Proyectos Animados para Marvel

¿Listos para el inminente estreno de The Avengers: Age of Ultron? Pronto estaremos ante el final de la fase dos del Marvel Cinematic Universe y veremos el nacimiento de la última etapa de este fenómeno cinematográfico que iniciara en el 2008 con la película Iron Man, dirigida por Jon Favreau. No cabe duda que este movimiento ha superado las expectativas de todos al haberse convertido en una enorme y lucrativa franquicia, que al parecer, aún dará para mas en el mundo de la animación.

Según declaraciones del personal de Marvel, así como el hecho de que Disney es ahora dueño de esta compañía, se ha planteado la posibilidad de que el siguiente paso a seguir sea la creación de largometrajes animados de los súper héroes que ya todos conocemos. Ciertamente ya hay producciones animadas, sin embargo todas consisten en historias alternas que nada tiene que ver con la continuidad de la trama central que nos está acercando al impresionante enfrentamiento con el Titán Loco, Thanos… esto quizá va a cambiar.

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No se han dado muchos detalles al respecto más que pequeños indicios, pero la idea ha alcanzado niveles altos y muchos apuestan porque pronto sea una realidad. Ahora, aquí resta una pregunta que los fans se hacen, ¿Disney hará otra vez de las suyas y suavizará la trama de estas películas para llegar a un sector más amplio de público? No sería la primera vez que esto ocurriera y ante muchos esta no sería una idea mala, ya que sería más accesible para el público que gusta de estas cintas, como los niños. No obstante, los seguidores de los comics temen que partes importantes de las historias se vean cambiadas o eliminadas para darle ese toque más inocente; y seamos honestos, hoy día el público parece querer más oscuridad y más violencia. Esto es claro tan solo con comparar las caricaturas actuales con las de antaño.

Reitero el detalle que esto aún no es una noticia confirmada, sin embargo es una situación digna de ser tomada en cuenta. Nadie niega que esta idea tiene un potencial muy grande, seguiremos al pendiente de cualquier detalle que nos pueda dar más información al respecto.

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Daniel Soares pregunta ¿Moda artificial?

Creatividad, pasión y desapego por las tendencias son tres factores que caracterizan a Daniel Soares, director artístico quien refleja en su trabajo la crítica hacia el artificial concepto del modelaje, dejando ver que existe una esencia mas allá de las imágenes que apreciamos en los anuncios con los que diario nos topamos…

Daniel Soares

 

¿Por qué ir en contra de los estándares de modelaje que son aceptados por gran parte de la comunidad? ¿Por qué dejar a un lado los caminos cómodamente experimentados y exitosos? estas son cuestiones resueltas por la esencia que hay detrás de observar un cuerpo estéticamente presentado en una fotografía de una campaña publicitaria, ya que él considera que el trabajo constante, cuidado por los detalles y pasión por aquello que se vive, crea la diferencia en las vidas que lo rodean.

Daniel Soares

Daniel Soares

¿Quién es? Nació en Portugal, creció en Alemania y actualmente es profesor de Miami Ad School en San Francisco. Ha sido premiado por su trabajo y éste ha sido exhibido en reconocidas galerías de arte, ¿Una pista más? Él es el artista quien usa la barra de herramientas de photoshop en los anuncios de propaganda de H&M y catálogos virtuales, pero ¿cuál es la finalidad de exponer todo esto? Es una pregunta, que no será resuelta hasta que como sociedad se vea más allá de lo que percibimos con los ojos y qué es todo eso que se encuentra detrás de la imagen de una modelo, para pasar a tener como prioridad la esencia y significado del humano que lo posee.

En 2014, Daniel Soares fue invitado por  Kesselskramer para llevar a cabo una exposición de la serie Photoshop Adbusting, como parte de The Step una exhibición que concentrándose en las sesiones de fotos para la industria de la moda revela el lado siniestro de ésta.

Daniel Soares

 

Daniel Soares

 

La muestra del CCC: XL aniversario

La muestra del Centro de Capacitación Cinematográfica llega a la Cineteca Nacional del 16 al 19 de abril.
En esta ocasión reúne 24 producciones que se han terminado a lo largo del año 2014. La muestra incluye 19 cortos de ficción, 5 largometrajes y un documental. Cada una de las producciones es resultado de la formación de los estudiantes de la Licenciatura en Cinematografía.
CCC
Los largometrajes que se presentarán son:
‘El silencio  de la princesa’ de Manuel Cañibe, la ópera prima documental CCC-FOPROCINE, estrenada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Además,  ‘Los Hámsters’ de Gil González Penilla (tesis), Mejor Ópera Prima, Guanajuato.
Los Hamsters
‘El regreso del muerto’ de Gustavo Gamou (tesis), ganador del Premio Puma México en FICUNAM.
Y los documentales realizados en el taller de tercer año, ‘Memoria oculta’ de Eva Villaseñor, Mejor Mediometraje, Festival dei Popoli, Italia y ‘Gone Missing’ de Till Cöster.
Memoria oculta
Como toda producción de los del CCC, los cortometrajes se difunden en festivales de cine nacionales e internacionales, así como en una gira por distintos estados de la República. Los cortometrajes realizados en 2014 han participado en festivales destacados como Sundance, La Habana, Plus Camerimage, Bilbao y  han recibido premios y reconocimientos en Monterrey, Sao Paulo, Biarritz y Morelia. 
Como labor de apoyo a sus alumnos el CCC presenta aproximadamente 80 películas en más de 200 eventos al año. Ello con el objetivo de acercar los las producciones de la escuela al público. Los cortos se han transmitido en televisoras públicas en el DF, Michoacán y Morelos; actualmente se pueden ver 26 cortometrajes en línea de manera gratuita: bit.ly/CortosCCC
La programación de la muestra de este año la pueden revisar aquí.

Invitados de lujo para el Creativa Fest

Hay muchos eventos orientados a la industria de la animación en caricaturas, anime y videojuegos, sin embargo uno de los que ha adquirido mayor importancia y renombre en los últimos años es sin duda el festival Creativa Fest. Este evento se ha caracterizado por estar orientado al publico que disfruta y/o ejerce alguna ocupación en este artístico mundo, acercándolos a personalidades que se han ganado su lugar en el medio para recibir cursos, fotos, consejos o un simple saludo con estas grandes mentes.

 Se ha dado a conocer una pequeña lista de los invitados que este año engalanarán este, ¿Por qué no decirlo? magno evento. Luego de analizar estos nombres nos queda claro porque los fanáticos esperan con ansia este acontecimiento y hace que nuestras expectativas sean simplemente enormes.

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 Los invitados especiales serán el mexicano Jorge R. Gutiérrez, aquel animador cuyo talento ya había sido demostrado con series como El Tigre, Mad y Mucha Lucha, pero que recientemente ganó una muy merecida fama por la extraordinaria cinta “El Libro de la Vida”. Así mismo tendremos talentos extranjeros como Gary Trousdale, nada menos que uno de los pilares de la empresa Disney, director de joyas como La Bella y la Bestia y el Jorobado de Notre Dame.

 En el caso de la televisión, tendremos a Alex Hirsch, creador de la serie Gravity Falls (que en un futuro reseñaré), que se ha caracterizado por su compleja trama y un encantador diseño que combina lo cómico de las caricaturas con las historias de suspenso y horror. Y finalmente, pero no menos importante, Kent Osborne, responsable de escribir diversos capítulos de la serie Bob Esponja, Hora de Aventura y Un Show Mas.

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 El Creativa Fest tendrá lugar en el World Trade Center, ciudad de México del 1 al 3 de Mayo. ¿Están listos para una experiencia única ante estos talentos que sin duda tienen mucho que enseñarnos? Una oportunidad que definitivamente no pueden perderse.

No habrá serie de Zelda

Hyrule arde, y no por el ataque del perverso Ganon. Como recordarán hace poco se había anunciado la noticia de un plan por parte del canal Netflix para llevar la popular franquicia de videojuegos “The Legend of Zelda” a la pantalla con una serie Live Action de la misma. Esta noticia había generado toda clase de sorpresas considerando el tiempo que Nintendo había negado cualquier derecho de adaptación; parecía ser que esta prohibición había terminado.

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 Desafortunadamente, una de las más importantes voces de la empresa: Satori Iwata, anunció recientemente y de forma tajante que esta nota era falsa. No negó la posibilidad de llegar a un acuerdo en el futuro, pero sí dejó claro que actualmente no existe trato alguno al respecto.  Por lo pronto, parece ser que la empresa está contenta con el éxito que ha tenido el reestreno el juego “Majoras Mask” para nintendo 3DS, lo que demuestra nuevamente lo rentable que puede ser esta saga y quizá en un futuro no muy lejano si comience a hablarse de dar el gran salto a la pantalla chica o grande.

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 Nintendo es una empresa que por años se ha basado casi en su totalidad en juegos de video (aunque si ha habido ciertas adaptaciones de otros títulos) y parece que pretende quedarse así, y más luego de haber anunciado la creación de juegos para celulares. Pero no se desanimen fans de Link, ya que pronto tendremos noticias del nuevo juego de la saga que saldrá a la venta para la consola Wii U. No sabemos mucho al respecto pero… ¡Es Zelda por todas las diosas! Seguiremos atentos.

De tripas corazón

 

 

“No es nada agradable ser clavado en la cruz, abandonado,
es mucho más placentero olvidar a un amor
que no funcionó
ya que finalmente
ningún amor funciona”

– Charles Bukowski

A veces quisiera  haber  sido ese  centauro semental  y  montar

a ninfas y musas,   jugar  al  Diógenes  de barrio  en  el Zócalo,

saberme más  que ideas y huesos

y quejidos desmoronándose

en los tejidos  de una soledad  generalizada.

A  veces   quisiera  que  la  lengua

no  se  deshiciera  en  la  boca

para  no callar  sin  sentido

hacer lo que  cualquier pseudo esquizoide haría,

escribir  ridículos poemas sobre  amor  en harapos,

aunque,  pensándolo   bien

debería  escribir la  más  divina  pornografía,

toda  una  gama  de  fascículos  de lectura  para  el  baño

sólo para acumular  la  rabia del  naufragio de  los  cuerpos,

o quizá,  debería asumir que todas  las mujeres  son  de agua.

A veces quisiera  caer como  hilera de  dominó

como mi propio declive y gemido.

Fluir como  cascada, como profunda  laguna donde

se araña  la  ley de  la  gravedad.

A veces  quisiera que la  gravedad se  enseñara con   la caída

y curvatura  de unos senos.

quisiera no haber sido embaucado

con  las  historias de super mujeres,

mujeres  místicas

y aladas,

mujeres  terribles

y de  olfato  sensible,

mujeres  carnívoras

y chupacabras,

mujeres  marabunta,

mujeres  apocalípticas

e integradas,

mujeres  diosas

inmaculadas

malditas

maravillosas

mujeres…

A  veces quisiera que no  todo lo que exista

sean éstas ganas de  verte

y poder  salir  de este   congal  que  se  llama

“ojalá  el  amor  exista”

quisiera hacer  de  tripas  corazón

 y  del  corazón un papalote

y del  papalote  un  fractal.

Mickey vs el Vicio

Censura, una palabra que todos los que se dedican al espectáculo temen. No es novedad que la empresa Disney se ha valido de ese concepto para adaptar varias producciones a una clasificación para toda la familia. La empresa del ratón nos ha mostrado toda clase de elementos fuertes en sus películas, desde niños convertirse en burros sin esperanza, hasta la muerte del padre de un tierno leoncito. También cintas live action han evitado mostrar escenas intensas de sexo o violencia, todas siendo apadrinadas por esta compañía.

 Pues bien, Disney ha anunciado una nueva censura a las empresas con las cuales labora: Pixar, Marvel y Lucasfilm. En esta ocasión lo que se prohibirá mostrar no es sangre o muestras de amor extremo, sino todo lo relacionado con el tabaco. Esta prohibición de personajes fumando se ha impuesto en las cintas Disney desde hace tiempo, pero ahora también afectará a las compañías antes mencionadas debido a la expansión de la póliza de The Disney Company, en este caso a todo lo que lleve de alguna manera su nombre.

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 El motivo es muy obvio, pero aún así cabe mencionar que la razón de esta nueva regla es evitar darles a los jóvenes ejemplos de adicciones o del consumo de tabaco por parte de los personajes que admiran. Si bien es cierto que el cigarro es un hábito sumamente dañino y que nadie podría criticar estas medidas, hay quienes se oponen a esta prohibición por temor a que afecten la calidad o madurez de ciertas películas por detalles aparentemente simples.

 Pero no es un designio total, ya que se ha anunciado que dicha medida no aplicará si en la empresa se llevan a cabo producciones acerca de personajes históricos a los cuales se les sabía, eran fumadores. Es decir, en la ficción será impensable fumar, pero en cuestiones reales e históricas podría permitirse a fin de ser más fieles a los hechos que se pretendan mostrar.

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La pregunta que se hacen todos los fans: ¿Afectará esto en gran medida próximas adaptaciones de historias como Star Wars, Indiana Jones o los Vengadores? Quizá no necesariamente, tendremos que confiar en la habilidad de los realizadores para mostrar algo bueno con las manos atadas en varios aspectos.

 

Layout: Taverna Libraria, encuadernación en miniatura

La relación entre el diseño y la encuadernación es muy estrecha, por ejemplo, al considerarse la elaboración artística de un libro; el aspecto exterior de algo siempre genera una impresión, si es de un objeto de diseño debe considerarse como consecuencia de un estudio previo que cubre algunos de los aspectos importantes de cualquier proyecto.

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 El aspecto exterior de un libro es resultado del trabajo de las personas que constantemente practican la encuadernación y adquieren una habilidad educada y delicada para manipular los materiales relacionados con esta técnica.

 Diana Vázquez es una diseñadora gráfica que ha ido más allá de aprender a encuadernar para experimentar esta técnica en miniatura. Después de aprender y trabajar varios tipos de encuadernaciones, con formatos y tamaños distintos, ha encontrado en las miniaturas una satisfacción muy grande para producir un sello particular que distingue a su obra en comparación con otras.

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Las miniaturas siempre me han llamado la atención, me encanta ver como se logran plasmar tantos detalles en objetos pequeños… hasta ahora lo más pequeño que he hecho es como de 1 x 1.5 cm. como era tan pequeño se me ocurrió ponerlo en un arete para que no se me perdiera.

 Su inquietud empezó en casa, al observar y disfrutar el trabajo que su padre habría realizado tiempo atrás en los talleres cuando estudiaba la educación básica. Ante la nula posibilidad de estudiar encuadernación como taller optativo en la secundaria, el destino de Diana decidió que esa oportunidad llegaría tiempo después, ya como diseñadora profesional y capacitándose en cursos que impartían sus maestros de encuadernación.

…la inquietud me surgió un día de pequeña al encontrar en casa algunos libros que encuadernó mi papá cuando cursó el taller de encuadernación en la secundaria. Me pareció una cosa fascinante…

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 Su propuesta de encuadernado consta de diferentes modelos pero en estructura es similar, el trabajo es igual o más difícil que el de una encuadernación de tamaño convencional; su habilidad y delicadeza para compaginar, cortar folios, armar cuadernillos, coser, colocar cabezadas, armar carteras, y demás pasos que conforman la encuadernación son de un detalle delicado para rematar con los broqueles en el caso de los aretes, y que pueden ser de distintos materiales pero con forma similar, como de gancho.

Los primeros libritos que hice fueron con hojas en blanco, pero me gustó la idea de darles más realismo y me di a la tarea de formar paginas con texto simulado y algunas imágenes, quizá esa haya sido la parte más laboriosa. Disfruto todo el proceso porque tiene su encanto hacerlo en pequeño…

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 Lo más difícil para ella es darse a conocer porque su trabajo entre semana en un despacho de museografía absorbe gran parte de su tiempo, sin embargo, ha decidido seguir con lo que le apasiona y buscar nuevos clientes, clientes que valoran el trabajo, esfuerzo y cariño que pone por ejemplo en cada par de aretes. Diana esta abierta a trabajar con las ideas de la gente que busque en su obra plasmar ese afecto por los libros, por eso es solo cuestión de contactarla para platicar y hacer un pedido.

A corto plazo mi idea es incorporar más estilos de encuadernación, también otras presentaciones distintas de los aretes y quizá armar una página para vender en línea.

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El Niño Astro… para niños

Los amantes y estudiosos del anime indudablemente escucharán el nombre del maestro Osamu Tezuka, creador del que muchos consideran fue la primera serie japonesa en convertirse en un gran éxito a nivel mundial: Astro Boy. Ya hemos tenido un par de series animadas (incluyendo la original) y una película en CGI, ¿Qué mas podríamos hacer para no olvidar a ese joven y heroico robot? Hay rumores que aseguran la preparación de una película Live Action, pero además se está creando un nuevo intento de serie en animación de este popular personaje.

 Los estudios Tezuka Productions, en conjunto con otras dos compañías aparentemente europeas (Carivara y Shibuya) se han planteado esta ardua labor de revivir a un clásico. Se dice que la serie estará orientada al público infantil únicamente y por lo pronto se cuenta con plan para una temporada de 26 episodios, aunque dependiendo del éxito de la misma podría ser alargada.

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 Cabe destacar que la caricatura se ha caracterizado por un diseño de personajes agradable a los niños, incluso tiernos. Pero eso sí, la historia tiene aspectos sumamente maduros y crudos como el hecho de que Astro, el protagonista, fue creado por el doctor Tenma para sustituir a su pequeño hijo, quien muriera trágicamente. No sabemos si esta nueva serie tendrá un enfoque demasiado infantil tales como Dora la Exploradora (Dora the Explorer, 2000) y Jake y los Piratas de Nunca Jamás (Jake and the Neverland Pirates, 2011), o si será una caricatura más orientada a la comicidad, aunque también dando importancia a la acción como el caso de Los Jóvenes Titanes (Teen Titans, 2003).

 Se ha dado a conocer el primer teaser del proyecto que nos demuestra la estética que tendrá la serie. Como notarán, efectivamente se maneja un diseño más de cartoon parecido incluso al usado en producciones como El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009). También resalta la combinación de la animación 2D como elementos en 3D, claro que manejando un render apropiado para no desentonar tanto.

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Aún no hay fecha de estreno ni en que canal podrían transmitirla en nuestro país, sin embargo un personaje de esta magnitud no debería tardar en aparecer en pantallas mexicanas. ¿Qué opinan de esta nueva versión de Astro Boy? ¿Le darán una oportunidad? Veremos si el pequeño robot tiene lo necesario para cautivar los corazones del público una vez más.

Lasseter y Cooley: La dupla detrás de Toy Story 4

Hace poco hablé sobre el inminente estreno de la cuarta entrega de la serie Toy Story, además de la noticia de que esta película no seguiría la historia de la trilogía pasada, sino que se basaría en una historia de amor dentro de ese universo que todos conocemos y amamos. Así mismo, se ha hablado mucho sobre el próximo estreno de Pixar, Intensa-Mente (Inside Out, 2015) dirigida por Josh Cooley. Pues bien, al parecer el trabajo de este cineasta está dando muy buenos resultados ya que el mismísimo John Lasseter lo ha elegido como su compañero en la silla de director de la nueva película de los juguetes.

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 Así es, recientemente se ha revelado que estos dos artistas serán los encargados de liderar la producción de Toy Story 4, lo que representa una gran noticia al tener un talento fresco trabajando junto al experimentado (y mente maestra de la primera entrega) Lasseter para darnos una cinta memorable. Cooley declaró que Toy Story fue una película que lo marcó por su calidad e innovación en lo que a animación se refiere, pero sobre todo, la sólida historia. El poder dirigir la cuarta entrega y mas, trabajar al lado del director que comenzó todo, es un sueño hecho realidad para él.

 Por lo pronto no se conoce más acerca de este proyecto más que lo que ya he mencionado. ¿Será una historia centrada en Woody?, ¿o en Buzz?, o quizá en otro personaje, ¿logrará lo hecho en la tercera y mas aclamada cinta de la saga? Se espera su estreno para el 2017, así que estén atentos.

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De lo tóxico y la familia en convergencia indefinida

“La gente te inspira o te desangra, elige sabiamente”

HANS F. HANSEN

Una mujer, esposa y madre de familia, ha sido víctima de una especie de ataque terrorista suscitado dentro de un autobús; no se sabe con certeza que ha pasado pero ella siente cómo su cuerpo ha recibido el impacto de una toxina que la va deteriorando tras haber notado a un individuo de piel oscura sospechoso a bordo de la unidad móvil en la que viajaba; mientras quita de ella cualquier voluntad para seguir adelante. Sus hijos han vuelto a casa luego del suceso, su esposo toma de su mano a cada instante. El camino comienza para afrontar los hechos o sumirse en el traumatismo.

 Foro Lucerna abre su siempre cálida puerta a Tóxico, de Greg MacArthur, dirigida por Hugo Arrevillaga Serrano, para permitir la exploración de una historia que se construye a través de la percepción individual sobre un suceso posible a resolverse en terrorismo, histeria, paranoia racial, esquizofrenia o sencillos infortunios sumados en la realidad de una familia chocando ante la vulnerabilidad.

 Aplicable a una sociedad actual que se trabaja dentro y a partir de la incertidumbre en todos los aspectos que la componen, la aparición de esta pieza resulta valiosa para dar un espejo  la desesperación colectiva que pueda mostrar la crudeza de la propagación de la negatividad.

 El relato de McArthur devela  los límites de la percepción psicológica hacia lo que acontece en el mundo exterior, partiendo del quiebre del pilar del modelo familiar tradicional. Al deshabilitar y deteriorar a la madre la familia, esta última entra en una reacción natural de protegerle, sin embargo ¿Qué aspectos aborda la posición natural cuando el esquema de avance se estanca iniciando el retroceso?

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 La dramaturgia amplía el reto de la percepción de la realidad hacia la necesidad de resolver los verdaderos valores que conforman al estado egoísta en el ser humano, cómo este se logra diferenciar de la asimilación, del  avance. Al presentar al cuadro de personajes que acompañarán a la mujer sobre  las asperezas del momento, el autor brinda a cada uno la individualidad dentro de un círculo que aparentemente debe ser homogéneo. El conflicto existe, pero más que reunirse para tratarlo habrá quien, sin darse cuenta, se envuelva con él o busque  la puerta de salida para respirar.

 Valorando íntegramente el discurso del dramaturgo, Humberto Pérez Mortera traduce el texto con cuidado de hacer totalmente asimilable el lenguaje sin perder el contexto de los traumatismos sociales producidos tras aparatosos incidentes terroristas en el mundo, de entre los cuales destacan notablemente como influencias, la caída del World Trade Center en EUA y los atentados del 11-M.

 Trasladando la necesidad del autor por tratar la propagación de los sentimientos tóxicos entre las personas, Hugo Arrevillaga acerca a la obra dentro de un tono realista que apunta con precisión las palabras clave para entender no solo las cualidades y psicología de los elementos a juego, sino también aquello que no se está diciendo.

 Lo último descrito se alcanza en primera vía mediante la  idealización del espacio. La dirección toma el concepto de la mesa familiar como eje para narrar las formas en la que cada integrante de conduce. Este código bellamente planeado y coreografiado aporta las imágenes más crudas  igual que potentes de la puesta a partir de la simpleza resolutiva en escenografía (de Auda Caraza y Atenea Sánchez) para lucir el acompañamiento de la palabra.

 Es aquí donde uno comprende la importancia que conlleva el legado de Arrevillaga, el director no solo se aleja una vez más de la línea melodramática para presentar un concepto mayormente crudo, de una factura difícil al espectador pues no conlleva amabilidad para tratar las dificultades eventuales de la historia (Aquí y ahora, Antes Te Gustaba La Lluvia, Clausura Del Amor). Esta capacidad de dar vida a los textos que maneja de una forma estética, orgánica, honesta y directa es la verdadera característica que podría hacer a alguien aseverar que la manufactura viene de Hugo Arrevillaga, no su complicidad a autores específicos.

 A nivel de iluminación la obra destaca por generar espacios definidos y con sustancia a través de movimientos claros y ligeros, que avanzan junto al buen ritmo planeado, amalgamando la circularidad que la puesta alcanza en sí misma.

 Dentro de el cuerpo actoral, Gabriela Murray logra un trabajo muy bien construído para externar la rabia, desesperación, molestia e incertidumbre que Elena, la madre afectada, sufre. La interpretación captura la fragilidad necesaria como autodefensa incrementando a la par el dañino sistema de creencias que la va convenciendo de estar envenenada. Aquí hay una mujer afectada y este es solo el primer cuadro. Uno puede convertirse en su propio veneno, Murray proyecta con suma posición dicha sentencia.

 Para dar soporte a la actriz, Víctor Huggo Martín edifica al personaje del esposo como un punto de inflexión en medio del caos. El desenvolvimiento del actor permite apreciar la auténtica destrucción mental que provoca estar en contacto con una problemática de manera directa. María Gelia Crespo apoya a la trama con 3 actuaciones fuertes y de sustento valioso. Ana González Bello da una grata actuación, mientras que Andrés Torres Orozco simplemente transporta a su personaje en Sedientos de obra, he aquí el único detalle de dirección-cast.

 Tóxico representa una de las propuestas más valiosas de la cartelera actual. Un llamado a la fuerza interior y a la individualidad aceptada dentro de un núcleo compartido, asegurando desde la taquilla su valor monetario.

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Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Pixels: El Ataque de los Juegos

El mundo de la animación y la acción real puede coexistir en un mismo universo, esto nos quedó claro luego de películas como Space Jam: El Juego del Siglo (Space Jam, 1996) e incluso tenemos un antecedente mexicano con la cinta El Duende y Yo (El Duende y Yo, 1961), protagonizada por el inmortal Germán Valdés “Tin Tan”. Tampoco es novedad que un videojuego puede ser adaptado al cine y que se cree una película con personajes que hemos visto y manipulados en una consola, y no hablo solamente de las películas animadas, sino de cintas Live Action.

 Pero… ¿cómo sería si los videojuegos interactuaran con los humanos en su mismo mundo? Ya se que Tron (Tron, 1982) nos dio un ejemplo de eso en el pasado, pero aquí no se trata de un humano entrando a un mundo virtual, sino del mundo virtual llegando al mundo de los humanos. Esta es la premisa de la nueva película próxima a estrenarse llamada Pixels (Pixels, 2015). Esta película nos ofrecerá un ataque al más puro estilo de Godzilla o la Guerra de los Mundos, pero donde los enemigos serán nada menos que los queridos personajes de videojuegos ochenteros, en una encantadora animación 3D pixeleada (De ahí viene el título).

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 Recientemente se reveló el tráiler de esta peculiar cinta, la cual rápidamente generó toda clase de comentarios en las redes sociales tanto a favor como en contra. Y es que la película en si luce muy prometedora, de verdad genera curiosidad y ganas de verla, sobre todo entre el sector mas geek del público (me incluyo). Nos están dando una premisa entretenida, efectos muy bien logrados, nombres como Chris Columbus en la sección de director y de Peter Dinklage entre los actores; cuyos trabajos anteriores nos dan cierta seguridad de que veremos algo por lo menos divertido. No obstante, el nombre que se supone debería ser el gancho principal para el público se ha tornado en la razón por la que muchos se dicen indecisos ante esta cinta: Adam Sandler.

 Recordemos que Sandler es uno de los nombres mas polémicos en lo que se refiere al cine de comedia, ya que ha pasado de ser uno de los grandes y mas graciosos actores a una serie de películas de humor un tanto simple, y aunque duela decirlo, no demasiado inteligente. Para muchos este histrión se ha encasillado en cintas baratas que se hacen sin una pizca de calidad (aunque como todos, ha tenido sus buenos momentos). Si esto es cierto o no es muy subjetivo, pero el caso es que esta situación podría afectar a la película más que favorecerla.

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¿Ustedes que opinan al respecto? ¿Le darán una oportunidad a esta película que sin duda estará llena de humor absurdo, pero que por lo que se ve en el tráiler podría convertirse en la gran sorpresa de su semana de estreno? Aún no tenemos fecha de estreno, simplemente algunas imágenes y el primer tráiler que a continuación pueden disfrutar… y si, todo parece indicar que Pac Man no era tan bueno después de todo.

Los Titanes podrían llegar a América

Amantes del anime, estén atentos. ¿Conocen una popular serie de animación japonesa titulada Shingeki no Kyojin, mejor conocida por El Ataque de los Titanes? Este concepto ha adquirido gran fama alrededor del mundo, tal es el caso que en nuestro país ya se pueden conseguir los mangas oficiales de esta historia, traducidos al español. Así mismo, en Japón ya se había hablado de la posibilidad de una adaptación en Live Action para una película, o una franquicia; misma posibilidad que ya es prácticamente un hecho en el lejano oriente.

 Los estrenos para estas versiones son tentativamente para finales del 2018, sin embargo y aunque tengamos que esperar un poco más para eso, ya se está gestando la posibilidad de que Hollywood haga su propia versión. Esta noticia no es de extrañar, ya que este anime cuenta con todos los elementos para realizar una gran serie de películas de acción e incluso horror, con elementos que encantan a todos los sectores del público. La historia nos cuenta los esfuerzos de un grupo de humanos que se enfrentan a los letales titanes que intentan devorarlos.

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 Recordemos que al público occidental nos encantan este tipo de historias y una versión de alto presupuesto podría traducirse en una mina de oro y una experiencia digna de vivirse, en especial para los fans. Esto quedó comprobado con historias como Godzilla o Titanes del Pacífico, del director Guillermo del Toro. No obstante, y aunque no parece una posibilidad tan descabellada, esto aún es un rumor. Algo que nos hace dudar es el hecho de que Sony Pictures ha registrado varios dominios en internet con el nombre “Attack on Titan”, lo cual puede no significar nada más que una simple distribución… o tal vez se está cimentando el camino para otra cosa.

 La historia fue creada por Hayime Isayama y por ahora solo nos queda ver si la obra de este maestro podrá llegar a nuestro continente, tal y como se ha estado gestionando con otros mangas como Death Note. ¿Emocionados ante esta noticia? ¿Creen que estaremos ante una gran idea de cintas de monstruos, o se quedará como otra adaptación errada?

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Les Adieux

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Les Adieux.

He pensado incontables ocasiones acerca de las despedidas.
De tanto escudriñar llegué a una conclusión;
Ellas con su manto son idénticas a la naturaleza.
Habitan entre nubladas estepas, otras empapadas con frialdad ártica, llana y raquítica envuelven la irrepetible despedida,
las hay teñidas de color desierto, áridas y mudas,
incluso llegan a ser coléricos discursos donde lo incineramos todo,
sin embargo para otros se contemplan como alboradas,
siendo solemnes ceremonias de proporciones primaverales,
semejantes a brotes de Nardos, incesantes bríos multiplicados incansablemente durante el día y la noche.

 Yo,
las he vivido en todos sus aromas existentes,
han sido compañeras maltrechas,
otras frutos inconclusos,
algunas más coléricas que otras salpicaron mí pasado,
escupiendo una voz tempestivamente grotesca hirieron al remanente que nos queda y al cual llamamos recuerdo,  yo, tú  y algunos otros llevamos la memoria entre puñales.

Parecíamos inseparables ellas conmigo, yo con ellas,
hasta que reconocí ésas que alimentan al alma y no al remordimiento,
son ellas las ceremonias desbordadas  entre tonalidades de Abril semejantes a semillas ya germinadas.

Reconozco que:
Acerca de las inconclusas y sus tormentos,
Son ellas como un choque en el rompeolas, trance repetitivo vaivén nutrido de un frenesí doliente entre rocas.
Que con cada golpe viene una erosión irreparable.
voy plomizo ante tanta andanza y desencanto,
intento esconderme de ellas;
ya sea detrás de un inquieto arbusto, detrás de todo un continente,
sin duda,
ellas,
las despedidas siempre me encuentran y pienso:
–Todo son lecciones pues un río no canta sin su eco, yo de día/noche siempre camino con mi sombra; y aquel desolado eco de montaña no es mudo pues alimenta a todas las Araucanias, a las floridas Retamas sin llegar a olvidar al espinoso Cardo–

Así me ha sucedido,
Todos los cantos de Ceremonias me han encontrado,
me perforan,
me llegan,
me acusan,
me habitan,
las acepto y conservo en mi rincón Pardo
Al ellas desenterrarme nace una sonrisa llena de pureza, voy en plenitud despierta de todos mis sentidos,
¡destellantes!
apuntando siempre al azul cielo.
Tales ceremonias me transforman,
son la sal del océano,
el fruto del árbol,
la sangre en la herida.
Para mis ojos, somos inseparables.
Las despedidas alimento que permite seguir caminando,observando…
Meditabundo voy,
Pareciese que mi vida por momentos sólo se convierte en desprendimientos,
Ser un testigo vivencial de mi propio  desmembramiento,
tan parecida a la naturaleza misma con ojos de estruendo al observarnos,
Ella madre creadora atestiguando nuestros  lánguidos y cíclicos infortunios pues quien a muletas se traslada lleva aquel punzante peso de la herencia.
Por largos lapsos así pareciese nos embarcamos, navegamos sin mástil ni direcciones.
Confirmo que no solo de dolor se habla, existen tantas glorias pasajeras e ínfimos frutos de felicidad, aprendamos pues que:
–Ningún llanto es eterno y el desprendimiento es el síntoma vital de la naturaleza–
Ella, se fortalece en silencio,
¡lo mismo comienzo a practicar yo!
que en tantas ocasiones
he callado, tantas otras enardecí como tormenta,
sigo aprendiendo el arte de vivir, mi deseo es conquistar mí propia cumbre
Aun me falta toda otra vida para lograrlo
ya que mi montaña es tan escarpada como la cordillera andina.
Agradezco que viva esta ceremonia, este adiós pasajero, pues sin él jamás nos hubiésemos encontrado, mil gracias al inamovible pasado, a mis muertos y a los que renacieron.
Allí donde esté mi vuelo también tendrán un nido en el cual reposar apaciblemente.
Me llevo su fortaleza y su comunión,
Toda mi gratitud
Todas mi sonrisas… todos mis silencios para ustedes.

 

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Ilustraciones por: Diáfana & Niña Arbol

Breve relato por música

Desde el fin de semana pasado, la nueva temporada de Microteatro México ha comenzado de manera oficial, Por Música abre las puertas de la casa de Roble 3 en Santa María La Ribera.

Esta temporada inicia con un poder notablemente menor en su cartelera a comparación de su antecesora Por Amor. Sin embargo existe una razón muy importante para acudir. Una obra en específico que con sus limitantes 15 minutos de duración consigue enamorar a quienes entran a ella.

La clase de piano, escrita y dirigida por la talentosa y versátil Tiaré Scanda, relata la historia de una mujer de edad avanzada empeñada en aprender una difícil pieza musical para piano con el fin de ganar una apuesta basada en el amor que tiene hacia un ser querido suyo. Su maestro es un joven concertista ya retirado sin más intenciones de comprender lo que pasa en el mundo o estar en él.

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Al adentrarnos en la narrativa de Scanda encontramos dos personajes sostenidos en la delicadeza de una nota musical que puede ser continuación o fin de la melodía más esperanzadora que se pueda interpretar. Hay signos de una fragilidad que dentro de la imposibilidad que le da su naturaleza  busca proteger.

El ritmo es constante, la dirección maneja con certeza los puntos de inflexión para conmover al público y adherirlo a la trama. La historia se vuelve parte de la audiencia al ritmo que las notas van cayendo una tras otra, con un frenesí propio de quien busca desesperadamente resolver algo en su vida. El camino en esta historia es la música, como constante de la trayectoria de cada individuo.

Dentro del grato elenco que convoca la creadora destaca Marta Zamora dando alma a la mujer en una actuación enérgica y potente. El diseño de escenografía e iluminación de Rubén Bross y Constanza Hernández terminan de moldear la puesta para lograr un  espacio completo que coloca en el lugar de la historia desde que se entra a la sala.

Lo único que se puede pedir a Scanda es no dejar de producir trabajos tan buenos que dejan un gran sabor de boca.

Para finalizar, haré ahínco en dos actores de otras propuestas de esta temporada que logran brillar  través de su talento, haciendo disfrutables las obras en las que trabajan: Alonso Iñiguez, genial como un conductor radial desesperado por enterarse de último momento que el programa que está transmitiendo ha salido del aire en Radio Nocturno, junto a Valeria Vera, fantástica como una ególatra conductora de reality shows musicales en El Triste.

Hágase un favor y asista a la cátedra musical que marcará profundamente su experiencia teatral, en tan solo un cuarto de hora.

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Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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El almacén de la imagen: reflexiones en torno al arte y la historia

Recientemente comencé a trabajar dando clases en una universidad, impartiendo la materia de Arte y cultura contemporánea con la cual se pretende hacer una revisión de, como su nombre lo indica, el arte contemporáneo. El temario del plan de estudios debe iniciar desde la época del postimpresionismo, haciendo de igual manera una breve revisión del arte moderno para así pasar por fin a lo que compete, que es el arte contemporáneo, es decir, aquel que vino después de las vanguardias o que más bien parte de ellas. El reto de impartir una materia como estas radica en el hecho de que no sólo se trata de hablar sobre pintores y sus grandes obras, sino más bien de hablar de varias épocas en función del arte que se produjo durante el periodo que va de finales del siglo XIX a finales del siglo XX. El arte no debe ser estudiado de manera superficial, como si sólo se tratara de creaciones fortuitas realizadas por algún personaje con una vida anecdótica. Hablar de los padres del autor, del seno de la familia de la cual proviene, de los amigos o las relaciones amorosas que tenía, así como de su personalidad, son cuestiones apropiadas que deben conocerse para poder acercarse a una obra de arte y comprenderla más a fondo, pero no es suficiente quedarse en ese plano. El nivel de conocimiento sobre una obra es mucho más profundo, y en ese sentido puede resultar una labor titánica poder analizar un siglo de producciones artísticas en un solo semestre.

 Todo esto me llevó a reflexionar una vez más en torno al arte,  a la historia y a la imagen. Hablar de arte es invariablemente hablar de historia. Esto significa que para poder acercarse al arte es necesario contextualizar ya sea una obra, un autor o una corriente artística. Sin contexto la obra en sí misma carece de sentido. Es importante por ello, que cuando se observe una obra de arte, ya sea pintura, escultura o música, la  pensemos en función del contexto histórico en el cual se enmarca, esto es, que la pensemos como la creación de un humano influido por la sociedad de su época, por el entorno histórico en el que le tocó vivir y las condiciones en las que creó su obra.

 Uno de los primeros estudiosos de la imagen con los cuales tuve acercamiento hace casi cinco años fue el historiador inglés Peter Burke, con quien comencé a entender que la imagen tenía mucha importancia para la comprensión de la vida del pasado. De él había leído que “Las imágenes son traicioneras porque el arte tiene su propias convenciones, porque sigue una línea de desarrollo interno y al mismo tiempo reacciona frente al mundo exterior.” Tardé algunos años en entender que para analizar una imagen debía entender justamente ese “mundo exterior” del que Burke hablaba en su libro Visto o no visto. El uso de la imagen como documento histórico. Se trata sobre todo de observar las imágenes y luego estudiar el mundo frente al cual está reaccionando. De ahí que debe estudiarse el contexto histórico para comprender una obra de arte no tanto desde la forma, que claramente es importante, pero también para analizarla desde el fondo. Estudiar el arte no sólo tiene que ver con hacer una revisión de la historia política o económica de una época, sino también puede entenderse desde la historia de las ideas, desde la historia cultural o la historia de las mentalidades. Así pues, acercarse al arte o a los medios visuales del pasado sirve para ayudar a entender cómo pensaban los hombres en cierta época y en un espacio determinado.

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 Una materia que gira en torno al arte invariablemente tendrá que relacionarse con historia, sin embargo el gran reto es hacer que ambas disciplinas puedan ser provechosas y útiles para estudiantes de una carrera como Ciencias de la comunicación. ¿Cómo hacer que el arte y la historia puedan servir de algo a un egresado de dicha licenciatura y que, mejor aún, pueda llevar ese conocimiento a la práctica a la hora de ejercer su profesión? Gran pregunta que tarde un tiempo pensando. La respuesta estaba en las imágenes, debía enfocarme en las imágenes. Lo que necesitaba hacer era mostrar que las imágenes se inscriben en ciertas corrientes artísticas de cierto momento histórico y que los creadores que hacen uso de algunos medios como la fotografía y el cine indiscutiblemente se sirven de corrientes del pasado para realizar su obra.

 El ojo de pintores, escultores, fotógrafos y cineastas es un ojo bien educado, capaz de entender y hacer imágenes con el poder  de transmitir ideas y emociones. Sin embargo, para poder crear imágenes y comunicar ideas a través de ellas se necesita educar el ojo, pues a pesar de que vivimos en un mundo muy visual, también es cierto que existe un alto nivel de analfabetismo visual en nuestra sociedad. Se trata más de estudiar el arte moderno y contemporáneo desde su forma y desde su fondo con el objetivo de entrenar el ojo y la mente para saber ser observadores y creadores de imágenes. El estudio de la imagen visual, ya sea desde el arte pictórico y escultórico o desde medios como la fotografía y el cine, resultan una forma eficaz de estudiar al hombre del pasado, sino una manera de comprenderlo en el presente, y entendernos a nosotros mismos a través de este.

Toy Story 4: Una historia romantica y diferente.

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Hace ya bastantes años, Pixar nos deslumbró con una película que mostraba un tipo de animación en ese entonces no muy desarrollado y, por obvias razones, resultaba maravilloso para el público de todas las edades. Eventualmente, dicha película se convertiría en la primera parte de la que es considerada como una de las mejores trilogías en el mundo del cine animado. Efectivamente, me refiero a la trilogía creada por el maestro John LasseterToy Story.

 Luego de que la tercera y mas aclamada parte de esta saga saliera a la luz y de superar todas las expectativas de los fans, muchos pensaban que ese sería el perfecto final para dicha historia. Sin embargo, los productores de Pixar no tardaron en pensar lo contrario y a pesar de las protestas del público, llegaron a la conclusión de que la franquicia merecía una cuarta parte (¿o el inicio de una nueva trilogía?).

 Sin duda esta decisión es arriesgada, ya que se trata de una moneda al aire en la cual se juega un resultado de dos: Superar lo insuperable y crear una de las más magnánimas obras del cine de animación, o arruinar algo que la mayoría considera ya logró la perfección. Como sea, en una reciente entrevista, el presidente del estudio habló sobre la próxima película a estrenarse: Intensa-Mente, que abordará los problemas de una adolescente en un universo tan complejo y con tantas posibilidades como es el interior de su cabeza.

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 En esta entrevista dio algunos detalles sobre este proyecto, pero lo que más llamó la atención fue un interesante avance que reveló con respecto a la polémica Toy Story 4. Mencionó que el proyecto aún se encuentra en el proceso de lectura y análisis del guión; modestia aparte, dijo que están logrando una historia muy bonita y que encantará al público (esperamos). También indicó que esta cuarta parte no será una continuación del final de Toy Story 3, sino que se tratará de una historia aparte a modo de comedia romántica. En cuestiones de tiempo, si será una trama que ocurre después de la lacrimógena separación de Andy con sus juguetes, pero que esta vez será poco lo que veremos a los humanos; la historia se centrará en un romance entre los juguetes.

 Según sus propias palabras, la cuarta entrega no será parte de la trilogía… y a la vez sí lo será. Es un tanto confuso pensar eso, pero quizá lo que el estudio está tratando de hacer es una especie de OVA como ocurre muy seguido con el animé. Por lo pronto, se nos está prometiendo mucho y seguramente cuando la película sea una realidad tendrá un aplastante éxito asegurado en taquilla. Tendremos que esperar a ver qué es lo que se nos está preparando. ¿Emocionados ante una cuarta aventura de los juguetes más queridos de la pantalla?

[Galería]: Psicoactiva

Instagram: @iscamphoto

 

Comienza y de repente nos encontramos en la mitad de la nada, siento el viento en mi rostro y el tacto de tu mano sobre la mía me desbarata… me jalas de la muñeca hacía la orilla de un lago, empiezo a prestar atención al movimiento que hace el agua reaccionando con el viento, miro mis ojos grandes y difusos sobre la superficie y tú a mi lado besas mi mejilla, con ambas manos volteas mi cara hacía la tuya y siento la humedad de tus labios, un beso frenético, no quiero dejarte nunca… te abrazo con todas mis fuerzas, me prendo de ti con las uñas y muerdo tu labio, a veces me da miedo que el viento te arrebate de mis brazos, soy tan débil…

Mareado
Mareado
Vértigo
Vértigo
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Flotando

[Galería]: Notas mentales

Instagram: @isacamphoto

 

– No puedo olvidarte.

– No importa lo que haga o a donde vaya, siempre encuentro algo que me hace recordarte.
– No debo tomar-té antes de dormir.
– No debo usar el suéter que olvidaste en el armario.
– El perro se sigue echando de tu lado del sillón, es molesto.
 – Siento un vacío del lado izquierdo de la cama, no lo llena el perro.
Hundiéndome en tu recuerdo
Hundiéndome en tu recuerdo
Remolinos mis memorias
Remolinos mis memorias
Sentí que me perdía
Sentí que me perdía

Zootopia: El Nuevo Proyecto Disney

La mundialmente famosa empresa Disney, considerada por algunos como el máximo exponente de la animación, ha revelado detalles de su nuevo proyecto, el cual buscará igualar el éxito recibido en producciones como Ralph: El Demoledor (Wreck-It Ralph, 2012), Frozen: Una Aventura Congelada (Frozen, 2013), y Enredados (Tangled, 2010). Así mismo, recordemos que el estudio pasa por muy buenos momentos luego de haber logrado la codiciada estatuilla del Oscar para su último estreno, Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014).

 La nueva película de la cual se habla, llevará por título “Zootopia” y contará la historia de una conejita que ingresa al cuerpo policiaco de una ciudad habitada enteramente por animales antropomorfos. Esta premisa nos hace recordar otros trabajos del estudio similares como fue Policías y Ratones (The Great Mouse Detective, 1986) donde se parodiaba al personaje de Sherlock Holmes creado por Sir Arthur Conan Doyle. Quizá en este caso estemos ante una producción que efectivamente estará dirigida al público infantil (digo, son animales que hablan) pero con la oportunidad de una especie de thriller policiaco para toda la familia.

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 La película será dirigida por los responsables de dos de las cintas antes mencionadas: Rich Moore (Ralph el demoledor) y Byron Howard (Enredados) quienes además estarán apoyados por Jared Bush; así es, la película tendrá tres directores, sin embargo aún no se sabe quién será el responsable del guión o los actores que prestarán sus voces para los personajes.

 Hasta ahora sólo se han dado a conocer estos detalles del proyecto, así como un par de imágenes de arte conceptual. Se espera que la cinta se estrene en marzo del 2016, ¿estaremos ante otra ganadora de premios? Esperemos que simplemente cumpla con los estándares de las producciones animadas actuales y podamos disfrutar de una película que nos haga pasar un buen rato; que siendo Disney, es casi una garantía.

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La abuela del performance: Marina Abramović

La mayoría de las personas –incluyéndome hasta hace unos años– solemos asociar al arte en automático con pintura, escultura, grabado… en otras palabras: arte de índole un poco más clásico; pero entre la tecnología y la necesidad de muchos artistas de ir más allá de un simple soporte bidimensional para poder transmitir su mensaje e incluso formar parte de la obra, surgen otro tipo de corrientes derivadas del body art como el performance y el happening, que es arte en vivo y que la fotografía y el video se encargan de documentar.

 A pesar de que este movimiento surge alrededor de los años 60, el cuestionamiento acerca de si esto es realmente arte continúa, y hay opiniones completamente divididas al respecto. En realidad yo no soy una autoridad para decir si se trata de arte o no, simplemente soy creyente de que se deben tomar en cuenta todas las vertientes que el arte ofrece y generar un criterio propio fundamentado o por el simple hecho de conocer algo más a lo convencional como espectadores que somos.

 Como en cada corriente hay representantes, y una de ellas aún hoy es considerada como una de las artistas del performance más reconocidas: se trata de  Marina Abramović, considerada además como la abuela del performance y que aún hoy en día sigue vigente en el medio.

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 Por ello en 2013 sale a la luz el documental The Artist Is Present que habla y explica un poco de su trayectoria en el medio del arte; el él, ella misma relata cómo fue su niñez con padres militares y también cómo esto influyo en sus proyectos.

 Principalmente aborda la exposición que tuvo en el MoMa (Museo de Arte Moderno de Manhattan) la cual tenía el mismo nombre que el documental. Dicha exposición fue una gran retrospectiva a toda su carrera  durante 3 meses en los que treinta artistas jóvenes recrearon sus más famosos performance y ella misma estuvo ahí sentada frente a una mesa esperando a que cualquier espectador se sentara y compartieran una mirada, (de ahí el nombre de La artista está presente) que muchas veces terminaba en lágrimas, pues ella afirma que a través de esas mirada veía y sentía mucho dolor que la gente traía consigo.

 A lo largo de esos tres meses Abramović compartió una mirada con casi un millón de personas e incluso con personalidades como James Franco, Orlando Bloom y su ex pareja sentimental y compañero de performance Ulay.

El documental fue dirigido por Matthew Akers, fue nominado a Mejor Documental en el Independent Spirit Awards 2013, integró la selección oficial del Festival de Cine de Sundance 2012 y recibió el Premio del Público al Mejor Documental, Sección Panorama, en el Festival de Cine de Berlín 2012

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Ve el documental subtitulado aqui

La Artista Está Presente Trailer

 

Gestar el limbo personal

“Una palabra nos libra de todo el dolor y el peso de la vida: Amor”

Sófocles

 Hay algo especial cuando  se menciona a Gaby Muñoz si el tema a tratar es técnica Clown. Quienes han visto ya su obra Perhaps, Perhaps, Quizás…, entenderán que es una de las exponentes el género más importantes de la actualidad y orgullosamente mexicana, por lo cual es de esperarse –cómo confieso es mi caso- la simple idea de verla de nuevo en otro montaje emociona y de ahí la locura de poder asistir a el Teatro Milán de Viernes a Domingo a su segunda producción, Limbo.1964973_786793311406829_8880172671767923920_n

 La paciente Greta Merengue aguarda en la cama de un hospital. Hay un problema con su corazón, es notorio, empero, el cansancio de batallar contra su propia respiración la rinde. Más ante  su búsqueda de conciliar el sueño la aparición de un extraño personaje interrumpe su  estado, podría ser su sanador. Así, el peculiar sujeto la conduce a través de su propia realidad distorsionada para localizar en el limbo de su mente a aquellos elementos que la han orillado a depender de ese espacio para estabilizar su vida. Greta está suspendida en un viaje del cual necesitaría despertar o asumir las consecuencias de la adaptación.

 Lo que Gabriela Muñoz construye en esta nueva propuesta se siente no solo personal, sino franco a través una capacidad inventiva sensacional que deja realmente estupefacto a quien se acerca. Este el punto álgido y maduro dentro de la carrera de la actriz, la coronación tras conquistar el alma y corazón de su público, ahora viene directo hacia las mentes del mismo para hacerlas volar.

 Diversos cuadros en los que la creadora transporta e hila conectores de una enfermedad que avanza con un firme y fatídico propósito se unifican para crear imágenes poéticas totalmente transgresoras, cargadas de una fuerza avasalladora en su significación, manejándose con tanta delicadez como postura que hacen ahínco a un surgimiento de autenticidad empeñada en el entendimiento colectivo.

 Esta obra se acerca a todo aquel que haya pasado por una experiencia  de desosiego, la desesperanza que puede llegar a causar el entorno se ve reflejada dentro de una lluvia de radiografías o un árbol del cual provienen soportes para caminar. El discurso planteado no solo es inteligente, sino que reclama atención plena a cada componente.

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 La autora busca retratar en cada movimiento escénico la valía y provecho para con cada uno de sus actos simples y complejos, desde respirar a compartir, agradece a la vida al tiempo que exhorta a involucrarse en ella, Muñoz elimina cualquier cuarta pared con la sutileza de su trazo firme  o un simple sonido emitido por su mudo personaje en búsqueda de transmitir un grito de guerra para disfrutar y despertar a la vida. Planea mostrarnos la desesperación de vivir flotando cuando se pueden alcanzar más cosas partiendo desde el suelo, teniendo los pies bien plantados. No sólo lo logra, provoca una experiencia sensorial y psicológica tan profunda que envuelve a toda la sala.

 Un verdadero acto de comunión, dónde el magnífico diseño de escenográfico y de iluminación que propone Ingrid SAC devela un viaje por demás fantástico, creando planos entre espacios llenos de todo y a la vez vacíos, entendiendo que la gran carga para que el mensaje se transmita recae en la siempre genial interpretación de Muñoz, quien en esta ocasión convoca al músico Ernesto García para interpretar en escena a su guía, alcanzando una mancuerna idónea.

 Sin duda un gran acierto y pieza clave será la música de Marian Ruzzi, dentro del diseño de Salvador Félix. Cada instrumento en su propio acorde entra con precisión y dirección absoluta en los sentimientos que ilustra. La música reacciona con el ritmo de la trama, toma su tiempo, evoluciona y acciona respuestas emocionales muy fuertes, vibraciones absolutas terminadas en luz, precisamente la luz que señala el camino hacia la aceptación. Dicen que la vida sin música sería un error, vivir esta puesta sin dicho elemento hubiese sido fatal.

 No puede haber más que loas hacia el trabajo en equipo que se realiza para dar alma a esta composición teatral. Dentro de este baile uno no solo se vuelve espectador, sino danzante entre la vida. La muerte y la verdad misma. Nadie sabe con certeza quien es o que busca en la vida, esta obra invita a tomar el riesgo de descubrirlo, reaccionar a pesar del dolor, transformarlo y aceptarlo, pero no dejarse abatir. Venimos al mundo a aprender y disfrutar, no a evitar hacerlo.

 Limbo es una inquietante puesta escénica que sabe generar un concepto y una experiencia a su audiencia, reflejando en el valor del boleto la calidad de la misma producción.

 Como seres humanos que somos, no podemos evitar sufrir, o ver sufrir a quien amamos, sin embargo, por más que nuestro corazón pueda desangrar debe existir la fuerza de reaccionar hacia adelante y no en retroceso. El equipo de Limbo goza de elementos que señalan la fragilidad de la humanidad junto a su fuerza interior. Impactarse y conmoverse hasta las lágrimas es lo de menos,  cuando se habla con el alma, cada palabra se llena de gloria.

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¿Qué hora es?… ¡Hora de Película!

Las caricaturas actuales son muy distintas a las producciones de antaño. Algunos consideramos que estamos viviendo la etapa de la experimentación y el surrealismo en lo que a series animadas se refiere. Uno de los ejemplos más emblemáticos de esta era animada es la serie Hora de Avena (Adventure Time, 2010) que se transmite por Cartoon Network y que nos narra las aventuras de Finn, el único humano sobreviviente en el post apocalíptico mundo de Ooo y su mejor amigo (¿y hermano?) Jake el perro. Ambos son los grandes héroes del dulce reino y cada día es una aventura para ellos. Desde rescatar a la Dulce Princesa de los planes del atolondrado Rey Helado, hasta ayudar a la berrinchuda Princesa Grumosa a pasar sus días como adolescente.

Actualmente es una de las caricaturas más populares del canal, y no es para menos considerando el brillante concepto que nos ofrece, donde se combinan elementos como un adorable reino hecho de caramelos y aspectos realmente oscuros como la extinción humana y monstruos de pesadilla que ya quisieran muchas cintas de horror. Este éxito finalmente les ha demostrado a sus creadores que es momento de llevar a estos personajes a la gran pantalla en una cinta de larga duración.

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 Según Deadline, los productores de La Gran Aventura Lego (The Lego Movie, 2014) se unirán con Pendleton Ward para producir la película en cuestión, aunque aún no se han dado demasiados detalles al respecto. Cabe mencionar que Hora de Aventura ya había pasado por planes para una película de televisión, misma que nunca se hizo aunque la serie adoptó series más complejas que incluso necesitaban más de un capítulo para contarse.

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 Esta noticia ya ha generado una gran expectación por parte de los fans, los cuales parecen tener mucha confianza en que se hará una producción memorable. En el caso del público mexicano solo se pide una cosa más: que se respete el doblaje de voz original de la serie que incluye a personalidades como José Arenas en un esplendido trabajo como el perro Jake y Alfonso Obregón como la princesa Grumosa, entre otros talentos. ¿Emocionados ante este proyecto? Personalmente creo que podríamos estar ante algo en verdad grande, muy, muy grande.

Un refugio para la vida misma

Los seres humanos preferimos reservar nuestros lados más oscuros al convivir con el resto de la sociedad. Realmente nadie es cien por ciento transparente, pues tememos que al serlo en primera instancia podamos alejar a aquellos con los que hemos buscado o querido relacionarnos. Quizás, alejarnos hasta de nosotros mismos.

 Foro Shakespeare presenta El Refugio, de Mario Rendón, dirigida por Enrique Aguilar, los sábados. La historia plantea un mundo futurista atrapado en las percepciones del pasado, dónde la sociedad ve limitadas sus opciones de libertad. Se guarda todo para poder sobrevivir, en especial la comida. Sin dejar a un lado la constante amenaza de la naturaleza por desatar un acto imprevisto que acabe con la vida de cualquiera que se exponga a la intemperie en un momento de contención, cualquiera que no esté dentro de un refugio.

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 Dentro del panorama antes descrito, un matrimonio invita a sus amigos a celebrar el cumpleaños del anfitrión. La pareja que ostenta la celebración, junto a una de las invitadas, son heterosexuales; la tercera pareja es homosexual y no es esta la única diferenciación: son los únicos que tienen hijos.  Cuando las cosas se complican, esta reunión comenzará a tener momentos de alta tensión y desenmascaramientos que denotaran los verdaderos colores en cada uno de los asistentes, haciendo de esta una fiesta de cumpleaños inolvidable.

 Bajo la dirección de Aguilar, los personajes sostienen cada postura, promesa y deseo con firmeza uno frente al otro, logrando una buena contraposición al hablar de temas que se rodean, buscan evadir y atan. Sin embargo no es una propuesta homogénea, comienza hundida en la exposición del texto, sin focos aparentes.

 Hasta la mitad de la puesta uno podría decidir que pese al buen trazo coreográfico, el ritmo que la dirección plantea hará de esta una obra detestable, más logra dar un giro de 180 grados enteramente grato. Aguilar señala el conflicto dentro de la trama haciéndolo rugir con fuerza, hace explotar el sentido del texto para aprovecha a su equipo actoral, sin embargo esto aparece muy tarde, sin haber más ganchos previos, lo cual no limita llegar a conectar con la audiencia pero sí a distraerla o desequilibrarla.

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 El texto de Rendón marca un listado de ausencias en la forma cotidiana dónde la gente ya no muere y por eso busca un refugio para existir, irónico es que cuando el sistema ha creado un modelo de vida prácticamente eterna, la exposición a la rebelión natural sea capaz de eliminar a la sociedad. Mordaz en sus posiciones dramáticas, hay una buena intención dentro del texto al idealizar que en el mundo que ofrece un cese al sufrimiento la búsqueda de la muerte se torne intrínseca y protocolaria.

 Junto a esto, la dramaturgia hila un discurso político bien aplicado, vigente; empero, la posición sobra al encontrar que hay muchos otros textos contemporáneos que caminan bajo la misma línea. Además que no pasaría absolutamente nada si fuese omitido, ya que el análisis central acerca de cómo uno cuida lo que quiere, sin darle importancia a destruir para sobrevivir o al egoísmo consciente ya es bastante interesante para trabajar.

 Si bien el resto del elenco  parece comprender el sentido de la propuesta hasta su tercer acto, son Rodrigo Magaña y  Ximena Larrañaga quienes destacan para lograr encarnar a una esposa celosa de no poder tener un hijo por vía natural y a un marido homosexual, padre de familia, harto de dar explicaciones sobre su manifestada paternidad.

 Vale la pena acercarse a El Refugio, sí, totalmente. Este montaje busca ir más lejos de lograr  hablar de equidad y tolerancia, sino de humanidad en todos sus aspectos probables. Siendo gracias a sus aciertos impactante y devastadora al grado de cuestionar eficientemente a su público sin acorralarlo. Sin duda necesita pulirse, pero vaya, ¿Qué humano no?

Nueva Película de Dragon Ball Z


Si algo es cierto en el mundo del anime, es sin lugar a dudas que la obra de Akira Toriyama: Dragon Ball, es una de las creaciones más grandes y famosas jamás creadas en este género. Su éxito ha trascendido los años al grado de contar con una serie animada que aunque dejó de transmitirse hace tiempo, se niega a morir. Unas cuantas películas animadas, videojuegos, crossovers e incluso un par de películas en live action (bastante desafortunadas, debo decir). Pero… ¿algún día veremos el final definitivo de este concepto? Tal vez, pero Goku y compañía parecen no querer retirarse al menos por ahora.

 Ya se había hablado del rumor sobre una segunda película animada de Dragon Ball Z luego de la cinta La Batalla de los Dioses el año pasado. Finalmente es un hecho que una secuela fue creada, esta vez bajo el título de Dragon Ball: Fukkatsu no F, cuyo significado es La Resurrección de F. Esta película, como el título lo menciona, abordará el regreso del maligno Freezer.

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 Se suponía que la película llegaría a México este año, para el mes de abril si somos exactos. No obstante, recientemente se ha dicho que esta fecha cambió, ya que el estreno de abril será solamente en Japón. La cinta que es distribuida por 20th Century Fox sufrió un retraso indefinido que afectará a toda América Latina. Según rumores, el estreno en Argentina podría darse en octubre, pero se ignora si esto podrá ser en los otros países.

 Entre los rumores sobre este cambio, se dice que es una decisión de la distribuidora para no arriesgar la taquilla de la película ante monstruos como Avengers 2 la quinta parte de Rápidos y Furiosos. Pero anímense, ya que por lo menos podemos disfrutar el tráiler oficial de la cinta que acaba de ser revelado.

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Roguemos a las esferas del dragón que en un futuro no muy lejano podamos disfrutar de esta nueva aventura.

Ya nos alcanzaron las despedidas para un verdadero adiós

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Llueve y tú dices es como si las nubes
lloraran.
 Luego te cubres la boca y apresuras 
el paso. ¿Como si esas nubes escuálidas lloraran? 
Imposible. Pero entonces, ¿de dónde esa rabia, 
esa desesperación que nos ha de llevar a todos al diablo?  Roberto Bolaño

A veces quiero decirles, pero otras no. Es imposible para mí escribir sobre algo que no es real, creo que jamás escribiré fábulas, ni cuentos para niños. Por eso a veces les cuanto de qué humor anda mi emoción, pero me serena la razón y guardo en la más profundo del disco duro los escritos que describen mis últimas andanzas.

 Dejé de fumar nicotina hace ocho meses, ¿pueden creerlo? Yo no.

 Lo que antes parecía sencillo, hoy es una tormenta en cuestión de privacidad. Me siento perseguida, acusada y señalada. Los complejos familiares morales, no deberían ser una regla a cumplir. No puedo dejar que el pensamiento de un padre celoso se convierta en la norma que rija mi manera de sobrellevar los temores y los demonios.

 Dicen que cuando te drogas es porque están tratando de evadir algo, o una pista sintomática de que algo no está en orden. Puede ser verdad, o no.

 Él y yo por fin terminamos de decir adiós. Lo que comenzó como un proyecto fructífero para ambos: la despedida; al fin se culminó.

 Las despedidas por fin nos alcanzaron para un adiós.

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 Siempre pensé que cuando rompiéramos se caerían pedazos de Ana por aquí y allá, que se derramaría la aurora de mis ojos, que me sentiría miserable y todo sería terrible. Pero no, me quedé esperando a que pasara, pero no. Y se siente bien sonreír al escribirlo.

 A veces imagino cómo serán sus días, pero desisto al momento y me alejo de su recuerdo. Canto y bailo frente al espejo; contemplo mi cara, mi cuerpo tatuado, me miro bonita y pienso sólo en mí. Sonrío y sigo.

Abuelito Dime Tu: Heidi Regresa


Si son lo suficientemente viejos, o siguieron el especial del estudio Ghibli que llevé a cabo anteriormente, les será familiar una serie de anime de los años 70 que fue un gran éxito en nuestro país: Heidi, la niña de los Alpes, basada en la novela de Johanna Spyri. Esta caricatura nos relataba las aventuras de una pequeña niña que vive con su abuelo en las montañas, su mejor amigo es un pastor de nombre Pedro y su más grande alegría es pasear por los campos acompañada de su abuelo, Pedro y las cabras que cuidan; hasta que un día es obligada a vivir en la gran ciudad lejos de sus amados Alpes.

 Actualmente pudiera parecer un concepto clásico, tirándole a lo obsoleto debido a su trama infantil y tierna que el anime actual parece haber dejado en muchos aspectos, sin embargo los conocedores de esta serie sabrán que era un programa de gran calidad en animación (para la época) y en narrativa que fácilmente pudo cautivar los corazones de miles (si, hubo niñas que fueron bautizadas bajo el nombre de Heidi cuando esta serie apareció). Pero…  ¿se trata solo de un lejano recuerdo de algo que ya murió?, el canal ZDF de Alemania no lo cree.

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 Recientemente se dio a conocer que la serie gozará de un remake hecho enteramente en animación 3D o CGI. Lo curioso de esta noticia no es tanto que se hará una nueva versión de la historia (ya hay muchas versiones), sino que literalmente será una reinvención de este anime, en su momento dirigido por el maestro Isao Takahata, respetando los personajes, su diseño y probablemente hasta la trama de cada capítulo.

 La fecha de estreno será el 6 de abril de este año, sin embargo se ignora si este nuevo programa vendrá a México en algún momento. Como se puede ver en el tráiler, la serie pinta como un decente remake aunque la animación y el arte son muy básicos; quizá falta de presupuesto, quizá es el estilo que quisieron darle para conservar un poco ese estilo clásico que caracterizaba al programa. ¿Emocionados por el regreso de la pequeña Heidi? ¿O creen acaso que este remake es innecesario?

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Guía: Lo que debes saber de FICUNAM 2015

 

Podríamos narrar su historia de vida en retrospectiva y encontrar constantes que se han erigido como rasgos característicos del festival, cualidades que de a poco han conformado la personalidad de uno de los encuentros cinematográficos más formales y propositivos que podamos encontrar en el cuadrante.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) es tan joven como arriesgado. En más de una ocasión ha sido descalificado por lo poco incluyente de los títulos que comprenden su programación, aunque más bien podría asumirse como evasión a la condescendencia, apelando así a la audacia del intelecto de su público, dirigiéndose a un cúmulo de espectadores que sabe capaces, competentes.

Realizadores de cosmovisiones relativamente familiarizadas con la nuestra, de origen estadounidense y francés, hasta artífices de idiosincrasias y discursos —cinematográficos, sociales, políticos— sumamente lejanos a nuestras realidades, de nacionalidades francesa, tailandesa, lituana, japonesa, kazaja y belga, han sido motivo de retrospectivas, programas especiales y su obra, objeto de profundo estudio analítico en las distintas jornadas de actividades de FICUNAM.

La riqueza de dicha pluralidad es atribuida a la directora, Eva Sangiorgi (Italia), quien también ejerce como programadora, secundada por Roger Koza (Argentina) y Sébastien Blayac (Francia). Estos tres individuos, con presencia en festivales de cine de distintas partes del mundo, poseen un extenso panorama del quehacer cinematográfico mundial que, en conjunto, alcanzan notables resultados, mismos que año con año logran la solidez en la oferta del citado certamen.

2015 es el año en que FICUNAM alcanza su primer lustro de vida y, como tal, amerita una celebración en grande. A continuación te precisamos los pormenores de lo que debes saber.

¿Cuándo?

Los días de vida del Festival en la ciudad correrán del 26 de febrero y hasta el 7 de marzo.

¿Dónde?

La lista de sedes incrementa año con año. Las salas de cabecera son las cinco ubicadas en el Centro Cultural Universitario (Miguel Covarrubias, Juan Ruiz de Alarcón, Julio Bracho, José Revueltas y Carlos Monsiváis), aunque fácilmente podrás encontrar algún spot que mejor te acomode, de acuerdo al punto de la ciudad en que te encuentres.

FICUNAM tendrá proyecciones en el Auditorio IFAL, Centro de Cultura Digital, Cine Tonalá, Casa del Lago, Cinematógrafo del Chopo, Casa del Cine, Cinépolis Diana, Cineteca Nacional, en las cuatro Fábricas de Artes y Oficios (FAROs) —Oriente, Milpa alta, Tláhuac e Indios Verdes—, así como algunas funciones especiales en espacios como el estacionamiento 4 del CCU (Autocinema), el Auditorio del Museo de Antropología, el Museo de Numismática Nacional y Plaza Loreto, en el centro de la ciudad.

Proyecciones

Durante esta quinta edición se exhibirán 137 títulos, de los cuales 4 son estrenos mundiales, 7 estrenos internacionales, 47 estrenos latinoamericanos, 45 estrenos mexicanos y 10 estrenos en la ciudad de México.

Secciones de Competencia

Competencia internacional: Se integra por directores relevantes de la cinematografía mundial. Compiten desde afianzados autores hasta cineastas en ascenso. Podrás encontrar títulos de origen brasileño, alemán, kazajo y uno representante de México.

Ahora México: Exhibe el trabajo de calidad de origen mexicano. Se proyectan estrenos mundiales de cine independiente nacional, por tanto, es un escaparate de las nuevas tendencias cinematográficas gestadas en el país.

Aciertos. Encuentro de Escuelas de Cine: Como su nombre lo indica, es un espacio dedicado a la muestra del trabajo de estudiantes de cine de Iberoamérica. Se dan cita producciones tanto de escuelas del interior del país (Universidad de Guadalajara, CCC), hasta piezas de Brasil (Universidade Federal Fluminense), Portugal (Escola Superior de Teatro e Cinema) y Argentina (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

Secciones Fuera de Competencia

Manifiesto Contemporáneo: Dedicado al trabajo de los grandes artífices activos de la cinematografía mundial. En esta ocasión se reúnen producciones de Francia, Portugal y Filipinas, entre otras coproducciones.

El Porvenir: Es un espacio dedicado a los autores en formación que, con su trabajo, construyen el “cine del futuro”. Es en donde se proyectan las apuestas más ambiciosas del Festival. Para 2015 se enlistan largometrajes de orígenes alemán, estadounidense, argentino y francés, entre otras coproducciones.

 

Retrospectivas

Sin duda una de las cartas fuertes y más atinadas del Festival a cada una de sus ediciones. En esta ocasión se tendrán cuatro, en torno a cinco realizadores.

Sergei Loznitsa: De origen ucraniano, se formó en las ciencias exactas (Matempaticas y Ciencias) antes de estudiar Cine de manera formal. Principalmente enfocado a la corriente documental y con apenas un par de largometrajes. La retrospectiva contará con 17 títulos y el realizador estará presente en diversas funciones para conversar con el público.

Raymonde Carasco y Régis Hébraud: Ella, historiadora y filósofa; él, fotógrafo y editor. Su obra destaca por el hecho de que ambos realizadores, de origen francés, llegaron a México en busca de aquel atractivo que Eisenstein y Antonin Artaud habían encontrado aquí. Dicha indagación se aterrizó dentro de un enfoque 100% antropológico, culminando en un testimonio gráfico que documenta el modo de vida, rituales y tradiciones de la cultura tarahumara. La retrospectiva contará con 19 títulos y Régis Hébraud estará presente en algunas funciones.

Carlos Mayolo: De origen colombiano, de Caliwood. Sumamente aclamado en su país aunque difícilmente reconocido fuera del mismo. Su filmografía, de corte documental, empodera la marginación social latinoamericana como motivo de curiosidad y asombro dignos de llenar las pantallas de cine de países europeos, acuñando así el término «pronomiseria». La retrospectiva contará con 10 títulos y Luis Ospina, también de origen colombiano y quien dirigiera varias películas al lado de Mayolo, estará presente en el Festival.

Ali Khamraev: Uzbeko, y citado como uno de los grandes sobrevivientes de la Nueva Ola de Cine Soviético. Su trabajo fue filmado, principalmente, en la década de los sesenta. Desde entonces y hasta ahora, ha incursionado en la comedia romántica, el melodrama, el drama realista y el político. La retrospectiva contará con ocho títulos y con la presencia del citado director.

En el marco de la quinta edición de FICUNAM habrá también funciones especiales, un programa especial de cortometrajes para niños, conferencias magistrales, mesas de discusión y presentaciones de libros.

La oferta de actividades es amplia, y realmente dista mucho de lo que puedas hallar en otro lugar. Año con año, FICUNAM refrenda su status de osadía y vanguardia al traer a la ciudad una curaduría de títulos auténticamente inéditos, con nula distribución en el país, logrando así la apertura de brechas y creación de puentes de oportunidad que más tarde comienzan a verse reflejados en la creciente pluralidad de los espacios alternativos de exhibición cinematográfica.

Sin más que la evidente y calurosa invitación a atender la cita fílmica de la Universidad, te dejamos con el cineminuto oficial.

| Para más información consulta el sitio oficial, o descarga la aplicación oficial del Festival, disponible en tiendas digitales

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

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Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Especial Laika: Los Boxtrolls


Llegamos al final de este brevísimo especial, y lo hago hablando de una cinta que en su momento pasé por alto su respectivo review debido a causas de fuerza mayor. Se trata de la cinta, actualmente nominada al premio Oscar en la categoría de mejor cinta animada, Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014). Esta película es amada por muchos y no tan aceptada por otros, hay quien dice que se trata del trabajo más flojo de Laika y quizá lo es en el sentido de que cuenta con una historia más sobria, tiene menos elementos de crítica social y elementos surrealistas para centrarse en una suerte de cuento infantil cuyo única función es entretener. No obstante, debo decir que me incluyo en la lista de los que disfrutaron ampliamente la película y personalmente esta es la que más disfruté y con esto no digo que sea la mejor película del estudio, simplemente son gustos diversos.

La película nos habla de un pueblo que es aterrorizado por un grupo de criaturas que se esconden en las alcantarillas y que usan cajas de todas formas, tipos y tamaños como vestimenta. Estos entes son famosos por robar cosas a los humanos, siendo un bebé el tesoro más valioso del que se tiene noticia y el motivo por el que todos odian a estos monstruos al grado de crear un grupo especial para cazarlos y eliminarlos. Todo mundo cree muerto al bebé raptado, sin embargo ignoran que el niño en realidad fue adoptado por estos seres y criado como uno de los suyos. Los años pasan y llega el momento en que Huevo (el niño) debe salir al mundo, descubriendo cuan similar es ese mundo con su persona y el lado bueno de los humanos; aunque por desgracia, también el malo.

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La historia podría recordarnos la historia de Rudyard Kipling, El Libro de la Selva, y la premisa podría ser sencilla, sin embargo se trata de una película muy bien lograda con una historia sencilla pero contada de forma muy adecuada. Tiene una carga emocional e incluso secuencias de acción que cumplen con creces, pero es el trabajo de animación el que destaca en este trabajo. La animación stop motion es una de las mas tardadas y complicadas de hacer, y esta película se luce en este estilo. Desde secuencias donde vemos a los personajes cayendo por una pendiente con una fluidez impresionante, hasta las expresiones totalmente bien logradas, esta película es una delicia para aquellos que gustan de analizar el trabajo detrás del entretenimiento.

Si tienen la oportunidad de ver la película en inglés, cabe destacar el extraordinario trabajo del actor Ben Kingsley interpretando al villano de la historia. La voz de este gran señor le da un toque de elegancia y carisma que aunado con la malignidad que le da al personaje resulta irresistible. La película fue dirigida por Graham Annable y Anthony Stacchi y está basada en la novela de Alan Snow llamada “Here Be Monsters!”.

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Como mencioné antes, es una película incomprendida e incluso minimizada en comparación con los dos titanes que la precedieron. Se trata de una propuesta más sencilla, pero sin duda hecha con cariño. El único detalle que no me parece sobresaliente, de hecho algo incomodo, es el diseño de algunos personajes (igual que con ParaNorman). El personaje de Huevo, por ejemplo, tiene un hermoso diseño cuando es un bebé y cuando crece mantiene cierto encanto, de hecho es uno de los personajes cuyo trabajo de expresión me gustó más, no obstante hay algunos cuadros donde su rostro me parece extraño, incluso deforme.

Pasando eso, considero a Los Boxtrolls como una película ampliamente recomendable, perfecta para el entretenimiento familiar y muy disfrutable si se quiere ver una excelente animación o simplemente disfrutar un cuento. No indaga mas allá de lo que ofrece como ocurrió con las dos cintas anteriores de Laika, pero es una gran opción en animación, e incluso puedo decir que no me molestaría que fuera la gran ganadora del Academy Award este año (aunque honestamente dudo que lo sea.)