[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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Mascotas y Sabandijas: la primer película mexicana de stop motion

44242_1La industria de la animación en México está avanzando a pasos agigantados. Tan sólo este año 2015 tenemos diversos proyectos hechos por talento mexicano que pronto podremos disfrutar en cine. Desde producciones en 2D, 3D e incluso Motion Capture, nuestro país ya ha experimentado prácticamente con todos los tipos de animación; tan sólo faltaba un estilo en el cual no se había tomado el reto de elaborar un largometraje (porque cortometrajes si hay muchos), el Stop Motion. Finalmente podemos decir que esta parte del mundo se ha atrevido a todo (mientras no se invente alguna otra técnica).

 La prometedora empresa poblana Cerberus Studio se encuentra en este momento trabajando en un proyecto que se ha dado a conocer como la primera película stop motion en México. El nombre del proyecto es Mascotas y Sabandijas y será dirigida por Oscar Aragón. La cinta se encuentra finalizando el proceso de pre-producción y pronto iniciará la parte más difícil, la producción. Recientemente se ha lanzado una convocatoria para los animadores especializados en esta técnica, lo que significa que están listos para empezar a desarrollarla.

 Aragón se ha dicho muy emocionada ante la perspectiva que la industria de animación en México está ofreciendo, además de que señaló que este proyecto que ahora tiene entre manos es un reto muy grande, un proceso de animación muy complejo, pero que tiene plena confianza en el talento mexicano. Dijo que en este país de ha hecho muy buen stop motion y que ya era tiempo de que se intentara un proyecto de este tipo con un guión que tardó tres años en desarrollarse. Es un proyecto que ya lleva algún tiempo en desarrollo, pero resulta emocionante pensar que sigue en marcha y que en un futuro no muy lejano ya tendremos la primera película stop motion, el cual debemos tener la confianza de que sea tan bueno como el trabajo hecho en los estudios Aardman y Laika o en las producciones de directores como Henry Selick y Tim Burton.

 La cinta tratará temas importantes como el bullying y dará el mensaje de que sin importar como sea uno (una sabandija, por ejemplo), siempre podemos ser especiales y destacar. La grandeza se puede encontrar siempre que tengamos la determinación y el coraje de buscarnos a nosotros mismos. Así mismo, la película contará con las voces de Vanessa Bauche y Miguel Pizarro entre otros.

 El proyecto  está contemplado para estrenarse a finales del 2017 debido a la gran calidad y cuidado que pretenden darle. Quizá ahora suene como algo muy distante, pero un proyecto que se toma su tiempo tiene ese plus de que será algo muy bien hecho. ¿Emocionados ante este nuevo horizonte en la industria del cine animado en México?

Review: Bob Esponja, un héroe fuera del agua

Han pasado más de 10 años desde que Bob Esponja, uno de los personajes más populares de Nickelodeon, llegara a los cines en su primera película. Este fin de semana el simpático personaje ha regresado a la gran pantalla con una nueva aventura. La pregunta aquí es si este personaje sigue robando el corazón de miles tras varios años de estar al aire, la respuesta es un rotundo sí. Ciertamente la serie ha perdido el encanto para muchos, sin embargo la película de la que hablaré hoy vino a demostrar que los habitantes de Fondo de Bikini aún tienen algo que dar.

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 Bob Esponja: Un Héroe Fuera del Agua (The SpongeBob Movie: Sponge Out of Water, 2015) es una cinta que rescata lo mejor de esta caricatura y sabe aprovecharlo con lo que la actualidad ofrece. La historia se centra (para variar) en la codiciada fórmula secreta de las Cangreburguer que tras desaparecer misteriosamente provoca un caos en el fondo del mar. Un escenario post apocalíptico, seguramente parodiando cintas como Mad Max (Mad Max, 1979), y un misterio que apunta a Bob Esponja Pantalones Cuadrados como el culpable de aquel cataclismo. Es de ese modo como Bob y sus amigos emprenden la travesía de buscar la fórmula en una historia que nos lleva desde viajes en el tiempo hasta el acercamiento al “extraño” mundo de los humanos.

 En primer lugar destaca el trabajo de arte y animación, el cual es sencillamente sublime. Secuencias de animación 2D genialmente elaboradas, escenarios muy bien diseñados y un trabajo de animación 3D que no pierde calidad en ningún momento. Cabe mencionar también el esplendido trabajo de sincronizar a personajes en CGI con escenarios y personas Live Action, en verdad el espectador olvida que está viendo seres creados por computadora y no tarda en aceptar que todo puede ocurrir en un mismo universo.

 El humor que muestra la película es el esperado, situaciones que rayan en lo absurdo y a veces infantil, pero no por eso volviéndose un fracaso. Es una película que los pequeños adorarán y los adultos disfrutarán mucho. No es necesario ser un seguidor de la serie para entender y disfrutar la cinta, sin embargo debo enfatizar en que aquellos que nunca han encontrado gusto por esta caricatura definitivamente la detestarán. Hay quien dice que la película volvió a la calidad de la serie cuando inició, y debo decir que es cierto aunque con el plus de la animación más evolucionada.

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 Otro punto a favor de la cinta es la actuación de Antonio Banderas, que funge como un villano genérico pero muy funcional en la película. Es evidente que este actor disfrutó y se divirtió en el proceso de producción, y eso se agradece ante el resultado final. Quizá el único punto a mejorar que encontré en la película es el exceso de elementos, es decir, es una película que tiene mundos en destrucción, universos paralelos, viajes en el tiempo, súper héroes y animaciones abstractas que podrían causarle un dolor de cabeza a algunos. Si son capaces de aceptar y querer gozar de todo lo que esta película les ofrece, les aseguro que tendrán una experiencia muy agradable con una cinta que sin llegar a volverse un clásico, cumple con la tarea de entretener, sacar más de una carcajada y dejar más que satisfechos a los seguidores de la esponja.

Vista al Futuro: Película de los Supersonicos

Como bien sabemos, los famosos reboots o reinvenciones de los clásicos animados ha estado de moda desde hace varios años. Personajes como Scooby Doo, El Osos Yogui, Los Picapiedra y Don Gato han dado el salto a la pantalla grande y a las nuevas generaciones, algunas con mayor éxito que otras, pero indudablemente siempre nos produce curiosidad ver como enaltecieron o arruinaron las caricaturas que muchos veíamos de pequeños… o seguimos viendo.

 Hace algún tiempo se habló de una adaptación Live Action de la popular serie de Hannah Barbera, Los Supersonicos (The Jetsons, 1962), misma que recientemente ha sido desmentida por Deadline, quien informó que se ha confirmado la realización de una película basada en esta caricatura, sin embargo, se ha llegado a la decisión de que la cinta sea animada.

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 La película será adaptada por Warner Bros y escrita por Matt Lieberman. El director y la trama de la cinta aún son desconocidos, aunque algunos opinan que podría respetarse a quien estuviera considerado para dirigir la versión en acción real, Kanye West.  Tampoco se ha confirmado si la adaptación continuará con la animación 2D que caracterizaba a la serie o si se hará una versión en 3D como sucederá con los personajes de Charlie Brown y Popeye próximamente.

 Recordemos que ya existe una película animada sobre estos personajes hecha en 2D y con un ligero uso del CGI (que en esa época era casi irreal para los espectadores) y que la serie en cuestión tuvo una duración total de 4 años dividida en 4 temporadas. Una de las creaciones más populares de Hannah Barbera, ya veremos si esta nueva película le hace justicia y logra el gran reto, gustar a las nuevas generaciones acostumbradas a otro tipo de caricaturas.

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Dreamworks en apuros

Con una nominación al Oscar y una victoria en los Globos de Oro, cualquier pensaría que la empresa Dreamworks Animation está en su mejor momento; no obstante, nada está más alejado de la realidad puesto que recientemente se dio a conocer una inquietante noticia. Resulta que el estudio pasa por una crisis económica tras el poco existo en taquilla de varias de sus más recientes producciones. Esta situación ha sido la causa del despido de aproximadamente 500 empleados de diversos departamentos, así como la inesperada decisión de que varios estrenos programados de dicho estudio sufrirán retrasos para poder ser vistos en la pantalla grande.

 Entre estas alteraciones de calendarios, que les impedirán llevar a cabo sus planes de estrenar tres películas por año, tenemos casos como el de Kung Fu Panda 3, que ahora tendrá que esperar hasta marzo del 2016 para darse a conocer; la cinta Trolls igual esperará hasta el 2016. El 2017 recibirá a las películas Baby Boss y The Croods 2; y por desgracia tendremos que esperar hasta el 2018 para las películas Larrikis y la tan anhelada How To Train your Dragon 3.

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 Ante estos cambios, el estudio se dispone a estrenar únicamente dos películas al año. La cantidad de producciones no resulta ser una gran tragedia, recordemos que es el número de cintas que el Marvel Cinematic Universe estrena anualmente y les ha funcionado muy bien. Aquí el conflicto para los fanáticos del estudio es precisamente la espera para ver estas películas, sin mencionar que estas fechas son exclusivamente para Estados Unidos, lo que abre la posibilidad de que a nuestro país tarden aún más en llegar.

 Los únicos proyectos que no se han visto demasiado afectados con la cinta Home, que aún mantiene su fecha de estreno para el 27 de marzo, y por otro lado la cinta B.O.O., que si tendrá que reagendarse pero aún no se ha dado a conocer que tanto le afectará. Esta situación es lamentable y preocupante, ya que hace menos de un año recordarán que el Studio Ghibli comenzó a pasar por una situación similar, ¿será acaso que la industria de la animación está por pasar tiempos difíciles? Esperemos que no.

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Por amor al teatro

Yo no creía en el Microteatro. Seré honesto, fui una vez en sus primeras temporadas a un ciclo llamado Por tus vecinos y me dije “Esto no es para ti”. No creía en la propuesta, no vi calidad en lo que se representaba. Así que me alejé.

 Sin embargo he vuelto a esa casa ubicada en Buenavista para ser presente de la que es quizás la temporada más fuerte en la historia de este concepto en México: Por amor. Y he de confesar que me ha atrapado por completo; no solo puedo asegurar que es una experiencia de una valía palpable, sino que es tan poderosa en varios niveles que resulta apabullante.

 Bastan solo 15 minutos, tres obras lograron capturar una postura diferente del amor en emotivas puestas que constataban su solidez y autenticidad. ¿Quién puede describir factiblemente el amor de una manera sencilla y acertada en tan solo 15 minutos? ¡No nos da la vida!, describir al amor sería una tesis interminable sobre la condición humana. Aquí, la cercanía a ese producto deja en shock al más resistente.

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 En la sala 6, una mancuerna exquisita entre director y dramaturgo convocan a la que podría firmar como la mejor obra de la temporada: ¿Qué pasó?, de Juan Carlos Araujo, dirigida por Andrés Tena. Araujo nos adentra en una relación marital asimilada en la forma del hogar que pretende ser, sin embargo, esta es una casa que se resquebraja, a la que hay que entrar con un casco para evitar ser golpeado por un pedazo de la estructura dañada.

 Bajo esta metáfora deliciosamente representada en una escenografía a cargo de Salvador Núñez, el texto del dramaturgo avanza en medio de ataques y resoluciones íntimas que forman una ventana a la desilusión, una auténtica devaluación del sentimiento más fuerte que pueda sentir una pareja que se ama. El director transporta ese poderoso discurso a un plano que se divide en interiorizaciones,  deteniendo por un momento el derrumbe, en búsqueda de que para evitar la autodestrucción las partes de la bomba acuerden desmantelarse mutuamente.

 Sosa, Beto Torres, Rosendo Gázpel y una fantástica Luz María Meza (prácticamente perfecta en su interpretación, empatía y tono) esperan dentro de esa habitación, para averiguar ¿Qué pasó?

 Captura-de-pantalla-2015-01-21-a-las-19.43.16Ahora, en la sala 10 aguarda una de las obras más impactantes que este escritor ha tenido oportunidad de ver en su vida. Las Paridoras, de Karla Rico e Iván Tula, traen a la escena la historia de un mundo futurista, sistematizado, donde la maternidad se ve reducida a un oficio que destaja la forma materna y resume su labor a parir productos.

 Un encuentro entre una vieja paridora ante una novata –que tiene una idea completamente diferente del trabajo que desempeñará el resto de sus días– se convierte en un discurso poético transgresor, profundo, tan denso como desgarrador sobre el amor que debe conllevar el dar la vida.

 La dureza del texto es proyectada por el propio Tula dentro de un espacio sombrío, tétrico. Aquí no hay esperanzas, la soledad se consume en las comisuras de los labios resecos de esas mujeres cuya labor es ser cargadas de futuros ciudadanos que solo sobrevivirán de ser funcionales. Tula lleva a su audiencia al rincón más oscuro y opresor de la concepción. Amén del genial trabajo de maquillaje por Ángel Caballero.

 Finalmente, la sala 13. Solo se puede resumir en poesía lo que Eduardo Catañeda arma en Breve elogio sobre la arritmia, de Daniel H. Gómez. La historia de un viejo marinero y una niña enferma del corazón. Ambos recluidos dentro de las paredes de un hospital, convergen en la idea del mundo externo, para él un bello recuerdo, para ella la posibilidad del mañana.

 Castañeda narra por medio de un trazo coreográfico, que se funde en bellas proyecciones animadas, un relato solemne, que busca la redención por medio de la esperanza. Gratamente representado por Bárbara Riquelme y Mario Alberto Monroy, este montaje puede visualizarse como un corazón danzante sobre las olas del mar, flotando hacia una inmensidad indescifrable. Apasionada.

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 Esto es lo que uno halla en Microteatro. Hágase un favor y corra a gozar de estos imperdibles trabajos, hasta Febrero 22.

Soñar más allá de la guerra

Los buenos líderes deben ser primero buenos sirvientes.

Robert Greenleaf

Una reina huye del gobierno de su esposo en búsqueda de renacer, encontrarse, con el anhelo de acariciar la frontera para saberse de sí misma. Al llegar ahí por fin podrá hablarse con indulgencia, lavará su pasado y comenzará de nuevo para ser libre con nada más que su propia persona, con fuerza para lograrlo. Sin embargo en el camino del desierto no podrá andar sola. Por ello su fiel sirvienta la lleva, disfrazada de una vendedora de reliquias de la guerra va tirando de una cama móvil, sobre la cual la soberana camuflada pretende soñar que no está huyendo. Hasta que un sicario pretenda su muerte con el fin de cobrarse la paga de manos del rey, ahí el verdadero viaje comenzará.

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 Por una breve temporada, “Para soñar que no estamos huyendo”, escrita y dirigida por Ana Francis Mor se presenta en el Teatro Benito Juárez. Ana Francis nos introduce a un espacio casi como un limbo, donde Madre Coraje (Bertolt Bretch), La Reina Margarita (Ricardo III, Shakespeare), Jasmine (Blue Jasmine, Woody Allen) y  Las Reinas Chulas se sentaron frente a una botella de mezcal para tratar de generar un discurso sobre la virtud del género femenino a pesar de las vicisitudes de  la vida diaria.

 Aquí la autora presenta a una poeta inmersa dentro amor del creador, tratando de explicarse el sufrimiento que le representa a Dios tener que ver su creación, más aún, convivir con ella. La realidad humana es absurda, los puestos de la sociedad ambiguos; empero, la obediencia femenina persiste como un tratado de esperanza para la cotidianidad. Un interesante y valioso análisis sobre la redención utópica, lo poco común que resulta culpar cuando se entienden los motivos del otro.

 El texto de Mor es fiel a sus raíces. La demanda feminista busca orígenes en bases literarias clásicas para crear personajes sólidos, de psicologías  complejas y ambiciones francas. Estos seres idealizan entornos de prosperidad, pero dejan entrever que en el fondo son presas del costumbrismo, por lo cual ahora están dentro de una zona de confort automático, prensil.

 La trama diseña un viaje en el que la mercader ocultará mediante transacciones –de posesiones aparentemente banales– los pedazos resquebrajados de todos los que han pasado por las batallas contra uno mismo en el desierto. Aquí se apuntan vibrantes imágenes que desenvuelven el clamor dramatúrgico por exponer a una sociedad que se queja de las fallas de un sistema al cual le da miedo cuestionarlas y resolverlas.

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“¿QUÉ ACASO NI A LA MUERTE LE IMPORTA ESTAR RODEADA DE MIERDA?”

 Se pretende lograr una dirección que sea tan entrañable y divertida sin salir del violento drama que representa. Cuida un trazo bastante bello que luce diversas aristas de la narrativa (lo cual sugiere una reposición futura en un escenario tipo arena) al tiempo que se da permiso de delimitar una gama de tonos que exploten la polaridad de su texto.

 Sin embargo, hay una necesidad por subrayar la vigencia de la historia que llega a provocar la caída del ritmo en momentos, escasos, pero que alejan de la perfección. Es entendible porque al final de cuentas la directora quiere conservar (en las oportunidades que tiene) la interacción del cabaret a la que tiene acostumbrado a su público, pero aquí dicho elemento sobra al tener un material escrito tan redondo como explicativo, que no necesita mayores indicaciones.

 La obra produce un desconsuelo impactante. El ver a una mujer que ondea la falsa bandera de la paz, resumida a un plástico blanco, que no puede exigirla por medio del camino árido, un recordatorio directo para cada espectador de su condición ciudadana, humana pues.

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 Amanda Schmelz, Marisol Gasé y Antonio Cerezo protagonizan la historia. Schmelz proyecta a esa deliciosa reina sumida en la depresión de su posición, la de no entender quién es pero desesperada por huir de sí misma, sujeta a la arrogancia monárquica que debe de sellar sus acciones y sentencias para no dejar salir la fragilidad que la consume. La actriz despliega un trabajo tan franco como elegante, conduciéndose cínicamente inquebrantable, hasta el derrumbe auténtico capaz de convencer a su público del dolor generado al saberse acabado.

 Pero  Schmelz no se queda sola, Marisol Gasé demuestra en esta puesta que ostenta el oficio de la actuación con todas sus letras, en mayúsculas, negritas y subrayado. Lejos de su área de trabajo usual, teje un personaje que va agigantándose para envolver en la verdadera mirada de la historia que hay que seguir para comprender la situación contextual. El talento innegable se traduce en disciplina, perseverancia. Gasé delimita el imaginario para sumarlo al discurso transgresor que debe atender, lo imprime honestamente en una grata exposición, dejando un excelente efecto de veracidad.

 Coronando al montaje, la musicalización en vivo de Leika Mochán resulta plenamente acertada. La manera en que su desgarradora y caótica composición sonora señala cada transición en la que aparece es orgánica. La clave es entender desde el corazón el sentimiento y traducirlo efectivamente, Leika  halla el dolor y lo traduce por ritmos sensibles, propios del realismo mágico.

 ¿Es esta una invitación a abrir los ojos? no, quizás más bien una sacudida para despertar. Que el sueño siga siendo tal, ya sea perfecto o tormentoso, no equiparable a la realidad, con el único fin de que esta última algún día pueda ser mejor, tal vez al cruzar la frontera.

Guardianes de Oz: el proyecto de Ánima y Gutiérrez

Hace algún tiempo tuvimos la oportunidad de hablar de El Libro de la Vida (Book of Life, 2014), película producida por Guillermo del Toro y dirigida por Jorge R. Gutiérrez, así mismo, se había hablado del rumor de que este director mexicano tenía un proyecto con Ánima Estudios del cual se darían a conocer más datos próximamente. El día ha llegado, y es que el proyecto en cuestión no sólo ya salió a la luz, sino que está casi terminado y tiene ya su fecha de estreno programada para proyectarse en salas mexicanas.

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 El nombre de la cinta es Guardianes de Oz (Wicked Flying Monkeys, 2014) y como he mencionado, parte de una idea original de Gutiérrez, además de diseño de personajes de este mismo artista. La trama seguirá las aventuras de Ozzy, un mono volador que no se siente feliz con servir a la malvada bruja que todos conocemos del cuento clásico El Mago de Oz. Esta infelicidad lo llevará a rebelarse ante su poder y emprender una gran aventura en busca de los legendarios guardianes para derrotar a la hechicera.

 Cabe mencionar que este es el primer largometraje hecho enteramente en animación 3D por parte del estudio, que si bien ya había tenido experiencia en este tipo de animación con Gaturro (Gaturro, 2010), esta cinta es la primera de este estilo que ellos hacen solos. Según palabras del propio vicepresidente del estudio, José García de Letona, la animación 3D es el medio ideal para contar esta historia tan ambiciosa y se dijo muy satisfecho con los resultados.

 La cinta será distribuida por Videocine, es dirigida por Alberto Mar (conocido por llevar a cabo la película de Don Gato) y contará con las voces de personalidades como Susana Zavaleta, Raúl Araiza y Jorge “El Burro” Van Rankin. El estreno en todo el país está programado para el próximo 10 de abril. Dos talentos mexicanos se vuelven a unir: el estudio más prolífico actualmente de animación mexicana y el nominado al Golden GlobeJorge Gutiérrez (aunque esta vez no se sabe que del Toro haya intervenido en este proyecto) son un motivo muy poderoso para ir a ver esta cinta que ha generado enormes expectativas.

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Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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Las puertas de Amaranta

 

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Todas estas puertas

Amaranta Caballero Prado, Fondo Editorial Tierra Adentro, México, 2008.

 

Debo decir que uno de los libros de poesía que más he disfrutado en los últimos meses es Todas estas puertas, de la escritora guanajuatense radicada en Tijuana, Amaranta Caballero Prado. El libro es un viaje autobiográfico de fractura y reencuentro, por el que puede uno transitar descubriéndose al descubrir a Amaranta.

 La introspección a la que se llega es, por momentos, como estar en la película El Angel exterminador de Luis Buñuel (sin burguesía claro), ilustra el abandono y la soledad se vuelve absoluta:

“Hay muchas cosas por emprender, soñar, escribir, dibujar, crear.

Hay vida inmersa en cada movimiento de ojos, cada letra.

Hay rigurosamente para cada quien una actividad siempre sublime.

Afuera hoy hay todo eso:

Yo no creo nada.

 

Esta casa no abre por dentro”

 Cada puerta o espacio por el que la escritora nos guía, resulta una soledad irresistible “Tengo un aquí no hay nadie, junto a la espalda”, un amor que es más bien esperanza “¿Tú me amas verdad? Es lo único que importa”, una necesidad insaciable “ enfermedad dónde nunca nada es suficiente”.

 La vida puede leerse con los pasos que dimos por distintos lugares en los que la memoria atrapó sonidos, colores y sabores que, en determinado momento, nuestro cuerpo amó con profunda sinestesia “yemas voyeur” sentimiento táctil, casi visible al leer a Amaranta ¿Cuántos lugares realmente habitamos? ¿Sólo exteriores? O bien, estamos encerrados en nuestro cuerpo como casa, palacio, templo o cuchitril, con edificaciones emocinales, sus candados y puertas de recuerdos, en las que la toma de decisiones es cruzar o no cruzar umbrales, quedarse con el dolor o salir.

“Un día tuvimos que saltar: salir del agua: salir del aire: salir de tierra: salir”.

 Todo el dolor, los recuerdos, la riqueza en el lenguaje de Amaranta, la semántica del ir de la infancia, al amor y matrimonio, todo en la misma cárcel, en el mismo estuche, cada experiencia es una habitación, cada puerta por la que podemos cruzar y ver que todo son ancias por vivir “Excesivamente. Sí quiero saber más”, después de leer Todas estas puertas, excesivamente quiero leer más.

Foto  tomada de Tierra Adentro
Amaranta Caballero Prado Foto tomada de Tierra Adentro

 Amaranta Caballero Prado nació en Guanajuato en 1973. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico y una maestría en Estudios Socioculturales. Además de Todas estas puertas, ha publicado Libro del Aire (Editorial De la Esquina, 2011),Okupas (Letras de Pasto Verde, 2009),  Entre las líneas de las manos (en el libro Tres tristes tigras, Conaculta, 2005), Bravísimas Bravérrimas. Aforismos (Editorial De la Esquina, 2005). Participó en el Laboratorio Fronterizo de Escritores/Writing Lab on the Border (2006), participó en el Festival de Poesía Latinoamericana LATINALE 2007 con sede en Berlín. Recibió la beca del FONCA para escritores en 2007. En 2014 participó en el Festival Subterráneo de Poesía: Los lenguajes alienígenas.  Ama la música y ama dibujar.

  ¿Quieres  saber  más  sobre  ella? Visita  su  blog  amarantacaballero.blogspot.mx

 

Animación Universal: Nocturna

Cuando los aspirantes a estudiar carreras que tengan que ver con animación comienzan a buscar opciones para comenzar su travesía en este medio, y de paso se interesan en expandir sus horizontes y probar suerte en otros países, seguramente en algún momento se encontrarán con la propuesta de un país que conocemos bien: España. Hay quien dice que existen muy buenas escuelas y una gran industria de animación en la madre patria, y aunque personalmente no he tenido la oportunidad de constatarlo, me ha quedado claro que este país es capaz de producir grandes proyectos de enorme calidad como el que a continuación cito.

 nocturnaNocturna (Nocturna, 2007) es una producción española-francesa dirigida por Adriá García y Víctor Maldonado que nos cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que tiene un enorme miedo a la oscuridad. Todas las noches, antes de dormir, este niño se acomoda cerca de una ventana y contempla una distante estrella que él ha adoptado como suya; al mirarla, sus temores desaparecen al sentirse acompañado y protegido. Desafortunadamente y para su sorpresa, una noche la estrella simplemente desaparece, obligándolo a indagar al respecto. Su investigación lo llevará a conocer una verdad oculta, el grupo secreto de Nocturna encargado de hacer que las noches sean como deben serlo.

 Desde extraños seres que producen el rocío matutino, empleados que se ocupan de los sonidos nocturnos, otros que se ocupan de los sueños; cada aspecto de la noche es reflejado como una compleja producción industrial. El niño conoce entonces al Pastor de Gatos, un ser encargado de reunir a los gatos para que maúllen a la luna, y es así como su amistad nace y pronto termina siendo ayudado por él. El niño y el pastor buscarán en los confines de Nocturna para resolver el enigma de las estrellas desaparecidas (porque cada vez desaparecen más y más) envolviéndose en una fascinante pero peligrosa aventura.

 La animación 2D es elegante y encantadora, ejecutada con verdadera maestría y con una paleta de colores fríos y oscuros que en verdad nos sitúa en el ambiente apropiado para la historia. La música cumple con crear una atmósfera mágica y en general el trabajo de audio es sorprendente. Es curioso cómo las voces españolas (que a veces no son del total agrado del mexicano) están muy bien ejecutadas dándole a cada personaje su propia identidad e incluso les dan clase. Es maravilloso ver cómo se ha creado un mundo que combina la fantasía y la magia con una organización como cualquier otra, una verdadera muestra de ingenio adulto y espíritu infantil trabajando en armonía.

Credit: FILMAX / Album

Estamos acostumbrados a la animación americana y oriental, a veces llegamos a olvidar que hay joyas en otras partes del mundo y es un completo placer encontrarse con estas más que agradables sorpresas. Nocturna es una película dirigida a los niños, pero ejecutada con tal maestría y amor que llega al corazón de los más grandes.  No es difícil de encontrar a la venta o incluso por internet, así que si tienen la oportunidad de verla, háganlo y descubran porque el continente europeo se ha ganado su lugar en el mundo de la industria animada.

Hikaru Cho: Body painting bajo el realismo social


El mundo pasa por una violación hacia la integridad humana, ya sea desde sucesos tempranos hasta los que han relatado poco a poco una serie de pretensiones malintencionadas. En el arte se ha constituido una protesta inminente hacia lo que dañe o ultraje la estabilidad social. No es casual: Siglo XXI, época de los desaventurados y desamparados emocionalmente, daño hacia sí mismo y a los demás, deducción o no, la capacidad por difuminar ese sentimiento de nostalgia hacia los buenos tiempos, ha cautivado a miles de artistas en todo el globo terráqueo. Asia, continente enigmático y sutil, clarifica el sopor de la vida y la necesidad por poner un brillo hacia la mirada perdida. Joven, originaria de Tokyo, Hikaru Cho expresa su sentir ante la expresión del realismo, que detona un variado número de pormenores.

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 Hace aproximadamente dos años, la joven japonesa se integró a la campaña global de Amnistía Internacional sobre derechos sexuales y reproductivos, opinión que le permitió constituir un gran esfuerzo a su labor concerniente. En ese sentido, toma como eje central el declive hacia el respeto como tal de los derechos humanos en general, un sentir que le motiva a sincronizar el cuerpo humano como directriz para empezar la obra. La atención la amerita la masa corporal, el body painting es la técnica que demuestra una forma de compenetrar la manifestación ante la mezquindad de caos de este tiempo. Mujeres y hombres, víctimas de la opresión y del delinque perpetuo son las bases para que la inspiración llegase a Cho de una manera tan controversial y sorprendente. La vacilación aparece cuando se relaciona un rostro con grietas, y no se sabe a ciencia cierta si se está viendo una fotografía o es una sensación extraña entre la angustia y la tranquilidad del modelo en cuestión. La incredulidad juega un papel vital en la creación de la tokiota, sin embargo, precisamente ese aspecto delimita que tan reflexivo pueda ser el contraste de aseveración.

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My Body My Rights (MBMR)

 No solamente se manifestó sobre la importancia de concientizar a la humanidad ante los derechos humanos; su crítica muestra también el declive hacia el que se halla el humano por falta de su propia sintonía. De una u otra forma, la convención entre alcance y limitación va desde el prejuicio hacia la conservación del cuerpo como algo perfecto hasta la muerte en vida. Los objetos pueden ser cierres, frutas, partes de la taxonomía humana… todo tipo de detalles encarnan en la pintura con acrílico que realiza. Con apenas 21 años, logra la pulcritud de algo novedoso, destaca por su arte y también por su pensamiento que conlleva a la autodeterminación e introspección. Indudablemente el reconocimiento llega, y ha compenetrado en marcas de renombre en Japón, así como la realización de diversas colaboraciones con revistas asiáticas y hasta el diseño de formas de maquillaje para modelos en especial. La trascendencia ha sido de gran relevancia para la mujer audaz que contempla la esfera social desde la transformación; primero desde la limitante hasta la construcción de otros paradigmas.

 Sujetos a cuestionamientos y a múltiples aseveraciones día a día, los seres humanos somos la mezcla perfecta entre el deber y el hacer, y en ese tránsito, la variedad de detalles conciernen en un sentido diferente. La función cotidiana varía dependiendo del compromiso y proyecto ante el cual se pertenezca, sin embargo, la similitud entre todos radica en los modos de plasmar a la vida; ya sea desde un aspecto tan trivial como benevolente. El sentimiento de Hikaru Cho se transforma en el reclamo hacia la iniquidad misma del humano, ya sea presentada a su cuerpo, su sentir o a sus semejantes; la necesidad por ser libres, alberga la gran esperanza de la artista japonesa.

Crédito: Fotografías de la página oficial de : HIKARU CHO

La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Nominados a los Oscar en Animación

Hace apenas una semana pudimos presenciar la entrega de los Golden Globes Awards y las premiaciones no terminan, de hecho acaba de iniciar la etapa más importante de los mismos. El pasado Jueves 15 de enero se dieron a conocer los nominados para la entrega de los Academy Awards (Oscar) del lo mejor del año 2014. Como muchos habrán oído, la presencia de América Latina y de los mexicanos estará muy fuerte este año; lamentablemente el talento mexicano en esta ocasión no competirá en la categoría de película animada.

 Así es, El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) de Jorge R. Gutiérrez no logró una nominación pese a las expectativas de muchos ante esta extraordinaria producción. No obstante, sería injusto señalar que los contendientes que sí lograron colocarse en la terna son proyectos que no merecían dicha oportunidad. A continuación les doy la lista de nominados a película animada y el porqué podrían llevarse la estatuilla el próximo domingo 22 de febrero.

 Big-Hero-6-Poster-HD-PictureGrandes Héroes (Big Hero 6, 2014): Esta cinta representa los esfuerzos de la empresa Disney en unión con Marvel y nos relató una tierna historia sobre un niño que junto a un grupo de amigos debe convertirse en súper héroe para salvar a su querida ciudad de un misterioso villano. ¿Por qué puede ganar? La animación y la historia es cumplidora aunque no es lo más destacado del estudio… sin embargo se trata de Disney y ese es un punto que podría ser determinante como ocurrió con Frozen: Una Aventura Congelada (Frozen, 2013) y Valiente (Brave, 2012), aunque esta segunda cinta era una película en unión con Pixar Animation Studio.

 Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014): Un niño es adoptado por una familia de criaturas extrañas que usan las cajas para vestirse, pequeños monstruos que lo aceptan, como los lobos al niño de la selva Mowgli, y que se aventura al misterioso mundo humano para rescatar a su figura paterna a la vez que descubre su verdadera identidad en un sitio del cual fue separado desde pequeño. Este podría ser un fuerte contendiente debido a su excelente animación, misma que resulta más complicada con la técnica de stop motion. Además, es la tercera película de la empresa Laika en llevarse a cabo y en recibir una nominación, la academia podría considerar que ya es turno de que los esfuerzos del estudio sean reconocidos.

 Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014): Dreamworks ya nos había fascinado con la primera parte de esta aventura, misma que fue la rival a vencer en su momento en la entrega de los premios Oscar. En esta ocasión la segunda parte vino con todo, con secuencias impactantes, una animación impecable con escenas tan bien logradas que hasta se confundían con live action, y una historia más madura y arriesgada, esta película pinta como la gran favorita para ganar la estatuilla, sin mencionar que fue la gran ganadora del Globo de Oro. Veremos si repite su éxito o tendrá que conformarse nuevamente con el segundo lugar.

 6SAC9jVPMoge9cn4YTaFuPLcadbLa Canción del Mar (Song of the Sea, 2014): Esta película irlandesa aún no ha llegado a las salas de cine de nuestro país. Es difícil hablar de ella sin conocerla, sin embargo por lo visto en los trailers y posters, sabemos que se trata de un proyecto muy bien cuidado, con un estilo hermoso y si nos remontamos a la obra anterior de estos creadores, El Secreto de Kells (The Secreto of Kells, 2009), tenemos amplias expectativas de esta cinta. La Academia no suele premiar películas extranjeras en esta categoría, sin embargo lo ha hecho en algunas ocasiones y este año podría ser la gran sorpresa. Esperemos que esta nominación sea suficiente para que la película sea distribuida en nuestro país.

La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2013): La última cinta del director Isao Takahata. Recientemente, este servidor escuchó el comentario: “Sólo por ser de Ghibli las nominan, ni saben si son buenas”, y en cierta forma puede que tenga razón. No obstante, recordemos que hasta ahora sólo 4 películas de este estudio han sido nominadas a esta categoría, siendo sólo El Viaje de Chihiro (Spirited Away, 2001) ganadora en su momento. Además el estudio ha demostrado un extraordinario nivel de calidad en sus producciones, por lo cual es lógico que nuestras expectativas sean altas. Sería una mentira decir que no me alegra esta nominación, ya que al igual que Song fo the Sea, da buenas oportunidades de que la cinta sea distribuida a salas mexicanas tal y como sucedió el año pasado con Se Levanta el Viento (The Wind Rises, 2013). Esta película tampoco nos da mucho más para hablar de ella, ya que no ha llegado a México, sin embargo la trayectoria del estudio, mas la calidad vista en el tráiler donde se ve una encantadora animación que adopta el estilo de un típico mural japonés nos demuestra que sin duda es una cinta que mereció la nominación. ¿Ganará? Es poco probable, sin embargo tomemos en cuenta que es la primera nominación de Isao Takahata a Oscar en un proyecto que todo indica será el último, tal vez la academia esté dispuesta a reconocer por fin la labor de este legendario realizador.

 La entrega de los Academy Awards será el próximo domingo 22 de febrero y es ahí cuando sabremos cuál de estas cintas se coronará como la mejor animación del año.

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Con la camisa bien planchada

“Di la verdad. O alguien la dirá por ti”

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María llevará por primera vez a Mariano a conocer a su familia. Ella es una chica que viene de una cuna humilde, enamorada de un machista de clase y sustentos elevados. El padre de ella es un patán que engaña a su mujer, una desvencijada ama de casa que ha hecho de la sumisión un sinónimo del “más sin embargo”. Al centro Beto, hermano de María, un joven  en tratamiento psiquiátrico para controlar su “locura”. Ella tratará de evitar una colisión entre dos mundos, que en realidad será un cara a cara entre universos. La primera impresión siempre es la que cuenta.

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 ¿De dónde proviene la dificultad de los seres humanos por decir la verdad? Aceptarla, transmitirla. Aquí hay una familia que nos abre las puertas de su casa para presenciar un momento de discusión nocturna a raíz de una simple sentencia: las cosas ya no se pueden ocultar. Tampoco a las personas. Ese loco que se desarrolla como un ser complejo, condenado a arrojar su postura verdadera ante todo lo que le rodea, debe hablar. Hacer ejercicio de su derecho y expresar su visión de la realidad. La auténtica.

 Tal vez la premisa pueda predisponernos a una comedia. Pero “El Loco y la Camisa” va mucho más allá. Retomando temporada en el Foro Lucerna, esta obra de Nelson Valente es una cruda exposición de intolerancia, hermetismo, hipocresía y violencia intrafamiliar, donde la aparición de la verdad, como única vía de comunicación por parte del personaje central, genera un arco dramático que se tensa crecientemente, llegando al límite de sus opciones.

 El texto de Nelson Valente es fuertemente exponencial. Tomando una situación simple, la eleva a un análisis sobre la presión que es capaz de ejercer un deseo sobre quién lo tiene. Todos deseamos algo, estos personajes también más no lo alcanzarán hasta desenmascararse para continuar. Avanzan en una ronda de comunicación pretenciosa hasta que aparece quien rígidamente y de forma ecuánime los revelará sin otro interés que el bien común.

 La narrativa es redonda y sólida, una  crítica abierta a la sociedad que se rodea de convencionalismos. Pero también una invitación al entendimiento a partir de la saturación. No basta con pensar que las cosas no pasan para que en efecto dejen de suceder, se deben afrontar  personalmente.

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“LO LINDO NO ES FORZOSAMENTE INTERESANTE”

 Para encontrar entonces a la rigidez insolente junto a la poesía, la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui establece un terreno de juego aislado, introduce al espectador como tal, un testigo de lo que va a suceder. La conducción del ritmo es ágil, certera, los saltos y despuntes cómicos son fascinantes e hilarantes, empero, la corrección dramática es brutalmente desgarradora.

 Amunátegui sabe muy bien a qué público se está dirigiendo, a una cultura que se ríe de la desgracia, así que decide tomar todas las ventajas posibles, explota los límites de lo entrañable. No hay musicalización o un discurso complejo en la iluminación, incluso la escenografía  es escasa. Entonces uno encuentra la valía al saber que logra un universo magno con pocos elementos que aderecen el genial texto.

 Una trama tan difícil podría haber generado un verdadero botón de densidad. Aquí no, la ligereza con la que se plantea todo permite transmitir totalmente. Entender cada postura. Logro en suma a un elenco pleno que lleva a cada personaje por una línea establecida y honesta.

 Emilio Guerrero, Mercedes Olea, Sonia Couoh y Manuel Balbi son totalmente gratos, generan actuaciones fuertes, que dan sustento a cada línea. Junto a ellos, sobresaliendo con uno de los mejores trabajos actorales que se puedan referenciar acerca del asperger (perdón Luis Gerardo Méndez y Alfonso Dosal): Ignacio Riva Palacio, quien simplemente deja la vara en un lugar muy alto.

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 Riva Palacio vive el desconcierto desesperante que surge en la mente de Beto. Logra proyectar una fuerza escénica honesta que arrasa con todo, mueve por dentro rompiendo cada barrera que pueda existir entre la obra-audiencia para abrir totalmente una ventana de par en par. Con la contención precisa en formas, tonos, introduce a la mente frente a un auténtico viaje por las imágenes que genera de la realidad que él ve y de la cual los demás buscan escapar.

 Esta es una experiencia de teatro verdaderamente única. Hallar una obra que satisfaga tanto con tan poco es muy raro actualmente, pero este equipo diseña un proyecto conmovedor, altamente difícil y franco con el poder de levantar a la sala entera en una ronda de aplausos indescriptible.

Para mí significó un torbellino del cual no pude recuperarme sencillamente. Es tiempo pues de que usted se contagie de esta locura y asista a recibir una descarga que aligerará su andar.

– Imágenes de Roberto Carlo

Bob Esponja: De la TV al cine, del cine al videojuego

A cada vez menos tiempo del estreno del que aparentemente será el primer estreno animado de este 2015, Bob Esponja: Un Héroe Fuera del Agua (The Spongebob Movie: Sponge Out of Water,2015), se ha dado a conocer una noticia que sin duda emocionará a los fans de esta serie. La nota fue dada a conocer por la página de la empresa Activision, en la cual se revelan los planes de estrenar, a la par de la película, un videojuego inspirado en esta nueva aventura aunque según rumores, no será un juego que contenga la misma trama.

 No es la primera vez que una película da pie a un videojuego, de hecho pasa muy seguido, pero aquí el punto de interés es el que acabo de mencionar; no será la misma historia de la película con el plus de la interactividad. El título del juego será “Spongebob Hero Pants” y consistirá en salvar a los habitantes de Fondo de Bikini de una serie de pesadillas que misteriosamente se han vuelto realidad. La historia es otra, pero algunas características de la cinta estarán presentes como los poderes especiales que los personajes adquieren. Dichos poderes serán los que el usuario deberá usar para llevar a cabo el objetivo del juego.

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 Todo parece indicar que uno de los objetivos del juego es enriquecer la experiencia vista en cines próximamente tal y como otras franquicias han hecho mediante series de televisión, cortometrajes e incluso novelas gráficas. Se dice que el jugador tendrá la opción de jugar con todos los personajes conocidos de la caricatura, includo Plankton (el villano principal de la primera película). Estará disponible para las consolas Nintendo 3DS, Xbox 360 y PS Vita, además de que estará disponible a principios de febrero de este año.

 Debido a la trama anunciada, hay sectores del público que creen que aunque la serie se ha caracterizado por su tono infantil, este juego podría dar un pequeño paso adelante y arriesgarse por elementos más maduros e incluso oscuros, claro que no esperamos cambios muy radicales, sin embargo será interesante ver lo que esta esponja nos tiene preparado.

De: “La teoría del todo”, la historia de Stephen Hawking

La película está basada en un fragmento de la vida de Stephen Hawking, físico, teórico, astrofísico, cosmólogo y divulgador científico británico, quien, por mayor referencia ha ascendido a la categoría en que se hallan Darwin e Isaac Newton por los aportes hechos a la humanidad; el fragmento elegido es el que va desde el tiempo en que estudia en Cambridge, siguiendo la línea paterna, un tanto antes de diagnosticársele la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA) que se acompaña de la pérdida del control neuromuscular y que por cierto, lo define. Porque si no lo ubican de nombre y aportación, sí por la innumerable cantidad de sátiras que de su persona se han hecho. 

“La inteligencia es la capacidad de adaptarse al cambio”

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 A Hawking lo encarna Eddie Redmayne, el actor que por cierto, interpretó malamente a Marius en “Los miserables”, una tristeza de película aquella, por cierto, pero expresamente él, se lleva aquí los aplausos, está de diez, sea por la referencia de un ente vivo y específico, al que se tiene posibilidad de estudiar en movimiento, y expresiones o por lo que se ofrezca, pero de verdad que es un deleite, la frustración en la mirada, la viveza con que es capaz de emitir emociones apenas con el movimiento facial, la corporalidad exacta. Entonces uno es testigo de su relación con Jane Wilde, quien por cierto es el motor importante que le permite continuar en el camino elegido y tal vez por destino trazado. 

“La historia completa de la ciencia, ha sido la comprensión gradual de que los eventos no ocurren de manera azarosa, sino que reflejan un cierto orden subyacente, que puede o no ser de inspiración divina”

 Yo sé que de corriente, he tenido la tendencia a llamar “portentos” a varios entes de quienes he escrito en la revista, pero si no lo pensara no los hubiera elegido, entonces lo diré de Hawking, quien es un auténtico portento de la física, es una ironía; bien visto, es interesantísimo el hecho de que alguien que estudia y teoriza las leyes de la física, se mantenga atado a una silla de ruedas por una enfermedad que bien pudiera catalogarse de divina, una mente en movimiento constante, privilegiada, encerrada en un cuerpo que no le permite avanzar a libre voluntad, que lo hace dependiente en un elevadísimo porcentaje, ¿Qué será no poder sentarse a escribir, a leer un libro o la simpleza de irse a la cama después de un día de trabajo, cargar a sus hijos? 

 Entonces recuerdo a Beethoven y la carta que escribió en que se preguntaba porqué aquel ser lo había privado de la capacidad auditiva, precisamente a él que amaba y vivía por la música, y no a otros  seres inferiores que lo desperdiciaban, al Borges y la perdida de capacidad visual, a Dalí al final de sus días con parkinson que no le permitía pintar…

 Sólo por referencia, en el 2007 se desveló una estuatua de Stephen Hawking, en el Centre of Theoretical Cosmology de Cambridge, el edificio del Museo de Ciencia Stephen W. Hawking en San Salvador, el Stephen Hawking building en cambridge y el Stephen Hawking Centre en el Instituto Perimeter de Física Teórica en Canada. más las medallas: Eddington, Hufhes, Albert Einstein, Franklin, la de la Real Sociedad Astronómica y varios premios por supuesto. Hawking postuló la singularidad, una sola teoría que explicara el origen del universo entero, y todo lo que en él acontece, el todo, en una formula, y a los agujeros negros que son capaces de emitir radiación, evaporarse y desaparecer. Amparado por la teoría del Big Bang, a partir de un origen de temperaturas elevadísimas, el universo emerge y se expande, se expande, hasta alcanzar el acomodo que tiene hoy día, y que por cierto, sigue en lo mismo, que explica otras teorías como la incomunicación que sufrimos con otras galaxias a las que no se llega por la continuación del movimiento, así, a medida que avanzamos hacia ellas, éstas se alejan…

 Entonces… como la película fue un pretexto para hablar de Hawing, terminemos con ella: se estrenará el 16 de enero del 2015, la dirige James Marsh, actúan: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Harry Lloyd y otros, y es de Gran Bretaña. Valdrá toda la pena verla, y entrarse en el mundo del portentoso cosmólogo.

El Libro de la Selva vuelve a los cines

El nombre de Jon Favreau ha pasado de ser un modesto actor y director de cintas como El Duende (Elf, 2003) y Zathura: Una Aventura Espacial (Zathura: A Space Adventure, 2005) a volverse todo un ícono del cine de acción y de grandes producciones desde su incursión en el Marvel Cinematic Universe con la cinta Iron Man: El Hombre de Hierro (Iron Man, 2008). Hoy día, este realizador se ha enfocado en otro tipo de proyectos, y aprovechando la adquisición de la empresa Marvel por parte de Disney, y el éxito comercial de este director en dichas producciones, la empresa le ha encomendado un nuevo reto; llevar a la pantalla grande una nueva versión del que fuera el último clásico que el mismísimo Walt Disney supervisó: El Libro de la Selva.

 002982_1LLa película está basada en la obra de Rudyard Kipling y aunque no se ha dicho si también contará con la misma historia del clásico animado, podemos suponer que al tratarse de una producción de la misma compañía si tendrá cierta similitud, aunque con cambios que la hagan una cinta más acorde con la época actual. Cabe destacar que la cinta será hecha en formato Live Action, sin embargo entra también en la categoría de producto animado puesto que la mayoría de los personajes tendrán que ser hechos en CGI. El  único que hasta ahora se ha confirmado que literalmente veremos en pantalla es al debutante Nell Sethi en el papel del protagonista Mowgli.

 En los otros papeles, que consistirán en animales animados como mencioné antes, tendremos a Bill Murray interpretando la voz del oso Baloo, Ben Kingsley como la Pantera Bagheera y a Lupita Nyong´o como la madre loba. En el lado de los villanos tendremos a Scarlett Johansson como la víbora Kaa, a Christopher Walken como el Rey Louie y la intimidante voz de Idris Elba será la encargada de dar ferocidad al tigre Shere Khan. Cabe mencionar que otro proyecto relacionado con esta historia se está llevando a cabo bajo la dirección del experto en Motion Capture, Andy Serkis, sin embargo aún no se han dado a conocer muchos datos de esa cinta, por lo cual lo dejaremos para otra ocasión.

 El desafío será grande al tratarse de una de las cintas más queridas y emblemáticas del estudio del ratón, además de un debut complicado para el joven Nell quien tendrá que actuar prácticamente sólo frente a las cámaras en esta producción que combinará la animación con la actuación real. Por ahora no se han dado más detalles al respecto salvo por una ilustración de arte conceptual que nos adelanta un poco de lo que podremos ver en pantallas. La cinta está planeada para estrenarse en formato 2D y 3D a partir de Octubre de este año. Así es que, fanáticos de Favreau y de este tipo de cintas, estén atentos para volver a la jungla.

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El animado ganador de los Golden Globe Awards 2014

El pasado domingo 11 de enero se llevó a cabo la anual premiación de los Golden Globes, la cual reconoce lo mejor en cine y televisión y que es considerada por muchos como una especie de simulacro a los Academy Awards (Oscar). El evento estuvo lleno de luminarias y muchas producciones de la pantalla chica y grande fueron condecoradas y otras al menos fueron mencionadas. Como es costumbre, la categoría de película animada no estuvo exenta de este evento.

 Cinco nominadas se disputaron este codiciado premio, grandes titanes de la industria que nos brindaron una competencia en verdad reñida. Los candidatos fueron La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014), Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014), Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014), Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014) y El Libro de la Vida (Book of Life, 2014).

 

 

 Como podrán notar, este año destacaron las producciones hechas en formato 3D, siendo únicamente Los Boxtrolls la cinta realizada en stop motion. Todas las cintas tenían fuertes posibilidades de ganar y elementos destacables, desde la increíble animación de Lego y boxtrolls, hasta el fabuloso diseño de producción del libro de la vida, las emocionantes secuencias de grandes héroes y los dragones. Pero al final sólo podía haber una ganadora.

 El globo de oro al final fue para Cómo Entrenar a Tu Dragón 2, la cinta de Dreamworks Animation dirigida por Dean Deblois y que continúa la historia del joven vikingo Hipo Horrendo Abadejo III y su dragón Chimuelo. La cinta, al igual que su predecesora, está basada en la serie de libros infantiles de Cressida Cowell y ambas tuvieron muy buena aceptación en crítica y taquilla. Recordemos que la primera película fue una de las favoritas en su año de estreno y una de las nominadas más fuertes, terminando con una polémica derrota detrás de Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) de Disney y Pixar.

 ¿Conformes con este resultado? ¿Emocionados por la entrega de los Oscar cada vez más próxima? Su servidor sí lo está y por supuesto estaremos al pendiente de que cintas serán nominadas para el premio gordo de la academia, y eventualmente, sabremos quién es la gran ganadora de película animada del 2014.

El almacén de la imagen: Alain Laboile

Hace casi un año un conocido me mostró una serie de fotografías que habían sido censuradas por Facebook tras recibir múltiples acusaciones de diversos usuarios por el contenido sexual de las imágenes realizadas por un fotógrafo francés en las que mostraba a sus hijos jugando desnudos en la naturaleza. Se trataba de Alain Laboile (1968), quien retrataba de manera espontánea a sus seis hijos mientras se desarrollan en el entorno familiar en la casa de campo en la que viven. Las fotografías de Laboile comenzaron a circular por las redes sociales tras la censura, volviéndose un tema viral a principios del año pasado. Las fotografías eran poderosas, tomas perfectamente encuadradas, el tema principal era la infancia y la vida cotidiana, los paisajes eran bucólicos, la desnudez y las sonrisas de los niños me daban la sensación de que la vida en el campo es mejor, de que la naturaleza y el hombre pueden coexistir en perfecta armonía.

Alain Laboile, fotografía de "La Famille", 2014. Crédito: Lensculture
Alain Laboile, fotografía de “La Famille”, 2014. Crédito: Lensculture

 Alain Laboile, escultor y padre de seis niños, comenzó a tomar fotos en 2004, cuando adquirió una cámara para realizar un portafolio de sus esculturas. Empezó realizando fotografía de insectos para luego apuntar su lente hacia su propia familia. En una entrevista realizada por la revista digital de fotografía contemporánea Lensculture, Laboile explica gran parte del proceso creativo que hay detrás de sus fotografías. Los niños juegan alrededor de él y, según explica, pueden suceder dos cosas: ya sea que se anticipe al momento cuando observa que sucede algo interesante en el juego de sus hijos y que sepa que logró una buena toma, o que aparezca el factor sorpresa y capture un instante, cuando todo acontece rápido, sin saber  si ha logrado una buena fotografía. Se trata pues del trabajo propio de un fotógrafo documentalista interesado en la vida cotidiana, en aquello que es tan ordinario que parece poco digno de ser retratado.

 Sin embargo, una de las cosas que me parece más importante de este fotógrafo es el hecho de que en realidad no tiene influencia visual de fotógrafos. “I don´t have any photographic influences. I don’t have any master, and I prefer to stay a good distance away from photographic culture”. En este sentido, el ojo de Laboile parece estar perfectamente educado, probablemente por su formación en las artes y su desarrollo como escultor. Lo cierto es que a través de su lente logra exponer su concepción en torno a la familia, la infancia, el juego y su preocupación, tal vez inconsciente, por preservar el vínculo que hay entre él y sus hijos. Las fotografías de la serie “La famille” (que forma parte de la colección permanente del French Museum og Photography) son retratos en blanco y negro en los que se muestra a los niños jugando en la naturaleza. El agua es un elemento importante en las fotografías, pues la mayoría de ellas se muestra a los niños jugando en grandes ríos.

Alain Labiole, fotografía de "La Famille", 2014. Crédito: Lensuculture.
Alain Labiole, fotografía de “La Famille”, 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de "La Famille", 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de “La Famille”, 2014. Crédito: Lensculture.

 Labiole hace énfasis en los gestos y en las posturas que denotan tranquilidad, felicidad y despreocupación. Los actores de estas fotografías nos muestran que la vida se trata de momentos de bonanza, nos recuerdan que todavía hay cosas buenas, que la vida familiar dentro y fuera de la casa puede traernos dicha. Las fotografías fungen como una ventana que ayuda al espectador a adentrarse a la vida privada de Alain Laboile, quien en un intento por rescatar la historia de sus hijos crea imágenes reveladoras de un tiempo fugaz, de una etapa momentánea sin retorno. “Mi intención con este proyecto es crear un álbum familiar que constituya un legado para transmitir a mis hijos.” En cierto modo, la infancia no muere mientras la fotografía permanezca, la historia pervive mientras haya testimonio visual de aquello que se vio realmente ocurrió.

Alain Labiole, fotografía de "La Famille", 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de “La Famille”, 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de "La Famille", 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de “La Famille”, 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de "La Famille", 2014. Crédito: Lensculture.
Alain Labiole, fotografía de “La Famille”, 2014. Crédito: Lensculture.

Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Sensualidad, magia y sutileza : Cine a la Wong Kar-Wai


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Wong Kar-Wai.

“Hace 20 años, si en China le decías a alguien “Te quiero”, era algo vulgar, soez, era algo que se sobreentendía pero no se decía. En cambio es algo normal en Occidente, es más, es algo que debes hacer si lo sientes por una persona.”

La pequeña escena se transforma en una majestuosidad andante, entre diálogo e idea, la trama se torna compleja, diez minutos después la perfidia avanza sobre el tiempo y ya no son los mismos personajes, reencarnan en ellos una serie de personalidades que asombran (quizá) al que esté viendo cada detalle durante el lapso que corre la cinta. Yo me he quedado perpleja en todo el trabajo de Wong Kar-Wai (1958), me atreví a hacer una postura personal al respecto, ya que la vinculación entre la emoción y el sentido es meramente subjetiva, varía entre distintos tipos de percepciones, y era necesario enfatizar la reflexión que me aporta el trabajo del director chino.

 Esas películas que apremian y rompen a la vez el compacto actual –según los mecanismos de proyección- hacen que la cinta guste y llegué a extasiar en diversas formas. Pánico, dolor y un llanto tal vez, puedan ser los motores que prenden aún más los sentidos. Tan extraordinario ha sido su trabajo, que es importante mencionar que a lo largo de su trayectoria compagina la simplicidad con el trasfondo del “estar”, ejemplo de esto, es una película que logra embelesar como fue el caso de 2046 , cinta del año 2004 la cual transforma un medio entre tiempos: Pasado, presente y futuro, cuidados que van desde el manejo de la música hasta las apariciones de cada personaje. Personaje central, con pasión inaudita por el escrito, se fascina, redacta, revisa y relee, su motor el tiempo, secuela: El pasado. Deseando huir, corre a la búsqueda de lo fascinante, refleja su porvenir en el futuro… en su último escape. Representa el éxodo y la salvación al tiempo, corre, busca, encuentra un número que se graba y se repite constantemente: 2046.

2046 2004 DE WONG KAR WAI AVEC TONY LEUNG GONG LI KIMURA TAKUYA ZHANG ZIYI
Escena de “2046”
“Todo el que va a 2046 tiene la misma intención, quiere recapturar recuerdos perdidos. Porque en 2046 nada cambia nunca. Pero, nadie sabe si esto es verdad o no porque nadie ha regresado jamás.”

 Y mientras avanza la hora, enredos y confusiones aparecen; crees entender y de repente transformas la idea a lo que es, pero ése “es” se convierte en tu sentir, sólo corresponde a lo que pudiste percibir. Esa es la magia de Wong Kar Wai, te hace desplazarte por todos tus sentidos sin saber cuál va a ser el sabor final. Lo predecible no augura el recorrido de sus películas. No se prevé ni la mitad, mucho menos el desenlace.

 Deseando amar (2000) a simple vista (sólo por el título) ofrece como primera impresión, un melodrama que no pasa más allá de romanticismo peculiar de la cinematografía, sin embargo, la encrucijada aparece cuando ese mismo encabezado representa la barrera para que el amor llegue a la puerta de los protagonistas. Víctimas del engaño, del olvido y en desmedida de la soledad, se buscan implícitamente, para encontrarse dentro de lo que parece un círculo que nunca acaba, quieren deleite –no carnal– , y lo enfrentan enamorándose en cada límite. Con música de Nat King Cole, la burbuja rosa y ofuscada cobra los estragos del desasosiego.

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“Deseando amar” (2000)

 La incursión de Wong Kar-wai en el medio artístico fue en diversos guiones que realizó para algunos programas de televisión. Cabe mencionar que sus inicios en el cine no fueron algo fácil, ya que implicó un gran reto para él, y a pesar del fracaso rotundo de sus primeras cintas como fue Días salvajes (1990), siguió moldeando el estilo que lo definiría poco a poco. La sensación de seguir innovando en sus siguientes trabajos, lo definió como uno de los directores más aclamados de Oriente.

 Un hito de la modernidad como vía para generar condiciones que detonen el pasar de la vida a través de los años, es la consistencia que asombra la ficción en la que logra detonar la añoranza junto con los destellos sobre música y personificación. No es necesario ir más allá de los 30 minutos para saber que la obra es un método pulcro y blando a la vez, es un símbolo de lo distinto. Y lo diferente, promete más que lo necesario; generalmente asombra más de la cuenta. La sensualidad es otro componente elemental del director, que forma una línea indivisible entre lo sólido y obsecuente, un apartado que hace de la exquisitez, el siniestro final.

Impresiones francesas sobre el Muralismo

LA TRADITIONNELLE

En arrivant au Mexique, j’avais très peu d’idées sur l’art typiquement mexicain. C’est en me promenant sur le campus de l’UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México), entrainée par une amie mexicaine que j’ai découvert les peintures murales de Diego Rivera. Des fresques, colorées et imposantes recouvraient les murs des bâtiments. En me renseignant, j’ai découvert que ces fresques dataient du début du XXème siècle et appartenait au courant socio-politico-artistique : el muralismo.

 Le courant artistique dit muralista est né durant la révolution mexicaine, qui a débuté en 1910 et durera jusqu’en 1920. Il se voulait à la fois politique et social, ce qui se refléta dans le sujet de ses œuvres.  L’un des but du muralismo était d’éduquer les masses populaires principalement pauvres et sans éducation. Ces œuvres voulaient démontrer et apprendre à être fier de la culture préhispanique. Ce fut un idéal particulièrement mis en avant par l’écrivain, philosophe et avocat José Vasconcelos, qui fut aussi brièvement ministre de l’Education en 1921.

Independencia - Víctor Cauduro Rojas touched

‘Independencia’, de l’artiste contemporain Víctor Cauduro Rojas au Palacio de Gobierno, Querétaro

 En plus d’être une œuvre d’art, elle se devait de retransmettre l’histoire du Mexique et ses clivages, tel le thème de la Conquête espagnole, peint par Jean Charlot dans ‘Massacre du temple Majeur’ en 1922 ou bien des représentations de scène quotidienne de travail des indigènes, comme peint par Diego Rivera. Tels les vitraux aux Moyen-Age en France, les fresques aidaient à faire comprendre l’idée par l’image. Dû à la propagation du mouvement, les fresques des muralistas se découvraient dans les bâtiments publics tels musées, le Palais Nacional de México City, les écoles…etc. Malgré cela, la fin de la Révolution, marqua la fin du mouvement qui connut une forte opposition des classes moyennes aisées. Elle eut pour résultat une baisse des commandes, et la destruction d’œuvres dans le cas de la plus forte opposition. L’élite restait sous l’influence de peintures plus académiques de style européen.

 Ainsi, les artistes mexicains partaient découvrir de nouveaux courants artistiques en Europe comme le cubisme, voyager et découvrir les conséquences de la révolution russe afin d’en tirer des apprentissages pour le Mexique. De plus, les muralistas avaient des inspirations et techniques variées, allant de la plus classique fresque à l’italienne à des peintures qui rappellent celles précolombiennes qui ornent des temples religieux, comme au site de Chichen Itza dans le Yucatan.

Diego Rivera - Sueno de una tarde dominical en la Alameda Central

‘Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central’ de Diego Rivera

 A cette époque, des artistes reconnus du mouvement sont Diego Rivera, Roberto Montenegro, Vicente Orozco ou encore David Alfaro Siqueiros. C’est une histoire riche que ces artistes laissent comme héritage, et presque unique dans le monde : je n’ai jamais vu de mouvement avec une telle ampleur, tant par le nombre que par la grande taille des œuvres. Le travail d’éducation du muralisme continue et perdurera dans le temps.

¿Qué Esperamos para el 2015 en Animación?

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El 2014 se ha ido, es tiempo de ver nuevamente hacia adelante en esta época de nuevos proyectos, motivaciones sin fin y promesas que, esperemos, esta vez sí podremos cumplir. El año que terminó estuvo lleno de producciones animadas en México y el mundo, desde Momias en el Guanajuato de la época de la Revolución, hasta un perro y su hijo humano viajando en el tiempo. Vikingos montando dragones y un grupo de héroes nacidos de la unión de Disney y Marvel. Fue un gran año para la animación.

 Este 2015 viene con muchas interesantes propuestas que sin duda nos darán un año igual o mejor en lo que a animación se refiere. A continuación un pequeño recuento de las principales producciones que podremos disfrutar en los próximos doce meses. Viajes a la nostalgia, segundas y terceras partes, animación mexicana en 3D y mucho mas es lo que se acerca.

En el conteo navideño hablé de la serie Bob Esponja (Spongebob Squarepants, 1999), pues este año tendremos en la gran pantalla la segunda película de este cómico personaje. Una cinta que mezclará la animación 2D, 3D y el Live Action: Bob Esponja: Un Héroe Fuera del Agua (The Spongebob Movie: Sponge Out of Water, 2015). En esta ocasión, Bob y sus amigos deberán abandonar la comodidad de su hogar en las profundidades del mar para luchar contra un despiadado pirata que amenaza con destruir la vida en Fondo de Bikini. Esta promete ser una película llena del clásico humor de la serie y la película anterior, haciendo referencia a los súper héroes y sin duda, parodiando a otras cintas del género.

 Hotel_Transylvania_2-225587954-largeLos amantes del cine de terror… para niños, se sentirán dichosos de ver a los monstruos clásicos de regreso en las pantallas con la cinta Hotel Transylvania 2 (Hotel Transylvania 2, 2015), una cinta de nuevo dirigida por Genndy Tartakovsky que contará con las voces de Adam Sandler y el legendario comediante Mel Brooks, cuya experiencia en el género del horror cómico ya ha sido explotado antes en películas como El Joven Frankenstein (Young Frankenstein, 1974) y Drácula Muerto pero Feliz (Dracula: Dead and Loving It, 1995).

 Sin duda uno de los estrenos más esperados es la tercera parte de aquella saga que renovara la fe de muchos en la empresa Dreamworks Animation, me refiero a Kung Fu Panda 3 (Kung Fu Panda 3, 2015), así es, el adorable y valiente Panda, Po, estará de regreso con una tercera aventura que nos mantiene con enormes expectativas, contando ya con dos películas anteriores que nos regalaron una historia divertida y emotiva, llena de mensaje de auto superación y determinación.

 Para los amantes de las caricaturas de antaño, este 2015 llegará por vez primera a la pantalla grande y en formato 3D la cinta Charlie Brown y Snoopy: La Película (Peanuts, 2015), basada en la popular serie creada por Charles M. Schulz que gozaba de un humor a veces negro pero infantil al mismo tiempo y que nos relataba las aventuras (o desventuras) de un deprimido niño que se abre paso en un mundo donde los adultos son casi invisibles y donde los niños son tan listos que, tal vez sin saberlo, nos daban una crítica social en una forma tierna y sutil que hacía de este programa sencillamente encantador.

 Por último, pero no menos importante, las producciones mexicanas se abrirán paso también en las salas de cine del 2015. Por parte de la empresa Animex tendremos las cintas El Americano (El Americano: The Movie, 2014 de Ricardo Arnaiz y Selección Canina (Selección Canina, 2015). Los hermanos Riva Palacio nos traerán la tercera parte de su obra con Un Gallo con Muchos Huevos (Un Gallo con Muchos Huevos, 2015) y Ánima Estudios retomará su gran proyecto hasta la fecha con Don Gato: El Comienzo de la Pandilla, una película que se enfrentará a dos enormes retos: Será la primera película del estudio hecha enteramente en 3D además de que tendrán que lograr la calidad de la primera, esta vez sin la inigualable voz del fallecido Jorge Arvizu “El Tata”.

 

 No son todas las producciones animadas que podremos disfrutar este año. Tan sólo es una pequeña probada de lo que viene, así es que, amantes del cine y la animación, estén preparados porque habrá mucho, pero en verdad mucho, que ver. Todas son promesas muy grandes, el tiempo dirá cuales de ellas se convertirán en clásicos y cuales quedarán en el olvido.

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Me gustan tus arrugas: Gerontofilia

–¿Protector solar?

–¿Y si aterrizamos en Palm Springs?

–Ya te lo he dicho, me gustan tus arrugas

Imagina una relación amorosa que rompa los estándares que se han venido manejando desde hace años, en donde el amor, la pasión y el deseo sean los únicos que te digan qué hacer. Ese es el caso de Lake, un joven de 18 años que descubre que sus intereses han cambiado y que el placer que necesita ya no se lo puede dar su novia, sino el señor Peabody.

Gerontophilia_KeyArt Peabody es un señor de 80 años que vive en una residencia de ancianos, misma en la que Lake entra a trabajar y en la cual descubre su gerontofilia, inclinación sexual que para muchos es inconcebible.

 Imagina tener relaciones sexuales con alguien más grande que tú, en donde  estén de por medio  canas, piel flácida, arrugas y ese olor tan peculiar que caracteriza a las personas de la tercera edad. Imagina que la única manera de encontrar satisfacción y llegar al clímax sea así, con una persona que podría ser tu abuelo.

 Pues si nunca habías escuchado este término, entonces tienes que ver esta película canadiense del director Bruce La Bruce titulada así, Gerontofilia, en la cual el deseo y las relaciones amorosas son llevadas al siguiente nivel. Si piensas que de por si eso ya es bizarro, añádele que en esta relación con un abismo de años muy grande se maneja igualmente una relación homosexual.

 Puede que no sea nada sorprendente ni del otro mundo, pero cuando salen a la luz casos así, aún hay personas que no lo aceptan o repudian. Pero este no es el caso del director Bruce, ya que en su línea cinematográfica se ha caracterizado por traspasar las barreras y desestabilizar las normas tradicionales de la homosexualidad e identidad de género, siendo conocido como el pornógrafo punk.

 Gerontofilia es un filme canadiense protagonizado por Pier-Gabriel Lajoie, Walter Borden y Katie Boland y fue estrenada el 14 de febrero del 2014, que hará que veas como las relaciones sentimentales van más allá de la edad, en donde el amor es vivido en un viaje que no se logra  concluir pero que está lleno de celos, pasión y aventura.  Así que si quieres salir de la rutina y ver algo que no aparece todos los días en la pantalla grande no te la puedes perder.

Fotogramas de un corazón de náufrago : El cine de Eliseo Subiela

Eliseo  Subiela
Eliseo Subiela

Eliseo Subiela es uno de los directores latinoamericanos que podría  acceder (en algunos de sus trabajos) a la  categoría de “poeta del cine”, tal como lo denominaba aquel monstruo de la cinematografía y poeta de la imagen Andréi Tarkovski. Subiela nació en 1944 en Buenos Aires, Argentina, su formación como cienasta se  remonta a un breve paso por la Escuela de cine de La Plata.

El  no  soportar  la  realidad lo  llevó a  hacer  del  cine  un  refugio; admirador  empedernido de  Julio Cortázar y músico frustrado, como  ha  hecho  saber en algunas  ocasiones “hago  cine  porque no puedo tocar el saxo”. Subiela impregna sus filmes de un trance  completamente metafórico, siempre apoyado de un buen manejo  del  lenguaje  poético en  sus  guiones y tropos  visuales.

Con  17  trabajos audiovisuales , Subiela explora los  sentimientos de la humanidad posmoderna con un toque  místico, expone al  hombre  sufriendo su propio  naufragio, las  pasiones humanas, cuestiones  metafísicas, la  muerte, el  egoísmo, el amor, la locura, la  vida rutinaria de ciudad y la monotonía del  sedentarismo, todo con una  poética  que  aspira  a  filosofía, expuesta a través de  agudas  preguntas retóricas:

“¿Cómo amar sin poseer?”

Aquí  les  presento  mi selección  y recomendación de  los  5 trabajos  mejor logrados por  Eliseo Subiela que, con corazón de naufrago siempre apela  a la universalidad del amor,   nos  devela  el  encuentro entre hombre y mujer en extremos distintos de  una situación, como  epílogo o preludio de un naufragio.

El lado oscuro del corazón(1992)

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Esta  es  quizá  es la  película  más  reconocida  de  Subiela.  El  Film es una coproducción entre Argentina y Canadá. Ambientada en Buenos Aires y Montevideo, es protagonizado por  Dario Grandinetti, Nacha Guevara y Sandra  Ballesteros,  sin duda, una  de  las  películas que  valen tan sólo por  su  guión.

Subiela  logra combinar  la  poesía  de  Oliverio Girondo, Juan Gelman y Mario Benedetti (quién aparece en la película), con la  narrativa  de  la  historia  sin hacerlo forzado, además de  reforzarlo con una poética  visual de  época que engloba la  disyuntiva  del  amor y la muerte, la  soledad, la vida en sudamerica después de las dictaduras y la  decadencia  social.  El lado oscuro del Corazón es  la lucha de Eros y Tanatos, un bolero hecho cine.

Mira la película aquí.

Hombre  mirando al sudeste(1986)

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Filme consecuencia del documental Un largo  silencio que  Subiela  filmó en 1963 sobre  un hospital psiquiátrico. La  película  aborda  el tema  de  la  locura desde  la vida de un interno, cuestiona los  procesos psiquiátricos y la misma  categorización de la locura como  enfermedad, ¿quiénes  son los  enfermos, los internos o la  sociedad?.

La  película es  protagonizada  por Lorenzo Quinteros  y Hugo Soto, en ella Subiela  logra un gran guión que nos  regala  estupendos y mordaces monólogos, además de secuencias visuales estridentes  como la interpretación de El beso de René Magritte. El mismo Subiela describe a la película como una experiencia  redonda.

Mira la película aquí.

 

 

 

Ultimas imágenes del Naufragio (1988)

 

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Para muchos esta es su mejor  película, paradójicamente  fue un fracaso en taquilla. Sin embargo, recibió muchos  premios en el  extranjero. Protagonizada por Lorenzo Quinteros, Noemí Frenkel y Hugo Soto.

El filme es  una metáfora de  la  crisis  económica de fines de los  años ochenta. Cuenta  la  historia  de un vendedor de seguros que pretende  escribir  una gran novela, éste conoce a Estela  y a su familia.

La historia, rica en el misticismo  metafórico  que  caracteriza a Subiela y, sin dejar de  lado la crítica a las  condiciones  sociales de  vida, muestra el subsistir  diario en la decadencia de las ciudades, con maestría  en el  guión-como siempre o  casi siempre- desnuda en los diálogos a esos aspectos ásperos del vivir en las urbes y, nos hace escuchar al  grito generalizado que  regularmente aguarda en silencio:

-¿A qué se dedica?

-A sobrevivir, todo lo que  no signifique agachar la  cabeza,  decir “sí señor”, empleos, órdenes. Nada de subordinación. A algo de  valor.

Mira la película aquí

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El  resultado del amor (2007)

 

El resultado del amor

Protagonizada por  Sofía Gala Castiglione y Guillermo Peening. La historia nos lleva por los caminos de la transgresión, el amor, la prostitución, el misticismo, los  contrastes entre las  villas y la ciudad,  la muerte en la vida y  el huir de ella,  El  resultado del amor, se  trata de  engañar a la muerte, de la singularidad en lo aparentemente cotidiano. La película tiene una especie de intertextualidad  con Hombre mirando hacia el sudeste, y es aderezada por las  Greguerías de Ramón Gómez de la Serna, un toque de jazz con Billie Holliday. Hace del encuentro de  una botarga y un payaso lo más romántico,  o bien de un ex abogado con una prostituta, o de  otro modo, de una mujer violada con un saxofonista.

Mira  la película aquí.

 

 

El lado  oscuro del corazón 2 (2001)

 

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Una coproducción entre España y Argentina. Protagonizada por  Darío Grandinetti, Sandra Ballesteros, Ariadna Gil y Nacha Guerra. Esta vez con la  poesía  extraordinaria de Alejandra Pizarnik. Otro Fracaso en taquilla, si se  le  compara con  su predecesora. Sin embargo, al mantener las  tablas de la primera parte es un filme que riquísimo en el  guión, y en metáforas  visuales, además de  la dualidad  tánatos-eros, la película agrega  una  nueva  variante: el  tiempo, éste juega  un papel peculiar al ser el que  lleve  la  batuta  en el  juego de las  preguntas  retóricas.

¿La pasión  sobrevive al  tiempo y a la distancia, ante  el  ocaso de  magia, al inexorable paso del tiempo en el corazóna, a los  pasos hacia  atrás y la  gravedad horizontal?

Mira  la película aquí.

Superficie

Instagram: @iscamphoto
Tus pensamientos tienen que entender una cosa:

Tú no estás interesado en ellos.
El momento en que llegues a este punto has logrado una victoria tremenda.
Sólo observa.
No le digas nada a los pensamientos.
No los juzgues.
No los condenes.
No les digas que se muevan.
Déjalos hacer lo que estén haciendo, déjales hacer cualquier gimnasia; simplemente observa, disfruta.
Es una película bonita.
Tú te sorprenderás: sólo observando, llegará un momento en que no habrá pensamientos…
y no habrá nada que observar.


– Osho

Caos
Caos
Soledad
Soledad
Esperanza
Esperanza

Deseos culturales para año nuevo

Me permitiré hacer una excepción a la regla cultural que de corriente sigo, para hablar de un inicio, que por fuerza será para bien. He escuchado a muchos seres humanos referirse al año que terminó de recién como de los peores que han sufrido en sus flacas o gordas vidas, y es que la afectación ciertamente no ha sido sólo a nivel individual, por fuerza proviene de algo más fuerte y grande, sea que una desencadene a la otra o viceversa, a niveles mucho más poderosos se han sucedido eventos que han desestabilizado al país, Una suerte de campo mórfico para contextualizarnos.

 Entonces escribo esto para desear (como si no tuviéramos bastante de eso) salud, dinero, paz, pero  más bien para desearnos cultura y sensibilidad por respuesta y compañía inherente, porque tengo aún la convicción –que espero jamás perder– de que las respuestas en éste portento se encuentran, que un buen artista es primero un buen ser humano. Que la necesidad de la integralidad tal vez nunca alcanzada concede al humano lo que en verdad requiere, y entonces se ocupa en lo que en verdad debe, y deja de estar ejerciendo presión en el ajeno, en establecer comparaciones vacías de sentido que no le nutren ni le alimentan.

 La cultura merecedora del título nos permite ocuparnos de la naturaleza, la sensibiilidad que permite auténticamente preocuparse por el que lo necesita, llorar frente a un cuadro, ante una obra de arte, ante una montaña y la paz que provee, ante el mar y su inmensidad, esto lo necesitamos. Hacer buenas elecciones, subirse a un escenario y ganarse el derecho, elegir proyectos por el bien que conceden, la moral que rescatan, el amor de que proveen, la reflexión necesaria, la ruptura, la barrera quebrantada. Tal vez cambiar los libros de superación personal, de películas con carteleras llenas, sagas,  por la sensibilidad de Galdós, de Saramago, de Víctor Hugo, por la poesía con apertura, la televisión por la literatura, por las pinturas de una buena exposición, ponerse a dieta saludable de buena cultura, como todo es comida pues, pero es mejor la ensalada nutricia que la gorda de chicharrón, elegir la cultura que alimenta y dota. Cambiar el teatro comercial por el culto, la revista por el cuento de valor.

 Eso deseo, les deseo y me deseo,  para hacer de éste un mundo mejor…

Impresiones francesas sobre las artesanías

LA TRADITIONNELLE

Ma première visite de México City lors de mon premier weekend au Mexique a été le Bazaar de Sábado, dans le quartier de San Ángel. Pour accéder au Bazaar, il faut traverser un petit parc déjà bordé d’œuvres d’art et contourner une petite église, dédié à San Jacinto. J’ai été de suite émerveillée par le cadre : un patio bordé de galeries de marchands d’art, d’artisans et des restaurants avec des terrasses qui s’allongeaient dans la cour à ciel ouvert. Car c’était bien cela : un marché qui a lieu tous les samedis, dans un beau cadre à l’architecture coloniale. Déambulant de boutiques en boutiques, de stands à stands, j’étais impressionnée par la profusion de choix. On pouvait admirer le travail d’orfèvres, des bijoux, des objets en céramique…etc. J’ai donc commencé à faire le tour du patio.

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Ma première vue du bazaar del Sábado 

 Dans une de ces galeries, j’ai pu découvrir des pièces d’artisanats de la région d’Oaxaca. Les alebrijes, des sculptures multicolores aux formes mi- animales, mi- monstres peuplaient l’espace. De tailles plus ou moins grandes, elles s’élançaient. Les premières ont été créées par l’artisant Pedro Linares, qui les réalisaient en papier mâché. Leurs apparences étaient directement inspirées de ses rêves.

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Un exemple d’alebrije

 Des boites et coffrets sculptées en bois avec des incrustations de Frida Kahlo dans le couvercle apparaissent sur le chemin. L’odeur de bois est encore présente à l’intérieur de la boite. La figure de Frida Kahlo est, de fait, détournée sur plusieurs produits du marché : tee-shirts, boites, couvertures de carnets, peintures…etc. D’autres proposaient au passant de petites statues miniatures polis inspirées de l’artiste colombien Fernando Botero, ou encore des vêtements en coton brodé d’une ceinture ou de détails en fils de couleurs vives.

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Des poupées en tissus, habillées de manière traditionnelle

 Ce bazaar a été créé en 1960 et permettait aux artisans de vendre directement leurs œuvres au public. Ainsi se réunirent-ils une fois par semaine, le samedi. Au début peu nombreux, le bazaar connu ensuite un succès croissant.  D’autres marchés spécialisés dans l’artisanat virent le jour dans Mexico City par exemple, comme le Mercado de la Ciudadela proche du Centro Historico. 

 Les marchés d’artisanats locaux jalonnent le pays. On en trouve facilement lors d’excursions touristiques, parfois sur les sites même de visite. Ils sont improvisés à quelques centaines de mètres des pyramides et ruines antiques où déambule le visiteur. D’autres sont intégrés au sein de la ville et ont lieu de manière régulière. Dans l’artisanat, la fabrication locale prime. Chaque région a sa spécialité. L’artisanat est également une ressource économique certaine, encouragée come activité par des politiques gouvernementales. Son influence varie selon les régimes du pays : tantôt mise de côté, tantôt annoncé comme une fierté culturelle; l’artisanat tente de trouver sa place. Ces artesanias, objets récoltés au gré des voyages te seront utiles comme cadeaux et toujours beau en décoration. 

Especiales Navideños Animados: Última Parte

Al fin hemos llegado a la última parte de este especial navideño. En las primeras horas de este nuevo año, les presento otras dos opciones de capítulos navideños basados en series animadas. Anteriormente hablé del canal Cartoon Network, y ahora es turno de otro famoso canal que si bien actualmente ha perdido la mayor parte de su esencia, es definitivamente uno de los más famosos en cuanto a programación animada/infantil se refiere: Nickelodeon.

 first christmas 009De igual manera, este canal contaba con una amplia gama de series y personajes emblemáticos, sin embargo he de admitir que dos de ellos son los que personalmente me llegaron más en época navideña. El primer programa está lleno de humor absurdo e incluso considerado tonto por muchos. Una serie que ha tenido muchos seguidores y detractores, ha sido atacada incluso por la (en mi opinión, exagerada) idea de mostrar ejemplos de homosexualidad en los niños. Si, una serie muy polémica, pero nadie niega que uno de los mayores éxitos del canal: Bob Esponja (Spongebob Squarepants, 1999).

 La segunda serie es un tanto más inocente, más madura, pero igual de cómica y divertida. Para un gran sector del público, la obra máxima de Nickelodeon (muchos de ellos, padres de familia). Una caricatura que sigue las aventuras cotidianas de un niño de cuarto grado, huérfano, con una enorme imaginación (que apenas cabe en su también enorme cabeza) y con un corazón de oro. Una caricatura muy bien lograda que por desgracia jamás logró tener un cierre apropiado y que hoy día es difícil verla al aire: ¡Oye Arnold! (Hey Arnold!, 1996).

 Comencemos con Bob Esponja, esa pequeña esponja marina con eterno espíritu infantil que se gana la vida trabajando de cocinero en un restaurant de comida rápida. Hasta ahora ha tenido dos especiales navideños, el segundo de ellos hecho en una encantadora técnica de stop motion haciéndonos referencia a las obras de Rankin/ Bass, sin embargo, en esta ocasión hablaré del primero de ellos, un capítulo de doble duración titulado “¿Navidad, Quién?”.

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 En este capítulo, Bob esponja queda fascinado por el relato de su amiga Arenita acerca de una festividad de la superficie en la cual un tal Santa Claus visita las casas y deja regalos para aquellos que le escriben. Bob les habla a todos sus amigos y vecinos, explicándoles esta maravillosa idea, y juntos deciden celebrar la navidad por primera vez. Lamentablemente, su gruñón vecino Calamardo, se muestra en contra de la idea y se dice convencido de que Santa Claus no es más que una mentira y un fraude. ¿Será cierto?

 Este capítulo no sólo muestra todo el humor que la serie ostentaba en su mejor época, sino que la animación ya entraba en una etapa más fluida y limpia. Diría que es un especial que se posicionó en un punto donde el aspecto creativo y técnico estaba en su apogeo. Además, la historia que nos cuenta está muy bien llevada. No es el clásico cuento de Scrooge o el Grinch, pero si nos muestra como hasta el personaje más incrédulo puede hacer algo para avivar el espíritu y la magia con tal de que otros sigan creyendo. La lección de este especial es sin lugar a dudas que la navidad se trata de dar, y que cuando damos alegría, también alegría recibimos.

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 Y ya para terminar, me permito hablar de la que en mi perspectiva es la joya de la corona de los especiales. El capítulo “La Navidad de Arnold” es un especial también de larga duración donde el materialismo y el comercio navideño son destrozados por el verdadero significado de esta fiesta. Todo comienza cuando el protagonista, Arnold, descubre con pesar que en el sorteo del intercambio de regalos le ha tocado regalarle algo al señor Hyunh. No es que Arnold no simpatice con su vecino, simplemente es la única persona en su hogar a quien no tiene idea de que regalarle.

 En una conversación con su vecino, el señor Hyunh le cuenta a Arnold la triste historia de cómo llegó desde Vietnam huyendo de la guerra y en busca de su hija Mei, a quien no ha visto desde que era un bebé. Y es así como una nueva aventura por un sueño imposible comienza, Arnold está decidido a darle esa navidad un reencuentro con su adorada hija a un hombre que está completamente sólo en el país. Por su parte Helga, la eterna enamorada de Arnold, también busca el regalo perfecto para darle al muchacho y de paso ganar su corazón. Deberá ser algo grande, impresionante, ostentoso y sumamente costoso… ¿Por qué eso es lo que hace que un regalo sea valioso, o no?

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 Este episodio tiene una carga humorística inteligente y muy eficiente, se reirán mucho al verlo. Pero más que eso, es un capítulo que de verdad llega al corazón, un episodio que toca cada fibra de nuestros sentimientos, nos emocionará y les aseguro que les robará un par de lágrimas. Es una capítulo que hace énfasis en la bondad humana, en los milagros que la determinación puede lograr y en como el desprendimiento de algo que queremos con intensidad puede volverse la mayor prueba de amor en una época que trata justo de eso, del amor. A mi parecer, uno de los mejores episodios de la serie y quizá el mejor especial de navidad de los que he mencionado.

 Espero que esta pequeña lista de propuestas navideñas haya sido de su agrado. La navidad es una época mágica para todos. Seamos creyentes o no, gustemos del lado comercial o no, incluso para esos que se dicen detestar esta fiesta. Efectivamente los precios suben, el transito y la multitud se desbordan estos días… pero es la única fecha en que el mundo grita un mensaje de amar al prójimo, un momento en que las calles se alumbran de color y luz, una época que anuncia la llegada de un nuevo año y una nueva oportunidad de ser mejores. La animación lo ha sabido con el paso de los años, y nos ha ayudado a enriquecer esta experiencia.

La sensibilidad e irreverencia de Arthur Rimbaud


La poesía francesa de Arthur Rimbaud (1854-1891), instantáneamente transporta a un mundo de melancolía, a un paisaje fuera de órbita, que va más allá del sentimiento humano. No se le podría afirmar como una emoción que altere negativamente los sentidos, tampoco algo que sea en un término de mera benevolencia. El desaire y la hostilidad eminente del siglo XIX, tocaba la puerta de los más sensibles y con pocas veneraciones hacia lo que sólo se adecua de año a año; a esta clase de personas, inteligentes, brillantes, con un apego hacia la humanidad misma, pertenecía el poeta francés. Con una gran pasión y contrato hacia lo inadmisible, apareció la exquisita lírica de su extensa obra.

Rimbaud

“El nuevo año ha consumido ya la luz del primer día;

luz tan agradable para los niños, tanto tiempo esperada y tan pronto olvidada,

y,envuelto en sueño y risa, el niño adormecido ha callado…

Está acostado en su cuna de plumas; y el sonajero ruidoso calla,junto a él, en el suelo.”

-Fragmento“El ángel y el niño”

  Paul Demeny (poeta destacado de aquélla época) fue su gran inspiración, formando en el joven Rimbaud una pieza de artilugios sobre letras y expresiones que le permitían ir más allá de lo que se veía en la creación literaria parisina. Fue el eco de la rebelión y de la subversión ante quien no aceptaba sus acciones de libertad. Un lapso de tiempo que se desplumaba por una actitud pueril, que no permitía que el talento de un ingenio se llegará a percibir con la magia que destilaba en cada poema.

 Presa de lo difícil , del hecho controversial, trató de salir airoso, alejándose en primera instancia, de sus raíces primarias y luego del círculo intelectual francés. Víctima de una infancia precaria -emocionalmente hablando-, buscó el hueco sobre la prosa desde muy pequeño, el arreglo hacia su dolor se plagó de instantes llenos de sensatez y hostilidad también.

“En la horca negra bailan, amable manco.

Bailan los paladines,

los descarnados danzarines del diablo;

danzan que danzan sin fin

los esqueletos de Saladín.

¡Monseñor Belzebú tira de la corbata de sus títeres negros, que al cielo gesticulan,

y al darles en la frente un buen zapatillazo

les obliga a bailar ritmos de Villancico”

-Fragmento “El baile de los ahorcados”

 El invierno fue una estación del año decisiva en el francés, ya que en 1870 el Colegio de Charleville (al cual había asistido) se convirtió en un hospital militar, lo cual ocasionó un extraño sentimiento en el joven de 16 años, que regresaba después de una fuga; razón de esta fue la horrible voluptuosidad social a la que se veía sujeto.El regreso le provocó una oleada de sensibilidad mayor, y su desarrollo en la poesía se enalteció conforme se separaba más de la burguesía. Desde sus escritos, se notaba un cierto resentimiento hacia la clase que manipulaba constantemente el trabajo de los artistas; los que se salían de dicha área, no eran bien aceptados, como lo fue para él, ya que desde el principio se le trató de desprestigiar.

“Mi triste corazón babea en la popa,

mi corazón está lleno de tabaco de hebra:

Ellos le arrojan chorros de sopa,

mi triste corazón babea en la popa:

Ante las chirigotas de la tropa

que suelta una risotada general,

mi triste corazón babea en la popa,

¡Mi corazón lleno de tabaco de hierba!

¡Itifálicos y sorcheros

sus incultos lo han pervertido!”

– Fragmento de “Cartas del vidente, primera: El corazón atormentado.”

 Un gran aventurero de la vida y la muerte, incidentes que van desde lo ocurrido con Paul Verlaine (que atentó contra su vida) hasta la unión en el ejército colonial holandés. “Las iluminaciones” y “Una temporada en el infierno” han sido de sus máximos escritos que han permitido que el legado de Rimbaud prevalezca hasta el presente siglo.Llena de suspenso, melodrama y caos, su obra aparece como la rebeldía de una flor que se negaba a marchitar, como un lobo que se aferraba al frío de la temporada, como un depredador sobre la mejor víctima y con el enorme amor hacia los desafíos que se presentaban.

Tadanori Yokoo: Ilustración japonesa

Gracias a la tecnología y a toda esa parafernalia moderna a la que muchos, sino es que todos, tenemos acceso, se pueden consultar un sinfín de artistas, ilustraciones, fotografías, música, ropa, imágenes, escritos… conocimiento.

 Es grato encontrar en la página oficial del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) infinidad de opciones para consultar, percibir y consumir. Esta nueva brecha tecnológica hace que la información y el conocimiento estén a dos o tres clicks de distancia. Quizá haya factores que no permitan a un lector consumir arte por medio de la web, pero debemos darnos cuenta que este medio está presente; y si lo comparamos con el consumo de arte de 1960 es cosa de locos pensar que en tu casa puedes ver y conocer las principales tendencias artísticas de la época.

crédito: MoMA & Tadanori Yokoo
Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

 Justamente en este espacio web, encontré a un ilustrador que tuvo su máxima expresión en las décadas de los 60 y 70. Se trata de Tadanori Yokoo, de origen japonés, que manifestó en sus ilustraciones la ideología de los años vividos, dibujos atemporales que sobreponen alguna “normatividad” estética, sus collages, su dominio del pincel permitió a Yokoo ser uno de los ilustradores más importantes de su época.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Sin duda el uso del cartel como propaganda fue parteaguas para que este artista pudiera materializar sus ideas y conceptos  en papel. La inspiración se da de los carteles propagandísticos de la guerra. Si bien dicha inspiración no es tan explícita, el cartel fue parte fundamental de la ideologización de los ciudadanos a lo largo de la segunda guerra mundial.

El MoMA rescata alguna de sus ilustraciones y en ellas se puede observar un halo de protesta, rebeldía y sobretodo una interpretación de la realidad bastante descabellada. Pero, ¿descabellada para quién? ¿para mí? Quizá lo sea gracias a al rompimiento estético de las normas “occidentales” de belleza, algo no necesariamente debe ser bello o feo para ser interesante y, sin alguna duda, el trabajo de Tadanori Yokoo es interesante. Los juicios que yo podría otorgar a su trabajo serán congruentes o no a las diferentes posturas que los lectores perciban en su obra. Lo importante es cómo y con qué contexto lo percibe quien lee ahora estas líneas.

Crédito: MoMa & Tadanori Yokoo

 Es importante a su vez considerar estos nuevos espacios digitales para consumir arte, ya sea una galería en internet o las pequeñas exhibiciones que podrían curarse en la web de los museos más importantes del mundo, esta nueva oportunidad que nos brinda “la era moderna” no debe dejarse pasar desapercibida.

 Yokoo es un ilustrador japonés que emigró a Japón en los 60 para iniciar su carrera de diseñador. Él fue uno de los responsables de crear las famosas ilustraciones de obras de teatro presentadas en aquél país. Los dibujos de Tadanori exponen la vida diaria de los japoneses y en su técnica se ha usado la fotografía para crear collages con toque tradicionalista. A su vez, su trabajo intervino en varias revistas en 1970 y 1980 con pósters con gran carga psicodélica y vanguardista. Su trabajo se ha visto en la obra de Yukio Mishima, en producciones de las óperas de Richard Wagner y como portada del disco “Amigos” del guitarrista Santana.

Crédito: Tadanori Yokoo
Crédito: MoMA & Tadanori Yokoo

Tarkovsky y la paradoja de la imagen


Siempre he pensado que un escritor se desnuda al escribir, simplemente pone toda su alma en la obra escrita.

“La creación artística exige una verdadera entrega de sí mismo”

-Tarkovsky, Esculpir en el tiempo, 1992.

tarkovski

 Está ahí expuesto, ya sea para dejar una evidencia de su mera existencia o expresar su lucha interna, o algo, cual sea su razón, él o ella misma se ha exhibido para la interpretación. Cualquier obra, tanto escrita o cinematográfica está abierta a la interpretación. Una vez leí como Tarkovsky declaraba que ningún crítico jamás entendió (¿enteramente?) El Espejo. Y siempre se me viene a la mente como el artista se pone su traje de indescifrable cuando nos revela todo o casi nada, y me llego a preguntar sobre la mimesis, la esencia del arte. ¿Qué tan auténtico puede llegar ser la obra creada? ¿Qué tan personal puede ser en relación a la diégesis? El Espejo es el trabajo más personal de Tarkovsky, contada de manera no lineal, consta de recuerdos principales de su niñez y después de su vida adulta, narrado por su padre a base de poemas escritos por éste y actuado por su madre.

 La poética dramática cumple el soporte con el que se cuenta la historia, es esencialmente subjetiva al reflejar las intangibles emociones por medio de sonidos o efectos de luz, sentimientos, sensaciones, emociones y pasiones expresadas sin decir nada gracias a la imagen, el cine contemplativo en su máxima expresión. Pero también objetiva al ser Tarkovsky, el personaje principal de la obra, aunque esté oculto gracias a las actuaciones. Entonces, ¿Que parte del mensaje no se recibió?, en mi opinión, Tarkovsky habla sobre lo que el sintió en el exacto momento en que sucedieron tales sucesos, de ahí en adelante llegamos a interpretar parte del mensaje. ¿Qué nos quería contar Tarkovsky? No podría contestarle, sería imposible, en primer lugar porque no cuento con los mismos antecedentes geográficos y culturales que él. En esculpir el tiempo, sus compatriotas fueron los más “cercanos” en haber recibido el mensaje. Se cerró el triángulo de Buhler.images (11)

 Cuando hablé sobre la trama de El espejo, de una manera externa declaré aspectos fundamentales, ni siquiera consideré discutir sobre la misma subjetividad de la película. Mi película favorita de Tarkovsky es Stalker, en mi opinión habla del hombre y su adicción a un lugar donde se cumplen los sueños y los más oscuros deseos, debido a la horrible situación en la que vive hace que este hombre quiera estar en la zona en vez de enfrentar su propia realidad, me atrevería a comparar la zona como una ensoñación, según creo, estas dos entidades tienen similitud en sus características. Pero volvemos a lo mismo, cada lectura de cualquier ente, pieza, objeto, obra está demandando una reflexión profunda.

 La función de la imagen recae en la función del arte; el arte está ahí para inspirar al cual dependerá del momento cultural en el que se viva. El arte contemporáneo vive para la reinterpretación. ¿Cuál es el mensaje? ¿Es necesario que haya una simbiosis entre el interpretar “exitosamente” el contenido y haber experimentado el placer estético?

 Si no se dice todo sobre un objeto de una sola vez, siempre existe la posibilidad de añadir algo con las propias reflexiones.

-Tarkovsky, Esculpir en el tiempo, 1992.

Cada detalle del texto artístico adquiere más de un significado y más de una posible interpretación, debido a que está inserto en diferentes sistemas de relaciones. Por ello el texto artístico posee una sobre significación que se advierte más fácilmente como una perdida, al no poder traducirlo cuando se tras codifica a un texto no artístico. Esto se debe a que, entre un texto literario (artístico) que ofrece dos o más planos, y un texto no literario que ofrece un solo plano, no puede darse una correspondencia univoca, luego no puede realizarse la transcodificación. Por esta misma razón, la interpretación del texto literario es plural. Hay una serie de interpretaciones posibles y admisibles debido a que nuevos códigos, de nuevas conciencias lectoras, revelan en el texto estratos semánticos. (Lotman, 1984)