La cuiriosidad de los números primos

Tanto había oído hablar del éxito de “El Curioso Incidente Del Perro A Media Noche”: de su calidad, de sus actores, de que si se ganaron un APT  (Premio de la Asociación de Periodistas Teatrales) a la obra del año, que no podía quedarme así con los brazos cruzados, tenía que develar ese misterio, personal claro.

 Christopher John Francis Boone es un adolescente  de  15 años, 3 meses y 3 días de edad. Vive con su padre en Swindon, Inglaterra, su madre murió hace no mucho, no le gustan los colores amarillo y café (su color favorito es el rojo), tiene una rata mascota llamada Toby, le encantas las matemáticas y no le gusta hablar con extraños. Por cierto Christopher tiene síndrome de Asperger.

 Entre las características del síndrome antes mencionado se encuentran: dificultad para socializar, ser empático y expresar sus sentimientos, sensibilidad en sus sentidos y una forma particular  de moverse y entender la lógica del mundo. No entiende de expresiones coloquiales, sarcasmos o bromas (toma su significado directo). Pero a cambio es un muy buen observador de una memoria envidiable.

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 El perro de la señora Shears fue asesinado a la medianoche, es un crimen que necesita ser resuelto, pero que nadie considera necesario, excepto Christopher, el emprenderá una investigación criminal para descubrir al asesino, sin imaginar que encontrará más cosas de las que se imagina en su paso, hallando incluso respuestas a cuestiones que le atañen, como la muerte de su madre.

 Desde que uno toma asiento y ve el imponente armatoste en el escenario, que simula un cuaderno abierto y que tiene cierta inclinación, se dice “esto va a ser un reto actoral”, pero cuando la acción ocurre, se rompe toda expectativa.

 Quiero comenzar por el hecho de que todo elemento escenográfico se resume a este dispositivo, sobre el cual se proyecta todo espacio necesario, en verdad impactante. No solo el señorón Jorge Ballina nos antepone un genial diseño con muy buenas proyecciones, sino que a la par hace una complicidad exacta con la iluminación, a cargo de Sergio Villegas, que se vuelve impecable. ¡Qué difícil iluminar una escenografía hecha con proyecciones! Reto superado.

 El discurso del texto nos invita a adentrarnos en el mundo de una persona con esta enfermedad, en una manera bastante compleja, pues nos sitúa en la adolescencia del principal, con todas las inquietudes y sueños, en este caso los más puros y nobles, pero eso no quita del medio a las discapacidades del personaje, de manera que  hay una duro golpe de realidad a cada momento. Sin embargo, eso no convierte a la persona que padece el síndrome en un vegetal, solo es una capacidad diferente, después de todo puede hacer muchas cosas por el mismo

 Para hacerle justicia al hermoso guión de Simon Stephens (basado en la novela de Mark Haddon, adaptado por María Renée Prudencio), el director Francisco Franco guía a sus personajes en un sendero de entera franqueza y apego al sentido humanístico de los personajes, sujetándolos a todos como piezas de un rompecabezas cuya pieza clave es (como debe ser) el personaje de Christopher.

 Franco da una mirada profunda al conflicto del personaje, dando un valor esencial a su padecimiento clínico, sin ridiculizarlo en ningún momento, dedicándose más a estructurar a un personaje central que se vuelve entrañable instantáneamente y que genera el mismo efecto con los que lo rodean.

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 Pese a que la duración total se aproxima a las tres horas, el ritmo con el que se desenvuelve la trama es bastante ágil y con una precisión exacta, tanto del dispositivo y sus proyecciones como del cuerpo actoral en general. Cuidando cada detalle y elemento a escena con una coreografía impecable y que permite una isóptica favorable.

 Resulta ponderante la existencia de una puesta que aborde esta temática, en una sociedad que desgraciadamente necesita aprender a ser mucho más incluyente. Si  bien no es general, no todos estamos preparados para tratar directamente a una persona con capacidades diferentes, podemos sentirnos ajenos, incuso amenazados en su presencia, por el simple hecho de que no entendemos como su mente puede funcionar de manera distinta a la de nosotros, y esta es la oportunidad perfecta para poder adentrarnos a este mundo, ver desde fuera a aquello de lo que somos parte. Es un llamado a la inclusión.

 Un elenco sólido y en equilibrio conformado por Alejandro Camacho, Rebecca Jones (alternando con Mónica Dionne), Cecilia Suárez (alternando con Mónica Huarte), Luz María Aguilar y un ensamble de 9 actores que dan vida a los diferentes escenarios ubicados en Inglaterra, dando forma y estructura a la pieza de una manera destacable con momentos memorables.

 Obviamente me guardo lo mejor para el final: ¡la actuación de Luis Gerardo Méndez!, señores que bella y entrañable cátedra de actuación desempeña este joven actor en el escenario, demostrando una versatilidad ejemplar con este papel (sí, Javi Noble queda atrás) que definitivamente marca un hito en su carrera, consolidándolo como uno de los mejores de su generación.

 Es increíble la manera en la que se adentra en el sentir, adoptando las características del padecimiento de su personaje y externándolas de una manera natural, creíble y original.Anexo aquí un ¡Amén a la fantástica música que acompaña  la puesta!, original de Julieta Venegas, simplemente perfecta y altamente sensible.

 ¡Por supuesto que es imperdible! Por favor dispóngase a disfrutar de uno de los mejores trabajos que desde el año pasado existen en cartelera, y esperemos permanezca por más tiempo.

The blue man group

En la década de 1980 surge una idea algo descabellada por parte de Phil Stanton, Chris Wink y Matt Golman. Buscan crear un espectáculo en el cual intervengan la música, el teatro y las artes plásticas. De esta idea surge The Blue Man Group, un trío de mimos pintados completamente de azul con ropa negra, que se hacen llamar “los hombre azules”, estos personajes son los protagonistas y parte de los músicos en toda la presentación.

 Durante el espectáculo se desarrolla una temática en la cual intervienen muchos momentos musicales y teatrales en un escenario muy peculiar. Estos escenarios tienden a cambiar en cada función pero se caracterizan por las luces de muchos colores, pantallas y estructuras. La música en los actos tiende en su mayoría a ser rock, con un énfasis en las percusiones. Muchas de estas percusiones son creadas y diseñadas por ellos ocupando diversos materiales, en su mayoría tubos de PVC, buscando sonidos distintos, con los cuales llegan a hacer melodías interesantes.

 En sus actos también están presentes los momentos mímicos graciosos con una interacción con el público, en el que incluso llega a haber participación del mismo en el escenario. Además de eso, no podemos darle poca importancia a la mezcla de música, luces y colores, que generan una experiencia inolvidable, una integración de diversas artes muy bien ensambladas y coordinadas apoyadas con tecnología. Es difícil poder describir un espectáculo en el cual intervienen muchos factores y aún más difícil describir la sensación de verlo de cerca. Así que descúbranlo con los pequeños vídeos que les mostramos y si algún día vienen a México no duden en ir a verlos.

Mucho limón y mucha azúcar

“¡Que cursi!” pensé, apenas había visto la imagen gráfica oficial de esta nueva reposición de Crímenes Del Corazón. “¡De por sí el título es muy rosa!”, sí, ese era yo realizando prejuicios sobre una de las verdaderas imperdibles de esta temporada, yo pecador, me arrepiento profundamente.

 Afortunado es quien pudo ver la primera versión de esta obra, en ese entonces bajo la dirección de la leyenda Héctor Mendoza, actuada por las maestras Margarita Sanz, Julieta Egurrola, Margarita Isabel y Christian Bach. Ahora lo será quien la vea en su temporada en el Teatro Helénico.

Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas
Irene Azuela, Marina De Tavira e Ilse Salas

 Hoy es cumpleaños de Lenny Magrath, entre los pormenores: su hermana menor Babe irá a la cárcel por un supuesto crimen que acaba de cometer y del cual ella misma se ha declarado culpable, su hermana Meg (que se ha dedicado a su carrera como cantante en Hollywood los últimos años) viene en camino para enterarse de lo sucedido; La prima Chick es una molestia que se avergüenza de sus parientes y hace presencia solo por aparentar ser quien lleva el honor de en la familia, además el viejo abuelo está agonizante en el hospital, para cerrar, la propia Lenny atraviesa (gracias a su cumpleaños en gran parte) por una crisis existencial.

 Más o menos esta es la entrada a la historia de estas tres hermanas, quienes se reunirán por azares del destino a exorcizar viejos demonios. Beth Henley escribió la puesta en los 70’s (época en la que se ambienta la obra), fue un hit instantáneo, incluso nominado al Tony, pues el guion es una joya, donde la autora no solo sabe guiar directo a la sensibilidad la trama, sino que aprovecha para efectuar una comedia fastuosa en un melodrama intenso.

 Henley propone tres personajes que son tan iguales como diferentes (como buenas hermanas al fin) y las confronta para tratar de encontrar el alma y la autenticidad en cada una de ellas en un punto de quiebre general para esta familia, que precisamente nunca ha tenido un buen manejo de los puntos de quiebre. Al tiempo que presenta simbolismos geniales (que se explican solos con el pasar de la trama) en cada personaje para exteriorizar sus pensamientos y sentimientos reales.

 Por su parte, la dirección de Enrique Singer transporta a sus protagonistas a un plano dónde cada una podría ser muy egoísta, pero al mismo tiempo necesita urgentemente de alguien que la escuche, lo cual crea una empatía automática con los espectadores sin duda alguna. Desde el primer momento delimita a los personajes con exactitud para entender los modos y formas distintivos que nos hagan identificar la psicología de los personajes, más allá de lo que sus acciones hablan.

Consulte cartelera
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 Y a pesar de que la trama sí podría ser muy pesada, el estilo de escritura la hace fresca, esto junto al excelente ritmo que lleva la obra (sin perder el hilo jamás o el timing entre actores) hace que en verdad las dos horas de duración se pasen volando sin darse cuenta.

 Singer expone a su talento sobre una escenografía que conceptualiza una vieja casa, con azulejos desgastados y todo, un diseño tan agradable como dinámico por parte de  Erika Krayer, que despide una sensación de derrumbe y calidez al mismo tiempo. Se le suma una justa iluminación de Víctor Zapatero, un vestuario bastante ad hoc con la época a revivir diseñado por Amanda Cárcamo, además de una muy buena musicalización de Alejandro Gicomán, que entra exacta a las necesidades que los elementos escénicos piden.

 El elemento clave sería el reparto que es el sueño de  cualquier director: Marina de Tavira, Irene Azuela, Ilse Salas, Martin Altomaro, Jana Raluy y Pedro de Tavira Egurrola. ¿Por qué es un sueño? ¡Porque es un cast perfectamente equilibrado! Todos actores con una preparación basta y trabajos previos que hablan por sí solos de la calidad de la que cada uno está hecho, en general un marco de actuaciones convincentes, francas, que se van tornando en conmovedoras y  necesarias. Definitivamente no hay alguien más sobresaliente que otro, son en verdad una delicia: La poderosa inocencia que transmite Salas, la inevitable compasión que crea De Tavira, el carisma y naturalidad de Azuela, la irritabilidad instantánea que imprime Raluy, en fin, la lista de detalles actorales a percibir sigue y sigue.

 El discurso que propone la puesta  en general, acerca de la importancia de los lazos familiares y el estar presentes siempre para nuestros seres queridos, si bien sí puede ser muy rosa, viene directo del corazón, por ende su franqueza logra enternecer y en verdad afectar para reflexionar. Es bastante importante esta obra, puesto que es el tipo de puesta que cualquiera puede ver y salir con una buena cara al día a día, ideal para ver en familia, amigos, solos, el efecto es el mismo, una sensación de bienestar. Definitivamente imperdible.

Caminar entre lápidas mojadas

Siendo sinceros, mi mente se encontraba demasiado revuelta tras salir de Antes te gustaba la lluvia en el Foro Shakespeare. Probablemente fue hasta unas horas después en que se desbloqueó mi pensamiento y las resoluciones personales comenzaron a fluir,  este siguiente es mi sentir.

 Dando un breve panorama: un hombre y una mujer acuden a una cita en algún salón, de las oficinas de cualquier cementerio privado en algún lugar de Europa. El nexo es un familiar de ambos que descansa en dicho camposanto, del cual serán reubicadas ciertas criptas por causa de un accidental; El hombre y la mujer no se han visto tras la pérdida que les convoca, casi 10 años se encuentran en medio y hay mucho que contar y encontrar, en especial  deberán encontrase ellos mismos.  

Arcelia Ramírez & Juan Manuel Bernal
Arcelia Ramírez & Juan Manuel Bernal

 Lo construido tiene una factura pesada, que toma cimientos en un discurso bastante crudo y bidireccional. La autora, Lot Vekemans, propone dos estados en apreciación: la pérdida y la adaptación; Podría decirse que ambas convergen, más sin embargo, Vekemans deja claras las limitantes de ambas y los motivos por los cuales pueden ser independientes una de otra, claramente afectándose en ausencia.

 Luego entonces, tras el reto que antepone la autoría, el director Hugo Arrevillaga toma inclinaciones preferenciales al discurso de la pérdida, dirigiendo a sus personajes por un llano interior que busca alivio en una mundanidad a la cual parece no importar el dolor que representan; La mujer no puede concebir (pese al tiempo transcurrido) una existencia continua sin la persona que ha perdido, empero el hombre ha encontrado una vía de catarsis aunque no se aparta del dolor, finalmente ambos siguen compartiendo una necesidad que es restablecer el vínculo que los conecta o bien limar los muñones,  sea cual sea la decisión que tomen deberán de ser honestos consigo mismos para externar su fragilidad, y es que aunque el dolor cala  el amor sigue presente.

 Finalmente el producto es entrañable, una visión honesta a la manera en la que los seres humanos sobrellevamos las pérdidas sin compartir nuestras necesidades ante la misma con un panorama ligeramente existencialista. Ante te gustaba la lluvia se acerca a todo aquel ha perdido a alguien muy importante en esta vida, y lo cobija con el entendimiento necesario para hacerle saber que su duelo es mutuo.

 Las actuaciones van a cargo de Arcelia Ramírez y Juan Manuel Bernal, ambos idóneos, versátiles, complementarios, vibrantes, exactos en su manera de abordar los sentimientos del texto y en transmisión de los mismos, verdaderamente representan uno de los mejores trabajos actorales a dúo de lo que lleva el año gracias a su credibilidad y franca apropiación de la historia, logrando transmitir las urgencias de los seres a los que dan vida para adoptarlos en concordancia y solución. 

 Arrevillaga fracciona la trama en tres partes, como una inteligente manera de soltar el ritmo para aligerar el correr de la puesta, encontrando vínculos en la muestra de como los seres humanos morimos constantemente en nuestra propia existencia y de como estas muertes involuntarias son propias de la naturaleza humana, ¿si la muerte nos pertenece, por que nos cuesta tanto aceptar su aparición definitiva?

Foro Shakespeare, consulte cartelera
Foro Shakespeare, consulte cartelera

 El lenguaje de esta obra no es más que humano, accesible y cálido para la audiencia, casi cinematográfico, lo que provoca que absolutamente cualquier persona pueda abrir su corazón de nueva cuenta ante una creación de Arrevillaga (Bosques, Incendios, etc.) y dejarse llevar por el cúmulo de sentimientos encarnados en acción.

 Dentro de los componentes escénicos destacaré únicamente el cuidado detalle de la iluminación de Roberto Paredes, que al fusionarse con la escenografía de Auda Caraza y Atenea Chávez, regula un juego bastante poético que apoya definitivamente al trazo de los actores, resolviendo un movimiento general y percepción orgánica.

 Altamente recomendable.

 

Stomp! música sin limitaciones

¿Stomp?….

¿Qué es Stomp? Es música, danza, teatro, coreografía y mucha basura. En este grupo inglés vemos como unas escobas, botes, tapas, cacerolas, destapa caños, latas, llantas, cajas y muchas otras cosas que podemos llamar basura se convierten en los instrumentos perfectos. Es ejemplo de como una idea creativa y ritmo, se convierten en uno de los mejores shows actuales.

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Recordamos que las mejores ideas nacen de una necesidad y esta no fue una excepción: aquí la necesidad fue crear música, la carencia de instrumentos (o la imposibilidad de comprarlos) no fue un impedimento para ellos. Si no tienes instrumentos y no puedes comprarlos, ¿qué haces? Simplemente los haces. Así fue como Luke Cresswell y Steve McNicholas decidieron crear sus instrumentos con todo de lo que dispusieran.

Esta agrupación empezó por los 90´s como una Street performance en el Reino Unido, con el tiempo fue ganando fama por su estilo musical y la creatividad de sus instrumentos, esto los llevó de gira por el mundo, dándoles varios premios. Pero no todo es fácil en este grupo, atrás de las presentaciones están muchas horas de trabajo, ensayo y preparación para lograr esa coordinación y esos movimientos, además de una constante evolución en sus instrumentos, ritmo y shows, por lo que nunca serán lo mismo. Aunque tampoco esta excluida la improvisación, pues es esta la raíz y el condimento de los números. Con todo esto podemos disfrutar de un espectáculo único, impresionante y lleno de ritmo.

Una vela para Dostoyevski

Por Abraham Pérez

Un buen tiempo me pasé sin leer a Dostoyevski, por una u otra razón no me acercaba a sus novelas, a pesar de que todo en derredor mío me invitaba a hacerlo. En mis años mozos (¡ja!), leí El Jugador y quedó sólo un recuerdo vago y desdibujado. Cuando decidí retomar al genio ruso, lo hice con Memorias del Subsuelo y caí en cama un par de semanas, confundido y perturbado en lo más profundo. Continué leyendo con avidez la obra de Dostoyevski, de la que aún me falta un buen tramo por recorrer, y no pude más que reconocer al genio o, recurriendo a las palabras de Henry Miller, a Dios mismo.

Al leer Crimen y Castigo me convertí en Raskólnikov, ese genio-héroe-criminal; ese hombre de carne y hueso que no soportaba sus condiciones, que era movido por sus pasiones secretas y sostenía la tesis de que todo crimen era justificable para el genio: el fin justifica los medios. ¡Cómo no pensar en ese Razumijin, el gran amigo de Raskólnikov: poeta, borracho y enamorado!

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Y las mujeres dostoyevskianas: las hermosas histéricas, las heroínas metafísicas; las mujeres terribles que aman y temen ser amadas, que juegan con el hombre y el hombre da todo por ellas. Pero los personajes de Dostoyevski siempre tienen un secreto, siempre guardan un as enmohecido bajo la manga: el odio, el crimen, la inadaptación. Dostoyevski supo articular (antes del psicoanálisis, antes del existencialismo, antes que las filosofías que vendrían a poner el dedo en el renglón de lo metafísico) las cuestiones religiosas, la locura, la neurosis, el amor, la poesía, las pasiones más oscuras de lo humano. La obra de Dostoyevski es tan rica que es inabarcable, inefable: ¡no hay palabras mas que las suyas para remover esos rincones del ser que pocos humanos son capaces de siquiera rozar!

Retomando a Miller: ¿por qué Dostoyevski es Dios? Simple: porque, como diría el escritor estadounidense de alma parisina, “sus personajes son más reales que las personas reales”. Leer a Dostoyevski es retornar a lo más humano de lo humano: a lo abyecto y lo sublime; a lo demoníaco y lo divino; el ir y venir del amor y el odio; un devenir a la vez santo y oscuro.

¡Cómo olvidar El Gran Inquisidor! Iván Fedórovich Karamazov se encuentra en una crisis de fe y esto lo lleva al borde de la locura. Al igual que Raskólnikov, Iván tiene una obra que refleja un pensamiento de orden filosófico (o teológico o metafísico, ¡Diostoyevski!) y se trata precisamente de El Gran Inquisidor, el cuento hecho por este personaje que narra el regreso de Cristo en la inquisición: un cuestionamiento al cristianismo y, en particular, al hombre cristiano. Y es que puede leerse en Dostoyevski que el cristianismo nunca ha existido; puede percibirse en su obra que el ser humano se ha desvinculado de lo sagrado, y la fe que se ha profesado no es más que la caricatura de lo que alguna vez fue la idea de Dios. ¿Habrá acaso algún verdadero cristiano hoy en día que profese y practique el amor como principio? ¿Es que el hombre prefiere la muerte a la libertad? Temas grandes para un autor grande.

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Y ahora, algo fundamental: ¿por qué mis dedos corretean como locos por el teclado en un arranque?, ¿por qué escribir sobre Dostoyevski cuyas palabras son inmejorables? Esta semana decidí ir con un viejo amigo al teatro, sin saber qué veríamos. Nos encontramos con un póster que anunciaba “Dostoyevski: El demonio y el idiota”. Se trata de una magnífica puesta en escena que retoma argumentos y discursos de obras como El Idiota, Los Demonios y Los Hermanos Karamazov construyendo un hilo narrativo en el que se anudan, mezclan y confunden la fe, la locura y el amor, abarcando los temas más sensibles que, en definitiva, removerán las fibras más esenciales de nuestra humanidad.

Estimado lector, estimada lectora: si se ha acercado usted a la obra del genio ruso y, como yo, ha sentido cómo se retuercen las entrañas en su interior, le recomiendo ampliamente Dostoyevski: El demonio y el idiota; si no se ha acercado usted a la obra, le aseguro que no podrá resistirse después de ver esta maravilla en escena y, si presta usted bien atención, algo en su interior cambiará, o como diría Virginia Woolf:

“and then words, moving darkly, in the depths of your mind will break up this knot of hardness”

[Entonces las palabras, moviéndose oscuramente, en las profundidades de tu mente romperán este nudo de dureza]

Para nuestra fortuna, la obra se estará presentando en el teatro “El Granero, Xavier Rojas”, en el Centro Cultural del Bosque (detrás de Auditorio Nacional) jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 hasta el día 15 de diciembre. Y para aquellos que buscamos economizar (o somos pobres como Dostoyevski) los jueves el boleto está en $30.00. Si usted quiere entrar en un trance escénico y poner el dedo en la llaga sobre las cuestiones más profundas de lo humano, esta obra es para usted. Quizás así, al igual que su inseguro servidor, recordará la importancia de encender una vela cada noche en honor a Dios-toyevski.

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.