Layout: Difunde tu foto con Espejismo

Espejismo surgió como un proyecto entre universitarios en el año 2009 para sacar a la luz una Agenda Fotográfica 2010 entre fotógrafos amateurs. El resultado fue un trabajo de más de 6 meses en donde se planeó, estructuró, convocó, organizó, imprimió, y se publicó (con la participación de 15 fotógrafos y 5 anunciantes) un tiraje de 1000 ejemplares con 2000 postales a una tinta, distribuidos en Librerías Purrúa, y en librerías de Cuernavaca, Morelos.

Espejismo
Agenda Fotográfica2010

 Sin embargo, para las ediciones 2011 y 2012 el proyecto no se continuó porque los integrantes de la primera edición siguieron caminos distintos que los separó del proyecto. Para la edición 2013 uno de los integrantes retomó el proyecto con el propósito de darle continuidad a la misión con la que se había iniciado Espejismo.

 Hasta ahora, se ha realizado la edición pocket de 2013 y la edición ½ carta 2014, con la finalidad de dar difusión y exposición al trabajo de fotógrafos emergentes y amateurs a través del trabajo colaborativo y colectivo, con un nuevo propósito: impactar en el medio ambiente lo menos posible a través de los temas, de la experimentación de materiales y formatos.

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Agenda Fotográfica 2013, edición pocket

 El tema para la cuarta edición (2015) es La imagen como una posibilidad y alude a la oportunidad de construir la realidad material a partir de las impresiones que el fotógrafo captura por medio de formas y colores resultado de la contemplación, el estudio o la curiosidad.

Espejismo
Agenda Fotográfica 2014

 Desde esta perspectiva, Espejismo abre una oportunidad para dar voz a los fotógrafos en un espacio colectivo, en donde se trabaja en conjunto, uno no es sin el otro y viceversa; no parece una tarea fácil pero las tres ediciones anteriores dan fe de que se puede lograr.

 Los obstáculos que han enfrentado parecen enormes cuando no se cuenta con el apoyo de un patrocinador que asuma los costos de operación y producción, sin embargo Espejismo cree que no hay barreras altas que impidan continuar –independiente del número de tiraje– dar a luz cada edición demuestra un obstáculo menos.

 Si te gusta la fotografía y quieres difundir tu fotografía podría interesarte leer las bases para participar ya que la convocatoria tiene fecha de vencimiento hasta el último día de este mes; la participación puede ser en forma de colaboración ya que con ella se contribuye a reducir las dificultades y favorece el trabajo en colectivo, el valor de la colaboración es de igual relevancia que cualquier otro que se realice para funcionar.

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Agenda Fotográfica 2013
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Agenda Fotográfica 2014
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Agenda Fotográfica 2014

 

Especial Ghibli: Porco Rosso

Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.

 Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen.  Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.

Porco Rosso (1992) Italy_2

 Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.

 La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.

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 La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.

El almacén de la imagen: una reflexión en torno a los selfies

 

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En la actualidad hay mucha controversia en torno al fenómeno del selfie y probablemente la mayoría de nosotros ha debatido sobre el tema en reuniones de café, en el bar, con los amigos o con la familia. Que si se trata de una muestra del más puro narcisismo, que si refleja inseguridad, necesidad de aceptación de los demás o, que si los estudios del holandés Christyntje Gallagher dicen que quienes se hacen selfies son personas con poca actividad sexual.

 Si hacemos una búsqueda en internet nos encontraremos con artículos que tratan principalmente sobre las motivaciones de las personas no sólo para hacerse selfies, sino también para compartirlos en sus redes sociales. También nos encontraremos con páginas de internet que muestran listas absurdas de los selfies más inoportunos, selfies en los peores lugares o en las peores situaciones. Abundan los textos-queja en los que se enlistan –porque ahora todo viene dosificado en listas– las razones por las cuales hacerse autorretratos y compartirlos es incomodo para los demás. En realidad son pocas las páginas que aportan algo importante con respecto al fenómeno del autorretrato en nuestra época.

 Debo admitir que algunas veces hasta yo he perdido los estribos cuando mis redes sociales se llenan de selfies de los otros, me vuelvo intolerante, hater y me dan ganas hacerle saber a todos aquellos que comparten sus fotos que ni a mí ni al resto de sus contactos nos interesa ver una imagen con su cara. Pero, de la misma manera he de admitir que de vez en cuando me hago selfies de manera privada, por supuesto, en casa, en donde nadie me juzgue por hacerme un autorretrato. Muchas veces me he tomado fotos que se quedan guardadas unos días en mi carpeta de imágenes en mi teléfono celular y luego desaparecen al margen de un solo “delete”. Otras veces también he llegado a compartir esas fotografías hechas por mí y de mí en mis redes sociales. ¿Reafirmación de mi identidad a través de la imagen de mi misma? sí. ¿Inseguridad de mi apariencia? no (probablemente todo lo contrario). ¿Inseguridad de mi persona? seguro que sí.

Autorretrato hecho por el astronauta Aki Hoshide en la International Space Station. Hasta ahora es la fotografía más representativa del selfie mejor logrado.
Autorretrato hecho por el astronauta Aki Hoshide en la International Space Station. Hasta ahora es la fotografía más representativa del selfie mejor logrado.

 En cuanto a la producción de autorretratos pareciera más que obvio que lo que los especialistas analizan, y lo que los usuarios de las redes sociales critican, son las motivaciones que tiene el retratado para retratarse a sí mismo. ¿Qué nos está queriendo decir esta persona al hacerse selfies y compartirlos? ¿Cómo se está presentando a sí mismo? ¿Cuál es su pose? ¿Qué gestos hace? ¿Por qué y para qué lo hace? En todo caso tendemos a cuestionarnos o a criticar lo más obvio. No por ello no debemos observar y cuestionar las motivaciones de las personas para hacerse autorretratos y “vender” una imagen de sí mismos en las redes sociales. Por supuesto que el comportamiento que conlleva hacerse un autorretrato responde a necesidades de un mundo que promueve el hiper individualismo y la constante reafirmación del yo a través de la imagen.

 La fotografía de uno mismo es el fenómeno por el cual podemos entender no sólo un mundo que alimenta la idea del hiper individualismo, como ya lo mencione antes, sino de un mundo que, en palabras de Fernando Aguayo y de Lourdes Roca, es hipervisual. Según los autores mencionados, las imágenes han tenido diferentes significados dependiendo de su modo de creación, pero también han tenido diversas funciones según cada periodo y cada cultura. El selfie, afirma Elizabeth Day para The Guardian, es el autorretrato de la era digital. Se puede entender entonces que el autorretrato compartido en las redes sociales es resultado de un mundo global, digital, hipervisual, capitalista en el que todo se basa en la oferta y la demanda. La fotografía de uno mismo muestra el producto que hay que vender, nuestra apariencia física (porque en nuestra época al parecer es lo que más importa), las redes sociales son ese medio de difusión masiva del cual nos servimos para vender nuestra imagen. Es importante, claro está, observar cómo se efectúa el acto de autorretratarse, las motivaciones que lo llevan a uno a posar frente a la cámara de un dispositivo móvil, pero también es necesario observar cómo se hace uso de las imágenes y cómo es la recepción de éstas.

Fragmento de cómic Sweetie, no one likes selfies, The oatmeal.
Fragmento de cómic Sweetie, no one likes selfies, The oatmeal.

 En cuanto a la recepción de los selfies, la opinión generalizada apunta al mal acogimiento de estas fotografías, esto pues basándome en el tipo de publicaciones que circulan en internet a modo de queja o burla en contra del selfie. Al parecer a la gente le gusta “producir” selfies, más no le gusta “consumirlos”. La actitud, la pose y la venta de la imagen es lo que molesta. Sin embargo, pienso que lo “molesto” de ver selfies no radica tanto en la fotografía misma, tal como lo creemos, sino que más bien lo que fastidia es la incoherencia que encontramos entre lo que la fotografía muestra y lo que el fotografiado expresa de manera escrita sobre ella.

 Resulta muy peculiar encontrarnos con autorretratos con descripciones que hacen referencia a los estados anímicos del retratado, al lugar en el que se encuentra (aunque en la foto no aparezca el lugar), el clima o la temperatura en un día en particular en el que fue tomada la fotografía. El selfie nos muestra a la persona con el brazo extendido haciéndose una fotografía de sí misma, mientras que la descripción dice si es domingo, si hace frío, si hace calor, si está nublado, si está soleado, si se está en el trabajo, si se está atrapado en el tránsito, si se está feliz (aunque en la fotografía se muestre a la persona sonriendo) o si ha sido un buen o un mal día. La incongruencia está en que no existe una relación entre texto e imagen. El hecho de que no sepamos, incluyéndome a mí, describir una fotografía de nosotros mismos es un reflejo de que no sabemos leer la imagen y mucho menos venderla.

 Vivimos en un mundo hipervisual en el que es más fácil expresarse en imágenes, pero al mismo tiempo nos vemos imposibilitados de poder leer y contextualizar las fotografías que nos hacemos a nosotros mismos. En ese sentido, el historiador John Mraz tiene razón cuando dice que, en contraposición al mundo visual en el que vivimos, nos encontramos ante una situación de analfabetismo visual.

 Entonces cada vez que nos hagamos un autorretrato con nuestro teléfono móvil no sólo debemos preguntarnos por qué y para qué lo hacemos, sino también cómo vamos a crear coherencia entre la fotografía y el texto con que lo describimos. Pero más importante que ello es observar cómo consumimos los selfies ajenos, a cuántos autorretratos le damos like en un día y si en realidad nos molestan, por qué nos molestan. El punto está en no criticar a la persona que se autorretrata, sino en ser más críticos al momento de consumir este tipo de imágenes.

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

La canción libertaria: Sueños y fantasmas


Me niego a vivir en un mundo hostil. Me remito a no absorber el temor. Me dolerá mucho el corazón, pero nunca agacharé la mirada. Me disgustaré con la indiferencia de mi país, y por eso, de aquí para allá, vamos construyendo… poco a poco, sin prisa ni miedo.

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Crédito:Tumblr.

 La canción libertaria, surge de lo más profundo del alma, de los consuelos –que quizá sólo los guerreros entienden–, de la lucha por una voraz y suculenta trampa, por la negativa hacia el olvido y sobre todo, por constatar la memoria de cada huella al andar. La rebeldía es la parte primordial de sus letras y de sus sueños por plasmar en cada matiz y acorde.

Siempre, 
llega el enanito 
siempre oreja adentro 
con afán risueño 
de enmendar lo roto

– Reparador de sueños, Silvio Rodríguez.

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Crédito:Kalmaioga.com

  Porque con el canto y la luz de día, se aclama la llegada de un nuevo amanecer, lleno de gritos, abrazos y amor con el compañero y amigo, y juntos gritaremos rebeldía y subversión. Porque creíamos haber muerto, pero estamos en el mismo barco, donde esperanzas y conmociones entrelazan sus manos, por ansiar un comienzo lleno de destellos entre cada pausa. La libertad por transmitir es la base para la creación más bella entre prosa, verso y una singularidad por expresar el amor a la vida, donde el odio parece no tener cabida. Porque en la quimera más recóndita, habita el miedo hacia lo que corrompe la existencia misma. ¿Por qué tanta aversión hacia la supervivencia? ¿Las canciones libertarias son el escape? Sabríamos de golpe, que con escuchar ese grito soslayado y quebrantable, romperíamos en llanto y tal vez, con los primeros tres minutos estaremos sonriendo de nuevo.

 Esos cambios tan abruptos en la música libertaria, son el elemento primordial de la vida.En el vaivén de los logros e infortunios, a cada momento se presentan diversas situaciones que nos hacen mezclar el anhelo de vida/muerte. Con la fragancia de la libertad se viaja por el mundo, por la felicidad y el infortunio, por la maldad y la benevolencia. Porque el hecho de reír o llorar, no hace distinción entre las diversas clases sociales, eso es lo que verdaderamente nos hace portavoces de nuestros ideales: La capacidad de sentir a diestra y siniestra, sin importar tabú alguno.

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Crédito:Tumblr.

 Cantan para el mundo, sus letras se mantienen en el corazón de cada uno de nosotros, la vida plasma un sentimiento inadmisible hacia la sonoridad del alma, y mientras truene o relampaguee, seguiremos cantando y reproduciendo una vez más, la reflexión de los días, de los años y de la eternidad.

Al despertar 
A un nuevo sol 
Vuelvo a nacer 
Vuelvo al amor 
Puedo cantar 
Este dolor 

Vienes a mí 
Ángel guardián 
Traes mi voz 
Mi libertad 
Puedo decir 
Al despertar 
Que el mundo es luz 
Y oscuridad 

La hermosa voz 
De la hermandad 
Atravesó 
Mi ventanal 
Una oración 
Puede curar 
Con esta fe 
Voy a cantar 

La razón es tu mirar 
La razón es la igualdad 
Es la niñez lejos del pan 
Mi identidad recuperar 
Al despertar agradezco a la vida 
Dejarme andar como luz peregrina 
Al despertar nueva emoción 
Vuelvo a nacer vuelvo al amor

– Al despertar, Mercedes Sosa.

 La razón de ser, de seguir, de luchar y de caminar se vuelven una sola, donde una guitarra cobra vida para darle al mundo el placer de reivindicarse con sus propios motivos de pertenencia. La clave para darle matiz, es esa flor de rebeldía que pide a gritos un nuevo amanecer, un día despejado sin contratiempo alguno y que nos permitirá vivir soñando con lo poco o mucho que queda por hacer por este mundo.

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Crédito:Blogspot.

 Somos como la cigarra – canción que interpreta Mercedes Sosa–, salimos del hoyo una y otra vez, con la cabeza muy en alto, a pesar del malestar emocional en el que nos encontremos, y sobrepasando las propias barreras que en el camino tratan de mutilar nuestros deseos… para decir “Esto es bello”. Porque de los sueños se hacen estrellas para cada uno, y de ésas, salen miles de constelaciones para cada persona.

El día en que dejemos de gritar y escuchar a nuestro corazón, el planeta se habrá de caer a pedazos y en esos trozos, dejaremos algo que pudo ser, alguien que pudo construir y uno que otro que pudo soñar.

Las alas de los cocodrilos (Obra corta)

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A: Necesito entender.

B: Hay cosas que no se pueden entender.

A: ¿Cómo podría yo saber eso?

B: Todo pasó muy rápido… pobre mía.

A: Tan absurdo.

B: Tan como todo.

A: Tengo sed.

B: Hambre…

A: Quiero sentir dolor…

B: Estás mal, siempre has estado mal, me enfermas.

A: No puedes hacer nada.

B: Sencillamente no puedo hacer… algo, nada.

A: Mi hijo está llorando.

B: Nunca lo tuviste.

A: La neblina.

B: A veces me das lástima.

A: Tú por lo menos puedes sentir lástima.

B: También piedad, asco, repulsión…

A: Quiero ser cantante.

B: ¡Cantas horrible!

A: No es cierto (canta).

B: Cállate, hay neblina otra vez, la despertaste.

A: Ya no importa, nunca ha importado, es como antes el aire.

B: Esto somos ahora, también somos neblina.

A: Siempre te odié.

B: Nunca te entendí.

A: Quería aplastarte.

B: Tonta… mi destrucción fue la tuya.

A: ¿Cómo iba yo a saber eso?

B: Eres una estúpida.

A: Me quiero ir.

B: No puedes, ya es tarde, casi llega el alba.

A: Tengo miedo.

B: No tiembles, siempre fuiste muy miedosa…

A: La sangre en el río.

B: No hubo río, ni siquiera agua.

A: Me estás lastimando, suéltame ¿Qué haces? ¡No te atrevas! ¡Por favor!

(silencio muy largo)

B: Se apagó mi cigarro.

A: Me duele…

B: Señor, ¿ me prestaría fuego por favor?… gracias.

A: Veo mi sangre correr, es como un río, pero ya no me duele…

B.- Confundir tu piel, con el frío del metal…

A.- Cállate.

B: Soy un microbio con alas en una jaula.

A: Nunca fuiste otra cosa.

B: Siempre me ha gustado revolcarme desnudo en la hierba.

A: Perdóname mamita.

B: Perdóname Lucía.

A: Me cortaron el alma, pero no sangró solamente se fue, fue a lamerse las heridas, a echarles sal

B: Además cocinas mal.

A: Las arañas me caminan por la piel, a veces escucho las telarañas, me hablan, se me meten en las venas…

B: Me gustabas.

A: No debiste acercarte a mi, yo estaba bien, le echaste cloro a mi hipotálamo, siempre te creiste capaz, muy libre, no eras más que un microbio en una jaula, pero no la veías… porque eres miope… no más que un pobre microbio miope encerrado en una jaula grande de latón oxidado.

B: ¿Tú que sabes?

A: Me das lástima.

B: ¡Cállate!

A: Estúpido (se ríe), crees que tienes el poder.

B: Lo tengo.

A: Tienes la nada… vacuo, nunca me tuviste, no te tienes… la neblina no te pertenece, pobre. Me vomitaría en ti…

B: Yo te amaba.

A: Señor… me prestaría fuego por favor?… gracias.

B: “Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano,como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrarlo todo para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer…”

A: Eso ni siquera es tuyo, no posees sonidos, ni aroma, ni tacto…

B: Perdóname.

A: Es tarde, ya casi llega el alba.

B: Tengo miedo.

A: Perdí mis alas…

B: No, no fue tu culpa… las eché al excusado y jalé la cadena, debí decirte.

A: No importa.

B: ¿Escuchas?

A: ¿Qué cosa?

B: Ruido… deben ser policías.

A : Ni siquiera existimos.

B: A veces si, cuando queremos.

A: Nunca queremos al mismo tiempo…

B: Ya no hay tiempo.

A: Siempre me han gustado las alas de los cocodrilos… son tan blancas.

B: siempre tan ridícula, entiende, los cocodrilos no tienen alas…

A: Está  bien…

A: En noticia… la noche de ayer se encontraron los cuerpos sin vida de un hombre y una mujer, al parecer los vecinos reportaron el llanto de un bebé hijo de la joven pareja, el pequeño pasó cuatro días sin tomar alimento, los médicos dicen que es un milagro de vida, la policía por otro lado declaró que al parecer el joven asesinó a la chica tasajeando todo el cuerpo, para después suicidarse (interferencia).

B: Así es Camila, que alegría (se ríen) en otras noticias ayer nació un cocodrilo , tiene unas alas enormes y muy blancas, los abogados dicen que está en perfectas condiciones, muy sanito y que ha respondido muy bien a…

 

 

 

Se Prepara Cinta Animada de Angry Birds

Resulta difícil pensar en alguien que actualmente desconozca el concepto de Angry Birds, uno de los juegos más populares de la época. Si bien sería exagerado decir que todos lo han jugado, existe una gran cantidad de artículos y productos que han tomado la imagen del juego, desde juguetes hasta versiones que parodian a otras películas famosas, la verdad es que el videojuego en cuestión es una opción bastante entretenida e incluso adictiva, que pudiera parecer simple, pero es precisamente esa sencillez lo que la ha hecho tan fácil de entender y de disfrutar. Algunos incluso llegan a olvidar que el juego resalta la aplicación de diversos elementos de la física, y creen que todo consiste en aventar a un montón de aves extrañas para destruir a los curiosos cerdos verdes.

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 Así mismo, la idea de que este juego fuera más allá del universo que lo vio nacer era tan inverosímil e incluso absurda que incluso existe una parodia en internet que jugaba de forma farsica sobre la bizarra idea de llevar a los “pájaros enojados” a la pantalla grande, misma que comparto a continuación:

 Sí, la idea era risible y aún lo sigue siendo. Cualquiera juraría que llevar a cabo una película de Angry Birds era prácticamente imposible, sin embargo, Sony Pictures no lo creyó así (de hecho existe una cinta animada no muy conocida, pero esta vez ya hablamos de un proyecto con mas producción y que sí podremos disfrutar en cine). Si bien el concepto de thriller bélico que manejaba el falso tráiler que he mencionado, la idea de realizar una película con un toque más familiar y usando la técnica de animación nos hace pensar que quizá ese concepto ser posible. Y más que posible, ya que la película de hecho está siendo realizada.

 Recientemente se mostró la primera imagen promocional de la película que tiene contemplado su estreno para el 1 de Julio del 2016. Como podemos ver, el diseño y estilo son prometedores y aunque aúno sabemos qué esperar de la historia que nos contarán, podemos estar tranquilos de que el manejo artístico y técnico serán cumplidores. Por si esto fuera poco, se ha confirmado la actuación de voces de grandes actores como Josh Gad, Danny McBride, Bill Hader e incluso el pequeño gigante, Peter Dinklage.

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Por lo pronto, y aunado a que la cinta será dirigida por Fergal Reilly y Clay Kaytis, no hay más datos relevantes. Tendremos que esperar casi dos años para descubrir si estamos ante un proyecto de gran alcance digno de la franquicia Angry Birds, o de una cinta animada mas del montón.  

Manzanas para la discordia, o el escape

“La juventud quiere mejor ser estimulada que instruida.”

Goethe

Antes de comenzar a hablar sobre el montaje Manzanas, original de Richard Milward, adaptación de John Retallack y dirección de Alberto Lomnitz; que se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, me permitiré introducir 3 materiales previos a esta obra que son base del análisis prosiguiente:

 En 1995, Larry Clark fue duramente criticado por mostrar un panorama crudo y desolador sobre la juventud. Ubicándose en Estados Unidos en medio de brote de contagios de VIH, a través de la cinta Kids, retrató un día  en la vida de un grupo de adolescentes neoyorkinos, una rutina que incluía vandalismo, consumo de sustancias nocivas, alcoholismo, sexo sin protección  y ausencia paternal. 

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 Para  2006, la dramaturga alemana Anja Hilling (Mi joven corazón idiota), marcó de nuevo la presencia destructora de las drogas en los jóvenes a través de la obra Estrellas (montada este año en nuestro país bajo la dirección de Hugo Arrevillaga), dónde cuatro jóvenes se disponen a entregarse a los efectos de las drogas denominadas estrellas, un marco agresivo de la pérdida de la inocencia.

 Como eslabón final, Klip, película serbia del 2012, dirigida por Maja Milós y recientemente distribuida en nuestro país, apunta la situación actual de la juventud expuesta a la tecnología, sexualidad pública, hedonismo y banalidad material. Todo a través de la mirada de una joven que documenta su fiestera, desvinculada familiar y sexualmente irresponsable vida, tras la lente de video en  su celular.

 Quise presentar primero esos tres materiales para sembrar la curiosidad y que así querido lector, usted se les acerque. Ahora bien, ¿Qué tienen que ver estos elementos con la obra de la cual hablaremos?, la respuesta es que todos hablan de la juventud en medio de una crisis existencial sujeta a las vías de escape falsas de cada época con detenimiento y efectividad. Las tres son crudas y retratan los aspectos desalentadores de las situaciones para gestar el mensaje de necesidad de cambio social, algo así pasa con Manzanas, bueno, casi.

 Dentro de la edad más compleja del ser humano: la adolescencia, Eva, Adán, Clara, Gabo, Debbie y Berna construyen un ideal de vida entregándose a la fiesta, la violencia, el sexo y las manzanas, un denominado para drogas. Suma a esta historia la condición de clase media alta de estos adolescentes. Dónde cada uno sufre por el amor verdadero, la toma de responsabilidades, la paternidad, la disfunción familiar.

 Lomnitz busca reflejar la búsqueda constante de los individuos jóvenes por encontrarse a sí mismos y satisfacer los deseos que sus mentes elaboran. Marca a las figuras adultas como síndicos a cada acto, más que como acompañantes. En resumidas cuentas: la versión de la historia de la vida, por parte del adolescente incomprendido.

 El problema aquí es que Manzanas se siente como algo ya visto. Una historia conocida pero contada con nuevos nombres y casuales elementos. Podríamos olvidar los clichés a partir de la primera parte en inmiscuirnos en la historia que se sirve cruda y fría, para después intensificar el drama. Sin embargo a partir de su segunda parte deja de existir una evolución en la dramaturgia. En vez de sentir empatía por los personajes uno siente repele y hasta gusta de sus infortunios.

 Esto último acaba con el discurso de la obra, convierte a la reflexión analítica en simple morbo y no cuaja. El ritmo es además otro jugador en contra al ser lento y repetitivo. Hay elementos que hacen llevadero el producto, como los cuadros de violencia bien coreografiados que atraen de nuevo la atención, pero la fuerza cae de nuevo y se diluye el texto.

 Por eso es difícil afrontar este tipo de temáticas sin caer en lugares comunes. Tanto que en vez de mostrar a las drogas como el método de escape fácil equivocado, se llega a justificar, sin querer, su uso. Será importante resaltar también que la adaptación no conecta con la audiencia. Sí, los jóvenes son iguales en todo el mundo, puesto que al fin humanos somos, pero no hay ningún conector a la sociedad mexicana, a sus problemas reales, sólo la insoportable y cruel destrucción.

 Al final uno se queda sin poder pensar en cuan pretensiosa ha sido la obra y lamenta su  insipiente esencia. Se disfrutan plenamente las actuaciones en general, resaltando a Sofía Espinosa, Fernanda Echevarría (genial en sus arcos dramáticos) y Armando Espitia; pero si no hay congruencia ni un hilo conductor firme todo falla.

Sin título

De: Consejos para cuentistas

 

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El cuento es, dicho (y sostenido) por escritores el género más complicado de todos en cuanto a narrativa se refiere, me he servido pues, traer algunos consejos para quien adquiere recién el oficio o bien, para quien lo tenga ya adquirido y quiera de esto hacer un recorrido rápido para refrescar lo aprendido.

 A diferencia de la novela, en que se permite hacer gala de la extensión para clarear relaciones entre los personajes , entretejer, y permitirse insertar tramas e historias de estos y entre estos; el cuento por característica de brevedad requiere de la síntesis, de la claridad, de la genialidad.

 Uno de los grandes del cuento: Horacio Quiroga ( Salto, Uruguay, 31 de diciembre de 1878- Buenos Aires, Argentina, 19 de febrero de 1937)  cuentista, dramaturgo y poeta uruguayo, denominado maestro del cuento latinoamericano, nos ofrece estos consejos para el perfecto cuentista:

I.- Cree en un maestro —Poe, Maupassant, Kipling, Chejov— como en Dios mismo.

II.- Cree que su arte es una cima inaccesible. No sueñes en domarla. Cuando puedas hacerlo, lo conseguirás sin saberlo tú mismo.

III.-Resiste cuanto puedas a la imitación, pero imita si el influjo es demasiado fuerte. Más que ninguna otra cosa, el desarrollo de la personalidad es una larga paciencia.

IV.-Ten fe ciega no en tu capacidad para el triunfo, sino en el ardor con que lo deseas. Ama a tu arte como a tu novia, dándole todo tu corazón.

V.-No empieces a escribir sin saber desde la primera palabra adónde vas. En un cuento bien logrado, las tres primeras líneas tienen casi la importancia de las tres últimas.

VI.-Si quieres expresar con exactitud esta circunstancia: “Desde el río soplaba el viento frío”, no hay en lengua humana más palabras que las apuntadas para expresarla. Una vez dueño de tus palabras, no te preocupes de observar si son entre sí consonantes o asonantes.

VII.- No adjetives sin necesidad. Inútiles serán cuantas colas de color adhieras a un sustantivo débil. Si hallas el que es preciso, él solo tendrá un color incomparable. Pero hay que hallarlo.

VIII.- Toma a tus personajes de la mano y llévalos firmemente hasta el final, sin ver otra cosa que el camino que les trazaste. No te distraigas viendo tú lo que ellos pueden o no les importa ver. No abuses del lector. Un cuento es una novela depurada de ripios. Ten esto por una verdad absoluta, aunque no lo sea.

IX.-No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir, y evócala luego. Si eres capaz entonces de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino.

X.- No pienses en tus amigos al escribir, ni en la impresión que hará tu historia. Cuenta como si tu relato no tuviera interés más que para el pequeño ambiente de tus personajes, de los que pudiste haber sido uno. No de otro modo se obtiene la vida del cuento.

 Dicho sea de paso: el talento aunado a la técnica nos confiere posibilidades portentosas de calidad, sea que se haga caso omiso o no, que se siga al pie de la letra o no, que se tome o se ignore, de la experiencia por ser experiencia debiera tomarse cuenta.

 

La añoranza hilvanada: Punto de Cruz

 Bésame, bésame mucho, como si fuera esta noche la última vez. El tarareo constante. Bésame mucho, que tengo miedo a tenerte, perderte después. La misma canción.  Piensa que tal vez mañana, estaré muy lejos, muy lejos de ti…

 Rebeca es abuela de Sebastián, un (no tan) niño de trece años que queda a su cargo luego de que el padre del pequeño hubiera emigrado a Estados Unidos, y la madre le abandonara.

 Sebastián se apresura a terminar las tareas escolares porque su único afán es salir a jugar fútbol con sus amigos por la tarde. Rebeca prefiere convencerlo de quedarse a cenar juntos, de lavar los trastes y de leer la Biblia con ella porque “algo bueno debe aprender”. Él, pese a su edad —y terquedad— sobrelleva a diario los caprichos de la edad de ella, sus anticuadas creencias, historias repetidas en infinidad de ocasiones e incluso soporta los castigos a la vieja usanza que en ocasiones le son otorgados.

 Condescendencia. Se ocupa en tener en orden su ropa, los trastes de la cocina limpios, administrar correctamente las medicinas a ella, complacer sus voluntades aun cuando parecen desvaríos de los años. Es un desacuerdo constante que se detona por el choque de las costumbres, del modo de vida, de las ideas y concepciones entre el mundo real y la ilusión de lo que fue.

 ¿Realmente llega a ser abrumador el hastío de la rutina? El contagioso desánimo escondido en el día a día, el hábito soporífero, el fastidio de la repetición mecánica de los actos y, en este caso, el manotazo o el jalón de orejas aparentemente oportunos, junto de ti, que anteceden a cualquier muestra de curiosidad, a cualquier cosquillita que desde dentro te empuje a salir del molde. Porque a los trece años nadie piensa en leer la Biblia, ni en querer ser como Job; nadie disimula el bostezo inmediato al escuchar las palabras “es que cuando yo tenía tu edad…”. No se cree en las brujas que chupan el alma, ni en los males del pueblo. A esa edad hay inquietud, valentía y alboroto ante todo; crecen las agallas, a veces a la mala, y se comienza a ser consciente de esa sensación nueva que traen las ganas de querer comerse el mundo. No está el mañana, la ansiedad de vivir es del hoy.

 Pero viene la reflexión al encontrarse en un espejo ajeno y, con ello, el ineludible ejercicio personal de preguntarnos si a la edad actual, hoy, pudiéramos volver atrás a aquellos días y comprender un poco de lo que ahora sabemos para cambiarlo. Premisa abordada en muchas ocasiones, de diversas maneras, y dilema por el que más de uno ha pasado. Hacer o no hacer. Evitar o no. Irse o quedarse. Decir o no decir, incluso. “Y si te digo que te quiero, ¿ya no te mueres?”. Regresar a aquellos regaños que terminan por resultar poco menos insoportables a la distancia, el suéter protector, calientito como un abrazo suyo, y el tarareo, ése, el mismo de siempre.

 Texto que nació como proyecto de un taller de la Royal Court International Playwrights en México hace diez años a manos de Francisco Reyes y que crecía apenas a voz de una lectura dramatizada, es lo que ahora vemos convertido en una sólida pieza teatral conformada por tres capítulos. Punto de Cruz es su nombre, y es protagonizada por la entrañable actriz Concepción Márquez, y por un joven y prometedor Armando Durán quienes, bajo la siempre admirable dirección de Hugo Arrevillaga trabajaron previamente esta pieza durante poco más de dos meses.

 El dinamismo del montaje es manifiesto, como cualidad recurrente del quehacer escénico de Arrevillaga, quien es por demás una de las figuras mejor consolidadas de la dramaturgia contemporánea nacional. Las ocasionales intervenciones en tercera persona del relato como preámbulo de los episodios invita a los presentes a conocer y empaparse de la historia; la escenografía juega un papel clave en ello con una plataforma-escenario construido con piezas de madera que se presta al imaginativo del público, y que permite que las cerca de setenta personas que conforman el aforo se sientan íntimamente involucradas al acontecimiento histriónico.

 El montaje es un relato muy breve en comparación con su intensidad. Es una enternecedora historia que se teje de esa madeja de reminiscencias color azul turquesa. Una caricia al recuerdo y un consuelo al alma. Amor, memoria, legado.

 

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 Punto de Cruz debuta en la cartelera teatral y, aunque precipitado, no parece lejano apostar por que sea su primera temporada de muchas. Se presenta en el Teatro Benito Juárez, parte del circuito de Teatros de la Ciudad de México, los días martes y miércoles a las 20:00 hrs. hasta el 29 de octubre.

El almacén de la imagen: Dulce Pinzón y el retrato de Zemmoa

La primera vez que escuché sobre la fotógrafa mexicana Dulce Pinzón fue de boca de un fotógrafo surrealista que recientemente ha aparecido en la escena de los artistas emergentes del Estado de Morelos. “Una de mis fotógrafas favoritas y que también ha sido de gran influencia en mi trabajo es Pinzón, me fascina su trabajo.” En cuanto tuve oportunidad investigué más sobre esta artista, leí un poco sobre su trabajo y revisé, de manera no tan detenida, sus series más populares y controvertidas: Real stories of superheroes (2006), probablemente su trabajo más divulgado hasta ahora, People I like (expuesta en la Galería Tal Cual en el 2010), Historias del paraíso (expuesta en Patricia Conde Galería en 2011) y Multiracial.

 Dulce Pinzón es una fotógrafa que, al igual que muchos otros fotógrafos, hace uso de la imagen artística como medio para plantear una crítica social. La diferencia entre la crítica hecha por fotógrafos artistas y la realizada por fotorreporteros es que los primeros hacen uso de la producción para crear escenarios que expresen su crítica a través simbolismo, mientras que los segundos se sirven de la realidad misma para el análisis de conflictos sociales.

 Pinzón, por su parte, engendra escenas con personajes de los que se sirve para hacer su denuncia sobre un tema, ya sea sobre el trabajo de los mexicanos inmigrantes en los Estados Unidos o sobre la devastación hecha  al medio ambiente. El punto de partida para esta fotógrafa mexicana es crear personajes nuevos que le permitan generar no sólo una crítica a nivel social, sino también abrir un espacio para estos cuestionamientos.  Sin embargo una de las series que más me llamó la atención fue People I like. En una entrevista realizada por Fotografía Contemporánea (FOCO) con el motivo de la exposición de esta serie en la galería Tal Cual, Dulce Pinzón menciona que precisamente para esta serie se enfocó en retratar a un grupo de latinos en Nueva York que han logrado incursionar en diversas esferas en aquella ciudad y que por ello han tenido oportunidad de influir sobre la cultura estadounidense. Al mismo tiempo, la fotógrafa vino a México y retrató justamente esta contraparte, es decir, a un grupo de latinos y mexicanos que han contribuido en la cultura de México.

Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Perla, fotografías de la serie People I Like.

 People I like consta de 14 fotografías en las que aparecen hombres, algunos de ellos vestidos como mujeres, y mujeres que se muestran en diversas poses y con vestuarios provocativos. Aparecen personajes que simulan a algunas figuras religiosas católicas. Pero sin duda la imagen que más llamó mi atención fue la fotografía que muestra a Zemmoa, una chica conocida por formar parte de la socialité capitalina. El caso de Zemmoa es bastante conocido por algunos, pues se trata de una mujer diva, de una celebridad de las fiestas y las reuniones sociales de la Ciudad de México.  Quienes la conocen o saben de ella es probable que la ubiquen por su canción Fashion victims en la que vitupera sobre el infectado mundo de la moda.

 La figura de Zemmoa es relevante en nuestro país, pues se trata de una chica veinteañera que no siempre fue mujer. Zemmoa, nacida en Cuernavaca y registrada bajo el nombre José María, fue un chico que, según ella cuenta, comenzaba a vestirse como mujer desde la primaria. Sin importar la categoría en la que uno intente incluirla (travesti, drag queen, transexual) la imagen de Zemmoa en México representa la libertad sexual y la aceptación de ello en la capital. No es de menor importancia mencionar que ella se convirtió en la primera ladyboy que modeló para la revista de modas Glamour, lo cual representa una revolución en cuanto a la idea de la figura femenina plasmada y difundida por las revistas de moda.

Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.
Fotógrafo desconocido, retrato de Zemmoa.

 El hecho de que la fotógrafa Dulce Pinzón la haya elegido para formar parte de la serie People I like dice mucho, pues reconoce que es una mexicana que ha logrado influir sobre la cultura de su propio país. Lo primero que vino a mi mente al momento de ver el retrato que hace Pinzón de Zemmoa fue la imagen de Simone, un personaje de la novela erótica más controvertida de la década de los treinta del siglo XX: Historia del ojo (1928) de Georges Bataille.

 Historia del ojo es precisamente una obra en la que Georges Bataille hace un análisis sobre el dualismo existente en el erotismo y en el que intenta mostrar, de manera simbólica, la manera en la que se puede lograr el equilibrio entre el terreno físico y el espiritual a partir de la transgresión de normas sociales establecidas con respecto al cuerpo y a ciertas instituciones. En la novela de Bataille hay una fuerte idea del humano como una mezcla entre animal, hombre y espíritu, así como del erotismo como medio que permite dejar de ser hombre para convertirse en un nuevo ser, para regenerarse. El ojo aparece como instrumento de la mirada y símbolo de poder y posesión del erotismo, encuentra su objetivo como mediador entre el cuerpo, el instinto animal, y la mente.

 Pinzón hace que pongamos nuestra mirada en Zemmoa, mientras que esta a su vez pone la mirada en la leche que vierte en el tazón, tal como lo haría Simone, la protagonista de la historia de Bataille, cuando pone su mirada en el tazón de leche del gato. Simone, al momento de ver el tazón lleno de leche no puede resistirse a la tentación y colocar su sexo sobre él. Se masturba hasta lograr el orgasmo. La mirada que emana del ojo se relaciona al testículo, con su forma igualmente oblicua, en el momento en el que este es fuente del esperma, de esa “leche” dadora de vida.

Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.
Dulce Pinzón, Zemmoa, de la serie People I Like.

 El retrato de Zemmoa, al igual que Historia del ojo, muestra la transgresión del erotismo. No lo hace de manera evidente, es decir, en la fotografía no vemos a una mujer transgrediendo las normas con respecto al erotismo, sino que esa transgresión se hace a través de la figura de Zemmoa: la ladyboy defeña que ama la fiesta. Sin embargo en esta fotografía Zemmoa no está siendo una “perris”, expresión con la que se describe a sí misma generalmente. No tiene puesta la ropa que normalmente usaría para una fiesta en la ciudad de México, más bien trae puesto un vestido corto muy provocador, pero blanco que simboliza la pureza e inocencia de la mujer. En la imagen se nota su cuerpo delgado, su musculatura diminuta es evidente, además el énfasis en sus ojos se hace a través del uso de un maquillaje negro muy cargado, las pestañas son postizas, y la mirada está puesta directamente sobre la leche que cae en el tazón.

 Su postura indica deseo, probablemente deseo de la leche, deseo de la comida que se encuentra sobre la mesa que está queriendo dominar con una rodilla. Los alimentos están perfectamente acomodados, se ha tenido cuidado con que esa esquina simule un bodegón barroco. Hay pan, representación del trigo, uvas que hacen una remembranza de la vid, queso y pescado, higos y granadas. Alimentos típicos del mediterráneo que se mezclan en una cena casi de corte bíblico.

 La fotografía de Zemmoa realizada por Dulce Pinzón es controversial, tal vez a propósito, tal vez sin el objetivo de retratar la transgresión al erotismo que la imagen de Zemmoa refleja en el contexto socio–cultural mexicano. En este sentido, esta fotografía de la serie People I like puede entenderse como un símbolo de esa transgresión hecha por Zemmoa misma al romper con los paradigmas sexuales impuestos en nuestra época, pero al mismo tiempo por Dulce Pinzón al usar su figura para crear una escena con la cual de manera inconsciente, tal vez, hace una crítica sobre el erotismo y sus barreras a nivel social.

 

Si miráramos siempre al cielo

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

“Si miráramos siempre al cielo, acabaríamos por tener alas”.

– Gustave Flaubert

Una de las principales razones por las que un instante puede llamar toda mi atención y siguiente a ello surja la necesidad de capturarlo en una fotografía, es debido al hermoso cielo que se monta sobre el momento.

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Lago
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José Miguel
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Horizonte
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Coyutla

 

Especial Ghibli: Recuerdos del Ayer

Después de su gran éxito y de crear una de las cintas más tristes y fuertes en la historia del animé, el maestro Isao Takahata optó por llevar a cabo un proyecto mucho más amigable y sencillo en cuanto al tema se refiere, no obstante, con una narrativa un tanto más compleja. En esta ocasión, la película elaborada por Studio Ghibli se orientó más a la nostalgia y las vivencias pasadas con la maravillosa cinta Recuerdos del Ayer (Omohide Poro Poro, 1991).

 La historia como tal es sencilla, Taeko es una exitosa mujer que está entrando a la edad de ser una “solterona” y decide pasar sus vacaciones visitando a unos amigos en el campo. En dicho viaje, ella recuerda diversos acontecimientos en su vida cuando iba en cuarto grado. A lo largo de la cinta tenemos una doble narrativa que nos muestra el viaje de Taeko adulta en el campo, aprendiendo de la vida y el trabajo en este difícil pero fascinante medio. Por otro lado, tenemos una serie de flashbacks donde vemos a la pequeña Taeko aprendiendo de la vida durante la escuela, en ese lapso encontramos etapas muy humanas como el primer amor, la aversión a cierto tipo de alimentos, la complicada vida de la hija menor en una tradicional y estricta familia japonesa, los infantiles sueños de estrellato e incluso, la atemorizante revelación de la menstruación para las niñas.

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 Aunque ciertamente la sinopsis pudiera no ser demasiado atractiva, he de decir que esta es una de las cintas más sólidas (en mi humilde opinión) del estudio. Es apta para verse por público de todas las edades, sin embargo son los adultos los que la disfrutarán más. Es imposible ver la película y no terminar con un agradable sentir nostálgico al mirar al pasado y recordar esos momentos tan mágicos y que a veces quisiéramos que volvieran. También la película nos da una lección de la forma en que nuestro pasado puede repercutir en nuestro presente y nuestro futuro.

 Quizá el único punto que no es del todo disfrutable de la película es el diseño de los personajes, los cuales cumplen con creces, pero que tras un intento de Takahata por darles mayor realismo dibujándoles algunas líneas en las mejillas, más bien les da un toque de más viejos. Visualmente no es la película más atractiva en ese sentido, sin embargo el diseño de arte es excelso, destacando los fondos campiranos que no dejan de emocionarnos al vernos.

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 No es una película para verse cuando se busca entretenimiento puro, acción, emociones fuertes y demás. Es una cinta que indaga en nuestro interior y con la cual es muy fácil sentirse identificado, una obra maestra total y absoluta que de hecho cuenta con una de las secuencias finales más hermosas que se pueden recordar en el animé. La cinta es una aventura al pasado, pero también al presente. No llega al punto de sacarnos unas cuantas lágrimas, pero el sentimiento de nostalgia es tan intenso y puro como cuando volvemos a ver a un buen amigo luego de años de ausencia. A mi parecer, una de las mejores cintas de Ghibli y una película ampliamente recomendable, no se la pueden perder.

El laberinto de la soledad: Semejanza y olvido


Somos la copia de lo moderno, fungimos como los portavoces de lo que nos ha dejado de pertenecer, nos identificamos con un quebrantamiento de nuestros anhelos y hemos crecido con el consuelo de ideales ajenos a nosotros. ¿Qué es lo que realmente nos motiva a ser? Porque pretendemos ser alguien, y ése imperativo transmite ideas y retos ante la vida, pero esos objetivos no nos pertenecen , desde el momento en que hacemos todo con opacidad y mediocridad.

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Crédito:Tumblr.

“A todos, en algún momento, se nos ha revelado nuestra existencia como algo particular, intransferible y precioso. Casi siempre esta revelación se sitúa en la adolescencia. El descubrimiento de nosotros mismos se manifiesta como un sabernos solos; entre el mundo y nosotros se abre una impalpable, transparente muralla: La de nuestra conciencia.”

 Ese sentido de identidad, de confrontación consigo mismo,nace del cuestionamiento de nuestra vida, del ritmo al que estamos sujetos día a día. La transmisión de ideas, objetivos y cumplimientos se lleva bajo una tutela externa, que ni siquiera nos corresponde a nosotros mismos como personas reflexivas y críticas. El fin de asimilar –el dónde, el ahora y por qué– corresponde a cada uno de nosotros, el fin es corroborar nuestra identidad que tanto buscamos al pasar de los años.

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Crédito:Tumblr.

 Entre lo vintage, lo retro y demás tendencias, olvidamos el trasfondo de nuestro abandono como sociedad mexicana. ¿Cuál es el muro que nos impide tener una autonomía simple y certera? El muro es la imitación. El modelo de la semejanza, rompe con los límites, enmascara una incongruencia colectiva y filosófica también. Y, no es que la semejanza sea un enemigo acteal, sino se trata de vincular la manera de adopción con el conocimiento de nuestras raíces y orígenes. Somos el pueblo que olvida y que deambula, que encuentra su asiento más cómodo y pertinente en la actualidad, porque una nación que relega su creación, supone un estado vegetativo e inerte.

 Tanto que tememos a la muerte, y pareciese que estamos cobrando un estado de confort y de aislamiento ante los sueños que no son arrebatados día a día. La muerte parece vencernos y sale airosa de cualquier problema ante la vida, así es el mexicano, olvida su propio oxígeno, su vida misma.

 Disimulamos nuestro miedo, nuestra renuencia a lo indomable, renunciamos a lo inaudito. ¿No se supone que la historia la historia la construimos nosotros? Somos el principio del tabique, y a la vez pertenecemos a la obra construida. La fortaleza de esta, se ve enriquecida en nuestra transparencia y solidaridad con las raíces de nacimiento, con ese vínculo cautivo y potencial ante la vida y el sueño.

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Crédito:Tumblr.

 El principio de la semejanza, nace debajo del de soledad. El laberinto de la soledad, sombrío quieto y desorbitante, que envuelve la agonía con la magia de los días, se muestran las máscaras y parece, que ya todo lo hemos visto, y cuando alguien  se quita el antifaz, queda expuesta su desnudez y no aceptamos ese hecho. Entonces, ¿Preferimos vivir en la mentira? La historia lo ha demostrado y nos gusta vivir en las tinieblas, donde nadie nos vea, porque si nos reconocen bajo nuestra autonomía, parece ser que tendremos que vivir en el exilio para siempre.

 Los excesos y escapes, parecen ser la combinación perfecta para olvidar la pena de lidiar con el olvido de un pueblo que clama lucha y reivindicación y no sólo dependencia. La sumisión hacia otro estilo de vida, nos lleva a la perdición misma de nuestra cultura; déjame de ser para volvernos parte de –contradicción fuerte y real–.

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Crédito:Tumblr.

“Oscilamos entre la entrega y la reserva, entre el grito y el silencio, entre la fiesta y el velorio, sin entregarnos jamás. Nuestra impasibilidad recubre la vida con la máscara de la muerte; nuestro grito desgarra esa máscara y sube al cielo hasta distenderse, romperse y caer como derrota y silencio.Por ambos caminos el mexicano se cierra al mundo: A la vida y a la muerte.”

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Crédito:Tumblr.

 Estamos muertos en vida, somos testigos de nuestra masacre y lo seguimos permitiendo desde que se nos impongan estereotipos que sólo degradan la imagen del ser humano. Se nos unen tabúes, prejuicios y juicios de valor, que no nos permiten tener un objetivo claro sobre lo que somos como mexicanos, no como vínculo entre naciones.

 Somos la descendencia de un pueblo aguerrido, que luchó hasta el último momento con un sinfín de impedimentos por querer quebrar el mundo de hostilidad.

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

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 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

¿Cuántos diablos hay que cumplir para dejar de estar maldita?

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Soy la oveja negra de la familia, con modales de cabra.

 La que se tiene que tapar los tatuajes cuando llega a casa porque mi mamá, de 60 años de edad, se molesta conmigo por tenerlos.

 Soy la flor que emerge del pantano y huele bien.

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 Hay varios fluidos que se han derramado en estos 25 años:

 Las lágrimas que salieron cuando me abandonaste.

 El sangrado vaginal que dejé de segregar hace poco más de un año.

 El flujo nasal que siguió luego de jornadas largas de llanto.

 El semen que me tragué y el que dejaste adentro.

 La sangre que corrió por mis nudillos cuando golpearon sin descanso el concreto. Maldita ansiedad.

 La cebada de mis latas de cerveza y el whisky, el ron, el mezcal, el pulque, el brandy; casi todo menos el horrendo vodka.

 La saliva que lubricó mis porros y la que me faltó luego del silencio introspectivo que deja la hierba codiciada y juzgada por muchos.

 El sudor de mis manos y de mis axilas.

 La grasa facial que se escurre tras la actividad diaria.

 No han pasado tantos años, sólo los suficientes. No he madurado del todo y no sé cómo se llega a ese ideal.

 Sólo sé que seguiré esparciendo jugos y caldos, regando mi esencia; con desprecio y repudio a las situaciones que no puedo controlar: tu ausencia, desdén y olvido.

Fotos: Jaime Tena 

Cuando Dios usó el diván

“Dios: lo más evidente y lo más misterioso.”

J. B. Henri Lacordaire

El Teatro Helénico es garantía de calidad teatral, me da gusto confirmar este enunciado de nueva cuenta con el siguiente escrito acerca de la puesta en escena La última sesión de Freud, dueña del espacio de fin de semana del recinto principal. Habiendo anunciado el tema es justo adentrarnos en materia.

 Haciendo un ejercicio rápido de reflexión a la ley de causa y efecto, aplicada a nuestra cotidianidad, la existencia de los seres humanos, como de todo lo que podemos conocer, proviene en directo de una acción mayor, la cual la ciencia ha apodado desde nuestra infancia como el Big Bang, la partícula que explotó y se expandió formando todo a su paso.

 Podemos quedarnos hasta ahí, o jugar al pequeño inquisidor de primaria, frente a una confusa educadora ante la pregunta de ¿Quién puso esa partícula?, ¿Quién la creo?, ¿Por qué? y ¿Para qué?

 A partir de aquí, nos topamos con la pregunta central: ¿Dios existe? Para los grandes pensadores dicha inquisitiva es compleja de responder, hay palabras tanto a favor como en contra de una presencia divina superior.

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 Se le han dado mil nombres, y tiene demasiados argumentos en prueba y contraste, empero, al final es innegable que hay algo o alguien con un nivel más alto que el nuestro, probablemente diseñando nuestro camino de tal forma que no podemos comprender. ¿O no es así?

  La aparición de la interrogante tuvo a nutritiva forma el toparse con un rotundo no, por parte del padre del psicoanálisis, el propio Sigmund Freud, quien afirmaba que la creencia religiosa era simplemente una proyección de necesidades humanas.

 La palabra de Freud ha sido ley para muchos filósofos, además de objeto de contraste y debate. Sin duda uno de los más pronunciados fue el que Armand Nicholi propone en su libro “La Cuestión de Dios”. Dónde los argumentos de Freud hallan respuesta inversa con los del escritor católico C.S. Lewis (Las crónicas de Narnia).

 Mark St. Germain toma el escrito para desarrollar uno de los textos teatrales contemporáneos más poderosos y ricos, La última sesión de Freud, basado en el encuentro supuesto que Nicholi marca entre Freud y Lewis para argumentar el sistema de creencias de cada uno.

 C.S. Lewis era ateo, harto de los sermones forzosos de su infancia, golpeado por la experiencia de la Primera Guerra Mundial. Pero al pasar los años, dicha lejanía a Dios se vio terminada con un escritor visiblemente feliz de profesar su creencia en la religión. Al ser ateo usaba los argumentos del propio Freud para desmentir al Dios al que después afirmaría contrastando dichas posturas. ¿Puede un hombre recobrar así la fe, sin más ni más? Freud ha citado a Lewis para averiguar esto, en una disertación mezclada entre las señalizaciones duras y el humor inteligente.

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 El texto de St. Germain da honores a ambos autores, analiza a fondo los sistemas de creencias y adaptabilidad del ser humano teniendo como vía dos personajes con ideologías opuestas, pero con demasiadas áreas en común. Uno de ellos se aproxima a su final y luchará por ser fiel a sus ideales. El otro tratará de invalidar sus argumentos tan solo para cancelar los propios. Cada frase pronunciada despide inteligencia, sustancia, ritmo en una batalla campal entre la teología y el racionamiento científico.

 Bajo la dirección de José Caballero nos topamos de frente a una conceptualización exquisita en el escenario, a través de la escenografía e iluminación de Patricia Gutiérrez Arriaga, Freud y Lewis deliberarán dentro de la pirámide del Ego, Yo y Superyó, al tanto que  la mirada de una colección de deidades atestiguan el acto.

 El director nos permite identificarnos con ambos personajes, ser objetivos al tema, para después sacudirnos y adentrarnos completamente al encuentro con la necesidad de tomar una postura a favor o en contra desde el propio juicio analítico. Finos detalles bajo un ritmo que se cocina lento pero con trazos fuertes y un drama que va creciendo, topa un límite y crece de nuevo para alcanzar otro constantemente, generando una arcada dramática que reta tanto a sus actores como al espectador ante la fiereza del diálogo.

 El maestro Sergio Klainer da una absoluta cátedra de actuación, encarnando a una versión de Freud en la línea media del desprecio y la compasión. Absolutamente correcto en tono y forma, Klainer se dirige con una presencia que inunda el recinto y deja anonadado al público. La intención de cada línea de su personaje penetra como navaja directo al intelecto, pretendiendo activar la razón bajo un ataque disfrazado de comicidad autómata. Amén de la genial caracterización de Mario Zarazúa que acerca al actor a un parecido innegable al psicoanalista. 

 Por su parte, Dario T. Pié genera un apoyo constante a Klainer con una actuación justa y plausible que enmarca una apertura más al diapasón actoral del también comediante.

 Esta es  pues una de las propuestas actorales más completas de la temporada. Un montaje imperdible queabandona en cada asistente la confusa necesidad de llegar a casa para rezar un padre nuestro, mezclada con tener que encerrar el rosario en un cajón. No hay pretensión ni sentimentalismos inducidos hacia una desvalijada modernidad, solo se colocan las cartas sobre la mesa para jugarlas con tiento y prevención.

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El apoyo hacia el diseño nacional : ¿Mucho o poco?


La industria ha enaltecido a lo largo del tiempo, las grandes posibilidades de adaptar mejores condiciones socioeconómicas para un país – ya sea en materia de crecimiento o desarrollo– , para ello se ha requerido de gran inversión de capital, tanto inversión extranjera directa o por medio del financiamiento nacional.

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Crédito: Blog costuritas.

 El hecho radica en que las posibilidades por adecuar una mejor vía de crecimiento y producción – expresado en el porcentaje del Producto Interno Bruto– es decir, a través de lo que se genere en una economía, se han tergiversado de manera que se olvida la importancia del avance del mercado interno. Bien es cierto, que la posibilidad de crecimiento ha disminuido porque el sector terciario (el de servicios) es el que más ha mostrado un aumento, mientras que el sector industrial ha declinado su producción y por ende, impacta de forma negativa en el desarrollo motriz del país.

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Crédito:Chulavista Store.

 Una serie de políticas económicas, se han implementado para darle paso a la coyuntura entre la necesidad de desarrollo y crecimiento, por lo cual es indispensable entender la importancia del sector industrial en la economía mexicana.

 Dentro del sector secundario, se encuentra la industria textil, actividad que ha sido portavoz de grandes avances en materia de innovación, creatividad y desarrollo social. La creación de esta área, permanece con el objetivo de crear mejores condiciones que permitan el crecimiento sostenido del Producto Interno Bruto, sin embargo, en ese afán por querer aumentar la producción; se ha olvidado el desarrollo del productor independiente, del que no depende de las empresas extranjeras en el país y que busca la forma de adecuarse a las circunstancias que el propio mercado le impone – tal es el caso de las barreras de entrada– , por lo que su talento parece no tener cabida en el ámbito de compra- venta.

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Crédito: Tumblr

 ¿Por qué se le niega el paso a diseñadores independientes? Simplemente, porque la economía mexicana adecua sus necesidades a las del mercado externo, y tiende a fragmentar a los portavoces del ingenio nacional. Diseñadores que se comprometen, que tratan de darle una nueva forma a la creación y a lo moderno, que rompen estereotipos y que a través de la idea buscan abrir una serie de tendencias que vinculan el sentido nacional.

 Parece ser, que las formas y atuendos del exterior le atraen más al público, pero la pregunta es: ¿Por qué no apoyar a la creatividad de nuestro país? Tantos diseñadores de moda independientes existen en nuestra nación y el apoyo no se ve fomentado, ni por parte del sector industrial textil ni por el comprador.

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Crédito:Chulavista Store.

 Marcas como Valetta y Cómeme historias, cobran vida para darle forma a sus ideas a través de distintas creaciones y atuendos, que le permiten al público admirar una nueva gama de matices en lo que se ofrece.

 Es hora de apoyar al talento nacional, a los diferentes conceptos que aparecen y muestran una serie de esquemas que rompen barreras y que vinculan un concepto muy diferente del que se está acostumbrado.

 Cómeme historias, es una marca independiente que se dedica al diseño de ropa y accesorios para bebé, vincula su idea con diversos personajes ilustrados, lo cual muestra una idea precisa sobre lo que se trata de mostrar el público.

 Valetta, mezcla tendencias en torno al diseño de trajes de baño y bolsos, teniendo un concepto innovador y general del significado de la mujer en la sociedad.

 Tanto Cómeme historias como Valetta, sus productos a la venta pueden consultarse en Chulavista Store, permitiendo vincular la difusión del talento mexicano a través de un medio que le permite abrirse paso al productor nacional.

De amor y arte: una reflexión

Francesco Hayes “The Kiss” crédito: AllArt

¿Qué es amor? ¿Qué es arte? ¿Cuál de estos dos conceptos conocemos completamente? Estas y más preguntas me hice cuando quise relacionar el amor y el arte y cómo de esta fusión han salido obras interesantes.

 Estos dos conceptos podrían no tener mucho en común, pero difiero. No hay un concepto específico de ambos; ahí hay algo que los une. ¿Cuántas cosas en común necesitan dos personas para tener una relación? Otro punto de afinidad es que ambos son arbitrarios que producen una sensación tanto física como emocional. Es parte del cuerpo humano.

 Y quizá sea tan físico que cada uno tiene una definición propia de lo que es amor y de lo que es arte. Dos conceptos tan ambiguos, tan abiertos de significado y sin embargo tan común entre nosotros. Cada percepción en el arte es diferente. Una obra podría tener miles de significados, mismos cuya fuente es la cabeza del humano. ¿Acaso no pasa lo mismo con el amor, donde cada quién habla como le fue en la fiesta?

 Y con amor, no me refiero sólo a las relaciones entre dos personas donde entra cuestiones sexuales. Si bien en el arte existe, como escribiría Benveniste, un yo y un tú. En el amor habrá el sentimiento hacia un objeto, una persona, o un animal. Es decir, siempre se tratará de dos el proceso de observación, percepción y el más importante: la significación.

René Magritte “The Lovers” crédito: tumblr

 Sin embargo, escribir de amor y de arte nunca podrá ser objetivo. Cualquier significación cualquier definición se acopla a un interés personal. ¿Existe la objetividad en el arte? Sin duda, las convenciones son de suma importancia, la teoría, o cualquier base ha sido construida con base a una percepción no objetiva de los genios y maestros.

Rodin. “The Kiss” crédito: tumblr

 La fusión y conexión de estas dos formas de percepción física y mental es lo que realmente interesa a los teóricos. La materialidad del arte se puede exponer en los museos, hacer performances o estar presentes en alguna sala común de una casa. En cambio, la materialidad del amor se puede dar en el arte,  en objetos físicos  como las cartas o en acciones humanas, como los abrazos, la ayuda y el apoyo, (que son conductas que llevan consigo lo que podría llamarse amor, porque existe un vínculo humano y sentimental).

 ¿O es que el amor es un factor para que exista arte? Los sentimientos son parte de los distintos procesos y acciones que puede realizar un humano o animal. El amor es un sentimiento y un concepto abstracto donde existe una significación aplicable o depositable a un objeto o ser físico. El arte, podría ser el medio para expresar dichas emociones.

 Aún así, esta reflexión podría ser sólo una de las infinitas percepciones que existen del arte y del amor. Mismas percepciones que se encuentran en algunas pinturas, esculturas, performances, exposiciones etc. que generalmente van de la mano con algún otro sentimiento, como el miedo, la angustia, el dolor, la alegría, etc.

De: Teatro. Verónica Maldonado

Un buen artista es antes un buen ser humano: Verónica Maldonado, dramaturga, actriz, profesora, guionista y directora de teatro egresada de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad Nacional Autónoma de México cabalmente cumple con la regla. Es una mujer fuerte con un corazón que desde fuera se siente y al que ni ella misma es capaz de obstruir, se le asoma por los ojos, se le escapa por la pluma, es, poniendo claridad, una mujer a la que dan ganas de querer.

 Es esto importante, porque sabido es que “todo arte es autobiográfico”, no ya en un sentido estricto y corriente, sino en el modo en que todo lo que uno es, todo lo que uno conoce, prueba, lee, escucha y todo lo que no, inevitablemente es colocado en las acciones como en una vitrolera,  para un artista las acciones, los frutos, son el arte que crea y le recrea, que forja  y viceversa; este corazón de Verónica se siente en el alma de sus textos y en sus puestas en escena.

 Es creadora y no sencilla ejecutante, como toda alma con afanes de libertad y portentosas necesidades de entregar, de crear y de ganar terreno en la expresión pero sobretodo de “darse” a lo que se sirva prestarle el oído, el corazón y la razón, ella es una artista diversificada, porque no puede ser de otro modo, ha ganado premios de instituciones convocantes diversas: SEP, UNIVERSITAS, TV UNAM, IMCINE, INBA, Gobierno de Yucatán entre otros en las áreas de dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Nos habla esto por fuerza de una creadora sin egoísmos, que explora en sí misma y en los territorios de fuera buscando terreno para alojar la semilla de su arte.

 Entre sus obras más recientes se encuentran: Segiz o la historia del príncipe dormido (Est. Aguascalientes, 2009), Máquina 30000 (Est.Tlaxcala, 2010) Las batallas en el desierto, (Est. México D.F. 2012) De cómo el épico negrito y el valiente monsieur epicé evitaron otra guerra de los pasteles(Est. Puebla, 2012) Tutoriales (Est. México D.F, 2012), Looper (Est, México D.F., 2012) Rojos puntos de vista(Paso de Gato, Antología) y Un teatro Xico (Est, Tlaxcala 2013).

 Verónica es también docente y ha impartido talleres de dramaturgia, presentación de proyectos y escritura creativa, en el programa Arte por todas partes del Instituto de Cultura de la Ciudad de México, PADID, Centro Nacional de las Artes, INBA-ENAT y para IDARTES, Bogotá, Colombia.

 En teatro infantil ha escrito las obras: “El Yeitotol ” (Corunda-Conaculta,colección “el mejor teatro para niños”, CONACULTA- SEP “Hacia un país de lectores”), El viaje de Ulises ( Encuentro Iberoamericano de danza y teatro para niños, Colombia 2013). y  Valentina y la sombra del diablo (Editorial Paso de Gato), esta última ha ganado el Primer lugar del I Festival de teatro de títeres para adultos, Perú (2012) Y Mejor texto dramático, Festival de teatro da Rua, Brasil (2013). Además de múltiples representaciones montada por distintas compañías de teatro en diversos escenarios de la República Mexicana.

 “Valentina y la sombra del diablo” que habla de los secretos que duelen y que no tienen derecho de permanecer como tales, a los que hay que soplarles el polvo del encierro, de lo que lastima, de lo que no debe permanecer en el encierro  ahora bajo la dirección de Verónica, está en una breve temporada en el Foro de las Artes, en el Centro Nacional de las Artes, los días: 4,5, 11 y 12 de Octubre  a las 13:30 Hrs. Entrada General $80 pesos. Hay que verla, apoyar al teatro en México con mensaje, con discurso, con magia y metáfora que salva.

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Presentan Avances de la Nueva Película de Popeye en Marino

Luego de varios años de haberse estrenado en la televisión y ser uno de los pioneros de las series animadas, con un historial que incluyó hasta una cinta en Live Action con el fallecido Robin Williams, el marino más famoso volverá a la gran pantalla con su propia película animada en 3D. La cinta estará a cargo  de Sony Pictures Animation y será dirigida nada menos que por Genndy Tartakovsky, director de la película Hotel Transylvania (Hotel Transylvania, 2012) y creador de series como El Laboratorio de Dexter (Dexter´s Laborator, 1996) y Samurai Jack (Samurai Jack, 2001).

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 Recientemente, la empresa dio a conocer un fragmento de video que muestra el tipo de animación, acción y humor con la que contará la cinta de Popeye. Como se puede apreciar, y aunque no vemos en ningún momento las famosas espinacas, se nota que la animación CGI no afectará el tono “clásico” de dicha caricatura. Los movimientos y estilo se han mantenido y eso demuestra las declaraciones que Tartakovsky dio hace tiempo en el cual se decía admirador de este personaje y que uno de sus grandes sueños era hacer una película de este mismo.

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 Cabe mencionar también que el director reveló que una de sus motivaciones para realizar esta película fue el éxito que tuvo el humor “físico” de su película anterior, el cual divirtió al público de todas las edades y que los conocedores del personaje Popeye sabrán que es un humor muy adecuado para una nueva aventura. Aún no se ha dado una fecha de estreno ni muchos datos respecto al proyecto, pero esta pequeña muestra nos deja un buen sabor de boca. ¿Qué piensan ustedes?

Palabras breves: Sandarti se vuelve mago

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Si no han visto Wicked, ya no hay excusa alguna para  dejar de asistir al Teatro Telcel. Están ya en la recta final y para conmemorar dicho suceso arrancan un ciclo de actores invitados a este musical. El primero de ellos es, créanlo o no, Héctor Sandarti como El Maravilloso Mago De Oz.

¿Sandarti? Sí, el conductor estará los jueves en el papel que regularmente ejecuta Paco Morales. Sabemos que el también actor tiene un carisma innegable, lo cual lo ha colocado en el gusto del público desde su primer aparición en TV, conocemos además su capacidad histriónica (Orgasmos, Toc Toc), pero como cantante no tenemos registro alguno de él, al menos no en este país.

Y bien, siendo honestos el personaje del mago no requiere de una potencia vocal específica o un rango amplio, tan solo que pueda cantar pero que tenga una presencia poderosa a la par de un carácter dulce. Por lo cual debo decir que el señor Héctor Sandarti no hace un mal papel dentro de esta obra, es más, resulta agradable y bastante simpático.

Diferente a los magos que interpretan Paco Morales y Beto Castillo, comenzando por el tono de ingenuidad que envuelve su interpretación, esto último me pone en duda de si en verdad interpreta o tal vez es inseguridad denotada; sin embargo, el actor logra sacar adelante sus interpretaciones  y conectar tanto con el resto del ensamble como con el público que lo recibió con aplausos ensordecedores este pasado 25 de septiembre en su primer función.

La puesta sigue tan sólida como cuando inició su exitosa temporada hace ya casi un año. El despliegue de talento mezclado con un libreto y música impecables invitan al espectador noche tras noche a presenciar una calidad que hasta antes de esta puesta no se había visto en nuestro país. Ahí radica la importancia de asistir.

En conclusión, ver Wicked sigue siendo obligación para los amantes del teatro, más aún quienes idolatran los musicales. Héctor Sandarti no decepciona, es más, es una sorpresa agradable.

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Don Gato vuelve a los cines

Sin duda alguna, uno de los mayores logros en la filmografía animada en México es el tan anhelado proyecto de Ánima Estudio, Don Gato y su Pandilla (Top Cat, 2011), basado en la popular serie hecha por Hannah Barbera en los 60´s. La película gozó de una buena aceptación tanto en crítica como en taquilla, y aunque existen sectores del público que la criticaron fuertemente debido al uso de elementos como robots en un mundo tan clásico al cual nos habíamos acostumbrado, o al guión mismo, cabe destacar que la nostalgia de ver nuevamente a todos esos personajes y guiños a la serie animada fueron suficientes para volver a Don Gato un gran golpe positivo en la industria.

 No es de extrañarse que el éxito de la cinta motivara a los creadores a pensar en una segunda parte misma que ya fue aprobada y se encuentra en proceso de producción. No obstante, no se trata de una secuela sino de una precuela. ¿La premisa? Don Gato y Benito Bodoque se conocerán y vivirán una serie de aventuras que terminará por la creación de la famosa pandilla y el primer encuentro con el oficial Matute. El título de la cinta será “Don Gato: El Inicio de la Pandilla”, y a diferencia de su predecesora esta película estará hecha enteramente en CGI, o animación 3D, como de hecho era el plan original para la primera película.

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 Según Fernando de Fuentes, presidente de Ánima Estudio, este es el proyecto más ambicioso que la empresa ha tenido desde su creación y se dijo muy entusiasmado al respecto. Y no es para menos, ya que no se trata solo de una cinta más en su historial al mercado internacional, sino que tendrán la oportunidad de explorar una etapa de la caricatura jamás antes vista, y siendo honestos, jamás cuestionada siquiera.

 Aún así, se trata de un gran reto para el estudio ya que deberá igualar o superar lo hecho en la primera parte; además, recordemos que trágicamente esta vez no se contará con la participación del gran Jorge Arvizu “El Tata” interpretando a Benito y a Cucho, personajes que hiciera famosos con su trabajo de voz en la serie de antaño. Como tal, Ánima ha aceptado el desafío y se ha comentado que se hará un exhaustivo proceso de audición para esas voces. Por lo pronto no nos queda más que confiar en que el amor de los mexicanos por estos personajes, y el profesionalismo de Ánima, nos traerán una película que cubra las expectativas. Seguiremos al pendiente.

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Yo sólo quería ver el rosa: La pubertad y la cursilería


Caminaba entre sueños color rosa, imaginaba un mundo lleno de parejas felices y torpemente, crecí entre la cursilería que tanto me empeñé a ver.Yo nada más, quería ver mi propia película de amor, mi fantasía más conspicua, porque sapo o renacuajo…yo anhelaba que apareciera, total pues ni príncipe ni mendigo; faltaba a todas horas, desde siempre lo andaba esperando -seguro ya sabía- , pero no se dignaba a salir de su escondite.

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Crédito: Require Art.

 Cinco años, y veía con los ojos desorbitados las zapatillas de todos los colores que utilizaba mi madre – desde las tonalidades dulces hasta las más ostentosas-, veía como mis primas estaban enamoradas de su príncipe azul, como hablaban por teléfono con ellos por horas, cuando lloraban y los mandaban al averno, y también cuando fueron madres.

 Películas, libros, canciones…nada, absolutamente nada, se salva de la cursilería de tener a tu lado el mejor hombre del mundo, el que si tiene barba incipiente lo amarás, y también al que usa lentes fondo de botella y que te hará saber cuánto te quiere, total en gusto se rompen géneros.

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Crédito:Tumblr.

 No hablemos de las primeras citas, porque son temas tan controversiales. Labiales color mírame que la noche nos aguarda, perfume más penetrante que el olor de pápalo en el puesto de tacos, peinado de a Niurka Marcos, y en el peor de los casos el atuendo de la tesorito. ¿Cuántas veces no soñamos con el hecho de que nos invitaran a salir? El nerviosismo, las manos sudadas, la risa de niña fingida, los no me digas…yo también pienso lo mismo, las preguntas más obsoletas, los desaires más desagradables y un sinfín de historias están guardadas en cada una de nosotras.

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Crédito:Require Art.

 Adolescente, puberta, dueña del mundo – si mija, ándale pues-, amante de lo imposible.Creces, te maquillas, te depilas, te perforas, amas, te cortan , creces y creces. Todo un camino por recorrer, con dimes y diretes. Luis Miguel, Luis Fonsi, Ricky Martin, Chayanne, Reik son el elemento primordial para darle la bienvenida al enamoramiento ñoño, que si se cae el cielo…tendremos nuestro mundo, y que si te corta, ahora escucha las de Chente –lógica suicidio en vida-.

Scott Fitzgerald fue el autor de todos mis malestares amorosos, soñaba con West Egg, con ese gran caballero, con aquéllos días de ensueño de las big band, de los bailes de Glenn Miller, de la comodidad de tener a alguien a tu lado, de saber que no era tan absurdo el hecho de sólo pensarlo.

“El amor a la vida es esencialmente tan incomunicable como el dolor”

 Cartas de amor, el típico chico que se sigue y tú lo ves con el helado derritiéndose en tu mano, las burlas cotidianas – ahí va el que te gusta- , la fiesta de la amiguita, el ligue entre amigos, cupido por aquí y por allá, el delineado imperfecto con un brote de inmadurez por delante, la garantía por ser absurda de vez en cuando y sobre todo, de parecer que el mundo color rosa estaba cobrando vida; aunque era más oscuro que la noche misma.

 Ademanes superfluos, ideas vertiginosas, conceptos superficiales…no podías escapar de ellos, a menos que fueras una ermitaña sumergida en lo más recóndito de una habitación como lo era Harry Haller en el tiempo de los locos, de los que no entendían la vida ..mucho menos, la muerte en los tiempos que ya no importaba si estaba nublado o templado.

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Crédito:Tumblr.

 ¿Qué importaba? ¿Éramos chicas tratando de aparentar? Llega la prepa, y todo parece cambiar de vertiente. Pues, ya no era el peinado de Niurka Marcos, ahora era el de miss universo  (entre más relamido mejor) , maquillaje perfectamente reluciente, pantalones que a la fuerza ni los 20 kilos menos de tamales de exceso los harían subir, las pantorrillas mostrándose con medias que no dejaban nada a la imaginación y los niños ahora empezaban a tener barba y sentían que bailar la cumbia del gigante era lo máximo ; total …nada más le seguíamos el paso.

 Y ahora ya no es Ricky Martin,a la onda retro-vintage-chaca le seguimos la corriente, porque parecemos que no somos, pero somos la copia de cada estilo, de cada estampado, de cada delineado..de cada tendencia. ¡Bah! , de nada sirvió la cursilería en la vida de pubertad.

Talento mexicano: Campus Denim

A pesar de que  a muchos, les pareciera que el contacto con la moda  sólo  se consigue con la compra de ropa de tiendas exclusivas y marcas extranjeras, va mucho más allá de este pensamiento hacia lo que es el consumo de moda en nuestro país. Si bien todo lo dicho anteriormente en este párrafo entra en una mínima porción de lo que es el consumo de moda, debemos saber quiénes son los nuevos exponentes de moda nacional. Ya que también ofrecen muy buenas propuestas que normalmente no se ven o no son tan reconocidas como se pensaría.

 ¿Podrías imaginar que existe diseño en prendas tan cotidianas como los jeans? ¡Claro que existe! Y lo mejor de todo es que  quienes hacen este trabajo (Que podría pasar como sencillo, tal como en la entrada de Hilary Fayle y el arte que puede verse fácil de realizar pero en realidad no lo es del todo) es totalmente nacional.

 Así es, se tratan de los jeans mexicanos de  Campus Denim. Marca nacional que se dedica al diseño de pantalones de mezclilla para hombre.  Fabricados desde Monterrey, Campus Denim ofrece una alternativa para todo aquél que sufre cada vez que escoge un nuevo par de jeans nuevos y la calidad es mala o los acabados de baja calidad.

Detalle. Crédito: Facebook oficial.

 Estos pantalones ofrecen tres tipos de estilos: Straight, Skinny y Punjabi. (Debo confesar que yo no sabía de la existencia del punjabi, y eso fue algo totalmente nuevo para mí, me dejó sorprendido de este tipo de corte en mezclilla) Algo básico que cualquiera pudiera encontrar en cualquier tienda, sin embargo, la característica de estos pantalones es que trabajo 100% mexicano, de muy alta calidad en el bordado y en la manufactura. Por lo tanto, no sólo ayudarías al fomento de moda y diseño mexicano, sino que además te llevas un producto de calidad y resistente.

Skinny, Punjabi & Straight. Crédito: facebook oficial

 A pesar de que el proceso de jeans se ha vuelto industrial, Campus Denim no busca ese cometido: “No estamos en busca de producción masiva; estamos creando cuidadosamente un par a la vez, a través de un proceso no automatizado. Nosotros inspeccionamos y firmamos cada par antes de que abandonen el taller.” Por lo que cada pieza que obtengas será parte de un diseño único e irrepetible.

 Aunque digan que ellos no hacen moda, sino buenos jeans, dejan en claro que a pesar de no ser una marca extravagante y opulenta, la calidad de la tela y del trabajo hacen a la marca distinguirse de cualquier otra que produzca pantalones. Al final, la moda es todo y todos usamos moda; y estos buenos pantalones de mezclilla entran en esta categoría por su buen trabajo y su buena calidad.

 Si te interesa adquirir un par de estos jeans mexicanos, pincha aquí. 

Campus. Crédito: Facebook Oficial

Impresiones francesas sobre: el Día de la Independencia

En ce mois de Septembre, le Mexique fête son 204ème anniversaire d’indépendance. Cette célébration n’a pas seulement lieu au Mexique : elle est aussi perpétuée par chaque communauté mexicaine dans le monde, comme à Paris par exemple. Les fêtes d’indépendance se prolongent sur deux jours, commençant le 15 Septembre jusqu’au 16 Septembre de chaque année. Le 16 Septembre 1810, le prêtre Miguel Hidalgo prononça un discours appelant le peuple à se soulever contre le régime de la couronne espagnole. Ce discours fédérateur a réussi à rallier les foules et est répété, de nouveau, dorénavant chaque 15 Septembre par le président de la République. Il est appelé le « Grito de Dolores », littéralement « le cri de Dolores » en référence à la ville où il a été prononcé.

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La fête de l’indépendance mexicaine célébrée à Paris.

  Cet événement historique commence par le discours du Président, suivi d’un triple «¡Viva México!» déjà scandé par la foule en 1810 et crié de nos jours. La foule rassemblée se compose de jeunes et de familles, venus tout exprès au zocalo, la place centrale de chaque ville. Le lendemain, au 16 Septembre a lieu un défilé militaire. A cette occasion, il est commun de raviver des éléments de la tradition mexicaine, notamment gastronomique en dinant de plats typiques tels : le pozole (une soupe à base de maïs et viande de porc ou poulet), le chile en nogada, ou encore en savourant des dulces (sucreries). Le  chile en nogada se compose de  chile poblano (un type de poivron doux) farcis à la viande de porc et aux légumes, couverts d’une sauce blanche crémeuse et parsemée de grains de grenade. L’histoire veut que ce plat ait été créé tout exprès par des sœurs d’un couvent de la ville de Puebla en 1821, lorsqu’elles surent l’arrivée de généraux ayant combattu pour l’indépendance. Ce plat porte d’ailleurs les couleurs du pays : le vert du chile, le blanc de la crème et le rouge des grenades.

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Le fameux chile en nogada

  Outre la préparation de plats typiques, les mexicains s’accordent aux couleurs de la bandera, le drapeau mexicain. A cette occasion, le mexicain porte : maquillage, chapeaux, tee-shirts et autres goodies verts, blancs, et rouges. Ainsi il se sentira mexicain et prêt à festoyer au zocalo. J’ai été étonnée par cette vague de couleurs, et d’autant plus par l’enthousiasme des jeunes notamment sur les réseaux sociaux. Comme tout évènement politisé il entraine des débats sur la véracité de participer à cet acte patriotique. La communauté mexicaine à Paris n’était pas en reste : discours de l’ambassadeur, cris du ¡Viva México!, et un concert de mariachis –musiciens traditionnels- venus du Mexique exprès pour la soirée.

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La Tour Eiffel devant les feux d’artifices du 14 Juillet 2014

 J’ai, évidemment fait un parallèle avec notre fête nationale commémorée en France chaque 14 Juillet. Nous célébrons la Révolution Française, la fin de la monarchie absolue et la Première République. Nous avons aussi nos spectacles de feux d’artifice, le bal, un discours du Président assorti d’un défilé militaire et aérien. En revanche, je n’ai pas encore assisté à une jeunesse peinte de bleue, blanc et rouge le jour du 14 Juillet. Nos enthousiasmes les jours de ces commémorations ne se traduisent pas de la même manière.

El día que no es y la noche que no debió ser

Estoy vacunado contra toda clase de enfermedades, de calamidades, de penas  y de miserias. Es la culminación de una vida de fortaleza. Soy absolutamente inmune.

– Henry Miller.

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Yo quería que se asomara a mi abismo y terminé siendo devorada por el suyo. Me llevó por un espiral incesante de emociones nuevas y violentas. Él buscó a una mujer y mis puños encontraron su rostro. No quería decirles, pero pude acceder a todo lo que quería esa noche, pude decirle que sí a todo lo que pidiera con tan sólo una de sus miradas perdidas. Pude, pero ahora no estoy tan segura.

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 Quería que bailáramos sin descanso, que saludara a mis amigas. Quería presentárselo a todos, mientras lo sujetaba fuerte de la mano. Quería que nos vieran juntos y reír del recuerdo de nuestra incidental primer cita. Quería que su brazo fuera una extensión de mi cuerpo. Quería despertar borracha junto a él. Quería que pensara que no iba a encontrar a nadie con los mismos tatuajes que los míos. Quería.

 También quería verme reflejada en sus lentes de contacto y levantarlos del suelo cada vez que se cayeran, para verlo correr preocupado hacia una fuente de agua. Quería convencerlo de hacer cosas que no quiere, sólo para darme gusto. Quería más de esos besos tiernos y feroces. La dualidad le va bien.

 No soporto la idea de que haya arruinado todo antes que yo, no me dio tiempo de hacer las estupideces habituales, que me nacen cuando estoy pasada de serotonina.

 Después de todo no me asustas. He visto demasiada decadencia y sí, es verdad eso que dicen: siempre se puede caer más abajo. Antes pensaba que cuando llegabas al fondo se terminaba la espera, pues no venía nada después, pero es mentira, y me costó varios porros entenderlo.

 Soy tanto veneno que no puedes digerir, tanto que ni me sorprende que la segunda vez que me viste, te convertiste en un monstruo, ¿será que sigues embrujado? o ¿será que olvidaste tomar tus medicamentos?

 Dime ¿quién eres tú? ¿por qué tienes tanto poder?

 Llevo tan poco sabiendo que existes y te he dedicado más líneas que a personas que han permanecido en mi existencia desde hace años. Puedo pasar toda la noche escribiendo para desahogar la angustia que sentí cuando vi que ya te habías ido y que la entrada del edificio estaba cubierta de sangre. Puedo platicar que estás demente o guardar el secreto. Tu recuerdo permanece. Tan inmune soy que antes de alejarme me sentí arrastrada a saber de ti. A encontrarte de nuevo. A matarte de un solo beso. Muérete, mátame. Sujeta mi cuello como esa noche y susurra otra vez que me amas.

tumblr_n5jskfVTJO1tbj34po1_500Fotos: Alan Isol 

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

La lucha feminista actual: Género o perspectiva de género


Alejandra Kollontai, retrata cómo la mujer ha pasado de ser el centro de sumisión y subordinación al objeto de sus ideales mismos, sueños que se transforman para cobrar vida y tener pertenencia en las diversas luchas sociales en las que ha sido la protagonista.

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Crédito:Tumblr

 Desde el momento en que Europa Occidental –especialmente en el siglo XIX–  se discriminaba todo el conjunto de capacidades con el que contaba y además, se negaba el hecho de que una mujer pudiera ingresar al mercado laboral por el simple hecho de su género; el combate por mejores condiciones de vida se hizo presente. Una lucha indiscriminada de índole sexista le persiguió por mucho tiempo y aún lo hace en estos tiempos, donde la libertad se pregona a diestra y siniestra.Yo pregunto, ¿Cuál libertad? De seguro es esa, que solamente se usa como recurso mediático para calmar el problema.

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Crédito:Tumblr

 De su lucha al fortalecimiento de un conjunto de ideales, la mujer ha logrado la emancipación que le costó su silencio por muchos años, cuestión que la alejo de su pertenencia hacia ella misma, dejando de lado lo que realmente le pertenecía: Su potencialidad ante la vida.

 Al desplazarse la actividad primaria – la agricultura–, el sector industrial requirió mayor mano de obra y es ahí cuando por primera vez, la mujer empieza a participar en el contexto laboral, fenómeno conocido como la feminización de la mano de obra. Este proceso, se sitúa en la  2da. Revolución industrial; donde la automatización laboral cobra importancia para el desarrollo social.

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Crédito:Tumblr

 Desde entonces, la mujer ya no sólo se preocupaba por defender su puesto de trabajo, por demandar mejores oportunidades laborales, ahora también emprende una exigencia hacia su libertad de oponerse a mandatos socioculturales, que aniquilan su desarrollo de capacidades.

 De las primeras damas que le da sentido a dicha conflagración, destaca Simone de Beauvoir – mujer envuelta de sentido crítico y reflexivo– que muestra cómo la fémina debe liberarse de sus propias cadenas en primera instancia, y luego de la fuerza opresora social. Su fuerza para transmitir ideas y para hacer de lo imposible lo posible, la hace ser una de las grandes exponentes del feminismo. En una frase realmente cruda, pero cargada de una inherencia por sus letras, dice lo siguiente:

“Mediante el trabajo ha sido como la mujer ha podido franquear la distancia que la separa del hombre. El trabajo es lo único que puede garantizarle una libertad completa”

 En esta época, se ha visto como la mujer ha destacado por su desempeño laboral y como poco a poco, trata de vincular de mejor forma sus capacidades con su desenvolvimiento social. Pero ahora, la lucha se tornó desde otra perspectiva: La libertad ante su sexualidad.

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Crédito:Círculo feminista en línea

 La sexualidad, constituye el eje prevaleciente para que la mujer contemporánea haga saber, que su cuerpo es vida, es arte, es sincronía y muestra de su reconocimiento hacia sí misma. Bien es cierto, que es sumamente importante que se libere, que se encuentre, que se apapache… que se mime. Pero, algo se ha olvidado: en ese afán por buscar su libertad sexual, se dejó de lado la lucha intelectual que tanto pelearon las primeras defensoras del movimiento feminista. Su fundamento era mucho más fuerte, aniquilar la sumisión y la imposición clasista que imperaba en torno a su condición biológica.Esto se plasma en un pensamiento de Alejandra Kollontai:

“Seguir mi camino, trabajar , luchar, crear a lado con los hombres y aspirar a un objetivo universal humano, construyendo al mismo tiempo mi vida personal e íntima como mujer, según mi propia voluntad y las leyes innatas de mi naturaleza, tales son los postulados que han condicionado mi ideario.”

 ¿En dónde quedó esa lucha que suponía un espíritu reflexivo? ¿Un sentido crítico hacia su función social? El eje no se encuentra solamente en dar a entender: Soy mujer, y el lineamiento para pelear es solamente mi condición biológica. Es una parte, es cierto,  pero no se encausa toda la lucha en ese aspecto. Sin duda, la lucha intelectual ha perdido el sentido motriz que mantenía al principio, es decir, se ha perdido ese espíritu por destacar más allá de su sentido sexual; se ha desvirtuado entonces el movimiento femenista.

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Crédito:Foro en femenino

 El femenismo en un principio, marcaba como cuestión inherente la perspectiva de género, ésta hace hincapié a las capacidades de superación de la mujer sin necesidad de excluir a su sexo opuesto. Ahora, se confunde la perspectiva de género con el concepto de género, y actualmente la manifestación del movimiento, radica en tomar como bandera el concepto de “género” –género se establece solamente como la diferencia biológica entere hombre y mujer–, mientras que la perspectiva de género abarca una cuestión más amplia de análisis, envuelve el fundamento existencial de la mujer a través de todas sus capacidades para mejorar su calidad de vida.

Especial Ghibli: Kiki, Entregas a Domicilio

Después de que el adorable Totoro hiciera su aparición, Hayao Miyazaki optó por seguir en el camino que había elegido con su anterior producción, el infantil. La siguiente película del estudio y del director en cuestión, es probablemente una de las más débiles en esta filmografía, de hecho es una de las pocas que este escritor ha escuchado decir a algunos un rotundo “no me gustó tanto”. Mencionaba que Totoro no había sido la gran obra de Miyazaki, pero todo indica que el público le tomó más cariño que a esta nueva cinta. Ahora, tampoco digo que sea una mala película y que fue odiada por todos, ya que el Studio Ghibli parece tener ese toque divino del rey midas en el que lo que hace, termina convirtiéndose en cine de culto. Simplemente es una película que no gozó del aprecio de otras producciones.

 Kiki: Entregas a Domicilio (Majo no takkyûbin, 1989) nos cuenta una historia sencilla pero cumplidora acerca de una pequeña brujita que llega a una edad en la que, como se acostumbra, debe emprender un viaje de un año lejos de su hogar para entrenar sus habilidades mágicas. Kiki, la brujita, acompañada de su gato parlante, Jiji, viajan hasta una pintoresca ciudad junto al mar en donde se hacen amigos de un matrimonio de panaderos. Ellos les dan asilo en su hogar y no pasa mucho tiempo hasta que Kiki encuentre un uso a su habilidad de volar en escoba, ser repartidora a domicilio. Durante su estancia en dicha ciudad, Kiki conocerá a varios amigos y vivirá diversas aventuras que la ayudarán no solo a desarrollar sus poderes, sino a fortalecer la confianza que tiene en sí misma.

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 Irónicamente y aunque no sea una de las cintas en las que la gente piensa en primer lugar cuando escucha el nombre de su creador, la película tuvo muy buena recepción en Japón durante su estreno. Así mismo, fue la primera película del estudio que fue distribuida de forma internacional. Y es que aunque no cuenta con una historia tan elaborada como las que acostumbra hacer Miyazaki, resulta ser una película bastante entretenida y disfrutable.

 La animación y el manejo artístico son impecables de igual modo y resulta divertida la similitud que tiene la protagonista con Sheeta, personaje de otra cinta del estudio: Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986). Además, los más observadores descubrirán un muy sutil cameo de la brujita en cinta de Isao Takahata, Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994) de la cual hablaremos en otra ocasión. Los personajes son carismáticos y en momentos de verdad podemos sentir pena por las situaciones por las que pasan, lo que demuestra un manejo muy adecuado de la cinta en cuanto a inmersión.

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Cabe destacar además la banda sonora, ya que la película tiene una de las canciones más pegajosas en la historia del estudio y del anime, es imposible no querer ponerse a bailar mientras la escuchar. Al final de cuentas, la película no es tampoco la obra máxima de Ghibli y Miyazaki, pero es una película en verdad recomendable y que les aseguro, no se arrepentirán de darle una oportunidad.

http://www.youtube.com/watch?v=7p_wxIleNkI

#somoscreadores convoca

 

 

22.SOMO_CREADORES_NUESTRA_CREACION

La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

México lindo y querido

Texto y fotografías: Alejandra Assad
Instagram: @aleassad97

 

(…) Esa es mi meta: hacer, a través de mi pintura, que se conozca a México, que se le estime.

– Rufino Tamayo

Existen muchas cosas que, cuando me encuentro lejos de mi México querido, me hacen recordarlo, como la música, la comida y el baile; pero ningún recuerdo será tan grande, como las imágenes que me ha permitido tomar de su gente, de sus tierras y de sus colores. Y así como Rufino Tamayo que quiso dar a conocerlo a través de su pintura, yo se los muestro  a través de algunas de mis fotografías.

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Huatulco
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Flor
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Pradera
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Soñador

 

En la ceniza, el ideal se cae: Madre Coraje y sus hijos en escena nacional


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No dejaré que me hablen mal de la guerra.

Dicen que destruye a los débiles,

pero ésos revientan también en la paz.

Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos

Madre coraje y sus hijos –obra original de Bertolt Brecht –, deambulan entre las cenizas y el dolor que fue dejando la guerra, situación que conjuga la mezcla de frustración y agonía hacia ella misma, hacia sus propios ideales.

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Crédito:Arte y cultura.com

 Destruye su esperanza, haciendo un negocio que parecería altamente beneficioso para su necesidad, pero que a la larga, le cobraría con creces sus malas decisiones y acciones. La gran consecuencia de su abandono ante sí misma, radicó en el perturbador hecho de perder a sus tres hijos… secuela que la dejó más sola de lo que ya se sentía.

 El vacío no le permite seguir con su “ideal” y trata de huir, siguiendo el mismo camino que se impuso a la hora de vacilar; entre el sí y el no.

 Entre los niveles de desasosiego y perturbación, Madre Coraje ya no encuentra sentido a nada, ni siquiera a su vínculo de sobrevivencia; corrompe su delirio con su desconocimiento total hacia su situación. Nada, absolutamente nada parece afectarle a esa mujer aguerrida, dura, tenaz y fuerte que no se desmaya con el sonido de la revolución en su cara; todo estaba perdido, pudo más la codicia que la lucha.

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Crédito:Danludens.com

 La adaptación nacional –dirigida por Iona Weissberg y Aline de la Cruz– , trata como contexto histórico la Revolución mexicana en aras de reflejar la situación de pertenencia que tiene el mexicano con sus respectivas formas de exigencia y de lucha.

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Crédito: Angular en línea

 Una obra que retrata la neurosis de un contexto social turbio y siniestro, la yuxtaposición de intereses, la ambivalencia para ver la vida y sobre todo; la inequidad hacia si mismo.

 Las funciones se estarán presentando en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón; los días Jueves , Viernes y Sábados a las 19:00 hrs. La entrada general tiene un costo de $150.00, otorgando descuento con credencial a maestros de la UNAM,entre otros. Los días Jueves ,  el costo de la entrada en general, será de $30.00.

De: Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech

Pienso con toda la honestidad de que soy dueño, que resulta necesario en menesteres de biografías artísticas traer a Salvador Dalí al caso, siempre, y es que sea que guste o no, sin duda alguna genera, mueve, permite y hace salir, hace salir sí. Sin duda un genio recargado en la pintura. La obra del artista con vicios de pintor tiene un vasto territorio de expansión, que nos permite gozar de “Un chien andalou” con Buñuel de 1929, de “Destino” con Walt Disney, de su letra y de la escultura, de su paso por la escenografía, por el grabado, su influencia a Lorca y una portentosa cantidad de universos pictóricos.

 Dalí vio luz un 11 de Mayo de 1904, nueve meses después que su hermano muriera, y de aquí parte una de las poderosas crisis de Dalí, creyéndose la copia del muerto, remarcado por los padres que frente a la tumba, nombraron a Salvador su reencarnación.

 En 1916 cruza camino con la pintura contemporánea en Cadaqués, de aquí su padre lo manda con Juan Nuñez a estudiar pintura. En 1919 Dalí, contando 14 años participa en una exposición colectiva en el teatro municipal de Figueras y en Barcelona, en este último recibe el premio” Rector de la universidad”. Al mismo año en el bachillerato, él y sus amigos editan la revista cultural mensual de pintura Studium.

 A los 16 años recibe el golpe de la muerte de su madre por cáncer de útero, refiriéndose a ella como el ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de su alma.  Su padre contrae entonces matrimonio con una de las hermanas de la madre, hecho altamente reprochado por Dalí.

 En 1922 se guarda en la Residencia de Estudiantes de Madrid un Dalí vestido de Dandi que genera controversia casi de inmediato, recordamos la melena, las medias y polainas de una época pasada, en este tiempo Dalí iba por el cubismo, admirador ferviente como era de Pablo Picasso, muchísimos años antes de declarar que las dos peores cosas que podían pasarle a un ser humano en la vida, eran ser Picasso y no ser Salvador Dalí, sin terminar de comprender seguramente las bases de la corriente, es aquí donde conoce a Federico García Lorca y a Luis Buñuel, y a este tiempo de la vida de Dalí, me autorizo recomendar la película “Little ashes”, que va escencialmente de su entrada a la residencia, a la muerte de Lorca, su eterno amigo.

 En 1924 ilustra por vez primera un libro de poesía de un compañero de la residencia y se presume, rechaza las propuestas amorosas de García Lorca, es expulsado en 1926 antes de los exámenes finales argumentando la imposibilidad de ser valorado por personajes tan carentes, conoce a Picasso en 1926 quien sabía ya de él por Miró, Dalí absorbía corrientes y estilos, buscando y más bien encontrando un estilo particular que lo vuelve reconocible, se adueña del bigote aparentemente imitando a Velázquez, creando al personaje.

 En agosto de 1929 conoce a la muy odiada Gala, compañera de toda su vida, 11 años más grande, casada allá con Paul Éluard. Dalí entra de lleno y a puertas abiertas al surrealismo, años más tarde Dalí diría al ser expulsado que el era el surrealismo.

 Dalí es los cristales de la galería que rompió en la quinta avenida, es el retrato del sagrado corazón en que escribió “En ocasiones escupo sobre el retrato de mi madre para entretenerme”; es las crisis, es Lorca muerto  y la culpa de no haberse quedado con él o insistido, de haberlo dejado para morir en la guerra civil española, es el traje de buzo en que se apareció, es el surrealismo, es “la persistencia de la memoria” de 1931. Es la novela que escribió en 1944, es el desheredado del padre, es las hormigas y los relojes blandos, es el hedonista, es el narcisismo, es el egocentrismo, Es el logo de chupa chups del 69, es el marketing, el personaje, es la muerte de Gala que lo dejó solo en su torre nombrada como ella, es los 84 años a los que murió, es el parkinson que no lo dejaba pintar, es el paro cardiaco, es su cadáver trasladado a la torre Galatea, es su tumba bajo la cúpula geodésica en su museo de Figueres, es la túnica con la inicial, es la residencia incendiada de Pubol, Dalí es su obra. Su legado. El arte crea a los artistas y no ellos la hacen, Dalí es todos sus cuadros, y sus creaciones.

Bienaventuradas las sombrillas, pues resguardarán al amor verdadero

¡Ay la cotidianidad de la vida!, al despertar nos topamos con diversas posturas ofuscadas a tratar de confrontar nuestra existencia golpe a golpe: un espejo, de frente a alguna prenda que ya no nos queda, dado el crecimiento de nuestra masa grasa corporal quizás y que ridículamente trata de abrirse paso entre la carne para verse fallida al final. Sumemos el descubrir una cana más en nuestro cabello, la ingrata se asoma a la vista de los ojos enmarcados en bolsas que más bien son del supermercado y cargan la despensa de un mes. Con desánimo nos damos cuenta de la ausencia de nuestra jovial actitud y caminamos a la puerta con decisión mezclado con desánimo, para afrontar un día más.

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 En víspera del año nuevo una lluvia torrencial cae sobre las calles de la ciudad. Un hombre espera en la esquina bajo un paraguas grande, una mujer baja apresurada de un taxi con una sombrilla pequeña solo para descubrir que ha olvidado sus pertenencias en el vehículo que se aleja. Él le ofrece intercambiar sombrillas, pero ella se niega, fría y violenta en su discurso. Al final accede, tras un rato ella lo acepta de acompañante a la cena familiar junto a su religiosa tía y su anoréxica hermana. Ella es Marissa, él es Sergio y tal vez realmente no estaban tan solos.

 La Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque presenta  una comedia deliciosa para reír de principio a fin sin dejar de reflexionar a cada momento. Santificarás las fiestas de  Conchi León, dirigida por Boris Schoemann aparece como una solución eficaz al divertimento, empero de una proposición de análisis a las relaciones humanas fuera del estereotipo familiar. Dentro del marco de una familia disfuncional la historia se desarrolla con detenimiento y agilidad.

 Para configurar la estructura de esta obra, la autora navega entre los efectos de la perdida para exprimir los tintes cómicos que pueda ofrecer. Marissa, su hermana Otilia y su Tía Felisa han perdido un año atrás a la madre de las muchachas, suicidio. El espíritu de su madre ronda la casa, toma asiento en la mesa, platica con la tía, pero aun así está ausente para sus hijas. Tres personajes que cargan problemas anímicos fuertes pero deciden esconder sus dolencias bajo una careta de autonomía que reacciona violenta al contacto. Tres tristes tigres tragaban trigo en el trigal, pero aquí solo observan el trigal y se guardan el hambre.

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 La tía aparece en la vida de las sobrinas para unir su soledad a la de ellas en espera de sentirse acompañada de un imaginario calor familiar, Marissa vive con la pesadez de ser ella misma refugiándose en la comida tras una decepción amorosa, Otilia busca sacar el miedo de su sistema sacándose la comida en el esfuerzo. Ninguna quiere caer en el fondo que llevó a la muerte a la desaparecida madre, pero al unirse se esfuerzan sin querer en empujarse mutuamente a tal extremo. De pronto un extraño propone admirar dicho cuadro en vez de reprocharlo, sacar sus virtudes y hasta aprender de ellas ¿Cuál desesperante o  encantador sería que alguien amara nuestros enormes defectos a primera impresión?

 León escribe en contra del convencionalismo, busca romper el esquema familiar y la rutina de las celebraciones decembrinas con un trago amargo que  posee un humor muy negro. No teme en brindarle a sus personajes rasgos delicados o un lenguaje soez, conoce muy bien la expresividad que esto proyectará y aprovecha cada palmo. Sirve una mesa con un banquete posiblemente suculento, del cual nadie come o bebe porque no hay sentido en el acto, el mismo es obsoleto, el festín es precario y perverso desde la mira objetiva pues la reunión ha dejado de tener un valor. Convoca a la carcajada plena pero con la reflexión de por medio.

 La dirección de Boris Schoemann aparece para complementar el pensamiento, situando a estos seres entre el sentimentalismo y un recoveco de soledad. Schoemann comprende las necesidades del diálogo agresivo e instala un tono de tal calibre en una familia que debiera ser cariñosa, pero no puede fingir o celebrar una partida. A pesar de esto se les propone afrontar la tormenta debajo de un paraguas, para poder avanzar bajo el agua, unidos, protegidos. No propone víctimas ni victimarios, sino la esperanza a sobrevivir.

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 Para despedir al año viejo  y tratar de comenzar una vez más, Schoemann convoca a la propia Conchi a darle vida al papel principal, exquisita en su interpretación, siendo dura y frágil al mismo tiempo logra cautivar y ser entrañable. Paloma Woolrich se torna en un elemento de fuga para la tensión ser la tía católica, entre ocurrencias y momentos de total debilidad la actriz se entiende altamente necesaria.

 Mariana Hartasánchez como la nefasta hermana provoca sentir compasión, enojo y frustración por dicho personaje, es esa persona tóxica con la cual no puedes vivir pero tampoco puedes dejar de vivir sin. Finalmente Alfonso Cárcamo aparece como Sergio, el nuevo “novio” de Marissa, y audiencia del embrollo familiar, siendo genial con sus intenciones y tonos. Este elenco se siente sólido, con una química eminente. La transformación de todos en la familia que recibe a un extraño o el extraño que experimenta la sensación e una familia es grata, genial y altamente disfrutable.

 No cualquier elenco puede sentarse a agredirse verbalmente y hacer reír al público sin hacerlo sentir incómodo o ajeno a los sentimientos que portan las palabras; Al contrario, tocan al espectador y transmiten la intención del título mismo en valorar una celebración por el concepto mismo o por la simple valía que lleva escuchar y apreciar la existencia de alguien más sentado a la mesa, sea o no de forma física. Santificarás las fiestas es inteligente, sensible y bella.

 No es malo permitirse experimentar una compañía que nos enseñe a valorarnos, lo malo sería no permitírselo. Así como no llenar la Villaurrutia con esta imperdible puesta.