienestar de su familia. Madre Coraje ha visto el funesto futuro de sus hijos, pero llegará entera hasta el final para afrontar la guerra y vivir de ella, aun cuando conservar a sus hijos ajenos al panorama resulte más que incongruente.

 Sin duda este es el musical del año para nuestro país. Corridos creados del texto original con uno que otro adorno musical moderno llevan el hilo conductor de la historia, bajo la batuta de Mario Santos las canciones entran con precisión y aprovechamiento, son pegajosas, nutren e invitan a unirse en unísono a la protesta expuesta. Tal como deben hacer las intervenciones musicales en el teatro musical estos pasajes aparecen cuando el discurso simplemente dicho no basta para externar los sentimientos, las reglas se cumplen y se siente en el público, de ahí la buena recepción.

 En los niveles de escenografía e iluminación, la obra se antoja exquisita y así se sirve a la mesa. Sergio Villegas diseña un aparato escenográfico entre un giratorio, la carreta multiusos, telares con bellísimas estampas mexicanas sujetas a transparencias que permitan una isóptica favorable y más elementos que con limpieza y simpleza llenan cada cuadro sin opacar a los actores o ponderar. Es un organismo de acompañamiento (como debe ser) orgánico que se funde en total complicidad a la iluminación de Xóchitl González, quien sabe que es lo que hay que ver en escena y lo señala, desarrollando transiciones y climas  bastante buenos.

 El vestuario de Emilio Rebollar no se queda atrás, mezcla identidad revolucionaria con toques actuales permitiendo aún más unificación entre trama y contexto.

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Fotografía: Daniel González

 Para presentar la puesta, el telón anuncia “La excelente obra de Madre Coraje y sus hijos de Bertolt Bretch, una revista de la supuesta revolución”, así un presentador con toques de stand up (algo raramente bien realizado en nuestro país) a cargo de un genial Artús Chávez nos conduce escena a escena. Alejandra Ley como Madre Coraje alcanza la plenitud y consagración en su carrera actoral, encarna con seguridad y empatía las necesidades cómicas y dramáticas en un timing y tonos perfectos. Es sensible, auténtica y franca con su admirable trabajo que ejecuta con fuerza y dinamismo sobresalientes.

 Acompañando a los actores hay correctas actuaciones de un gran elenco: Rodrigo Murray (si bien no posee una voz privilegiada al canto se defiende y complementa con su actuación), Alondra Hidalgo (quien sin decir una palabra es capaz de conquistar a la audiencia), Emmanuel Cortés, Alberto Carlos López, Eugenio Bartilotti, Lorena Martínez (con una genial interpretación de una socialité francesa que evoca y tiene bases indiscutibles en Betty BO5, famoso personaje de la también actriz Alejandra Bogue), Omar Saavedra, Joana Camacho y Larisa Urbina (A esta última destacaré por ser el miembro del ensamble con mayor aptitud vocal y por robar cuadro aliviando tensión en un homenaje al famoso grito telenovelero de ¡Maldita lisiada!).

 No cabe duda que cuando se tiene claro el panorama desde la dirección y se congrega a un equipo creativo que comprende las necesidades y se identifica se generan trabajos maravillosos como este. No hay una sola acción dramatúrgica de Juan Alberto AlejosOmar Mattar que no se adecúe al público y no se reciba con agrado. Una obra que merece seguir mucho tiempo en cartelera, cambiar de teatros si es necesario. Madre Coraje es contestataria, deber de todos es escucharla.

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Stop Motion: Animación palpable

Si bien el proceso de animación provoca un efecto de movimiento en objetos fijos como dibujos o gráficos de computadora, no deja de tratarse de una ilusión óptica. No así sucede con el cuadro por cuadro o stop motion. Esta técnica de animación es casi tan antigua como el 2D, aunque mucho más compleja.
La animación stop motion es un verdadero deleite a la vista; sin embargo, debido a la enorme cantidad de trabajo y material que ésta requiere, pocos son los animadores que se ANIMAN a llevarla a cabo. Algunos consideran, con bastante razón, que esta técnica es la única animación “real”.

Al decir “real” quiero decir que en esta técnica lo que vemos en pantalla realmente existe afuera de ella. El 2D nos presenta dibujos que no van más allá del papel y el 3D elementos que siempre vivirán dentro de una computadora, pero el stop motion nos muestra objetos que comparten nuestro espacio, podemos verlos, tocarlos y manipularlos. En otras palabras, el stop motion se realiza con modelos -similares a las marionetas- que tienen una armadura articulada o esqueleto y cuyo exterior puede ser rígido, de plastilina u otro material moldeable.

Para elaborar esqueletos que faciliten la movilidad de los modelos y después recubrirlos detalladamente, en esta técnica intervienen otros procesos artísticos, como el modelado e incluso la escultura. Los esqueletos pueden ser de metal o de alambre según el presupuesto con el que se cuente. El esqueleto se recubre con látex, tela, plastilina o cualquier otro material. Realmente no hay una regla que obligue a que los modelos estén fabricados con un material específico. Incluso, algunos animadores utilizan materiales como carne, huesos y comestibles.

Aunado a esto, es necesario elaborar los escenarios, vestuarios y utilería. El proceso de preproducción resulta un trabajo extraordinariamente cansado y que requiere mucha más habilidad, concentración y amor por lo que se está haciendo. Después viene el proceso de animación, donde para conseguir movimiento hay que hacer minúsculos cambios a cada modelo: gesto por gesto, movimiento por movimiento, fotografía por fotografía. Son horas y horas de trabajo. Para darnos una idea, un animador promedio logra tan sólo unos segundos de animación en toda una semana de trabajo.

Al conocer el proceso que hay detrás de cintas en stop motion, no es extraño que el número de animadores que utilizan esta técnica sea reducido, ni que al utilizarla tarden en producir y finalizar su proyecto. Ciertamente, esperar vale la pena pues el resultado es majestuoso, provoca la ilusión de estar viendo una película que oscila entre lo real y lo fantástico. Si el 3D es la escultura animada, el stop motion es la animación palpable.

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Robin Williams: Ilustradores le rinden tributo

Robin williams 3 Robin Williams: Un tributo ilustradoJean Jullien

La noticia de la muerte del actor estadounidense Robin Wiliams tomó por sorpresa a la prensa de espectáculos, a la farándula y a fans de sus múltiples cintas, pero también a ilustradores, diseñadores, dibujantes, artistas y creativos, que en homenaje a su trabajo se pusieron a trabajar en algunos diseños rápidos.

 En alguna ocasión, el fallecido intérprete de Peter Pan comentó que el suicidio es una solución definitiva para problemas temporales; sin embargo, no siguió su propios pensamientos y sin más se colgó con un cinturón en su habitación, según investigación preliminar confirmada por la policía estatal.

 La mejor forma de recordarlo es con una sonrisa por el legado que dejó en las generaciones que tuvieron la oportunidad de reír con sus protagónicos. Aquí les dejo una colección de ilustraciones que realizaron ilustradores y admiradores.

robin1 Robin Williams: Un tributo ilustradoPrasad Bhat

robin4 Robin Williams: Un tributo ilustradoGordon Armstrong

robin williams1 660x394 Robin Williams: Un tributo ilustradoChris (Simpsons Artist)

Robin Williams 2 Robin Williams: Un tributo ilustradoNaolito

robin11 Robin Williams: Un tributo ilustradoJulia Sonmi

robin3 Robin Williams: Un tributo ilustradoAlexandre Godreau

robin2 Robin Williams: Un tributo ilustrado

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El animado ganador de los Golden Globe Awards 2014

El pasado domingo 11 de enero se llevó a cabo la anual premiación de los Golden Globes, la cual reconoce lo mejor en cine y televisión y que es considerada por muchos como una especie de simulacro a los Academy Awards (Oscar). El evento estuvo lleno de luminarias y muchas producciones de la pantalla chica y grande fueron condecoradas y otras al menos fueron mencionadas. Como es costumbre, la categoría de película animada no estuvo exenta de este evento.

 Cinco nominadas se disputaron este codiciado premio, grandes titanes de la industria que nos brindaron una competencia en verdad reñida. Los candidatos fueron La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014), Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014), Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014), Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014) y El Libro de la Vida (Book of Life, 2014).

 

 

 Como podrán notar, este año destacaron las producciones hechas en formato 3D, siendo únicamente Los Boxtrolls la cinta realizada en stop motion. Todas las cintas tenían fuertes posibilidades de ganar y elementos destacables, desde la increíble animación de Lego y boxtrolls, hasta el fabuloso diseño de producción del libro de la vida, las emocionantes secuencias de grandes héroes y los dragones. Pero al final sólo podía haber una ganadora.

 El globo de oro al final fue para Cómo Entrenar a Tu Dragón 2, la cinta de Dreamworks Animation dirigida por Dean Deblois y que continúa la historia del joven vikingo Hipo Horrendo Abadejo III y su dragón Chimuelo. La cinta, al igual que su predecesora, está basada en la serie de libros infantiles de Cressida Cowell y ambas tuvieron muy buena aceptación en crítica y taquilla. Recordemos que la primera película fue una de las favoritas en su año de estreno y una de las nominadas más fuertes, terminando con una polémica derrota detrás de Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) de Disney y Pixar.

 ¿Conformes con este resultado? ¿Emocionados por la entrega de los Oscar cada vez más próxima? Su servidor sí lo está y por supuesto estaremos al pendiente de que cintas serán nominadas para el premio gordo de la academia, y eventualmente, sabremos quién es la gran ganadora de película animada del 2014.

Originally posted 2015-01-16 09:00:06. Republished by Blog Post Promoter

Dreamworks en apuros

Con una nominación al Oscar y una victoria en los Globos de Oro, cualquier pensaría que la empresa Dreamworks Animation está en su mejor momento; no obstante, nada está más alejado de la realidad puesto que recientemente se dio a conocer una inquietante noticia. Resulta que el estudio pasa por una crisis económica tras el poco existo en taquilla de varias de sus más recientes producciones. Esta situación ha sido la causa del despido de aproximadamente 500 empleados de diversos departamentos, así como la inesperada decisión de que varios estrenos programados de dicho estudio sufrirán retrasos para poder ser vistos en la pantalla grande.

 Entre estas alteraciones de calendarios, que les impedirán llevar a cabo sus planes de estrenar tres películas por año, tenemos casos como el de Kung Fu Panda 3, que ahora tendrá que esperar hasta marzo del 2016 para darse a conocer; la cinta Trolls igual esperará hasta el 2016. El 2017 recibirá a las películas Baby Boss y The Croods 2; y por desgracia tendremos que esperar hasta el 2018 para las películas Larrikis y la tan anhelada How To Train your Dragon 3.

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 Ante estos cambios, el estudio se dispone a estrenar únicamente dos películas al año. La cantidad de producciones no resulta ser una gran tragedia, recordemos que es el número de cintas que el Marvel Cinematic Universe estrena anualmente y les ha funcionado muy bien. Aquí el conflicto para los fanáticos del estudio es precisamente la espera para ver estas películas, sin mencionar que estas fechas son exclusivamente para Estados Unidos, lo que abre la posibilidad de que a nuestro país tarden aún más en llegar.

 Los únicos proyectos que no se han visto demasiado afectados con la cinta Home, que aún mantiene su fecha de estreno para el 27 de marzo, y por otro lado la cinta B.O.O., que si tendrá que reagendarse pero aún no se ha dado a conocer que tanto le afectará. Esta situación es lamentable y preocupante, ya que hace menos de un año recordarán que el Studio Ghibli comenzó a pasar por una situación similar, ¿será acaso que la industria de la animación está por pasar tiempos difíciles? Esperemos que no.

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Especial Ghibli: Susurros del Corazón

Es curioso pensar que una de las obras más grandes y mejor aceptadas por el público del Studio Ghibli sea una hecha por un talento diferente al de sus dos fundadores. Sin embargo, a diferencia de la película Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1994), esta si contó con apoyo del maestro Takahata y del maestro Miyazaki, siendo este segundo uno de los principales colaboradores en el guión. Así mismo, es curioso que una de las películas con una trama más realista y cotidiana, sea tan maravillosa al grado de compararse con aquellas fábulas llenas de magia e ilusión a la que esta compañía nos tiene acostumbrados.

 Quizá el título Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995) pueda parecer poco o nada atractiva para el público masculino. Sí, un título que nos vende literalmente lo que esto es, una historia de amor. La historia se centra en Shizuku, una adolescente adicta a la lectura y que posee un alma artística y muy creativa, su mundo parece consistir en una fantasía y a pesar de ser de una familia humilde, esta actitud le permite llevar una vida feliz, aunque con algunos problemas habituales con su hermana. Su cuento de hadas diario da un giro inesperado cuando descubre en varios libros de la biblioteca el nombre de Seiji Amasawa.

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 Shizuku decide buscar a este también aficionado de la lectura, quien resulta ser un joven músico que sueña con convertirse en un constructor de violines. Es de este modo como estos artistas forman una linda amistad que eventualmente se convierte en su propia historia romántica. La trama es sencilla pero debo decir que magistralmente lograda. Es una historia de amor que está tan bien llevada al grado de que incluso el público masculino la encontrará encantadora.

 En cuestiones de animación y arte sabemos que Ghibli hace trabajos impecables por lo que en este sector ya no nos sorprende, visualmente la cinta es una joya. Y no sólo por mostrar escenarios fantásticos y mágicos, sino por el detalle de otros lugares más cotidianos. Es extraordinario como puede aportar belleza a sitios como un departamento desordenado, una calle común y corriente y una hermosa tienda de antigüedades.

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 La historia tiene un balance perfecto entre el mundo real y el imaginario y nos muestra el proceso creativo de una obra artística. La cinta no solo habla del amor, sino del crecimiento del ser humano. Nos enseña a esforzarnos siempre y no rendirnos cuando al principio no logremos la perfección. A veces creemos que las cosas serán muy buenas desde el inicio y esta película nos muestra que siempre habrá tropiezos y detalles a mejorar, y aún así, nuestro trabajo puede ser muy bueno.

 Un plus a esta película es la genial música, destacando el tema central Country Roads, Take Me Home de John Denver cantada por Olivia Newton-John. Esta canción estilo country acepta el desafío de entrar en una historia que pudiera no admitirla, pero se apodera del espectador desde el inicio. Así mismo, es una película que contiene una de las escenas más memorables del cine animado, y si, es precisamente cuando Shizuku interpreta esta canción mientras Seiji la acompaña tocando el violín.

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 La película fue dirigida por el genial Yoshifumi Kondo, uno de los mejores pupilos de Miyazaki y que ante esta producción demostrara no solo un gran talento, sino una enorme promesa al mundo del anime. Lamentablemente, Kondo falleció luego de terminar esta cinta, evento que devastó a su maestro y que nos privó de toda la magia animada que pudo habernos dado.

 Es por eso que Susurros del Corazón es literalmente una obra maestra, el enorme aporte de su director al mundo y una pieza única cuyo molde fue destruido luego de su creación. Una de las obras magnas de Ghibli, la cinta por que jamás olvidaremos el nombre de Yoshifumi Kondo y una película que los amantes del cine no deben perderse. Una obra simple, con una historia sencilla, pero con un esplendor que ya quisieran muchas grandes producciones.

 

Originally posted 2014-10-27 10:42:19. Republished by Blog Post Promoter

Primeros avances de “Song of the Sea”

 Los amantes de la animación extranjera, y en general de la buena animación, estarán contentos ante esta noticia. La empresa de animación irlandesa Cartoon Saloon, famosa por la película El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009), de la cual hablaremos próximamente, ha dado a conocer el poster y tráiler de su nueva producción. El título de la misma será Song of the Sea.

 La cinta contará la historia de Ben y su pequeña hermana Saorise, quienes deberán emprender un viaje fantástico por el mar en un mundo lleno de magia y leyendas con el fin de volver a su hogar. Como podemos ver en el tráiler, el diseño de personajes y la calidad de animación es realmente agradable a la vista y después de la cinta que la antecede podemos tener expectativas enormes ante este nuevo proyecto.

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 Según se ha mencionado, el talento de Kells se repetirá en esta producción, siendo el mismo director Tomm Moore, el mismo estudio (como ya dijimos) e incluso se ha confirmado la participación del actor Brendan Gleeson dando voz a un personaje de nuevo para este equipo. Si bien no se trata de un estudio muy famoso o no tenga un gran número de cintas en su haber, la calidad de sus productos nos hace olvidar el concepto de cantidad.

 Es interesante ver ese estilo “bonito” de dibujos que nos remontan a los libros de cuentos infantiles en historias que aunque van orientadas a los niños, tienen mucho más mensaje y una profundidad destacable que incluso los adultos podemos disfrutar (¿por qué no? ) y por supuesto, nos permite soñar.

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 Aún no se ha confirmado la fecha exacta del estreno, de hecho ni siquiera se ha dicho si llegará a nuestro país, pero cruzemos los dedos para que así sea. Aunque sea en formato casero. Song of the Sea (Song of the Sea, 2014), una nueva y muy prometedora película que sin duda bien valdrá la pena esperar (o buscar para ver).

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Se prepara película de Betty Boop

 Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop.  Según informes, el director Simon Cowel  ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

 Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

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 El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

 Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

 Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

 La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

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Originally posted 2014-08-18 10:27:11. Republished by Blog Post Promoter