De lo tóxico y la familia en convergencia indefinida

“La gente te inspira o te desangra, elige sabiamente”

HANS F. HANSEN

Una mujer, esposa y madre de familia, ha sido víctima de una especie de ataque terrorista suscitado dentro de un autobús; no se sabe con certeza que ha pasado pero ella siente cómo su cuerpo ha recibido el impacto de una toxina que la va deteriorando tras haber notado a un individuo de piel oscura sospechoso a bordo de la unidad móvil en la que viajaba; mientras quita de ella cualquier voluntad para seguir adelante. Sus hijos han vuelto a casa luego del suceso, su esposo toma de su mano a cada instante. El camino comienza para afrontar los hechos o sumirse en el traumatismo.

 Foro Lucerna abre su siempre cálida puerta a Tóxico, de Greg MacArthur, dirigida por Hugo Arrevillaga Serrano, para permitir la exploración de una historia que se construye a través de la percepción individual sobre un suceso posible a resolverse en terrorismo, histeria, paranoia racial, esquizofrenia o sencillos infortunios sumados en la realidad de una familia chocando ante la vulnerabilidad.

 Aplicable a una sociedad actual que se trabaja dentro y a partir de la incertidumbre en todos los aspectos que la componen, la aparición de esta pieza resulta valiosa para dar un espejo  la desesperación colectiva que pueda mostrar la crudeza de la propagación de la negatividad.

 El relato de McArthur devela  los límites de la percepción psicológica hacia lo que acontece en el mundo exterior, partiendo del quiebre del pilar del modelo familiar tradicional. Al deshabilitar y deteriorar a la madre la familia, esta última entra en una reacción natural de protegerle, sin embargo ¿Qué aspectos aborda la posición natural cuando el esquema de avance se estanca iniciando el retroceso?

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 La dramaturgia amplía el reto de la percepción de la realidad hacia la necesidad de resolver los verdaderos valores que conforman al estado egoísta en el ser humano, cómo este se logra diferenciar de la asimilación, del  avance. Al presentar al cuadro de personajes que acompañarán a la mujer sobre  las asperezas del momento, el autor brinda a cada uno la individualidad dentro de un círculo que aparentemente debe ser homogéneo. El conflicto existe, pero más que reunirse para tratarlo habrá quien, sin darse cuenta, se envuelva con él o busque  la puerta de salida para respirar.

 Valorando íntegramente el discurso del dramaturgo, Humberto Pérez Mortera traduce el texto con cuidado de hacer totalmente asimilable el lenguaje sin perder el contexto de los traumatismos sociales producidos tras aparatosos incidentes terroristas en el mundo, de entre los cuales destacan notablemente como influencias, la caída del World Trade Center en EUA y los atentados del 11-M.

 Trasladando la necesidad del autor por tratar la propagación de los sentimientos tóxicos entre las personas, Hugo Arrevillaga acerca a la obra dentro de un tono realista que apunta con precisión las palabras clave para entender no solo las cualidades y psicología de los elementos a juego, sino también aquello que no se está diciendo.

 Lo último descrito se alcanza en primera vía mediante la  idealización del espacio. La dirección toma el concepto de la mesa familiar como eje para narrar las formas en la que cada integrante de conduce. Este código bellamente planeado y coreografiado aporta las imágenes más crudas  igual que potentes de la puesta a partir de la simpleza resolutiva en escenografía (de Auda Caraza y Atenea Sánchez) para lucir el acompañamiento de la palabra.

 Es aquí donde uno comprende la importancia que conlleva el legado de Arrevillaga, el director no solo se aleja una vez más de la línea melodramática para presentar un concepto mayormente crudo, de una factura difícil al espectador pues no conlleva amabilidad para tratar las dificultades eventuales de la historia (Aquí y ahora, Antes Te Gustaba La Lluvia, Clausura Del Amor). Esta capacidad de dar vida a los textos que maneja de una forma estética, orgánica, honesta y directa es la verdadera característica que podría hacer a alguien aseverar que la manufactura viene de Hugo Arrevillaga, no su complicidad a autores específicos.

 A nivel de iluminación la obra destaca por generar espacios definidos y con sustancia a través de movimientos claros y ligeros, que avanzan junto al buen ritmo planeado, amalgamando la circularidad que la puesta alcanza en sí misma.

 Dentro de el cuerpo actoral, Gabriela Murray logra un trabajo muy bien construído para externar la rabia, desesperación, molestia e incertidumbre que Elena, la madre afectada, sufre. La interpretación captura la fragilidad necesaria como autodefensa incrementando a la par el dañino sistema de creencias que la va convenciendo de estar envenenada. Aquí hay una mujer afectada y este es solo el primer cuadro. Uno puede convertirse en su propio veneno, Murray proyecta con suma posición dicha sentencia.

 Para dar soporte a la actriz, Víctor Huggo Martín edifica al personaje del esposo como un punto de inflexión en medio del caos. El desenvolvimiento del actor permite apreciar la auténtica destrucción mental que provoca estar en contacto con una problemática de manera directa. María Gelia Crespo apoya a la trama con 3 actuaciones fuertes y de sustento valioso. Ana González Bello da una grata actuación, mientras que Andrés Torres Orozco simplemente transporta a su personaje en Sedientos de obra, he aquí el único detalle de dirección-cast.

 Tóxico representa una de las propuestas más valiosas de la cartelera actual. Un llamado a la fuerza interior y a la individualidad aceptada dentro de un núcleo compartido, asegurando desde la taquilla su valor monetario.

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[Poesía]: Extraños

soledadesTú y yo,
los dos,
los extraños.
Tú la extraña, yo te extraño.
Nos preguntamos sí ¿Ha sido todo?
¿El mundo es de otra forma y no  es de nuestro modo?
Nos miramos de la manera más cruel. Extrañándonos. Aunque estemos ahí. A un costado del otro, Paseándonos juntos o separados. ¿Por qué te extraño, yo el extraño, que nunca antes extrañó?
A ti , a la extraña , que nunca extraña al extraño que la extraña.
Y es que extrañarte es sentir la dulce agonía de la ausencia de nada.
Él y tú me chingaron.
Como la noche al día La luz me quitaron.
Él: el tiempo
Tú: mi vida.
Y qué es la vida sino olvidarte.
Y qué es la muerte sino quererte.

De Broadway a México: Los Locos Addams

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Definitivamente no te puedes perder las últimas presentaciones de Los Locos Addams, el exitoso musical de Broadway estrenado en 2010, cuya adaptación en México produce Tina Galindo y Claudio Carrera.

 Con las actuaciones de Susana Zabaleta y Jesús Ochoa en los papeles de Morticia y Homero, y otros 30 actores en escena se revivirá esta aclamada historia que es conocida por chicos y grandes. La música y letras son de Andrew Lippa y el libreto de Marshall Brickman y Rick Elice.

 Tienes hasta el 18 de enero para poder disfrutar de este magnífico evento en compañía de tu familia, ¿dónde?, en el Teatro Insurgentes (Insurgentes Sur #1587), compra tus boletos aquí.

24Hrs o 10 Al Milán

Tiene un tiempo que no piso el Teatro Milán (admito que exagero pues tal vez la lejanía no sobrepase al mes y medio), lo cual me consternó al enterarme de un maravilloso plan que se ejecutará este diciembre 17, por primera vez en México, The 24 Hour Plays.

 Hace dos décadas más o menos, en la ciudad de Nueva York se inició este concepto teatral que reúne a dramaturgos, directores y actores para generar una serie de 6 puestas en escena sobre un tiempo límite de 24 horas. La mecánica es digna odisea cronometrada: todos los involucrados (que hasta entonces no se conocen) se dan cita a las 11 pm del día anterior al estreno, tras la pequeña convivencia solo los dramaturgos quedan, realizan los textos y asignan elencos. A las 7 am vuelven los directores para leer las obras y comenzar el montaje de cada una, con actores ensayando en tiempo récord y creativos frenéticos en la construcción escenográfica de cada una.

 Tras la faena, a las 9 pm en punto se presentarán por única vez los productos obtenidos del ambicioso plan. Se antoja simplemente imperdible, así que no queda más que apartar la fecha y correr por los boletos.

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 Pero The 24 Hrs. Plays significa más que uno de los mejores experimentos aplicables a la escena teatral mexicana contemporánea, es también un cierre exquisito para las operaciones del recinto re-inaugurado el pasado marzo, que sin duda se ha enmarcado en un tiempo sumamente corto –además de heroico- como exponente esencial de la cartelera.

 A partir de dicha afirmación, junto a la gran satisfacción que me ha dejado el ver puestas como Aquí y ahora, Perhaps, Perhaps, Quizás o Godspell, he decidido proponer varias puestas que merecen ser montadas en nuestro país, en un recinto tan bello como eficiente, que no podrían encontrarse mejor acogidas en otro lugar. Llamémosle: Top 10 de obras a considerar para el Milán y su hermano Foro Lucerna:

10.- COMPANY

Tras ver Godspell sólo pude imaginarme otro musical al momento que se pudiera realizar con tal calidad y proximidad. Company no sólo es uno de los sellos distintivos de la carrera de Stephen Sondheim, es una obra perfecta para hacerle justicia al autor en nuestro país, sobre un escenario tan íntimo como ideal para hablarnos de las relaciones humanas y su complejidad llegada la edad adulta. Seamos honestos ¿A quién no le agradaría la idea de ver a un actor como Mauricio Salas derrumbando en aplausos el lugar tras una rendición de Being Alive?

9.-MENDOZA

Una temporada más de esta fantástica adaptación de Macbeth, producción de Los Colochos Teatro no le caería nada mal al Foro Lucerna. La fenomenal visión de Juan Carrillo y Antonio Zúñiga  sobre el mundo Shakesperiano adaptado al México revolucionario encontraría una guarida excelente en el foro del inmueble. Dejando huella como una de las más poderosas adaptaciones mexicanas de los últimos años que lejos de extinguir su éxito solo se aviva más.

8.-LA OBRA DEL BEBÉ

Este 2014 Edward Albee renació en la sala del Foro Chapultepec con ¿Quién teme a Virginia Woolf?, obra fuerte, controversial e icónica.  En esta entrega el autor retoma el modelo de confrontación de una pareja joven frente a una madura para cuestionar la realidad en un terreno de juego delimitado por las necesidades y las esperanzas de la inocencia.  ¡Que comience el festín psicológico!

7.- INCENDIOS

No hay mucho más por decir de un montaje que enmarca tanto la mejor realización dramatúrgica de Wajdi Mouawad, como la mejor dirección de Hugo Arrevillaga y la actuación que consolidó a Karina Gidi como una de las mejores actrices que México puede presumir tener en la actualidad. Un lugar como el Foro Lucerna es el indicado para desplegar la fuerza dramática de la obra junto a la alta sensibilidad que genera. Además de el pretexto perfecto para vender pañuelos desechables en la taquilla.

 6.-HEATHERS

Otro musical que luciría tremendamente bien sobre el escenario del Milán. Esta adaptación de la famosa cinta estelarizada por Winona Ryder tuvo una exitosa temporada Off-Broadway este año. Una producción divertida, cruda, satírica  y con una  tremendamente contemporánea historia acerca de las presiones sociales de la adolescencia. ¿Quién podría resistirse a la oscura abuela de Mean Girls en un soundtrack inolvidable?

https://www.youtube.com/watch?v=p2NIc-mluQM

5.-EX, EL PASADO NO ES LO QUE ERA

La más reciente producción de Puño De Tierra tiene todos los elementos para ganarse un lugar en la marquesina del Milán: elenco, texto, dirección y la certeza de poder conquistar mediante su cómica dramaturgia a cualquiera que se deje envolver en esta búsqueda de la identidad a través de los escombros del pasado. Una obra que cierra el 2014 con una temporada muy breve, pero que aquí merece brillar y apoderarse.

4.- LOS HIJOS DEL PROFETA

Imaginen este panorama: una familia de ascendencia libanesa, viven en una serie de catastróficas desdichas desde el primer día que sus ancestros pisaron América, hasta ahora la lista suma una lesión física que desarticulará un sueño profesional y la muerte del padre. Irónicamente, son parientes lejanos del escritor Khalil Gibran, autor del famoso libro de inspiración y superación personal “El profeta”. En este escenario, el dramaturgo Stephen Karam propone analizar las bases del sufrir humano ¿Porqué, para qué y cómo es que realmente logramos apoderarnos del sufrimiento? Pese a sonar tremendamente densa, esta es una tragicomedia deliciosa que por supuesto adopta forma campeadora al imprimir  la crítica social con franqueza. ¿Alguien dijo Alfonso Cárcamo para director?

3.-LOS ÚLTIMOS 5 AÑOS

Dos vidas que se unieron durante 5 años cuentan sus historias al mismo tiempo, una en orden cronológico, la otra no. Él es novelista, ella actriz, los dos pensaron que el amor duraría, pero no fue así, en realidad tal vez sólo fue un concepto que hicieron grande por media década, sin más ni más. Andrés Zuno + Majo Pérez como protagonistas, sumen una dirección como la de Lorena Maza y la magia flotará por sí misma.

2.- EL JUEGO QUE TODOS JUGAMOS

Por medio de un poco ortodoxa compañía teatral ficticia, Alejandro Jodorowsky parodia y critica con precisión en su obra las formas múltiples de comportamiento en los seres humanos según se den las circunstancias. Atina a recordar a la audiencia que la verdadera solución al cambio se genera por la acción social que comienza en cada individuo. Bien montada, en el Foro Lucerna estaría dando apertura plena a un diálogo de confrontación mutua para el bien común. Este sencillo detalle la volvería fantástica en la desquiciante realidad socio-política de nuestra nación.

1.- CRISTALES ROTOS

Haber presenciado a  los dueños del inmueble, Pablo Perroni y Mariana Garza, ejecutando impecables trabajos actorales bajo la guía de Hugo Arrevillaga en Aquí y ahora, provoca una necesidad absoluta de querer ver a la pareja de nuevo en el escenario a como de lugar.

Propongo un reto escrito por Arthur Miller. Cristales Rotos es la  historia de un matrimonio judío enfrentando una extraña enfermedad de la esposa que la tiene paralizada de repente de la cintura hacia abajo. Situada en los años 30’s, es una ventana que expone los efectos de la segunda guerra mundial sobre los miembros de la sociedad a los que atacó principalmente, así como las repercusiones que derivaron en sus vidas y comportamiento.

He aquí las propuestas, empero de si alguna es escuchada solo debemos esperar enormes títulos provenientes de la cartelera del magistral recinto en el año venidero. ¡Larga vida al Teatro Milán!

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Palabras breves: Sandarti se vuelve mago

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Si no han visto Wicked, ya no hay excusa alguna para  dejar de asistir al Teatro Telcel. Están ya en la recta final y para conmemorar dicho suceso arrancan un ciclo de actores invitados a este musical. El primero de ellos es, créanlo o no, Héctor Sandarti como El Maravilloso Mago De Oz.

¿Sandarti? Sí, el conductor estará los jueves en el papel que regularmente ejecuta Paco Morales. Sabemos que el también actor tiene un carisma innegable, lo cual lo ha colocado en el gusto del público desde su primer aparición en TV, conocemos además su capacidad histriónica (Orgasmos, Toc Toc), pero como cantante no tenemos registro alguno de él, al menos no en este país.

Y bien, siendo honestos el personaje del mago no requiere de una potencia vocal específica o un rango amplio, tan solo que pueda cantar pero que tenga una presencia poderosa a la par de un carácter dulce. Por lo cual debo decir que el señor Héctor Sandarti no hace un mal papel dentro de esta obra, es más, resulta agradable y bastante simpático.

Diferente a los magos que interpretan Paco Morales y Beto Castillo, comenzando por el tono de ingenuidad que envuelve su interpretación, esto último me pone en duda de si en verdad interpreta o tal vez es inseguridad denotada; sin embargo, el actor logra sacar adelante sus interpretaciones  y conectar tanto con el resto del ensamble como con el público que lo recibió con aplausos ensordecedores este pasado 25 de septiembre en su primer función.

La puesta sigue tan sólida como cuando inició su exitosa temporada hace ya casi un año. El despliegue de talento mezclado con un libreto y música impecables invitan al espectador noche tras noche a presenciar una calidad que hasta antes de esta puesta no se había visto en nuestro país. Ahí radica la importancia de asistir.

En conclusión, ver Wicked sigue siendo obligación para los amantes del teatro, más aún quienes idolatran los musicales. Héctor Sandarti no decepciona, es más, es una sorpresa agradable.

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Sobrevivir, ahí está el coraje

“PA’ QUEJAS ESTAMOS BUENOS, PERO PARA ACCIONES NO TANTO”

Si nos adentramos a indagar acerca del pasado bélico de la humanidad a través de los años llegaremos al panorama árido y desolador de la Guerra de los 30 años acaecida en Europa de 1618 a 1648. El detonante sería le religión y du división de partidarios” a la reforma y la contrarreforma Romano Germánica, pero las potencias rivales llevaron el conflicto a un nivel tal que determinó gran parte de la división y situación actual de la unión Europea. Una cruenta batalla que cobró el 30% de la población tan solo en Alemania.

 Es necesario conocer la guerra para poder hablar fluidamente de ella. Bertolt Bretch, un dramaturgo Alemán cuyo impacto en el teatro de los siglos XX Y XXI es imprescindible, fue médico durante la Primera Guerra Mundial y perdió a su hijo en la Segunda. Partidario convencido de los ideales comunistas con Marx como guía primario, Bretch vivió el exilio Nacionalista, tomó su experiencia para analizar  los orígenes y las intervenciones al conflicto bélico que lo había separado de su primogénito y plasmó su crítica en uno de los textos político-históricos más importantes del teatro moderno: Madre Coraje y sus hijos.

 “CUANDO EL OFICIAL ES BUENO NO SE NECESITA DE VALIENTES”

 El autor presenta a una astuta vendedora ambulante que lleva su carreta junto a sus tres hijos a través de la guerra, sorteando las diferencias ideológicas y sacando partido de las necesidades que dejan los enfrentamientos pero el precio que debe pagar solo es equiparable a lo que para ella tiene valor ponderante a su viejo carromato, sus hijos. 

 Tras la intrépida y excelente dirección de Iona Weissberg y Aline De La Cruz, Teatro UNAM ofrece una visión diferente de la obra de Bretch en el Teatro Juan Ruiz De Alarcón. Convertida en un musical, Madre Coraje y sus hijos es adaptada a la época de la Revolución Mexicana. Allí, Ana María de los miedos arrastra su carreta atravesando el conflicto desde el golpe contra Porfirio Díaz al movimiento zapatista.

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 Una de  las características de la obra de Bretch es incendiar en el público el razonamiento con la información ofrecida, motivarlo a sacar sus propias conclusiones, denotando la posición de los hombres como simples elementos en uso sin fin o valor para quienes crean la guerra a través de esta pieza. Las directoras encuentran la oportunidad de relacionar  esta información bajo la pregunta clara: ¿Han servido para algo las guerras?, específicamente ¿La Revolución Mexicana?, ¿Algo cambió, se mejoraron las cosas? Y si la respuesta es sí ¿Por qué entonces seguimos en conflicto?

 No hay posturas políticas, Madre Coraje es la solución pobre pero eficaz a las necesidades de los revolucionarios, a quienes quieren respuestas. Demuestra condiciones de la actualidad y siempre que simplemente son escalofriantes, dónde el poder calla al intelecto y sobrevivir es una esperanza no implícita para ejercer un oficio como el periodismo. La fraternidad que Francia promovía con su respectivo acto revolucionario no es más que una utopía. El tiempo es inclemente y exige empeñar el alma, unirse a la corrupción, agachar la mirada, entonces un número musical se alza glorioso y declama “Cómo si al estar callado la verdad no nos dañara”.

“AQUELLOS QUE INICIAN LAS GUERRAS SON LOS QUE CONVIERTEN EN BESTIAS A LOS HOMBRES”

 Bajo una adaptación sublime no solo se ejecuta una traspolación correcta entre localidades, sino que hacen acto de presencia la picardía mexicana y los guiños a la actualidad para poder comunicar el discurso de la puesta de manera efectiva y convincente. Entre broma y broma las líneas duras penetran como puñales abriendo la tensión en el público y mostrando un espejo social palpable.

 La guerra es un negocio que no fallece, va a volver y la paz es una palabra más del diccionario. Los problemas reales de la sociedad como la pobreza, el analfabetismo, la venta del patrimonio se cocinan en un segundo plano despreciando a la falsa cultura al tiempo que se cosecha la desesperanza.

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 Pero lo plausible de esta obra va más allá del discurso político o de identidad social. Conocemos a una figura materna que podría ser cualquier madre mexicana, una mujer luchona que no le importa ser dura con sus decisiones para ver por el bienestar de su familia. Madre Coraje ha visto el funesto futuro de sus hijos, pero llegará entera hasta el final para afrontar la guerra y vivir de ella, aun cuando conservar a sus hijos ajenos al panorama resulte más que incongruente.

 Sin duda este es el musical del año para nuestro país. Corridos creados del texto original con uno que otro adorno musical moderno llevan el hilo conductor de la historia, bajo la batuta de Mario Santos las canciones entran con precisión y aprovechamiento, son pegajosas, nutren e invitan a unirse en unísono a la protesta expuesta. Tal como deben hacer las intervenciones musicales en el teatro musical estos pasajes aparecen cuando el discurso simplemente dicho no basta para externar los sentimientos, las reglas se cumplen y se siente en el público, de ahí la buena recepción.

 En los niveles de escenografía e iluminación, la obra se antoja exquisita y así se sirve a la mesa. Sergio Villegas diseña un aparato escenográfico entre un giratorio, la carreta multiusos, telares con bellísimas estampas mexicanas sujetas a transparencias que permitan una isóptica favorable y más elementos que con limpieza y simpleza llenan cada cuadro sin opacar a los actores o ponderar. Es un organismo de acompañamiento (como debe ser) orgánico que se funde en total complicidad a la iluminación de Xóchitl González, quien sabe que es lo que hay que ver en escena y lo señala, desarrollando transiciones y climas  bastante buenos.

 El vestuario de Emilio Rebollar no se queda atrás, mezcla identidad revolucionaria con toques actuales permitiendo aún más unificación entre trama y contexto.

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Fotografía: Daniel González

 Para presentar la puesta, el telón anuncia “La excelente obra de Madre Coraje y sus hijos de Bertolt Bretch, una revista de la supuesta revolución”, así un presentador con toques de stand up (algo raramente bien realizado en nuestro país) a cargo de un genial Artús Chávez nos conduce escena a escena. Alejandra Ley como Madre Coraje alcanza la plenitud y consagración en su carrera actoral, encarna con seguridad y empatía las necesidades cómicas y dramáticas en un timing y tonos perfectos. Es sensible, auténtica y franca con su admirable trabajo que ejecuta con fuerza y dinamismo sobresalientes.

 Acompañando a los actores hay correctas actuaciones de un gran elenco: Rodrigo Murray (si bien no posee una voz privilegiada al canto se defiende y complementa con su actuación), Alondra Hidalgo (quien sin decir una palabra es capaz de conquistar a la audiencia), Emmanuel Cortés, Alberto Carlos López, Eugenio Bartilotti, Lorena Martínez (con una genial interpretación de una socialité francesa que evoca y tiene bases indiscutibles en Betty BO5, famoso personaje de la también actriz Alejandra Bogue), Omar Saavedra, Joana Camacho y Larisa Urbina (A esta última destacaré por ser el miembro del ensamble con mayor aptitud vocal y por robar cuadro aliviando tensión en un homenaje al famoso grito telenovelero de ¡Maldita lisiada!).

 No cabe duda que cuando se tiene claro el panorama desde la dirección y se congrega a un equipo creativo que comprende las necesidades y se identifica se generan trabajos maravillosos como este. No hay una sola acción dramatúrgica de Juan Alberto AlejosOmar Mattar que no se adecúe al público y no se reciba con agrado. Una obra que merece seguir mucho tiempo en cartelera, cambiar de teatros si es necesario. Madre Coraje es contestataria, deber de todos es escucharla.

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