Layout: Proyecto Diversidad Matérica

Exposición realizada en centro cultural Futurama.
Exposición realizada en centro cultural Futurama.

El pasado fin de semana terminó la exposición “La Individualidad como Multiplicidad” en el centro de la Juventud, Arte y Cultura FUTURAMA de la colonia Lindavista, al norte de la Ciudad de México. La exposición estuvo conformada por ocho artistas plásticos mexicanos, abordando el tema de la tridimensionalidad desde diferentes disciplinas como la escultura, instalación, performance, arte-objeto; en conjunto, conforman el grupo Proyecto Diversidad Matérica. ¿De qué va el Proyecto?

Diversidad Matérica tiene como propósito difundir el trabajo artístico resultado de la investigación y la experimentación matérica, emplazadas en un proyecto de propuesta tridimensional, con el fin de compartir no sólo los elementos conceptuales y plásticos entre la población en general sino los proceso creativos y las motivaciones que llevaron a la realización de la obra, mediante charlas, mesas redondas y visitas guiadas.

 Es necesario notar la intención que tienen de compartir con el público sus procesos creativos y motivaciones, resultado de una investigación y experimentación de materiales que influyeron en su obra, ya que la gente no la tiene tan fácil cuando se enfrenta a la propuesta del artista quedando a la deriva para su interpretación. Esto no quiere decir que toda obra tenga que ser explicada, sin embargo, cuando el artista describe su proceso es posible que genere empatía con el espectador y más cuando no está inmerso en el estudio de las artes, lo que posiblemente lo agradecerá independientemente si es o no de su agrado, ya que le permitirá generar una opinión.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 ¿Quiénes son Proyecto Diversidad Matérica? Proyecto Diversidad Matérica es un colectivo de reciente creación (julio de 2014), y surgió por la necesidad de conformar un grupo de difusión y análisis a través de propuestas artísticas tridimensionales. Olivia Pinzón, Rodrigo Orduño, Ana Bernal, Israel Wood, Raúl Godínez Ramírez, Manuel González, Jorge Castillos e Ivette Ávila son egresados de Facultad de Artes y Diseño de UNAM con excepción de Manuel Gonzáles que ha estudiado artes en el interior de la república.

Nos denominamos PROYECTO porque estamos abiertos al autoanalisis, la investigación y la autoevaluación y por lo tanto al cambio, un proyecto siempre está en transformación.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

¿A qué se enfrentan como colectivo?

Consideramos que uno de los obstáculos más difíciles de sobrepasar es el propio trabajo en colectivo, es decir, llegar a consensos de todo tipo, desde ideológicos hasta organizacionales sin generar conflictos internos. Y por la parte externa, encontramos los obstáculos que permean a los espacios expositivos a nivel institucional y gubernamental y que pueden ser desde acceder a ellos hasta las limitantes o faltas de apoyo por parte de algunas instituciones.

Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 La unión hace la fuerza, decían, pero la verdad es que no es algo tan sencillo ya que existen variables que influyen y propician el trabajo en equipo. Si bien es cierto que  todos los integrantes buscan un objetivo en común, no todos funcionan de la misma manera ni tienen las mis habilidades y capacidades para afrontar los retos internos y externos con los que van a lidiar. Sin embargo, a través de la organización, disposición, comunicación e intención de salir adelante, “La Individualidad como Multiplicidad”, ha dado un primer paso hacia la consolidación de Proyecto Diversidad Matérica.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

Consuelo lunar para los muertos en vida

Otoño, posiblemente Agosto. El sol radiante quema sin piedad todo aquello que su luz toca y llena de  pesadez el aire con un calor insoportable. El lugar es una granja de Conneticut, ubicada en el tiempo alrededor de los años 20. Ahí Phil Hogan, un viejo soez, timador y alcohólico vive con la única hija que ha decidido no abandonarlo, Josie, una mujer fuerte y brava con una reputación liviana bastante escandalosa. Comenzarán a discutir porque ella ha dejado que el último hijo que le quedaba se fuera, pleito que habrá que parar para escuchar a Tyrone -dueño del terreno arrendado y alcohólico también-, quien advertirá una propuesta mejor a la que ellos pueden darle para comparar la granja que han trabajado tantos años. El final podría estar cerca. 

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 ¡Celebremos que Teatro Unam abre un ciclo para honrar a los grandes  dramaturgos del siglo XX! En esta ocasión, el texto elegido para cobrar nueva vida es Una luna para los malnacidos, del genial – Premio Nobel de literatura, por cierto- Eugene O’ Neill. Precursor junto a Chéjov e Ibsen del realismo dramático. La celebración toma forma dentro del Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario de jueves a domingo.

 Definitivamente esta es una obra que tuvo que inspirar a autores como Tracy Letts a escribir textos como Agosto: Condado de Osage. O’ Neill aprovecha la temperatura casi desértica marcada en el ambiente propuesto para generar una sensación de hartazgo. Una familia poco convencional que demuestra su amor a través de una nula muestra de respeto demostrada en insultos agudos como reproches a las condiciones físicas de cada cual. Sin embargo, a pesar de que la hostilidad sea irrespirable, el padre y la hija la han adaptado este estilo de vida predilecto.

 El autor suma a un personaje tan arrogante como abatido para poner a prueba a padre e hija, a través de la confianza que el uno pueda sostener en el otro. Sin pensar un momento en que quien les está manipulando – sin así quererlo- es en realidad quien vive a prueba  de sí mismo el día a día. Un ser tan atormentado que expía sus penas en el consumo constante de whisky sin encontrar realmente un alivio efectivo.

 Así, O’Neill pone sobre la mesa un discurso profundo y  emotivo, que habla acerca de la flaqueza del hombre ante la rutina de la vida. A través de personajes aproximados totalmente al realismo de la época que conjura, presenta un discurso sobre la necesidad del amor propio suficiente para sostener a un individuo, más no tan fuerte como para impedirle moverse de su zona de juego. En torno a todo esto, las promesas, como única certeza de la honestidad de la gente al sellarlas con sus ojos. No hay maldad, ni bien, tan solo la realidad que no es más que una lucha entre las conveniencias y los sentimientos auténticos tratando de equilibrarse juntos.

 Los personajes tienen una construcción sólida prácticamente perfecta, además de presentar un desarrollo en la trama inteligente y lleno de desafíos tanto explícitos como implícitos en su interior. Pero para reunirlos a todos bajo el mismo tono, pone a la luna como la constante que dejará ver en realidad quien es quien y delata que llevan en su corazón. Así todos esperarán a que la luz del satélite los ilumine para poder liberar sus tormentos aunque sea por una noche. Sentir entonces pena por estos seres es automático.

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 La traducción de Humberto Pérez Mortera resguarda muy bien las intenciones de O’ Neill al escribir la obra: reconciliarse con aquello que ya no tiene en vida. Cada línea apunta  la desesperanza y el acorralamiento proveniente del silencio interno, de no abrirse.

 Mario Espinosa tiene bajo su cargo la dirección de esta puesta, rescatando y apuntando con gran astucia los momentos de comedia que aligerarán la tensión dramática referida. Sostiene muy bien la intención de la obra para  verdaderamente transmitir la necesidad desesperada que tienen los personajes de hablar con franqueza de sí mismos, sin embargo, hay momentos en que el hilo pierde tensión y los argumentos se tornan lentos, cansados, afortunadamente estos desbalances se reajustan, pero existen.

 Los únicos elementos que en realidad no se explotan u aprovechan son la escenografía (una rotonda de pasto seco cubierto por hojarasca, bajo la rama de un árbol) en conjunto con la iluminación. No hay una interacción que reaccione natural a la trama, hay tonos cálidos cuando son requeridos, pero no hay un manejo adecuado de los fríos, de manera que los cambios no favorecen ni lucen en sus mínimas apariciones.

 Empero, el enganche aparece gracias a las buenas actuaciones de Patricio Castillo (Un auténtico lujo en escena), Rodolfo Árias y José Juan Sánchez, quienes serán cómplices de una de las mejores actrices que tiene este país: Karina Gidi.

 Gidi logra conmover y convencer de todo cuanto se nos dice está pasando con tan solo modular el tono de su voz o realizar un movimiento coreográfico común con el cual identificarnos ante la situación en que es hecho. Pasa de ser la dura roca al frágil cristal, para luego ser el regazo acogedor con una elasticidad sentimental impresionante. Ejemplo claro de alguien que ama su profesión y se apasiona de cada personaje para en verdad grabarlo en su piel.

A partir de la entrega, se le rendirán cuentas a la noche lunada por los muertos del pasado cuyos fantasmas protestan el presente. Coincidir será el camino, conspirar será el método y alcanzar la paz el motivo. Altamente recomendable.

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#IlustradoresConAyotzinapa: a un mes del siniestro

Se ha cumplido un mes ya. Poco más de treinta días transcurridos desde aquél en que comenzó a correr la noticia de la atrocidad que para algunos —acaso los crédulos, ingenuos— parecía algo falaz, bárbaros actos inhumanos que simplemente no figuraban en la idea de realidad que se concebía.

 Menuda realidad… Que con este hecho vino a destaparse lo legítima y brutal que es para los desventurados, carentes de oportunidades para hacerse escuchar, de armas para defenderse, y de medios para hacer justicia a todos los futuros amordazados, los caminos coartados, los anhelos arrebatados. Víctimas, mártires del terror, la cobardía, la miseria y la repulsión de la misma especie. Esos desventurados que fueron seis, son 43 y la cifra se agrava a cada día que pasa.

 Continúa siendo estremecedor tocar el tema. ¿Qué tan vago es referirse a ellos con la palabra «desaparecidos»? ¿Es todo esto una suerte de sinécdoque que se sitúa ante nosotros a manera de reality check? ¿Ya despertamos? ¿Y qué con el repudio que despiertan estos reprobables sucesos hacia la pesadilla que han hecho los dirigentes de nuestro país con él? ¿Qué remedo de autoridades tenemos? ¿Qué se hace con la indignidad y la humillación como el sentir común de una nación entera? Por si eso no fuera suficiente, ¿qué se hará con la desaprobación categórica hacia tal infamia por parte de países, intelectuales y ciudadanos del mundo que no dejan solidarizarse?

 Hay muchas preguntas que se formulan al instante y pocas respuestas que puedan sosegar la urgencia de resolverlas. Tampoco es fácil encontrar soluciones para llevar a la práctica ante incidentes que se detonan como consecuencia de un truculento trasfondo del que incluso hay temor por conocer. Potenciar la lucha o apaciguar la resignación, es el dilema. Aunque el incalculable compendio de muestras de apoyo y fraternidad que se han hecho a las familias de los 43 normalistas de Iguala resulte, sin lugar a dudas, un empuje inequívoco a no darse por vencido. Que la unión hace la fuerza, lo sabemos.

 Recientemente comenzó a aparecer por las redes la leyenda #IlustradoresConAyotzinapa. Este proyecto nació de Valeria Gallo con la intención de humanizar las cifras y dar rostros a los desaparecidos puesto que, señala, puede tratarse de algún conocido o familiar cercano, y cualquiera de nosotros podría verse envuelto en la vulnerabilidad de las circunstancias. Invitó a colaborar a Margarita Sada y otros colegas, se fueron esparciendo los resultados y a apenas pocos días de haber arrancado, ha sido acogido de manera satisfactoria entre la comunidad artística aludida con más de 200 aportaciones a la causa, y contando.

"Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista".
“Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista”.

 

"Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández".
“Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández”.

 La sensibilización que trae consigo el arte es, en ocasiones, difícil de expresarse con palabras. Como al ver un cuadro o una fotografía, es casi imposible traducir a la oralidad la cantidad de emociones que despierta y de ideas que evoca.

 Sucede justamente así. Es sobrecogedor cómo miles de voces claman aún por Saúl Bruno García, por Leonel Castro Abarca, por Cutberto Ortiz Ramos y por Alexander Mora Venancio.  Cómo personas que ni siquiera conocían a Carlos Iván Martínez Villareal o a Doriam González Parral exigen que se les regrese con vida a sus familias. Vivos se los llevaron y vivos los queremos.

 Porque para la reparación de esa realidad mencionada, no bastarán cientos de noches más que reflejen cambios significativos y poco podrá revertirse a como antes era. Porque a veces hace falta creer. Porque el mínimo gesto del prójimo, la empatía y el brindar apoyo sin que se pida, puede traer consigo una resonancia inconmensurable, como el aleteo de una mariposa. Porque son más de 43. Porque no es sólo México, es cada persona del globo que se solidariza con ellos. Porque ¿quién dijo que todo está perdido?

| Galería completa de #IlustradoresConAyotzinapa

"Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz".
“Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz”.

 

"Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos".
“Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos”.

 

"Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza".
“Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza”.

 

"Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero".
“Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero”.

 

"Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin".
“Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin”.

 

"Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral".
“Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral”.

 

"Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo".
“Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo”.

 

"Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres".
“Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres”.

 

"Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos".
“Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos”.

 

La irónica caída de la Reina del Rosa Venus

Un desafortunado día comenzó el martirio para Malena, de repente su mundo color rosa colapsaba de elemento en elemento, con la rapidez de tres días: primero, su mantenido esposo la deja, llevándose todos los muebles y hasta el coche que no es de él; Después, es despedida de su empleo como vendedora estrella de una marca de jaboncitos para moteles. Para colmo se ha quedado sin casa -gracias a su ahora ex marido- y casi cerrando el marco de las desgracias, su madre ha fallecido calcinada en su departamento. El ritmo de vida al que estaba acostumbrada ha girado completamente en cuestión de nada, y esa misma nada es lo que queda, además de su feminidad.

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 Abundántia Teatro presenta junto con (y en) el Teatro La Capilla, Malena o la femeneidad, original de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM) y dirigida por Sixto Castro Santillán. Esta comedia llega al espacio de los viernes en la cartelera del inmueble. Poniendo sobre la mesa una historia acerca de una mujer clasemediera de 30 años cuya vida se ha derrumbado y deberá poner en marcha de nuevo antes que el derrumbe se la lleve a ella también.

 A través de la mirada de LEGOM se perciben los aspectos de una sociedad cuya cómica existencia es más bien trágica en su esencia. Así se conduce la vida de Malena, enfrentada a la cruel realidad que queda tras finalizar el sueño dónde se concibe como un ser amado y amigable, pero que en realidad, es repudiado por todos hasta el punto de desear nunca verla jamás. Esta  mujer abatida trata de encontrar refugio en Dios y hasta él le da la espalda, mientras la deja hundirse en cuanta desgracia se aproxima.

 Dando certeros y concisos señalamientos críticos a la hipocresía, las posturas religiosas y los roles sociales, el autor parte de los infortunios a los que someterá a su personaje principal, conectándola a otros perdedores, para hablar de la importancia de resurgir ante el fracaso. Hilando cada cuadro con una comedia llena de sátira y sarcasmo que se burla de quienes culpan a la vida de los errores que ellos mismos provocaron y critica a quienes dejan en concepto a la palabra tolerancia para hacer una danza de karma, ironía y crueldad.

 ¿Por que la vida está siendo cruel con Malena?, le ha quitado ya casi todo menos su propio ser. Aunque no pueda reconocerse de cara a su reflejo, ella es tanto una mujer voluble, vulgar y agresiva, como una patética y frágil persona que no hace más que conformarse con lo que pasa a su alrededor esperando vivir bien. ¿Cuántas de las caretas que ha usado Malena, para lograr alzarse como una reina de las ventas, las hemos pretendido usar nosotros mismos, sin saber (cómo ella) que en realidad no engañamos absolutamente a nadie?

 LEGOM no pretende llevar a los extremos a sus personajes para generar que la audiencia se suelte a llorar por la pobre alma que está sufriendo de la falta de humanidad de los demás, más bien aprovecha la llegada al límite para dejar la puerta abierta a la reflexión, a que cada quien tome nota de sus propios momentos en los que se identifica con la trama. Ahí es donde brilla la exquisita inteligencia de este dramaturgo al lograr una conexión sin frivolidades o poses, sino todo lo contrario, cercana.

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 Sixto Castro Santillán explota los momentos de comedia, acercando a la farsa cuanto dramatismo existe, haciendo del todo un nudo de risas inevitables. La dirección de Castro es pues directa, franca y desenfadada, encerrando en una coreografía que denota control total (de cada acción, plano y movimiento) el desorden propio que refleja la vida del personaje. Con elementos breves de apoyo como una mesa o un telón, logra construir compasión junto con desprecio unidos ante la historia, existiendo en medio de la hilarante euforia que provoca ver caer a alguien, porque llamémoslo morbo o análisis antes de apoyar: nadie se resiste a mirar la decadencia del otro. Entonces el propio director nos transmite la sensación de que si ya vamos a ver al individuo en apuros, al menos hagamos sus penurias disfrutables.

 Yannin Heredia brilla encarnando a la diva jabonera, imprimiendo en su actuación la fuerza necesaria para dejar la gracia, desesperación o momentos de absoluta cordura que necesita su rol, entregándose de lleno a la difícil tarea de transmitir  ese rehilete de emociones siendo al final entrañable. Cecilia Zolev, Oscar Serrano Cotán Y Alan Uribe Villaruel completan el cuadro de actores, desdoblándose en varios personajes con una capacidad admirable y un talento innegable. En un tiempo récord cada uno va de papel en papel, -de ida, vuelta y de regreso- manejando perfectamente los cambios de voz, postura, presencia y sentido, tornando en memorables a cada cual.

 Malena sacará fuerza de su condición como mujer para posicionarse de nueva cuenta a la cima, sin importar las anotaciones de los demás hacia su persona, pero en un mundo dónde las opiniones e influencias del resto construyen el camino de cada uno ¿Logrará a cabo su cometido? La respuesta reside al presenciar esta deliciosa comedia, de la cual uno no sale sin  un buen sabor de boca, a buen mezcal de cortesía específicamente, porque como diría la “Reina del Rosa Venus”: “Yo solo sé que a mi vida le hace falta un buen chupe”.

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Especial Ghibli: Susurros del Corazón

Es curioso pensar que una de las obras más grandes y mejor aceptadas por el público del Studio Ghibli sea una hecha por un talento diferente al de sus dos fundadores. Sin embargo, a diferencia de la película Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1994), esta si contó con apoyo del maestro Takahata y del maestro Miyazaki, siendo este segundo uno de los principales colaboradores en el guión. Así mismo, es curioso que una de las películas con una trama más realista y cotidiana, sea tan maravillosa al grado de compararse con aquellas fábulas llenas de magia e ilusión a la que esta compañía nos tiene acostumbrados.

 Quizá el título Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995) pueda parecer poco o nada atractiva para el público masculino. Sí, un título que nos vende literalmente lo que esto es, una historia de amor. La historia se centra en Shizuku, una adolescente adicta a la lectura y que posee un alma artística y muy creativa, su mundo parece consistir en una fantasía y a pesar de ser de una familia humilde, esta actitud le permite llevar una vida feliz, aunque con algunos problemas habituales con su hermana. Su cuento de hadas diario da un giro inesperado cuando descubre en varios libros de la biblioteca el nombre de Seiji Amasawa.

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 Shizuku decide buscar a este también aficionado de la lectura, quien resulta ser un joven músico que sueña con convertirse en un constructor de violines. Es de este modo como estos artistas forman una linda amistad que eventualmente se convierte en su propia historia romántica. La trama es sencilla pero debo decir que magistralmente lograda. Es una historia de amor que está tan bien llevada al grado de que incluso el público masculino la encontrará encantadora.

 En cuestiones de animación y arte sabemos que Ghibli hace trabajos impecables por lo que en este sector ya no nos sorprende, visualmente la cinta es una joya. Y no sólo por mostrar escenarios fantásticos y mágicos, sino por el detalle de otros lugares más cotidianos. Es extraordinario como puede aportar belleza a sitios como un departamento desordenado, una calle común y corriente y una hermosa tienda de antigüedades.

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 La historia tiene un balance perfecto entre el mundo real y el imaginario y nos muestra el proceso creativo de una obra artística. La cinta no solo habla del amor, sino del crecimiento del ser humano. Nos enseña a esforzarnos siempre y no rendirnos cuando al principio no logremos la perfección. A veces creemos que las cosas serán muy buenas desde el inicio y esta película nos muestra que siempre habrá tropiezos y detalles a mejorar, y aún así, nuestro trabajo puede ser muy bueno.

 Un plus a esta película es la genial música, destacando el tema central Country Roads, Take Me Home de John Denver cantada por Olivia Newton-John. Esta canción estilo country acepta el desafío de entrar en una historia que pudiera no admitirla, pero se apodera del espectador desde el inicio. Así mismo, es una película que contiene una de las escenas más memorables del cine animado, y si, es precisamente cuando Shizuku interpreta esta canción mientras Seiji la acompaña tocando el violín.

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 La película fue dirigida por el genial Yoshifumi Kondo, uno de los mejores pupilos de Miyazaki y que ante esta producción demostrara no solo un gran talento, sino una enorme promesa al mundo del anime. Lamentablemente, Kondo falleció luego de terminar esta cinta, evento que devastó a su maestro y que nos privó de toda la magia animada que pudo habernos dado.

 Es por eso que Susurros del Corazón es literalmente una obra maestra, el enorme aporte de su director al mundo y una pieza única cuyo molde fue destruido luego de su creación. Una de las obras magnas de Ghibli, la cinta por que jamás olvidaremos el nombre de Yoshifumi Kondo y una película que los amantes del cine no deben perderse. Una obra simple, con una historia sencilla, pero con un esplendor que ya quisieran muchas grandes producciones.

 

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Del que vino y se fue sin aviso

¡Qué lejos estás, alma mía!
Más lejos que la reconciliación con Dios,
y la posibilidad siquiera de levantarme y permanecer de pie,
para beber agua sin ahogarme.

¿Cómo olvidarte ahora, cómo olvidar
esa angustia de saberte tan cerca de mi puerta
y no poder correr a ti en medio de la gente que se espantaba
de mi forma tan animal de besarte,
de esa codicia con que enredaba mis brazos a tu cuello,
de la pistola que no escondías, de tu extranjería
y la chispa de nuestros ojos más viva que cualquier infierno?

No. No puedo cruzar montañas de separación
y arenas alternativamente heladas y quemantes
sólo por volver a contar tus cabellos,
cerciorarme de tu comodidad
y ofrecerme para calmar tu sed.

Allí donde las águilas ciernen su
sobre la soledad del desierto,
allí mi pensamiento va contigo,
viajero que viniste como un torbellino a mi patria
y te llevaste mi paz, mi virginidad…

Si sabias que te irías sin remedio,
¿por qué te empeñaste en enamorarme así,
en sonar engaños de serpiente genital en mi oído?

¡Qué lejos estás, alma mía!
Pero qué cerca, aquí, bienquisto,
en mi mano sobando mis piernas con ardor…

El almacén de la imagen: literatura y fotografía en Adela Goldbard

Uno de los nombres más reconocidos, por lo menos por fotógrafos y artistas, en la escena artística contemporánea en México es el de la fotógrafa Adela Goldbard (DF, 1979), sobre todo por tratarse de una artista muy joven que ha ido consolidando su obra desde hace poco tiempo. Goldbard ha sido beneficiaria, en diversos programas, de algunas becas del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Además en 2012 fue ganadora del Premio Centenario al artista emergente otorgado por zona MACO. Su trabajo, al igual que la de otras fotógrafas contemporáneas mexicanas tanto consagradas como emergentes, fue incluido en Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México 1910- 2010, una obra realizada por la historiadora del arte Emma Cecilia García Krinsky y publicada por el CONACULTA en el 2012. En ella se hace una revisión del trabajo de más de 100 fotógrafas mexicanas a lo largo de cien años.

Adela Goldbard, Lobo. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.
Adela Goldbard, Lobo, 2013. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.

 Adela Golbard tiene estudios en fotografía realizados en instituciones nacionales, entre ellas la Escuela Activa de Fotografía de Coyoacán y el Centro de la Imagen, así como internacionales, entre las que se encuentra la Escuela superior de arte y diseño en Sainttienne, en Francia. Sin embargo su obra no puede comprenderse sin revisar un poco de la historia personal de esta artista. En principio es necesario mencionar que Goldbard es egresada de la licenciatura de Letras Hispánicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Una vez dicho esto se puede entender mejor el hecho de que su obra como fotógrafa sea una constante dialéctica entre fotografía y literatura. Sin duda alguna, la interdisciplinariedad genera un discurso más rico.

Adela Goldbard
Adela Goldbard

 Así pues, la fotografía de Adela Golbard dialoga con la literatura y con otras formas de expresión artística como el video y la escultura, generando así nuevas realidades, nuevos y variados mundos posibles, que provocan un entrecruzamiento entre la realidad y la ficción. La literatura es considerada como el arte de la escritura, probablemente se entiende como la disciplina por medio de la cual se crean realidades ficticias y sólo eso. La fotografía, de la misma manera, ha fungido como ese medio por el cual el fotógrafo expresa o representa aquello que se piensa que es real, pero que no lo es. Porque, es necesario decirlo, la fotografía no muestra la realidad como se ha venido pensando desde el siglo XIX. La literatura tampoco la muestra, por ello mismo ha sido relegada, muchas veces, por las demás ciencias sociales que pretenden mostrar la realidad del pasado o del presente: la historia y la sociología.

 En ese sentido la interdisciplinariedad de la obra de Goldbard toma fuerza cuando pone en contraste el mundo real del mundo ficticio, en un intento por dejar de lado la separación, tanto en las disciplinas como en la dialéctica entre los dos mundos. Por ello, sus series fotográficas incorporan la puesta en escena como un elemento por el cual se entrecruza la realidad y la ficción. Trabajar con maquetas, menciona en una entrevista para Museógrafo TV, sería restarle ese toque de realidad.

Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.
Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.

 En esa búsqueda por fundir lo real de lo ficticio, Adela ha hecho uso de hemerografía al momento de pensar en sus proyectos, lo cual la guía en la senda de la investigación para definir y delimitar sus series. Tal es el caso de la serie La Isla de la fantasía, en la que busca reconstruir la realidad del pasado a través del uso de réplicas de aviones y una previa investigación sobre accidentes aéreos de funcionarios públicos. Se trata pues de hacer uso de la historia para reconstruir la memoria a través de la crítica por medio de la fotografía.

“Algo que para mí es importante en mi obra es cómo la ficción y la realidad parecen fundirse constantemente en nuestras vidas. De pronto me preguntan que por qué en escala natural si en la fotografía se puede un poco engañar al ojo en cuanto a la escala, pero para mí el trabajo que yo hago no es sólo un trabajo fotográfico, sino que es un trabajo en el que la cámara fotográfica o de video es importante como medio, pero que habla de la realidad en sí. Si yo trabajara con maquetas, no estaría trabajando realmente con una réplica de la realidad”.

— Adela Goldbard en entrevista para Museógrafo TV.

 Laura González Flores, doctora en Bellas Artes e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, hace un análisis de la obra del Goldbard, que lleva por título “Del buen préstamo de las artes. On the road de Adela Goldbard”. En él expone una analogía entre la serie On the road de la fotógrafa y la nóvela homónima de Jack Kerouac, pues la mezcla entre literatura y fotografía se da cuando Goldbard hace su serie basándose en los paisajes por los cuales pasaron los personajes de la obra de Kerouac. En las fotografías el territorio tiene una gran importancia y los objetos cobran vida y sentido a partir del uso de iluminación. Los colores fríos del paisaje se mezclan con los colores cálidos de los objetos creando así un equilibrio a nivel visual. La lectura de González Flores es muy atinado, dejando ver que el paisaje en la obra del Goldbard representa un espacio social roto en el que se hacen presentes los conflictos que ocurren en nuestro país en la actualidad: el narcotráfico, la crisis económica, la corrupción en un territorio nacional lleno de Oxxos; los mismos Oxxos que el fotógrafo mexicano Adam Wiseman ubica como parte del imaginario social del y de lo mexicano.

 La fotografía de Goldbard tiene presencia en la escena artística de nuestro país no sólo por tratarse de proyectos fotográficos que artísticamente están bien logrados en cuanto a composición y otros elementos del buen uso de la técnica fotográfica, sino que el discurso sobre el que la autora sustenta su obra es lo que permite que haya coherencia y sentido en los proyectos. Así pues, Golbard es en mi opinión una artista completa, pues su formación como literata y cómo fotógrafa le ha permitido sustentar los temas que fotografía provocando que su ejercicio sobre la ella vaya más allá del quehacer artístico.

Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.

Jorge Gutiérrez, el nuevo rostro del México animado.

El nombre de Jorge R. Gutiérrez ya es mundialmente conocido luego del estreno de su primer largometraje, El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014). No obstante, este gran artista mexicano pasó algún tiempo en el anonimato aún a pesar de ser el creador de diversos conceptos de gran calidad para la televisión, el cine y el internet. En esta ocasión hablaré brevemente de sus obras más renombradas.

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 El estilo de Gutiérrez es inconfundible, desde el estilo de sus personajes hasta la paleta de colores (en su mayoría cálidos y brillantes) que usa en sus producciones. Pero eso sí, la marca de la cultura mexicana es sin duda el rasgo más fascinante y destacable en el trabajo de este animador en su compañía Mexopolis. Usualmente hace referencia al día de muertos, luchadores enmascarados y corridas de toros. Esta característica la vimos por primera vez en su cortometraje Carmelo (Carmelo, 2000), un trabajo modesto pero muy bien elaborado que nos narra la trágica historia de un niño que sueña con ser torero.

 Este cortometraje está hecho en animación 3D y en cierta forma representa los orígenes del libro de la vida, ya que al igual que este trabajo, los personajes parecen muñecos de madera. Además, la ambientación es muy similar, me atrevería a decir que fue uno de los primeros intentos de hacer la película que hoy en día podemos disfrutar en los cines. La historia de este corto es muy triste, pero a la vez hermosa, ya que encontramos a un pequeño que en su afán de ser como su padre, intenta seguir sus pasos aún a pesar del peligro que corre. Algunos lo verán como una advertencia de lo que no se debe hacer, sin embargo, yo lo veo como una metáfora de seguir nuestros sueños de forma cuidadosa y paciente. Es importante no renunciar a nuestros objetivos, mantenerlos siempre que se pueda, pero considerar que las cosas siempre tienen sus tiempos y sus formas por lo que no debemos querer correr antes de caminar.

 Tenemos también el concepto del Súper Macho, un personaje que Gutiérrez hizo para internet y que marca más a detalle los estándares de su labor. Aquí sale a relucir el gusto de este artista por la lucha libre mexicana, misma que también reflejó cuando trabajaba en la serie ¡Mucha Lucha! (¡Mucha Lucha!, 2004), que no fue de su creación, pero es evidente la influencia que tuvo en ella. Recordemos que además ha trabajado en otras series como Mad (Mad, 2010), donde aunque no se reconocen personajes mexicanos, también su estilo es incomparable con parodias de personajes de Street Fighter y Mario Bros, además de una siniestra pero a la vez encantadora representación de la muerte.

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 Por último pero definitivamente no menos importante, tenemos la serie animada que fuera producida por Nickelodeon, dirigida por Dave Thomas y que sirviera como carta de presentación para su reciente película; El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre: The Adventures of Manny Rivera, 2007). Esta serie disfrutó de gran éxito en Estados Unidos y en México, consiguiendo muy buena aceptación que además la hizo acreedora de promociones como los famosos Tazos de la marca Sabritas.

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 En esta serie, Gutiérrez refleja parte de su infancia representándose en Manny Rivera, un niño con poderes especiales y heredero de una larga dinastía de súper héroes y villanos. Este muchacho es en realidad El Tigre, un personaje que vive bajo la sombra de su padre, el súper héroe White Pantera, y su abuelo, el villano Puma Loco. El Tigre sufre ante la incógnita de no saber qué lado elegir, el bien o el mal. En sus aventuras es acompañado por su mejor amiga, Frida Suárez, una adorable niña con espíritu rebelde. Además, enfrenta a grandes villanos como la malvada Sartana de los Muertos (una versión aterradora de la Catrina).

 Esta serie no sólo planteó un concepto distinto al género de los súper héroes, sino que su estilo visual fue sencillamente impactante para el público de Nickelodeon. Desagraciadamente no se trata de la serie con más seguidores y hasta la fecha no se ha podido desarrollar una nueva temporada de la misma, pero un gran sector de seguidores sigue esperando que algún día eso sea posible.


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 El personaje de Manny Rivera es verdaderamente humano, un chico con buen corazón que desea ayudar a otros, pero que puede sucumbir ante las tentaciones que todo niño tiene. Resulta muy agradable y cómico ver versiones mexicanizadas de los héroes y villanos, que van desde mostachos golpeadores, sombreros robóticos, guitarras mágicas entre otros. Inclusive hay referencias a figuras legendarias como El Santo, los Caballeros Águila y por supuesto, los luchadores enmascarados. Además en el lado de los villanos tenemos referencias a figuras como el fallecido Malverde y el famosísimo guitarrista Carlos Santana.

 Desafortunadamente un sector del público ha tachado esta serie como “racista” y que se burla del mexicano por la imagen estereotipada que le da (sombreros, jorongos y que viajan en burro). Este pensamiento ha alejado a algunas personas, más bien les ha impedido darle una verdadera oportunidad y descubrir lo grandiosa que es la serie. Personalmente yo veo esta representación del mexicano mas como un homenaje que como una burla. Seamos honestos, es la imagen cultural que le damos al mundo así como los orientales dan una imagen de ojos rasgados, los africanos de piel morena, los escoceses usando faldas, etc. Pueden ser estereotipos, pero no es algo que deba tomarse como ofensivo, es casi como decir que nos enojamos porque nos comparan con los aztecas.

 El Tigre es una muy buena serie que además tiene mensajes ocultos; la escuela a la que asisten los personajes es la catedral metropolitana del zócalo, los personajes principales son una clara alusión a Diego Rivera y Frida Kahlo. La ciudad misma donde se desarrolla la historia se llama Miracle City (Ciudad Milagro) y al lado de ella un enorme volcán humea todo el tiempo… exacto, estamos hablando de la Ciudad de México (mismas iniciales) y el volcán Popocatepetl. Ciertamente los gustos son muy variados y no puedo prometer que todo mundo amará la serie, pero si tan sólo pudieran darle una oportunidad y ver un par de capítulos, seguro encontrarán muchas cosas positivas y divertidas.

 Y es así como un gran artista se va abriendo un muy merecido camino en los corazones y en la historia de la animación. Un hombre que junto a su esposa, Sandra Equihua (quien ha sido un gran apoyo en sus proyectos) lleva la imagen y el nombre de México a otro nivel y que estoy seguro que vale la pena no perder de vista ya que estamos ante uno de los más grandes genios de nuestra época.

Reencarnación

Escupió cerca de la puerta de su casa pensando que el gargajo no alcanzaría su propiedad, pero no fue así. Resbaló de la madera comida como un caracol. Tomó los papeles, respiro fuerte y empezó a correr hacia el rancho.

A su paso podía ver las casas desmoronándose como mazapán, los caballos llenos de costras asustando a las moscas con su cola, la tierra mojada de tristezas y seca de otras tantas, árboles cansados, y el aire, pesado y sucio, tanto, que le costaba dar el siguiente respiro.

Llegó a la entrada de “Los Sandovales” y le chifló al borracho de Jacinto. Chifló tres o cuatro veces. Nada, no aparecía nadie. Abrió los papeles que llevaba en la mano, sudados por la carrera que se había echado. Volvió a ver ese conjunto de letras manchadas y sintió la misma emoción de días pasados.

Se sentó a la entrada, dejó su sombrero unos pasos adelante y comenzó a lanzarle piedras.

Después de un rato, apareció Jacinto tambaleándose. Se reía y gritaba, le chupaba a la botella dejando caer más alcohol en su pecho que en la boca. Escuchó el silbido y volteó hacia la entrada, logró distinguir a alguien detrás de la reja y sonrió al percatarse de que era su amigo.

– Si yo reencarnara, y Dios mediante no lo haga –al mismo tiempo que se persignaba- rogaría para hacerlo en ti, Encarnación.

Soltó una de sus sonoras carcajadas y lo abrazó.

– ¿Qué se te ofrece, Chon?, ¿andas buscando a la patrona, tan chula?

– ¡Cállate, tú! Te van a jalar las patas, burro. Vengo a ver a la Teresita pa’ que me lea lo que dice aquí. Pa’ mi que es algo importante y aquí no’mas ni nos enteramos de lo que pasa en la capital.

– ¿Y pa’ qué te quieres enterar de tanta burrada? Que si esto, que si’l otro, que la chingada…nada puede ser pior. Mira, mira –y le enseñó sus manos, negras y partidas por el trabajo de las minas de unos años antes- estas manos ya no sirven en el campo, y si sirvieran de algo, preferiría cortarlas antes de servirle a estos desgraciados. O, ¿qué?, ¿ya no ti acuerdas, Encarando de mi alma?

– ¡Ay, Jacinto! Se le olvida que ai’ que comer y vestir, y pa’ uste’, pues chuparle fondo al tarro. Hasta el vicio sale caro, Jacinto.

– ¡Vete a la fregada!

– Ándele, lléveme con la muchacha, ella es la única que sabe leer y escribir en este méndigo pueblo.

Empezaron a caminar por la vereda empolvada mientras Jacinto cantaba las canciones de la Revolución. Por primera vez, Encarnación se dio cuenta que las manos de su amigo eran idénticas a las suyas, simplemente unas estaban lastimadas de  tanta oscuridad y las otras de luz. Pobre Jacinto –pensó- pa’ pronto se nos va.

Al llegar a la cocina de la casa, las mujeres saludaron al hombre sin hacer mucha cuenta de su presencia.

Hablaban de la mascare a los campesinos del pueblo vecino. Mataron 17 hombres y una mujer que iba pasando, que para su mala suerte sirvió de testigo. Por eso –decían ellas- las mujeres no deben salir de la cocina.

– Vete por la Teresa, Lupe –dijo Jacinto- Chon necesita verle.

La mujer salió corriendo de la cocina hacia el establo. Teresa era la única muchacha educada del pueblo porque era hija del patrón y de una de las hermanas de la difunta señora. La patrona, al enterarse del desatino de su esposo, obligó al mismo a no reconocer a la niña. Dejó que la cuidaran las criadas, pero permitió que se le diera educación y un plato más de comida al día.

Lupe regresó con Teresa y le señaló al hombre que quería hablar con ella.

– ¿En qué le sirvo, Encarnación? – le dijo sonriendo mientras se limpiaba las manos con un trapo.

Se fueron al otro lado del rancho, por donde estaba el establo y los camastros de los peones, todos juntos como teclas. A unos cuantos metros estaba el cuarto de Teresa. Mejor acomodado, menos apestoso, menos húmedo, menos indecente. Se metieron alejado uno del otro. Todos en el rancho pensaban que dormían juntos y, aunque no era cierto, los dos dejaron que el pueblo entero pensara eso.

– ¿Qué traes en las manos que lo agarras como si fueran los muslos de una mujer? – se rio.

– Nada, patrona. Con la noveda’ de que yo ya sé leer tan bien como uste’.

– Ya era hora, Chon. Llevas años viniendo. ¿Si leíste todo lo que te di?

– Si, patrona. Todo y un cachito más. Periódicos que llegaban a la cooperativa hablando del Tata  y las reformas, y por lo que nuestros papacitos se murieron hace 20 años. La noveda’ de la repartición de tierra, como decía Zapata, patrona…

– Ten cuidado con lo que lees, Encarnación –dijo Teresa interrumpiendo el entusiasmo de aquel hombre –deja te digo que las ideas son de los dueños y para los dueños, no para nosotros, mucho menos para ti…

Él bajó la mirada con vergüenza y rabia. ¿Cómo carajos se atrevía a menospreciarle así? Después de todo, pensó, él era el único indio que sabía leer. Sólo le faltaba aprender a escribir para largarse a la capital y verse como los dones que visitaban al patrón.

– No tienes buen nombre, Chon –continuó Teresa.

– Con todo respeto, patroncita –se quitó el sombrero apretándolo contra su pecho –uste’ tampoco.

– ¿Los periódicos te enseñaron a insultar?

– No, patrona. No’mas me ando dando cuenta, a estas alturas de la vida, que la culpa y la jodida es di uno. Pero así, di uno a uno, se van a ir yendo como fueron llegando, sin nada.

– No me estarás diciendo que fue justicia divina la muerte de los 17 miserables del otro pueblo, ¿verdad?

– Pues yo que voy a saber, patrona. Dios dispone y uno se agacha. Y se lo digo, de uno a uno.

– El que lo hizo es un perro, y los perros dependen de un amo.

Se salió del cuarto maldiciendo a la mujer. Eso le pasa a los hocicones –se dijo a sí mismo- primero aprendí a callarme y luego a hablar. Se puso el sombrero y dispuso volver a su casa. No dejaba de escuchar las últimas palabras de Teresa: “Cuando aprendas a escribir, fíjate que la tinta no sea roja, Encarnación”. Pinches viejas, dijo, son como la diarrea, no’mas nos aguadan hasta el alma.

Siguió cuesta abajo, convencido de su labor, de su tarea, del papel que habría de jugar en los nuevos tiempos.

La mató sin que se quejara, no hubo llanto ni lamentos, mucho menos suplicas. Deseaba que Jacinto y todas las gallinas fueran igual de obedientes, pero sabía que no sería así, que toda esa bola le iba a dar batalla al igual que los otros 17 y la viejilla sin suerte del otro lado.

–  ¿Por qué no entiende, patroncita? -le dijo al cuerpo aún tibio de Teresa- aquí dice -golpeando las hojas amarillas y quebradizas con el dorso de su mano negra- y no lo digo yo, lo dice el Tata, “La miseria, la ignorancia, las enfermedades y los vicios esclavizan al pueblo”.

Mató a todos sin saber que el pueblo era Jacinto, eran los 17 peones, la mujer desafortunada, él mismo.  Mató a todos sin saber que el Tata  era pasado. Mató a todos sin saber nada.

Llegando a la casa, se detuvo. Al final, pensó, la puerta de esta casa nunca fue mía. Y escupió hasta sentir la garganta seca como la tierra.

Con tus ochenta mejores amigas ¡Para qué quieres enemigas!

“No te quiero alarmar, pero algo siniestro está ocurriendo aquí”

Angela Lansbury (como Jessica Fletcher en Murder She Wrote)

En el interior de la cabina de un radio teatro, la simpática, poco ortodoxa, gruñona  y anciana conductora Agatha Freud, transmitirá la narración del thriller psicológico “Las ochenta mejores amigas”, de un tal Juan Carlos Cuéllar. Para realizar dicha labor se requieren de dos actrices que lleven los personajes principales de la historia, así  que las divas Olga de Moctezuma y Holly Estuardo, ejecutarán esta historia llena de intriga, suspenso y comicidad involuntaria.

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 El Foro Shakespeare ofrece una opción de divertimento única en su Teatrino los días sábado, la comicidad, el drama y también el cabaret se funden en Las ochenta mejores amigas de Juan Carlos Cuéllar. Puesta en escena dirigida por el propio Cuéllar, un texto más para el catálogo de obras ejecutadas con miembros del programa de Teatro Penitenciario.

 Explorando el frívolo mundo de la “alta sociedad”, el autor parte de un estilo influenciado por la literatura de Agatha Christie junto a la experiencia narrativa televisiva en Murder She Wrote (La reportera del crimen) para hablarnos de la traición que conllevan las falsas amistades, las mentes criminales, además de la venganza como método expiatorio. Una ha traicionado a la otra, creyéndola tan inocente como boba para nunca actuar en reversa, sin embargo, la amiga herida ha centrado su dolor en construir una telaraña exacta
para acechar a su presa, por consiguiente atacar sin piedad como una viuda negra.

 Un montaje construido sin mayor pretensión que divertir a la audiencia a través de la exposición de personajes que llevan al límite de la comedia sobre un drama que debería generar tensión. La dirección llama a sus “divas” para ser representadas por hombres, logrando entonces un ambiente queer bastante efectivo, que lejos de caricaturizar al travestismo conecta irónicamente los clichés de la homosexualidad con el público, mofándose de las pretensiones actorales en vez de un sector social.

 Cuando los actores disfrutan su trabajo es notorio, aquí Javier Cruz e Israel Rodríguez se presentan al ruedo con el reto de hacer reír, saliendo en hombros con orejas y rabo. Dos actores que sin duda evolucionan cada vez más, debido la efectividad del ya mencionado programa de Teatro Penitenciario al introducir a más gente en el oficio actoral de manera íntegra, con un constante acompañamiento en su formación en suma al interés personal de pulir cada vez más su trabajo.

 Las actuaciones de Cruz y Rodríguez se disfrutan plenamente, vemos a dos hombres -toscos, rudos- convertirse en unas auténticas divas que lucen coquetas y elegantes en todo momento. Acompañados de la siempre grata Itari Marta, provocando los desahogues cómicos constantes, haciendo una viejecita memorable por sus deficiencias, ocurrencias  y actitudes.

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 No hay pastelazo, aquí el texto tiene inteligencia, así mismo se coordina de lleno a la iluminación sugerida para recrear los momentos necesarios en la trama. Recalco, los actores disfrutan tanto su labor que hasta los accidentes que puedan tener se sienten francos, tanto así que se gozan ampliamente, destacando a la existencia de una producción inteligente que controla todos los aspectos y las tablas de los intérpretes. Se agradece en pleno.

 Hay muchos aspectos interesantes para este texto. Primordialmente, funciona del todo como una comedia, sí, pero de trabajarse en lleno hacia el aspecto dramático ¡También funcionaría! Estamos frente a un arma de doble filo que podría evolucionar drásticamente a un producto aún más complejo. Sólo es necesario encontrar esa visión en la batuta direccional, tal vez la respuesta esté en este mismo montaje, en forma de actriz.

 Las envidias y los individualismos se arrojan como elementos de la cotidianidad, pudiendo perderse entre las carcajadas producidas por los trazos, la esencia sale a flote dejando tanto la correcta transmisión de la historia, como la experiencia cómica -con los tonos de cabaret- que la acercan al público teniendo como vía la ejemplificación de aspectos actuales. No encontrará algo tan efectivo en este ramo en otro lugar de la cartelera teatral actual, salvo que se trate de La Reinas Chulas en el Teatro- Bar El Vicio, que aquí encuentran una muy digna y sana competencia.

 Un montaje ideal para abandonar el estrés, relajarse, emitiendo risotadas honestas ante un trabajo muy bien ejecutado.

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

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Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

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Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

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Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

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Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

Nai Ninshiki: See you in the space… cowboy

Cowboy Bebop

Quizás para nosotros, los nacidos en los ochenta y los hijos de la llamada X Generation, los animes sean nuestra marca más honda y prominente; jóvenes acogidos por la insipiente llegada de trazos de oriente que llenaban el hueco de la época con personajes míticos e inolvidables, estampando un encuentro afortunado de dos culturas.

 Cómo olvidar a los cinco guerreros de broce cruzando las doce casas del Zodiaco, con el séptimo sentido y batallas interminables; los increíbles goles y las canchas infinitas de los campeonatos estudiantiles del Japón; las princesas de la Luna, en busca del verdadero amor; las siete esferas perdidas que cumplirían cualquier deseo que pidas.

 La reciente lluvia y melancolía de estos días me hizo recordar una de estas historias que sobresale tanto por su ficción de escenarios y personajes, como por sus soundtracks exquisitos: Cowboy Bebop, del director Shinichiro Watanabe.

 En la serie emitida en el año 1998 en Japón, el Universo es el escenario de una historia simple, sorprendente, conmovedora y adictiva. Especie de western espacial, con guiños profundos que recuerdan al cine negro estadounidense, se desarrolla dentro de contextos cósmicos, comenzando en Tijuana (asteroide refugio de bandidos), donde Spike Spiegel, un caza recompensas elegante, diestro, independiente, huye de un pasado nebuloso mientras atrapa a unos cuantos truhanes por una muy buena suma de dinero estelar… siempre al ritmo de un buen jazz.

cowboy-bebop_00427906 La tripulación original de la nave Bebop se conforma por su propietario, Jet Black, compañero y amigo de Spike, con quien recorre la galaxia entera, cazando, estafando, apostando; al paso de los episodios, el grupo crece incorporando a la sexy Faye Valentine, una embustera profesional, buscada por sus fechorías; Ed, una hacker sin comparación y Ein, un perro “común” (más inteligente que cualquier humano), mascota de la nave, simplemente entrañable.

 La linealidad de la historia es finamente desviada para describir el pasado de cada uno de los protagonistas: recuerdos que no se olvidan, destinos inaplazables, reencuentros misteriosos, amores imposibles; siempre al contoneo de un acido y trepidante jazz.

cowboy-bebop-ost-1 Especialmente, Cowboy Bebop es una muestra magistral de lo que puede hacerse con un soundtrack. Son ocho los volúmenes, dirigidos por Yöko Kanno e interpretada por la banda The Seatbelts, que derriten el oído de un modo imparable, yendo de un acid jazz y jazz bebop, guiñando con ambient, blues, pop, clásica, para estallar en un poderoso heavy metal que hará de tu oreja un hermoso lío.

 Shinichiro Watanabe también ha dirigido Samurai Champloo, otra serie reconocida por su banda sonora y fina historia. Puedes darle un vistazo a los cortos de Kid´s Story y A detective story de The Animatrix, que es ya todo un clásico en el anime contemporáneo.

 En el 2013, el creador de esta serie afirmó en entrevista para la Red Carpet News TV, durante la MCM London ComicCon de ese año, que el final de la serie es engañoso y abrió puertas para una posible continuación de este fantástico anime.

 En suma, la mezcla de factores es lo que hace de Cowboy Bebop el recuerdo de un futuro posible, cuando bebamos cervezas estelares en las bahías de las Lunas de Plutón, durante alguna pelea estelar bajo la lluvia. Quizás reconozcas de lo que hablo, si no, no pierdas tiempo, busca y disfruta de esta maravilla animada con sus gloriosas melodías, por lo pronto… see you in the space, cowboy.

https://www.youtube.com/watch?v=Aw3fN3OPk3A

Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

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“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

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«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

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Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

http://www.youtube.com/watch?v=a_GVRC8IPjA

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

http://www.youtube.com/watch?v=HBH0jqyPDCg

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

De las voces que relatan acciones calladas

Es tiempo de la  Revolución Mexicana, en un pueblo dónde nunca pasa nada interesante. Una maestra ha sido encarcelada y condenada a muerte. La hija de un hombre lleva rato lejos de su hogar por irse (de voluntad propia) junto al ejército zapatista. Una mujer adinerada no ve la hora de sentirse tan libre y pueblerina como ella desearía. En medio  de todas las historias, el pueblo es el punto de cruce involuntario de los ejércitos de Emiliano Zapata y Porfirio Díaz, ambos liderados por los dobles comisionados de los dirigentes originales. El supuesto Díaz ofrecerá una tregua al Zapata de los martes, pero la muerte ha despertado con el alba de aquel día, y está lista para pasearse por el pueblo.

El Teatro La Capilla abre sus puertas los sábados por la tarde a  Los Equilibristas, obra original de David Gaitán, dirigida por Damián Cervantes y nueva producción de la compañía Vaca 35 Teatro. Este autoproclamado “Falso documental de la revolución mexicana”, estará presentándose hasta diciembre 14.

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Tal vez lo que es necesario resaltar primero es la figura de David Gaitán como uno de los creadores teatrales jóvenes más importantes de nuestra época. Responsable de otros geniales títulos como Simulacro de idilio o La velocidad del zoom del horizonte, Gaitán sabe manejarse entre la ficción, el análisis y la crítica social con ingenio y sumo cuidado para que sus textos tengan apertura a un público general (en la mayoría de los casos) que pueda entender de lleno e inmiscuirse en la trama. Un dramaturgo al cual no hay que perderle la pista.

En esta ocasión, el texto nos habla de la necesidad de pertenencia de los seres humanos;  Sabernos parte de algo o de un todo ha sido desde siempre una necesidad básica para descubrir quiénes somos, cual si no pudiésemos existir sin formar parte de algo más grande, ahí es donde Gaitán introduce la empresa de la guerra, ubicándose en un hecho ficticio de la Revolución Mexicana que invita a mirar el pensamiento social de 1910 a través de la narración de diversas posturas que lo acercan inevitablemente a la modernidad.

14 de los habitantes, del pueblo en el que nos sitúa el autor, se unen para relatarnos los hechos del día en que los ejércitos revolucionarios se encontraron. Vemos una evolución radical de las necesidades personales de cada personaje, cada uno busca alcanzar una realización diferente en el movimiento que se alza, en la situación de sus vidas. Algunos quieren estelarizar y vanagloriarse, otros tan solo buscarán la libertad u expiar algunos pecados, pero en general hay un común: todos quieren vivir.

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Gaitán otorga el mismo peso a la voz de cada personaje, en una narrativa bastante cercana a la estructura postmoderna, cada relato va hilando el panorama lleno de colores que tiñen de sátira, crítica, compasión, poesía, humor y dulzura a la historia. Todos aportan información de manera orquestal, a un tempo que va creciendo y amarrando al público a su paso. Generando una arcada dramática bastante poderosa que provoca entrañarse de inmediato hacia aquello que nos están contando.

La visión de Cervantes como director vuelve aún más franca y honesta a la obra. Pone a sus personajes sin más elementos que sillas, veladoras, algunas macetas con flor de nube y vestuario de tonos, adecuado de la época. Les da a sus actores la posibilidad de explorar con profundidad los detalles de sus líneas, adentrarse en la piel de cada personaje y exteriorizarlo en gestos y movimientos marcados con sumo cuidado en el discurso. Guarda bastante limpieza en sus trazos, para que toda la audiencia pueda recibir lo que se está provocando de desde dentro de cada palabra y acción contada, hacia la resolución externa que hay en cada cuadro.

La delicadeza de Cervantes, sumada a la fuerza dramática de Gaitán, generan un producto que engancha de manera total al espectador y culmina siendo enternecedor, contestatario. Los protagonistas de la obra están envueltos en un proceso del cual realmente no forman parte directa, pero se ven afectados, ¿Cuan familiar puede sonar esto?

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Esta puesta dice ser una historia que quizás no sería jamás contada puesto que solo 14 personas fueron víctimas de ella. En nuestro México actual tenemos otra historia protagonizada por 43 normalistas desaparecidos en Ayotzinapa, Guerrero, y la respuesta de nuestras autoridades ha sido tan indiferente que tal pareciera que su localización es otra historia que no valiera la pena contar por el número que representan. Estos nexos – involuntarios tal vez- a la contemporaneidad del país hacen de la puesta entera una maravillosa acción de respuesta y sensibilización.

José Concepción Macías , Iyasú Torruco, Marco Vidal, Daniela Baltazar, Carlos Kumukai, Sol Sánchez, Gabriela Ambriz,Francia Castañeda, Mari Carmen Ruiz,  Diana Magallón, Elizabeth Pedrosa,José Rafael Flores, Enrique AguilaryVerónica Bravo, estelarizan siendo un reparto homogéneo, entregado al ejercicio teatral con el corazón. Actuaciones frescas y amables que denotan entereza.

Hágase un favor y asista a someterse a la prueba del equilibrio, puedo asegurar que no se arrepentirá.

Especial Ghibli: La Guerra de los Mapaches

Si bien tanto Isao Takahata como Hayao Miyazaki han sido colegas desde hace varios años, así como ambos maestros de la creación de historias y de la animación, es cierto que cada uno tiene un estilo único y especial. Takahata es, sobre todo, un artista con una visión un tanto más centrada e incluso realista, misma que plasma en sus películas. Podría decirse que la filmografía de este hombre es en algunos aspectos la más madura del Studio Ghibli, aún así, su tercera película dentro del estudio verdaderamente dejó volar su imaginación y nos llevó a un mundo donde la fantasía y el surrealismo están al tope, pero eso sí, reflejado en un problema global muy real.

 La Guerra de los Mapaches (Pompoko, 1994) es una película muy peculiar, quizá pudiese resultar difícil de entender y disfrutar para ciertos sectores del público, algo confusa debido a la gran cantidad de elementos y estilos que maneja, pero esa misma extrañeza es la que la vuelve una obra maestra. La historia se centra en la tragedia de un grupo de mapaches (O Tanuki) que luchan contra el inmenso problema que el ser humano ha llevado a sus vidas: la expansión del hombre ha ido destruyendo los bosques y espacios naturales, y por consiguiente, elimina el hogar de estos animales. Afortunadamente, ellos no están del todo indefensos, ya que poseen la mágica habilidad de transformarse en todo tipo de objetos y animales (incluso humanos), misma habilidad de la cual hacen uso para combatir esta amenaza a su hábitat.

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 La historia tiene un evidente y muy importante mensaje de concientización que nos demuestra que el progreso es bueno e importante, pero que aunque nuestras intenciones sean positivas es vital darnos cuenta que a veces ese avance nuestro representa un gran daño para nuestro planeta y las criaturas que en el habitan. En ocasiones la película pudiera parecer un fábula infantil, sin embargo la cinta está llena de momentos dramáticos, trágicos, desgarradores y por supuesto, maduros. En la historia vemos la melancolía de la muerte, el horror y el daño que el odio desenfrenado produce. También temas como el crecimiento, la adolescencia e incluso la vida sexual son tratados en esta película.

 Es curioso el hecho de que los tanukis sufren múltiples cambios en su apariencia durante la película; en ocasiones tienen un diseño totalmente realista y como animales que son, pero luego se vuelven antropomorfos y finalmente adoptan apariencias totalmente caricaturescas. Estos cambios son justificados por la habilidad de transformación de los personajes, así como una manera de enfatizar sus estados de ánimo.

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 Visualmente la historia también es una maravilla y la música es simplemente hermosa. La dirección de Takahata la hacen un éxtasis a los sentidos cuando se está viendo, sin embargo, la película seguramente encontrará un sector del público que la amará y otro que podría no gustar de ella. La narrativa a veces se torna algo confusa, sobre todo por momentos en que se mantienen largas conversaciones filosóficas entre personajes que pudieran desorientar e incluso cansar al espectador.

 Así pues, no puedo evitar señalar el principal detalle en la cinta que seguramente nadie pasará por alto y que probablemente incomodará a algunas personas al grado de dejar de ver la película (aunque puede tornarse en un toque muy cómico para otros). Ignoro el motivo por que el director decidió manejar esto, simplemente puedo aventurarme a especular sobre alguna metáfora de los puntos especiales del cuerpo donde guardamos energía (díganse chacras). El punto al cual me refiero es la constante presentación y referencia a los órganos sexuales masculinos presentes en todo momento en los personajes de este género. Y no me refiero sólo a que siempre están visibles, sino que literalmente en varias escenas los testículos son presentados como un punto de poder en los tanukis, inclusive una parte del cuerpo que puede ser usada como arma.

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 A pesar de este punto tan peculiar, considero que la cinta es apta para toda la familia, requiriendo eso sí algunas explicaciones a los espectadores más pequeños. Al final, el sabor de boca es totalmente agradable, terminamos por sentirnos identificados con los tanukis e incluso quererlos. Como punto adicional, y para los seguidores del estudio, existe un pequeño cameo al personaje de Kiki, la brujita (creada por Miyazaki) durante la cinta. Se trata de una película de apariencia infantil pero que resulta una experiencia muy madura, una excelente cinta de animación que les recomiendo ampliamente.

La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Kuru: esmaltes mexicanos con mucho color

Eterno amanecer, la más reciente colección de Kuru. Crédito: Kuru.mx

Cuando se trata de verse bien y complementar un buen look, las uñas deben brillar por sus colores y no por su falta de cuidado. Si bien muchos dicen que las manos son la carta de presentación de cualquier persona, no siempre es así, pues, a pesar de tener un peso importante en el atuendo completo, lo que importa es la seguridad y confianza con la que se porta una prenda.

 Sin embargo, existen varias opciones para cuidar no sólo el estilo de ropa, sino las manos y por ende las uñas. ¿Por qué hablar de las uñas en una entrada sobre arte y moda? Me es muy importante destacarlas, debido a que el color, los diseños y creatividad pueden traer consigo un concepción mayor sobre arte, artesanía y moda aplicada a esta parte del cuerpo que para algunos podrían pasar desapercibida. Además de que, como bien he recalcado en entradas anteriores, la moda no sólo está presente en pantalones, blusas o abrigos; es parte de, mas no lo es todo.

 Aunque la mayoría de las personas sólo conocen esmaltes comerciales y extranjeros, es necesario resaltar y hacer notar marcas del país que igualan, y aveces superan, la calidad de un esmalte comercial.  Chulavista te trae una buena recomendación para tus uñas: Kuru, los esmaltes artesanales mexicanos hechos con pigmentos naturales y queratina para el cuidado.

 La inspiración de estos barnices son las distintos objetos muy representativos de México. Por ejemplo, hay un color rosa llamado “Tamal de dulce” o un café “piloncillo”. Su línea de colores es extensa, y con cada temporada se agregan más opciones para lucir bien el color en las uñas sin dejar de lado la tradición mexicana divertida y cálida.

Café Piloncillo, de Kuru. / Chulavista Store

 Creo que hay que mencionar sin duda, la línea de flourecentes, que brillan en la obscuridad. Kuru es una de las pocas marcas que tiene ese tipo de esmaltes y lo puedes conseguir en distintas partes, no sólo del D.F. sino en el resto de la república, por ejemplo en Monterrey, Veracruz o Guadalajara.

 Su diseño también resalta, ya que usa pequeños tejidos en las tapas que simulan ser encaje. Esto le da un toque romántico y poco convencional a la marca, sumándole un punto extra en cuestiones de identidad y diferenciación.

 Para conocer más de marca pincha aquí; para obtener esmaltes da click aquí. 

El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin

Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.

 El horror está asociado al sentimiento de miedo  causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.

Joel Peter Witkin, Leda.
Joel Peter Witkin, Leda.

 Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.

 Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.

Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.
Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.

 El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.

  En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía  se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.

 La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.

 La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.

 La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.

 El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.

Joel Peter Witkin
Joel Peter Witkin
Peter Witkin, Sanatorium.
Peter Witkin, Sanatorium.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.

The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
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 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Nai Ninshiki : Cao Hui; ¿Cómo mira Dios?

La mayoría de nosotros, quizás en algún letargo nocturno de luna caliente, en algún momento intoxicado de vida y sol, o en un apuro asfixiante deseamos con todo el ánimo posible ¡Quisiera ser Dios! Con tal poder, las primeras opciones de cualquiera serían destruir lo que nos estorba, conseguir lo que nos falta. Pocos, quizás menos que pocos, se detendrían a meditar qué se siente ser Dios, cómo mira un Dios.

 Te presento a Cao Hui, chino de nacimiento y Dios por elección. Él opina que los artistas realmente quieren jugar a ser Todopoderosos más que cualquier otra cosa, y que ninguno se detendrá ante nada para construir una verdad que valide su existencia.

 Hui crea esculturas hiperrealistas y es fácil entender su elección, ya que, pretendiendo ser Creador, la realidad no le basta; sus ojos humanos no alcanzan para ver todo lo existente, desde su más íntimo núcleo, ese origen de las cosas, pero cuando Cao es Dios, su visión es divina…

 Y entonces, en este artístico juego, los objetos cotidianos, como un saco o un sofá; animales y humanos;  hasta esculturas como El David de Miguel Ángel son despedazados, desarmados, exhibidos, atravesados por la mirada de iluminado y exteriorizan lo interno de los cuerpos de estos seres.

 Visceras y órganos al estilo Gore hacen apreciar en su obra el muy evidente mensaje sobre la superioridad de lo interno a lo externo, de una compresión partiendo del interior, y que ciertamente es en esta profundidad, (grotesca, viscosa, irreal y por ende perturbadora) donde se encuentra lo vivo, lo invisible, lo humano rozante con lo divino, lo impactante, lo esencial… lo mortal.

 Entendamos mejor el juego de Cao Hui, y qué mejor forma de hacerlo que la propia voz de este artista:

De esta manera, la relación entre el interior y el exterior de todo parece poseer una lógica perfecta, y se puede interpretar con el conocimiento establecido. Con el fin de engañar a los demás, se explica con teoría tras teoría, pero todo termina en risas y en ocasiones hasta nos divertimos nosotros mismos ante Dios que ríe.”

 Cao Hui ha logrado, con su vasta obra comenzada por el año de 1994, despertar el interés por su hiperrealidad, convirtiéndola en una mirada superior que no se limita a un mero asombro, ni a la insípida sensación de la exponencializada realidad, la que en los últimos años abarrotan las salas de museos en todo el orbe. Él no busca reconocimiento, él sólo quiere ser los ojos de Dios y divertirse viendo las entrañas de todo lo inventado.

Suele suceder

Para Rubén Ramírez

Advertencia lector: medítese, tómese con calma.

 Ese hombre me miraba con una envidia memorable. Las grietas de su furia rompían todos los terrenos de mi ser, una neblina absurdamente blanca componía el cosmos sobre el que vacilaban nuestras francas sensaciones. Todo giraba sobre un prisma inconsciente y palpitante, y en medio de ese hermoso caos, estaba ella, sanguinariamente feliz. Con la latitud sur de sus lindos labios parecía borrar los ceños fruncidos de aquel hombre. De pronto, la reverberación de un siniestro aleteo detuvo mi sueño.

 Desperté agitado como si el golpe de la realidad no pudiera precipitar mi sistema nervioso hacia alguna dirección, entonces provocaba una especie de titubeo en todo mi maldito cuerpo, anciano y decrépito, como si los paradigmas del onírico caos y el orden del insomnio coincidieran durante un instante, en una única sensación de recuerdo y olvido, hambre y nerviosismo.

 Una palomilla intrépida se agitaba por la línea delgada de la noche, se desenvolvía y dibujaba círculos absurdos e innecesarios por toda mi habitación. Las paredes de mi cuarto son blancas como la nieve, y el insecto café las surcaba sin timidez alguna; quería atraer mi atención visual, tal vez para no ser olvidado y ser descrito en estas perversas páginas, ahora transversalmente desleídas.

 La gama sombría de matices que moraba en sus alas, me recordaba lo infeliz que era. Me recordaba mi infancia en casa de la abuela, correr de forma provocativa para decir de cierta manera que existo. “Aquí estoy, idiotas, ¡no me olviden!”. El surcar sin ningún temor me provocaba cierta admiración y envidia, pero en la degradación oscura de su figura había un cierto reflejo de lo profundo de mi alma.

 Se dice que las palomillas se adaptan inmediatas al ambiente hostil de las ciudades: de las fábricas oscuras, del humo estéril y bien logrado. Generación tras generación degradan el color de sus alas, un proceso que los extraviados científicos han denominado melanismo industrial. Esta impulsiva transformación me recuerda tanto al desarrollo opaco de los hombres; un reflejo cercano de lo que seremos o, de alguna forma, lo que somos. Hombres sin tinte alguno.

 La captura fue rápida. Sólo dos movimientos: de un trapo viejo, y de mi imprudente mano, aún más vieja. Ya Darwin intuía de niño que los insectos procedían de alguna especie similar, un origen común para la diversidad de individuos. De grande aplico sus bienaventurados métodos para desentrañar sus macabras hipótesis infantiles. Todo lo que logro con base en la captura y sacrificio eventual de algunos especímenes.

 Decidí arrancarlo fuera de este universo pitagórico. Resolví mostrarme fiel a mi cordial perversidad  y arrojarlo a la laguna del olvido perpetuo. Arrancarle las alas antes de matarlo, mostrarle la certidumbre de los hombres amables. O tal vez era la envidia efímera de no poder volar adonde quiera y como yo quisiera, con surcados desfiguros —causa de estos actos nostálgicos llenos de olvido–. No lo sé, simplemente lo hago.

 Primero pensé en arrancarle la cabeza, pero recapitulé que algunas abejas suelen volar y rascarse durante largo tiempo después de ser delicadamente degolladas, esto es porque su cerebro inhibe y limita sus movimientos durante su corta vida, una programación restringida en la periferia de su supervivencia. Todo ello levantaba en mis longevos recuerdos muchas amistades que conocí. Sus mentes limitaban sus desplazamientos. Con el pasar de los años, me doy cuenta que debí despedazar la cabeza de esos camaradas. Ahora ya no puedo; mi mente no me limita, mi cuerpo sí. Con la polilla solucioné otra aptitud.

 El ala occidental de su cuerpo inútil ahora es tan mía como el universo. Al igual que Virgilio, me deleita abismalmente lo asimétrico; la desproporción placentera de otro individuo brinda un sortilegio que los alemanes, en un determinado siglo, experimentaron. Esa excitación tenue, ahora tan íntimamente mía, construía una serie de afirmaciones sobre lo que de joven no pude tantear.

 Son las 2:57 de la mañana y lo que señalará ese momento no es reloj, ni los dígitos, ni el hecho de saber la hora. Lo que marcará para siempre ese instante es esa posibilidad de que yo contemplara por un momento la totalidad cruel e íntima de mi yo sanguinario y dichoso con el cosmos, esa dialéctica encantadoramente cruel entre un yo y un él. Uno vive para que otro pueda sufrir, uno sufre para otro pueda vivir. No lo entiendo, nunca lo entenderé, pero ese delirio me encanta, y en ese instante siento la potencia tímida de mis manos clementes matando a un pequeño sujeto entre la confusión graciosa de este afortunado universo.

 Cada libro escribe sus propias páginas, cada insecto vuela bajo sus propios delirios. Tengo una siniestra fe en que la palomilla quisiera ser asesinada por mis manos piadosas, mis manos amables; su suicidio premeditado no tiene objeción alguna. Ahora dormiré accidentadamente tranquilo, sabiendo que fabricamos y tejemos lo exacto cada noche bajo la mirada de los sueños, y sobre estas provocativas y misteriosas coincidencias.

 La noche siguiente, otro aleteo conquista mi vigilia. Otra palomilla audaz, otro insecto inepto quería morir bajo la tutela de mi sombra, bajo los brazos fuertes de mi cuerpo viejo. Mi masa arcaica tan aferrada a este tiempo aún quería moldear la realidad, aún quería, deliberadamente, destruir a los seres que la componen.

 Quizás era el mismo insecto de anoche que se reintegró a este universo comprensible. Quizás fui yo quien regresó a la noche previa y, de algún modo, mi yo anterior se corrompió y fulminó como polvo ante el viento sombrío de este orden de espacio y tiempo. Entre todas estas justificadas cuestiones, una máxima llega a mi mente: Entre mi y mi, ¿qué diferencia existiría?

 Pienso, y tal vez Dios me juzgué con crueldad, pero la mejor forma de aprovechar el tiempo de otros es matarlos, herir su tranquilidad, transformar su estabilidad en un movimiento de homicidio vertical; llevarlos al límite del suspenso de otra posible realidad. Petrificaría a cualquier ser por el resto de mi vida, pero mi vitalidad es escasa y cada vez más tenue.

 Volví a atraparlo. Los titubeos se mostraron cada vez menores, la experiencia me enseñó que debes ser cruelmente rápido con los débiles, sin vacilar. Nuevamente le estrangule sus  delicadas alas, nuevamente me pongo a la disposición fiel de sus miembros desprendidos. ¡Ah!, qué maldita satisfacción. Todos deberían experimentar al menos una vez la sensación de ser despiadado.

 Algunas veces quisiera ser el personaje bueno de una película de ciencia ficción donde todo es tan definido: los buenos en blanco, los malos en negro. Todo tan tétricamente fácil, tan atractivamente estúpido. En lo sueños suelo ser un personaje bizarro con la anticipación de que ya sé a dónde voy, pero también reconozco que no me gusta recordar. Lo poco que se escribe en mi delgada memoria es que no consagro la dicha en los sueños. Me frustra no tener esas noticias ilustres de los sueños, o tenerlas en determinados instantes y por alguna extraña, necesidad olvidarlas.

 Lo maté otra vez. Otra noche volvió a aparecer y  volví a descuartizar su anatomía oscura. Pensará usted —y acertará seguramente, querido lector— que mi vida es tan vacía que me satisface ser el actor-verdugo de los insectos en esta realidad repetitiva, pero ahora mismo usted es el actor-lector de este auditorio cruel y repetitivo, así que juzgarme con anticipación sería contradictoriamente vago e inútil.

 Lo que procede a continuación quise escribirlo con el propósito, tal vez, de olvidarlo en letras, y que usted, de algún modo, al momento de leerlas, tome un poco de mi recuerdo personal, de mi íntimo olvido. Mi voluntad no es convencerlo de forma estéril o con la argumentación más elocuente y razonable de la que el cosmos pueda producir, sólo es revelar una profunda parte de mí en usted, sin prescribir nada, sin enseñar nada.

 Todo para mí ya es un viaje de vuelta, un retroceso en la desventura diaria; sin embargo, esta noche me sorprende la ruptura brutal de la costumbre recibida y bien arraigada. El universo onírico se tiñe de astros, y conquisto descifrar la sustancia prometedora de los sueños. Que otros odien y lloren por el mundo, argumentando que las sombras son perversas. Esta noche no, esta noche empaño mi onírico vuelo con adversidad y alegría, con mentira y ansiedad.

 Contemplo el ocaso de mis años, de la muchacha que tal vez quise y dejé ir, de sus labios perversos y provocadores. Una reveladora narcosis se encierra en un revoloteo arcaico, en un viejo y oculto aleteo. Me doy cuenta de lo idiota que fui y de los jubilosos instantes que entrelazan mi doble vida, mi duplo infinito de vigilia y sueño. Admito con resentimiento que en este vagabundo desvarío, mi rencor reconoce un espejo perpetuo, pues somos lo que siempre odiamos. Que las mariposas vuelen aunque nuestra semejanza sea una oscura polilla.

 Ahora estoy seguro de que cada insecto introvertido, cada mirada retraída, cada sueño no recordado, la pesadilla amarga de tu padre antes de que nacieras, cada gesticulación prolongada y malhumorada, cada rosa amarilla perdida en el desierto, cada vergonzoso atardecer que no tuviste, cada mujer no encontrada, cada mentira alargada —y tal vez desconocida—, cada risa tenue, cada conversación no dicha, cada ciencia —afortunadamente— no descubierta teje y desteje este universo inútil y bien adaptado como una polilla en medio de una trastornada noche, y que cada hombre será su propio insecto, cada hombre será el delirio de su propio sueño.

 Yo, simplemente seré mi propio antagonista perpetuo en esta celda de espacio y tiempo. Ese hombre me miraba con una envidia memorable…

 

Leonora Vallejo 

Especial Ghibli: Puedo Escuchar el Mar

Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.

 Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.

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 Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.

 Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.

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 También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.

El amor es un cadáver y ellos llevan la piel

Una mirada más de eterna despedida y se cerró la puerta tras de mí. Había empezado a abrirse entre nosotros el inmenso abismo de la separación.

William Wilkie Collins

5 luces se encienden, una pareja en el escenario: hombre y mujer, cada individuo ocupa un extremo. Se han unido para tener una última conversación, se escucharán pero van a separarse, no cambiarán la decisión, es inevitable. Será una auténtica Clausura del amor, acción que da título a esta obra de Pascal Rambert dirigida por Hugo Arrevillaga, presentándose en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural Del Bosque.

 Si la puesta en escena es dirigida por Hugo Arrevillaga hay altas probabilidades (si no es que totales) de que sea capaz de mover las fibras más sensibles de quien se acerque. Esta vez no es la excepción. Lo que se nos ofrece es una historia acerca del quebranto, desgarrar en dos partes una vida para abrir paso a un final, el final del amor.

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 El texto de Rambert presenta a una pareja que se ha disminuido y llegan ahora al punto de la despedida. El hombre comienza su discurso con palabras que atacan con coraje y fuerza, dando manotazos al aire, desesperado por expresar la necesidad de verse libre de las ataduras de una relación que en un momento lo fue todo y ahora deja solo hartazgo.

 La mujer atenderá paciente, tratando de no quebrarse ante la mirada del que fuera la razón de su vida, hasta que el turno de hablar llegue, tras haber recibido los ataques de una batalla que arranca pedazos de ambos. Ella no cederá su interioridad, responderá con una contrariedad absoluta luchando por recobrar su intimidad. Ambos se saben frágiles, se han conocido, disfrutado, empero son humanos y al cerrar un ciclo los seres humanos hacen esto.

 Así, el público se ve expuesto a una descarga de sentimientos impresionante que materializa el término del amor. El autor busca exteriorizar la importancia de reconocer al otro a través del rompimiento de la unión, adentrándose en las figura de la pareja para dejar la duda de si es el amor mismo quien arrasa con la integridad de los seres que se confían a él, o la propia acción de relacionarse como inevitable acto de la naturaleza gregaria.

 Luego se pueden tener varias opciones para verse afectado por el montaje: la primera es -irremediablemente- identificarse dentro del conflicto, partiendo de la experiencia propia o cercana del derrumbe de la estructura que da cobijo a los amantes. Encontrar que esa gama de emociones vertida enfrente ha sido de nuestra propia experimentación. 

 La segunda es tal vez más compleja, ya que consiste en conectar con  el entendimiento de los seres de la historia que se nos está contando, identificarlos como personajes comunes de la sociedad, humanizarlos y entonces ser empáticos a su sentir. Abrirse al simbolismo y violencia que acarrea en sí misma la idea del amor. ¿Cómo serán sus vidas frente al vacío que comenzará a abrirse paso entre ellos mismos para demostrar que nunca se podrán olvidar, pues han dejado más que solo personas, objetos y situaciones en común? Su esencia en el otro está y no la podrán desvanecer jamás.

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 Arrevillaga quita toda sombra y deja claro el panorama, volviendo directo el horror con movimientos coreográficos fuertes y sutiles, acompañados de inserciones suaves de un sonido que incrementa la tensión. Sus actores nunca se tocan, se clavan estocadas constantes una tras otra y se derriban en el limpio espacio escénico con nada más que la fuerza de la semántica, logrando ejecutar entonces uno de los retos de dirección más notables de esta temporada al transmitir lo accidental del amor enteramente a la audiencia.

 Arcelia Ramírez y Antón Araiza serán los encargados de interpretar este intercambio, inmersos hasta el cuello en un vertiginoso tour de force, que demuestra la calidad actoral de ambos al crear un trabajo franco, apasionado, honesto, enternecedor y catártico.

 Antón conduce ferozmente su monólogo, adentrándose con delicadeza en los restos resquebrajados de lo que pudo ser, mientras que Arcelia hace de la inmovilidad de su espera un espejo de la brutalidad del discurso de su acompañante, para alzarse demoledora después creando imágenes auténticas e impactantes. La química de ambos es absoluta, todo lo que resta es belleza y lágrimas emergentes.

 El mundo es presa de este sentimiento. ¡Nos urge hablar del amor!, no vayamos más lejos de su ausencia en el noticiario de esta mañana.

Esta puesta es contestataria a la idea de que aun dejando la sangre en el suelo, el futuro es una esperanza para poder reconstruir lo que se ha demolido, desde dentro para exteriorizarlo.

 La potencia de la dramaturgia se funde con el genio de Arrevillaga, en amalgama con el talento de Ramírez y Araiza. Que sea imperdible vivir esta experiencia es hablar de más, queda implícito. Permitirse es necesidad. Hay que atender los temas del amor, o lamentar el ser ajenos.

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Sueños rosas, realidades mexicanas

“A los ídolos no hay que tocarlos: se queda el dorado en las manos.”

Gustave Flaubert

Rosa Mexicano, drama original del siempre contrastante Luis Ayhllón (La extinción de los dinosaurios), llega  debutante y flamante a la cartelera mexicana bajo la dirección de Martín Acosta, dispuesta a apoderarse de los fines de semana del Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque hasta noviembre.

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 Aquí hay una propuesta bastante cruda, envolvente, fiera y fuerte. Esta es la historia de una mujer que despierta en la oscuridad del bosque, rodeada de la nocturna atmósfera donde emergen varios personajes con aptitudes fantásticas y mágicas que ponen a prueba la veracidad de la realidad. Ella solo quiere llegar a la ciudad para volver a casa. Al tiempo, la historia de la misma mujer, una adolescente que espera paciente afuera de la más grande televisora del país para conocer a su actor favorito, hasta el día en que conoce a un productor que le promete presentarle al galán en cuestión. ¿Cómo ambas estancias extremas podrán hallar conexión?

 Comenzando por la calidad dramática que el autor propone, dónde las metáforas danzan al ritmo de la fantasía y los hechos de crítica social contemporánea rompen con toda alegoría, esta es una obra cautivadora, estremecedora y hasta tétrica.

 Ayhllón no teme en usar todas las figuras que brotan de su mente para reflejar una cruel panorámica del star system residente en nuestro país, bajo el influjo televisivo. El autor monta situaciones llenas de cotidianeidad que aterran por su esencia al saberse ciertas. La fragilidad de una adolescente siendo tergiversada por una persona con poder que le promete maravillas a cambio de la entrega carnal; La tragedia deviene y frente a esto la mente exige formar otra historia que satisfaga más sus necesidades, aunque ya sea vano cualquier ejercicio para borrar los hechos.

 Para fortuna del producto, Martín Acosta entiende a la perfección la narración del autor, que se construye por  partes sin unión constante y las va poniendo sobre la mesa a un ritmo creciente y con tiento. Acosta encierra en una habitación  con muchas puertas a la soñadora y al sueño color rosa, intenso, rosa mexicano vaya. Es la misma tonalidad de la ensoñación la que indica que el viaje será encendido, cargado de emociones violentas y pasionales que se presentan ante el espectador con enigmas incomprensibles, los cuales al armarse en total develan una situación que deja caer la quijada en un silencio sepulcral.

 La puesta se antoja compleja e inteligente, resultando ambas al final. Empero, no hay insinuaciones pretenciosas para decirle al público que necesita una capacidad de análisis ejercitada para llevarle el paso a la acción, al contrario, el director cuida los balances para permitirle al respetable apreciar cada detalle y gozarlo. Enmarca los giros en la trama tensando más el arco dramático y libera tensiones con  solidez inmediata.

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 Un discurso que exige dejar de dar validez a los falsos iconos, notar la corrupción y confrontar la integridad tanto de la ética como de la moral, teniendo raciocinio sobre los grupos vulnerables, apoyando una formación crítica que forje individuos, no blancos de tiro.

 Precisamente lo anterior engloba la importancia de este montaje. Vivimos una actualidad tan violenta que se ha vuelto costumbre para cualquier nivel social. No es permisible tachar como usual un atropello humanitario. Así este título se suma a otras producciones tan exponenciales como Medea Material en pos de encender antorcha, al menos dentro de cada mente.

 Rodrigo Virago, Francisco Cardoso y la siempre genial Aída López acompañan a Gimena Gómez como la protagonista de esta historia. Un elenco homogéneo, dónde cada actor luce en el rango que se le delimita, permitiendo además que Gómez se alce con una interpretación precisa y enternecedora, tan emblemática sin duda para su carrera como su Dora en Feliz Nuevo Siglo Doktor Freud.

 No se puede ver solo una vez este montaje, es un producto que se tarda en digerir y necesita bastante atención. Hay  influencias de A Través De El Espejo, Mullholland Drive y hasta Dancer In The Dark, pero lo impactante, es la influencia de la contemporaneidad mexicana. Imperdible.

El principio del displacer

Qué delicia dormir en tu pecho.
Qué callada sensación despertar en tus brazos,
rosado y tibio por la luz del alba…

Desearía pensar que, cuando estoy contigo,
nada me lastima. Pero pronto me conmuevo y lloro,
porque te amo hasta la tortura:
me extraes los dientes sin anestesia,
amputas mis gónadas con un abrecartas,
pones un bozal en mi hocico para que no pueda quejarme.
Saqueas mi cráneo
para que no deba dejarte…

Como bailarina manca de caja musical,
girando en una pequeña órbita oxidada:
así estoy siendo por ti…
Daños irreversibles me produces.
Mírame adherido a este hábitat disfuncional.
¿Acaso estamos así de separados?

Todo el amor que a ti disparo en defensa propia,
de tu pecho resbala,
indiferente a mi celo y mi capricho.

Orgulloso plancho tus camisas
humedecidas con mis lágrimas,
enjuago tus pies con mis lágrimas,
sacio todos tus impulsos naturales de hombre:
esos que te empujan a penetrar y desgarrar…
No te pido nada a cambio;
sólo mirarte mirarme de vez en cuando.

¿Cómo puedes después hacerme a un lado tan así,
como a cabello caído junto al desagüe?

Dime qué sentir.

De: Rondas con los ornitorrincos de la crónica

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Leía un texto de Juan Villoro que cayó a mis manos, básicamente de disertaciones sobre la crónica, me resultó interesantísimo y decido entonces traerlo a colación. Al respecto del nombre que Alfonso Reyes concede al ensayo: “El centauro de los géneros” decide  Villloro nombrar a ésta “El ornitorrinco de la prosa”. Nos habla de las necesidades que de los otros géneros tiene, resumiendo en sus palabras:

De la novela, la condición subjetiva; del reportaje, los datos inmodificables; del cuento, el sentido dramático en espacio corto; de la entrevista, los diálogos y del teatro moderno, la forma de montarlos, del teatro grecolatino, la polifonía de testigos; del ensayo, la posibilidad de argumentar; de la autobiografía, el tono memorioso y la reelaboración en primera persona.

 Precisa que las influencias que sufre pueden ser llevadas a más y que justo en el equilibrio de no caer en uno con más fuerza que en todos los otros radica su existencia.

 Enfrenta la necesidad del uso de la imparcialidad y de la ficción para (cosa rara) entregar credibilidad al texto y por supuesto, ganas de continuar sobre las letras que le conforman, entonces si el texto fuera pura y llanamente el hecho, lo llamado la verdad aunque se sabe imposible por ser relativa, pero digamos pues, lo más apegado posible sin especulaciones, inclinaciones, aproximaciones, juicios de valor emitido, etcétera, no resultaría interesante, ni entretenida, al final el objetivo no se cumple, requiere del elemento.

 Entonces luego, existiendo la diferencia a tiempos  remotos entre los escritores y los periodistas, es decir con los que romancean con la verdad y con los que romancean con la otra verdad que nace de lo no verificable, de la posibilidad, creen los  unos  y los otros que se está mejor del otro lado, entonces así, escritores terminan escribiendo para periódicos por tener un cheque que les permita seguir con la narrativa. Se cuenta una anécdota en que el escritor que llega a su recién adquirido empleo como periodista y ve a la máquina de escribir como una suerte de pequeño ataúd donde quedarán sepultados sus ímpetus de escritor novato, y los otros por el prestigio, por lo que no se atreverán (en la mayoría de los casos) a tocar.

 Luego está la otra idea, de que los periodistas son, en realidad escritores frustrados, que no habiendo nacido con talento, ni con posibilidad de desarrollar, pese a los intentos la habilidad necesaria para la narrativa, terminan de periodistas escribiendo hechos crudos, sin la necesidad de desarrollar desde la imaginación y creatividad la trama, que es sencillamente, en sus casos, arrojada por la vida.

 En uno u otro caso se dice que no se debe servir a dos amos, y que la una sepulta la creatividad para la otra o que la otra genera imposibilidad para la primera, la verdad, claro, es relativa, es todo escribir al final, es la posibilidad de regodearse y de cruzar con habilidad y no con imprudencia y temeridad por las distintas posibilidades, ¿Que tal un escritor “todo terreno”?.