Imaginando música donde hubo muerte

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Imagine es un proyecto dirigido por el artista mexicano Pedro Reyes y se trata de 50 instrumentos musicales fabricados a partir de 6,700 armas de fuego rematadas por el gobierno. Es decir, armas previamente pertenecientes al crimen organizado e incautadas en algún operativo.

 

 

Reyes adquirió estas armas luego de que el gobierno mexicano le notificó de su existencia, gracias a que previamente había realizado Palas por Pistolas, otro proyecto en el que convirtió miles de armas de fuego en palas con las que plantó árboles.

Para ayudarle en la tarea, reclutó a un equipo de seis músicos quienes trabajaron durante dos semanas y lograron extraer sonido de los artefactos, entre los que había instrumentos de viento, cuerdas y percusión.

Reyes explica: “Es difícil de explicar pero la transformación fue más que sólo física. Es importante considerar muchas vidas fueron tomadas con estas armas; es como si un exorcismo sucediera y la música expulsara los demonios de las armas, así como un requiem para las vidas perdidas.”

Añade que la obra nace de la necesidad de llamar la atención a un tema que rara vez genera rechazo cultural. Portar armas se presenta como algo glamuroso en Hollywood y los videojuegos, sin embargo, la mitad del problema de la violencia en México recae en el poco control sobre la venta de armas de fuego en Estados Unidos.

Imagine es una obra provocadora y relevante. Reyes hace un llamado a la belleza en tiempos de guerra, y el mensaje cala en lo profundo del sistema nervioso de nuestro país, y de nuestros vecinos en el norte. Con elegancia, la obra nos recuerda que la belleza puede aparecer en lo inesperado al tiempo que nos confronta con un tema de vital importancia.

UPDATE: Dejamos un video que muestra cómo suena la música creada con los instrumentos de Imagine. 

 

V Motion Project: la música del movimiento

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

El Reactable fue un esfuerzo vanguardista por crear una interfaz de creación musical sensible a la luz y el movimiento. Este artefacto, desarrollado en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, sorprendió al demostrar su capacidad y funcionamiento, una verdadera fusión entre la investigación científica y la creación artística.

En el mundo post-Kinect de XBOX, el V Motion Project lleva las cosas al siguiente nivel. Patrocinado por la bebida energética V, esta interfaz de reciente lanzamiento es una producción de Assembly, un colectivo dedicado a combinar el arte y la ciencia. Se trata de una plataforma para crear música a partir del movimiento del cuerpo humano. El baile, tradicionalmente una reacción al sonido, puede ser ahora provocador del sonido.

Los creadores produjeron un video para ejemplificar el funcionamiento de su invento. La idea, aseguran, era dejar claro que el aparato realmente funciona y cómo lo hace. Con una plataforma visual que permite seleccionar y controlar samples y efectos e imágenes generadas en tiempo real, este proyecto representa un nuevo listón en los avances tecnológicos en cuanto a música se refiere.

A decir verdad, cualquier cosa que se pueda escribir sobre él se queda corta frente a la experiencia producida por verlo en acción:

El malabar es música para los ojos

Música para los Ojos es un cortometraje documental dirigido por Vladimir Estrada que recorre el mundo del malabar y las artes circenses en una búsqueda por explorar su lado humano, científico y artístico. La historia gira alrededor de Paulo Soto, un profesor de secundaria que también ocupa su tiempo malabareando y fabricando juguetes de malabar en un pequeño taller, además de ejercer junto a su esposa el oficio de payaso.

Estrada siguió a Paulo durante un año, tiempo en el que conoció y capturó en video a muchos personajes del malabar, asistió a la primera y única Convención de Artes Circenses organizada por la UNAM y descubrió nuevas facetas del oficio. “Mediante este ejercicio visual encontramos que un malabarista explora áreas cerebrales poco usuales en la mayoría de las personas, ya que se trata de coordinar objetos con cuerpo y mente, ampliar la visión espacial, disociar los hemisferios cerebrales, dominar numerologías, entre otras cosas que lo convierten en una alternativa para el desarrollo creativo.”, explica Estrada.

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Este sábado 27 de octubre se proyectarán dos funciones de estreno de Música para los Ojos en Casa Galería, un espacio dedicado al arte en la Colonia Santa Úrsula. El evento, cuya entrada es gratuita, está pensado como un festival de música y arte, en donde habrá desde clases de malabarismo hasta exposiciones fotográficas y DJ sets. Chulavista Art House estará presentando en el lugar la video instalación “Tuve un sueño, había un circo…”, montada por Abraham Bojórquez.

Pueden checar la cartelera completa y el croquis del lugar AQUÍ.

Música para los Ojos en Facebook

Música para los Ojos en Fondeadora.mx

 

 

SILO 468: arte con luz en Helsinki

 

SILO 468 es una escultura luminosa creada por el Lighting Design Collective  y recién inaugurada en Helsinki, capital de Finlandia. El proyecto recupera un espacio industrial abandonado para convertirlo en obra de arte y plaza pública.

Se trata de un silo petrolero en desuso a orillas del mar, de 36 metros de diámetro y 17 de altura. El imponente cilindro fue transformado en una impresionante obra de arte luminoso cuyo interior estará abierto al público. Durante el día, los orificios en la superficie de la estructura, en combinación con la posición del Sol, crearán juegos de luz y sombras con los cuales los visitantes podrán interactuar. Por la noche, se encenderán cientos de LED controlados por un software que ha sido programado para que las pantallas simulen los movimientos de una bandada de pájaros. Las corrientes de viento regionales sirvieron como modelo para crear los patrones de movimiento de las luces electrónicas.

La obra forma parte del proyecto Helsinki World Design Capital 2012. Aquí dejamos un video con los renders del proyecto que explican a detalle su realización y funcionamiento.

 

Exposición doble: Goya y Demián Flores

Por Miriam Martínez

@coopmi

Desde el pasado 17 de octubre, Francisco de Goya y Demián Flores comparten un mismo techo, a través de sus obras, en el Museo de la Ciudad de México. La muestra Los Desastros Colaterales está compuesta por los más de 80 grabados elaborados por Goya de la serie “Los desastres de la guerra” y los 82 del oaxaqueño Demián Flores. La muestra expresa a través de su iconografía el tema de la violencia y los horrores de la guerra.

A través de sus grabados, Demián Flores elabora un espejo de nuestro tiempo. Su inclinación por Goya nació al descubrir cómo sus grabados se parecen mucho a la cotidianeidad, pues él percibe en sus imágenes una gran esencia de lo que día a día nos proveen los medios de comunicación. La serie “Los desastres de la guerra” de Goya contiene una visión contemporánea en la que incluye un poco de su imaginación en temas relevantes como el heroísmo, la brutalidad, el hambre, la desesperación, la destrucción y sobre todo la muerte.

El trabajo de Flores es una especie de paráfrasis que parte de una misma reflexión, a partir de estructuras que tienen que ver con el territorio, la  y la identidad. También hablan sobre la realidad , vista desde el cúmulo de yuxtaposiciones que construyen este país: referentes prehispánicos, coloniales, los procesos relacionados con la identidad.

Demián Flores aclara que estas piezas no buscan respuestas. “El arte hace preguntas, no da respuestas. Busco reflexionar porque para mí el arte está dentro de la categoría del pensamiento, así que esta exposición no pretende dar una conclusión, sólo tiende preguntas que se generan a partir de planteamientos de representación o dispositivos que puedan desprender de la memoria colectiva […] en este sentido el arte es un filtro de la realidad. Un proceso de comunicación que contiene un diálogo con el otro, con el espectador. Es como nosotros nos acercamos a una problemática y utilizamos diferentes medios de representación para abrir esas preguntas sin llegar a un sentido panfletario”, añade.

La muestra, bajo la curaduría de Lluvia Sepúlveda, profundiza en el tema de la violencia y la crueldad, los cuales han preocupado constantemente al ser humano en todos los tiempos y las civilizaciones. La exhibición saldrá de gira el próximo año por los estados de México, Oaxaca y Coahuila.

Museo de la Ciudad de México

Pino Suárez 30, Centro Histórico

Martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas

Costo: $24.00. Miércoles entrada libre

 

Con información del periódico Crónica y la Secretaría de Cultura del DF.

Craig Alan y los pixeles humanos

 

Craig Alan, un artista californiano originario de San Bernardino, posee un gran talento para la reinterpretación gráfica y su obra, de un realismo admirable, se especializa en la figura humana. Su trabajo comenzó cuando experimentaba con fotografía callejera, lo que le permitió perfeccionar su habilidad para replicar la figura humana y le ayudó a subsistir económicamente como artista.

Aunque su trabajo ha abarcado corrientes sumamente variadas, desde el expresionismo abstracto hasta el realismo gráfico, siempre ha proyectado y reinterpretado los objetos y personas proyectando su muy particular visión. Últimamente, ha variado en la técnica que utiliza, pues en sus más recientes trabajos el principal componente de su obra son los humanos. Esta técnica, conocida como “Human Pixel Art”, consiste en dirigir desde una perspectiva área el reemplazamiento de los pixeles que componen una imagen por personas reales a quienes coloca y ensambla para componerla en su totalidad. El artista tiene un gran poder de convocatoria, por lo que en estas manifestaciones de street art participan cientos de personas quienes terminan fascinados de haber ayudado y formar parte de obras entre las que se encuentran los rostros de grandes personajes del cine y la música como Jimmy Hendrix, Elvis Presley o Audrey Hepburn.

Arte Glitch: belleza en la imperfección

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Glitch es el nombre que se le da a los errores temporales en el funcionamiento de aparatos electrónicos y archivos informáticos. Un letrero luminoso cuyos focos se prenden y apagan arbitrariamente. Una televisión con mala recepción. Un viejo VHS cuyas imágenes saltan y se deforman. Una fotografía mal subida a Internet. Distorsión excesiva en un fragmento de audio. En general, detalles en la operación de los dispositivos tecnológicos con los que convivimos diariamente y que, por lo general, nos provocan frustración.

Artistas y programadores alrededor del mundo, sin embargo, han encontrado la manera de utilizar estas imágenes y sonidos fallidos para crear arte a partir de ellos. Se trata, como describe el artista glitch estadounidense Phillip Stearns, de “encontrar el alma de la máquina”.

El arte glitch es una respuesta a la proliferación de imágenes en alta definición y a la perfección gráfica lograda con herramientas de manipulación digital de la imagen que son difundidas actualmente alrededor del mundo. La idea detrás de crear este tipo de arte es demostrar la belleza que puede existir en todo, aun en lo que generalmente consideramos indeseable o incluso desagradable.

Algunos de los artistas glitch más destacados explican y muestran su trabajo en este episodio de Off Book, una serie web dedicada al arte de vanguardia producida por la cadena de televisión estatal estadounidense PBS.

Más sobre el trabajo de los artistas que aparecen en el video en

Phillip Stearns http://yearoftheglitch.tumblr.com/
Scott Fitzgerald http://www.ennuigo.com/
Anton Marini http://vade.info/
Daniel Temkin http://danieltemkin.com/

 

Conoce al Colectivo Durango

Por Jesús Herrera

“La necedad de crear. El arte tiene un detonador de rebelión que es lo que empuja al artista a crear”.

Avelina Lésper

Patricia Aguirre, Yanira Bustamante, Carlos Cárdenas, Alejandra Díaz, Ricardo Fernández, Ricardo Luján, Edgar Mendoza, Óscar Mendoza, César Muñoz, Omar Ortiz, Manuel Piñón, Jorge Ortega, José Luis Ramírez, Antonio Ruiz, Carlos Cárdenas, Cristina Sandor y Ricardo Salcido forman el Colectivo Durango. Un grupo de artistas sobresalientes que se han ganado un lugar dentro de la plástica mundial.

El Colectivo Durango está constituido por lenguajes heterogéneos, a diferencia de otras agrupaciones del mismo tipo que buscan trabajar en torno a un concepto plástico, tendencia o propuesta, situación que ha orillado al colectivo a darle prioridad a asuntos de interés general sobre los particulares. Es así como el Colectivo Durango desarrolla una propuesta integral donde el trabajo, la calidad y la continuidad en el mismo constituyen la estructura que mantiene unida la iniciativa de impulsar, promover, difundir, proteger, dignificar y desarrollar las artes plásticas y visuales de Durango.

Con distinta formación académica  la mayoría de los miembros del colectivo Durango han obtenido reconocimiento local, haciéndose acreedores de becas y estímulos de organismos como el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes (FOECA) y del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA), enriqueciendo con sus proyectos el acervo  de las artes plásticas y visuales de Durango.

Puedes checar más obras e información sobre el Colectivo Durango en su página oficial.

Un escaparate para el talento tapatío

La Feria de Arte Joven de Guadalajara Un Metro Cuadrado es un espacio pensado como un escaparate para el talento artístico emergente de la capital jaliciense. La exposición abrirá sus puertas al público este 20 y 21 de octubre en el Hotel Demetria de dicha ciudad.

Se trata, de acuerdo a sus creadores, de una exhibición que pretende dar difusión y apoyo al trabajo de artistas locales menores de 34 años. La muestra se compone de 30 obras, seleccionadas de entre unas 100 que atendieron la convocatoria, las cuales estarán a la venta al público que asista. Como filtro para asegurar que se tratara en verdad de artistas emergentes, las obras tendrán un precio fijo de $10,000 pesos. Ni más, ni menos. La obra que sea seleccionada como la ganadora, pasará a formar parte de la colección permanente en la galería.

Entre los trabajos seleccionados se encuentran pinturas, fotografías, instalaciones y técnicas mixtas.

Esta feria es el primer esfuerzo en más de una década por abrir un espacio de difusión al talento joven de Guadalajara y sus alrededores. La exhibición está diseñada para acercar a los artistas emergentes a la sociedad, ya que los precios son asequibles para quien no colecciona arte o apenas comienza a hacerlo, y a la vez el monto es suficiente como para incentivar a los creadores.

Se trata, sin duda, del evento cultural a seguir este fin de semana para los residentes de la segunda orbe del país y sus alrededores.

Ciclo de cine express: arte urbano

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

El arte urbano, quizá la forma más inmediata del arte, no es algo nuevo. De hecho, si se desea aplicar rigor histórico, sus orígenes se remontan a las pinturas rupestres que los primeros seres humanos bosquejaron en las frías paredes de las cavernas que solían habitar antes -mucho antes- de la civilización.

Sin embargo, en los últimos años la producción de este tipo de arte ha incrementado en las naciones industrializadas cuyas grandes aglomeraciones urbanas concentran las bondades y contradicciones del progreso humano -y también a millones de personas en espacios de decenas de kilómetros cuadrados-.

Con esta proliferación ha llegado también la atención popular y mediática. La cinta Exit Through the Gift Shop de Banksy, el célebre artista urbano inglés, no deja de generar incertidumbre sobre si se trata de un relato verídico o un mockumentary que experimenta con la audiencia. En todo caso, sin duda registra el ascenso del arte urbano o street art de la marginalidad al glamour mediático.

Esta entretenida cinta encabeza nuestro ciclo de cine express, que en esta ocasión reúne documentales que pueden proveer una visión global del fenómeno.

Exit Through the Gift Shop (subtítulos en español)

http://vimeo.com/22828296

Inside Outside (subtítulos en inglés)

http://www.youtube.com/watch?v=GvpOBD8YLOU

Grafitti: Bomb It (en inglés sin subtítulos)

http://www.youtube.com/watch?v=3rNYll9G2Yw

The Battle in the Streets es un cortometraje sobre el arte urbano en México. (en español)

 

Cine experimental en la Roma

Cuando Carles Asensio Monrabá se enteró de que cerrarían permanentemente Mundial Cinema, un pequeño cine de su comunidad en donde se conocieron sus padres y él pasó largas horas de su infancia, decidió documentar el lugar y realizar una pieza experimental que intentó difundir en su natal España sin mucho éxito.

La cinta forma parte de El Lugar del Cine: Sesión Doble, una exposición presentada por la Galería Distrito 14, ubicada en la Colonia Roma Norte. En ella se exhibe el resultado de este esfuerzo, titulado Cinema Mundial 1957-2007, un cortometraje que relata la decadencia del cine local y es proyectado digitalmente frente en una sala con una sola hilera de butacas.

 

La otra cinta expuesta se titula Los Espectadores y muestra a habitantes de Sant Celoni, localidad de donde es originario Monrabá, viendo por primera vez una función de Cinema Mundial 1957-2007. Ambos trabajo se exhiben en espacios que permiten movilidad a la audiencia, por lo que se trata de una instalación que explora y replantea no sólo el lugar del cine en la historia o en una comunidad específica, sino en relación al propio espectador.

Galería Distrito 14:

Córdoba # 15 esq. Puebla

Colonia Roma Norte, México DF.

 

TRIPLE EXPOSICIÓN DE HELNWEIN EN MÉXICO

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Gottfried Helnwein es un multidisciplinario artista austro-irlandés nacido en los años siguientes al fin de la Segunda Guerra Mundial. Como él mismo describe, la época no era la mejor para crecer y vivir una infancia feliz. A partir del 18 de octubre, presentará en la Ciudad de México tres exposiciones simultáneas en el Museo San Carlos, el Monumento a la Revolución y la Galería Hilario Helguera.

Los constantes abusos a infantes y las secuelas de la cultura del odio cuyo eco aún resonaba en su país lo impulsaron a convertirse en un artista cuyo trabajo tiene como fin prioritario la denuncia.

La infancia, la violencia, la pérdida de la inocencia, son algunos de los temas centrales de su obra, plagada de imágenes provocadoras como las de su pintura “Epiphany I”, una irreverente analogía de la adoración del niño Dios, un tema recurrente en la pintura europea renacentista.

Helnwein, quien también ha colaborado con actos musicales como Rammstein y Marilyn Manson, presentará en el Museo San Carlos “Fe, Esperanza y Caridad”, una colección de pinturas y fotografías. “Una Mirada de Helnwein en México”, por su parte, inaugurará el Paseo Cimentación, un nuevo espacio para el arte en el Monumento a la Revolución. La muestra se compone de retratos fotográficos de niños mexicanos tomados por Helnwein. Además, “El Canto de la Aurora”, una colección con temática enfocada en la Europa de la posguerra, se exhibirá en la Galería Hilario Helguera.

 

Del espectacular a la galería de arte

Por Abigail Rodríguez

abirohez@gmail.com

Para algunos la publicidad es un arte y para otros es un motivo para crear arte. Desde Andy Warhol hasta Antonio de Felipe, diversos logos, marcas, productos e iconos han dejado de ser simples objetos de consumo para convertirse en extraordinarias piezas de arte pop llenas de color.

El pintor español Antonio de Felipe es uno de los artistas pop más reconocidos de los últimos años por sus diversas creaciones tanto en pintura como en escultura, entre las cuales destaca “La Vaca Coca-Cola”. Desde sus inicios, Antonio de Felipe se ha encontrado inmerso en el mundo de las marcas y la publicidad, ya que mientras estudiaba en la Facultad de Bellas Artes de Valencia trabajó ocho años como creativo en una importante agencia de publicidad, de lo cual ha obtenido gran parte de su inspiración e influencia.

En muchas de sus pinturas Antonio de Felipe plasma logotipos e iconos de marcas mundialmente reconocidas combinadas con personajes representativos de diversas obras de arte, como la figura femenina de las Meninas de Velázquez, así como elementos del barroco y del renacimiento entre los que destacan niños, vírgenes y ángeles de Murillo, que por supuesto son reinventadas con mucho color por el artista.

Al igual que Andy Warhol, Antonio de Felipe también ha pintado a grandes personalidades del cine, el deporte, la realeza y la música, sin dejar a un lado a los grandes personajes de las caricaturas animadas.

Desde sus inicios el arte pop ha reflejado a su perfección a la actual sociedad de consumo en la cual las marcas, iconos y personajes que aparecen en los medios de comunicación forman parte de nuestra vida cotidiana y al ser consumidos nos otorgan cierto estatus y prestigio. La publicidad por sí sola no es necesariamente arte, sin embargo, el proceso para crear un mensaje publicitario y el deseo de consumo que esos mensajes producen pueden derivar en expresiones artísticas como las plasmadas en la obra de Antonio de Felipe.

Si quieres conocer más de este artista pop, visita http://www.antoniodefelipe.es

El arte fluorescente de Nick Padalino

Por Abigail Rodríguez

 abirohez@gmail.com

 

El artista estadounidense Nick Padalino, atraído por los colores neón, estableció en 1969 el arte fluorescente, utilizando colores llamativos en sus pinturas y esculturas. Éstas fueron expuestas en la galería de arte “Electric Lady”, fundada por el mismo artista años más tarde en Ámsterdam y donde actualmente se exhiben más de 100 obras fluorescentes, llenas de color a simple vista o bajo la luz ultravioleta.

 

 

Padalino no solo ha sido el creador de esta corriente artística sino que además fundó en 1999 uno de los museos más fascinantes y divertidos en el sótano de la misma galería. El “Electric Ladyland” nombre obtenido de un álbum de Jimmy Hendrix, es conocido como el primer museo de arte fluorescente.

“Electric Ladyland” es también un  museo interactivo que ofrece a sus visitantes la posibilidad de convertirse en una pieza de arte durante el recorrido, logrando así que el espectador forme parte del proceso creativo de la exposición. Visitar “Electric Ladyland” es como viajar en el tiempo a la época del arte psicodélico y la música de los años 70.

A través del recorrido se explica la ciencia del efecto de la luz ultravioleta en los objetos y su uso en la vida cotidiana, además de incluir grandes colecciones de minerales y cristales fluorescentes de todo el mundo, en  su mayoría rocas de aspecto común que al colocarse bajo los rayos ultravioleta estallan en colores deslumbrantes. Incluso algunas verduras y frutas como el jitomate o la calabaza forman parte de esta exposición al despedir grandiosos destellos de color.

Más información en: http://www.electric-lady-land.com

El lente de Amy Hildebrand

Por Abigail Rodríguez

@abigailrhz

Amy Hildebrand es una fotógrafa estadounidense que nació con ceguera, como consecuencia de su albinismo. Concluyó recientemente su proyecto titulado “1000 Fotografías en 1000 Días” el cual inició durante 2009 y expuso día a día en el blog With Little Sound (Con poco sonido).

 

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Nació en Cincinnati y aunque los doctores le diagnosticaron ceguera irreversible, alcanzó a ver a 20 centímetros de distancia gracias a un tratamiento experimental que consistió en colocar pequeñas lentillas a sus ojos, logrando que distinguiera colores, formas y sombras.

 

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Fue durante unas vacaciones familiares cuando Amy Hildebrand con tan sólo 15 años de edad descubrió su gran pasión por la fotografía al retratar a su hermano menor en la playa, lo cual la motivó a estudiar fotografía de manera profesional sin importarle su desventaja visual. Durante la carrera conoció a su esposo, también fotógrafo, con quien inició un estudio de fotografía publicitaria.

 

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A pesar de su corta visión, Hildebrand reconstruye su realidad con ayuda de la memoria visual, proceso mental que quizás sea la causa de la atmosfera y la luz que plasma en sus fotografías.

 

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Sin duda al observar una fotografía podemos ver el mundo y su entorno desde los ojos y perspectiva de otro, sin importar la deficiencia que haya en ellos, ya que cada persona ve la vida de una forma totalmente diferente.

 

Para conocer más de esta extraordinaria fotógrafa visita: http://withlittlesound.blogspot.mx/

Ciclo de cine express: el rotoscopio

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

En la era digital de la producción cinematográfica, pocas técnicas tradicionales de animación han sobrevivido tan bien como la animación por rotoscopio. Aunque adaptado a las herramientas contemporáneas, este método ha dado a luz a algunos de los proyectos animados más interesantes de la última década.

La forma más común actualmente de animar mediante esta técnica es filmar en video de alta calidad y editar un primer corte, luego fragmentar el material en cuadros independientes y finalmente ilustrar cuadro por cuadro para agregar o sustraer elementos y modificar el material original.

El resultado es un look híbrido entre video y animación que adquiere la forma de una caricatura hiperrealista. La ventaja es que se tiene una base, que es el material original, sobre la cual se puede jugar para sobreponer y dislocar las imágenes, exagerarlas, darles vida propia, etc.

Waltz with Bashir es una realización de Ari Folman también híbrida en su género por combinar entrevistas y tomas propias de un documental con animaciones que representan sueños y situaciones ficticias. La historia es la de un soldado israelí que luchó en la Guerra del Líbano de 1982 (el mismo Folman) que busca reconstruir sus memorias olvidadas de aquellos años.

Waking Life es el primero de dos esfuerzos en el campo del rotoscopio del director estadounidense Richard Linklater, considerado como un bicho raro por la comunidad hollywoodense. La película, también un cuasi-documental, es una frenética sucesión de secuencias y sketches en los que se repasan y discuten temas relacionados con la vida, la muerte y los sueños. Algunos años más tarde, el mismo Linklater dirigió una pieza de ficción animada por rotoscopio basada en el clásico de Philip K. Dick A Scanner Darkly. Protagonizada por Keanu Reeves y Robert Downey Jr, relata un futuro distópico en el cual un agente policial encubierto ve sus realidades empalmadas al punto de la confusión por el consumo de una sustancia que está destruyendo a la humanidad.

Paprika de Satoshi Kon es una pieza anime sobre doctores que investigan nuevas técnicas para tratar traumas psicológicos mediante la introducción a los sueños de individuos y su exploración. Aunque sólo utilizada en las secuencias de los sueños, la técnica adereza la película por la maestría y sutileza con la que se aplica.

 

Waltz with Bashir (subtitulada)

http://www.youtube.com/watch?v=ZR7K_JjnQ9Y

 

Waking Life (en inglés sin subtítulos)

http://video.google.com/videoplay?docid=7583894250854515095

 

A Scanner Darkly (doblada al español)

http://vk.com/video113238821_162294780?hash=d9e6560cbf9aa445

 

Paprika (doblada al español)

http://www.youtube.com/watch?v=zUhtlX0orxo

Ulises 1: Arte en el espacio exterior

Por Genaro Grajeda

@Astro_Gee

Juan José Díaz Infante se presentó en el marco de la 1era Conferencia Latinoamericana de Ciencia y Tecnología Aeroespacial hablando sobre el desarrollo de un cubesat (pequeño satélite de menos de un kilogramo) llamado “Ulises 1” para el Colectivo Espacial Mexicano, un grupo de 11 artistas que intenta mandar al espacio la esencia de los seres humanos. El nombre del satélite es en honor al artista mexicano Ulises Carrión.

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El satélite trata de hacer lo mismo que hace el Sputnik: generar revuelo en la sociedad mexicana sobre las posibilidades de tener algo en el espacio. Para Juan José el satélite es un imaginario, el objetivo del satélite es que sea una pieza de discusión. Con base en las teorías de Marshall McLuhan, él y su equipo pensaron que el satélite más que ser un proyecto de telecomunicaciones sería un instrumento para pensar.

De los 11 artistas, 10 de ellos sonorizaron sus piezas para que sean mandadas de mantera intermitente a la Tierra por la banda civil en 433 MHz. Entre las piezas más interesantes se encuentran la sonorización de una parte de la secuencia del genoma del maíz, una grabación del mantra “Om Mani Padme Um”, la sonarización de un tepalcate infinito prehispánico hecho por escultores de Xalapa, Veracruz. Un artista decidió mandar una colonia de extremófilos de la clase tardígrados dentro de la estructura del satélite.

El satélite fue adquirido con la compañía Interorbital Systems y será lanzado desde la isla de Tonga en 2013. Su vida operacional será de entre 1.5 y 3 meses viajando en una órbita polar de 310 km, con lo cual el satélite pasará tres veces por territorio mexicano con oportunidad de transmitir 10 minutos por cada una de las tres ocasiones.

Más información disponible en http://www.interorbital.com/, http://www.ulises1.mx/, y http://colectivoespacialmx.blogspot.mx/

Net art en Facebook

Por Abigail Rodríguez

@abigailrhz

Facebook es la red social con mayor número de suscriptores a nivel mundial: 845 millones de usuarios activos que representan el 55% del total de internautas. Un minuto de cada siete en internet se utiliza para navegar en facebook y más de 350 millones de personas se conectan a  esta red social a través de sus celulares.

Sin duda facebook se ha convertido en el medio de comunicación más utilizado en internet. Sin embargo, algunos artistas digitales o precursores de la corriente net art han utilizado esta plataforma para criticar a la sociedad actual. Entre ellos se encuentra el net artista francés Thomas Chenesseau, quien junto con su colega el también francés Systaime ha lanzado una página dentro de este sitio titulada ʞooqǝɔɐɟ, con sus letras invertidas, en la cual  se exponen las creaciones de ambos artistas a través de animaciones en video, imágenes con algoritmos o imágenes formadas con los iconos propios de facebook.

 

 

El método para crear estas obras es similar al de un hacker, ya que requieren de un sistema que define los caracteres a través de números para permitir que los textos sean visibles en diferentes lenguajes, aunque en ocasiones facebook detecta las obras como errores y las corrige.

Entre los artistas que también han hecho de facebook una herramienta para crear net art se encuentran el lituano Laimonas Zakas, mejor conocido como Glitchr, Ronen Shai y la japonesa Sayuri Michima.

Facebook no sólo ha generando arte y movimientos sociales, como en Egipto, sino también ha impactado el desempeño laboral, ha reinventado la comunicación de las marcas con su consumidor y ha transformando la comunicación entre sus usuarios, incluso propiciando infidelidades y separaciones.

Conoce la propuesta de este net artista a través de Facebook.

NuFlick: La Cineteca del futuro

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

La semana pasada la Cineteca Nacional lanzó el sitio de contenido audiovisual NuFlick. Se trata de un esfuerzo pionero en México por ofrecer un servicio on demand de producciones cinematográficas independientes nacionales e internacionales.

El catálogo incluye cortos, medios y largometrajes tanto de ficción como documentales, así como una variación en los precios de las películas, los cuales van desde proyecciones gratuitas –con opción a donación voluntaria- hasta $25 pesos la función.

Además, Cineteca Nacional ha organizado un festival online en conjunto con Creative Commons, cuya selección la conforman exclusivamente películas sin costo por función.

El proyecto es interesante , ya que experimenta con un modelo de negocio adaptado a las condiciones sociales, culturales y económicas de la audiencia que navega por Internet. No pretende forzar precios ni horarios en el público y además, provee a realizadores independientes una plataforma sencilla y efectiva para comercializar o exhibir su trabajo.

La hazaña es rematada con un diseño sencillo y amigable. Ésta es sin duda la Cineteca del futuro.

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Germán Saez: Talento fotográfico natural

Por: Sus

@SusBouvier  

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, -talento- se define como la capacidad para el desempeño o ejercicio de una ocupación. Es precisamente este sustantivo  el que destaca a Germán Saez, diseñador web y fotógrafo argentino. Su historia en el mundo de la internet comenzó en los años noventa, cuando cursó la carrera en diseño en imagen y video, misma que, en ese entonces, se limitaba a la creación audiovisual. Esta situación llevó a Germán, interesado desde años anteriores en el diseño de sitios web a ser autodidacta. Por hobby, en 1998, decidió aplicar sus conocimientos en la realización de su primer sitio, el cual fue dedicado a Gustavo Cerati, músico del cual Saez fue seguidor desde su adolescencia. En 1999, en un hecho curioso y singular, la pagina es del agrado de Gustavo, a tal grado de contratarlo para diseñar la pagina oficial del músico que prevalece hasta estos días, cerati.com

Paralelamente a su actividad como diseñador web en cerati.com y en Cuatro Cabezas (productora argentina de televisión independiente) Saez se dedicó a fotografiar a Cerati en sus presentaciones en vivo como solista. Esta actividad que también realizó como pasatiempo, se elevó al plano profesional en 2007, al convertirse en el encargado de documentar visualmente la gira Me Verás Volver del rencuentro de Soda Stereo así como el sitio oficial. Este trabajo quedaría plasmado en un DVD y en un libro del mismo nombre.

Desde este hecho tan importante, Saez tomó la fotografía como una actividad profesional, al colaborar para periódicos y revistas Argentinas como   Clarín, La Nación, Rolling Stone, D-Mode, Remix, Soy Rock, Gente, Ácido Surtido, Suite Intima y Terrorismo Gráfico, por mencionar algunos. En su portafolio se pueden encontrar fotografías de músicos como Muse, Placebo, Interpol y. R.E.M. En el mismo, también se expone el gusto de Saez por los retratos, la fotografía erótica y la fotografía urbana. Influenciado por fotógrafos como Anton Corbjin y Peter Lindbergh, Saez demuestra una predilección por la geometría, al darle armonía a sus composiciones. De 2009 al 2012, expuso parte de trabajo en su propia publicación, Sheltermag; en donde cuenta con la participación de colegas como Aneta Kowalczyk, Nora Lezano y Sthefania Fumo.

 

Actualmente, Germán Saez, de 39 años, regresa a su profesión inicial al realizar videoclips de músicos argentinos, sin dejar de lado el diseño y la fotografia. Para conocer mas del trabajo de Germán Saez, visita: http://germansaez.com/

Scary Beautiful: Moda filosófica

Por: Knuxx

@Knuxxvomica

 

Es el nombre del proyecto artístico de Leanie van der Vyver, una chica graduada de The Gerrit Rietveld Academie en Amsterdam,  donde con ayuda del reconocido diseñador de calzado René van den Berg distorsiona la idea de la belleza y la modificación del cuerpo. Esta dupla no puede ser mejor: René, con su vocación innovadora ha desafiado los límites técnicos y artísticos utilizados en la elaboración de zapatos al experimentar en cada pieza a través de la incorporación de elementos de materiales ortopédicos que lo mantienen un paso adelante. Simultaneamente, Leanie plantea una filosofía basada en la perfección física desde una perspectiva personal, es decir, lleva este concepto al límite al proponer al cuerpo humano como una herramienta inesperada del concepto que se tiene de lo bello.

SCARY BEAUTIFUL

SCARY BEAUTIFUL

“Jugamos a ser Dios, mental y metafóricamente”  Esencialmente este es el concepto bajo el que Leanie creaeéstos zapatos que reflejan la idea de la necesidad constante de sobrepasar las capacidades humanas, modificar lo que éstas son para expresar el cómo se quiere ser percibido. Ya no se habla sólamente de tendencias o simples trangresiones visuales, sino que este tipo de creaciones reafirman el estatus que ha alcanzado la moda filosófica y, socialmente, hace un lenjuage más complejo de las cosas que utilizamos.

Ya no es sólo el cómo se ve o el qué tan cómodo sea. Se trata del qué y cómo decirlo.

 

DSLR Video: La película de tu vida

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Las cámaras conocidas como DSLR (Digital Single Lens Reflex) llegaron hace algunos años al mercado y desde entonces la videografía no ha vuelto a ser lo mismo.

Con una óptica llamativa que emula el look de las cámaras de 35 mm utilizadas para filmar en película cinematográfica, videógrafos profesionales y amateurs han añadido un valor de producción único a sus producciones y a un costo insólito.

Con precios alrededor de los 2 mil dólares, cámaras como la Canon 5D y en general la línea EOS de esta marca han tenido un éxito rotundo, principalmente porque ofrecen la posibilidad de obtener material digno de una película de Hollywood sin la necesidad de iluminación costosa ni gastos excesivos de producción.

De hecho, ya se han filmado películas enteras de ficción (y no-ficción) con estos equipos, que han tomado mucha fuerza también en el campo de los videos familiares. Porque ¿quién no querría que el video de su boda luciera como el trailer del próximo éxito cinematográfico del verano?

 

 

Los elegantes cambios de foco gracias a la poca profundidad de campo de los lentes y la posibilidad de tirar a 24 cuadros por segundo se ven complementados por rigs y estabilizadores que permiten realizar movimientos de travelling como los que en el cine se logran utilizando dollys. 

La facilidad con la cual las DSLR entregan material de calidad admirable ha propiciado el crecimiento acelerado de este sector de la producción audiovisual. En internet abundan videos sobre los nacimientos, bautizos, bar-mitzvahs, compromisos matrimoniales, bodas y momentos cotidianos de las personas alrededor del mundo.

Estos videos son lo de hoy, no cabe duda. Pero también representan la posibilidad de que la importancia de la óptica desplace a lo que en el fondo hace a un video bueno y entrañable, que es el retrato de la gente detrás de estas historias y una narrativa innovadora.

La emergente industria de los videos familiares profesionales podría aprovechar la oportunidad única de pulir videos con buen contenido con las ventajas técnicas de estos equipos, en vez de delegar todo el valor de las producciones a la satisfacción de un creciente fetiche: el look de Hollywood aplicado a algún momento de la vida de las personas comunes.


La ilusión de la libertad de expresión

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Después de años de lucha para obtenerla, la libertad de expresión en México es una ilusión poco parecida a la realidad.

Vivimos tiempos violentos para el oficio periodístico: la censura proviene no sólo de los poderes legítimos sino también de los fácticos, aquéllos que con su músculo económico y militar mueven en realidad los hilos de la sociedad en muchas partes del país: el crimen organizado.

Hace unos años Bernardo Ruiz, cineasta y profesor de la School of Visual Arts de Nueva York, inició una investigación sobre la frontera internacional entre Mexicali y Calexico con miras a realizar un documental que retratara la dinámica y vida de estas ciudades hermanas. En el camino, se encontró con una historia que él mismo describe como ‘más urgente’ y que terminó por darle un giro a su proyecto.

Esta historia es la del periódico Zeta de Tijuana y el reportero Sergio Haro, quienes aparecen como protagonistas de su documental Reportero pero son tan sólo un reflejo de las circunstancias en las que viven la mayoría de los periodistas y medios del país que buscan hacer periodismo independiente, en específico quienes cubren temas de seguridad pública.

De acuerdo al Comité para la Protección de Periodistas (CPJ) en México han sido asesinados o desaparecidos más de 40 periodistas desde que inició la denominada “guerra contra el narco” por mandato del Presidente Felipe Calderón, lo que convierte a México en el país más peligroso del continente americano y uno de los más peligrosos del mundo para ejercer el periodismo.

En medio de esta ola de terror, intimidación y violencia psicológica y física, Reportero representa un oasis de dignidad que reivindica el propósito social del género documental.

La película fue estrenada en el festival itinerante Ambulante a principios de año, y este septiembre saldrá al aire en Estados Unidos por primera vez a través de la cadena pública PBS.

No existe aún fecha de estreno en salas mexicanas.

80 años de LEGO

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

La compañía de juguetes LEGO se vuelven octogenarios este año. Hace diez décadas, los juguetes se anunciaban en medios impresos y de puerta en puerta, hoy lo hacen en YouTube.

La generación de contenidos online con fines de marketing vive un boom sin precedentes. Las marcas encuentran en internet un medio flexible y concurrido, aunque también uno en donde la atención es más difícil de conseguir. Es por eso que para competir con la enorme cantidad de entretenimiento e información disponible, las compañías han fundido sus estrategias de publicidad en contenidos de calidad, entretenidos y en ocasiones educativos.

Existe una lógica diferencia entre el arte que se realiza sin ninguna asociación comercial de por medio y aquél que se concibe desde el inicio con un fin publicitario, pero el acercamiento de la publicidad al arte puede ser positivo si contribuye a la proliferación de empleos para artistas gráficos y de contenidos valiosos en la web.

El cortometraje animado con el cual LEGO celebra su aniversario y cuenta su historia es un claro ejemplo de cuando esta práctica resulta afortunada.

El futuro según Mark Romanek

Por Luis Quiroz

@elquiu

 

Una de las modalidades más recurrentes a la hora de hacer un videoclip consiste en grabar al músico o banda mientras toca frente a una cámara. Y es que traducir una canción en una secuencia de imágenes no es tarea fácil: Los directores tienen la responsabilidad de captar la esencia de los músicos para que esto no parezca absurdo y aburrido. Hay algunos directores que destacan precisamente porque logran hacerlo de una manera bastante peculiar. Lo anterior lo logran al basarse en determinados recursos técnicos y visuales logran generar un discurso bello y a su vez complejo. Mark Romanek es uno de ellos.

Este director empezó su carrera en 1979 como asistente en una película de Brian de Palma, y es por ello que desde entonces y hasta la fecha cuenta con una extensa lista de videoclips y ha trabajado para músicos del calibre de Sonich Youth, Nine Inch Nails, R.E.M., Madonna, No Doubt, Fiona Apple, David Bowie, Beck, Weezer, Coldplay y otros tantos más.

Su estilo hace referencia a una de sus mayores influencias 2001: Una odisea en el espacio. Y es que muchos de sus vídeos son precisamente un salto al futuro, ya que cuentan con una estética espacial y futurista, el uso de colores metálicos y un excelente manejo de la iluminación logran generar una atmósfera un tanto oscura. Aquí te dejamos algunos links para que disfrutes un rato de un buen banquete visual y sonoro:

NIN| Closer| 1994

Sonic Youth| Little Trouble Girl| 1996

David Bowie| Jump They Say| 1993

Madonna| Bedtime Story| 1995

No Dout| Hella Good| 2002

Winde Rienstra: Geometría poética y viajes nómadas

Winde Rienstra SS13

Armaduras futuristas que cubren el cuerpo como obras de arte: esta es la firma de Winde Rienstra, una diseñadora holandesa que complementa la sustentabilidad con el arte y la naturaleza.

Graduada de la escuela de Diseño de las Artes en Utrecht en el año 2010 y despúes de recibir varios reconocimientos por su trabajo decidió crear su propia linea de ropa hecha con procesos totalmente artesanales que usan materiales como madera, vidrio y cartón, conjugados con un estilo geométrico que usa lineas arquitectónicas que le dan contraste y tensión a las prendas. Toda una locura.

Para su nueva colección primavera-vernano 2013:  Ithaca, Winde se inspira del poema de Konstantinos Kavafis en homenaje a la Odisea de Homero:

As you set out for Ithaka
hope the voyage is a long one,
full of adventure, full of discovery.
Always keep Ithaca on your mind.
To arrive there is your ultimate goal.
But do not hurry the voyage at all.
It is better to let it last for many years
Así, nos conduce a través de diferentes culturas que muestran su propia identidad, tomando elementos de tribus nómadas que usa por medio de técnicas tradicionales de tejido con lana y seda en matices de colores en tonos suaves como el verde, azul y beige.
Manteniendo su línea de contrastes, esta temporada diseñó el calzado con bloques de Lego, detalles con cordones y pequeños pompones al frente, que sinceramente, están increíbles.
La personalidad de cada colección de Winde es única, su enfoque en los detalles y la experimentación en cada prenda hacen incomparable su estilo. Minuciosamente perfecto.

Winde Rienstra SS13

Winde Rienstra SS13

La explosión del arte urbano en México

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

Donde hay una sociedad consciente y sensible, suele haber arte. Pero ahí donde además existen las condiciones de crisis y tensión social, suelen proliferar las más genuinas y estridentes formas que adopta el arte. En la época postmoderna de esta civilización globalizada, el arte urbano se ha convertido en un reflejo honesto, crudo y con frecuencia genial de los sentimientos y las protestas.

 

Los tiempos parecen propicios para el arte y en específico el arte urbano en México. Hay un despertar político y social entre la juventud que comienza a manifestarse en los muros, calles, postes y medianeras de la Ciudad de México. Iniciativas como Esténcil Móvil comienzan a surgir para promover la utilización del arte a manera de protesta.

El blog DisqueDF presenta una colección bimestral de fotografías de arte urbano tomadas alrededor de la ciudad. Algunas piezas con un claro mensaje político y otras simplemente comunicando ideas, pero todas comparten la característica de confirmar la creciente calidad de esta forma de arte en las calles del DF.

 

“El arte es una rebelión contra el destino” se leía en una de las mantas colgadas durante la primera Asamblea #YoSoy132 hace un par de meses en Ciudad Universitaria en el Distrito Federal. El tiempo del arte urbano en la gran ciudad apenas comienza.

Para más piezas, visita: disquedf.blogspot.mx

 

 

 

 

Las damas de Trianón

Por Dann

@Gibbsteak

 

El Gran Trianón fue erigido por Jules Hardouin Mansart en 1687 en el emplazamiento del “Trianón de Porcelana” que Luis XIV ordenó construir en 1670 para poder huir de la Corte.

En él, Luis XIV, alojó a su cuñada, la Princesa Palatina, a su yerno, el Duque de Chartres, y a su hija, la Duquesa de Borbón. María Antonieta celebró en él algunas representaciones. Posteriormente, Napoleón ordenó su restauración, y llegó a alojarse varias veces en él con su esposa la Emperatriz María Luisa. Fue hasta 1963 que el General de Gaulle decidió rehabilitar el lugar para recibir en él a los invitados de la República y organizar en el Ala Norte, conocida como “Trianon-sous-bois”, una residencia del Presidente de la República y un sitio popular, visitado por turistas.

Ahora se exhibe en él Las Señoras de Trianón, una exposición que ha recopilado retratos a lo largo de más de 300 años, desde retratos de la reina María Teresa de Austría, – pasando por María Leszczynska y Maria Antonieta-, hasta la emperatriz Eugenia. En la exposición se convoca a todas las mujeres de la familia real o imperial (madres, hermanas, hijas y nietas) además del retrato de la duquesa de Borgoña, madre de Luis XV. Se expondrán el de Paulin Borghèse, hermana de Napoleón, o los de Clèmentine y Marie, hijas de Luis Felipe. También estarán represantadas las favoritas reales, como las Marquesas de Montespan, de Pompadour y Du Barry, y las princesas, tales como la Señora Palatine, cuñada de Luis XIV.

La Marquesa de Montespan

A estas célebres  mujeres se sumarán otras figuras menos conocidas, damas de la corte real o mujeres al servicio de las soberanas, como la Señora de Lamballe, dama de compañía de María Antonieta, o la Señora Campan, su sirvienta.

María Leszczynska

 

María Antonieta

La exposición estará hasta el 7 de octubre, en el que se abordarán más de tres siglos de historia y se podrán apreciar, simultáneamente, la evolución de la moda y la del retrato, gracias a las obras realizadas por Gobert, Rigaud, Nattier, Gérard, Gros y Winterhalter.

 

Lagunilla: Historias y diseño

 

Todos somos vulnerables a caer rendidos, enamorados, por un objeto . Ya sea por su color, su textura, o su función, el diseño del mismo nos puede atrapar, hasta hacerlo parte fundamental de lo que somos. De la imagen que deseamos proyectar al mundo. Sin embargo, para algunos, los objetos y artículos  antiguos o vintage son aún más irresistibles. Es hacer parte de nosotros un momento del tiempo. En ellos encontramos diseños inspirados en un contexto social, económico y político que nunca regresará. Es la nostalgia del pasado, de lo que fué. También, estos artículos encierran calidad, objetos que a pesar de los años, con el mantenimiento adecuado, siguen funcionando y prometen seguir existiendo.

Para cultivar esta fascinación, el Tianguis de Antigüedades de La Lagunilla se destaca como uno de los más importantes en la Ciudad de México. Tan emblemático, que  se cuentan  leyendas, como aquella  que afirma que González Camarena recorrió sus  pasillos, con el fin de encontrar piezas para su invención  más importante ; la televisión a color.  Pasillos  que, sin duda, son toda una oda al pasado. Este tianguis, fundado en los años veinte, vive su momento de consagración, como uno de los más importantes, gracias a la riqueza cultural que aporta.

Los domingos, el tianguis recibe un abanico de diversidad en sus visitantes. Turistas, adultos jóvenes y niños, todos, compartiendo la pasión por el diseño y la historia. En La Lagunilla, encontraremos objetos, utensilios  y hasta piezas de arte únicos o muy difíciles de conseguir, que nos podemos llevar a casa a precios accesibles . Desde cajas registradoras del siglo XX, hasta muebles, teléfonos o inclusive lavadoras de los años cincuenta. Lámparas, cámaras de video y fotográficas. Vinilos , tornamesas, y artículos memorables de acontecimientos importantes, como la Segunda Guerra Mundial. Muchos objetos , hechos a mano, que son testigos de la creatividad. “Chácharas” que nos recuerdan nuestra infancia. Todo esto convierte a la Lagunilla en un lugar lleno de sorpresas, donde el pasado y el presente se funden, creando un ambiente nostálgico, melancólico y único, digno de visitar y disfrutar.

*El tianguis de antigüedades de La Lagunilla se encuentra todos los domingos, de 9 am. a 5 pm, entre Reforma y Matamoros, México D, F.

*Las estaciones del metro más cercanas son Garibaldi y Lagunilla de la Línea B.

Ciclo de cine express: el copyright

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

 

La Comisión Permanente, que suple al Congreso de la Unión durante los recesos parlamentarios y hace las veces de Senado, rechazó ratificar el Acuerdo Multilateral Comercial contra la Falsificación -ACTA, por sus siglas en inglés-, firmado por el embajador de México en Japón a principios de mes.

La razón, explicaron, fue que consideraron que restringía derechos como la libertad de expresión e imponía censuras indebidas en la red. Un diagnóstico similar dio el parlamento europeo al rechazarla unas semanas antes de que México la firmara.

El acuerdo, promovido por los cabilderos de las grandes industrias del entretenimiento, plantea el rastreo de direcciones IP de usuarios de la red por parte del gobierno y la criminalización del compartimiento de archivos con derechos de autor, práctica frecuente y generalizada entre los internautas.

Mientras los poderosos intereses de Hollywood y la industria musical hacen labor de presión alrededor del mundo para que los gobiernos se sumen a ACTA, otras voces se han levantado para combatir no sólo el acuerdo sino el paradigma financiero de las industrias del entretenimiento. Músicos y cineastas alrededor del mundo han expresado que apoyan la causa de los usuarios de internet que encuentran en el compartimiento de archivos un valor cultural indispensable más allá del tema económico. El argumento es que la libertad de difusión beneficia y no perjudica a la cultura y la creación artística.

La guerra no ha terminado y el debate está abierto. Para comprender mejor el tema, estos son algunos documentales que se han producido en los últimos años sobre el controversial tópico.

 

RIP! A Remix Manifesto

 

 

 

Steal This Film

 

 

 

Good Copy, Bad Copy

 

 

 

Copyright Criminals (en inglés sin subtítulos)

 

http://www.youtube.com/watch?v=IsS7F5H2VpM

 

Edoardo Chavarín y su arte en festivales

¡El diseñador gráfico Tijuanense lo hizo de nuevo! Y es que Edoardo Chavarín puso de nuevo manos a la obra para crear el arte de un festival de música, su estilo ya definido se ha dejado ver no sólo en su ya conocida marca NaCo, sino también en el festival SXSW, en los talleres gráficos de Levi’s, e incluso en las pasadas ediciones del festival del valle de Indio, California: El Coachella. Ya conocido por muchos, Chavarín experimenta con carteles, camisetas e inclusive diseños para señalética de festivales musicales, al que se incluye este año el arte del Festival Corona Capital.

 

 

Conoce más acerca del trabajo de Edoardo Chavarín :

Crowdfunding: la independencia del arte

 Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Son buenos tiempos para los proyectos independientes de todo tipo. La tecnología disponible ha facilitado por años la tarea de realizarlos, pero últimamente ha surgido una poderosa faceta dentro del ámbito del internet: la posibilidad de financiarlos con la misma independencia con la que se producen.

El crowdfunding toma fuerza alrededor del mundo con plataformas como IndieGogo, Kickstarter y FansNextDoor entre muchas otras, mediante las cuales los emprendedores, creadores y artistas pueden recibir fondos vía internet de personas interesadas o conmovidas por sus proyectos y de esta manera hacerlos realidad.

¿Cómo funciona? Un creador independiente registra su proyecto en un sitio de crowdfunding. Una vez aprobado, el proyecto tiene un micrositio dentro de la plataforma en el cual se incluye un breve texto o un video que explican el trabajo e invitan al financiamiento. Las personas convencidas realizan una donación con su tarjeta de crédito o a través del sistema de pago por internet PayPal. Se establece una meta monetaria y una fecha límite o deadline para alcanzarla. En algunos sitios, si no se logra la meta en la fecha límite se pierde todo lo recaudado y en otros el creador puede retener los fondos aunque no se alcance la meta. En todos los casos, el sitio cobra por sus servicios una fracción del dinero recaudado y los patrocinadores del proyecto reciben algún tipo de recompensa.

La relevancia de estas herramientas está en la posibilidad de saltarse al sistema bancario, a los grandes corporativos de producción artística y a todos sus vicios para realizar ideas y proyectos valiosos. Como matar a dos pájaros de un tiro, o en este caso, a dos enormes aves del sistema económico que durante mucho tiempo han convertido a la acumulación de dinero en la prioridad número uno de su modus operandi al financiar y distribuir contenido. Ahora, el arte y las empresas independientes pueden materializar su trabajo con la ayuda de su comunidad local, regional, nacional y de internautas del otro lado del mundo. Esto, además, libera a los artistas y productores de cualquier interés ajeno.

Por supuesto que, al igual que otras maneras de recaudar fondos, el crowdfunding a través de internet requiere de un trabajo de promoción constante. Como se menciona en este completo artículo de PBS Media Shift, la publicación del proyecto es sólo el primer paso. Una buena idea puede no alcanzar su meta financiera si carece de una presentación concisa y atractiva y un lenguaje adecuado. Sobre todo, el éxito de una campaña de crowdfunding con frecuencia se sustenta en una promoción consistente y perseverante a través de redes sociales y de la convivencia personal, el boca en boca.

En México el crowdfunding online es apenas conocido. Iniciativas como el Festival del Tesechoacán han podido utilizar Kickstarter para recibir fondos, a pesar de que el sitio requiere que el destinatario de dichos fondos sea un ciudadano estadounidense con cuenta bancaria en ese país. Para eliminar ese obstáculo en nuestro país contamos ahora con Fondeadora, sitio de reciente lanzamiento que actualmente promueve para su financiamiento proyectos como La Hora de la Siesta, un largometraje documental sobre dos familias que perdieron a sus hijos en la tragedia de la Guardería ABC o Al Grito de Guerra, un videojuego de producción nacional ambientado en las batallas de la Revolución Mexicana.

El momento de tomar la cámara para hacer un documental, la guitarra y la laptop para producir un álbum o cualquier otra herramienta para verter el talento y la creatividad es ahora. Como nunca antes los artistas y emprendedores cuentan con la posibilidad de financiar y producir su trabajo de manera realmente independiente. El siguiente paso en el horizonte es la independencia en la promoción y distribución de este trabajo.

La paradoja del arte abstracto

La premisa principal del arte abstracto es que no busca representar lo natural, es decir, rechaza la copia de cualquier modelo, sustituye los elementos naturales por aspectos cromáticos, formales y estructurales y dota la obra de un lenguaje visual autónomo, con sus propios significados.

Sin embargo, alguien comenzó a ver através de Google Earth cómo la Tierra, que es algo natural y exterior a la conciencia de cualquier artista, proveía imágenes dignas de cualquier artista de dicha corriente y las comenzó a organizar en un tumblr que deleita la pupila.

Tamil Nadu, India
Evangeline, Lousiana, Estados Unidos

 

Cannes, Francia
Tlaxcala, México

Pueden consultar más de este tipo de imágenes en: abstractearth.tumblr.com