Proyectos Animados para Marvel

¿Listos para el inminente estreno de The Avengers: Age of Ultron? Pronto estaremos ante el final de la fase dos del Marvel Cinematic Universe y veremos el nacimiento de la última etapa de este fenómeno cinematográfico que iniciara en el 2008 con la película Iron Man, dirigida por Jon Favreau. No cabe duda que este movimiento ha superado las expectativas de todos al haberse convertido en una enorme y lucrativa franquicia, que al parecer, aún dará para mas en el mundo de la animación.

Según declaraciones del personal de Marvel, así como el hecho de que Disney es ahora dueño de esta compañía, se ha planteado la posibilidad de que el siguiente paso a seguir sea la creación de largometrajes animados de los súper héroes que ya todos conocemos. Ciertamente ya hay producciones animadas, sin embargo todas consisten en historias alternas que nada tiene que ver con la continuidad de la trama central que nos está acercando al impresionante enfrentamiento con el Titán Loco, Thanos… esto quizá va a cambiar.

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No se han dado muchos detalles al respecto más que pequeños indicios, pero la idea ha alcanzado niveles altos y muchos apuestan porque pronto sea una realidad. Ahora, aquí resta una pregunta que los fans se hacen, ¿Disney hará otra vez de las suyas y suavizará la trama de estas películas para llegar a un sector más amplio de público? No sería la primera vez que esto ocurriera y ante muchos esta no sería una idea mala, ya que sería más accesible para el público que gusta de estas cintas, como los niños. No obstante, los seguidores de los comics temen que partes importantes de las historias se vean cambiadas o eliminadas para darle ese toque más inocente; y seamos honestos, hoy día el público parece querer más oscuridad y más violencia. Esto es claro tan solo con comparar las caricaturas actuales con las de antaño.

Reitero el detalle que esto aún no es una noticia confirmada, sin embargo es una situación digna de ser tomada en cuenta. Nadie niega que esta idea tiene un potencial muy grande, seguiremos al pendiente de cualquier detalle que nos pueda dar más información al respecto.

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Invitados de lujo para el Creativa Fest

Hay muchos eventos orientados a la industria de la animación en caricaturas, anime y videojuegos, sin embargo uno de los que ha adquirido mayor importancia y renombre en los últimos años es sin duda el festival Creativa Fest. Este evento se ha caracterizado por estar orientado al publico que disfruta y/o ejerce alguna ocupación en este artístico mundo, acercándolos a personalidades que se han ganado su lugar en el medio para recibir cursos, fotos, consejos o un simple saludo con estas grandes mentes.

 Se ha dado a conocer una pequeña lista de los invitados que este año engalanarán este, ¿Por qué no decirlo? magno evento. Luego de analizar estos nombres nos queda claro porque los fanáticos esperan con ansia este acontecimiento y hace que nuestras expectativas sean simplemente enormes.

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 Los invitados especiales serán el mexicano Jorge R. Gutiérrez, aquel animador cuyo talento ya había sido demostrado con series como El Tigre, Mad y Mucha Lucha, pero que recientemente ganó una muy merecida fama por la extraordinaria cinta “El Libro de la Vida”. Así mismo tendremos talentos extranjeros como Gary Trousdale, nada menos que uno de los pilares de la empresa Disney, director de joyas como La Bella y la Bestia y el Jorobado de Notre Dame.

 En el caso de la televisión, tendremos a Alex Hirsch, creador de la serie Gravity Falls (que en un futuro reseñaré), que se ha caracterizado por su compleja trama y un encantador diseño que combina lo cómico de las caricaturas con las historias de suspenso y horror. Y finalmente, pero no menos importante, Kent Osborne, responsable de escribir diversos capítulos de la serie Bob Esponja, Hora de Aventura y Un Show Mas.

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 El Creativa Fest tendrá lugar en el World Trade Center, ciudad de México del 1 al 3 de Mayo. ¿Están listos para una experiencia única ante estos talentos que sin duda tienen mucho que enseñarnos? Una oportunidad que definitivamente no pueden perderse.

No habrá serie de Zelda

Hyrule arde, y no por el ataque del perverso Ganon. Como recordarán hace poco se había anunciado la noticia de un plan por parte del canal Netflix para llevar la popular franquicia de videojuegos “The Legend of Zelda” a la pantalla con una serie Live Action de la misma. Esta noticia había generado toda clase de sorpresas considerando el tiempo que Nintendo había negado cualquier derecho de adaptación; parecía ser que esta prohibición había terminado.

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 Desafortunadamente, una de las más importantes voces de la empresa: Satori Iwata, anunció recientemente y de forma tajante que esta nota era falsa. No negó la posibilidad de llegar a un acuerdo en el futuro, pero sí dejó claro que actualmente no existe trato alguno al respecto.  Por lo pronto, parece ser que la empresa está contenta con el éxito que ha tenido el reestreno el juego “Majoras Mask” para nintendo 3DS, lo que demuestra nuevamente lo rentable que puede ser esta saga y quizá en un futuro no muy lejano si comience a hablarse de dar el gran salto a la pantalla chica o grande.

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 Nintendo es una empresa que por años se ha basado casi en su totalidad en juegos de video (aunque si ha habido ciertas adaptaciones de otros títulos) y parece que pretende quedarse así, y más luego de haber anunciado la creación de juegos para celulares. Pero no se desanimen fans de Link, ya que pronto tendremos noticias del nuevo juego de la saga que saldrá a la venta para la consola Wii U. No sabemos mucho al respecto pero… ¡Es Zelda por todas las diosas! Seguiremos atentos.

De tripas corazón

 

 

“No es nada agradable ser clavado en la cruz, abandonado,
es mucho más placentero olvidar a un amor
que no funcionó
ya que finalmente
ningún amor funciona”

– Charles Bukowski

A veces quisiera  haber  sido ese  centauro semental  y  montar

a ninfas y musas,   jugar  al  Diógenes  de barrio  en  el Zócalo,

saberme más  que ideas y huesos

y quejidos desmoronándose

en los tejidos  de una soledad  generalizada.

A  veces   quisiera  que  la  lengua

no  se  deshiciera  en  la  boca

para  no callar  sin  sentido

hacer lo que  cualquier pseudo esquizoide haría,

escribir  ridículos poemas sobre  amor  en harapos,

aunque,  pensándolo   bien

debería  escribir la  más  divina  pornografía,

toda  una  gama  de  fascículos  de lectura  para  el  baño

sólo para acumular  la  rabia del  naufragio de  los  cuerpos,

o quizá,  debería asumir que todas  las mujeres  son  de agua.

A veces quisiera  caer como  hilera de  dominó

como mi propio declive y gemido.

Fluir como  cascada, como profunda  laguna donde

se araña  la  ley de  la  gravedad.

A veces  quisiera que la  gravedad se  enseñara con   la caída

y curvatura  de unos senos.

quisiera no haber sido embaucado

con  las  historias de super mujeres,

mujeres  místicas

y aladas,

mujeres  terribles

y de  olfato  sensible,

mujeres  carnívoras

y chupacabras,

mujeres  marabunta,

mujeres  apocalípticas

e integradas,

mujeres  diosas

inmaculadas

malditas

maravillosas

mujeres…

A  veces quisiera que no  todo lo que exista

sean éstas ganas de  verte

y poder  salir  de este   congal  que  se  llama

“ojalá  el  amor  exista”

quisiera hacer  de  tripas  corazón

 y  del  corazón un papalote

y del  papalote  un  fractal.

Mickey vs el Vicio

Censura, una palabra que todos los que se dedican al espectáculo temen. No es novedad que la empresa Disney se ha valido de ese concepto para adaptar varias producciones a una clasificación para toda la familia. La empresa del ratón nos ha mostrado toda clase de elementos fuertes en sus películas, desde niños convertirse en burros sin esperanza, hasta la muerte del padre de un tierno leoncito. También cintas live action han evitado mostrar escenas intensas de sexo o violencia, todas siendo apadrinadas por esta compañía.

 Pues bien, Disney ha anunciado una nueva censura a las empresas con las cuales labora: Pixar, Marvel y Lucasfilm. En esta ocasión lo que se prohibirá mostrar no es sangre o muestras de amor extremo, sino todo lo relacionado con el tabaco. Esta prohibición de personajes fumando se ha impuesto en las cintas Disney desde hace tiempo, pero ahora también afectará a las compañías antes mencionadas debido a la expansión de la póliza de The Disney Company, en este caso a todo lo que lleve de alguna manera su nombre.

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 El motivo es muy obvio, pero aún así cabe mencionar que la razón de esta nueva regla es evitar darles a los jóvenes ejemplos de adicciones o del consumo de tabaco por parte de los personajes que admiran. Si bien es cierto que el cigarro es un hábito sumamente dañino y que nadie podría criticar estas medidas, hay quienes se oponen a esta prohibición por temor a que afecten la calidad o madurez de ciertas películas por detalles aparentemente simples.

 Pero no es un designio total, ya que se ha anunciado que dicha medida no aplicará si en la empresa se llevan a cabo producciones acerca de personajes históricos a los cuales se les sabía, eran fumadores. Es decir, en la ficción será impensable fumar, pero en cuestiones reales e históricas podría permitirse a fin de ser más fieles a los hechos que se pretendan mostrar.

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La pregunta que se hacen todos los fans: ¿Afectará esto en gran medida próximas adaptaciones de historias como Star Wars, Indiana Jones o los Vengadores? Quizá no necesariamente, tendremos que confiar en la habilidad de los realizadores para mostrar algo bueno con las manos atadas en varios aspectos.

 

El Niño Astro… para niños

Los amantes y estudiosos del anime indudablemente escucharán el nombre del maestro Osamu Tezuka, creador del que muchos consideran fue la primera serie japonesa en convertirse en un gran éxito a nivel mundial: Astro Boy. Ya hemos tenido un par de series animadas (incluyendo la original) y una película en CGI, ¿Qué mas podríamos hacer para no olvidar a ese joven y heroico robot? Hay rumores que aseguran la preparación de una película Live Action, pero además se está creando un nuevo intento de serie en animación de este popular personaje.

 Los estudios Tezuka Productions, en conjunto con otras dos compañías aparentemente europeas (Carivara y Shibuya) se han planteado esta ardua labor de revivir a un clásico. Se dice que la serie estará orientada al público infantil únicamente y por lo pronto se cuenta con plan para una temporada de 26 episodios, aunque dependiendo del éxito de la misma podría ser alargada.

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 Cabe destacar que la caricatura se ha caracterizado por un diseño de personajes agradable a los niños, incluso tiernos. Pero eso sí, la historia tiene aspectos sumamente maduros y crudos como el hecho de que Astro, el protagonista, fue creado por el doctor Tenma para sustituir a su pequeño hijo, quien muriera trágicamente. No sabemos si esta nueva serie tendrá un enfoque demasiado infantil tales como Dora la Exploradora (Dora the Explorer, 2000) y Jake y los Piratas de Nunca Jamás (Jake and the Neverland Pirates, 2011), o si será una caricatura más orientada a la comicidad, aunque también dando importancia a la acción como el caso de Los Jóvenes Titanes (Teen Titans, 2003).

 Se ha dado a conocer el primer teaser del proyecto que nos demuestra la estética que tendrá la serie. Como notarán, efectivamente se maneja un diseño más de cartoon parecido incluso al usado en producciones como El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009). También resalta la combinación de la animación 2D como elementos en 3D, claro que manejando un render apropiado para no desentonar tanto.

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Aún no hay fecha de estreno ni en que canal podrían transmitirla en nuestro país, sin embargo un personaje de esta magnitud no debería tardar en aparecer en pantallas mexicanas. ¿Qué opinan de esta nueva versión de Astro Boy? ¿Le darán una oportunidad? Veremos si el pequeño robot tiene lo necesario para cautivar los corazones del público una vez más.

Lasseter y Cooley: La dupla detrás de Toy Story 4

Hace poco hablé sobre el inminente estreno de la cuarta entrega de la serie Toy Story, además de la noticia de que esta película no seguiría la historia de la trilogía pasada, sino que se basaría en una historia de amor dentro de ese universo que todos conocemos y amamos. Así mismo, se ha hablado mucho sobre el próximo estreno de Pixar, Intensa-Mente (Inside Out, 2015) dirigida por Josh Cooley. Pues bien, al parecer el trabajo de este cineasta está dando muy buenos resultados ya que el mismísimo John Lasseter lo ha elegido como su compañero en la silla de director de la nueva película de los juguetes.

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 Así es, recientemente se ha revelado que estos dos artistas serán los encargados de liderar la producción de Toy Story 4, lo que representa una gran noticia al tener un talento fresco trabajando junto al experimentado (y mente maestra de la primera entrega) Lasseter para darnos una cinta memorable. Cooley declaró que Toy Story fue una película que lo marcó por su calidad e innovación en lo que a animación se refiere, pero sobre todo, la sólida historia. El poder dirigir la cuarta entrega y mas, trabajar al lado del director que comenzó todo, es un sueño hecho realidad para él.

 Por lo pronto no se conoce más acerca de este proyecto más que lo que ya he mencionado. ¿Será una historia centrada en Woody?, ¿o en Buzz?, o quizá en otro personaje, ¿logrará lo hecho en la tercera y mas aclamada cinta de la saga? Se espera su estreno para el 2017, así que estén atentos.

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Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Pixels: El Ataque de los Juegos

El mundo de la animación y la acción real puede coexistir en un mismo universo, esto nos quedó claro luego de películas como Space Jam: El Juego del Siglo (Space Jam, 1996) e incluso tenemos un antecedente mexicano con la cinta El Duende y Yo (El Duende y Yo, 1961), protagonizada por el inmortal Germán Valdés “Tin Tan”. Tampoco es novedad que un videojuego puede ser adaptado al cine y que se cree una película con personajes que hemos visto y manipulados en una consola, y no hablo solamente de las películas animadas, sino de cintas Live Action.

 Pero… ¿cómo sería si los videojuegos interactuaran con los humanos en su mismo mundo? Ya se que Tron (Tron, 1982) nos dio un ejemplo de eso en el pasado, pero aquí no se trata de un humano entrando a un mundo virtual, sino del mundo virtual llegando al mundo de los humanos. Esta es la premisa de la nueva película próxima a estrenarse llamada Pixels (Pixels, 2015). Esta película nos ofrecerá un ataque al más puro estilo de Godzilla o la Guerra de los Mundos, pero donde los enemigos serán nada menos que los queridos personajes de videojuegos ochenteros, en una encantadora animación 3D pixeleada (De ahí viene el título).

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 Recientemente se reveló el tráiler de esta peculiar cinta, la cual rápidamente generó toda clase de comentarios en las redes sociales tanto a favor como en contra. Y es que la película en si luce muy prometedora, de verdad genera curiosidad y ganas de verla, sobre todo entre el sector mas geek del público (me incluyo). Nos están dando una premisa entretenida, efectos muy bien logrados, nombres como Chris Columbus en la sección de director y de Peter Dinklage entre los actores; cuyos trabajos anteriores nos dan cierta seguridad de que veremos algo por lo menos divertido. No obstante, el nombre que se supone debería ser el gancho principal para el público se ha tornado en la razón por la que muchos se dicen indecisos ante esta cinta: Adam Sandler.

 Recordemos que Sandler es uno de los nombres mas polémicos en lo que se refiere al cine de comedia, ya que ha pasado de ser uno de los grandes y mas graciosos actores a una serie de películas de humor un tanto simple, y aunque duela decirlo, no demasiado inteligente. Para muchos este histrión se ha encasillado en cintas baratas que se hacen sin una pizca de calidad (aunque como todos, ha tenido sus buenos momentos). Si esto es cierto o no es muy subjetivo, pero el caso es que esta situación podría afectar a la película más que favorecerla.

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¿Ustedes que opinan al respecto? ¿Le darán una oportunidad a esta película que sin duda estará llena de humor absurdo, pero que por lo que se ve en el tráiler podría convertirse en la gran sorpresa de su semana de estreno? Aún no tenemos fecha de estreno, simplemente algunas imágenes y el primer tráiler que a continuación pueden disfrutar… y si, todo parece indicar que Pac Man no era tan bueno después de todo.

Los Titanes podrían llegar a América

Amantes del anime, estén atentos. ¿Conocen una popular serie de animación japonesa titulada Shingeki no Kyojin, mejor conocida por El Ataque de los Titanes? Este concepto ha adquirido gran fama alrededor del mundo, tal es el caso que en nuestro país ya se pueden conseguir los mangas oficiales de esta historia, traducidos al español. Así mismo, en Japón ya se había hablado de la posibilidad de una adaptación en Live Action para una película, o una franquicia; misma posibilidad que ya es prácticamente un hecho en el lejano oriente.

 Los estrenos para estas versiones son tentativamente para finales del 2018, sin embargo y aunque tengamos que esperar un poco más para eso, ya se está gestando la posibilidad de que Hollywood haga su propia versión. Esta noticia no es de extrañar, ya que este anime cuenta con todos los elementos para realizar una gran serie de películas de acción e incluso horror, con elementos que encantan a todos los sectores del público. La historia nos cuenta los esfuerzos de un grupo de humanos que se enfrentan a los letales titanes que intentan devorarlos.

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 Recordemos que al público occidental nos encantan este tipo de historias y una versión de alto presupuesto podría traducirse en una mina de oro y una experiencia digna de vivirse, en especial para los fans. Esto quedó comprobado con historias como Godzilla o Titanes del Pacífico, del director Guillermo del Toro. No obstante, y aunque no parece una posibilidad tan descabellada, esto aún es un rumor. Algo que nos hace dudar es el hecho de que Sony Pictures ha registrado varios dominios en internet con el nombre “Attack on Titan”, lo cual puede no significar nada más que una simple distribución… o tal vez se está cimentando el camino para otra cosa.

 La historia fue creada por Hayime Isayama y por ahora solo nos queda ver si la obra de este maestro podrá llegar a nuestro continente, tal y como se ha estado gestionando con otros mangas como Death Note. ¿Emocionados ante esta noticia? ¿Creen que estaremos ante una gran idea de cintas de monstruos, o se quedará como otra adaptación errada?

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Breve relato por música

Desde el fin de semana pasado, la nueva temporada de Microteatro México ha comenzado de manera oficial, Por Música abre las puertas de la casa de Roble 3 en Santa María La Ribera.

Esta temporada inicia con un poder notablemente menor en su cartelera a comparación de su antecesora Por Amor. Sin embargo existe una razón muy importante para acudir. Una obra en específico que con sus limitantes 15 minutos de duración consigue enamorar a quienes entran a ella.

La clase de piano, escrita y dirigida por la talentosa y versátil Tiaré Scanda, relata la historia de una mujer de edad avanzada empeñada en aprender una difícil pieza musical para piano con el fin de ganar una apuesta basada en el amor que tiene hacia un ser querido suyo. Su maestro es un joven concertista ya retirado sin más intenciones de comprender lo que pasa en el mundo o estar en él.

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Al adentrarnos en la narrativa de Scanda encontramos dos personajes sostenidos en la delicadeza de una nota musical que puede ser continuación o fin de la melodía más esperanzadora que se pueda interpretar. Hay signos de una fragilidad que dentro de la imposibilidad que le da su naturaleza  busca proteger.

El ritmo es constante, la dirección maneja con certeza los puntos de inflexión para conmover al público y adherirlo a la trama. La historia se vuelve parte de la audiencia al ritmo que las notas van cayendo una tras otra, con un frenesí propio de quien busca desesperadamente resolver algo en su vida. El camino en esta historia es la música, como constante de la trayectoria de cada individuo.

Dentro del grato elenco que convoca la creadora destaca Marta Zamora dando alma a la mujer en una actuación enérgica y potente. El diseño de escenografía e iluminación de Rubén Bross y Constanza Hernández terminan de moldear la puesta para lograr un  espacio completo que coloca en el lugar de la historia desde que se entra a la sala.

Lo único que se puede pedir a Scanda es no dejar de producir trabajos tan buenos que dejan un gran sabor de boca.

Para finalizar, haré ahínco en dos actores de otras propuestas de esta temporada que logran brillar  través de su talento, haciendo disfrutables las obras en las que trabajan: Alonso Iñiguez, genial como un conductor radial desesperado por enterarse de último momento que el programa que está transmitiendo ha salido del aire en Radio Nocturno, junto a Valeria Vera, fantástica como una ególatra conductora de reality shows musicales en El Triste.

Hágase un favor y asista a la cátedra musical que marcará profundamente su experiencia teatral, en tan solo un cuarto de hora.

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Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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El almacén de la imagen: reflexiones en torno al arte y la historia

Recientemente comencé a trabajar dando clases en una universidad, impartiendo la materia de Arte y cultura contemporánea con la cual se pretende hacer una revisión de, como su nombre lo indica, el arte contemporáneo. El temario del plan de estudios debe iniciar desde la época del postimpresionismo, haciendo de igual manera una breve revisión del arte moderno para así pasar por fin a lo que compete, que es el arte contemporáneo, es decir, aquel que vino después de las vanguardias o que más bien parte de ellas. El reto de impartir una materia como estas radica en el hecho de que no sólo se trata de hablar sobre pintores y sus grandes obras, sino más bien de hablar de varias épocas en función del arte que se produjo durante el periodo que va de finales del siglo XIX a finales del siglo XX. El arte no debe ser estudiado de manera superficial, como si sólo se tratara de creaciones fortuitas realizadas por algún personaje con una vida anecdótica. Hablar de los padres del autor, del seno de la familia de la cual proviene, de los amigos o las relaciones amorosas que tenía, así como de su personalidad, son cuestiones apropiadas que deben conocerse para poder acercarse a una obra de arte y comprenderla más a fondo, pero no es suficiente quedarse en ese plano. El nivel de conocimiento sobre una obra es mucho más profundo, y en ese sentido puede resultar una labor titánica poder analizar un siglo de producciones artísticas en un solo semestre.

 Todo esto me llevó a reflexionar una vez más en torno al arte,  a la historia y a la imagen. Hablar de arte es invariablemente hablar de historia. Esto significa que para poder acercarse al arte es necesario contextualizar ya sea una obra, un autor o una corriente artística. Sin contexto la obra en sí misma carece de sentido. Es importante por ello, que cuando se observe una obra de arte, ya sea pintura, escultura o música, la  pensemos en función del contexto histórico en el cual se enmarca, esto es, que la pensemos como la creación de un humano influido por la sociedad de su época, por el entorno histórico en el que le tocó vivir y las condiciones en las que creó su obra.

 Uno de los primeros estudiosos de la imagen con los cuales tuve acercamiento hace casi cinco años fue el historiador inglés Peter Burke, con quien comencé a entender que la imagen tenía mucha importancia para la comprensión de la vida del pasado. De él había leído que “Las imágenes son traicioneras porque el arte tiene su propias convenciones, porque sigue una línea de desarrollo interno y al mismo tiempo reacciona frente al mundo exterior.” Tardé algunos años en entender que para analizar una imagen debía entender justamente ese “mundo exterior” del que Burke hablaba en su libro Visto o no visto. El uso de la imagen como documento histórico. Se trata sobre todo de observar las imágenes y luego estudiar el mundo frente al cual está reaccionando. De ahí que debe estudiarse el contexto histórico para comprender una obra de arte no tanto desde la forma, que claramente es importante, pero también para analizarla desde el fondo. Estudiar el arte no sólo tiene que ver con hacer una revisión de la historia política o económica de una época, sino también puede entenderse desde la historia de las ideas, desde la historia cultural o la historia de las mentalidades. Así pues, acercarse al arte o a los medios visuales del pasado sirve para ayudar a entender cómo pensaban los hombres en cierta época y en un espacio determinado.

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 Una materia que gira en torno al arte invariablemente tendrá que relacionarse con historia, sin embargo el gran reto es hacer que ambas disciplinas puedan ser provechosas y útiles para estudiantes de una carrera como Ciencias de la comunicación. ¿Cómo hacer que el arte y la historia puedan servir de algo a un egresado de dicha licenciatura y que, mejor aún, pueda llevar ese conocimiento a la práctica a la hora de ejercer su profesión? Gran pregunta que tarde un tiempo pensando. La respuesta estaba en las imágenes, debía enfocarme en las imágenes. Lo que necesitaba hacer era mostrar que las imágenes se inscriben en ciertas corrientes artísticas de cierto momento histórico y que los creadores que hacen uso de algunos medios como la fotografía y el cine indiscutiblemente se sirven de corrientes del pasado para realizar su obra.

 El ojo de pintores, escultores, fotógrafos y cineastas es un ojo bien educado, capaz de entender y hacer imágenes con el poder  de transmitir ideas y emociones. Sin embargo, para poder crear imágenes y comunicar ideas a través de ellas se necesita educar el ojo, pues a pesar de que vivimos en un mundo muy visual, también es cierto que existe un alto nivel de analfabetismo visual en nuestra sociedad. Se trata más de estudiar el arte moderno y contemporáneo desde su forma y desde su fondo con el objetivo de entrenar el ojo y la mente para saber ser observadores y creadores de imágenes. El estudio de la imagen visual, ya sea desde el arte pictórico y escultórico o desde medios como la fotografía y el cine, resultan una forma eficaz de estudiar al hombre del pasado, sino una manera de comprenderlo en el presente, y entendernos a nosotros mismos a través de este.

Toy Story 4: Una historia romantica y diferente.

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Hace ya bastantes años, Pixar nos deslumbró con una película que mostraba un tipo de animación en ese entonces no muy desarrollado y, por obvias razones, resultaba maravilloso para el público de todas las edades. Eventualmente, dicha película se convertiría en la primera parte de la que es considerada como una de las mejores trilogías en el mundo del cine animado. Efectivamente, me refiero a la trilogía creada por el maestro John LasseterToy Story.

 Luego de que la tercera y mas aclamada parte de esta saga saliera a la luz y de superar todas las expectativas de los fans, muchos pensaban que ese sería el perfecto final para dicha historia. Sin embargo, los productores de Pixar no tardaron en pensar lo contrario y a pesar de las protestas del público, llegaron a la conclusión de que la franquicia merecía una cuarta parte (¿o el inicio de una nueva trilogía?).

 Sin duda esta decisión es arriesgada, ya que se trata de una moneda al aire en la cual se juega un resultado de dos: Superar lo insuperable y crear una de las más magnánimas obras del cine de animación, o arruinar algo que la mayoría considera ya logró la perfección. Como sea, en una reciente entrevista, el presidente del estudio habló sobre la próxima película a estrenarse: Intensa-Mente, que abordará los problemas de una adolescente en un universo tan complejo y con tantas posibilidades como es el interior de su cabeza.

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 En esta entrevista dio algunos detalles sobre este proyecto, pero lo que más llamó la atención fue un interesante avance que reveló con respecto a la polémica Toy Story 4. Mencionó que el proyecto aún se encuentra en el proceso de lectura y análisis del guión; modestia aparte, dijo que están logrando una historia muy bonita y que encantará al público (esperamos). También indicó que esta cuarta parte no será una continuación del final de Toy Story 3, sino que se tratará de una historia aparte a modo de comedia romántica. En cuestiones de tiempo, si será una trama que ocurre después de la lacrimógena separación de Andy con sus juguetes, pero que esta vez será poco lo que veremos a los humanos; la historia se centrará en un romance entre los juguetes.

 Según sus propias palabras, la cuarta entrega no será parte de la trilogía… y a la vez sí lo será. Es un tanto confuso pensar eso, pero quizá lo que el estudio está tratando de hacer es una especie de OVA como ocurre muy seguido con el animé. Por lo pronto, se nos está prometiendo mucho y seguramente cuando la película sea una realidad tendrá un aplastante éxito asegurado en taquilla. Tendremos que esperar a ver qué es lo que se nos está preparando. ¿Emocionados ante una cuarta aventura de los juguetes más queridos de la pantalla?

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Comienza y de repente nos encontramos en la mitad de la nada, siento el viento en mi rostro y el tacto de tu mano sobre la mía me desbarata… me jalas de la muñeca hacía la orilla de un lago, empiezo a prestar atención al movimiento que hace el agua reaccionando con el viento, miro mis ojos grandes y difusos sobre la superficie y tú a mi lado besas mi mejilla, con ambas manos volteas mi cara hacía la tuya y siento la humedad de tus labios, un beso frenético, no quiero dejarte nunca… te abrazo con todas mis fuerzas, me prendo de ti con las uñas y muerdo tu labio, a veces me da miedo que el viento te arrebate de mis brazos, soy tan débil…

Mareado
Mareado
Vértigo
Vértigo
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Flotando

[Galería]: Notas mentales

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– No puedo olvidarte.

– No importa lo que haga o a donde vaya, siempre encuentro algo que me hace recordarte.
– No debo tomar-té antes de dormir.
– No debo usar el suéter que olvidaste en el armario.
– El perro se sigue echando de tu lado del sillón, es molesto.
 – Siento un vacío del lado izquierdo de la cama, no lo llena el perro.
Hundiéndome en tu recuerdo
Hundiéndome en tu recuerdo
Remolinos mis memorias
Remolinos mis memorias
Sentí que me perdía
Sentí que me perdía

Zootopia: El Nuevo Proyecto Disney

La mundialmente famosa empresa Disney, considerada por algunos como el máximo exponente de la animación, ha revelado detalles de su nuevo proyecto, el cual buscará igualar el éxito recibido en producciones como Ralph: El Demoledor (Wreck-It Ralph, 2012), Frozen: Una Aventura Congelada (Frozen, 2013), y Enredados (Tangled, 2010). Así mismo, recordemos que el estudio pasa por muy buenos momentos luego de haber logrado la codiciada estatuilla del Oscar para su último estreno, Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014).

 La nueva película de la cual se habla, llevará por título “Zootopia” y contará la historia de una conejita que ingresa al cuerpo policiaco de una ciudad habitada enteramente por animales antropomorfos. Esta premisa nos hace recordar otros trabajos del estudio similares como fue Policías y Ratones (The Great Mouse Detective, 1986) donde se parodiaba al personaje de Sherlock Holmes creado por Sir Arthur Conan Doyle. Quizá en este caso estemos ante una producción que efectivamente estará dirigida al público infantil (digo, son animales que hablan) pero con la oportunidad de una especie de thriller policiaco para toda la familia.

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 La película será dirigida por los responsables de dos de las cintas antes mencionadas: Rich Moore (Ralph el demoledor) y Byron Howard (Enredados) quienes además estarán apoyados por Jared Bush; así es, la película tendrá tres directores, sin embargo aún no se sabe quién será el responsable del guión o los actores que prestarán sus voces para los personajes.

 Hasta ahora sólo se han dado a conocer estos detalles del proyecto, así como un par de imágenes de arte conceptual. Se espera que la cinta se estrene en marzo del 2016, ¿estaremos ante otra ganadora de premios? Esperemos que simplemente cumpla con los estándares de las producciones animadas actuales y podamos disfrutar de una película que nos haga pasar un buen rato; que siendo Disney, es casi una garantía.

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La abuela del performance: Marina Abramović

La mayoría de las personas –incluyéndome hasta hace unos años– solemos asociar al arte en automático con pintura, escultura, grabado… en otras palabras: arte de índole un poco más clásico; pero entre la tecnología y la necesidad de muchos artistas de ir más allá de un simple soporte bidimensional para poder transmitir su mensaje e incluso formar parte de la obra, surgen otro tipo de corrientes derivadas del body art como el performance y el happening, que es arte en vivo y que la fotografía y el video se encargan de documentar.

 A pesar de que este movimiento surge alrededor de los años 60, el cuestionamiento acerca de si esto es realmente arte continúa, y hay opiniones completamente divididas al respecto. En realidad yo no soy una autoridad para decir si se trata de arte o no, simplemente soy creyente de que se deben tomar en cuenta todas las vertientes que el arte ofrece y generar un criterio propio fundamentado o por el simple hecho de conocer algo más a lo convencional como espectadores que somos.

 Como en cada corriente hay representantes, y una de ellas aún hoy es considerada como una de las artistas del performance más reconocidas: se trata de  Marina Abramović, considerada además como la abuela del performance y que aún hoy en día sigue vigente en el medio.

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 Por ello en 2013 sale a la luz el documental The Artist Is Present que habla y explica un poco de su trayectoria en el medio del arte; el él, ella misma relata cómo fue su niñez con padres militares y también cómo esto influyo en sus proyectos.

 Principalmente aborda la exposición que tuvo en el MoMa (Museo de Arte Moderno de Manhattan) la cual tenía el mismo nombre que el documental. Dicha exposición fue una gran retrospectiva a toda su carrera  durante 3 meses en los que treinta artistas jóvenes recrearon sus más famosos performance y ella misma estuvo ahí sentada frente a una mesa esperando a que cualquier espectador se sentara y compartieran una mirada, (de ahí el nombre de La artista está presente) que muchas veces terminaba en lágrimas, pues ella afirma que a través de esas mirada veía y sentía mucho dolor que la gente traía consigo.

 A lo largo de esos tres meses Abramović compartió una mirada con casi un millón de personas e incluso con personalidades como James Franco, Orlando Bloom y su ex pareja sentimental y compañero de performance Ulay.

El documental fue dirigido por Matthew Akers, fue nominado a Mejor Documental en el Independent Spirit Awards 2013, integró la selección oficial del Festival de Cine de Sundance 2012 y recibió el Premio del Público al Mejor Documental, Sección Panorama, en el Festival de Cine de Berlín 2012

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Ve el documental subtitulado aqui

La Artista Está Presente Trailer

 

Gestar el limbo personal

“Una palabra nos libra de todo el dolor y el peso de la vida: Amor”

Sófocles

 Hay algo especial cuando  se menciona a Gaby Muñoz si el tema a tratar es técnica Clown. Quienes han visto ya su obra Perhaps, Perhaps, Quizás…, entenderán que es una de las exponentes el género más importantes de la actualidad y orgullosamente mexicana, por lo cual es de esperarse –cómo confieso es mi caso- la simple idea de verla de nuevo en otro montaje emociona y de ahí la locura de poder asistir a el Teatro Milán de Viernes a Domingo a su segunda producción, Limbo.1964973_786793311406829_8880172671767923920_n

 La paciente Greta Merengue aguarda en la cama de un hospital. Hay un problema con su corazón, es notorio, empero, el cansancio de batallar contra su propia respiración la rinde. Más ante  su búsqueda de conciliar el sueño la aparición de un extraño personaje interrumpe su  estado, podría ser su sanador. Así, el peculiar sujeto la conduce a través de su propia realidad distorsionada para localizar en el limbo de su mente a aquellos elementos que la han orillado a depender de ese espacio para estabilizar su vida. Greta está suspendida en un viaje del cual necesitaría despertar o asumir las consecuencias de la adaptación.

 Lo que Gabriela Muñoz construye en esta nueva propuesta se siente no solo personal, sino franco a través una capacidad inventiva sensacional que deja realmente estupefacto a quien se acerca. Este el punto álgido y maduro dentro de la carrera de la actriz, la coronación tras conquistar el alma y corazón de su público, ahora viene directo hacia las mentes del mismo para hacerlas volar.

 Diversos cuadros en los que la creadora transporta e hila conectores de una enfermedad que avanza con un firme y fatídico propósito se unifican para crear imágenes poéticas totalmente transgresoras, cargadas de una fuerza avasalladora en su significación, manejándose con tanta delicadez como postura que hacen ahínco a un surgimiento de autenticidad empeñada en el entendimiento colectivo.

 Esta obra se acerca a todo aquel que haya pasado por una experiencia  de desosiego, la desesperanza que puede llegar a causar el entorno se ve reflejada dentro de una lluvia de radiografías o un árbol del cual provienen soportes para caminar. El discurso planteado no solo es inteligente, sino que reclama atención plena a cada componente.

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 La autora busca retratar en cada movimiento escénico la valía y provecho para con cada uno de sus actos simples y complejos, desde respirar a compartir, agradece a la vida al tiempo que exhorta a involucrarse en ella, Muñoz elimina cualquier cuarta pared con la sutileza de su trazo firme  o un simple sonido emitido por su mudo personaje en búsqueda de transmitir un grito de guerra para disfrutar y despertar a la vida. Planea mostrarnos la desesperación de vivir flotando cuando se pueden alcanzar más cosas partiendo desde el suelo, teniendo los pies bien plantados. No sólo lo logra, provoca una experiencia sensorial y psicológica tan profunda que envuelve a toda la sala.

 Un verdadero acto de comunión, dónde el magnífico diseño de escenográfico y de iluminación que propone Ingrid SAC devela un viaje por demás fantástico, creando planos entre espacios llenos de todo y a la vez vacíos, entendiendo que la gran carga para que el mensaje se transmita recae en la siempre genial interpretación de Muñoz, quien en esta ocasión convoca al músico Ernesto García para interpretar en escena a su guía, alcanzando una mancuerna idónea.

 Sin duda un gran acierto y pieza clave será la música de Marian Ruzzi, dentro del diseño de Salvador Félix. Cada instrumento en su propio acorde entra con precisión y dirección absoluta en los sentimientos que ilustra. La música reacciona con el ritmo de la trama, toma su tiempo, evoluciona y acciona respuestas emocionales muy fuertes, vibraciones absolutas terminadas en luz, precisamente la luz que señala el camino hacia la aceptación. Dicen que la vida sin música sería un error, vivir esta puesta sin dicho elemento hubiese sido fatal.

 No puede haber más que loas hacia el trabajo en equipo que se realiza para dar alma a esta composición teatral. Dentro de este baile uno no solo se vuelve espectador, sino danzante entre la vida. La muerte y la verdad misma. Nadie sabe con certeza quien es o que busca en la vida, esta obra invita a tomar el riesgo de descubrirlo, reaccionar a pesar del dolor, transformarlo y aceptarlo, pero no dejarse abatir. Venimos al mundo a aprender y disfrutar, no a evitar hacerlo.

 Limbo es una inquietante puesta escénica que sabe generar un concepto y una experiencia a su audiencia, reflejando en el valor del boleto la calidad de la misma producción.

 Como seres humanos que somos, no podemos evitar sufrir, o ver sufrir a quien amamos, sin embargo, por más que nuestro corazón pueda desangrar debe existir la fuerza de reaccionar hacia adelante y no en retroceso. El equipo de Limbo goza de elementos que señalan la fragilidad de la humanidad junto a su fuerza interior. Impactarse y conmoverse hasta las lágrimas es lo de menos,  cuando se habla con el alma, cada palabra se llena de gloria.

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¿Qué hora es?… ¡Hora de Película!

Las caricaturas actuales son muy distintas a las producciones de antaño. Algunos consideramos que estamos viviendo la etapa de la experimentación y el surrealismo en lo que a series animadas se refiere. Uno de los ejemplos más emblemáticos de esta era animada es la serie Hora de Avena (Adventure Time, 2010) que se transmite por Cartoon Network y que nos narra las aventuras de Finn, el único humano sobreviviente en el post apocalíptico mundo de Ooo y su mejor amigo (¿y hermano?) Jake el perro. Ambos son los grandes héroes del dulce reino y cada día es una aventura para ellos. Desde rescatar a la Dulce Princesa de los planes del atolondrado Rey Helado, hasta ayudar a la berrinchuda Princesa Grumosa a pasar sus días como adolescente.

Actualmente es una de las caricaturas más populares del canal, y no es para menos considerando el brillante concepto que nos ofrece, donde se combinan elementos como un adorable reino hecho de caramelos y aspectos realmente oscuros como la extinción humana y monstruos de pesadilla que ya quisieran muchas cintas de horror. Este éxito finalmente les ha demostrado a sus creadores que es momento de llevar a estos personajes a la gran pantalla en una cinta de larga duración.

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 Según Deadline, los productores de La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014) se unirán con Pendleton Ward para producir la película en cuestión, aunque aún no se han dado demasiados detalles al respecto. Cabe mencionar que Hora de Aventura ya había pasado por planes para una película de televisión, misma que nunca se hizo aunque la serie adoptó series más complejas que incluso necesitaban más de un capítulo para contarse.

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 Esta noticia ya ha generado una gran expectación por parte de los fans, los cuales parecen tener mucha confianza en que se hará una producción memorable. En el caso del público mexicano solo se pide una cosa más: que se respete el doblaje de voz original de la serie que incluye a personalidades como José Arenas en un esplendido trabajo como el perro Jake y Alfonso Obregón como la princesa Grumosa, entre otros talentos. ¿Emocionados ante este proyecto? Personalmente creo que podríamos estar ante algo en verdad grande, muy, muy grande.

Un refugio para la vida misma

Los seres humanos preferimos reservar nuestros lados más oscuros al convivir con el resto de la sociedad. Realmente nadie es cien por ciento transparente, pues tememos que al serlo en primera instancia podamos alejar a aquellos con los que hemos buscado o querido relacionarnos. Quizás, alejarnos hasta de nosotros mismos.

 Foro Shakespeare presenta El Refugio, de Mario Rendón, dirigida por Enrique Aguilar, los sábados. La historia plantea un mundo futurista atrapado en las percepciones del pasado, dónde la sociedad ve limitadas sus opciones de libertad. Se guarda todo para poder sobrevivir, en especial la comida. Sin dejar a un lado la constante amenaza de la naturaleza por desatar un acto imprevisto que acabe con la vida de cualquiera que se exponga a la intemperie en un momento de contención, cualquiera que no esté dentro de un refugio.

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 Dentro del panorama antes descrito, un matrimonio invita a sus amigos a celebrar el cumpleaños del anfitrión. La pareja que ostenta la celebración, junto a una de las invitadas, son heterosexuales; la tercera pareja es homosexual y no es esta la única diferenciación: son los únicos que tienen hijos.  Cuando las cosas se complican, esta reunión comenzará a tener momentos de alta tensión y desenmascaramientos que denotaran los verdaderos colores en cada uno de los asistentes, haciendo de esta una fiesta de cumpleaños inolvidable.

 Bajo la dirección de Aguilar, los personajes sostienen cada postura, promesa y deseo con firmeza uno frente al otro, logrando una buena contraposición al hablar de temas que se rodean, buscan evadir y atan. Sin embargo no es una propuesta homogénea, comienza hundida en la exposición del texto, sin focos aparentes.

 Hasta la mitad de la puesta uno podría decidir que pese al buen trazo coreográfico, el ritmo que la dirección plantea hará de esta una obra detestable, más logra dar un giro de 180 grados enteramente grato. Aguilar señala el conflicto dentro de la trama haciéndolo rugir con fuerza, hace explotar el sentido del texto para aprovecha a su equipo actoral, sin embargo esto aparece muy tarde, sin haber más ganchos previos, lo cual no limita llegar a conectar con la audiencia pero sí a distraerla o desequilibrarla.

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 El texto de Rendón marca un listado de ausencias en la forma cotidiana dónde la gente ya no muere y por eso busca un refugio para existir, irónico es que cuando el sistema ha creado un modelo de vida prácticamente eterna, la exposición a la rebelión natural sea capaz de eliminar a la sociedad. Mordaz en sus posiciones dramáticas, hay una buena intención dentro del texto al idealizar que en el mundo que ofrece un cese al sufrimiento la búsqueda de la muerte se torne intrínseca y protocolaria.

 Junto a esto, la dramaturgia hila un discurso político bien aplicado, vigente; empero, la posición sobra al encontrar que hay muchos otros textos contemporáneos que caminan bajo la misma línea. Además que no pasaría absolutamente nada si fuese omitido, ya que el análisis central acerca de cómo uno cuida lo que quiere, sin darle importancia a destruir para sobrevivir o al egoísmo consciente ya es bastante interesante para trabajar.

 Si bien el resto del elenco  parece comprender el sentido de la propuesta hasta su tercer acto, son Rodrigo Magaña y  Ximena Larrañaga quienes destacan para lograr encarnar a una esposa celosa de no poder tener un hijo por vía natural y a un marido homosexual, padre de familia, harto de dar explicaciones sobre su manifestada paternidad.

 Vale la pena acercarse a El Refugio, sí, totalmente. Este montaje busca ir más lejos de lograr  hablar de equidad y tolerancia, sino de humanidad en todos sus aspectos probables. Siendo gracias a sus aciertos impactante y devastadora al grado de cuestionar eficientemente a su público sin acorralarlo. Sin duda necesita pulirse, pero vaya, ¿Qué humano no?

Nueva Película de Dragon Ball Z


Si algo es cierto en el mundo del anime, es sin lugar a dudas que la obra de Akira Toriyama: Dragon Ball, es una de las creaciones más grandes y famosas jamás creadas en este género. Su éxito ha trascendido los años al grado de contar con una serie animada que aunque dejó de transmitirse hace tiempo, se niega a morir. Unas cuantas películas animadas, videojuegos, crossovers e incluso un par de películas en live action (bastante desafortunadas, debo decir). Pero… ¿algún día veremos el final definitivo de este concepto? Tal vez, pero Goku y compañía parecen no querer retirarse al menos por ahora.

 Ya se había hablado del rumor sobre una segunda película animada de Dragon Ball Z luego de la cinta La Batalla de los Dioses el año pasado. Finalmente es un hecho que una secuela fue creada, esta vez bajo el título de Dragon Ball: Fukkatsu no F, cuyo significado es La Resurrección de F. Esta película, como el título lo menciona, abordará el regreso del maligno Freezer.

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 Se suponía que la película llegaría a México este año, para el mes de abril si somos exactos. No obstante, recientemente se ha dicho que esta fecha cambió, ya que el estreno de abril será solamente en Japón. La cinta que es distribuida por 20th Century Fox sufrió un retraso indefinido que afectará a toda América Latina. Según rumores, el estreno en Argentina podría darse en octubre, pero se ignora si esto podrá ser en los otros países.

 Entre los rumores sobre este cambio, se dice que es una decisión de la distribuidora para no arriesgar la taquilla de la película ante monstruos como Avengers 2 la quinta parte de Rápidos y Furiosos. Pero anímense, ya que por lo menos podemos disfrutar el tráiler oficial de la cinta que acaba de ser revelado.

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Roguemos a las esferas del dragón que en un futuro no muy lejano podamos disfrutar de esta nueva aventura.

Abuelito Dime Tu: Heidi Regresa


Si son lo suficientemente viejos, o siguieron el especial del estudio Ghibli que llevé a cabo anteriormente, les será familiar una serie de anime de los años 70 que fue un gran éxito en nuestro país: Heidi, la niña de los Alpes, basada en la novela de Johanna Spyri. Esta caricatura nos relataba las aventuras de una pequeña niña que vive con su abuelo en las montañas, su mejor amigo es un pastor de nombre Pedro y su más grande alegría es pasear por los campos acompañada de su abuelo, Pedro y las cabras que cuidan; hasta que un día es obligada a vivir en la gran ciudad lejos de sus amados Alpes.

 Actualmente pudiera parecer un concepto clásico, tirándole a lo obsoleto debido a su trama infantil y tierna que el anime actual parece haber dejado en muchos aspectos, sin embargo los conocedores de esta serie sabrán que era un programa de gran calidad en animación (para la época) y en narrativa que fácilmente pudo cautivar los corazones de miles (si, hubo niñas que fueron bautizadas bajo el nombre de Heidi cuando esta serie apareció). Pero…  ¿se trata solo de un lejano recuerdo de algo que ya murió?, el canal ZDF de Alemania no lo cree.

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 Recientemente se dio a conocer que la serie gozará de un remake hecho enteramente en animación 3D o CGI. Lo curioso de esta noticia no es tanto que se hará una nueva versión de la historia (ya hay muchas versiones), sino que literalmente será una reinvención de este anime, en su momento dirigido por el maestro Isao Takahata, respetando los personajes, su diseño y probablemente hasta la trama de cada capítulo.

 La fecha de estreno será el 6 de abril de este año, sin embargo se ignora si este nuevo programa vendrá a México en algún momento. Como se puede ver en el tráiler, la serie pinta como un decente remake aunque la animación y el arte son muy básicos; quizá falta de presupuesto, quizá es el estilo que quisieron darle para conservar un poco ese estilo clásico que caracterizaba al programa. ¿Emocionados por el regreso de la pequeña Heidi? ¿O creen acaso que este remake es innecesario?

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Guía: Lo que debes saber de FICUNAM 2015

 

Podríamos narrar su historia de vida en retrospectiva y encontrar constantes que se han erigido como rasgos característicos del festival, cualidades que de a poco han conformado la personalidad de uno de los encuentros cinematográficos más formales y propositivos que podamos encontrar en el cuadrante.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) es tan joven como arriesgado. En más de una ocasión ha sido descalificado por lo poco incluyente de los títulos que comprenden su programación, aunque más bien podría asumirse como evasión a la condescendencia, apelando así a la audacia del intelecto de su público, dirigiéndose a un cúmulo de espectadores que sabe capaces, competentes.

Realizadores de cosmovisiones relativamente familiarizadas con la nuestra, de origen estadounidense y francés, hasta artífices de idiosincrasias y discursos —cinematográficos, sociales, políticos— sumamente lejanos a nuestras realidades, de nacionalidades francesa, tailandesa, lituana, japonesa, kazaja y belga, han sido motivo de retrospectivas, programas especiales y su obra, objeto de profundo estudio analítico en las distintas jornadas de actividades de FICUNAM.

La riqueza de dicha pluralidad es atribuida a la directora, Eva Sangiorgi (Italia), quien también ejerce como programadora, secundada por Roger Koza (Argentina) y Sébastien Blayac (Francia). Estos tres individuos, con presencia en festivales de cine de distintas partes del mundo, poseen un extenso panorama del quehacer cinematográfico mundial que, en conjunto, alcanzan notables resultados, mismos que año con año logran la solidez en la oferta del citado certamen.

2015 es el año en que FICUNAM alcanza su primer lustro de vida y, como tal, amerita una celebración en grande. A continuación te precisamos los pormenores de lo que debes saber.

¿Cuándo?

Los días de vida del Festival en la ciudad correrán del 26 de febrero y hasta el 7 de marzo.

¿Dónde?

La lista de sedes incrementa año con año. Las salas de cabecera son las cinco ubicadas en el Centro Cultural Universitario (Miguel Covarrubias, Juan Ruiz de Alarcón, Julio Bracho, José Revueltas y Carlos Monsiváis), aunque fácilmente podrás encontrar algún spot que mejor te acomode, de acuerdo al punto de la ciudad en que te encuentres.

FICUNAM tendrá proyecciones en el Auditorio IFAL, Centro de Cultura Digital, Cine Tonalá, Casa del Lago, Cinematógrafo del Chopo, Casa del Cine, Cinépolis Diana, Cineteca Nacional, en las cuatro Fábricas de Artes y Oficios (FAROs) —Oriente, Milpa alta, Tláhuac e Indios Verdes—, así como algunas funciones especiales en espacios como el estacionamiento 4 del CCU (Autocinema), el Auditorio del Museo de Antropología, el Museo de Numismática Nacional y Plaza Loreto, en el centro de la ciudad.

Proyecciones

Durante esta quinta edición se exhibirán 137 títulos, de los cuales 4 son estrenos mundiales, 7 estrenos internacionales, 47 estrenos latinoamericanos, 45 estrenos mexicanos y 10 estrenos en la ciudad de México.

Secciones de Competencia

Competencia internacional: Se integra por directores relevantes de la cinematografía mundial. Compiten desde afianzados autores hasta cineastas en ascenso. Podrás encontrar títulos de origen brasileño, alemán, kazajo y uno representante de México.

Ahora México: Exhibe el trabajo de calidad de origen mexicano. Se proyectan estrenos mundiales de cine independiente nacional, por tanto, es un escaparate de las nuevas tendencias cinematográficas gestadas en el país.

Aciertos. Encuentro de Escuelas de Cine: Como su nombre lo indica, es un espacio dedicado a la muestra del trabajo de estudiantes de cine de Iberoamérica. Se dan cita producciones tanto de escuelas del interior del país (Universidad de Guadalajara, CCC), hasta piezas de Brasil (Universidade Federal Fluminense), Portugal (Escola Superior de Teatro e Cinema) y Argentina (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

Secciones Fuera de Competencia

Manifiesto Contemporáneo: Dedicado al trabajo de los grandes artífices activos de la cinematografía mundial. En esta ocasión se reúnen producciones de Francia, Portugal y Filipinas, entre otras coproducciones.

El Porvenir: Es un espacio dedicado a los autores en formación que, con su trabajo, construyen el “cine del futuro”. Es en donde se proyectan las apuestas más ambiciosas del Festival. Para 2015 se enlistan largometrajes de orígenes alemán, estadounidense, argentino y francés, entre otras coproducciones.

 

Retrospectivas

Sin duda una de las cartas fuertes y más atinadas del Festival a cada una de sus ediciones. En esta ocasión se tendrán cuatro, en torno a cinco realizadores.

Sergei Loznitsa: De origen ucraniano, se formó en las ciencias exactas (Matempaticas y Ciencias) antes de estudiar Cine de manera formal. Principalmente enfocado a la corriente documental y con apenas un par de largometrajes. La retrospectiva contará con 17 títulos y el realizador estará presente en diversas funciones para conversar con el público.

Raymonde Carasco y Régis Hébraud: Ella, historiadora y filósofa; él, fotógrafo y editor. Su obra destaca por el hecho de que ambos realizadores, de origen francés, llegaron a México en busca de aquel atractivo que Eisenstein y Antonin Artaud habían encontrado aquí. Dicha indagación se aterrizó dentro de un enfoque 100% antropológico, culminando en un testimonio gráfico que documenta el modo de vida, rituales y tradiciones de la cultura tarahumara. La retrospectiva contará con 19 títulos y Régis Hébraud estará presente en algunas funciones.

Carlos Mayolo: De origen colombiano, de Caliwood. Sumamente aclamado en su país aunque difícilmente reconocido fuera del mismo. Su filmografía, de corte documental, empodera la marginación social latinoamericana como motivo de curiosidad y asombro dignos de llenar las pantallas de cine de países europeos, acuñando así el término «pronomiseria». La retrospectiva contará con 10 títulos y Luis Ospina, también de origen colombiano y quien dirigiera varias películas al lado de Mayolo, estará presente en el Festival.

Ali Khamraev: Uzbeko, y citado como uno de los grandes sobrevivientes de la Nueva Ola de Cine Soviético. Su trabajo fue filmado, principalmente, en la década de los sesenta. Desde entonces y hasta ahora, ha incursionado en la comedia romántica, el melodrama, el drama realista y el político. La retrospectiva contará con ocho títulos y con la presencia del citado director.

En el marco de la quinta edición de FICUNAM habrá también funciones especiales, un programa especial de cortometrajes para niños, conferencias magistrales, mesas de discusión y presentaciones de libros.

La oferta de actividades es amplia, y realmente dista mucho de lo que puedas hallar en otro lugar. Año con año, FICUNAM refrenda su status de osadía y vanguardia al traer a la ciudad una curaduría de títulos auténticamente inéditos, con nula distribución en el país, logrando así la apertura de brechas y creación de puentes de oportunidad que más tarde comienzan a verse reflejados en la creciente pluralidad de los espacios alternativos de exhibición cinematográfica.

Sin más que la evidente y calurosa invitación a atender la cita fílmica de la Universidad, te dejamos con el cineminuto oficial.

| Para más información consulta el sitio oficial, o descarga la aplicación oficial del Festival, disponible en tiendas digitales

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Charles Bukowski bebe un pulque


El sueño apendeja, la cafeína no tanto, sangra un verbo  inactivo  sobre los enunciados  que circulan, debo  escribir  para  activar la  mezcalina  heredada, conservo la esperanza  de que beberé  mezcal dentro  de un vaso de  cristal  verde con un gusano en el fondo.

Charles  Bukowski  me invitó a una pulcata  brava desde la que  le gusta observar  Cálidas nalgas,  pidió  un curado de  3 horas 16 minutos y 30 segundos,  de corazón   se llena la vista, el vaso se  llena de  pulque, la pulquería se  llena de  gente y  la  gente se  llena  de nada, pero.

¿ Te llenaste  Bukowski con la puta que se llevó tus poemas?

¿Te llenaste cuándo  saliste a morir  y   tus imitadores  tomaron el  barco en el  naufragio de los días  que  corren como  caballos  salvajes  por las  montañas?

O la vida se  trata  de un trago  y una larguísima nota de  rechazo en estos tiempos de  escupirlo todo, en tanto o  mientras  tanto, el amor se  revuelca como un perro en el infierno, con mujeres y música de  cañerías.

Te  miré  rascarte  los sobacos  mientras observabas  al  cabrón junto  a la  barra  al que  lo que más  le  gusta  es  rascarse los huevos.  Entonces  escribiste una nota:

“Se busca  una mujer,  que  sea una maquina de  follar y  que  toque  el piano borracha”

Dulce viejo indecente, tengo que decirte que todos  queremos atravesar el fuego, que  todos  estamos  a solas con todo el mundo, que todos abrazamos  a  la  oscuridad  y   en secreto tenemos  un pájaro  azul.

Mira , Heinrich, Henry, Karl, Charles  o simplemente  Bukowski, el  realismo sucio del mundo se  incendia  como  la vieja Biblioteca pública  de Los Angeles. Termina tu curado, no  digas  nada, no  respondas, si no  te  sale  ardiendo,no lo hagas, sé  que  dirás:

No lo  intentes

Ne essayez pas

 Don´t  try.

 

 

Grandes Héroes Gana el Oscar


La ceremonia de los Academy Awards usualmente está llena de sorpresas. Ganadores inesperados, nominaciones olvidadas, elementos del espectáculo, invitados especiales y mucho más. El pasado domingo 22 de febrero se llevó a cabo la 87 entrega de los premios Oscar donde la cinta Birdman o la Inesperada Virtud de la Ignorancia (Birdman, 2014) fue la gran vencedora llevándose los codiciados premios para los mexicanos Alejandro Gonzales Iñarritu y Emmanuel Lubezki por mejor dirección y fotografía, respectivamente.

Este resultado fue una verdadera sorpresa ya que la cinta favorita para ganar la estatuilla era Boy Hood: Momentos de una Vida (Boy Hood, 2014), pero el día de ayer comprobamos una vez más que aunque el Oscar diste de ser un premio a veces influenciado por aspectos económicos y hasta políticos, puede ser impredecible e ocasiones. La otra sorpresa de la noche para los amantes de animación fue la victoria de la cinta Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014) de Disney. Efectivamente, la dupla de Marvel y el estudio del ratón fue la gran vencedora en esta categoría.

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Contrario a lo que prácticamente todos pensaban, Cómo Entrenar a tu Dragón 2 (How to Train your Dragon 2, 2014) no resultó triunfador y por lo visto Hipo y Chimuelo deberán esperar a la tercera película de la saga para probar suerte nuevamente. Recordaremos que la cinta Grandes Héroes nos cuenta la historia de Hiro Hamada, un muchacho prodigio en la robótica que tras la muerte de su hermano decide investigar lo ocurrido y así vengarlo con la ayuda de un equipo de nuevos héroes, de los cuales destaca el robot Baymax.

Aunque la película es fabulosa en términos de animación y diseño, no es algo a lo que Disney no nos tenga ya acostumbrados ni es su obra más grande (aunque si es buena película), por lo mismo pocos esperaban este resultado que nos asombró a todos y seguramente molestará a algunos. Cabe mencionar que el estudio también se llevó el premio de mejor cortometraje animado por la cinta Festín (Feast, 2014) que nos relata las travesuras de un perro glotón y su perspectiva ante la situación sentimental de su amo… otro resultado que dejó inconformes a algunos por las mismas razones.

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Sea como sea, ese fue el resultado y cada quien tendrá su opinión al respecto. Me gustaría citar una frase del actor Sean Penn, quien entregó el premio a mejor película, en la cual dijo que “Sólo una película puede ganar, pero todas trascenderán”, y aunque es algo que dijo para las 8 nominadas principales, también puede aplicarse  a la categoría de animación. Este año tuvimos fuertes candidatas en la terna, además de las dos películas antes mencionadas hubo nominaciones para Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014), Song of the Sea (Song fo the Sea, 2014) y El Cuento de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2014). Eso sin olvidar a las grandes olvidadas de la academia La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014) y El Libro de la Vida (Book of Life).

¿Están de acuerdo con el resultado de este año en los premios más famosos del cine?, ¿Listos para este nuevo año donde seguramente veremos a la animación en todo su esplendor, incluyendo la animación mexicana? ¡Que comience la nueva contienda!

Especial LAIKA: ParaNorman

Luego de su éxito con la cinta de Coraline, el estudio Laika decidió seguir el camino de las historias de ultratumba orientadas al público infantil. De ese modo los directores Chris Butler y Sam Fell trajeron la nueva aventura de stop motion ParaNorman (ParaNorman, 2012), una interesante historia sobre un niño con la habilidad de ver fantasmas que se ve envuelto junto a todo su pueblo en una terrible maldición que incluye zombies, brujas y una venganza.

 ParaNorman_posterEsta película fue ovacionada por la crítica y tuvo un muy aceptable éxito en taquilla. La calidad de su animación, así como de cada aspecto artístico resultó impresionante, siendo la primera película del género en utilizar la famosa impresora 3D para la elaboración de ciertos elementos de la cinta. Este elemento podría convertirse en un parte aguas y un nuevo y más barato camino para este tipo de animación, ya que no solo ahorrará trabajo artesanal, sino que los modelos tridimensionales podrían quedar más parecidos a los diseños en 2D con los que se empieza a trabajar en la pre producción.

 Según informes, la historia de esta película fue  trabajada durante casi 10 años y fue inspirada en elementos como los misterios del personaje Scooby Doo, pero buscando siempre un lado lógico a una aventura sobrenatural. La historia es quizá una de las más maduras e incluso arriesgadas de las películas de este tipo, lo cual garantizó un sector mucho más amplio de público al cual podría gustarle. En un simple cuento de horror para niños tenemos guiños a verdaderas vivencias de terror de la humanidad, siendo la inquisición y la quema de brujas de Salem las principales.

 Llevando la enseñanza de no juzgar a nada ni a nadie sin conocerlo antes, esta película es por demás un excelente trabajo de animación, aunque para muchos no logró el nivel de su predecesora. Pero esto no significa que sea una mala película, sino todo lo contrario, es una muy buena película que ganó muchos premios y recibió varias nominaciones. Quizá un detalle que personalmente habría cambiado yo es el diseño de algunos personajes, los cuales no me parecen demasiado agradables a la vista. Pero bueno, en gustos se rompen géneros.

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 Esta idea de respetar a las personas y aceptar lo que son llevó a la cinta a tomar una decisión sumamente arriesgada y que de hecho fue fundamental para que un sector del público la rechazara. Esta decisión fue la de incluir a un personaje homosexual en la cinta, aspecto del cual no nos damos cuenta en la mayor parte de la película y de hecho ayuda a lograr un muy divertido chiste casi al final de la misma, pero que a la vez es entendible el sentimiento incómodo que generó en algunos. Los mismos productores aceptaron que este hecho pudiera provocar que los padres tuvieran que responder preguntas fuertes a sus hijos y hablarles de un tema que si bien ahora es aceptado, en ese entonces aún no lo era tanto. Sin embargo, también es lógica esta inclusión considerando que se trata de demostrar varios tipos de aceptación en la vida real y no tanto orientada a los fantasmas y monstruos.

 ParaNorman es una película muy bien hecha, aunque efectivamente no es para todo público. Los amantes de la animación, el público con mente abierta a muchos aspectos de la sociedad que no todos toleran y aquellos que no sean demasiado sensibles a historias crudas, amarán la película. Creo estar en lo cierto al decir que habrá más gente que la disfrute a los que la desprecien, pero si es algo que ustedes, espectadores, deben considerar. Sea cual sea su opinión, y sin tomar partido en ninguna de las opiniones, la verdad es que esta película es una joya de la animación y un muy serio precedente para futuros proyectos de este género.

Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Zelda: Del videojuego a la serie de televisión

Como es bien sabido, el cine y la televisión son sólo algunos de los medios en los que la animación puede aportar algo. Muchos de los jóvenes talentos que se acercan a las escuelas de animación tienen una palabra dominando sus sentidos y emociones: Videojuegos. Un juego de video es un arte en todo su esplendor, no sólo debe contener una serie de elementos matemáticos, de programación y de física, sino que además se debe crear un universo de animación en personajes, props y escenarios que representan el enorme reto de la interactividad.

 Uno de los juegos más populares a nivel internacional es “The Legend of Zelda”, el cual nos relata las aventuras de Link, un joven que debe enfrentarse a una serie de peligros, monstruos y calabozos, por lo general con el objetivo de rescatar a la princesa Zelda de las garras del malvado Ganondorf. Es un juego que ha tenido diversas versiones para prácticamente todas las consolas de Nintendo, tiene un enorme número de fans y su fama ha trascendido al grado que incluso se han hecho conciertos de los temas principales de esta saga con versión de orquesta.

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 Podría catalogarse como un juego de culto, sin embargo es un juego que hasta ahora no ha podido dar, como otros títulos, el salto a la pantalla grande (y muchos fanáticos lo agradecen, ya que consideran que podrían arruinar la historia). Pues bien, ese salto aún tendrá que esperar, ya que Link y sus amigos sí disfrutarán finalmente de una adaptación fuera de los juegos, pero no en cine, sino en televisión.

 El canal Netflix anunció recientemente que ha adquirido los tan codiciados derechos para hacer una serie basada en este videojuego. Aún se ignora quién podría dirigir dicha adaptación, o quienes serían los actores encargados de encarnar a los queridos personajes. No se ha adelantado tampoco en cuál de los tantos títulos de la saga estaría basada la serie, aunque la mayoría cree que será basada en el juego “Ocarina of Time”, que fuera quizás el juego que tuvo mayor impacto hace años cuando salió para el nintendo 64.

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 Lo único que se ha adelantado de este proyecto es que será una serie live action, pasará por Netflix (lo que puede no ser demasiado bueno para los que no gozan de este servicio) y que su nivel de calidad pretende ser equiparable a la serie épica creada por Geoge R.R.Martin, Game of Thrones, pero de un nivel mucho más familiar. Al tratarse de un juego con tantas historias alternas, un juego relativamente largo y la capacidad que tiene para contar una gran aventura, puede que la decisión de hacerla una serie y no una película haya sido acertada. ¿Emocionados, fanáticos de los videojuegos?

Especial Laika: Coraline y la Puerta Secreta

Celebrando el anuncio de la primera película de animación stop motion en México, en esta ocasión comenzaré con un muy pequeño especial acerca de un estudio estadounidense que aunque no cuenta con una gran cantidad de películas hechas, sus productos poseen con una enorme calidad al grado de que han sido de los pocos estudios (quizá el único) que cada película que hace es nominada a toda clase de premios. Este estudio ha ganado fama por su habilidad en animación stop motion con tres películas que comparten un tema, el horror dirigido a niños.10891629_800

 Hablo del estudio Laika, propiedad de Phil Knight y la empresa Nike. Este estudio se dio a conocer oficialmente y a nivel internacional en el 2009 tras el estreno de su ópera prima, Coraline y la Puerta Secreta (Coraline, 2009) del director Henry Selick, aquel que ya mostrara ser un titán en la animación de este estilo tras dirigir cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) y Jim y el Durazno Gigante (James and the Giant Peach, 1996). La película de Coraline está basada en la novela de Neil Gaiman, publicada en el 2002 y fue un éxito a nivel taquilla y critica.

 La cinta nos cuenta la historia de Coraline (No, no es Caroline), una niña que vive enojada y aburrida de su existencia rutinaria. La relación con su madre es tensa y las cosas empeoran cuando su familia decide mudarse a una vieja casa que ha sido dividida en departamentos que son habitados por excéntricos vecinos. Un día, Coraline descubre una puerta extraña que la lleva a un mundo paralelo al suyo, una especie de mundo del espejo donde cada persona de su mundo está reflejada ahí, pero siendo totalmente diferente a lo que es realmente. Como característica de este mundo, todos sus habitantes tienen ojos de botón. En ese lugar, Coraline conoce a su Otra Madre, quien parece tener siempre tiempo para ella y un carácter mucho mas agradable y divertido que su madre real. Coraline queda fascinada con este universo al grado de querer regresar una y otra vez, sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que descubra que nada es lo que parece y que un oscuro y aterrador secreto se esconde detrás de la puerta.

 La película resulta ser una propuesta más que interesante, con una animación impecable, un diseño de producción sin igual y una banda sonora peculiar, aunque totalmente cumplidora. El mensaje que da es importante para todos aquellos que no aprecian lo que tienen y que fácilmente pueden sucumbir a aquello que parezca ser perfecto en un mundo donde no todo lo que brilla es oro. Así mismo, la película es una opción familiar y dirigida a niños, pero sorpresivamente tiene el suficiente nivel de suspenso y horror para complacer a los amantes del género. Es una película que puede ser disfrutada por todos, incluso es considerada de culto por un sector del público, sin embargo esta característica puede ser un punto negativo para aquellos niños que sean muy asustadizos.

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 Además de eso, la película podría tranquilamente catalogarse como cine de arte, con un manejo de situaciones donde el surrealismo domina casi todo. A veces puede ser confusa, muy extraña para algunos espectadores. Aquellos que no disfruten de este tipo de historias mejor absténgase de verla, pero al menos los invito a ver algunas escenas y descubrir que visualmente esta película es una maravilla. Fue la primera película del que se ha vuelto un titán de la animación. Una obra maestra en todo su esplendor, aunque como dije, para un público muy específico. Los invito a verla y dar su propia opinión. Háganlo y créanme, no volverán a ver los muñecos con ojos de botón con algo adorable.

 

El mundo sin despegarse del sofá: dos grandes narraciones actuales

La sociedad del siglo XIX conoció el mundo sin pararse del sofá gracias a la narrativa literaria. Debido a la inexistencia del lenguaje audiovisual, las novelas de aquella época son gruesos mamotretos que abundan en descripciones geográficas y espaciales sin escatimar en el más ínfimo detalle. En el siglo XXI, esa función la cumple el cine.

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Hace un par de meses llegó a México el largometraje Leviathan (2014) de Andrey Zvyaginstev, con el peso y la seriedad de cualquier novela de Dostoyevski. Densa en los diálogos, de un ritmo lento pero firme, avasallador; va entretejiendo situaciones y personajes alrededor de la corrupción de una manera contundente. Encuadrada en una fotografía cuidada, Zvyaginstev le hace gala a inviernos australes con los que los latinoamericanos podemos hacer poco para tan siquiera imaginarlos.

 Recientemente se estrenó también Winter Sleep (2014) de Nuri Bilge Ceylan, una película paralela a Leviathán, en la que podemos ver una maravillosa adaptación de Chejov. Conversaciones profundamente existenciales, amén de pesimistas, advierten una profunda apreciación del cine de Bergman, conforman un drama contemporáneo que permite asomarnos a la vida en Turquía y hundirnos en un matizado fragmento de las complejas emociones de los personajes en pantalla.

 Ambas cintas tienen en común ser densas, largas, cuidadosas en la fotografía y formar parte de la selección de las películas en lengua extranjera de la academia. América Latina forma honrosa parte de la lista con Relatos Salvajes de Damián Szifrón (Argentina) imprescindible comedia negra que está causando revuelo; y Mommy, el cuarto largometraje del joven y talentoso canadiense Xavier Dolan.

 Las narrativas extranjeras, o mejor dicho, no eurocéntricas, dejan apreciar el arte cinematográfico mundial en los últimos meses, como lo hizo la literatura latinoamericana hace medio siglo. Hoy, en gran parte de los casos a través de apoyos públicos, el cine latinoamericano se yergue con títulos que no vale la pena perderse, como Conducta de Ernesto Daranas (Cuba) y La distancia más larga de Claudia Pinto (Venezuela).

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 No es casual la pertenencia de Leviathan y Winter Sleep a esta selección. No sólo es la lengua extranjera lo que las distancia de Hollywood. Ambos largometrajes nos ofrecen una mirada seria y detallista de problemáticas periféricas. Son narrativas que corren las cortinas y nos permiten ver por la ventana la sensibilidad de países que reciben poca iluminación occidental.

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 En gran medida se puede defender que la televisión también cumple la función de entretenimiento y enseñanza que ejercía la novela hace 150 años. Con series como True Detective y Breaking Bad existen pocos argumentos en contra de esto. Pero el cine, con películas como Leviathán y Winter Sleep, a pesar de demostrar un avance técnico abismal en comparación con las novelas de Alexandro Dumas que llegaban a México por entregas en tiras que la gente recortaba de los periódicos y coleccionaba hasta completarlas, recogen en minutos cinematográficos las decenas de páginas decimonónicas de las grandes narrativas de nuestro tiempo.

Margaret Keane, Big Eyes y el cine de Tim Burton

MargaretKeane La historia llevada al cine de Tim Burton, comprende un periodo de la vida de la pintora Margaret Keane, conocida con varias firmas: Peggy Doris Hawins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret Mc Guirre; variables a través de los procesos de la vida de la artista. La mujer es conocida por los grandes ojos que llenan el rostro de los niños lastimosos de sus pinturas, que en algo recuerdan a la serie de pinturas de Bruno Amadio, pintor Italiano.

 La decisión de si es arte o no está y estuvo como siempre al debate. La historia aquella en que el esposo de Margaret, Walter Keane y de quien tomó el apellido como es costumbre, hizo fama y fortuna a través de los lienzos que ella cubrió en los estados de soledad más profundos, encerrada en un cuarto denso por el olor a thinner, oleos y viniles, en tanto él se regodeaba con un trabajo que no partió de sus manos ni de su capacidad creativa o devastadora, es el tema central de la película. Si bien el tema es bueno y a Burton no se le puede pedir mucho porque siempre lo da, hay un ligero ambiente festivo a lo largo de toda la película, sobreactuaciones que entregan desencanto, que la tornan de pronto en producto comercial para ser llevado a cualquier pantalla y no para entregar la historia en el nivel puro. A saber si la intención era esa. A mí francamente me sobra y me hace ruido.

 La cosa aquí es este estado que no pasa por encima de las imágenes, de la soledad desgarradora que padeció Margaret, los demonios de que fue presa, porque a medida que avanzaban los años, entregada al silencio del pacto hecho con el marido: los niños aquellos, sus hijos, su creación se tornaba más sombría. El llanto que los caracterizaba, el hambre. Hambre no como un mero acto humano sino un hambre más allá de todo, como a Frida le dolía la vida, con trazos infantiles; esto pasa un poco de largo, pero el lugar de donde procede, la pasión, la introversión excesiva que a ésta artista en particular la llevo al encierro, sola con los caballetes y los pinceles, eso me falta. Y lo otro, el asunto de destinos: ella abre una galleta justo antes de la hecatombe de popularidad que se avecina y que ciertamente se lo anticipa.

 Que si bien el otro hizo abuso de lo que denominaremos talento de la mujer con la que compartía la vida, fue de algún modo necesario para el hecho, porque de no ser por los actos por él cometidos, la obra no habría sido el fenómeno que fue, y que nadie que lo haya conocido niega. Porque el hombre ciertamente era atractivo, físico no importa, en un asunto de energía atrayente, carismático vamos, capaz de atraer atención sobre sí mismo, pero el manejo del actor en este sobresalto, con tanta energía disparada, aventada a la cámara como cubetadas de agua, lo pierde por completo.

 Entonces el asunto de la historia (real también) del juicio que determina quién verdaderamente es el autor de los “Big eyes” y el juez concede una hora para que los dos hagan un cuadro del mismo estilo, en el que él alega tener lastimado el brazo que sostiene al pincel, parece a pantalla más bien una farsa irreal. Una pena. Pero vean la película y después ya si se sirven, me cuentan. Se estrenó en Estados Unidos y España el 25 de Diciembre del 2014.