Especial Ghibli: La Colina de las Amapolas

Finalmente hemos llegado a la última parte de este especial sobre las grandes obras del Studio Ghibli. En esta ocasión hablaré sobre la penúltima película que ha llegado a nuestro país, la última es una de la cual ya hablé con anterioridad y cuya nota pueden leer aquí.

 Volviendo al tema, en el 2011 Goro Miyazaki volvió a sentarse en la silla del director, esta vez con una película un tanto menos fantástica en tema, pero más grandiosa en profundidad. La cinta en cuestión es La Colina de las Amapolas (Kokuriko-zaka kar, 2011) , una cinta de romance que nos relata la travesía de un par de jóvenes. Por un lado tenemos a Umi, una jovencita que vive con su abuela y sus hermanos en una casa de huéspedes y cuyo padre falleció tiempo atrás en el mar. Por otro lado está Shun, un muchacho que vive en el puerto y que colabora en el periódico escolar.

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 Cuando Umi y Shun se conocen rápidamente da inicio una relación en un principio conflictiva, pero poco a poco se vuelve amistad y (adivinaron) amor al final. No obstante, la tierna historia romántica de ambos se ve nublada por la decisión de los adultos de destruir la adorada casa de los clubes donde Shun trabaja, por lo que deberán unir fuerzas con sus amigos para salvar ese recinto tan importante para todos los estudiantes. Así mismo, una desgarradora revelación pondrá el amor de estos chicos en una situación que podría arruinarlo totalmente.

 Quizá es la única película de Ghibli que no maneja temas de fantasía en ningún sentido, ni en forma de sueño, sin embargo es una de las películas más entrañables de estudio con una historia de amor que es lo suficientemente emotiva para aquellos románticos empedernidos, pero sin caer en el abismo de lo cursi o exagerado. La animación y el diseño de arte son igual de perfectos que todas las cintas anteriores y al terminar la cinta nos podemos dar cuenta del enorme avance que el hijo Miyazaki logró en su segundo trabajo como director.

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 Quizá el punto débil de la cinta es su parecido con otras películas de Ghibli (sí, hablamos de ti, Susurros del Corazón), lo que nos hace pensar que vimos la misma historia en otra versión y por definición terminamos comparándola. Y aunque efectivamente hay muchas similitudes y esta nueva cinta no llega al nivel de la antes mencionada, nadie puede negar que se trata de un producto no de gran, sino de enorme calidad en todo sentido.

 La magia en esta versión además de la maravillosa ambientación de un Japón en épocas pasadas, es el fuerte lazo que crea el espectador con los personajes. Todo está tan bien logrado que uno puede identificarse con ellos, sentirse parte del grupo de alumnos e incluso añorar visitar esa hermosa (aunque muy destartalada) casa de clubes. Pocas cintas logran este lazo con el público y Ghibli era un estudio que definitivamente podía hacerlo. De esta manera nos quedamos con enormes expectativas de lo que Goro puede aportar a la animación y nos mantiene expectantes a las dos películas hechas por Ghibli que faltan por llegar a México, y desde luego, la noticia de que el estudio ha vuelto a abrir sus puertas.

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 Luego de todo este especial de cine de animé, que en mi humilde opinión es arte puro, sólo me resta decirles que si no han visto por lo menos una película que tenga este nombre adornando su portada, se están perdiendo de mucho. Studio Ghibli, una verdadera fábrica de sueños para chicos y grandes, hombres y mujeres, orientales y occidentales.

Sobre la paz prometida al pasar el temporal

“NO PUEDES ENCONTRAR LA PAZ AL EVADIR LA VIDA”

Virginia Woolf

Siempre he pensado que el verdadero teatro debe ser capaz de acercarse a las raíces griegas que tenían como meta principal la catarsis. No sentencio que todo el teatro deba tener esta intención, pero sí debe de pasar en algún momento por dicho paraje. Encontrar al espectador aunque sea en una línea, gesto, o tono que lo ubique como parte de y facilite la experiencia teatral al conectar en pleno. Por supuesto, no todas las obras son para todos los públicos, los textos son diferentes, las visiones de la dirección, etc. Pero si acarician ese aspecto, entonces tendrán una calidad asegurada.

 En su cuarta temporada, Nuevas directrices para los tiempos de paz, despide el año los martes en Centro Cultural Carretera 45. Escrita por Bosco Brasil, dirigida por Gabriel Figueroa Pacheco, la obra se monta en un contexto histórico actual que la vuelve no solo importante, sino además franca. Necesaria y cruda.

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 1945, Brasil. La segunda guerra mundial ha terminado. Un inmigrante Polaco aguarda en la oficina del encargado de los asuntos migratorios para poder obtener la preciada oportunidad de una residencia. Comenzar de nuevo en un país nuevo del cual conoce únicamente el idioma junto al oficio al que busca consagrarse, la agricultura. Sin embargo, antes será necesario pasar por el cruel e indolente interrogatorio del agente, quien buscará tentar el temple del individuo, que era actor en su país natal, recordándole aquello que ha vivido. El teatro será la principal arma para quemar las naves, entre las cuales está la de la memoria. 

 Bosco Brasil explora con una efectividad magistral los horrores de la guerra en un argumento que lejos de rodear lugares comunes que asienten la brutalidad de los actos, pretende definir a la esperanza de un futuro mejor como la salida idónea ante los desperfectos mundanos. En los personajes del autor se define una incredulidad que se demuestra a través de la descalificación a través de las circunstancias reales.

 Perfilados están la víctima y el victimario, sin embargo el autor propone cambiar los roles acercando como responsables a factores externos, dejando a ambos seres en la desnudez de cada historia tratando de esquivar el dolor y la maldad de sus propios actos, tan solo para chocar violentamente con las del mundo. A través de un llanto honesto critica la ambición consumista de los sentimientos impuros. La sociedad será una hoguera que devora la paz, la tolerancia, se aviva.

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“casi me olvidaba de la guerra, casi me olvidaba de la maldad”

 Ante la sensibilidad del texto, la dirección de Gabriel Figueroa apuntala sencillez en todo elemento de producción para explotar la voz de los parlamentos en sus actores. Rescata la idea de que las palabras carecen de sentido si no conllevan la verdad, acentuando la fatal condición de la libertad como atadura principal de la libertad sobre un escenario de atmósfera oscura prácticamente limpia de principio a fin.

 Cuando la pausada coreografía retrata la utilidad de la vida, queda por sentado que solo es necesario conocer la misma para saber que es útil, porque crea acciones que permitirán el desarrollo de quienes la viven, el cual será escuela para las generaciones que procedan ya sea por sus logros o por sus errores. Conecta de nuevo con el autor, la promesa de la esperanza existe.

 Más al desarrollarse el producto, no es la monstruosa serie de atrocidades que aquellos que vivieron e hicieron la guerra ejecutaron o presenciaron la que hiere, conmueve e indigna, sino la  cercanía a la realidad de nuestro México. La temible actualidad en la cual los problemas se solventan con violencia, represión; en dónde la gente no participa hasta que se ve afectada, entre aquellos que protestan argumentados  en contra y se estrellan frente al estado opresor.

 Catarsis es purificar mediante compasión y el miedo en pleno. Lo mismo aquí, el relato se transforma dejando ver la necesidad de unificación social teniendo como antorcha la petición del cese a la tortura, a la mutilación de la humanidad en su condición. No es pretensión. Es un reclamo orgánico.

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 Los dos actores convocados ejecutan con delicada precisión esta labor. Un justo  José Antonio Falconi, medido  en su accionamiento se adhiere a la esencia del funcionario de inmigración que antes de ocupar tal labor tuviera que obedecer ante la empresa bélica en el papel de torturador. Permite descubrir los claroscuros con un trabajo sólido, empero, es en su trabajo como traductor dónde realmente brilla al generar un texto de fácil acceso y recepción que conserve sus tintes de origen.

 Hay una presencia equilibrada entre la dulzura y la desesperación que imprime Julien Le Gargasson a su actuación desde el momento en que pone un pie en el escenario. Poéticamente traza una ruta emocional genial que trasciende apresuradamente. El actor logra que una simple mirada encierre la belleza de la desolación de su alma, ganándose totalmente al público que adopta al polaco afectado por la guerra, dándole un cobijo acertado.

 Inexplicable, efímero, vital. Son solo adjetivos breves que no alcanzan a describir ni una parte mínima de lo que es el teatro, aquí es un espejo invitante y violento al reflejo, pero acciona al que haga uso del mismo, da impulso a la justicia marcando efectivamente nuevas directrices para los tiempos de paz, solo falta seguir el camino.

La magia de El Cascanueces vuelve al Auditorio Nacional

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En esta temporada navideña, El Cascanueces llega a la Ciudad de México del 18 al 21 de diciembre para presentar su 34 temporada en el Auditorio Nacional, en la cual participarán más de 70 bailarines, 80 músicos, 50 niños y jóvenes y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, dirigida por Juan Carlos Lomónaco.

 En esta ocasión, el elenco incluirá a los cinco primeros bailarines de la Compañía Nacional de Danza: Agustina Galizzi, Ana Elisa Mena, Mayuko Nihei, Blanca Ríos y Erick Rodríguez, así como Elisa Ramos, la primera solista egresada de la Escuela Nacional De Danza Clásica y Contemporánea del INBA, quien alternará con Mahaimiti Acosta en el papel de Clara.

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El Cascanueces es un cuento escrito por Hoffmann en 1816 y compuestos por el gran Tchaikovsky, que cuenta la historia de los hermanos, Clara y Fritz. El día de navidad el padrino de Clara, Drosselmayer, le regala  tres cajas con tres regalos diferentes: Un Arlequín, una Colombina y un gran Cascanueces. Su hermano, celoso, rompe el Cascanueces. El sobrino de Drosselmayer repara el juguete y se lo entrega a la niña. Durante la noche ella se levanta a ver el Cascanueces, lo abraza y entonces…todo crece y crea vida a su alrededor, llevándola a un mundo mágico.

 El Cascanueces está a cargo de la Compañía Nacional de Danza del INBA y se ha convertido en una de las representaciones de ballet más importantes del mundo, ya que brinda a chicos y grandes la oportunidad de acercarse a la danza  y apreciar el trabajo de los bailarines.


Los precios van de $230 a $550, compra tus boletos en Ticketmaster

Promociones: jueves de 2 x 1 y viernes paquete familiar, (4 boletos a precio de 3)

“Fábulas pánicas”, de Alejandro Jodorowsky

Recientemente hablaba acerca de “Cuentos mágicos y del intramundo” del autor chileno, Alejandro Jodorowsky, y de su afán repetitivo; me vino entonces la irrenunciable idea de escribir de las fábulas pánicas por referencia, porque sin duda son de lo mejor del creador, sin poner al título telas de juicio. Son las fábulas pánicas de lo mejor que ha hecho y ahora objeto de culto en la era del internet del que tan difícilmente nos desprendemos.

 gragrofesLas fábulas pánicas fueron elaboradas por Jodorowsky para El Heraldo, siendo él quien pidió a Luis Spota –que en aquellos tiempos era director del suplemento cultural del periódico– un espacio para lanzar una serie de fábulas bajo un modelo del que conocía bien el potencial. Así, el proyecto que en principio abarcaría sólo tres meses, de tanto portento, se extendió seis años y medio, abarcando esto el periodo de  1967 a 1973. Las fábulas siguen la premisa planteada posteriormente por Jodorowsky de “arte para sanar”. En un principio eran una sólo suerte de denuncia social.

 La relación que guardan con ilustraciones que permanecen en la mente, lenguajes simbólicos bien orientados, diálogos simples, moralejas precisas, historias iniciáticas hacen de las aclamadas “fábulas pánicas” un auténtico objeto de culto. Contienen un universo hermoso que desde la inteligencia enseñan, digo que lo conocí de muy niño y que eran mi libro infntil y hasta este día de mi existencia de cuando en cuando les encuentro relación con hechos de la vida que van aconteciendo, sin lugar a dudas son intensamente profundas y por favor, altamente recomendadas para niños

 En su gran mayoría encontramos al maestro y al aprendiz, Jodorowsky de principio era éste último y a medida que avanza, se transforma y cambia como ser humano  pasa gradualmente en el papel, a ocupar el  lado del maestro. Al respecto, el creador dijo que la gente comenzó a reconocerlo como tal y el sólo tuvo que asumirse, aunque se consideraría un aprendiz eterno, sólo que ahora era más un aprendiz secreto.

 También es interesante el hecho de que Jodorowsky se interna en la obra que crea, como Jehová que crea un mundo y en forma del Cristo, se interna en él y se recrea en la experiencia.

 Las 342 fábulas pánicas fueron recogidas por Grijalbo y publicadas en una edición más o menos buena a la que se le desprenden las hojas y en la que algunas letras no se hacen visibles por el color recargadísimo de los fondos, pero es fácil de adquirir en librerías grandes y corre con la ventaja de tenerlas todas.

 Sin duda hay que permitir la entrada a éste universo creado por Jodorowsky porque de él se puede salir todo, menos indiferente…

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Alta costura y adicciones en una imagen: Heroin Chic

Recientemente me encontré con un proyecto bastante interesante, que he visto circular por diversos medios digitales tanto de arte como de moda, llamado “Downtown Divas” realizado por Loral Amir y Gigi Ben Artzi, artistas de no más de 22 años que se atrevieron a plasmar a las verdaderas “Heroin Chics” mujeres con mucho más estupefacientes y menos glamur que las de las pasarelas.

 "Downtown Divas"Esta tendencia se refiere a un look enfermizo: excesiva delgadez, caderas y clavículas huesudas, ojos vidriosos, grandes ojeras amoratadas, cabello sucio, desparpajado, piel pálida y poco o nulo maquillaje precisamente similar al de una adicta. Dicha imagen fue un modelo a seguir en los años 90, y tuvo como  portavoces a las súper modelos Kate Moss y Jamie King.

 Las modelos utilizadas por Loral y Gigi fueron prostitutas heroinómanas rusas que fueron retratadas como si se tratase de una sesión de revista de moda, las cuales vistieron prendas de alta costura de Alexander Wang, Louis Vuitton y Miu Miu.

 No solo fueron fotografiadas también fueron grabadas en un breve video en el que platicaron con ellas acerca de que hacían antes de consumir, cuáles eran sus sueños, aspiraciones e incluso quien fue el amor de su vida, mostrando que tienen los mismos deseos y sensibilidad como tú o como yo, pero que constantemente son señaladas y vistas como parias de la sociedad, a fin de cuentas no se trata de estigmatizarlas más, sino precisamente mostrarlas como los seres humanos que son y de paso criticar los estándares de la industria de la moda.

 Bien sabemos que los cánones de moda no siempre son los mejores ejemplos a seguir, sin embargo ¿qué hizo que las “Heroin Chics”  del lado glamuroso se volvieran todo un icono? El principal componente para el éxito de este look fue el cinismo con el que fueron presentados hombres y mujeres con problemas de adicciones respaldados por las grandes firmas.

Jamie King

 En gran medida debido a que el uso de heroína, cocaína o cualquier tipo de estupefaciente ya no solo era propio de la clase baja sino que fue un hábito rápidamente adoptado por la clase alta incluso considerado “chic” (de ahí el término “Heroin Chic”).

 Fue una tendencia sumamente criticada que no duro mucho por la mala imagen que vendía y por la muerte de Davide Sorrenti (novio de Jamie King) fotógrafo de moda que murió por problemas de salud agravados por el consumo de heroína y porqué la mismísima Anna Wintour (editora jefe de la edición norteamericana de la revista Vogue) dijo basta: “La ausencia de maquillaje y el pelo sucio no es lo que Leonard Lauder quiere ver” (en alusión al presidente de Esteé Lauder y anunciante de peso en la prensa de moda).

 Concluida así la etapa de las “anti-modelos” quedó al descubierto el hecho de que no importa la clase de imagen que se venda al público, sino que tanto la consume y al final el duro contraste entre el mundo de las “Heroin Chics” y las “Downtown Divas”.

Kate Moss Downtown Divas from LA on Vimeo.

El almacén de la imagen: erotismo en la obra de Saudek

Una de las cosas que más sorprendente de la fotografía es su capacidad de transmitir un mensaje en tan solo un instante, la manera en la que el mensaje visual es registrado en la mente humana de manera incluso inconsciente. Sin duda alguna, la belleza de la fotografía radica en la oportunidad que brinda de entender ideas, conceptos y generar sensaciones con tan solo observarla.

Blue angels, 1993
Jan Saudek, Blue angels.

 La primera vez que vi el trabajo de Jan Saudek, en un libro que llegó a mis manos, me pareció que era algo realmente crudo y grotesco, pues todas las fotografías mostraban temas inapropiados, contenidos que transgredían el orden y la norma establecida, aquello que es socialmente aceptado. En cuanto cerré el libro olvidé la relación entre el nombre del fotógrafo con las imágenes, pero no la relación entre las imágenes y las sensaciones que me provocaron. Meses más tarde volví al trabajo de Saudek y las sensaciones que tuve al observar su fotografía volvieron a ser las mismas en una especie de deja vú. Confusión, morbo y fascinación: sensaciones contradictorias que se unían en un coctel emocional indescriptible. La transgresión en el tema de sus fotografías es algo tan inusual y extravagante que termina emanando belleza y convirtiéndose visual y sensitivamente en algo sublime.

 Jan Saudek (1935) es un fotógrafo checoslovaco, nacido en Praga, ahora Republica Checa, que se caracteriza por crear escenas en las que se involucra el erotismo de un modo que cae en lo vulgar y, sin duda alguna, es lo grotesco. Saudek estudió en la escuela de fotografía Industrial de Praga de 1950 a 1952. A partir de ese año comenzó a ser aprendiz de fotógrafo y trabajó en una tienda de impresión fotográfica hasta 1983. Al mismo tiempo siguió experimentando con la fotografía siendo influenciado, según comenta, por el catálogo de la exposición Family of man curada por el fotógrafo Edward Steichen, en el MOMA (Museum o Modern Art, NY). Durante este periodo, Saudek fue fotógrafo freelance y en  1990 el Ministerio de Cultura de Francia lo nombró caballero de las Artes y las Letras.

 En la fotografía se puede encontrar a dos tipos de fotógrafos: los que buscan la escena y capturan el tiempo y el espacio en una o varias imágenes y los que crean escenas en las que la realidad y la imaginación logran fusionarse. Saudek es de esos fotógrafos que crean su obra a través de la teatralización, el uso de fondos y personajes, es decir, a través de la puesta en escena.

 En el trabajo de Jan Saudek puede verse la transgresión en cuanto a lo erótico. En este sentido esta transgresión a lo que es permisible en lo erótico resulta espantoso e indecente, pues como George Bataille afirma, en el tabú en principio no se impone la inteligencia, sino la sensibilidad y bajo el impacto de la emoción negativa debemos obedecer a la prohibición. Se puede decir entonces que la prohibición existe con el objetivo de quitar el carácter más animal al ser humano, para imponer la inteligencia y la razón sobre las sensaciones y sobre aquello que es irracional. La fotografía de Saudek transgrede o sobrepasa esa línea, en la que muestra un erotismo más cerca de lo animal en el que las expresiones denotan muchas veces miedo y en el que las posturas expresan agresión.

Jan Saudek, The kiss.
Jan Saudek, The kiss.

 Jan Saudek suele mostrar mujeres voluptuosas, desnudas que se encuentran en posiciones eróticas; la mayoría de ellas no encaja en el modelo de belleza femenina impuesto por los medios del siglo XX. El espacio en el que se desarrollan las escenas es normalmente privado, en el que las paredes y las telas sobrepuestas forman un atrezzo ideal para mostrarse al desnudo. Así pues, se puede ver una fotografía que lleva por nombre “The kiss”, en la que se muestra a una pareja dándose sexo oral, besándose y mas que besándose comiéndose, devorándose hasta que sus cuerpos se vuelven uno solo formando una figura en la que se ven cuerpos al desnudo: músculos y piel que remiten al mundo sensorial y tangible que puede ser transgredido por medio del acto sexual. No sólo eso, la fotografía en sepia refuerza la idea erótica dejando escapar un ápice de tela de color rojo.

 Aparecen mujeres amamantando a otras mujeres, a hombres viejos, a las hijas que a pesar de ser adultas siguen necesitando de la leche materna. El cuerpo se vuelve el eje principal de la obra de este fotógrafo, y el erotismo cobra forma a través de su contemplación. El erotismo de los cuerpos, menciona George Bataille, tiene de todas maneras algo pesado, algo siniestro. Queda entonces observar que la transgresión sobre el cuerpo transformado en objeto erótico puede generar repulsión y rechazo, sobre todo cuando hasta las pasiones más bajas, las actitudes más naturales y primitivas y el mundo de las sensaciones queda por encima de la razón.

Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, Mother and her children, 2003.
Jan Saudek, The fly
Jan Saudek, The fly
Jean Saudek, The slavic girl with her father
Jan Saudek, The slavic girl with her father

Layout: Gloomyland, la sonrisa de un recuerdo de infancia

Gloomyland

Se acerca vertiginosamente la Navidad y es inevitable pensar en el árbol adornado con luces, esferas, listones y todo tipo de figuritas eclécticas; en los regalos y los alimentos que se comparten en familia, los cuales pueden volverse memorables por ser horrendos o placenteros, o tal vez en los niños que están a nuestro alrededor y que nos hacen recordar al niño que fuimos, lleno de expectativas por los obsequios que recibiríamos. Este mismo efecto de añoranza es el que se vive con Gloomyland.

Gloomyland nace de la mente de Tania, quien se niega a dejar morir su niña interior y la nutre a diario creando personajes que alegren a la gente y sobre todo que les recuerde su niñez o a sus mejores amigos…

Cerdito by Gloomyland

 Un ejercito de pequeñas figuritas desplegadas en una mesa de bazar sorprende con sus caritas tiernas, ojitos de un color sólido y brillante, estambres en una gama clara si se trata de animalitos o de un verde muy brillante si son cactus que están sembrados en una diminuta maceta de plástico.

Es un mundo donde todo puede hacerse de estambre, con el objetivo de hacerte sonreír y recordar tu niñez…

 Por más de dos años Tania Labastida Mendoza ha creado estas figuritas que teje de manera artesanal y aunque el tiempo y las circunstancias le han permitido desarrollarse profesionalmente como marca independiente obteniendo un ingreso, también ha trabajado muy duro para llegar a donde está.

Colección de perritos by Gloomyland

 Tania estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño, lo que anteriormente se conocía como Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM; incursionó en la fotografía, serigrafía, huecograbado y litografía pero su afición por todo lo relacionado con el art toy la llevó a experimentar con el crochet, técnica de tejido que aprendió de su abuelita, gracias a lo cual, y yendo más allá de lo convencional, es que comenzó a crear los personajes de Gloomyland.

Admiro a Twinkie Chan y a muchos ilustradores, creo que en el fondo soy una ilustradora de closet o me gustaría serlo; ahorita mis favoritos son Cars & Telephones…

 Su proceso creativo surge a partir de una idea, la cual visualiza con los colores, la plasma en papel para después pensar en los materiales que va ha necesitar. La parte más divertida comenta, es llevar a cabo el prototipo, ya que experimenta con las puntadas que utilizará al tejer, las cuales usará para cubrir la estructura previamente planeada.

Cactus by Gloomyland

Nunca, al menos que yo recuerde queda a la primera, así que a destejer y tejer hasta que vaya agarrando la forma que quiero y después a anotarlo para tener el patrón y que las piezas subsecuentes sean lo más parecidas ya que al ser hechas a mano siempre quedan diferentes…

 Tania encontró en los bazares de diseño y arte una plataforma para darse a conocer, ha participado en bastantes donde ha vendido muchos personajes de Gloomyland; sin embargo, nota que lamentablemente no todos los expositores promueven productos originales, ni siquiera productos hechos en México, sino importados de China, lo cual deja mucho que desear de los organizadores que están detrás de los bazares donde participan.

Unicornio by Gloomyland

 Glomyland de Tania Labastida estará presente en Liebre Libre Bazar los días 19, 20 y 21 de diciembre, ubicado en Bolívar No. 8,  a unos metros de la estación Allende de la línea 2 del metro (color azul), en el Centro Histórico de la Ciudad de México, si tienes vacaciones o no piensas salir de la ciudad es una buena oportunidad para conocerla y llevarte un amigurumi

 

Especial Ghibli: El Mundo Secreto de Arrietty

En el 2010, el Studio Ghibli nos impactó de nueva cuenta con una gran producción, esta vez tampoco bajo la dirección de Hayao Miyazaki. Basada en la novela de fantasía “Los Incurtores” de Mary Norton, el estudio llevó a cabo la realización de la cinta El Mundo Secreto de Arrietty (Karigurashi no Arietty, 2010) bajo la dirección de, en ese entonces novato, Hiromasa Yonebayashi y cuya labor con esta película le otorgó un lugar importante en el estudio, recientemente terminó su segunda obra, la cual aún no ha llegado a nuestro país.

 La película trata sobre un muchacho enfermizo de nombre Shaw que visita la casa de una tía en el campo con la esperanza de mejorar su salud y prepararse para una operación a la que será sometido pronto. En su estancia, Shaw descubre que la casa es habitada por pequeñas personas que se dedican a tomar prestados varios artículos de los humanos para sobrevivir. Una de ellas es Arrietty, una valiente chica que tras ser vista por Shaw entabla una amistad con él que lo llevará a conocer las maravillas de su mundo, y a ella, le mostrará que algunos humanos son peligrosos, pero algunos son confiables.

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 Hiromasa logró un producto de gran calidad que se convirtió en un gran éxito de taquilla, además del record de ser el director más joven en la historia del estudio. Hayao Miyazaki estuvo muy al pendiente de la producción de la película, de hecho el guion es de su autoría, y permitió que la realización se adaptara al nuevo talento que estaba naciendo.  En esta ocasión la música estuvo a cargo de la compositora francesa Cecile Corbel, cuyo trabajo es verdaderamente memorable al entregar piezas musicales llenas de fantasía y un poco de misterio a la vez. Esta compositora, como dato adicional, se dijo fanática del Studio Ghibli e incluso confesó haberse inspirado en varias películas de Miyazaki y Takahata para las canciones.

 El éxito fue tal que la película logró superar a Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) en varias regiones y recaudó un aproximado de 110 millones de dólares, representando casi cinco veces el dinero invertido en su creación. No es de extrañar esto, ya que la película es hermosa en todos los sentidos. Desde su animación perfecta hasta sus paisajes tan bien elaborados que nos transportan de un pequeño pero bello jardín oriental desde la perspectiva humana hasta toda una jungla desde la vista de los diminutos.

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 Si aún no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una de las cintas de Ghibli más disfrutables en todos los sectores del público y una cinta obligada para los amantes de la magia y las historias donde enaltecen el valor de la amistad. Arrietty, una pequeña gigante del mundo de la animación.

https://www.youtube.com/watch?v=Vp2nb9Vq0yY

Hoda Afshar: Arte y denuncia

Crédito: HODA AFSHAR

 

En sus inicios, y como ya es sabido, la fotografía significó un parteaguas para la creación de conciencia y movimientos sociales. Dichos movimientos sociales eran provocados por las fotografías mismas que quizá por las acciones dentro de ellas. El carácter de lo real de dichos cuadrados de papel otorgaron un sentido de cambio de percepción individual.

Pero dicho cambio de percepción no sólo se quedó a nivel abstracto, sino en una utilización de tecnología mucho más avanzada para capturar y cristalizar los momentos. Ya lo había expuesto alguna vez en una publicación anterior, que la fotografía ha llegado a un punto casi (no digo igual, porque sé muy bien que son cosas diferentes) similar al de la pintura, pues en esta época es muy común y casi necesario (en ciertas ocasiones) el retoque digital. Mismos retoques que también se realizaban en sus principios pero la técnica era mucho más complicada y no cualquiera los puede hacer. Hoy, con la nueva tecnología, cualquier persona puede editar su propia fotografía con apps, o software especializados.

Crédito: HODA AFSHAR

Hoda Afshar realiza su trabajo con el fotomontaje y la distorsión de la fotografía digitalmente. Su trabajo llamado “Under Western Eyes” tiene como premicia dar el mensaje de cómo se ve a la mujer en el medio oriente.

Su inspiración como es visto, es Andy Warhol, ya que Hoda manifiesta que el estilo “comercial” de este artista intentó “aplanar” la complejidad del sujeto y reducirlo a un producto de consumo.  Así pues, expresa en su sitio web “Entonces, usándolo en mi trabajo, mi intención enfatizar sobre la reducita interpretación sobre la identidad de la mujer musulmana en el oeste”

Crédito: HODA AFSHAR

La objetivación del velo en el trabajo de Afshar refleja muy bien lo que ha manifestado Under Western Eyes en su pagina web. La intención de la fotografía distorsionada crea un nuevo significado a una protesta que, a diferencia de las primeras fotografías protestantes, podría quedar “fuera” pues la realidad que presenta no es la de la foto sino que es una realidad significante a una realidad más abstracta.

Es decir, quizá si tomáramos las primeras pautas para definir a la fotografía como ventana de la realidad, este trabajo quedaría mucho muy lejos de lo que se consideraría real, pero debido a un contexto las fotografías resignifican la no realidad física, material, documental para así convertirse en una fotografía con carácter real, con realidad sí, pero conceptual, abstracta cuya raíz es un sentido social.

Crédito: HODA AFSHAR

Entonces, el trabajo de esta artista combina tanto el simbolismo occidental con el suyo propio otorgando una fusión-denuncia cultural.

“La noche caníbal” Luis Jorge Boone

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Luis Jorge Boone, nació en Monclova Coahuila en 1977 y es de aquellos llamados “Escritores del desierto”; ciertamente, en el libro de cuentos el desierto se lee, se siente como alguna suerte de fantasma que habita y pasea en su tejido, como también se siente la poesía, y es que ambos hermosos portentos son irrenunciables.

 La inclinación a la poesía es clara, y me atrevo a arrojar la teoría de que una haya dado origen a la otra, de que el desierto haya generado en el escritor la necesidad de la poesía aún sin él saberlo, siendo aún pequeño, y es que Coahuila en ésta región es un lugar sin libros suficientes, éste es un autor de nacimiento, de búsqueda, de origen, sin artificios…

Ha escrito los libros de poesía: Legión (2003), Galería de armas rotas (2004), Traducción a lengua extraña (2007, Premio Nacional de Poesía Joven Elías Nandino) y Novela (2008, Premio Nacional de Poesía Joven Francisco Cervantes).

Siendo La noche del caníbal el primer libro de cuentos que el autor escribió, y con el que obtuvo el premio nacional de cuento Inés Arredondo 2005 y lo forman:

  • Siempre habrá alguien detrás de ti
  • El invierno en Devonshire
  • laberintos circulares
  • Oblivion
  • Telarañas
  • Mandrágula
  • La noche caníbal.

 En todos los cuentos lo humano es perfectamente visible y no sólo abordado en lo superficial, ciertamente parece hablarnos de una necesidad de entender al humano y de una sensibilidad interesante para traerlo al frente. También son interesantes las historias que entretejen la realidad corriente con una otra, submundos, encrucijadas, fantasmas, miedos…

 Da gusto pues, tener posibilidad de leer algo no sólo con característica de calidad sino con alma y profundidad. Hay que leer a Boone, sin duda alguna es un libro que no hay que perderse, lo hallan en “Letras mexicanas” en el Fondo de cultura económica.

24Hrs o 10 Al Milán

Tiene un tiempo que no piso el Teatro Milán (admito que exagero pues tal vez la lejanía no sobrepase al mes y medio), lo cual me consternó al enterarme de un maravilloso plan que se ejecutará este diciembre 17, por primera vez en México, The 24 Hour Plays.

 Hace dos décadas más o menos, en la ciudad de Nueva York se inició este concepto teatral que reúne a dramaturgos, directores y actores para generar una serie de 6 puestas en escena sobre un tiempo límite de 24 horas. La mecánica es digna odisea cronometrada: todos los involucrados (que hasta entonces no se conocen) se dan cita a las 11 pm del día anterior al estreno, tras la pequeña convivencia solo los dramaturgos quedan, realizan los textos y asignan elencos. A las 7 am vuelven los directores para leer las obras y comenzar el montaje de cada una, con actores ensayando en tiempo récord y creativos frenéticos en la construcción escenográfica de cada una.

 Tras la faena, a las 9 pm en punto se presentarán por única vez los productos obtenidos del ambicioso plan. Se antoja simplemente imperdible, así que no queda más que apartar la fecha y correr por los boletos.

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 Pero The 24 Hrs. Plays significa más que uno de los mejores experimentos aplicables a la escena teatral mexicana contemporánea, es también un cierre exquisito para las operaciones del recinto re-inaugurado el pasado marzo, que sin duda se ha enmarcado en un tiempo sumamente corto –además de heroico- como exponente esencial de la cartelera.

 A partir de dicha afirmación, junto a la gran satisfacción que me ha dejado el ver puestas como Aquí y ahora, Perhaps, Perhaps, Quizás o Godspell, he decidido proponer varias puestas que merecen ser montadas en nuestro país, en un recinto tan bello como eficiente, que no podrían encontrarse mejor acogidas en otro lugar. Llamémosle: Top 10 de obras a considerar para el Milán y su hermano Foro Lucerna:

10.- COMPANY

Tras ver Godspell sólo pude imaginarme otro musical al momento que se pudiera realizar con tal calidad y proximidad. Company no sólo es uno de los sellos distintivos de la carrera de Stephen Sondheim, es una obra perfecta para hacerle justicia al autor en nuestro país, sobre un escenario tan íntimo como ideal para hablarnos de las relaciones humanas y su complejidad llegada la edad adulta. Seamos honestos ¿A quién no le agradaría la idea de ver a un actor como Mauricio Salas derrumbando en aplausos el lugar tras una rendición de Being Alive?

9.-MENDOZA

Una temporada más de esta fantástica adaptación de Macbeth, producción de Los Colochos Teatro no le caería nada mal al Foro Lucerna. La fenomenal visión de Juan Carrillo y Antonio Zúñiga  sobre el mundo Shakesperiano adaptado al México revolucionario encontraría una guarida excelente en el foro del inmueble. Dejando huella como una de las más poderosas adaptaciones mexicanas de los últimos años que lejos de extinguir su éxito solo se aviva más.

8.-LA OBRA DEL BEBÉ

Este 2014 Edward Albee renació en la sala del Foro Chapultepec con ¿Quién teme a Virginia Woolf?, obra fuerte, controversial e icónica.  En esta entrega el autor retoma el modelo de confrontación de una pareja joven frente a una madura para cuestionar la realidad en un terreno de juego delimitado por las necesidades y las esperanzas de la inocencia.  ¡Que comience el festín psicológico!

7.- INCENDIOS

No hay mucho más por decir de un montaje que enmarca tanto la mejor realización dramatúrgica de Wajdi Mouawad, como la mejor dirección de Hugo Arrevillaga y la actuación que consolidó a Karina Gidi como una de las mejores actrices que México puede presumir tener en la actualidad. Un lugar como el Foro Lucerna es el indicado para desplegar la fuerza dramática de la obra junto a la alta sensibilidad que genera. Además de el pretexto perfecto para vender pañuelos desechables en la taquilla.

 6.-HEATHERS

Otro musical que luciría tremendamente bien sobre el escenario del Milán. Esta adaptación de la famosa cinta estelarizada por Winona Ryder tuvo una exitosa temporada Off-Broadway este año. Una producción divertida, cruda, satírica  y con una  tremendamente contemporánea historia acerca de las presiones sociales de la adolescencia. ¿Quién podría resistirse a la oscura abuela de Mean Girls en un soundtrack inolvidable?

https://www.youtube.com/watch?v=p2NIc-mluQM

5.-EX, EL PASADO NO ES LO QUE ERA

La más reciente producción de Puño De Tierra tiene todos los elementos para ganarse un lugar en la marquesina del Milán: elenco, texto, dirección y la certeza de poder conquistar mediante su cómica dramaturgia a cualquiera que se deje envolver en esta búsqueda de la identidad a través de los escombros del pasado. Una obra que cierra el 2014 con una temporada muy breve, pero que aquí merece brillar y apoderarse.

4.- LOS HIJOS DEL PROFETA

Imaginen este panorama: una familia de ascendencia libanesa, viven en una serie de catastróficas desdichas desde el primer día que sus ancestros pisaron América, hasta ahora la lista suma una lesión física que desarticulará un sueño profesional y la muerte del padre. Irónicamente, son parientes lejanos del escritor Khalil Gibran, autor del famoso libro de inspiración y superación personal “El profeta”. En este escenario, el dramaturgo Stephen Karam propone analizar las bases del sufrir humano ¿Porqué, para qué y cómo es que realmente logramos apoderarnos del sufrimiento? Pese a sonar tremendamente densa, esta es una tragicomedia deliciosa que por supuesto adopta forma campeadora al imprimir  la crítica social con franqueza. ¿Alguien dijo Alfonso Cárcamo para director?

3.-LOS ÚLTIMOS 5 AÑOS

Dos vidas que se unieron durante 5 años cuentan sus historias al mismo tiempo, una en orden cronológico, la otra no. Él es novelista, ella actriz, los dos pensaron que el amor duraría, pero no fue así, en realidad tal vez sólo fue un concepto que hicieron grande por media década, sin más ni más. Andrés Zuno + Majo Pérez como protagonistas, sumen una dirección como la de Lorena Maza y la magia flotará por sí misma.

2.- EL JUEGO QUE TODOS JUGAMOS

Por medio de un poco ortodoxa compañía teatral ficticia, Alejandro Jodorowsky parodia y critica con precisión en su obra las formas múltiples de comportamiento en los seres humanos según se den las circunstancias. Atina a recordar a la audiencia que la verdadera solución al cambio se genera por la acción social que comienza en cada individuo. Bien montada, en el Foro Lucerna estaría dando apertura plena a un diálogo de confrontación mutua para el bien común. Este sencillo detalle la volvería fantástica en la desquiciante realidad socio-política de nuestra nación.

1.- CRISTALES ROTOS

Haber presenciado a  los dueños del inmueble, Pablo Perroni y Mariana Garza, ejecutando impecables trabajos actorales bajo la guía de Hugo Arrevillaga en Aquí y ahora, provoca una necesidad absoluta de querer ver a la pareja de nuevo en el escenario a como de lugar.

Propongo un reto escrito por Arthur Miller. Cristales Rotos es la  historia de un matrimonio judío enfrentando una extraña enfermedad de la esposa que la tiene paralizada de repente de la cintura hacia abajo. Situada en los años 30’s, es una ventana que expone los efectos de la segunda guerra mundial sobre los miembros de la sociedad a los que atacó principalmente, así como las repercusiones que derivaron en sus vidas y comportamiento.

He aquí las propuestas, empero de si alguna es escuchada solo debemos esperar enormes títulos provenientes de la cartelera del magistral recinto en el año venidero. ¡Larga vida al Teatro Milán!

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Especial Ghibli: Ponyo

Regresando a las historias infantiles, Hayao Miyazaki decidió recurrir a un relato que escribió basándose en un serie de leyendas orientales, experiencias vividas en sus últimos viajes y quizá el punto clave, el cuento clásico de Hans Christian Andersen, La Sirenita; sin embargo, he de aclarar que su siguiente película no fue una adaptación de este cuento como erróneamente se pudiera pensar debido a su traducción en nuestro país. Más bien es una historia original basada en diversos elementos a modo de homenaje e incluso, ¿Por qué no decirlo?, de fanfiction.

 El Secreto de la Sirenita, título en México, o su traducción literal, Ponyo en el Acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) es el nombre de este proyecto. La película es una de las que más distribución ha recibido del Studio Ghibli y es una de las pocas que disfrutó de una temporada en salas de cine mexicanas. Así mismo, la cinta recibió apoyo de distribución de forma más directa por parte de la empresa Disney e incluso ostenta el nombre de John Lasseter como uno de sus productores.

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 La película nos cuenta la historia de Sosuke, un niño que vive solo con su madre en una casa junto al mar, en un acantilado. Su padre es marinero y constantemente está de viaje, por lo que la vida de Sosuke se encuentra dividida en ese sentido. Su rutina cambia cuando encuentra un extraño pez con cara de niña que habla y gusta de los alimentos humanos. Rápidamente se entabla una tierna amistad entre el niño y su nueva mascota, siendo esta bautizada con el nombre de Ponyo. Lo que Sosuke no sabe, es que Ponyo es en realidad hija de Fujimoto, un hombre con poderes mágicos que vive en el mar y que está decidido a evitar que su hija conviva con el mundo de los humanos y se pierda el equilibrio de la naturaleza, dando así inicio a una gran aventura para ambos, sobre todo para Ponyo, quien cada vez se enamora más de los humanos y de hecho, comienza a convertirse en uno.

 La historia es interesante aunque no es tan profunda como otras obras de Miyazaki, de hecho es muy sencilla y más siendo un producto hecho para niños. Sin embargo la película es ampliamente disfrutable, la imaginación de su director desborda en intensas secuencias donde olas convertidas en enormes peces golpean las costas y en otras escenas. El diseño de personajes y el diseño de arte son extraordinarios, así como la música de nueva cuenta compuesta por Joe Hisaishi. Como punto adicional, la canción principal de la película sin duda es de las más pegajosas jamás escuchadas y el que la escuche terminará cantándola el resto del día sin siquiera darse cuenta.

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 Esta producción nos habla de nueva cuenta de la importancia de mantener el medio ambiente, pero además le da un giro a este concepto cuando choca con otra lección: seguir nuestros sueños. Es interesante pensar en la contradicción que implica querer lograr nuestras metas (en este caso de una niña) y que el hacerlo tenga como consecuencia una gran catástrofe que afecta a todo el mundo. Es en este momento cuando nos enteramos que Ponyo es un cuento para niños, pero también tiene lecciones importantes para los adultos. ¿Una historia simple? Claro que si… tal vez… mejor ustedes decidan eso. Los invito a verla y dar su propio juicio, eso sí les aseguro, pasarán un rato muy agradable como con todo lo que Miyazaki ha logrado hasta ahora.

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

La  poesía armada  hasta los  dientes: Roque Dalton

“¿Para qué debe servir
la poesía revolucionaria?

¿Para hacer poetas
o para hacer la revolución?”

— Roque Dalton

quijotedaltonQué hay de los poetas que toman la pluma, cortan cartucho y  disparan cual fusil,  como dice Karloz Atl: “el poeta es un revolver en medio del dolor mundo”.  Hay mucha poesía lejos del mantel y la  academia. Roque  Dalton  García  fue  uno  de  ellos, crítico irreductible, sarcástico, irreverente y prolífico; creía  que la  poesía  era  el pan de  todos, pero no esa poesía que se esconde detrás del papel, Roque era  partidario de  la militancia activa, miembro de la llamada  Generación comprometida  de El Salvador; su pensamiento  anti dogmático lo distinguía, dio vida a la  poesía y  la poesía le dio vida.

 ¿Por  qué  hablar de Roque? Porque la literatura  se  vuelve, en muchos  casos, un terreno  de  discursos  fatuos, oportunistas, pedantes y no  comprometidos. Roque  fue uno de  esos  poetas que  hizo de la  poesía  un método de  denuncia, misma que respaldó siempre con su accionar; fue la  voz de los que no tenían voz,  hizo  honor a los  tiempos  remotos, en los  que  el  chamán, el  huey tlatoani, el jefe  la  tribu e incluso el  sacerdote, ostentaban  la  palabra, con ella  dirigían, educaban, transmitían y guiaban a  sus  comunidades.

 

“Poesía
Perdóname por haberte  ayudado a comprender
que  no  estás hecha sólo de  palabras”

— Roque Dalton (Arte poética 1974)

 Pero ¿quién fue Roque Dalton? Haré  un  breve  esbozo  biográfico.

 Roque Dalton nació  el 14 de  mayo de  1935 en San Salvador, El Salvador. Estudió  jurisprudencia durante once meses en la Universidad de Chile 1953 y  1954 se  incorporaría a la Universidad de El  Salvador. Para 1955 Dalton colaboraba con el periódico El Independiente y era  activista  estudiantil. En 1956 publica sus primeros poemas en la revista Hoja (Amigos de la Cultura), y en el Diario Latino de San Salvador, año en el que también funda el Círculo Literario Universitario, movimiento literario integrado por Otto René Castillo (poeta guatemalteco exiliado en El Salvador), Roque Dalton, Roberto Armijo, José Roberto Cea, Manlio Argueta y Tirso Canales (años después se les conocería  como la Generación comprometida).

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“El hecho es que los policías y los Guardias

siempre vieron al pueblo de allá para acá

y las balas sólo caminaban de allá para acá.

Que lo piensen mucho

que ellos mismos decidan si es demasiado tarde

para buscar la orilla del pueblo

y disparar desde allí

codo a codo junto a nosotros”.

— Los policias y los guardia, Roque Dalton

 

 Además  de ser periodista, como escritor se  desenvolvió  en  géneros  como el  ensayo  y  la  novela,  sin embargo, su  increíble  capacidad quedó  plasmada  en su  obra  poética, Benedetti y Cortázar fueron algunos autores  que  subrayaran su  valía como poeta. Su pensamiento político era  el de un comunista  comprometido (no dogmático), militante; Roque  hizo de la participación política  y la poesía  una sola  cosa, motivo por  el cuál fue perseguido y encarcelado en su país.

“Hablar con Roque era  como  vivir más  intensamente, era como  vivir por dos”

Julio Cortazar.

En 1961, el   Directorio  cívico-militar llegó a el Salvador y por  otro  lado Roque  Dalton se  dirigiría  al  exilio, recorrió el mundo,  viajó a la entonces Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), Corea del Norte, Vietnam, lugares en los que afianzó  su  postura  política. Vivió algún tiempo en Checoslovaquia, en La Habana y en México; siendo éste último el lugar en  donde cursó algunas materias de Antropología  y  Etnología  en  la Universidad Nacional Autónoma de México.(UNAM), además de conocer a poetas  como Efraín Huerta.

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 En 1969 ganó el premio de Casa de las Américas de La  Habana por  su  obra: Taberna y otros lugares. En el ocaso de 1973 regresó al pulgarcito de América (título no oficial de El Salvador acuñado por Gabriela Mistral) con el seudónimo de Julio Delfos Marín.

 Se  integró  al Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP), cruzó las  montañas con la guerrilla hasta que, el 10 de mayo de 1975 muriera  asesinado por sus mismos compañeros. Aún no hay nada claro sobre  su asesinato, se  desconoce  en qué  lugar están sus  restos, en algunas  versiones se  le acusa de espía y de  formar  parte de la  Central Intelligence Agency  (CIA) lo cual es mentira— en   otras  lo  tildan de agente cubano  e incluso, de mujeriego  y borracho. Lo cierto es que Roque es el poeta  más reconocido de El Salvador. El imperdonable comprometido.

Los  hijos de los días,Eduardo Galeano, pp 156
Los hijos de los días,Eduardo Galeano, pp 156

 En  Los  hijos de los  días, Eduardo Galeano, le  dedica el  pasaje del 10 de  mayo, por otra parte la canción el Unicornio de  Silvio Rodríguez está dedicada a Roque, según un texto publicado por Silvio en 1982.

Todo empezó por un amigo muy querido que tuve, un salvadoreño llamado Roque Dalton, quien además de haber sido un magnífico poeta fue un gran revolucionario, compromiso que le hizo perder la vida cuando era combatiente clandestino”

—Silvio Rodríguez, Abril del 82 (Otras Inquisiciones, «La página de las Preguntas y las Conjeturas»).

 Como Roque, creo en la poesía, en la vida, en el amor y el amor a las  palabras, porque son el  re-descubrimiento del mundo, la re-creación, la re-apropiación de las dimensiones, son la posibilidad de concebir mil o mil millones de universos habitables, van de lo macroscópico a lo microscópico, de  lo subrepticio a  lo  supraterrenal, de la poesía al unicornio, del unicornio a la  revolución.

 “Y que mis venas no terminan en mí
sino en la sangre unánime
de los que luchan por la vida,
el amor,
las cosas,
el paisaje y el pan,
la poesía de todos”.

— Roque Dalton.

¿Te  interesa leer su poesía? pásale  por aquí

Especial Ghibli: Cuentos de Terramar

Como mencioné en la nota anterior, la realización de la cinta El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) fue causa de muchos conflictos para Hayao Miyazaki, incluida una pelea con su hijo. Y es que por hacer esa película, el maestro tuvo que renunciar a un proyecto que se suponía iba a dirigir pronto, mismo que fue tomado por Goro Miyazaki, el hijo en cuestión. Miyazaki padre vio con malos ojos que un proyecto de tal magnitud le fuera encomendado a alguien que no tenía experiencia en la animación y cuya labor actual era la de dirigir el museo Ghibli en Japón, tenía sus dudas con respecto a esta decisión aunque el involucrado fuera de su misma sangre.

 A pesar de la negativa, sus colaboradores productores le dieron la oportunidad a Goro y fue así como nació la cinta Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006), basada en el primer volumen de las novelas escritas por la estadounidense Ursula K. Le Guin, misma que ya había negado el proyecto a otros directores (por lo mismo, este proyecto era muy importante). La historia trata sobre la travesía del príncipe Arren, un joven que huye de su hogar tras haber atacado a su padre el rey. En su camino conoce al archimago Gavilán, quien le brinda su apoyo en su camino, y eventualmente a Theru, una joven con quien establece una relación al principio hostil, pero luego de gran amistad. Juntos deben luchar contra el malvado Lord Cob (O Lord Araña, como fue traducido en nuestro país), en un mundo donde la magia y las criaturas legendarias son una realidad, siendo los dragones los más mencionados en la cinta.

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 Con un equipo de producción de primera, una banda sonora grandiosa hecha por Tamiya Terashima en donde se recurre a instrumentos medievales como la ocarina y la gaita, una de las canciones más recordadas y queridas del estudio y un director con nuevas ideas (y con el nombre de Miyazaki como plus), la película prometía mucho, de hecho en su semana de estreno fue la más taquillera, no obstante, su aceptación en otros sentidos no fueron demasiado espectaculares.

 Para empezar, la escritora del libro llegó a comentar que no consideraba que fuera una adaptación fiel a su obra, de hecho y aunque elogió la película y su aspecto gráfico, negó que esa fuera su historia, lo cual denotaba cierto nivel de decepción. Hayao, por su parte, también tuvo sus reservas ante el resultado. Nadie negaba que Goro había hecho una buena película, un proyecto que se notaba hecho con el corazón, con una animación impecable y unos escenarios más que bellos, de hecho están en la lista de los más hermosos de la filmografía del estudio. Sin embargo, todos coincidían en que a pesar de ello, algo había faltado.

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Probablemente se debía a la inexperiencia de Goro, tal vez a que muchas partes del libro fueron cortadas y otras quedaron sin explicarse y confundieron a la audiencia, o tal vez la inevitable comparación del padre al hijo fue causa de enormes expectativas que no quedaron satisfechas. La película no está mal, de hecho es muy buena, tiene unas secuencias de acción fascinantes y debo decir que incluso un toque de horror gótico que ya desearían producciones de alto presupuesto. Es maravilloso ver el estilo anime en una historia que parece llevarse a cabo en Inglaterra. Efectivamente no es una película que tenga todo ese sello encantador de Ghibli, pero tampoco es una que pueda ser descartada.

 Es una cinta muy aceptable, verdaderamente buena y un excelente primer intento para un director novato. Aunque pudiera ser que no había mucha experiencia, se nota que el talento de su padre está ahí presente. Goro Miyazaki se ha convertido actualmente en una de las más grandes esperanzas del Studio Ghibli, y al ver sus dos obras actuales puedo decirles que la empresa de su padre está en muy buenas manos.

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Cenando con el pasado o Navidad con amigos 3.0

“YA LO PASADO, PASADO, NO ME INTERESA”

JOSÉ JOSÉ

Es curioso tener que enfrentar al pasado y sus historias que impiden la felicidad al presente, en especial cuando nos damos cuenta que en realidad nunca formamos parte activa de él. Algo así sucede con Ana, su familia no ha sido más que una tumba que resguarda secretos de todo tipo, color o sabor, de los cuales ella no goza conocimiento alguno, sin embargo están presentes en su vida llenando vacíos de información que le permitan conocer la realidad. Porque el ideal sería que ella pudiera saber la verdad, el problema es que la verdad varía siempre, según quien la cuente.

 Por una breve temporada (situación lamentable dada su buena factura) que corre hasta diciembre 14, la compañía Puño de tierra presenta Ex…El pasado ya no es lo que era  en el Teatro Benito Juárez del autor uruguayo Gabriel Calderón y el director Fernando Bonilla.

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 Como menciono anteriormente, esta historia va sobre una mujer en búsqueda de descubrir que ha habido tras de ella en todo el tiempo que lleva existiendo dentro de su entorno familiar, desgraciadamente todos sus familiares, excepto su abuela a la cual no le habla, se encuentran en la tumba por motivos diversos. En buena fortuna, durante la víspera de la navidad, su novio ha diseñado un plan para reunir a cada relato frente al pavo servido a la mesa. Sólo que los planes que parten de lo inexplorado siempre tienen efectos que uno nunca espera.

 Al desarrollarse, el texto de Calderón denota dos aspectos seguros y valiosos: la  fuerza dramática además de contemporaneidad. Nos dice que no basta ver el pasado mediante la belleza rescatada, olvidar el sufrimiento cuidando sacar solo la felicidad de los recuerdos, aquí hay una búsqueda frenética por recuperar cuantos tonos sean posibles para armar una paleta de colores completa que pinte un marco de sentido u orden. Pero aun así, no descuida otro mensaje, no por necesitar saber del pasado para entender el presente y prevenir el futuro, significa que debamos vivir de este.

 Sería deshonesto decir que una obra que hable del ser humano en búsqueda de la felicidad es atrayente en la actualidad. No solo es algo que nos cuentan en repetidas ocasiones, sino algo más bien común, tan obsoleto como barato. Empero, Calderón sabe encontrar la carne adherida al hueso, explorando una propuesta ácida en su comicidad y firme en su discurso duro, lo cual  estabiliza el terreno. Sitúa su desarrollo en una danza a través del tiempo que convence y apremia.

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“lAS COSAS SON ASÍ, ASIMILENLAS Y AVANCEMOS” 

 Tomando el timón llega un director que sabe tratar la tragedia para convertirla en un festín entrañable, Fernando Bonilla adapta y manipula la obra consiguiendo una fluidez total de las palabras, así como un entendimiento pleno de las situaciones. Logra un equilibrio que explota al máximo la hilarante base para entretener a su audiencia, sin dejar aparte la reflexión. Esta construcción expone a la monotonía del amor como el principal asesino del mismo, al igual que la importancia de tomar responsabilidad de las acciones que hacemos, ser francos con las decisiones, planificar su uso.

 La puesta inicia con un ritmo lento, se recupera, luego aterriza en un bache del cual se pensaría no saldrá ya que fue arrastrado por una coreografía torpe, además la falta de equilibrio de la actriz con el foco al momento (inserte aquí a Regina Flores Ribot), tan solo para levantarse y alcanzar una estabilidad envidiable hasta el final que atrapa por completo y sumerge dentro.

 Práctica y sencilla se presenta la escenografía, más cada cuadro tiene un enemigo acérrimo en el diseño de iluminación, que expone totalmente descuidando sectores que podrían lucir mejor. Por ejemplo, existe una conceptualización de fotografías al fondo, que al iluminarse denota los saltos temporales, pero esta solo encuentra correcta ejecución en 1 escena, lo que  frustra en verdad al dejar con la sensación de que  si as {i hubiese sido el resto, la representación podría presumir de un trabajo loable.

 Grandioso es el elenco que juega en el escenario (con la excepción ya mencionada), Pedro de Tavira, Mario Monroy, José Carlos Rodríguez y Valentina Sierra trabajan en un equipo homogéneo, produciendo buenas actuaciones de complicidad total, junto a Sergio Bonilla que demuestra una vez más su talento en una gama de sensaciones plena. 

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 Falta mencionar a un miembro importantísimo del cuerpo actoral, que sin lugar a duda se lleva la obra gracias a la astucia, agilidad y naturalidad impresas  en su trabajo, Gabriela Murray es una antorcha encendida en escena, arranca carcajadas sonoras e imparables al tiempo que goza su papel, divirtiéndose a todo lo que da contagiando a la sala entera. He aquí el ejemplo perfecto del oficio actoral. La cómica violencia del lenguaje de su personaje deja ganas de verla en cabaret y musical, Matilda, como Tronchatoro por ejemplo.

 Retomemos el total. Hay un círculo alrededor de la puesta que la eleva a un lugar desdichadamente privilegiado, su cercanía al contexto sociopolítico de la nación mexicana. En la obra se toca el tema de la represión, la desaparición ¿Cuan fantástico sería poder aseverar estas apariciones únicamente en el mundo de la ficción y no en nuestro real? A esta llamada, se contesta con la misma desesperación y hartazgo que refleja cada elemento de la sociedad. Hay una promesa de risa loca, pero el sello de interiorización permanece.

Especial Ghibli: El Increible Castillo Vagabundo

Sin duda alguna, la obra más famosa y conocida (aunque no la más premiada) del maestro Hayao Miyazaki es una cuya elaboración tomó muchos años, pasó por las manos de varios directores algunos incluso que no eran de la familia Ghibli—, y que muestra la belleza de la música, el arte y las clases sociales en una mezcla de la modernidad con la edad media. Una obra entrañable que no por nada está entre las favoritas del estudio. Un proyecto muy agotador que incluso indirectamente causó conflictos entre Miyazaki y su hijo Goro (asunto que explicaré en otra nota).

 El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) está basada en la novela de la escritora inglesa Diana Wynne Jones y nos cuenta la historia de Sophie, una joven bella y dulce, pero con una autoestima y una seguridad deplorables. Sophie trabaja en la tienda de sombreros de su madre y tiene una vida aparentemente simple hasta el día en que conoce a un extraño joven mago en la calle. La aparición de este mago traerá consigo muchos cambios a la vida de Sophie, siendo el mayor de ellos un hechizo arrojado por la bruja Calamidad que convierte a la muchacha en una mujer anciana.

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 El mago en cuestión resulta ser Howl, dueño del castillo vagabundo que le sirve de refugio (portátil) para no ser descubierto por la bruja  Calamidad ni otros adversarios que están detrás de él. Sophie termina viviendo con Howl y sus ayudantes Mark y el demonio Kaisifer, y juntos emprenden una gran aventura con el fin de ayudar a Howl a conseguir eso que tanto le falta: un corazón, y de paso, romper la maldición que pesa sobre Sophie.

 Como podrán ver, es una de las tramas más complejas de la filmografía de este estudio y aunado con la brillante y hermosa música de Joe Hisaishi, más el talento de los animadores Ghibli, los artistas de fondos y la dirección de Hayao, la película es una verdadera joya del anime, la animación y el cine. Tuvo un éxito muy grande siendo una de las películas más fructíferas del estudio, pero no sólo por la genialidad con la cual está elaborada, sino por su contenido.

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 La construcción de personajes es magistral, resaltando a la adorable Sophie y su transformación a lo largo de la cinta de ser una muchacha tímida a una valiente mujer capaz de arriesgarse a todo con tal de proteger a los que ama. En ocasiones incluso nos recuerda al cuento clásico “La Bella y la Bestia”, donde la hermosa joven ve la belleza en un ser que todo mundo considera un monstruo, y es que literalmente, Howl en ocasiones es un monstruo.

 Nos muestra la importancia de cosas como el valor, el amor, la amistad e incluso la piedad. La importancia de apoyar a otros, pero de una forma moderada que no incluya el abandono propio, además de la valía de la gente por su interior dejando de lado la belleza exterior, misma que a veces nos lleva al camino del egoísmo y la vanidad. Es una película brillante que nos ofrece una tierna historia de amor y magia en medio del horror de la guerra por cuestiones banales de ciertos gobiernos.

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 La cinta ganó diversos reconocimientos alrededor del mundo, incluyendo la segunda nominación al Academy Award por la categoría de película animada, y aunque no logró llevarse la estatuilla, es indiscutiblemente una de las cintas más sobresalientes de aquella premiación. Un regalo a los sentidos, un viaje fantástico del cual nadie debe perderse. Los invito a ver la película y dejarse llevar por ese maravilloso y misterioso castillo, ¿A dónde? A donde su imaginación se los permita.

http://www.youtube.com/watch?v=MhaAj62njgs

La ilustración de las cadenas bajo Chiara Bautista


 

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

La ilustración mexicana ha desempeñado un papel increíble en los últimos años que merece el reconocimiento de la sociedad. Tal es el caso del trabajo de Chiara Bautista, ilustradora de origen nacional que radica en Estados Unidos y que trata el emblema del dibujo desde una trama bastante interesante. Víctimas del abandono o no, su trabajo muestra a mujeres atrapadas que parecen ser la víctima de un hecho que las aflige y las aprisiona por un buen tiempo. ¿Cuál podría ser ese calvario? Se podría considerar como las fuentes de un caos emocional, ya que en este planeta vacilamos sobre lo que está bien y lo que está mal –desde la perspectiva de la moral. A su vez, ese afán moraloide que acompaña al humano cuando ve las cosas por primera vez desde un aspecto purgativo y sin considerar el porqué de la sensación humana, causa tantos destrozos de vacío existencial. Aquí es donde radica el clímax de la expresión de Milk (como también se le conoce a Chiara).

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Chiara Bautista.

 Pasión, subversión, libertad y esperanza podrían ser los palabras que permiten conceptualizar cada imagen que deletrea la necesidad por descubrir al individuo desde una concepción meramente sensomotora, es decir sin un sentido de apego hacia lo que sólo es tangible (cuestiones materiales). Más allá de eso, el concepto humanista que demuestra Milk en su trabajo, involucra también la necesidad por recrear un ambiente de esperanza en un mundo tan olvidado de sí mismo. Recuerdos más, reflexiones menos… la arbitrariedad de la sociedad. 

 “Bellos y falsos”, “La pasión” y “El inmisericorde abandono de la niña pulpo” son algunas de las frases que acompañan a cada creación, por lo que es lógico pensar que existe una relación entre lo que se hace y lo que parece ser un proceso de reflexión de la vida cotidiana. Chiara de una manera muy ingeniosa, abre la puerta hacia un esquema de criterio que abone entre pensar y accionar, es decir, no perder la línea de la vida; el ser dueños de nuestros propios deseos y así forjar nuestros detalles más mundanos. ¿Qué pasaría si todos nos dejáramos llevar de la misma forma? Sin duda, no habría esa posibilidad de crítica y también de poder plasmar cada quien su ruta ante lo que cree pertinente y lo que no, pero algo que nos acompaña a todos y con letras grandes lo podría ratificar es la palabra prejuicio.

 Retomo una frase: “Bellos y falsos” ¿Qué tan falsos somos? Si la falsedad hablase, creo que todos tendríamos que decir algo de ella, el fingir es un ameno acompañante de la mentira y la banalidad. Hechos de un mar de vacíos emocionales sin poder comprender el porqué del abismo, deambulamos entre rechazar y aceptar lo que realmente somos o queremos ser. La propia encrucijada se haya en cada desfiguro que pretendemos hacer con la finalidad de encontrar la esencia de las causas y los efectos. Mentimos cuando decimos que desconocemos lo que está bien o mal, somos dueños del prejuicio hasta el cansancio. Una vez más, Chiara Bautista da en el clavo en cada muestra de sus imágenes.

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

 Cuerdas y redes se pueden vislumbrar en gran parte del ingenio de Chiara Bautista, que se logra presentar a lo largo de su trabajo. ¿Cuáles podrían ser esas ataduras? Las cadenas hacia la mera pretensión, involucran al hombre en una serie de mecanismos que lo hacen inerte en la participación que desenvuelve en la sociedad; sociedad que aplaude las máscaras y los buenos deseos de un mundo más hostil. Gancho al hígado, Chiara vuelve a dar tiro al blanco. La pulcritud que se detona en cada ilustración apunta el gran logro de la mexicana. ¿Somos víctimas de esas cadenas o pretendemos serlo? Cada uno de nosotros tiene la respuesta certera, la ilustradora sólo hace su debido trabajo: Dar rienda suelta a la imaginación.

 Las ilustraciones de esta mujer llena de talento no están alejadas de lo que siente el individuo. Necesidades nos hace presa de una ruina inaudita que nos hace caer en los temores más abruptos. La descripción de esto, radica en cada imagen que singulariza las relaciones humanas.

Poesía: significado y retrospectiva

Poesía es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran juntarse, y que forman algo así como un misterio.
— Federico García Lorca

La poesía, es, por tomar definición, una manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra y hay qué aclarar que no necesariamente reposa en el verso.

Precisiones:

  • Según los griegos puede haber tres tipos de poesía: Lírica, dramática y narrativa.
  • Antiguamente en Grecia el concepto abarcaba a la narrativa actual.
  • El término “poiesis” significaba “hacer” en un sentido técnico y en realidad, se refería a trabajos artesanales de todo tipo.
  • El creador, el artesano, hacedor, legislador, poeta, autor etcétera era llamado “poietés” el generador de algo que antes del paso por  su mano creadora era inexistente. En literatura entonces, era el arte creativo que utilizaba el lenguaje.

Es menester decir, que la poesía  no era creada para ser leída, sino representada.

Al contacto del amor todo el mundo se vuelve poeta.
— Platón

En la República, Platón establece tres tipos de “poesía”: Poesía imitativa, no imitativa y épica. El teatro es poesía imitativa, lo propio era no imitativo y lo restante: Poesía épica. En la Grecia antigua todo se componía en verso.

 Pasa algo interesante con Platón y es que siendo él peta, consideraba también a la poesía como la forma más elevada del arte, es en este libro (La República) que postula la necesidad del destierro de los poetas de una metrópoli moderna; aparentemente y dados los antecedentes, no se refería a todos los poetas, sino a los practicantes de la mimesis fantastiké, las apariencias, los encargados de reproducir fantasías, los hacedores, de la ficción, de lo fantástico.

 Lo que hay que recordar es que Platón consideraba que ésta realidad era una copia de las ideas, por tanto, éste tipo específico de poeta, era un ejecutante de la copia de una copia. Estas personas, luego, no son filósofos sino meros ejecutantes con posibilidades de persuadir al pueblo a seguir sus teorías no instruídas.

Erotismo y poesía: el primero es una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del lenguaje.
—  Octavio Paz

 La poesía se consideraba como una realidad espiritual más allá del arte,  la calidad de lo poético trasciende a la lengua y al lenguaje. De acuerdo con la Poética de Aristóteles, es el género en que el autor expresa sentimientos y visiones personales.

 La poesía actual se se relaciona con su capacidad de síntesis y de asociación y para ésto, se vale de la metáfora, que es diferente de la imagen, que se acerca a la nueva realidad mediante significados que refieren un sentido estricto y a la vez uno distinto, a diferencia de la metáfora que es la correlación entre dos símiles, según muchos una clara muestra de inteligencia y sensibilidad puras.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.
— Octavio Paz

 El lenguaje escrito en forma de poesía fue encontrado en el Antiguo Egipto en jeroglíficos, 25 años antes de Cristo. Son cantos de labor y religiosos. El poema de Gilgamesh, fue escrito con caracteres cuneiformes y sobre tablas de arcilla, 2000 años antes de Cristo. La Iliada y la odisea de ocho siglos antes de la era Cristin, Los veda del hinduísmo del siglo iii a.C.

 La poesía de Roma se basó en Grecia. La primera obra maestra de la literatura latina es “La Eneida” de Virgilio,también valdrán Propercio, Ovidio y Cátulo.

Si la poesía no nace espontáneamente como la hoja de un árbol, es mejor que no nazca de ningún modo.
— John Keats.

 Alguien hace poco me recordaba la cita de un libro para jóvenes poetas, y era justo lo que arriba se menciona, que no hay que angustiarse para escribir poesía por lo que no se conoce del mundo, todo lo del mundo se lleva dentro, un grano de arena, la sal del mar, el viento, es cuestión de encontrarlo y permitirlo salir.

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Ya viene la nueva edición de Festival Marvin: #Marvin15

¡Ya está confirmado! El próximo 16 de mayo del 2015 llega México la quinta edición del Festival Marvin, en el cual se presentarán proyectos emergentes  y consagrados de música, cine y arte. En sus ediciones anteriores, sobre todo la de este año, Festival Marvin ha dejado a todos sus asistentes con la piel erizada y con ganas de más, es por eso que no hay razones ni motivos para no asistir próximamente.

Festival Marvin 2012
Festival Marvin 2012

 Recordemos que  desde la creación de este festival han desfilado gran cantidad de artistas naciones y extranjeros como Holy Fuck, IMS, Juan Cirerol, Quiero Club, Fujiya & Miyagi, Carla Morrison, Crocodiles, Atlas Sound, Foxygen, Reptile Youth, Teen Flirt, Ruido Rosa, entre otros.

 En esta  última edición que se realizó el 17 de mayo en el circuito Condesa-Roma se presentaron 52 actos provenientes de diversos lugares como Los Tres, de Chile; Phèdre, de Cánada; Go!Zilla, de Italia y  los headliner Danny Brown, una de las figuras del hip hop contemporáneo de Detroit y Daniel Jonhston, que aparte de músico es escritor e ilustrador, quien visitó por primera vez México.

Dentro de las ocho foros que se repartieron a lo largo del corredor Condesa-Roma, también se pudieron apreciar esculturas,   fotografías, collages, pinturas y proyecciones de cine a cargo de CutOutFest.

¿Cómo surge el Festival?

 El origen del Festival se da en celebración de los 10 años de la Revista Marvin, la cual se encarga aparte de aspecto musical, de mostrar una recopilación de nuevas tendencias, corrientes y propuestas culturales.

Todos estos aspectos se han tocado a lo largo de estos cuatro Festivales. Música en vivo, caminatas que permiten apreciar otro tipo de arte, distinto a lo que se puede encontrar en las salas de museos, así como proyecciones cinematográficas en algunos de los parques más famosos de la Ciudad de México.

Festival Marvin 2014
Festival Marvin 2014

Los boletos ya están disponibles, entra aquí y consigue los tuyos.

Checa una probadita de lo que se vivió este año en Festival Marvin, sólo para que te animes a ir.

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Dejarlo todo en la utopía: Infrarrealismo

Los infrasoles (Drummond diría los alegres muchachos proletarios)”

— Roberto Bolaño

 

El  infrarrealismo  intentó ser  una  ética  en  verso de la  estética  de  la  vida, el  poner el  lamentar  antes  que  el  prevenir,  la  risa  burlona   hacia  el  academicismo, la  aventura  artística  sin tabúes, una  propuesta  de vanguardia  poética,  quizá,  la más  pura que  ha  tenido  nuestro  país.

 La novela Los Detectives  Salvajes(1998) de Roberto  Bolaño es, sin duda,  la  que   catapultaría  al infrarrealismo  al  reconocimiento internacional, pues  es éste escritor  el  más  reconocido del  movimiento junto a José Alfredo Cendejas Pineda, mejor  conocido  como  Mario Santiago Papasquiaro; pero la  historia de  los Infras no  comienza  ahí, y va  más  allá  de sus  tres  manifiestos.

 Todo comenzó  entre  1973  y 1974 durante  el  Taller de Poesía de Difusión Cultural de  la  Universidad Nacional Autónoma de  México (UNAM), que  presidía  Juan Bañuelos, quién entonces ya  era  una vaca sagrada puesto que ostentaba el Premio  Nacional de Poesía de  Aguas  Calientes.

 Los  entonces talleristas  y  futuros  miembros del  movimiento  infrarrealista, estaban  cansados  de cómo llevaba  Bañuelos  el  curso,  una  letanía  pedante  que  consistía en estudiar la  poesía  del  Siglo de Oro español con la  que  pronto fastidiaría a los  alumnos, quienes poco  tiempo después  protestarían para que se destituyera a Bañuelos, sin embargo, lo que  consiguieron  fue  una  promesa de subvención para  la  edición de  una  revista y la carta  abierta para  buscar quién dirigiera  el  taller.

 Tiempo  después, se  editaría  el  número  cero de  la  revista  Zarazo, que  juntaba  poesía de los  beat, del movimiento  peruano Hora Cero y  de los  entonces  disidentes del  taller de Bañuelos. No  obstante, los  fondos  prometidos  para  la  difusión de  la publicación no  fueron otorgados  y resultaron expulsados del taller.

 Una  vez  ocurrido  esto, las  condiciones  estaban dadas para que  en 1975 Bolaño y  Papasquiaro, crearan el  movimiento Infrarrealista. Déjenlo todo nuevamente  fue  el  nombre  del primer  manifiesto  infrarrealista que corrió a  cargo de  Bolaño.

“Prueben a dejarlo todo diariamente. Que los arquitectos dejen de construir escenarios hacia dentro y que abran las manos (o que las empuñen, depende del lugar) hacia ese espacio de afuera…La verdadera imaginación es aquella que dinamita, elucida, inyecta microbios esmeraldas en otras imaginaciones. En poesía y en lo que sea, la entrada en materia tiene que ser ya la entrada en aventura

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 Esa  camada  infrarrealista   fue  integrada por José Rosas Ribeyro, Rubén Medina, Ramón Méndez, José  Vicente Anaya, Roberto Bolaño, Mario Santiago Papasquiaro Cuauhtémoc Méndez, Víctor Monjarás-Ruiz,  Mara Larrosa, Bruno Montané, Guadalupe Ochoa, José Peguero, Estela Ramírez, Geles Lebrija y Jorge Hernández.

 Desde  entonces, los  integrantes del movimiento  fueron víctimas de censura y  discriminación,  rechazos por  parte  de la  élite, “los  intelectuales de alto pedorraje”, como los de Carlos  Monsiváis  al  no  quererlos  publicar en la  revista Siempre:

“Entiendan muchachos. La  cultura  en México también  tiene  censura. Está  prohibido  hablar de  política y de  sexo, prohibidísimo escribir  la  palabra  verga”

— Juan Esteban Harrington, Nada  utópico  me  es ajeno (Manifiestos  Infrarrealistas)

 Sin amedrentarse publicaron en 1976 Pájaro de Calor, en 1977 la revista Correspondencia Infra y en 1979 se  publica Muchachos  desnudos bajo el arco iris de Fuego, antología  de  Roberto Bolaño que fue  presentada por  Efraín Huerta y reúne textos de exiliados en México y poetas infras, como Hernán Lavín Cerda, Jorge Pimentel,Orlando Guillén, Mario Santiago, Bruno Montané, entre  otros.

Portada de Pájaro de calor. Ocho poetas infrarrealistas. Ediciones Asunción. Sanchís, México, 1976.
Portada de Pájaro de calor. Ocho poetas infrarrealistas. Ediciones Asunción. Sanchís, México, 1976.

 Poco  antes de la publicación de   ésta  última, se  da una  diáspora  para  los  infras, Bolaño y  Montané   emigran a  Barcelona. Por  otra  parte  Papasquiaro entabló amistad con José  Revueltas, Carla  Rippey, Juan Villoro y  Efraín Huerta a quienes  visitaba con  frecuencia. Sin embargo,  aquellos   escritores  de  la  intelectualidad, quienes  creían  en los  cánones  de  la  creación  vivieron ignorando  y temiendo a los escritores  infrarrealistas (que  ya  saboteaban recitales).

 En los  Detectives  Salvajes  Papasquiaro tiene  su  versión mitificada como  Ulises Lima, identidad  que  nunca  conoció porque  murió  atropellado  antes  de  la  publicación del mismo, ahí se le muestra como fue, un personaje de  ficción: lector  empedernido incluso  en la  ducha, extravagante trota  mundos  y poeta incalculable.

 Portada Muchachos desnudos  bajo el arco iris de fuego.Editorial Extemporáneos, México, 1979.
Portada Muchachos desnudos bajo el arco iris de fuego.Editorial Extemporáneos, México, 1979.

 Mario fue  quién escribió el segundo  manifiesto  infrarrealista, en el que se  pone en juego el papel del  arte, de la  utopía  del  mismo y la más  feroz  crítica de su  manifestación en México:

“El  arte  en  este  país  no  ha  ido  más  allá  de un cursillo   técnico  para  ejercer la  mediocridad decorativamente”

 Su  influencia  fue tal, que  marcó a  otro  grupo de escritores conocidos  como neo infras o  infras  tardíos: Edgar  Altamirano (Edgar Artaud), Oscar Altamirano, Carolina Estrada, Mario  Raúl Guzmán y  Elmer Santana. El  tercer  manifiesto  infrarrealista  corrió a  cargo José Vicente Anaya y versa  sobre  la  estética de  la  vida, el  aquí y ahora, la  súbita disyuntiva  al  saber  que  el  Infrarrealismo “existe  y no existe” y la sutil pero  infaltable dentellada a la  academia.

“El  infrarrealismo piensa que  el  oficio de  escritor es  una invención de literatos que han querido  vivir confortablemente del arte, lo que  significa  un indecoroso  comercio de  la  vida”

  El  infrarrealismo  es uno  de  los  acontecimientos artísticos quizá más  trascendentes y también más  empolvados  de nuestro  país, sigue  siendo  la  búsqueda  de  lo que  aún no  existe , la  utopía que no nos  debería  ser  ajena.

De Master Class con la Callas

“EL ARTE ES UNA LUCHA POR LA INDEPENDENCIA”

MARÍA CALLAS

15 años después de  su estreno en México, bajo la dirección de Francisco Franco, Ocesa Teatro repone Master Class, original de Terrence McNally, desde la nueva visión de Diego Del Río a la cabeza del proyecto. Conservando a la actriz que por excelencia ha nacido para encarnar a la mítica María Callas: Diana Bracho.

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 La música es la expresión artística de mayor impacto en los seres humanos. La unión de los sonidos en coordinación absoluta con la ejecución busca mover las fibras más sensibles del espectador, mediante el acto comunicacional del ejecutante y la intención que este da a su obra. El canto es el complemento idóneo para esta labor. Cuando el canto alcanza los límites de la perfección, la recepción se convierte en un auténtico viaje alucinante que sobreexpone sentimientos a impulsos definitivos.

 Hacer música, buena música, no es fácil. Dedicarse a ella tampoco. María Callas, la máxima figura de la ópera del siglo pasado es el ejemplo claro de una vida consagrada al arte, a la técnica y a la totalidad de lo que significa interpretar aquello que el autor propone tanto en letra como en música, vivir las composiciones, dejando todo atrás para seguir su camino, una vía de éxito y triunfo, pero dolorosa.

 Este sendero de rosas espinadas alcanza una plenitud dramatúrgica en Master Class, una de las más grandes obras de McNally, quién propone contar la historia de la diva a partir de un momento clave en sus últimos años de vida: la impartición de sus clases maestras de canto en la Juilliard School de Nueva York.

 Situados a principios de los años 70’s, la divina se encuentra en el declive absoluto de su majestuosa voz, sopesando la decepción amorosa que le ha dejado Aristóteles Onassis; Ante tan devastador panorama, impartirá la lección a un auditorio lleno y tres estudiantes que someterán sus aptitudes vocales e interpretativas. A través de estos pupilos, Callas recordará mediante la música los momentos más devastadores y gloriosos de su carrera, los cuales la han hecho llegar al momento que está viviendo, sumida en la soledad y la añoranza del talento que se ha escapado de su cuerpo, más no del alma.

 Aquí el autor se vale del emblema de la soprano para expresar una demanda implícita real hacia aquellos que se dedican al arte: lo importante es estar dispuestos a servir, con disciplina, pasión, entrega y concentración, de lo contrario no se logra nada. El discurso ahonda en la necesidad de asumir el reto de la existencia mediante la consagración a la excelencia, pero sin dejar a un lado la dignidad y la integridad existencial humana.

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 “SIEMPRE DICEN <TE AMAMOS>, NUNCA <TE AMO>”

 McNally señala duramente la posición de Callas como una mujer sumisa y acomplejada en los momentos que así se mostró, empero, otorga una mirada de justificación compasiva a la transformación absoluta que se vio forzada a tener para evitar ser lastimada de nueva cuenta. Es ahí donde la dirección de Diego del Río aparece para detallar el relato de ese corazón, de la mujer que ha perdido tanto que le es difícil describirlo.

 Del Río analiza la voz humana por medio del anhelo de retroceder el tiempo, encuentra en el escrito de McNally a la artista vacía para exteriorizar las vicisitudes de su contexto. Proyecta con fuerza el dominio y la pasión en un espacio que triangula hábilmente sus cuadros focalizando correctamente las acciones. Este director lleva a otro nivel al producto, asegurándose de tornarlo entrañable, lo cual logra correctamente con un grupo actoral fuerte en un montaje elegante y visualmente propositivo. Aunque si bien es notoria la línea que pretende seguir, tanto como las sensaciones a dejar, es inevitable sentir (solo para aquellos que hayan visto otras direcciones de Del Río) que queda jugo por exprimir.

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 Absoluta es la calidad actoral de la primera actriz Diana Bracho. Desde que pone un pie en escena inunda la sala con una presencia exquisita de palmo a palmo. La actriz consigue reflejar la oscuridad de un pasado que sustrajo la belleza de la bondad, castigándola con la furia intrínseca de los recuerdos. Los colores que encuentra en su ruta emocional son precisos,  capaces de hacernos sentir amor a su ironía o  arrogancia. Sabe dirigirse a su público y hacerle gratamente íntimo el momento, imprimiendo una fantástica empatía. Porta la piel de su personaje y lo disfruta, dejándonos saborear con ella cada tono.

 Ronda de aplausos merecidísima al resto del elenco integrado por Antonio Albores, Mónica Raphael, Ernesto Gout, Edgar Ibarra (cuyo fascinante talento y destreza al piano transportan totalmente a cada lugar imaginado en las partituras de Bellini a Verdi) junto a Denise De Ramery, quién resulta una joya actoral que se eleva a la altura de Bracho para robarse el momento al brillar como la insegura Sharon anotándose uno de los momentos más  contundentes de la puesta.

 Sería injusto dejar de mencionar la atinada Iluminación de Laura Rode que aprovecha la conceptual escenografía de David Lombrozo para hacer notar cada movimiento actoral. Amén de la genial caracterización de Bracho como Callas, a cargo de Bernardo Vázquez.

 El arte, en su misterio, las diversas bellezas mezcla y confunde, recóndita armonía de las diversas bellezas. Pero no hay que confundirse para afirmar que esta producción es una auténtica clase maestra sobre el buen teatro y la vida misma.

Perturbador, indecente y pornográfico: Robert Mapplethorpe

El sexo, el homoerotismo, los lirios, las orquídeas y los afroamericanos fueron la fórmula más provocativa que pudo haber conseguido el fotógrafo Robert Mapplethorpe (Nueva York 4 de noviembre de 1946 – 9 de marzo 1989) para generar justamente lo que él quería: lo impensable, lo inesperado.

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 En un principio, Mapplethorpe no se consideraba a sí mismo fotógrafo e incluso incursionó en otras ramas del arte como la pintura y el collage, en el que ya utilizaba fotografías (las cuales no eran de su autoría); tiempo después comenzó a producir sus propias tomas con una cámara Polaroid (cámara instantánea) con la intención de complementar su trabajo, que en su mayoría estaba conformado por autorretratos. Poco después produjo la primera de una serie de retrato de su amiga Patti Smith, reconocida cantante y poetisa.

 Sus fotografías, técnicamente hablando, son exquisitas y reflejan el sumo cuidado con el que fue realizada cada sesión. De contenido excesivamente explícito, tachado de indecente, perturbador y pornográfico resultando en algo hipnotizante por los estilizados cuerpos  desnudos ahí plasmados tanto de hombres como de mujeres, simulando estatuas.

 “Pensé que si lograba trasladar aquel elemento al arte, si conseguía retener de algún modo aquella sensación, estaría haciendo algo único y exclusivamente mío.”

— R.M.

 A lo largo de su trabajo se puede observar el persistente juego del blanco y negro, que muestra el perpetuo limbo en el que vivía el chico homosexual y promiscuo de educación católica de clase media que se convirtió en uno de los más aclamados fotógrafos del siglo XX y el principal documentalista de sexo de sus tiempos, incluyendo su propia sexualidad y sus diversificaciones más escandalosas como el sadomasoquismo y el bondage, todo esto más allá de lo obsceno sino en una constante búsqueda de lo estético.

 No sólo realizaba fotografías de índole sexual sino también de flores en las que el color era un elemento partícipe; ahí destacaban la belleza y delicadeza e incluso lograba cierto erotismo y sensualidad. Trabajó en diversas ocasiones para la revista Vogue y también hizo retratos de celebridades que incluso eran influencias para él, como Andy Warhol (Artista plástico estadounidense).

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 Ante tales temáticas, las críticas y la censura por parte de las personas conservadoras de la sociedad estadounidense no se hicieron esperar, incluso la Corcoran Gallery of Art (la institución cultural privada más grande Washington D.C.) quien ya había autorizado la exposición individual de Mapplethorpe, se negó a exhibir las imágenes en sus instalaciones tras ver su contenido. Después de que la Corcoran Gallery of Art rechazara la exposición, la comunidad de artistas de Washington ofreció una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de esta institución.

 Lamentablemente Robert Mapplethorpe contrajo el virus del VIH y murió por complicaciones derivadas de SIDA a los 42 años. Aproximadamente un año antes de su muerte creó  Robert Mapplethorpe Foundation con la intención de promover a nivel mundial su patrimonio y ayudar a la lucha contra el VIH y el SIDA.

 

 

 

 

 

 

 

Aún somos más de 43

En occidente 
hablamos sin hablar, 
escuchamos sin escuchar, 
pensamos sin pensar. 
Vivimos en ficción y en amnesia colectiva.

Se vive simulación, se come desesperanza, se respira desesperación
Las heridas ocasionadas serán indelebles en el escenario dantesco.

Te brindan grilletes y mordazas 
para no dejarte hablar, pensar, actuar. 
Qué estas líneas describan que el hombre en la ciudad vive privado del alma 
se convierte en frívolo maniquí sin rostro. 
Por lo tanto también sin conciencia. 

Montegrey, Le·Mat

Todo indica que esta tarde será una de esas en donde se conglomeran íntegras aquellas miradas repletas de lo inexplicable. Y es que ¿cómo se pueden reunir en un par de ojos que después se multiplicarán tanta tristeza, hastío, coraje, y esas ganas de continuar tirando de una cuerda que parece estar a punto de romperse? La realidad que nuestro México ha ido acumulando a lo largo de los años los (nos) está orillando al grito, al “ya basta”, al nudo en la garganta, a salir a las calles a decir “estoy cansado, no quiero ser el número 44, ni el 73, ni el primero de una nueva lista que el gobierno no se cansará de ‘lamentar’ sin llevar acciones a cabo”.

 De este día sólo espero una cosa: Que no quepan en el Zócalo. Que sean tantos, que la unión de las personas se exprese más allá de un límite territorial y estadístico. Que nuestro país sea más que eso, porque aún somos más de 43.

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Crédito: Roberto Palma

Emilio Morenatti: Entre la vida y la muerte


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Judío ortodoxo junto a un soldado israelí.                                  Emilio Morenatti,2005.

El semblante lleno de lágrimas, un rostro que muestra dolor hacia la vida, una máscara que cuando se logra quitar corroe la sangre por doquier. La desfachatez de un mundo que pasa los ojos por el color rosa y no por el gris. La multitud se mezcla con una alegría fingida, mientras las voces se vuelven ecos para los sordos… un grito soslayado se une hacia los golpes físicos y emocionales de un juego mal pagado. Guerras, hambres, infortunios, balaceras en los barrios más pobres como en los más burgueses, peleas callejeras, asaltos, secuestros, robo a transeúntes y a la lista se unen un número bastante alto de las complejidades sociales de vivir en un planeta que no sabe de igualdad ni equidad. Parece fácil ir caminando viendo a un vagabundo que clama por un plato de comida, mientras que sigues cómodamente el vaivén de tus zapatos bien boleados y en el mejor de los casos, hasta de marca. Una señora a lo lejos grita justicia para quien acaba de ser baleado en la esquina, un niño vendiendo chicles en la acera derecha y los automóviles pasan y pasan sin titubear ante la barbarie humana.

 Lo anterior, se refleja en el trabajo del fotógrafo y periodista español Emilio Morenatti. Luchador social que ha tratado de reflejar al mundo a través de una cámara, con toda la serie de acontecimientos de impacto mundial como han sido los sucesos presentados en franja de Gaza y en general, en Medio Oriente. El peligro que se presenta día a día en esta parte del mundo ha reflejado la gran ola de violencia que se padece a nivel internacional en cuanto a disturbios que se acompañan de múltiples características, que van desde la discriminación del sexo femenino hasta atentados  que se cometen en contra de la estabilidad de la sociedad en general. Fotoperiodista que se enfrenta ante la muerte, pero que no se deja invadir por el miedo ante hechos que hacen la huida más factible que otra cosa. Sobreviviente del peligro, víctima de un secuestro en Gaza en 2006, ferviente y acérrimo defensor de la vida aunque le cueste la de él; Morenatti logra sobrevivir a la tragedia ante el tumulto de ultraje hacia la vida. Comprometido con su trabajo de investigación, a pesar de haber sufrido una amputación de pie, refleja el gran talento y compromiso que mantiene hacia su labor.

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Kabul, Afganistán. Emilio Morenatti.
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Mujeres pakistaníes luchando por el subsidio hacia la comida. Emilio Morenatti.
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Niños palestinos presentes en un atentado. Emilio Morenatti, 2005.

 Confrontaciones bélicas, mujeres que son víctimas de las guerras, entre otros temas, han sido parte de su extenso y magnífico trabajo que le permitió ser el ganador del World Press Photo. Con una serie de mecanismos para retratar las condiciones que delataban a la muerte más cercana que la vida, el español se dedicó por años a comprender y analizar los conflictos sociales desde un arduo compromiso con la sociedad. En ese sentido, indaga las pautas de lugares sombríos y oscos para hacer tomas sobre la desesperanza de una sociedad que ya no quiere más hambre ni más olvido, sólo pide paz; paz para la sociedad que ya no cesa de llanto y dolor, bondad hacia los más necesitados y candor hacia los más desesperanzados. Emilio va más allá de una simple fotografía, indaga sobre el miedo y sus variantes, para mostrarle al público que esto va más allá de simples roces entre países; esto muestra al mundo de que está hecha la necesidad de sobresalir más otros. Crisis social que relata cada fotografía, mostrando un sinfín de detalles que dejan inaudito al que logre visualizar de manera realista el retrato de una sociedad inmersa en el desconsuelo.

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Rumbo a una celebración pakistaní.Emilio Morenatti, 2009.
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Mujer pakistaní acarreando agua. Emilio Morenatti, 2008.

 Cometido lleno de valentía que logra impulsar su objetivo a partir del caos de un mundo lleno de contradicciones, que lo llevan a ser el portavoz de crueles sucesos. Un ejemplo de esto es el trabajo que realizó en territorio pakistaní, contempló a través de una serie de fotografías la encrucijada social entre pobreza y maldad, para impulsar un memorándum de la vida en ciudades que enfrentan la violencia indiscriminada desde que amanece hasta que llega a terminar el día. Miradas que piden que la injusticia termine para salir a disfrutar del sol a todo su esplendor, y la vida va y viene a raudales con un mar de lamentos que se han hecho escuchar más de un siglo entero. Mujeres cansadas y fastidiadas de ser vistas como un objeto, hombres que gozan de una egocentrismo inadmisible que les permite atentar  sin piedad contra las personas más vulnerables, cenizas y más cenizas de cadáveres que no se reconocieron y se mezclan en los sitios más olvidados: Los pobres. Nada cambia y todo se transforma para fines lucrativos; tiempos que pertenecen al siglo XXI.

Especial Ghibli: El Regreso del Gato

Si bien es cierto que el Studio Ghibli no ha llevado a cabo ninguna secuela de alguna de sus producciones (aunque según rumores, si ha habido interés por hacerlo), lo más cercano a una segunda parte que este estudio nos ha brindado es la siguiente película.  Dirigida por otro nuevo talento del estudio, Hiroyuki Morita, El Regreso del Gato, o bien, Haru en el Reino de los Gatos (Neko no ongaeshi, 2002) es mas que una secuela o precuela, un spin off de la cinta Susurros del Corazón (Mimi wo sumaseba, 1995) también de Ghibli.

 Según algunos involucrados, esta película estaba pensada para ser la adaptación de la novela que Shisuku escribe en la película antes mencionada, la cual contaba con un elegante gato como protagonista. No obstante, los conocedores de la historia notarán que esta nueva cinta no tiene mucho que ver con aquel relato de fantasía más que sus personajes. La historia nos cuenta la travesía de Haru, una joven que tras quedar comprometida por accidente con un príncipe gato es transportada a un mundo donde ellos gobiernan y desean convertirla en su nueva princesa.

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 Haru queda atemorizada ante esta situación, ya que a pesar de que le ofrecen una vida de lujos y vacía de conflictos, para un humano resulta prácticamente imposible adaptarse a un mundo de felinos. Por si esto fuera poco, ella misma comienza a convertirse en un gato y dependerá de El Barón, su héroe gatuno, salvarla de ese peculiar destino y llevarla de regreso a su mundo y a su vida normal.

 Si bien no es una cinta tan magistral como otras que ha hecho el estudio, resulta ser un proyecto de gran valor y de gran calidad. Más aún considerando que se trata de una película que fue evolucionando de ser un corto para un parte de atracciones hasta todo un largometraje. Ambas historias no están conectadas y quizá eso es lo único que este servidor habría querido agregarle a la trama, pero fuera de eso, es una cinta muy disfrutable.

QualitŽ: deuxime gŽnŽration.   Titre: Le Royaume Des Chats.

Con un estilo de arte más colorido, casi al pastel, y una animación maravillosa, la película es muy disfrutable sin llegar a volverse legendaria. Quizá el público infantil la encontrará ligeramente mas disfrutable que los adultos, pero eso no significa que nos sea algo que los mayores no puedan gozar. Recomendaría ver primero su predecesora, más para disfrutar de las múltiples referencias que hay a esa otra película, no obstante, la cinta es tan sólida como para ser entendible y vista de forma independiente. Eso sí, no puedes ver una y perderte la otra. Ambas son excelentes películas, ambas dignas hijas de estudio de Hayao Miyazaki e Isao Takahata.

Layout: Cuarto de Máquinas, la posibilidad del mundo al revés por medio de los objetos

…Estamos imaginando, con esta frase se presenta Cuarto de Máquinas cuando buscas más información en redes sociales o su tienda en línea.Cuarto de Máquinas

 Ya sea una libreta, una taza, un cuadro o un libro ilustrado, Cuarto de Máquinas tiene una propuesta fresca que evoca a los objetos para llamar a la nostalgia a través de la formas que se van reconociendo cuando se hace una lectura detallada de sus diseños.

 Con un toque de humor y frases sencillas elaboran una poesía visual traducida en un objeto cotidiano, propiciando una conexión emocional que provoca la necesidad de quererlo de inmediato. El proceso de diseño consiste en la retroalimentación de las ideas de sus creativos y que comparten sobre algo que les interesa en particular permeado por su entorno.

Asumimos dos procesos creativos distintos que en algún momento se deben conectar para identificar si esa idea, esa imagen, ese sueño que nos ronda la cabeza se puede realizar… Consideramos fundamental para nuestro proceso creativo, todo; caminar, ver películas, escuchar música, ir al teatro, leer, revisar blogs, hojear revistas, visitar cafés, platicar con los amigos, dibujar, andar en bicicleta, jugar…

 

Detrás de las máquinas1_4Maquinas-08Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas está conformado por Raquel García y Mauricio López, quienes han unido su talento para producir objetos que se distinguen rápidamente por las ilustraciones cargadas de formas cotidianas y naturales con un toque de poesía visual y diseños tipo collage que fusionan formas geométricas con elementos orgánicos.

Estudiamos juntos en la Universidad, después nos hicimos novios, con el paso del tiempo ya teníamos proyectos en conjunto que nos llenaban de emoción y nos hacían creer en el mundo al revés.

Lo bueno y malo de los bazares…Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas transmite buena vibra cuando los conoces en persona, ya sea en algún bazar o en la calle. Su popularidad ha ido en aumento y estos últimos meses han sido muy importantes para ellos ya que el participar en los bazares de diseño, les ha permitido que más personas los conozcan y tengan un canal de venta directo, sin embargo, reflexionan sobre la posibilidad de encontrar nuevas caminos de difusión y no estancarse.

Reconocemos la importancia de los bazares para darle visibilidad al diseño independiente, pero también pensamos que el diseño no debería construirse únicamente desde el planteamiento comercial, sería importante no perder de vista el plano creativo, el experimental y las contribuciones sociales y culturales que el diseño puede generar. 

Diseño AutogestivoCuarto de Máquinas

En Tráfico Bazar han encontrado un lugar para conocer gente que se ha identificado con su proyecto y poder tantear el terrero sobre lo que están haciendo otras marcas de diseño independiente, aunque ellos se describen como un proyecto autogestivo que permite hacer las cosas de distinta manera a las establecidas en el campo laboral del diseño.

A nosotros nos gusta explicar el diseño autogestivo como aquel que surge por iniciativa del diseñador, y en lugar de centrarse en las necesidades del cliente, busca generar un diálogo con el usuario final del objeto de diseño. Digamos que no importa quien está detrás, sino delante del diseño. 

Cuarto de MáquinasSu adaptabilidad a la corriente de formas de venta los ha llevado a poner su tienda en línea a través de Kichink para comercializar sus productos proporcionándoles visibilidad a otro nivel, sin embargo, y bajo su percepción ese alcance aún es limitado.

Wajdi Mouawad en México

Pudiera ser pretenciosa la aseveración de decir que cualquier persona que se da a la tarea de crear un genuino acercamiento con el teatro habría de encontrarse, más tarde que temprano, con —al menos— una obra de este autor, pero nada más lejos de la verdad al señalarle como una de las figuras más grandes e influyentes de la escena contemporánea mundial.

 De infancia en Beirut, adolescencia en París y adultez en Montreal, “libanés de nacimiento, francés de pensamiento y canadiense por su teatro”, es como él mismo se precisa. En su obra se entrevén guiños autobiográficos que definen de manera general los argumentos principales de sus textos. La niñez como cuchillo clavado en la garganta, las vidas ensombrecidas por los conflictos civiles bélicos, la inminente certeza de la muerte, el miedo a la pérdida, la búsqueda incansable de los orígenes de la existencia, los fantasmas siempre presentes, los árboles con sus raíces y sus ramas, la memoria, los sueños y el espíritu.

 Nacido en 1968, Wajdi Mouawad se gradúa de la Escuela Nacional de Teatro de Canadá en 1991 para comenzar su desempeño profesional en las artes. Encabeza dos compañías teatrales —Au carré de l’hypoténuse en París, y Abé carré cé carré en Montreal— y cuenta con una vasta experiencia en las tablas como escritor, actor y director de distintos montajes. De entre sus títulos, destaca la tetralogía La sangre de las promesas  (Le sang des promesses), compuesta por Bosques (Forêts), Litoral (Littoral), Incendios (Incendies) y Cielos (Ciels); además de Alphonse, Pacamambo y Sedientos (Assoiffés), entre otras.

 Su nombre se disparó en la escena mundial desde hace aproximadamente diez años, ha sido traducido a más de quince idiomas; acreedor de diversos galardones, llevado a escena en muchísimos países, incluyendo México, e incluso adaptado a la pantalla grande.

Escena extraída de Incendies (traducida al español como La mujer que cantaba). Es la adaptación cinematográfica de la obra del mismo nombre, escrita por Wajdi Mouawad. El filme fue dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y le valdría la nominación a Mejor película extranjera en los premios Oscar de 2011.

 El trabajo en conjunto de Humberto Pérez Mortera como traductor de su obra y de Hugo Arrevillaga Serrano como mano maestra para la dirección de los montajes —además de elencos medianamente fijos con actores como Karina Gidi, Arcelia Ramírez, Pedro Mira, Guillermo Villegas, Sonia Franco, Tomás Rojas, Rebeca Trejo y Adrián Vázquez, entre otros—, es la manera en que Mouawad ha sido materializado en teatros mexicanos desde años atrás.

Acompañada de Alejandra Chacón como parte del elenco, en la imagen, Karina Gidi, quien da vida a Nawal, personaje principal de la obra Incendios. Basada en el texto de Wajdi Mouawad y dirigida por Hugo Arrevillaga.

 Hugo practicó una lectura en voz alta de Wilfrid, el personaje principal de Litoral, y sintió la necesidad de montarlo. El resto es historia: desde entonces, muchos son los foros que han visto pasar la obra de este prolífico dramaturgo, y aún mayor el público que, de alguna u otra manera, se ha dejado estremecer por ella.

 

El arte es un tigre dientes de sable, hambriento, que entra sin tocar a la casa. Intente calmarlo. Sólo habrá dos opciones: o él lo devora, o usted lo mata. Ser artista en esta época, en lo que a mí concierne, es aceptar dejarse devorar para volverse en el vientre del tigre, el tigre.

Wajdi Mouawad

 

 Noviembre es el mes elegido para que Wajdi Mouawad visite México por primera vez con motivo de presentar su obra Solos (Seuls) con dos únicas funciones los días 22 y 23 en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, pero hay más actividades como parte de su itinerario a realizar en la ciudad que se extienden por prácticamente las últimas dos semanas del mes en curso:

  • Charla alrededor de la novela Ánima, de Wajdi Mouawad. Modera: Agnès Mérat
    Cuándo: Jueves 20 de noviembre, 19:30 horas
    Dónde: IFAL, Casa de Francia (Havre 15, colonia Juárez)
    *Entrada libre

 

 

  • Taller de Creadores con Wajdi Mouawad
    Cuándo: del 25 al 27 de noviembre, de 11:30 a 15:00 horas
    Dónde: Foro Shakespeare (Zamora 7, colonia Condesa)
    *Más detalles aquí.

 

  • Ventanas. Adaptación libre de la obra Seuls, de Wajdi Mouawad, por Hugo Arrevillaga, seguido por un diálogo de Arcelia Ramírez con Wajdi Mouawad.
    Montaje con la Generación 2010-2014 del Centro Universitario de Teatro (CUT)
    Cuándo: Jueves 27 de noviembre, 17:00 horas
    Dónde: Caja Negra del CUT
    *Entrada libre, cupo limitado

 

 Los apasionados del teatro podrán ratificarlo, y los neófitos entusiastas de las tablas quedarán bajo advertencia: el acercamiento a la obra de este dramaturgo franco-libanés es un viaje revelador, incansable, fecundo y placenteramente desgarrador. Extendemos la invitación a los lectores a atender los eventos mencionados, mientras tanto, compartimos un fragmento de la nueva novela del autor que llevará por nombre Anima. Cortesía de Excélsior, puedes echarle un vistazo aquí.

Palabras breves: Proyecto Sofía

No soy el tipo de periodista, escritor, o simple mortal detrás de una publicación, que tienda a plasmar sus ideales o preferencias políticas, religiosas o  meramente sociales a través de su oficio. Condeno a los colegas que se toman tal libertinaje y repudio totalmente la idea de manipular de tal forma el pensamiento del lector, ya suficientemente influencia generan los discursos para aun así añadirles dedicatoria.

 Empero, desde hace unos días me encontré en las redes sociales de una de las mejores actrices de este país (nunca me cansaré de decirlo), Karina Gidi, una historia que me afectó bastante como ciudadano mexicano que soy, consciente de la situación en la que nuestro país se ve hundido, donde la impunidad acompaña de la mano a los delitos y el estado oprime a sus habitantes imposibilitando la paz que sus líderes juraron garantizarnos, declarando el derecho de la nación a demandar sus faltas al incumplir.

 Quisiera relatar de una mejor manera lo que leí, pero he decidido que es mejor permitirme transportar el texto original de Gidi a continuación, a manera de que ella misma tenga espacio en este escrito:

“Mi hija Sofia me preguntó si podríamos cambiar de presidente, le contesté que suponía que sí, aunque no creía que fuera fácil. Escribió en un papel: Personas que quieren la renuncia de Peña Nieto. Me dio su pluma, firmé. Agarró su diccionario escolar para apoyarse y me dijo: me voy a juntar firmas.

Salí con ella, acompañándola en su proyecto. Empezó tocando las puertas de nuestros vecinos. “Estoy juntando firmas para que renuncie el presidente, ¿quiere usted firmar?”. Luego llegamos a la avenida y ahí le pidió su firma a la gente que pasaba. Fuimos a la papelería, a la tiendita, a la estética, llegamos al parque y ahí abordó a todos los adultos que encontró. “Mi firma no cuenta porque tengo 11 años, pero si junto muchas firmas de adulto tal vez eso sí cuente”. Debí haberla grabado.

Con algunas personas dudaba “están muy ocupados, mamá, no los quiero interrumpir”. La señorita de la veterinaria le dijo “¿qué vas a hacer con estas firmas?”
Sofía: Pues no sé. Llevarlas al gobierno. 
Vet: ¿Es un proyecto de la escuela?
Sofía: No, es idea mía.
Vet: ¿Y cuáles son tus argumentos?
Sofía: Peña Nieto no le ha respondido como se debe a los familiares de los estudiantes desaparecidos, se fue a China y tiene una casa de 80 millones de pesos.
Vet: Ojalá juntes muchas firmas. 
Sofía: Gracias.
Llenó las hojas que llevaba consiguiendo 48 firmas y volvimos a casa. Sólo 5 personas se negaron a firmar.
Sofía: Mañana voy a salir con más hojas y en una bolsa voy a llevar éstas para que vean que más gente ha firmado. Y le voy a pedir a mis amigos que hagan lo mismo en su colonia. Pero, mamá, son poquitas, van a faltar muchísimas firmas.
Yo: No pienses en eso. Poco a poco. Acuérdate lo que dice el Emperador en Mulán: un grano de arroz puede inclinar la balanza. Juntamos estas firmas con otras de otros grupos y serán muchas más. 
Sofía: Yo quiero ser como ese grano de arroz.

Yo no tengo idea de cómo se destituye a un presidente. Pero ojalá pueda de verdad llevar esas hojas a alguna parte que ayude a Sofía a sentir que su esfuerzo vale la pena, que lo intentamos a toda costa. Fui incapaz de decirle que no lo hiciera, que era casi imposible. No puedo cortarle las alas. Esta generación viene con fuerza, con fe y determinación, y con un concepto de lo que es decente y justo que ya quisieran muchos para un fin de semana.”

 

 Yo como  como El Maravilloso Mago de Oz de Wicked soy un gran sentimental, no pude evitar conmoverme al notar como una extraordinaria pequeña de apenas 11 años reacciona de una manera tan madura e imponente ante la inexistencia de una garantía para su futuro, anexo a su presente, cuando el mandatario de su nación evade sus responsabilidades sin rendir cuentas al pueblo que le ha dado el puesto que hoy ostenta.

 Al comunicar esta acción no pretendo obligar a quien me lea a firmar esta iniciativa, sino a todo mexicano a recordar las palabras de Víctor Hugo: “Entre el gobierno que hace el mal y el pueblo que lo consiente, hay cierta solidaridad vergonzosa”.

 Es cierto, hay que contagiar la rabia, tomar fuerza de nuestro hartazgo para exigir la justicia que a México le ha sido tan ausente desde hace mucho tiempo, pero también hay que contagiar la esperanza de que al final, los que buscamos hacer el bien somos más.

Este es el link que lleva a la petición de firmas elaborada en Change.org, por si se ofrece, o no.

https://www.change.org/p/enrique-pe%C3%B1a-nieto-proyectosof%C3%ADa-que-se-vaya-enrique-pe%C3%B1a-nieto

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Desastre Natural: animales empaquetados

Después de años de búsqueda sobre connotaciones ambientales, científicas, sociales y pedagógicas que giran en torno a los zoológicos; Alberto Baraya, de Bogotá y Jonathan Hernández, de la Ciudad de México logran traer a su material a Casa de Lago, que es expuesto bajo el nombre Desastre Natural.

Foto de: gastv.mx
Foto de: gastv.mx

 La instalación comprende de tres salas que recrean el hábitat de diferentes animales disecados (a través de la taxidermia) para simular que están vivos y así facilitar su exposición. En el recorrido se pueden apreciar jirafas, focas, venados, entre otros, empaquetados en cajas de cartón, junto con diurex y plástico de burbujas.

Foto de: casadellago.unam.mx
Foto de: casadellago.unam.mx

 De igual forma, Casa de Lago estará presentando actividades paralelas a la exposición, en las se encuentran las siguientes conferencias:

  • Experiencias de trabajo en San Luis Río Colorado, Sonora.

Con la participación del fotógrafo Pablo Ortiz Monasterio el miércoles 19 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1

  • Alas rotas y El zoológico de Chapultepec en el siglo XXI

Con Liliana Montañez, curadora del Museo de Historia Natural y la Dra. Adriana Fernández, directora del zoológico de Chapultepec el miércoles 26 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1
La exposición estará hasta el 8 de febrero del 2015
*Entrada libre

Review: 6 Grandes Héroes

Es curioso que en los dos estrenos cinematográficos principales en nuestro país de esta semana la temática de ambas tenga un elemento en común: los súper héroes. Por un lado tenemos a la tan mencionada y aplaudida Birdman (Birdman, 2014), del director mexicano Alejandro González Iñárritu (cuyas recientes declaraciones en contra de este género causaron cierta polémica en algunos sectores del público). Por el otro lado, tenemos el estreno familiar, y lo que nos compete en esta sección, animado: 6 Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014).

 Hiro Hamada es un brillante chico con aptitudes para la robótica que vive en la imaginaria ciudad de San Fransokyo y que, motivado por su hermano Tadashi, aspira a ser aceptado en una prestigiosa universidad de jóvenes con mentes sobresalientes (osea, nerds). Luego de un desafortunado accidente que le cuesta la vida a Tadashi, Hiro descubre que uno de sus inventos ha sido robado por un villano enmascarado de fines nada claros, por lo que decide investigar al respecto. En su camino será ayudado por Baymax, un robot creado por su hermano y cuya única función es la de curar a la gente, además de un grupo de amigos nerds. Es de este modo como da inicio la aventura, y de paso, el nacimiento de un nuevo grupo de justicieros: Los 6 Grandes Héroes.

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 La historia cumple con el fin de entretener, en ratos divertir y en otros conmover, cosa común en las películas de Disney; no obstante, el encanto de esta cinta es que tenemos la querida fórmula del estudio del ratón unido al puro estilo de los súper héroes (Recordemos que Marvel está involucrado en el proyecto). La trama es sencilla y en cierta forma predecible, sin embargo está muy bien lograda. La película divierte a chicos y grandes y el sabor de boca que nos deja al final es verdaderamente placentero. La animación, arte y diseño de personajes es magistral, destacando las tomas panorámicas de esta ciudad ficticia que combina el esplendor de una metrópoli americana con la cultura oriental.

 Así mismo, hay que resaltar a los protagonistas. Hiro resulta ser un personaje muy completo que refleja muy bien los dilemas de la pre adolescencia, además de que no es el típico héroe perfecto y sí un humano con temperamentos variables que en momentos de intenso dolor es capaz incluso de desear el mal a sus enemigos; por supuesto que todo esto sin perder la esencia de su buen corazón. Baymax por otro lado es el robot que todos quisiéramos tener, un personaje amable, adorable, servicial y un amigo incondicional. Resulta maravilloso cómo un personaje sin más rostro que un par de ojos totalmente negros, y cuyo tono de voz no tiene variación alguna por estados de ánimo (es una maquina a fin de cuentas) termine siendo tan entrañable y expresivo.

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 Quizá no sea el gran descubrimiento de Disney, quizá no aporte nada más de lo que ya hemos visto en películas de Marvel o DC Comics, sin embargo la mezcla de estos dos universos resulta interesante y la película dejará satisfechos a los espectadores, sea cual sea su edad. Ampliamente recomendable y garantizado es que pasarán un buen rato viéndola. Personalmente, se ha agregado a mi lista de cintas animadas preferidas.

Federico Fellini: Recuerdos de Italia


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Taste of cinema.

La peculiaridad para retratar el ambiente social de 1950 a 1960 , recae en la sensibilidad que poseía Federico Fellini: llevar a través del séptimo arte la singularidad de los hechos tan controversiales que sucedían, tales como violencia intrafamiliar, discriminación, pobreza –en diversas facetas, lucha entre clases sociales y la precariedad de la vida en esa coyuntura mencionada. Aspectos que enriquecían la postura del director y guionista italiano, para brindarle al cine de lo mejor que se ha hecho internacionalmente.

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Vogue.

 Conforme al transcurso de su vida, Federico Fellini veía en Italia la gran confrontación que  existía entre clases, lo cual incrementaba los problemas sociales y no permitía el desenvolvimiento pleno; por eso surge su necesidad de retratar a su natal país en cada película, ya sea desde diversos escenarios que iban de una mujer que perdió la esperanza en la vida y en sí misma, como a un núcleo social que sufría las consecuencias de una pobreza llena de desvaríos y censuras. Su cometido fue logrado de una manera tan clara y precisa, que su legado en la cinematografía dejó una gran huella que sigue reconociéndose en estos tiempos donde la crisis social hace su aparición de una manera descabellada. No fue en balde su trabajo, ya que obtuvo el reconocimiento de la Academia con cuatro premios Óscar, aunque cabe destacar que su finalidad nunca fue esa, él mismo se encargó de demostrarlo implícitamente en cada guion, ya que no presentaban características de pretensión ni simulación de los hechos, es por eso que alcanzó la precisión de cada problemática; pasando desde el momento lleno de felicidad hasta el más cruel.

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Federico Fellini y Giulietta Masina.

 Su desempeño profesional  en primera instancia como dibujante le permitió tener una perspectiva más alta sobre lo que quería hacer, por lo que se dedicó primero a escribir y a dibujar; y posteriormente se dedicaría al séptimo arte. No fue fácil su desarrollo laboral, ya que se enfrentó a la represión por parte del Estado que perseguía indiscriminadamente a los artistas que trataban de impartir al público otro tipo de espectáculo, por lo cual al fungir como guionista de la serie Flash Gordon, tuvo que enfrentar al gobierno conservador siguiendo su trabajo en la misma línea. Nunca dejó que cuestiones externas le atemorizaran para hacer lo que tanto disfrutaba.

“Hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños: años pueden pasar en segundos y se puede saltar en un lugar a otro.”

— Federico Fellini.

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Giulietta Masina en las Noches de Cabiria

 Hizo su aparición en el cine de manera magistral, gracias a la relación que mantuvo con el director italiano Roberto Rossellini , quien le ayudó en un principio a dar forma a obras maestras como Roma, ciudad abierta y El jeque en blanco. 1950 fue el año donde presentó su primer largometraje Luces de Varieté; con la película La Strada (1954) alcanzó el retrato de una sociedad sombría y llena de calumnias hacia una mujer que esperaba sólo ser amada, y que sufría una condición de pobreza  que la llevó a estar dispuesta a aceptar un sinfín de desplantes por una sociedad que sólo se mofaba de ella y la ponía en el centro del espectáculo como el títere que siempre se negó a ser, pero que por costumbre le fue impuesto y que sin duda, se acostumbró a serlo sin cuestionar el sentido del porqué se le trataba así. Giulietta Masina fue la gran estrella que le dio forma a personajes femeninos tan peculiares como Gelsomina en la Strada (1954), Cabiria en las noches de Cabiria (1956)  mujer que enfrentaba el reto de poder pertenecer al mundo siendo ella misma; su sensibilidad y carisma hacia la vida le permitían enamorarse fácilmente de cualquier hombre e imaginar un mundo de color rosa, lo cual no le permitía encontrar un equilibrio en su vida, se confiaba fácilmente de quien fuera y su vulnerabilidad la hizo presa de un dolor inmenso. Sin dejar pasar a Julieta de los espíritus (1965) personaje que puso al cine de cabeza, ya que la actuación logró compenetrar hacia el esquema social más oscuro de aquél tiempo, personaje que relata la infelicidad y la inseguridad de un ambiente familiar que sólo le provoca soledad (nada alejado de lo que pasa actualmente).

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Escena de La Strada.
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Masina interpretando a Gelsomina.

 La dolce vita (1960), con la participación Marcello Mastroianni, obtuvo la Palma de oro en el Festival de Cannes. Ocho y medio (1963) también la protagonizó el italiano Marcello; ambas películas encontraron la situación de un mundo lleno de prejuicios y de vicios que los acercaban a la perdición o la reflexión según fuera el caso, por lo cual estas dos cintas reflejaron al mundo que olvida y que critica, sin tener un preámbulo constante. Se recordaba todo mientras causara algo positivo y de lo contrario, se desechaba.

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Escena de La dolce vita.

Con música del célebre compositor Nino Rota, las cintas del guionista italiano alcanzaron la popularidad en todas las zonas periféricas del país justo como lo quería Fellini, hacer llegar a la gente más alejada del ambiente una reflexión que le permitiera tener una criterio más amplio sobre lo que acontecía en Italia a mediados del siglo XX. Melodías como la de Amacord, las noches de Cabiria, la dolce vita siguen impregnando la galantería de sumos detalles.

 Su versatilidad le permitió rebasar los límites del séptimo arte, para adoptar una perspectiva que difería con lo que se quería mostrar con lo que debería de enseñar al público, que era la realidad de tiempos difíciles donde la reflexión se tenía que abrir ante el cine a través de personajes tan bien definidos como los que se mencionaron con anterioridad. Una sociedad en crisis, con problemas por enfrentar su situación; cuestiones que no son tan diferentes de lo que pasa en estos momentos. Sin duda, el legado del gran genio italiano sigue en pie.

Tres tristes tigres sedientos tras el trigal

“UN HOMBRE QUE NO SE ALIMENTA DE SUS SUEÑOS, ENVEJECE PRONTO”

 William Shakespeare

Un antropólogo forense se encuentra en su mesa de trabajo frente a los huesos de dos personas jóvenes que murieron unidas. Un hombre y una mujer se ahogaron abrazados en el lago del pueblo hace muchos años. Ese muchacho había comenzado el día decido a no callarse, andar por ahí cuestionando a todos acerca de la utilidad de cuanto acontece o se hace en la cotidianidad. Quien fuera persona ahora es un cadáver, alguna vez fue compañero de clases del hermano del forense, él mismo convivió a su lado pero ahora está de frente a su persona pidiéndole identifique sus restos y redescubra más allá de la historia que quedó en el pasado del profesionista en el laboratorio, cuando era un soñador y escribía para permitirle a su alma expresar lo que a su alrededor pasaba, ahora ya no más.

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 Se ha hablado tanto de la dramaturgia de Wajdi Mouawad desde que llegó al mundo del teatro, que realmente queda poco por describir, pero mucho por sentir  a través de su escritura. En esta ocasión con Sedientos, que repone temporada los domingos en el Teatro La Capilla, dirigida —por supuesto— por Hugo Arrevillaga (sí, advertencia de llanto, favor de llevar sus pañuelos desechables).

 Mouawad expone la historia de una persona que alguna vez escribió una obra de teatro, sin otro propósito más que sacar de su sistema aquello que sentía, las palabras eran el medio y su significado la aproximación hacia una teoría sobre el merecimiento de la felicidad. La persona vio humillados sus sueños y los abandonó, mató una parte de su ser, al artista y nadie se dio cuenta, hoy la muerte está de frente a él reclamándole por aquello que se llevó sin que fuese necesario o útil.

Poéticamente, el autor desarrolla una invitación abierta el público, consistente y concisa a un mensaje: No abandones tus sueños. Porque una decisión cambia el curso de toda una vida, en este caso la representación usa de vehículo a la adolescencia, un momento en el desarrollo del ser humano lleno de frenesí y vigor que demanda como niño pequeño el saber práctico de todo aquello que lo rodea, sus sistemas de funcionamiento, etc. En ese punto de inflexión ocurren dos vertientes: la sustentación de los sentimientos o la retractación de uno o varios.

 Empero de la situación, la dirección de Arrevillaga nuevamente es cómplice del autor libanés y consume las palabras del discurso a través de la belleza como el elemento principal a juego. Aquí hay una sensación de soledad que es intolerante, junto a una necesidad de alejarse de los mecanismos de autodefensa a la vida y sus sensaciones.  Los personajes que desfilan por el escenario comparten ambiciones en torno a la belleza: conocerla, alcanzarla y materializarla, metas que coexisten en el tenor de no ser factibles sin la creencia de poder esclarecerlas.çj bç

 “MAÑANA VOY A VOLVER A EMPEZAR, PORQUE NO HAY RAZÓN PARA DETENERSE”

Arrevillaga conduce esta historia en una exploración de acciones abiertas y persistentes que resisten a la inclemencia del tiempo como fantasmas en pena. Convoca a sus actores a entender el panorama que provoca la desolación de vivir en la lejanía total a los sueños que uno mismo se plantea. La coreografía sostenida es ágil y llena de figuras de apoyo en amalgama con la breve escenografía y delimitada iluminación, de tal forma que cada cuadro construido comunica efectivamente una postura diferente para conjuntarse en un producto que destaca cuanta variabilidad es posible.

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 Decirle a la audiencia que siempre hay un motivo para vivir cada día, además de que el lazo de la humanidad nos une por siempre, no es fácil. Dicha capacidad requiere de una sensibilidad alta por parte del actor. Miguel Romero aparece en escena dominando esa necesidad, generando un viaje bastante placentero por su franqueza y tono que se torna cada vez más enternecedor a medida que la trama se desarrolla. El actor no solo transmite  la delicadeza de la vida misma, tambaleante e imprecisa, sino que extrae con cautela la vulnerabilidad de los seres humanos a ella misma.

 Pamela Almanza es suave en su interpretación y bondadosa con sus compañeros para conjurar momentos de lucidez, Andrés Torres Orozco impacta fuertemente por los constantes choques dramáticos que su rol posee, haciendo al actor lo suficientemente hábil para sacar a flote la gama de emociones reprimidas que debe sin hacerlas perder su condición.

 Esta es una obra de oposición a las renuncias impulsivas y en pro del emprendedurismo hacia los alcances deseados. La percepción de la realidad invisible dónde las esperanzas se han marchitado es dura y crítica, pero asienta muy bien a la acción que pide recibir la información son sensibilizaciones plenas y el corazón. Dónde la sed de sueños se satisface tan solo con demostrar acciones de peso para cambiar. Tan entrañable como directa, se construye certera, como la vida misma.