El almacén de la imagen: literatura y fotografía en Adela Goldbard

Uno de los nombres más reconocidos, por lo menos por fotógrafos y artistas, en la escena artística contemporánea en México es el de la fotógrafa Adela Goldbard (DF, 1979), sobre todo por tratarse de una artista muy joven que ha ido consolidando su obra desde hace poco tiempo. Goldbard ha sido beneficiaria, en diversos programas, de algunas becas del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Además en 2012 fue ganadora del Premio Centenario al artista emergente otorgado por zona MACO. Su trabajo, al igual que la de otras fotógrafas contemporáneas mexicanas tanto consagradas como emergentes, fue incluido en Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México 1910- 2010, una obra realizada por la historiadora del arte Emma Cecilia García Krinsky y publicada por el CONACULTA en el 2012. En ella se hace una revisión del trabajo de más de 100 fotógrafas mexicanas a lo largo de cien años.

Adela Goldbard, Lobo. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.
Adela Goldbard, Lobo, 2013. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.

 Adela Golbard tiene estudios en fotografía realizados en instituciones nacionales, entre ellas la Escuela Activa de Fotografía de Coyoacán y el Centro de la Imagen, así como internacionales, entre las que se encuentra la Escuela superior de arte y diseño en Sainttienne, en Francia. Sin embargo su obra no puede comprenderse sin revisar un poco de la historia personal de esta artista. En principio es necesario mencionar que Goldbard es egresada de la licenciatura de Letras Hispánicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Una vez dicho esto se puede entender mejor el hecho de que su obra como fotógrafa sea una constante dialéctica entre fotografía y literatura. Sin duda alguna, la interdisciplinariedad genera un discurso más rico.

Adela Goldbard
Adela Goldbard

 Así pues, la fotografía de Adela Golbard dialoga con la literatura y con otras formas de expresión artística como el video y la escultura, generando así nuevas realidades, nuevos y variados mundos posibles, que provocan un entrecruzamiento entre la realidad y la ficción. La literatura es considerada como el arte de la escritura, probablemente se entiende como la disciplina por medio de la cual se crean realidades ficticias y sólo eso. La fotografía, de la misma manera, ha fungido como ese medio por el cual el fotógrafo expresa o representa aquello que se piensa que es real, pero que no lo es. Porque, es necesario decirlo, la fotografía no muestra la realidad como se ha venido pensando desde el siglo XIX. La literatura tampoco la muestra, por ello mismo ha sido relegada, muchas veces, por las demás ciencias sociales que pretenden mostrar la realidad del pasado o del presente: la historia y la sociología.

 En ese sentido la interdisciplinariedad de la obra de Goldbard toma fuerza cuando pone en contraste el mundo real del mundo ficticio, en un intento por dejar de lado la separación, tanto en las disciplinas como en la dialéctica entre los dos mundos. Por ello, sus series fotográficas incorporan la puesta en escena como un elemento por el cual se entrecruza la realidad y la ficción. Trabajar con maquetas, menciona en una entrevista para Museógrafo TV, sería restarle ese toque de realidad.

Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.
Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.

 En esa búsqueda por fundir lo real de lo ficticio, Adela ha hecho uso de hemerografía al momento de pensar en sus proyectos, lo cual la guía en la senda de la investigación para definir y delimitar sus series. Tal es el caso de la serie La Isla de la fantasía, en la que busca reconstruir la realidad del pasado a través del uso de réplicas de aviones y una previa investigación sobre accidentes aéreos de funcionarios públicos. Se trata pues de hacer uso de la historia para reconstruir la memoria a través de la crítica por medio de la fotografía.

“Algo que para mí es importante en mi obra es cómo la ficción y la realidad parecen fundirse constantemente en nuestras vidas. De pronto me preguntan que por qué en escala natural si en la fotografía se puede un poco engañar al ojo en cuanto a la escala, pero para mí el trabajo que yo hago no es sólo un trabajo fotográfico, sino que es un trabajo en el que la cámara fotográfica o de video es importante como medio, pero que habla de la realidad en sí. Si yo trabajara con maquetas, no estaría trabajando realmente con una réplica de la realidad”.

— Adela Goldbard en entrevista para Museógrafo TV.

 Laura González Flores, doctora en Bellas Artes e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, hace un análisis de la obra del Goldbard, que lleva por título “Del buen préstamo de las artes. On the road de Adela Goldbard”. En él expone una analogía entre la serie On the road de la fotógrafa y la nóvela homónima de Jack Kerouac, pues la mezcla entre literatura y fotografía se da cuando Goldbard hace su serie basándose en los paisajes por los cuales pasaron los personajes de la obra de Kerouac. En las fotografías el territorio tiene una gran importancia y los objetos cobran vida y sentido a partir del uso de iluminación. Los colores fríos del paisaje se mezclan con los colores cálidos de los objetos creando así un equilibrio a nivel visual. La lectura de González Flores es muy atinado, dejando ver que el paisaje en la obra del Goldbard representa un espacio social roto en el que se hacen presentes los conflictos que ocurren en nuestro país en la actualidad: el narcotráfico, la crisis económica, la corrupción en un territorio nacional lleno de Oxxos; los mismos Oxxos que el fotógrafo mexicano Adam Wiseman ubica como parte del imaginario social del y de lo mexicano.

 La fotografía de Goldbard tiene presencia en la escena artística de nuestro país no sólo por tratarse de proyectos fotográficos que artísticamente están bien logrados en cuanto a composición y otros elementos del buen uso de la técnica fotográfica, sino que el discurso sobre el que la autora sustenta su obra es lo que permite que haya coherencia y sentido en los proyectos. Así pues, Golbard es en mi opinión una artista completa, pues su formación como literata y cómo fotógrafa le ha permitido sustentar los temas que fotografía provocando que su ejercicio sobre la ella vaya más allá del quehacer artístico.

Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.

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Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

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Layout: Proyecto Diversidad Matérica

Exposición realizada en centro cultural Futurama.
Exposición realizada en centro cultural Futurama.

El pasado fin de semana terminó la exposición “La Individualidad como Multiplicidad” en el centro de la Juventud, Arte y Cultura FUTURAMA de la colonia Lindavista, al norte de la Ciudad de México. La exposición estuvo conformada por ocho artistas plásticos mexicanos, abordando el tema de la tridimensionalidad desde diferentes disciplinas como la escultura, instalación, performance, arte-objeto; en conjunto, conforman el grupo Proyecto Diversidad Matérica. ¿De qué va el Proyecto?

Diversidad Matérica tiene como propósito difundir el trabajo artístico resultado de la investigación y la experimentación matérica, emplazadas en un proyecto de propuesta tridimensional, con el fin de compartir no sólo los elementos conceptuales y plásticos entre la población en general sino los proceso creativos y las motivaciones que llevaron a la realización de la obra, mediante charlas, mesas redondas y visitas guiadas.

 Es necesario notar la intención que tienen de compartir con el público sus procesos creativos y motivaciones, resultado de una investigación y experimentación de materiales que influyeron en su obra, ya que la gente no la tiene tan fácil cuando se enfrenta a la propuesta del artista quedando a la deriva para su interpretación. Esto no quiere decir que toda obra tenga que ser explicada, sin embargo, cuando el artista describe su proceso es posible que genere empatía con el espectador y más cuando no está inmerso en el estudio de las artes, lo que posiblemente lo agradecerá independientemente si es o no de su agrado, ya que le permitirá generar una opinión.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 ¿Quiénes son Proyecto Diversidad Matérica? Proyecto Diversidad Matérica es un colectivo de reciente creación (julio de 2014), y surgió por la necesidad de conformar un grupo de difusión y análisis a través de propuestas artísticas tridimensionales. Olivia Pinzón, Rodrigo Orduño, Ana Bernal, Israel Wood, Raúl Godínez Ramírez, Manuel González, Jorge Castillos e Ivette Ávila son egresados de Facultad de Artes y Diseño de UNAM con excepción de Manuel Gonzáles que ha estudiado artes en el interior de la república.

Nos denominamos PROYECTO porque estamos abiertos al autoanalisis, la investigación y la autoevaluación y por lo tanto al cambio, un proyecto siempre está en transformación.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

¿A qué se enfrentan como colectivo?

Consideramos que uno de los obstáculos más difíciles de sobrepasar es el propio trabajo en colectivo, es decir, llegar a consensos de todo tipo, desde ideológicos hasta organizacionales sin generar conflictos internos. Y por la parte externa, encontramos los obstáculos que permean a los espacios expositivos a nivel institucional y gubernamental y que pueden ser desde acceder a ellos hasta las limitantes o faltas de apoyo por parte de algunas instituciones.

Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 La unión hace la fuerza, decían, pero la verdad es que no es algo tan sencillo ya que existen variables que influyen y propician el trabajo en equipo. Si bien es cierto que  todos los integrantes buscan un objetivo en común, no todos funcionan de la misma manera ni tienen las mis habilidades y capacidades para afrontar los retos internos y externos con los que van a lidiar. Sin embargo, a través de la organización, disposición, comunicación e intención de salir adelante, “La Individualidad como Multiplicidad”, ha dado un primer paso hacia la consolidación de Proyecto Diversidad Matérica.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

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La canción libertaria: Sueños y fantasmas


Me niego a vivir en un mundo hostil. Me remito a no absorber el temor. Me dolerá mucho el corazón, pero nunca agacharé la mirada. Me disgustaré con la indiferencia de mi país, y por eso, de aquí para allá, vamos construyendo… poco a poco, sin prisa ni miedo.

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Crédito:Tumblr.

 La canción libertaria, surge de lo más profundo del alma, de los consuelos –que quizá sólo los guerreros entienden–, de la lucha por una voraz y suculenta trampa, por la negativa hacia el olvido y sobre todo, por constatar la memoria de cada huella al andar. La rebeldía es la parte primordial de sus letras y de sus sueños por plasmar en cada matiz y acorde.

Siempre, 
llega el enanito 
siempre oreja adentro 
con afán risueño 
de enmendar lo roto

– Reparador de sueños, Silvio Rodríguez.

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Crédito:Kalmaioga.com

  Porque con el canto y la luz de día, se aclama la llegada de un nuevo amanecer, lleno de gritos, abrazos y amor con el compañero y amigo, y juntos gritaremos rebeldía y subversión. Porque creíamos haber muerto, pero estamos en el mismo barco, donde esperanzas y conmociones entrelazan sus manos, por ansiar un comienzo lleno de destellos entre cada pausa. La libertad por transmitir es la base para la creación más bella entre prosa, verso y una singularidad por expresar el amor a la vida, donde el odio parece no tener cabida. Porque en la quimera más recóndita, habita el miedo hacia lo que corrompe la existencia misma. ¿Por qué tanta aversión hacia la supervivencia? ¿Las canciones libertarias son el escape? Sabríamos de golpe, que con escuchar ese grito soslayado y quebrantable, romperíamos en llanto y tal vez, con los primeros tres minutos estaremos sonriendo de nuevo.

 Esos cambios tan abruptos en la música libertaria, son el elemento primordial de la vida.En el vaivén de los logros e infortunios, a cada momento se presentan diversas situaciones que nos hacen mezclar el anhelo de vida/muerte. Con la fragancia de la libertad se viaja por el mundo, por la felicidad y el infortunio, por la maldad y la benevolencia. Porque el hecho de reír o llorar, no hace distinción entre las diversas clases sociales, eso es lo que verdaderamente nos hace portavoces de nuestros ideales: La capacidad de sentir a diestra y siniestra, sin importar tabú alguno.

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Crédito:Tumblr.

 Cantan para el mundo, sus letras se mantienen en el corazón de cada uno de nosotros, la vida plasma un sentimiento inadmisible hacia la sonoridad del alma, y mientras truene o relampaguee, seguiremos cantando y reproduciendo una vez más, la reflexión de los días, de los años y de la eternidad.

Al despertar 
A un nuevo sol 
Vuelvo a nacer 
Vuelvo al amor 
Puedo cantar 
Este dolor 

Vienes a mí 
Ángel guardián 
Traes mi voz 
Mi libertad 
Puedo decir 
Al despertar 
Que el mundo es luz 
Y oscuridad 

La hermosa voz 
De la hermandad 
Atravesó 
Mi ventanal 
Una oración 
Puede curar 
Con esta fe 
Voy a cantar 

La razón es tu mirar 
La razón es la igualdad 
Es la niñez lejos del pan 
Mi identidad recuperar 
Al despertar agradezco a la vida 
Dejarme andar como luz peregrina 
Al despertar nueva emoción 
Vuelvo a nacer vuelvo al amor

– Al despertar, Mercedes Sosa.

 La razón de ser, de seguir, de luchar y de caminar se vuelven una sola, donde una guitarra cobra vida para darle al mundo el placer de reivindicarse con sus propios motivos de pertenencia. La clave para darle matiz, es esa flor de rebeldía que pide a gritos un nuevo amanecer, un día despejado sin contratiempo alguno y que nos permitirá vivir soñando con lo poco o mucho que queda por hacer por este mundo.

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Crédito:Blogspot.

 Somos como la cigarra – canción que interpreta Mercedes Sosa–, salimos del hoyo una y otra vez, con la cabeza muy en alto, a pesar del malestar emocional en el que nos encontremos, y sobrepasando las propias barreras que en el camino tratan de mutilar nuestros deseos… para decir “Esto es bello”. Porque de los sueños se hacen estrellas para cada uno, y de ésas, salen miles de constelaciones para cada persona.

El día en que dejemos de gritar y escuchar a nuestro corazón, el planeta se habrá de caer a pedazos y en esos trozos, dejaremos algo que pudo ser, alguien que pudo construir y uno que otro que pudo soñar.

Originally posted 2014-10-06 11:16:25. Republished by Blog Post Promoter

Velopresso: ciencia, diseño y café

Lasse Oiva y Amos Field Reid, originarios de Finlandia y Londres respectivamente, crearon algo increíble al combinar  sus pasiones: el café, las bicis y lo sustentable. Ambos son estudiantes de diseño de la London Royal College of Art.

velopresso

Su creación es un espresso bar que funciona con el poder del pedaleo. Para obtener un espresso doble sólo se necesitan  cinco segundos de pedaleo continuo. No requiere electricidad por lo que es perfecto para eventos en espacios al aire libre, picnics o cualquier lugar  para un delicioso espresso. 

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Velopresso ha ganado premios, entre ellos el  Deutsche Bank Award 2012 (Diseño)  y el segundo lugar del  2012 Pininfarina Design Contest. Y actualmente Lasse y Amos se encuentran desarrollando un proyecto en el que buscan desarrollar su propio combustible reutlilizando los granos de café.

Originally posted 2013-01-02 19:20:35. Republished by Blog Post Promoter

Studio Design App, la aplicación de los diseñadores

Los diseñadores gráficos ya cuentan con una aplicación para dispositivos móviles creada especialmente para ellos, se trata de Studio Design App, la cual cuenta con más de 600 herramientas para la construcción de imágenes y un sistema de red social para que los profesionales difundan su trabajo y, si así lo desean, también pueden compartir sus diseños en otras comunidades virtuales dedicadas a la imagen.

Entre los elementos de diseño que ofrece esta aplicación se encuentra una amplia variedad de filtros, tipografías, marcos, texturas, fondos, logos, iconos y formas predefinidas, además, funge como editor de fotografías. Con todas estas herramientas, Studio Design App no sólo le es útil a diseñadores profesionales, sino que busca ser una plataforma que ayude a los aficionados a iniciarse en esta disciplina mediante la creación de gráficos y a aprender del trabajo compartido por los expertos.

Saca al diseñador que llevas dentro y comparte tus creaciones con el mundo.

Studio Design App, creada por Overlay Studio Inc., es uno de los lanzamientos más recientes en Applestore y, según el sitio web instagramers.com, podría considerarse el Instagram de los diseñadores. Esta aplicación apareció el pasado 16 de agosto y, a poco más de un mes del inicio de sus descargas, la tienda virtual anunció la saturación del servicio debido a la alta demanda de suscripciones al mismo; sin embargo, ya está disponible una nueva versión que puede bajarse gratuitamente.

Por el momento, la aplicación sólo está disponible para iPhone, iPad y iPod Touch, pero se prevé la creación de versiones para otros dispositivos en el futuro.

 

 

Originally posted 2013-10-06 14:37:07. Republished by Blog Post Promoter

Los Juegos De Realidad De Leandro Erlich

Por Abigail Rodríguez

@abigailrhz 

Durante siglos el arte fue el reflejo de la realidad o al menos eso pretendía. El uso de colores, formas y tonos para crear claroscuros y generar profundidad y dimensiones en un espacio plano resultaba en la creación de imágenes muy similares a la realidad, congruentes con la visión de un artista inmerso en una cultura y en una sociedad.

Sin embargo, muchos artistas han rebasado los límites de esta realidad para crear mundos y territorios mágicos donde las leyes de la física dejan de existir y las leyes de la materia se desvanecen.

Leandro Erlich, un arquitecto y artista argentino, crea espacios fantásticos con objetos reales, como albercas donde se puede permanecer sumergido por horas sin mojarte ni ahogarte, escaleras que no subes ni bajas, pasillos donde se debilita la fuerza de la gravedad y espejos que reflejan lo que el ojo humano no puede ver.


Las obras de Leandro Erlich generan en el espectador tensión y sorpresa al contemplar piezas artísticas que rompen los límites de la realidad y a su vez se muestran como escenarios perfectos donde la pieza clave es el propio espectador.

Leandro Erlich, ha expuesto en países como Francia, Estados Unidos y Japón, para saber más sobre su propuesta artística visita su página:

www.leandroerlich.com.ar

Originally posted 2012-12-21 20:14:28. Republished by Blog Post Promoter

Louboutin: la moda, un chispazo y el arte

Siempre he considerado que la moda es un arte. Es una expresión y reinterpretación sutil de infinidad de elementos, épocas, profesiones, entre muchas otras fuentes de inspiración que los diseñadores, y por supuesto cada una de las personas, llevan a cabo. Creo que muchas de esas reinterpretaciones, con el sello de cada diseñador, o cada persona, se dan por esa búsqueda que cada individuo está constantemente viviendo. Nadie siente lo mismo, ni ve lo mismo en el mismo instante.  Por ello, son el resultado de una serie de factores, algo de técnica y trabajo y en gran parte un chispazo de creatividad que ninguna otra persona pudo haber tenido por lo aleatorios que son los factores que se conjuntaron. Precisamente ese chispazo es el que considero que lo hace algo especial, para mi, un arte.

Louboutin

 Un ejemplo de lo anterior mencionado es el sello característico de ciertos zapatos con un gran prestigio mundial: los Louboutins. Estos, que llevan el nombre de su creador, consolidaron su distinción por una de esas búsquedas que derivó en el ‘chispazo’. Hace más de 20 años, en 1992, Christian Louboutin estaba diseñando el modelo ‘Pensée’, inspirado en AndyWarhol y el movimiento del Pop Art, sin embargo, su prototipo no lo hacía sentir satisfecho del todo y al ver que su asistente se pintaba las uñas con un esmalte rojo lo tomó y completó su prototipo. Fue justo ese detalle el que afirmó el estilo de cualquier Louboutin.

Prototipo

 Ahora, Christian Louboutin lanza una nueva línea: Beauté. En la que busca regresarle al esmalte de uñas lo que sus suelas tomaron hace mucho. Y ello lo quiere realizar al ofrecer al público ‘verdaderos objetos de arte’, pues en cada pieza plasma su esencia: la fórmula del esmalte tiene ingredientes de la más alta calidad, los colores que ha decidido ofrecer son emblemáticos y el envase hace parecer al esmalte estar en un cristal encapsulado, y la punta de su tapa evoca a su icónica Ballerina Ultima: alta y estilizada.

Ballerina Ultima

 

Los ‘Noirs’

Noirs

Los ‘Pops’

Pops

Los ‘Nudes’

Nudes

Y el color emblemático de la firma y la colección: Le Rouge.

Beauté Rouge

 

 El desarrollo de este tipo de conceptos es lo que me fascina de los trabajos de los diseñadores, pues todo tiene una razón, un origen, una inspiración. Por ello, como cualquier obra de arte, si no se toma el tiempo de ver un contexto, aquello que provocó el ‘chispazo’ parece burdo y, en ocasiones, ridículo. El detalle está en saber mirar y saber imprimirle el sello propio.

Originally posted 2014-08-15 12:34:45. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: la fotografía de Rodrigo Maawad

Una de las ventajas del advenimiento de los programas de pos producción en la fotografía es que se pueden crear escenarios fantásticos, adaptaciones ambientales y escenas que generalmente producimos en nuestra mente a través del ensueño. Sin embargo, no todo en la fotografía, sobre todo en la que abarca el género del surrealismo, puede ser producido en su totalidad por medio de recursos de pos producción. El trabajo del fotógrafo, artista contemporáneo, se desarrolla tanto en la experiencia de la materialización de una idea al momento de hacer el montaje para una fotografía, así como también de la labor realizada en tanto la edición de su obra.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 Cuando vemos una fotografía es necesario observar el discurso visual que se está presentando, por un lado está la idea o el concepto que el fotógrafo pretende mostrar con su trabajo, es decir, qué está queriendo decirnos con una serie o con una fotografía. Podemos entender, de manera intelectual, aquello que el fotógrafo está representando, si se trata de una crítica social, si es más bien documental o si se trata de una propuesta a nivel artístico. Lo que intenta exponer el artista se puede volver aun más fácil de interpretar si tenemos como apoyo un texto curatorial. Sin embargo, a veces sólo observamos el resultado final del trabajo, la fotografía como producto final que se expone a nosotros como consumidores. En ese sentido, cuando nos detenemos a ver una fotografía podemos llegar a olvidarnos de pensar en el proceso de producción previa a la toma, es decir, qué hizo el fotógrafo para poder llegar a esa imagen que exhibe.

 Los fotógrafos mentalizan la imagen que van a crear a través del recurso de la fotografía. Para la realización de una toma fotográfica se parte primero de una idea, se eligen los escenarios, los personajes que aparecerán en ella, los elementos que ayudaran a la representación de aquello que quieren transmitir.

Fotografía de Rodrigo Maawad.
Fotografía de Rodrigo Maawad.

 El trabajo del fotógrafo mexicano Rodrigo Maawad (1982) es un ejemplo perfecto de que el trabajo del fotógrafo toma forma desde la producción del escenario, de los personajes, y de la selección de elementos de los que se servirá para realizar su obra. Al ver las fotografías de Maawad se piensa en el uso de programas de posproducción, pero también es importante observar la preproducción.

Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.
Fotografía de Rodrigo Maawad presentada en la exposición Revisiones IV: el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea, 2014.

 Rodrigo Maawad es un fotógrafo que se distingue por realizar casi por completo la producción de sus imágenes. La caracterización de sus personajes, hecha a partir del uso de máscaras y otros elementos, está a su cargo. Además elige meticulosamente los escenarios para crear cuadros alucinantes y fantásticos que reflejan una sola cosa: crítica social. Esto sucede con su serie Homo videns, en la que según comenta el fotógrafo, intenta mostrar una crítica a ese ser humano que consume la cultura a través de los medios, que imponen comportamientos sociales. El hombre homo sapiens que reflexiona, comenta en una entrevista para CONACULTA, se vuelve homo videns, esto es, un ser que ve pero que no entiende. Se siente la influencia del investigador italiano Giovanni Sartori en el discurso visual de Maawad. La serie fotográfica Homo videns muestra esta crítica social a las telecomunicaciones.

Hasta la llegada de la televisión a mediados de nuestro sigo, la acción de “ver” del hombre se había desarrollado en dos direcciones: sabíamos engrandecer lo más pequeño (con el microscopio), y sabíamos ver a lo lejos (con el binóculo y aún más con el telescopio). Pero la televisión nos permite verlo todo sin tener que movernos: lo visible nos llega a casa, prácticamente gratis, desde cualquier lugar.

– Giovannni Sartori. Homo videns. La sociedad teledirigida.

 Así pues, vemos en esta serie a personajes en situaciones de encierro, paredes blancas que aluden a un estado de inconsciencia. Observamos personajes masculinos en el espacio de lo privado, aquel que solo permite al hombre experimentar todo aquello que hay afuera a través de los medios: la televisión, la radio. El espacio privado recluye y obliga, de cierto modo, a conocer el mundo a través del consumo de programas televisivos que plantean una visión manipulada de la realidad. Las fotografías nos muestran a seres humanos que no piensan, que solo ven, con la televisión tan incrustada en la cabeza que se ha vuelto parte de sus cuerpos.

Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.
Rodrigo Maawad, Serie Homo videns. Crédito: tomadas del Flickr del fotógrafo.

 Por otro lado, Maawad muestra a otro tipo de humanos con cuerpos igualmente transformados, pero los vemos protagonizando escenas en el espacio de lo exterior. El mundo en el que aparecen estos seres antropomorfos no es el espacio del hombre moderno, es decir, un espacio urbano en el que se desenvuelve el hombre citadino, típicamente el homo videns. Sino que más bien se observan espacios agrestes. Algunas de las escenas pueden llegar a ser un tanto terroríficas, sobre todo por el énfasis que hace el fotógrafo por transformar la cara de sus personajes. Pero al mismo tiempo el horror se muestra en el efecto psicológico de miedo que puede causar en los espectadores. Este tipo de escenas pueden tener lugar incluso en la mente de cualquier persona, son ambientes recurrentes en pesadillas en las que el sin- sentido puede horrorizar a cualquiera.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

 La transformación del cuerpo es indispensable en el trabajo del fotógrafo hidalguense Rodrigo Maawad, así como la selección meticulosa de los espacios en los que representa su crítica social. Este fotógrafo es el caso de un artista completo, un individuo comprometido más que con el consumo de cultura, como él mismo lo menciona, con la creación de cultura.

Fotografías de Rodrigo Maawad.
Fotografías de Rodrigo Maawad.

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11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

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  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

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Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

El universo puro, simple e inmutable: La persistencia de la Geometría en el MUAC

Desde la década de los setentas, una serie de artistas comenzaron a tratar de propiciar formalizaciones a un inmenso espectro de prácticas al alcance de la geometría, llevada desde la abstracción hasta la capacidad referencial del arte. En un espacio delimitado por 76 obras de 29 artistas, respectivamente, se apela, según Ninfa Bisbe —directora de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “La Caixa”— tanto a lo sensorial como a una reflexión de tipo cultural, social o política.

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ''la Caixa''

Bruce Nauman (Fort Wayne Indiana, 1941). Black Stones Under Yellow Light [Piedras negras bajo luz amarilla), 1987. Colección de Arte Cotemporáneo Fundación ”la Caixa”

En 1998, el prodigioso director de cine estadounidense, Darren Aronofsky, utilizó al séptimo arte para expresar en su ópera prima, ideas enredadas en ficción que trataban de dar una explicación a los patrones en el universo mediante las series numéricas y coincidencias inesperadas. Mismas concepciones estaban basadas en los tratados de grandes genios matemáticos, tales como Leonardo de Pisa, quien realizó estudios acerca de sucesiones numéricas, lo que lo llevó a idear la sucesión de Fibonacci.

A su vez, históricamente, con la utilización de números con un vínculo asombroso, se pudieron obtener imágenes que brindaron una interpretación a los paradigmas de la naturaleza, siempre de la mano de la geometría. La persistencia de la Geometría está dividida en siete núcleos temáticos: “Metafísica de la geometría”, “Formas esenciales”, “Geometría en acción”, “Dibujar el espacio”, “Estrategias geométricas”, Intersecciones en la arquitectura” y “Minimalismos en expansión”.

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En la inauguración de la muestra, el Embajador de España en México, Manuel Alabart, confió en que el MUAC es el mejor espacio para presentarla, asimismo señaló que es un privilegio poder presentar una selección de estas colecciones. María Teresa Uriarte, coordinadora de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), afirmó que la exposición muestra cómo la geometría se ha trasladado al arte contemporáneo.

 

“El arte contemporáneo ha trascendido de las formas clásicas para ampliar su capacidad de impresión y de comunicación”, enfatizó el director del MACBA, Bartomeu Marí.

Las fotos y videos de artistas como Eleanor Antin, Bruce Nauman, Josep Ponsatí, Robert Smithson, Ana Mendieta y Francesc Torres, expresan a la geometría como algo animado. Otros de los artistas en la exposición son León Ferrari, Àngels Ribé y Ana Mendieta.

La quinta muestra que resulta de la asociación entre la Fundación La Caixa y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, MACBA, que ya se exhibió en Madrid, permanecerá abierta al público hasta enero del 2014 en las salas 7, 8 y 9 del MUAC.

Originally posted 2013-06-26 11:02:36. Republished by Blog Post Promoter

Creadores Chulavista – + Kenada Diseño

 

¿Has pensado que los objetos que usamos diariamente con frecuencia carecen de algo que los haga atractivos a nivel emocional?

José Manuel y José Andrés se conocieron mientras estudiaban diseño industrial y después de estar un semestre de intercambio en Suecia se interesaron por el diseño emocional, y tras colaborar juntos en diversos proyectos fundaron el despacho + KeNada Diseño, especializado en producir objetos que sean parte de una historia y accesibles para todo tipo de público; objetos que creen un vínculo con el usuario, produciendo momentos agradables y divertidos al usar el producto.

 

Originally posted 2012-12-19 20:07:23. Republished by Blog Post Promoter

Beautiful Steps: ¿a dónde llega?

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Lang y Baumann son un par de artistas suizos conocidos como Lang/Baumann. Una de sus obras más conocidas es la serie “Beautiful Steps” que consiste en la instalación de escaleras en lugares en los que normalmente no irían: en el exterior de la torre de un castillo en Austria, en paralelo con el techo, de una ventana a otra y en contínuas ocasiones literalmente en el aire.

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La mayoría fueron instaladas como metáfora y plantean cuestionamientos como ¿Qué sucedería si hubiera unas escaleras ahí? ¿A dónde llegarían? ¿Por qué?

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A muchos les dan ganas de dar unos pasos sobre estas escaleras, sin embargo, en realidad no son utilizables aunque, como muestran algunas de las imágenes, muchas personas han intentado caminar sobre ellas.

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Originally posted 2013-01-09 19:00:16. Republished by Blog Post Promoter

¿Un sillón o un librero? ¡Los dos!

La decoración de interiores suele ser un tema de vital importancia para los amantes de los espacios personalizados, cómodos y ordenados, es por ello que los diseñadores de muebles y accesorios ornamentales intentan crear objetos cada vez más originales e innovadores, incluso han recurrido a lo multiusos para construir piezas prácticas que hagan de cualquier habitación un lugar impecable y acogedor.

Tal es el caso de la empresa italiana de diseño Nobody&Co., cuya especialidad es la fabricación de muebles que tienen un concepto asociado con el pensamiento y el lenguaje, por tal razón crearon una línea de sillones y poufs que, además de garantizar comodidad al momento de sentarse, cuentan con un plus multiusos: fungen como libreros.

Bibliochaise, de Nobody&Co.

Bibliopouf, de Nobody&Co.

Estas creaciones fueron bautizadas como Bibliochaise y Bibliopouf, ambos tienen la apariencia normal tanto de un sillón individual como de un pouf, sin embargo, sus costados, respaldo, descansabrazos y bases tienen una serie de ranuras para colocar los tomos; aunque la cantidad de volúmenes que caben en estos muebles no es exacta, en la página web de Nobody&Co. (www.nobodyandco.it) se aproxima que pueden almacenar colecciones de libros equivalentes a uno o cinco metros lineales, según el tamaño del asiento.

Además de los sillones y poufs, la empresa italiana creó un mueble cuyo diseño se apega más a un librero tradicional, pues consiste en una pared donde pueden colocarse los tomos; sin embargo, en lugar de repisas, cuenta con unas barras que sobresalen de la superficie para sostener los volúmenes. El nombre de este anaquel es Piola Bookshelf y es innovador debido a que, una vez lleno de ejemplares, simula una pared construida a base de libros en lugar de tabiques.

Nobody&Co. fue fundada por Alissé Matta y Giovanni Genari en el año 2005, desde entonces fabrican muebles cuyo doble uso sea el almacenamiento de libros. Por su originalidad, en abril de este año los sillones Bibliochaise y Bibliopouf fueron parte de la exhibición Intorno al Liibro, presentada durante la Semana del Diseño en Milán; en mayo de 2013 presentaron la edición limitada de 24 Gold Bibliochaise en el evento INTERIORS LDN, el cual se llevó a cabo en Londres.

Estos sillones son muy prácticos para los amantes del orden, pero también para aquellos devora libros, pues seguramente tienen tantos en su casa que ya no saben donde ponerlos o cómo acomodarlos, por lo tanto, les sería útil un mueble con este diseño y capacidad.

Piola bookshelf, de Nobody&Co.

 

Originally posted 2013-08-21 20:54:30. Republished by Blog Post Promoter

La desafiante arquitectura de M. Reynolds

Por mike

@elchinomike

Michael Reynolds un arquitecto inspirado en implantar sistemas de vivienda autosustentables, ha innovado en la construcción y diseño de viviendas con capacidad para proveerse de agua, conservar una temperatura adecuada de forma casi automática, así como,  reciclar sus desperdicios. Lo anterior lo ha realizado dejando de lado ciertos estándares, códigos y reglas de construcción convencionales con los que la sociedad estadounidense ha configurado su espacio geográfico.

Michael vive en una meseta de Nuevo México donde cultiva sus propias plantas en su casa y diseña nuevos proyectos. Desde los años setenta, en un condado desértico de Nuevo México inició a construir una comunidad con desperdicios como latas de cerveza, botellas de plástico, neumáticos entre otros: Earthship. Este proyecto, fue construido con viviendas elaboradas junto a los seguidores y colaboradores de Reynolds.

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Las viviendas prescinden de recursos externos de manera no sencilla de comprender bajo un sistema de vida “urbanizado” y de consumo que impera en las principales capitales y ciudades del planeta. Lo cual ha llevado al rechazo de políticos y colegas profesionales que no obstante reconocen el valor de éstas construcciones autosuficientes, al parecer, a partir de los desastres ocurridos con los Tsunamis durante la última década.

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Éstas son capaces de proveer casi todo tipo de frutas o verduras a sus habitantes dentro de invernaderos integrados, que adicionalmente incluyen un sistema de filtrado de agua. De acuerdo a Reynolds el reto es “un asunto de vida o muerte”: combatir el cambio climático y la dependencia de combustibles fósiles. Él señala que es posible que cualquier persona construya su propia vivienda.

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El documental sobre Reynolds muestra su experiencia de construcción, aprendizaje, su método de Estructuras semienterradas con paredes de neumáticos llamados “masa térmica” en forma de “U” que regulan la temperatura del espacio habitacional con la temperatura de la tierra lo que hace innecesario sistemas de calefacción e incluso su inmersión en el Senado de Arizona para gestionar leyes a favor de su proyecto.

En el 2004 Reynolds junto con su equipo partió hacia las islas Andamán en India para la reconstrucción tras el Tsunami. Aquí instruyeron a arquitectos locales para que emplearan en un futuro el sistema con el que habían levantado 14 viviendas totalmente ecológicas. En México realizaron un proyecto similar en 2005 después del huracán Rita.

“¡Trato de salvar mi trasero y esa es la fuerza mas poderosa!”

  vimeo.com/28350955

Originally posted 2013-01-24 20:35:40. Republished by Blog Post Promoter

Diversidad artística: Festival Internacional Cultural Revueltas 2014


Más de 140 espectáculos, aproximadamente 1500 artistas locales, además de talento de talla internacional  se presentarán del 3 al 19 de Octubre en el estado de Durango, en el marco del Festival Internacional Revueltas 2013, como parte de una serie de eventos que busca homogeneizar la diversidad e identidad. Dicha celebración se abrirá paso a lo largo de casi un mes en la ciudad que fue capital de la Nueva Vizcaya. Portugal y Zacatecas, serán los portavoces primordiales de esta conmemoración.

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Crédito:Euroamérica
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Crédito:Momento de Zacatecas

 En su décima edición, el Festival Internacional Revueltas 2014 invita al público a disfrutar de una gran variedad de actividades en escena, además de un evento lleno de pluralidad cultural. Las presentaciones, se darán cita en diversos sitios, que van desde teatros hasta plazas públicas. Durango será el lugar sede que involucra a todo el talento artístico de esta época, mezclando la belleza barroca y ancestral de la ciudad con el gran elenco participante.

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Crédito:Facebook Festival Revueltas

 Jazz,  folklore, electro, pop y rock serán algunos de los géneros musicales que se podrán presenciar en esta presentación, que conmemora los 100 años del natalicio de José Revueltas. En lo que respecta a contexto musical, destaca lo siguiente:

  • Miguel Bosé
  • Solé Giménez
  • Susana Zabaleta
  • Café Tacvba
  • Proyecto alemán de música electrónica
  • Homenaje a
  • Festival internacional de arpa
  • Lila Downs
  • Tributo a José Alfredo Jiménez

 Toda esta celebración se acompañará de la inauguración del museo  de arte contemporáneo Guillermo Ceniceros; que contará con toda la gama artística del muralista mexicano reconociendo el talento de un gran artista nacional que ejemplifica al México austero y sobreviviente a través de los años.

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Crédito.Conaculta

 La gran aportación de José Revueltas, se verá  plasmada en el tiraje de  más 1000 ejemplares de su respectiva obra en aproximadamente 153 bibliotecas públicas.Además de incluir dentro de las actividades, diversos talleres (artes plásticas) para niños.

 El gran alcance de esta conmemoración radica en que más de 26 municipios, serán la base de presentaciones en todo el programa, dando también la pauta para acercarse a los grupos más marginados del estado. En ese sentido, se contará con el programa control remoto dirigido por tres medios de comunicación local; es decir, el evento se podrá presenciar en los respectivos sitios virtuales de transmisión.

 Cultura, novedad y un gran sentido de pertenencia serán los factores clave para dar paso a Octubre y a sus destellos mágicos e inigualables del Festival Revueltas en su décima edición. Augurando un mes lleno de patriotismo y una vinculación armónica con el arte internacional, se conjugará un solo objetivo: Crear un ambiente singular y que se acompañará de la cultura de toda una época.

 Un conjunto de vanguardia artística le dará el toque primordial a esta presentación, con el eje más concreto:  Vincular al arte local con el externo; además de buscar la pauta para generar lazos de fraternidad artística a lo largo de todo un mes y poder reforzarla a lo largo de cada edición.

 En palabras del gobernador Jorge Herrera del estado sede, se expresa el objetivo de esta décima muestra:

“Será la forma del arte, que se dará al mundo para apreciar la cultura”

 

Originally posted 2014-09-06 12:08:23. Republished by Blog Post Promoter

Naked Boutique abierto 24hrs

Por: Knuxx Vomica

@KnuxxVomica

 

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Poder observar las cosas desde adentro da una perspectiva diferente sobre su concepción: aumenta su significado, duplica su valor y sobre todo nos hace parte ellas. Hace unos días una afortunada casualidad me llevó a involucrarme con Naked Boutique, una tienda en línea que conjuga lo más propositivo de la moda nacional e internacional. Desde 2007, este proyecto ha ido tomando diferentes formas, pero no ha dejado de lado su inspiración por el estilo, se ha mantenido constante en su esfuerzo por difundir en nuestro país una manera más fácil de comprar: una forma que sea amigable y transmita la dedicación que hay detrás. Ello lo llevan a cabo a través de su página de internet que cuenta con piezas únicas seleccionadas a detalle por Deya Tano, fundadora y curadora de cada una de las marcas que forman parte de Naked Boutique: Gala is Love, Celestial, Paul Frank, Lorena Saravia, Vestal, Francesca Ronci, L’ Imperatrice y más… que hacen brillar este interesante trabajo por impulsar esta iniciativa por y para los emprendedores. Ahora puede ser apreciado de cerca en su nuevo showroom en la Colonia Roma donde podrán encontrar algunas de las piezas que hay en la página. La idea principal es que las compras se realicen principalmente en linea ya que el stock es más amplio y se puede vivir mejor la experiencia de esta tienda pionera en el apoyo al talento mexicano emergente.

http://www.nakedboutique.com/

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Originally posted 2013-01-29 20:00:02. Republished by Blog Post Promoter

How to be… Guide

Los objetos son extensiones de nosotros mismos, ya sea por el significado sentimental que les damos o por la simple razón de que algunos son elementales en nuestra vida por las funciones que desempeñan, hay algunos más importantes que otros y justo esos son los que llevamos a todas partes y forman parte de nuestro dia a dia, a veces es difícil notarlo pero How to be guide lo contextualiza de un modo nada comun y muy divertido.


How to be Hector Mijangos /Noiselab

Esta página web es la nueva forma de compartir con los demás los objetos que amamos y al mismo tiempo ser una guía de estilo única en su tipo. En su primer aniversario celebran la individualidad de cada personaje que ha participado con ellos, los cuales van desde Héctor Mijangos hasta Katy Von D, todos enumerando los objetos que llevan consigo y sin los que no pueden vivir, cualquiera puede formar parte de este ejercicio y echar un vistazo a los que ya han sido “radiografiados”, lo que resulta en una increíble retroalimentación que va mas allá y convierte el estilo en todo un collage de personalidades.

How to be Veneno / TCLY

How to be Pamela Ocampo / Revista Elle

 

Vista: www.howtobeguide.com

Originally posted 2013-01-09 00:09:12. Republished by Blog Post Promoter

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Originally posted 2014-10-30 09:00:09. Republished by Blog Post Promoter

Únete a la celebración de los museos

 

El próximo 18 de mayo se celebra el Día Internacional de los Museos, el tema de este año es:

Museos (memoria + creatividad) = progreso social

El director general del ICOM Julien Anfruns precisa: “Los museos se esfuerzan en alcanzar la conciliación de su tradicional misión de conservación con el cultivo de la creatividad, necesaria para su renovación y para aumentar el número de visitas, y tienen la firme convicción de que su presencia y sus acciones pueden cambiar la sociedad de manera constructiva.”

Este festejo fue creado para sensibilizar al público sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad. En 2012,  vio la participación récord de unos 32,000 recintos, los cuales, organizaron animaciones en más de 129 países.

En la celebración de este año participan más de 60 museos en la Ciudad de México con distintas actividades, como entrada gratuita, recorridos guiados a exposiciones, conferencias y talleres, además, algunos ampliarán los horarios de visita hasta las 22:00 hrs.

Ejemplo de los museos que participan en esta ocasión son  el Museo Franz Mayer, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Museo del Objeto, Museo del Chocolate y muchos más. La amplia oferta de actividades la pueden revisar a continuación.

No se pierdan la oportunidad de asistir a las diversas actividades ofrecidas por los Museos en su festejo, seguramente en cualquier parte de la ciudad donde vivan o se encuentren, habrá una actividad que valdrá la pena cerca de ustedes.

Originally posted 2013-05-13 22:10:07. Republished by Blog Post Promoter

¿Cuántos diablos hay que cumplir para dejar de estar maldita?

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Soy la oveja negra de la familia, con modales de cabra.

 La que se tiene que tapar los tatuajes cuando llega a casa porque mi mamá, de 60 años de edad, se molesta conmigo por tenerlos.

 Soy la flor que emerge del pantano y huele bien.

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 Hay varios fluidos que se han derramado en estos 25 años:

 Las lágrimas que salieron cuando me abandonaste.

 El sangrado vaginal que dejé de segregar hace poco más de un año.

 El flujo nasal que siguió luego de jornadas largas de llanto.

 El semen que me tragué y el que dejaste adentro.

 La sangre que corrió por mis nudillos cuando golpearon sin descanso el concreto. Maldita ansiedad.

 La cebada de mis latas de cerveza y el whisky, el ron, el mezcal, el pulque, el brandy; casi todo menos el horrendo vodka.

 La saliva que lubricó mis porros y la que me faltó luego del silencio introspectivo que deja la hierba codiciada y juzgada por muchos.

 El sudor de mis manos y de mis axilas.

 La grasa facial que se escurre tras la actividad diaria.

 No han pasado tantos años, sólo los suficientes. No he madurado del todo y no sé cómo se llega a ese ideal.

 Sólo sé que seguiré esparciendo jugos y caldos, regando mi esencia; con desprecio y repudio a las situaciones que no puedo controlar: tu ausencia, desdén y olvido.

Fotos: Jaime Tena 

Originally posted 2014-09-30 09:58:50. Republished by Blog Post Promoter

Ben Young: Escultura líquida en cristal

Deserted Crédito: Ben Young

El entorno del artista definirá su obra. Cada lugar, cada ambiente y cada pieza en el mundo que sea referente de quien hace arte, escriba, diseñe y confeccione estará presente en sus creaciones.  Tal como pasa con Elena Garro escribiendo sobre la Francia que la acogió en su autoexilio, o los murales que Siqueiros pintó y que reflejaban México; lo que rodea al creador será pieza importante en su trabajo y se verá reflejado en el mismo.

 Nacido en Nueva Zelanda, Ben Young, ahora radicado en Sydney Australia retoma de su entorno y lugar de residencia la inspiración necesaria para esculpir en vidrio pequeños océanos e islas de concreto que invitan a darse un chapuzón en esa pequeña escultura. La técnica con la que trabaja es el cristal cortado y ha hecho de éste material su principal materia prima de trabajo.

Lonesome Light. Crédito: Ben Young
The Entrance, crédito Ben Young.

 Ya con diez años de carrera, Ben Young empezó a buscar inspiración entre las islas y océano que le rodeaban. Su labor no fue fácil, pues manejar el vidrio y darle forma a este como el mar requiere de un gran proceso que no es nada sencillo (aunque pareciera lo contrario).

Rough Waters, crédito Ben Young

 La experiencia de ver estas imágenes no sólo realza los sentidos, sino que una de las intenciones de este autor es que las esculturas muestren diferentes perspectivas de las bahías, Islas y mares. No obstante las piezas como una mujer embarazada o creaciones más abstractas muestran otras formas de ver el mundo que nos rodea.

New Beginnings Crédito: Ben Young

Para conocer más de este artista pincha aquí.

Originally posted 2014-10-29 09:47:19. Republished by Blog Post Promoter

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

Imakenotebooks

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

Imakebooks Errr Magazine

 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Las complicaciones de ir creciendo: ¿Extrañas la niñez?


Con mente, espíritu e ímpetu caminas los primeros años de tu vida, con más apego y destreza. Poco a poco, la monotonía va embargando el cuerpo, las esperanzas y el pensamiento;  te quedas  despoblado de un sentimiento que en realidad te pertenezca. Pasas por el sendero de las cruces, de las piedras …te resbalas, caes, tal vez lloras y quisieras quedarte ahí para olvidar la aflicción que se te ha impuesto implícitamente. Ya no es el tiempo donde jugabas e ibas a la escuela con el ardor de conocer y disfrutar sin esperar nada a cambio, estabas dispuesto a entregar más no a recibir. Escuchabas como la gente peleaba, lloraba y se preocupaba, a ti nada de eso te quitaba el sueño, sólo querías consolar la desesperación de los que te rodeaban, querías dar amor, del puro y noble que se extingue conforme creces y poco a poco se evapora con la mente.

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 Te preguntaban con frecuencia: ¿Qué quieres ser de grande? Y tú no pensabas mucho la respuesta y decías cosas como bombero, policía, carpintero, bailarina, actriz, ama de casa sin tomar en cuenta si ese oficio o profesión te generaría recursos económicos a largo plazo o si podrías vivir cómodamente, la respuesta estaba cargada de sentimiento y simplicidad a la vez, a lo cual los grandes sólo reían y se quedaban viendo. Los adultos eran tan extraños para ti ¿Recuerdas?

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 Si tus padres te regañaban, parecía que el enojo sólo aparecía en un lapso instantáneo, después estabas como si nada, platicabas con ellos sobre cómo te había ido en la escuela y la próxima pijamada que Juanito iba a preparar en su casa, llegaba la noche y jugabas lotería con tu hermano mayor, mientras que tu mamá preparaba hot cakes (creo que eran tus favoritos). Siempre que terminabas de comer decías: “Te quedó muy rica la comida, mami” y tu madre sonreía tiernamente. La vida era serena y tranquila, excepto cuando la junta de padres de familia llegaba y la amonestación sobre una mala calificación o conducta indebida ameritaba el regaño del tutor; y si la falla fue muy alta, tal vez el castigo hacía su aparición, sin embargo, a los dos días se levantaba y salías como si nunca hubieras visto el sol…¡Eras tan dramático! Así como eras, te amabas, sin importar que tan flaco o gordo estuvieses.

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 Veías el día desde una perspectiva más amable; tu preocupación cotidiana más abrupta era la tarea. Sólo esperabas que no fuera de la materia que más detestabas, ya que querías pasarla bien por la tarde con tus amigos, sin tener que pensar en la maqueta que te dejarían para el siguiente día. ¡Era terrible! Sólo querías jugar a las muñecas,a la casita o echarte un cascarita.¿Por qué no entendían que las complejidades del mundo no te quitaban el sueño? Bueno, al menos entendías que hacer lo que te dejaban tus maestros, era tu mayor obligación.

 De esa manera vas adoptando patrones y compromisos que te complican poco a poco la existencia, ya no era nada más la tarea, ahora te preocupabas por gustarle al chico o chica que te llamaba la atención, empiezas a compararte con los demás, y crees que no le gustarás debido a tu falta de seguridad, piensas que seguramente esa persona busca algo más, y ese algo no eres tú.Pierdes la ilusión, y ahora empiezas a divagar. Tremendo problema, te has enamorado.

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 Ahora, quieres dinero; esos artilugios te han embobado, quieres parecer grande como cuando veías a tus hermanos, vives esa etapa que se carga de cosas que te eran desconocidas pero que adoptas rápidamente. ¿Cómo conseguirás recursos monetarios? Tienes que estudiar arduamente para conseguir un mejor trabajo,(eso te dijeron)  y estudias como enfermo y ahora llega otra gran preocupación: Conseguir empleo. Y ya son obligaciones tras obligaciones. Pareces ser dueño de tus ideales, aunque de cierta forma, sabes que no te pertenecen, han sido arraigadas con el paso del tiempo. Todo fuera tan fácil como ser niño.¿No extrañas esos momentos?

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

¿A las cuántas despedidas me alcanza para un adiós?

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No es un don nacer con las ideas desordenadas, uno tiene que luchar años completos para ordenarlas y reinventarlas. No es glorioso amanecer luego de un tsunami de drogas y alcohol. Lo que sí es glorioso es el consomé y el refresco de cola que te rescatan de la resaca.

 No me enorgullece decir que no sólo mis ideas están desordenadas, también las emociones y lo sé al ver el caos de mi habitación. O eso dicen los que saben. Lo entiendo porque no me ajusta el tiempo. No me alcanza, o no lo sé administrar.

 Este fin de semana festejé el cumpleaños de mi primo, y si no hubiera sido eso, hubiera encontrado otro evento para destruir el cuerpo, siempre hay amistades dispuestas a emborracharse el fin de semana.

 Pasé dos días sin tocar el suelo. Qué puedo decir si en otro estado y escuchando música todo se hace más ligero. Pareciera que si uno se aleja de todo lo que es real e importante el resto de la semana se alcanza la plenitud.

 No es placentero ser olvidado, pero sí lo es olvidar. Pasé dos días completos sin decir tu nombre, ni hablar de ti. Me complace anunciar que ante tus desprecios, aunque no soy inmune, sí he generado tolerancia. Oírte decir que no hay amor y que sí lo hay está enfermo, pues ya no me desborda en lagrimas y eso ya es mucho decir.

 Ya no beso otras bocas, porque no son tus labios. No me gustan otras vergas, porque espero la tuya. Yo sé que vendrás, te irás y luego se repetirá. No me importa que ya que no me quieras a tu lado, porque sé que me amas. Aunque no quieras, aunque yo no pueda ni negarlo. Llegará el día que a los dos nos alcance el olvido. Aquí, olvido para dar y regalar. Para refrendar una herida, para querernos felices. Para darnos un poco de dignidad y dejar que cada uno esparza sus tentáculos y fieras por otros rumbos.

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 Si habremos de separarnos dolerá, pero sé que ese momento no ha llegado. Te siento aquí, y aunque tus palabras escupan desprecio, tus brazos y el calor de tu pecho me piden a gritos que vaya a tu habitación a ver series japonesas, empiernados. Y yo iré y me quedaré. Saludaré con amor a tu familia y me llevarás a casa, sin decirles que no somos novios. Sin aclarar que “nos estamos separando”, porque daremos la impresión de amarnos como adolescentes, como en abril,  como siempre y como nunca. Adiós, mi amor. Te escribo pronto.

Fotos: Nadha.

Relato de guerreros en el abismo


Cuando la vida parece complicarse, la pertenencia de lucha cobra existencia para no deslindarse de la esperanza y alumbra los rostros de los guerreros ante la fría noche. Muchas estrellas se apagan, el viento corre vorazmente y la estela más grande parpadea durante todo el período nocturno, lapso en el que se proclama la libertad. Una ola de sucesos hierven el alma, otros la secan y el furor de la sangre nos llama, nos invade y nos incita a gritar una y otra vez… Ya basta.

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Crédito:Tumblr.

 Las lágrimas son el eje de la rebeldía, el brote de egoísmo impera en el necio, en el terco y la gloria por un mundo mejor nos aguarda. Tal vez no viviremos para contarla, pero la construcción de una nueva esperanza clama nuestra vida en combate y esos sueños que tuvimos desde pequeños. Y mientras el cielo se manifiesta, nuestras manos se juntan y se entrelazan para salir del escondite y manifestarnos en contra de lo que nos oprime y nos hiere para permanecer al margen del que no reflexiona.

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Crédito:Regeneración libertaria.

 Todo clama justicia, fuerza para el que lucha, el mundo grita subversión y a lo lejos, se ve la multitud enajenada viendo los programas de moda –esos que delinquen para la reflexión–, pretendiendo fingir que no pasa nada y augurando un éxito de índole personal. Se transforma el humano para no sentir, para no llorar, porque a lo macho se educó, y a lo macho lleva las riendas de su existencia. Un ser frívolo que se olvida de sus raíces, de su compromiso social y que le muestra un amor inaudito a sus cadenas que ha implantado desde su negación al abismo negro.

“Mi conturbado espíritu se regocija con la visión de un porvenir en que no habrá un sólo hombre que diga “tengo hambre”, en que no haya quien diga “no se lee”, en que en la tierra no se oiga más el chirrido de cadenas y cerrojos.”

– Ricardo Flores Magón.

 Nada se conduele, y las plantas pierden su color verde bandera para apagarse cuando el incongruente pisa sus cimientos. Así pasa con el trabajo de un conjunto de fuerzas, que se niega a vivir en el olvido y que se atreve a no vivir de las migajas, porque la pobreza mental es la peor de todas y en este momento, parece que el mundo es extremadamente adinerado en miseria emocional. Trago amargo es el que se vive en la trinchera, muchos  se abruman y parecen estar cansados, pero el hombro solidario aparece para ser partícipe de un abrazo combativo y sincero. El silencio de una noche, silba con la melodía del viento para clamar repudio hacia la crisis social. No, nada está bien. Aquél que lo piense, tendrá que bajar de la nube para asomarse y ver todo el dolor que acecha el planeta que se tiñó de gris.

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Crédito: El club de la pluma.

“Hay hombres que luchan un día y son buenos. Hay otros que luchan un año y son mejores. Hay quienes luchan muchos, y son muy buenos. Pero hay los que luchan toda la vida, esos son los imprescindibles.”

– Bertolt Brecht.

 Cuando agoniza la tierra, parece que los pasos ya no se escuchan, pero la potencialidad del grito sollozado nos devuelve el anhelo para seguir con paso firme, sin mirar atrás, sin querer ser portavoces de la mentira sino de la realidad misma. Con la mirada penetrante y ardiente, la conmoción no se detiene y el valor se añade a lo imperceptible y a lo incongruente, todo se suma al hecho de vincular nostalgia con combate.

 El ruido de una población que llora, el eco de voces dormidas y apagadas, el velador de la vida nocturna recuerda asesinatos y masacres, la mujer reclama a sus hijos perdidos, el normalista implora por una esclarecimiento de los hechos y los estudiantes ardientes de furia nos manifestamos para mostrarle al mundo de que estamos hechos. Porque mientras haya vida, venceremos al que abate las causas, al que atenta contra la solidaridad humana, al que olvida y pregona mejorías a costa del pesar terrenal.

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Crédito:Tumblr.

 Al paso del tiempo, las arboledas parecen perder su esencia y el aura pinta triste y nauseabunda, así como el espíritu de los que se conforman con un esquema mediatizado y sin preámbulos, relegan las causas y se atreven a cometer actos de indiferencia. Ante el caos, aparece la sombra de los recuerdos y el llanto abruma a los guerreros, para hallar consuelo en la confianza hacia la esperanza. Porque como dijo Salvador Allende:

“La historia es nuestra y la hacen los pueblos”.

 Y al ser portavoces de nuestro destino, todo nos compromete a soñar, a no resignarnos y mantener la firme convicción de combate en el cielo y en la tierra. Esas miradas perdidas, esas sonrisas opacas, tienen una razón de ser, y esa es la imposibilidad de querer cambiar. Entre compañeros, sabemos que esto no se acaba y que la palabra no, para nosotros no podrá tener un significado.

El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin

Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.

 El horror está asociado al sentimiento de miedo  causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.

Joel Peter Witkin, Leda.
Joel Peter Witkin, Leda.

 Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.

 Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.

Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.
Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.

 El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.

  En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía  se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.

 La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.

 La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.

 La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.

 El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.

Joel Peter Witkin
Joel Peter Witkin
Peter Witkin, Sanatorium.
Peter Witkin, Sanatorium.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.

Especial Ghibli: Puedo Escuchar el Mar

Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.

 Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.

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 Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.

 Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.

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 También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.

El día que no es y la noche que no debió ser

Estoy vacunado contra toda clase de enfermedades, de calamidades, de penas  y de miserias. Es la culminación de una vida de fortaleza. Soy absolutamente inmune.

– Henry Miller.

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Yo quería que se asomara a mi abismo y terminé siendo devorada por el suyo. Me llevó por un espiral incesante de emociones nuevas y violentas. Él buscó a una mujer y mis puños encontraron su rostro. No quería decirles, pero pude acceder a todo lo que quería esa noche, pude decirle que sí a todo lo que pidiera con tan sólo una de sus miradas perdidas. Pude, pero ahora no estoy tan segura.

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 Quería que bailáramos sin descanso, que saludara a mis amigas. Quería presentárselo a todos, mientras lo sujetaba fuerte de la mano. Quería que nos vieran juntos y reír del recuerdo de nuestra incidental primer cita. Quería que su brazo fuera una extensión de mi cuerpo. Quería despertar borracha junto a él. Quería que pensara que no iba a encontrar a nadie con los mismos tatuajes que los míos. Quería.

 También quería verme reflejada en sus lentes de contacto y levantarlos del suelo cada vez que se cayeran, para verlo correr preocupado hacia una fuente de agua. Quería convencerlo de hacer cosas que no quiere, sólo para darme gusto. Quería más de esos besos tiernos y feroces. La dualidad le va bien.

 No soporto la idea de que haya arruinado todo antes que yo, no me dio tiempo de hacer las estupideces habituales, que me nacen cuando estoy pasada de serotonina.

 Después de todo no me asustas. He visto demasiada decadencia y sí, es verdad eso que dicen: siempre se puede caer más abajo. Antes pensaba que cuando llegabas al fondo se terminaba la espera, pues no venía nada después, pero es mentira, y me costó varios porros entenderlo.

 Soy tanto veneno que no puedes digerir, tanto que ni me sorprende que la segunda vez que me viste, te convertiste en un monstruo, ¿será que sigues embrujado? o ¿será que olvidaste tomar tus medicamentos?

 Dime ¿quién eres tú? ¿por qué tienes tanto poder?

 Llevo tan poco sabiendo que existes y te he dedicado más líneas que a personas que han permanecido en mi existencia desde hace años. Puedo pasar toda la noche escribiendo para desahogar la angustia que sentí cuando vi que ya te habías ido y que la entrada del edificio estaba cubierta de sangre. Puedo platicar que estás demente o guardar el secreto. Tu recuerdo permanece. Tan inmune soy que antes de alejarme me sentí arrastrada a saber de ti. A encontrarte de nuevo. A matarte de un solo beso. Muérete, mátame. Sujeta mi cuello como esa noche y susurra otra vez que me amas.

tumblr_n5jskfVTJO1tbj34po1_500Fotos: Alan Isol 

#somoscreadores: cuatro ejes, cuatro artistas invitados

El Totalmente Nuevo Chrysler 200 ha sido la inspiración de Dr. Alderete, Cartú, Monairem y Amor Muñoz, los cuatro talentosos artistas que han creado especialmente para el proyecto #somoscreadores obras centradas en los cuatro ejes principales que dieron lugar a esta pieza automotriz:

Dr. Alderete y su particular gráfica abordan el concepto de diseño a través de un homenaje al visionario diseñador automotriz Virgil Exner para remarcar este eje como un factor que, a lo largo de la historia, ha distinguido a Chrysler en la industria automotriz.

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Alonso Cartú, cuya escultura elaborada principalmente con cerámica representa el esfuerzo y el trabajo de 200 manos creadoras, evoca el concepto del desempeño como una fuerza vital en el proceso de creación.

CARTÚ 2

La interesante propuesta de Monairem donde tiene lugar la experimentación audiovisual, reflexiona acerca de la tecnología y la interactividad que ésta detona en el público como un nuevo paradigma en donde todos pueden convertirse en creadores de sus propias experiencias.

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Y finalmente, Amor Muñoz, que con su pieza demuestra que no existen límites para vivir nuevas experiencias, trabaja con el concepto de innovación mediante una instalación sonora y textil que busca envolver al individuo en una atmósfera industrial para invitarlo a reflexionar sobre la fuerza de trabajo y los sistemas de producción.

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Así, en la exposición especial que tendrá lugar el 18 de septiembre, las diferentes perspectivas de estos cuatro ejes se encontrarán para iniciar un diálogo entre disciplinas e intereses y que recopilará los 200 trabajos de los mejores artistas emergentes nacionales.

Consulta toda la información de #somoscreadores a través de sus medios oficiales:

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

 

Fuera opresión, bienvenida a la reflexión: Komal Collective y el esténcil

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Crédito: Komal.bligoo.com

Reavivar el arte libertario a través de la técnica del esténcil, es el elemento que define a Komal Collective, grupo activista que trata de promover la educación libertaria en diversos aspectos apreciados desde cualquier punto de la calle. Sus infinitos detalles en cada plantilla, hacen alusión a la falta de conciencia social que existe en diversos aspectos cotidianos que van desde lo político hasta lo económico.

 El descontrol de la sociedad, la inminente presunción en la que se encuentra y su poder de negación en torno a sus circunstancias más adversas, ha propiciado que el arte en sus diferentes modalidades, se manifieste para dar lo que necesita la gente y el mundo : libertad y rebeldía.

 ¿Cuántos no hemos pensado algo pero por “temor” no lo hacemos? ¿Acaso suponemos actuar bajo nuestros propios pensamientos? En un tejido social donde se olvida la fraternidad humana, donde la mayoría de las veces se vislumbra angustia, soledad y frustración, aparece el olvido de la hiriente realidad de los pasos. La reflexión del día llega seguida de un remordimiento, de una pesadez y entonces dejamos de lado nuestro sentido de ser.

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Crédito:Komal.bligoo.com

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Crédito:Komal.bligoo.com
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Crédito:Komal.bligoo.com

 El síntoma de descontento, no sólo se plasma en el habla sino también a la hora de adoptar cuestiones que a la misma sociedad no le son inherentes y atentan contra su integridad. La paradoja se encuentra en la yuxtaposición que existe entre querer y poder -–bien dicen que querer es poder–. Pero ¿poder no es querer? ¿anhelamos poder, pero no querer? El arte libertario, define claramente esta yuxtaposición: Somos la sombra de nuestros propios deseos y representamos la luz para la dominación de los que no acostumbran soñar.

 En palabras del propio colectivo, se expresa el sentir de una parte del desconcierto que existe, del querer mostrar una reflexión a través de lo siguiente:

“Nos gusta la intervención visual en la calle, es hermosa, sorprendente, y sugiere una sensación.Podría llamarse graffiti, instalación, plantilla, carteles, pegatinas. Finalmente, esto es lo que nos gusta hacer […] . Nosotros tratamos de llenar de color y de vida a la sociedad cada vez más muerta y perdida. Queremos hacer reflexionar a la gente y tocar su lado humano y tratar de cambiar el mundo”

 A través del trabajo que realizan, buscan darle sentido a su creación: El generar reflexión y tener un fundamento claramente sólido. Construir y plasmar ideas, son la base para forjar la expresión y sobre todo, el sentir humano. ¿Cuántas veces nos hemos sentido aislados y oprimidos por los cuestionamientos sociales? La mayoría del tiempo, atravesamos por el sentimiento culposo de nuestro actuar y a veces; de nuestro pensar. El hombre es libre de pensamiento, pero muy pocas veces es consciente de esto y trata de revelar su descontento hablando por detrás y poniendo cinta adhesiva en su boca para toda la vida.

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Crédito:Komal.bligoo.com

 Todavía queremos creer, por lo pronto sigue brillando esa lucecita en cada uno de nosotros. El ejemplo es Komal Collective, que a partir de sus plantillas muestra a la gente sus costumbres más arraigadas al modelo de dominación en sus diferentes modalidades. Conciencia y más conciencia, son las palabras que claman para corroborar que la capacidad reflexiva aún no se ha perdido.

 Gente que pelea, que lucha, que piensa, que opina y que no se sienta cómodamente en el sillón de su casa para decir ¡Ya para qué! ¡No se puede hacer nada!, forma parte de la descripción clara del colectivo que trata de hacer un proceso de coyuntura social, integrando los grandes retos que enfrenta la población; desafíos que van desde autonomía hasta el entendimiento de nuestra vida cotidiana.

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Crédito:Komal.bligoo.com

 Se busca crear, vincular arte con libertad, unir a la sociedad a través de su independencia y de su sentir ante el dramático contexto por el que atraviesa constantemente; para poder darle color a las calles y al grito contenido en cada uno de nosotros.

 Manifestación y rebeldía, se fusionan para transmitir raciocinios alrededor de una nación que olvida su sentir y solamente, se establece bajo la monotonía de los que sembraron la indiferencia de un pueblo que ya no llora por gente que muere de hambre, por comunidades enteras que sufren de violencia en sus diferentes denominaciones, por miles de personas en sometimiento, por el olvido del 85% de gente en condición de pobreza en todo el país, por mujeres que trabajan doble jornada laboral en las maquilas, por la aniquilación de comunidades indígenas… y la lista podría ser más larga de lo que ya es. Pero el olvido del dolor, es lo que hace del mexicano un ser egocéntrico que se conforma con la mediatización del eje opresor.

 Ciertamente, la educación y formación libertaria desembocan como una luz magnánima entre los que no acostumbran gritar “Ya estamos hasta la madre” , en los que solamente chiflan y aplauden…esos que abandonan a su gente más afectada.

Sitios del colectivo:

http://komal.bligoo.com/

https://www.facebook.com/pages/Komal-Collective/302799353068863

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

¿Libre para quién? : El miedo a la libertad de Erich Fromm


La libertad en su sentido más amplio, se entiende como el eje que vincula al ser humano con su iniciativa de crear y transmitir ideas. El fundamento de esto, se encuentra en el potencial que ha desarrollado para encontrar el sentido a la vida misma y a la trama social.

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Crédito:El bebedor de absenta,Víctor Oliva.

 Cuestionamientos sociales, lucha por la aceptación, miedo a la equivocación, más apariencia que realidad; forman parte de la descripción que limita la formación idónea de la autonomía en el ser humano. Esos detonantes, hacen del individuo un ser sin esperanza y con una debilidad inherente a su desempeño cotidiano; haciendo de la monotonía su mejor compañera e inigualable amiga.

 ¿Cuál es el miedo a la libertad? ¿Qué modera el comportamiento? Fromm menciona que el temor hacia la autodeterminación proviene desde los rasgos de carácter; estos tratan de diferenciar de individuo a individuo. El temor persiste, desde el momento en que nos forjamos a cierto patrón social y al no querer experimentar la sensación de plasmar nuestras propias emociones…a no dejarlas fluir. Si realmente estoy enojado, me es más fácil decir que no lo estoy y aparte, brindarte una sonrisa falsa e hipócrita (he ahí un claro ejemplo).

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Crédito:Gantillano.blogspot.

 La mayor debilidad del hombre, es no someterse a su propio juicio y por ende, otorgar todos los imperativos necesarios a la sociedad, cuestión que lo aleja de ser reflexivo y poco crítico con sus decisiones que realmente no le pertenecen—, como lo dice Fromm:

“La conciencia es un negrero que el hombre se ha colocado dentro de sí mismo y que lo obliga a obrar de acuerdo con los deseos y fines que él cree suyos, mientras que en realidad no son otra cosa que las exigencias sociales externas que se han hecho internas.”

 Somos pasivos ante la vida, pertenecemos al deseo de otros…al sometimiento en su más clara expresión, corrompemos nuestros anhelos para darle gusto “al que dirán” y sobre todo, deambulamos sobre la falsedad de nuestro actuar. Raras veces cuestionamos nuestros pensamientos, pero si estamos a expensas de que es lo correcto y que no lo es.

 ¿Quién define lo qué es correcto? La sociedad está cargada de una doble moral, desde que el hombre no pensaba por si solo, sino solamente actuaba como una máquina autoprogramada que cuando se descomponía, era hora de configurarla respecto a los hábitos de la época en curso.

 En su afán por vislumbrar nuevos horizontes, se fue aislando y mediatizando con los propósitos sociales que no incurrían en su propio desenvolvimiento, olvidándose de su más grande deseo: La libertad en su propia esencia. Luchas sociales, protestas y demás situaciones; siempre buscaban y buscan un cambio en general pero dicha modificación va encausada a lograr la emancipación del ser humano desde distinta perspectiva (social, económica, política) pero el objetivo, en los mejores de los casos solamente cobra fuerza en un corto plazo. Y eso…es muestra del conformismo que se forma ante la existencia.

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Crédito:Tumblr.

 En la sociedad moderna (en estricta teoría), se dice que el individuo posee más capacidad crítica y analítica,mayor independencia y más confianza en si mismo. ¿Realmente es verdadero? Sí, bien es cierto que el hombre ha generado las pautas para ser más espontáneo en sus decisiones, pero por otra parte se encuentra en un estado de aislamiento que ha olvidado a su entorno y piensa que el centro, es solamente su existencia; y no la de los demás. Su principio de inviduación, superó los límites del psicoanálisis y eso desembocó en un padecimiento: La neurosis.

  El objetivo por obtener fama, prestigio y éxito; ha sido su gran enemigo como se ha visto y exacerbó su sentido ante si mismo, hacia su propio sueño: La garantía de ser libre. Pasando a ser su mayor pánico, el reconocerse ante el espejo y saber; que dicha figura no le pertenece..porque la dejó escapar con todo y su espíritu.

Layout: Local vs Global

El pasado 30 de agosto, la directora ejecutiva de Diseño Social En+, María Hidalgo, publicó en el sitio Muhimu una nota titulada Tres blogueros de moda viajaron a Camboya. H&M les prohibió hablar de lo que vieron, en donde relata el shock que vivieron los jóvenes noruegos al vivir un mes en el país asiático de acuerdo a las deplorables condiciones de vida y trabajo que llevaban las empleadas textiles.

Algunas ventajas
Algunas ventajas

 ¿Se es cómplice de favorecer dichas prácticas al comprar en estas tiendas multinacionales que son denunciadas por prácticas de explotación laboral? Como diseñador, ya sea gráfico, de modas, industrial o de escaparates ¿se coadyuva a este tipo de prácticas al trabajar para ellas?

 La realidad es que se es juez y parte, es decir, la experiencia profesional que se alcanza en cadenas internacionales o de gran relevancia nacional son enriquecedores para los profesionales en diseño, sin embargo, puede llegar un punto en el que no sea suficiente el nivel alcanzado o los intereses profesionales sean otros, los cuales favorezcan el emprendimiento profesional independiente.

 Cuando se inicia un proyecto de diseño de manera independiente se presentan una serie de dificultades que las multinacionales y cadenas nacionales en su caso pueden resolver, por ejemplo, a través de la contratación de personal, la capitalización económica a través de beneficios bancarios, facilidades o privilegios fiscales a través de relaciones con el gobierno, entre otros.

 Ante esta situación que enfrentan los diseñadores, han surgido en nuestro país plataformas para exhibir y comercializar productos creados por talento nacional y en algunos casos por extranjeros, propiciando el desarrollo de un mercado local, autogestivo y justo. Con este fin en común proliferaron los bazares de diseño como Tráfico Bazar, Vanitas, Bazar Mexicanitas, DIM (Diseño Independiente Mexicano), Lonja Mercantil, Bazar Fusión, Liebre Libre Bazar, Mercado de Diseño (Monterrey), entre muchos otros no solo en el Distrito Federal, también en Guadalajara.

 Estos bazares se distinguen por vender productos hechos a mano, factor reflejado en el precio, pero si se toma en cuenta el proceso de creación tipo artesanal no se podría comparar con los grandes almacenes o multinacionales.

Seis razones para consumir local
Seis razones para consumir local

 Los expositores, por lo regular, no tienen un lugar físico a demás de los bazares en dónde ofrecer sus productos, solo se exhiben en Facebook y otras redes sociales, aunque muchos ya se aventuraron a comercializar a través de Internet por medio de Kichnk ó Trendyta.

 Por otro lado, los bazares están en el terreno del comercio informal, muchos de los expositores no pagan impuestos por lo que tampoco deducen y las condiciones laborales con las que trabajan son a la medida de sus expectativas económicas, es decir, si quieren ganar más tienen que trabajar bastante.

 Una de las características de comprar en las multinacionales es la posibilidad de adquirir objetos que se producen en otros países y que forman parte de una tendencia global, aunque generalmente se propicia el consumo desmedido y el desecho al por mayor.

 En contraste, hay comunidades que se han beneficiado de las industrias instaladas en los países que no tienen leyes contra la explotación laboral, en algunos casos se han mejorado los caminos para trasladarse a su zona de trabajo, o los empleados reciben mejor paga por su jornada laboral a comparación de la que obtendrían por trabajar en el campo, como lo explica Johan Norberg En Defensa de la Globalización

 Indudablemente se favorece la explotación laboral de personas cuando se compra en los grandes almacenes, así como el comercio informal al consumir en los bazares diseño; de tal modo que el diseñador puede estar en medio de esta situación y resulta complejo tomar partido sin considerar todas la variables involucradas

 No se podría juzgar si es blanco o negro, es más bien una escala tonal de grises, con matices que dan características particulares a cada situación. Es igual de delicado pertenecer al comercio informal como comprar una prenda en H&M y en cada caso se desprenden subtemas más complejos relacionados con el modelo capitalista y el bienestar individual, en vez de propiciar un bien común y el comercio justo.

Pros y contras de comprar local
Pros y contras de comprar local

Layout: Colectivo Tres, espacio para artistas emergentes

Catálogo de exposiciones
Catálogo de exposiciones

Residentes de la Ciudad de México, Colectivo Tres tiene como fin generar exposiciones con la obra de jóvenes artistas que buscan espacios para exhibirla con el objetivo de promover el arte y la cultura.

 Alfredo Gallegos, Carla Esquivel, Celic Cruz, Emilia López, Javier Zugarazo y Mérce Jara se conocieron en la FAD (Facultad de Artes y Diseño de la UNAM) y decidieron juntar su talento y esfuerzo para exhibir su obra, sin embargo se toparon con la estrecha posibilidad de contar con el espacio y el apoyo necesario para lograr su propósito.

Nuestro principal problema es no tener un espacio para trabajar y no contar con ningún apoyo económico, Colectivo Tres es un proyecto autogestivo.

 Al parecer, ser joven y artista se atisba como un camino arduo por recorrer dentro del gremio, por lo que la propuesta de Colectivo Tres es una alternativa muy interesante para todo aquel que necesite darse a conocer.

 A partir de una planteamiento discursivo, organizan la convocatoria, buscan los espacios, crean la identidad gráfica, generan los documentos de préstamos de obras, diseñan la museografía, realizan el montaje y preparan la inauguración y clausura de una exposición, entre otras actividades que conlleva su gestión.

 Gestionar esta labor es importante para ellos, representa la manera en que pueden vincular al arte como una forma de conocimiento expuesto en el terreno cultural de la sociedad. La formulación Curatorial representa un pilar importante para dar razón a su proyecto y sobre ésta existe un autoconocimiento de sus posibilidades y alcances como jóvenes artistas.

Entendemos que es difícil la profesionalización de las artes, ya que se requieren espacios para exhibirla, una plataforma que promuevasu trabajo. Nuestras exhibiciones buscan ser la plataforma que los artistas necesitan para emerger.

Obra en exposición
Obra en exposición

 Como jóvenes no es habitual que se posea una propiedad para llevar a cabo tal cometido, por lo que se tiene que reconocer la labor que Colectivo Tres realiza; la búsqueda del espacio para la exhibición más la difusión del arte no es una tarea fácil, involucra distintos aspectos, como la localización, los propósitos afines, las necesidades de montaje, así como las estrategias de difusión, entre otras actividades que deben articularse con un objetivo en común.

 Las temáticas con las que buscan trabajar para la realización de las exposiciones se basan primordialmente en el discurso que propongan los artistas, por lo que constantemente lanzan convocatorias las cuales se pueden consultar en sus redes sociales y en su blog, que es su principal canal de comunicación.

 Finalmente, debido a que no cuentan con ningún apoyo económico institucional, la participación del artista no termina en presentar su propuesta, sino en la cooperación económica que den los artistas para solventar los gastos del montaje, el catálogo e identidad gráfica. Están abiertos a recibir patrocinios con la fiel intención de ofrecerles mejores condiciones a los expositores.

Tenemos muchos planes, este año habrán más exposiciones en diferentes recintos, esperamos que en un corto plazo nos establezcamos como empresa cultural y tengamos un espacio para trabajar y a largo plazo podamos fundarnos como una galería cuyo principal interés sea la promoción del arte y la cultura.

Sesión fotográfica para catálogo
Sesión fotográfica para catálogo
Preparación del espacio para montaje
Preparación del espacio para montaje

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Festivales de las Verdes Artes en México

Arte es un concepto que, generalmente, es relacionado con la belleza producida por la expresión de lo que un ser humano lleva dentro de sí mismo y permite dar a conocer al mundo exterior; sin embargo, las obras resultantes de materializar ideas y sentimientos no solo sirven para ser admiradas o fungen como adorno –lo cual también suele pensarse–, al contrario, dichas manifestaciones pueden contribuir en la generación de conciencia social en cuanto a diversas situaciones, por ejemplo, el cuidado del planeta.

Visualmente, una obra de arte puede ser muy llamativa y provocar en el espectador simples reacciones como “Mira, qué bonito cuadro”, lo cual puede trascender a que la persona busque una réplica de tal artefacto y la coloque en su habitación para admirarla a diario; sin embargo, si más allá de eso el receptor puede generar ideas a partir de haber visto una pintura, escultura, fotografía, película o puesta en escena, la pieza se convierte en algo aún más bello y significativo, pues de esta manera el impacto de la estética despierta al individuo y lo invita a participar activamente en la búsqueda de soluciones a diversos problemas sociales.

Tales ideas se sustentan en ciertos eventos realizados en fechas recientes o se llevarán a cabo en los próximos días, los cuales han tomado como pretexto la difusión artística para promocionar, a su vez, el cuidado de los animales, el rescate al medio ambiente, el reciclaje o, simplemente, hacer reflexionar a la audiencia sobre el planeta que habitamos y las razones por las que es importante cuidar de él.

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En la última semana de abril tuvieron lugar el Segundo Festival de Perros Encantados, en León, Guanajuato, y el Primer Festival de Arte Animalero, en el Distrito Federal, tuvieron como objetivos principales crear conciencia de las cosas que deben tomar en cuenta las personas al momento de adoptar una mascota, además de promover la esterilización con la finalidad de reducir el número de perros y gatos callejeros.

Estos eventos se llevaron a cabo en un ambiente familiar y con formatos de galería de arte; de ambas muestras destaca Pet Cans, el canino de tres metros de altura que fungió como depósito de botellas de plástico durante la celebración realizada en provincia, tal figura fue diseñada por Lilia Lemoine, docente de Artes Plásticas de la UNAM y también creadora del proyecto “Quetzalcóatl Proceso y Acción”, en el cual se realizó una escultura similar pero esta vez conforme a la escultura de una serpiente de 120 metros de largo.

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La imagen fija también se unió a este esfuerzo por mantener con vida a la Madre Tierra, pues en Mexicali se llevó a cabo la exposición fotográfica “Pedaleando por el medio ambiente” en el marco del Día Internacional de la Bicicleta, la cual fue montada por el Ayuntamiento de la entidad en el CETYS-Universidad. La finalidad de la muestra, inaugurada el pasado 30 de abril y aún vigente, es promover el uso de dicho vehículo para reducir emisiones contaminantes.

El teatro no se queda atrás y también contribuirá con su granito de arena, pues la puesta en escena 101 Dálmatas engalanará el Teatro de la Comedia Wilberto Cantón, todos los domingos de los próximos seis meses, con el propósito de entretener a los más pequeños integrantes de la familia, pero más allá de eso, para transmitirles el mensaje de que las mascotas son seres vivos y no juguetes, por tanto, promover entre ellos la cultura del cuidado animal. La obra será producida por Jurgan y dirigida por David Palazuelos.

Finalmente, el séptimo arte también hace lo propio para sumarse a esta causa, por ello, la Cineteca Nacional será la sede del 5to Festival de Cine y Medio Ambiente, subtitulado Cinema Planeta, el cual tendrá lugar los dos primeros fines de semana de mayo y estará conformado por cintas como Desechos de Candida Brady, Nación nuclear de Atsushi Funahashi y Cazadores de frutas de Yung Chang, entre otras.

Estas son sólo algunas muestras de que el arte es más que una simple figura decorativa y con una función social muy fuerte, pues lo bello atrae al público y, en este caso, es el gancho perfecto para provocar cambios en las conciencias y acciones de los espectadores, todo esto en pro de un planeta sano y, por consiguiente, de una vida mejor.

Plata a través del tiempo. México en su diseño

 

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El diseño mexicano ha sido un parteaguas  para la difusión de nuestro patrimonio cultural e histórico. Después de la Colonia, en el siglo XIX, hubo un renacer de lo prehispánico. Los talleres que realizaban artesanías, orfebrería y diseños en metales preciosos se posesionaron a nivel mundial por su calidad de manufactura y el toque de lo nacional representado en cada una de las piezas.

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La plata fue trabajada de manera profesional, por ello, tuvo un posicionamiento importante al ser reconocida a nivel internacional. Sus compradores eran artistas, intelectuales, personas influyentes de la época. Taxco estuvo en la lupa del diseño de piezas artísticas hechas de plata, al renacer de la mano de William Spratling, norteamericano que intervino en el mejoramiento de las técnicas de creación y diseños.

En la Ciudad de México los talleres se desarrollaron a mitades del siglo pasado. Artistas y diseñadores, fascinados por la plástica y hechura, arribaron a talleres en los pueblos, como lo era Iztapalapa, en Santa Anita, para desarrollar la estilística e imaginación de los artesanos, con ello, las creaciones salían de lo que imaginaban, conceptos más vívidos.

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Artificios. Plata y diseño en México es una exposición en el Palacio de Cultura Banamex, en él se recorre la historia de la platería en el país del siglo XIX hasta ahora. Las casas de diseño, piezas únicas exhibidas a través de dos pisos, hechas con concha nácar, obsidiana, jade, amatista, e incluso, cristales Swarovsky. De lo prehispánico, a movimientos artísticos como el minimalista, cubismo y surrealismo, con su toque de estilística mexicana.

La entrada es gratis y estará hasta este mes. Una exposición que nos hace recorrer la plástica mexicana de los últimos siglos, a través de este metal precioso que ha representado a México y es parte de su historia y cultura.

Performance Architecture Project

Las diferentes maneras de concepción y construcción de un espacio donde recrearse, sin importar si es con fines culturales o de entretenimiento dieron cabida a la constitución de un proyecto donde los materiales salen de lo común, se puede ver desde otro ángulo a la arquitectura, sentirla viva y parte del entorno en el que nos desenvolvemos, para dar una nueva oportunidad de renovar estos espacios y cambiar la forma en la que intervienen la ciudad.

Este proyecto es prácticamente una competencia internacional donde las propuestas a intervenir temporalmente espacios urbanos públicos en las que se involucra a artistas, diseñadores y a arquitectos que crean instalaciones sorprendentes dándole otra dirección a la construcción y al entorno mismo. Promueven prácticas alternativas a monumentos y otras estructuras tradicionales que promueven por medio de actividades que involucran al espectador con los creadores.

 

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Your Mom Lies: vistiendo mentiras de mamá

“La vida es maravillosa y tú serás genial”, de alguna forma u otra escuchamos mil veces esta frase cuando éramos niños, ingenuos ante lo que la vida nos deparaba, muchos años después la relidad es otra y descubrimos las grandes mentiras que oímos de boca de mamá. Toda esa decepción la tomó y encapsuló “Your mom lies” en tshirts y accesorios que son únicos en su tipo. Pequeñas obras gráficas hechas playera, collages que parecen no tener pies ni cabeza pero si un mensaje, que tiene su propio lenguaje: el de la originalidad. Apenas con tres colecciones su trabajo nunca se repite a sí mismo y que no termina de sorprendernos.

Image of Your Mom Lies birdy Gigantic tote bag

 

 

Una marca originaria de Taiwan que detona una creatividad retadora, un estilo totalmente fuera de lo convencional sin pretensiones de por medio y que busca sobrepasar las expectativas de la individualidad. Su más reciente creación es una tote bag gigante que siguen la misma temática colorida, burlesca y con muchos toques pop.

Your mom lies  revela la naturaleza transgresora que todos llevamos dentro, nuestras ganas de no crecer nunca y de haber deseado más sinceridad por parte de nuestras madres en la niñez.

Image of Your mom lies "vision test"

Image of Your mom lies "cult tee"

Image of Your mom lies "Pearl Pearl"

‘Your mom lies’ is a satire, a twisted story, a cheap tabloid we sincerely dedicate to our mommies! encuéntrenlos en su fan page

 

Arte bajo cero: Festival de Hielo y Nieve

La Ciudad de Harbin, al noreste de China, tiene el Festival de Nieve y Hielo desde 1963. Esta ciudad tiene temperaturas de hasta 40 grados bajo cero.  Lo que permite que cada 6 de enero esta festividad se lleve a cabo. Aunque comenzó hace 50 años, fue interrumpida durante la Revolución Cultural en China y se reinició  hasta 1985, por lo que este año es oficialmente la XXIX edición de su “etapa moderna”.

Bienvenida en hielo en varios idiomas

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Ciudad construida de hielo iluminada con leds

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El Festival gira en torno a las gigantescas estatuas de hielo y nieve con forma de templos, pagodas, palacios y hasta una dedicada al “Gangnam Style”. Éstas permanecerán abiertas al público hasta que los primeros calores primaverales las derritan. Este festival deriva de las celebraciones del Año Nuevo chino, que en Harbin y otras zonas de noreste chino suelen acompañar de “linternas heladas”, frente a las habituales lámparas del resto del país.

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A raíz de esas decoraciones, en los 60 se comenzaron a construir estatuas de hielo y nieve como imitación de festivales similares en Rusia y Japón, que acabaron consolidando la fiesta invernal de Harbin como una de las mayores de este tipo en el mundo.

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Ciudad de hielo con fuegos artificiales

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En cada edición del festival profesionales y aficionados participan en el concurso de escultura de hielo.

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Estaciones transformadas por el arte

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El corazón de Nápoles ha sido completamente transformado gracias a las Estaciones de Arte, es decir, sus estaciones de metro. Mediante un programa en el que colaboraron artistas, diseñadores y arquitectos, entre ellos Alessandro Mendini, Anish Kapoor, Gae Aulenti Jannis Kounellis, Karim Rashid, Michelangelo Pistoletto y Sol LeWitt, además del despacho del arquitecto español Oscar Tusquets Blanca. Éste último se encargó de la estación Toledo, recientemente inaugurada en la Semana Europea de la Movilidad Sustentable.

toledo

La estación Toledo se encuentra a 50 metros, por lo que es la más profunda de la línea, lo que permitió que el tema en su diseño fuera la luz y el agua. El arte incluye dos mosaicos del sudafricano  William Kentridge, así como trabajos de Francesco Clemente, Ilya y Emilia Kabakov, Shirin Nehsat y Oliviero Toscani.

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Por acá el sitio oficial del metro de Nápoles

Con info de Tuija Sepell

Creadores Chulavista – Verde Agua

 

Alfredo Ballesteros es Verde Agua, un joven pintor y dibujante cuyo tema más recurrente es la memoria poética, o esa necesidad de plasmar los objetos y las imágenes para que perduren para siempre. Una técnica utilizada por Alfredo es la deconstrucción de textos y dibujos que modifiquen narraciones previas y provoquen evocaciones y sensaciones. Aunque no cree del todo en la inspiración, encuentra que la lectura de libros y las imágenes fantásticas son un estímulo primordial para su obra.

L’Imperatrice, joyería e historias

Por Knuxx

@knuxxvomica

L’Imperatrice es una nueva marca mexicana con una propuesta muy original. A partir de pequeñas historias, Priscilla y Patricia Pérez Salem relatan el origen de cada una de las piezas que conforman sus colecciones; algunas de ellas: Love You To Death y King Of Hearts son parte de una serie de cuentos cortos que ellas mismas crean para justificar las líneas que llevan cada una de sus creaciones.

“En los paisajes más especiales y mágicos… Érase un lugar donde el origen
de las más poderosas civilizaciones vieron la luz… Fue la pirámide, la construcción predominante.

Entrada al cielo, paso a otras vidas, alabanzas a dioses y templos de amor y adoración.

La hermosa figura sagrada que nos acerca a dimensiones diferentes y a mundos llenos de magia y dioses del pasado.”

Hechas con resina, principalmente, sus accesorios están llenos de textura y color; toman también elementos de la cultura de nuestro país y los materializan en joyas de autor que tienen personalidad propia, juegan con la elegancia y tienen mucha actitud.

Estas chicas vienen a renovar la forma en la que complementamos nuestros outfits diarios, haciendo la mezcla perfecta entre literatura, diseño, misticismo, fuerza e imaginación.



Ulises 1: Arte en el espacio exterior

Por Genaro Grajeda

@Astro_Gee

Juan José Díaz Infante se presentó en el marco de la 1era Conferencia Latinoamericana de Ciencia y Tecnología Aeroespacial hablando sobre el desarrollo de un cubesat (pequeño satélite de menos de un kilogramo) llamado “Ulises 1” para el Colectivo Espacial Mexicano, un grupo de 11 artistas que intenta mandar al espacio la esencia de los seres humanos. El nombre del satélite es en honor al artista mexicano Ulises Carrión.

JJDiaz

El satélite trata de hacer lo mismo que hace el Sputnik: generar revuelo en la sociedad mexicana sobre las posibilidades de tener algo en el espacio. Para Juan José el satélite es un imaginario, el objetivo del satélite es que sea una pieza de discusión. Con base en las teorías de Marshall McLuhan, él y su equipo pensaron que el satélite más que ser un proyecto de telecomunicaciones sería un instrumento para pensar.

De los 11 artistas, 10 de ellos sonorizaron sus piezas para que sean mandadas de mantera intermitente a la Tierra por la banda civil en 433 MHz. Entre las piezas más interesantes se encuentran la sonorización de una parte de la secuencia del genoma del maíz, una grabación del mantra “Om Mani Padme Um”, la sonarización de un tepalcate infinito prehispánico hecho por escultores de Xalapa, Veracruz. Un artista decidió mandar una colonia de extremófilos de la clase tardígrados dentro de la estructura del satélite.

El satélite fue adquirido con la compañía Interorbital Systems y será lanzado desde la isla de Tonga en 2013. Su vida operacional será de entre 1.5 y 3 meses viajando en una órbita polar de 310 km, con lo cual el satélite pasará tres veces por territorio mexicano con oportunidad de transmitir 10 minutos por cada una de las tres ocasiones.

Más información disponible en http://www.interorbital.com/, http://www.ulises1.mx/, y http://colectivoespacialmx.blogspot.mx/

Lagunilla: Historias y diseño

 

Todos somos vulnerables a caer rendidos, enamorados, por un objeto . Ya sea por su color, su textura, o su función, el diseño del mismo nos puede atrapar, hasta hacerlo parte fundamental de lo que somos. De la imagen que deseamos proyectar al mundo. Sin embargo, para algunos, los objetos y artículos  antiguos o vintage son aún más irresistibles. Es hacer parte de nosotros un momento del tiempo. En ellos encontramos diseños inspirados en un contexto social, económico y político que nunca regresará. Es la nostalgia del pasado, de lo que fué. También, estos artículos encierran calidad, objetos que a pesar de los años, con el mantenimiento adecuado, siguen funcionando y prometen seguir existiendo.

Para cultivar esta fascinación, el Tianguis de Antigüedades de La Lagunilla se destaca como uno de los más importantes en la Ciudad de México. Tan emblemático, que  se cuentan  leyendas, como aquella  que afirma que González Camarena recorrió sus  pasillos, con el fin de encontrar piezas para su invención  más importante ; la televisión a color.  Pasillos  que, sin duda, son toda una oda al pasado. Este tianguis, fundado en los años veinte, vive su momento de consagración, como uno de los más importantes, gracias a la riqueza cultural que aporta.

Los domingos, el tianguis recibe un abanico de diversidad en sus visitantes. Turistas, adultos jóvenes y niños, todos, compartiendo la pasión por el diseño y la historia. En La Lagunilla, encontraremos objetos, utensilios  y hasta piezas de arte únicos o muy difíciles de conseguir, que nos podemos llevar a casa a precios accesibles . Desde cajas registradoras del siglo XX, hasta muebles, teléfonos o inclusive lavadoras de los años cincuenta. Lámparas, cámaras de video y fotográficas. Vinilos , tornamesas, y artículos memorables de acontecimientos importantes, como la Segunda Guerra Mundial. Muchos objetos , hechos a mano, que son testigos de la creatividad. “Chácharas” que nos recuerdan nuestra infancia. Todo esto convierte a la Lagunilla en un lugar lleno de sorpresas, donde el pasado y el presente se funden, creando un ambiente nostálgico, melancólico y único, digno de visitar y disfrutar.

*El tianguis de antigüedades de La Lagunilla se encuentra todos los domingos, de 9 am. a 5 pm, entre Reforma y Matamoros, México D, F.

*Las estaciones del metro más cercanas son Garibaldi y Lagunilla de la Línea B.