Layout: Taverna Libraria, encuadernación en miniatura

La relación entre el diseño y la encuadernación es muy estrecha, por ejemplo, al considerarse la elaboración artística de un libro; el aspecto exterior de algo siempre genera una impresión, si es de un objeto de diseño debe considerarse como consecuencia de un estudio previo que cubre algunos de los aspectos importantes de cualquier proyecto.

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 El aspecto exterior de un libro es resultado del trabajo de las personas que constantemente practican la encuadernación y adquieren una habilidad educada y delicada para manipular los materiales relacionados con esta técnica.

 Diana Vázquez es una diseñadora gráfica que ha ido más allá de aprender a encuadernar para experimentar esta técnica en miniatura. Después de aprender y trabajar varios tipos de encuadernaciones, con formatos y tamaños distintos, ha encontrado en las miniaturas una satisfacción muy grande para producir un sello particular que distingue a su obra en comparación con otras.

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Las miniaturas siempre me han llamado la atención, me encanta ver como se logran plasmar tantos detalles en objetos pequeños… hasta ahora lo más pequeño que he hecho es como de 1 x 1.5 cm. como era tan pequeño se me ocurrió ponerlo en un arete para que no se me perdiera.

 Su inquietud empezó en casa, al observar y disfrutar el trabajo que su padre habría realizado tiempo atrás en los talleres cuando estudiaba la educación básica. Ante la nula posibilidad de estudiar encuadernación como taller optativo en la secundaria, el destino de Diana decidió que esa oportunidad llegaría tiempo después, ya como diseñadora profesional y capacitándose en cursos que impartían sus maestros de encuadernación.

…la inquietud me surgió un día de pequeña al encontrar en casa algunos libros que encuadernó mi papá cuando cursó el taller de encuadernación en la secundaria. Me pareció una cosa fascinante…

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 Su propuesta de encuadernado consta de diferentes modelos pero en estructura es similar, el trabajo es igual o más difícil que el de una encuadernación de tamaño convencional; su habilidad y delicadeza para compaginar, cortar folios, armar cuadernillos, coser, colocar cabezadas, armar carteras, y demás pasos que conforman la encuadernación son de un detalle delicado para rematar con los broqueles en el caso de los aretes, y que pueden ser de distintos materiales pero con forma similar, como de gancho.

Los primeros libritos que hice fueron con hojas en blanco, pero me gustó la idea de darles más realismo y me di a la tarea de formar paginas con texto simulado y algunas imágenes, quizá esa haya sido la parte más laboriosa. Disfruto todo el proceso porque tiene su encanto hacerlo en pequeño…

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 Lo más difícil para ella es darse a conocer porque su trabajo entre semana en un despacho de museografía absorbe gran parte de su tiempo, sin embargo, ha decidido seguir con lo que le apasiona y buscar nuevos clientes, clientes que valoran el trabajo, esfuerzo y cariño que pone por ejemplo en cada par de aretes. Diana esta abierta a trabajar con las ideas de la gente que busque en su obra plasmar ese afecto por los libros, por eso es solo cuestión de contactarla para platicar y hacer un pedido.

A corto plazo mi idea es incorporar más estilos de encuadernación, también otras presentaciones distintas de los aretes y quizá armar una página para vender en línea.

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Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Las complicaciones de ir creciendo: ¿Extrañas la niñez?


Con mente, espíritu e ímpetu caminas los primeros años de tu vida, con más apego y destreza. Poco a poco, la monotonía va embargando el cuerpo, las esperanzas y el pensamiento;  te quedas  despoblado de un sentimiento que en realidad te pertenezca. Pasas por el sendero de las cruces, de las piedras …te resbalas, caes, tal vez lloras y quisieras quedarte ahí para olvidar la aflicción que se te ha impuesto implícitamente. Ya no es el tiempo donde jugabas e ibas a la escuela con el ardor de conocer y disfrutar sin esperar nada a cambio, estabas dispuesto a entregar más no a recibir. Escuchabas como la gente peleaba, lloraba y se preocupaba, a ti nada de eso te quitaba el sueño, sólo querías consolar la desesperación de los que te rodeaban, querías dar amor, del puro y noble que se extingue conforme creces y poco a poco se evapora con la mente.

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 Te preguntaban con frecuencia: ¿Qué quieres ser de grande? Y tú no pensabas mucho la respuesta y decías cosas como bombero, policía, carpintero, bailarina, actriz, ama de casa sin tomar en cuenta si ese oficio o profesión te generaría recursos económicos a largo plazo o si podrías vivir cómodamente, la respuesta estaba cargada de sentimiento y simplicidad a la vez, a lo cual los grandes sólo reían y se quedaban viendo. Los adultos eran tan extraños para ti ¿Recuerdas?

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 Si tus padres te regañaban, parecía que el enojo sólo aparecía en un lapso instantáneo, después estabas como si nada, platicabas con ellos sobre cómo te había ido en la escuela y la próxima pijamada que Juanito iba a preparar en su casa, llegaba la noche y jugabas lotería con tu hermano mayor, mientras que tu mamá preparaba hot cakes (creo que eran tus favoritos). Siempre que terminabas de comer decías: “Te quedó muy rica la comida, mami” y tu madre sonreía tiernamente. La vida era serena y tranquila, excepto cuando la junta de padres de familia llegaba y la amonestación sobre una mala calificación o conducta indebida ameritaba el regaño del tutor; y si la falla fue muy alta, tal vez el castigo hacía su aparición, sin embargo, a los dos días se levantaba y salías como si nunca hubieras visto el sol…¡Eras tan dramático! Así como eras, te amabas, sin importar que tan flaco o gordo estuvieses.

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 Veías el día desde una perspectiva más amable; tu preocupación cotidiana más abrupta era la tarea. Sólo esperabas que no fuera de la materia que más detestabas, ya que querías pasarla bien por la tarde con tus amigos, sin tener que pensar en la maqueta que te dejarían para el siguiente día. ¡Era terrible! Sólo querías jugar a las muñecas,a la casita o echarte un cascarita.¿Por qué no entendían que las complejidades del mundo no te quitaban el sueño? Bueno, al menos entendías que hacer lo que te dejaban tus maestros, era tu mayor obligación.

 De esa manera vas adoptando patrones y compromisos que te complican poco a poco la existencia, ya no era nada más la tarea, ahora te preocupabas por gustarle al chico o chica que te llamaba la atención, empiezas a compararte con los demás, y crees que no le gustarás debido a tu falta de seguridad, piensas que seguramente esa persona busca algo más, y ese algo no eres tú.Pierdes la ilusión, y ahora empiezas a divagar. Tremendo problema, te has enamorado.

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 Ahora, quieres dinero; esos artilugios te han embobado, quieres parecer grande como cuando veías a tus hermanos, vives esa etapa que se carga de cosas que te eran desconocidas pero que adoptas rápidamente. ¿Cómo conseguirás recursos monetarios? Tienes que estudiar arduamente para conseguir un mejor trabajo,(eso te dijeron)  y estudias como enfermo y ahora llega otra gran preocupación: Conseguir empleo. Y ya son obligaciones tras obligaciones. Pareces ser dueño de tus ideales, aunque de cierta forma, sabes que no te pertenecen, han sido arraigadas con el paso del tiempo. Todo fuera tan fácil como ser niño.¿No extrañas esos momentos?

Todo lo humano me es ajeno

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 TODO LO HUMANO ME ES AJENO

 

Sus charlas,

sus miedos,

sus rituales de apareamiento,

los santos de que son presa sin argumentos

El vaivén de palabras repetidas, hechas, recortadas,

hilvanadas, sucias, desgastadas,

sus construcciones, sus murallas…

                                                         no las entiendo

Lo humano y la cadena y el matrimonio, la oficina, la mortaja y la caja

en que girones de piel por egoísmo guardan.

para no dar su carne inservible a los perros,

 a las fieras, a los que se quedan

para alimentarlos, para del hambre pretender salvarlos

desde un ojo lejano los veo.

Les temo.

No les entiendo

la renuncia a la libertad

por la piel del árbol muerto el trueque de su libertad

 

 

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

siete.de.catorce: Museo Expuesto

La Sala de Colecciones Universitarias del CCUT (Centro Cultural Universitario Tlatelolco) abrirá sus puertas hasta el 26 de abril del 2015 para apreciar siete.de.catorce, la segunda fase de Museo Expuesto que contiene 121 obras, 4 preguntas, 14 curadores, 35 escritores e investigadores, 39 actividades y talleres, 43 artistas y 48 colecciones públicas y privadas.

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 Museo Expuesto se presenta en 7 exposiciones: Microcosmos, Macrocosmos, Mapas, Copias, Cajas, Impresos y Diseño, las cuales presentan objetos que van desde piezas prehispánicas hasta instalaciones de arte contemporáneo.

 Cada núcleo fue organizado por estudiantes de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM. La muestra recopila colecciones de la UNAM, otros museos y colecciones privadas.

 Recuerda que tienes hasta el 26 de abril para asistir. El costo es de $30 *50% descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS. Horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Toca, toca; aquí no es: Depresión y su insistencia

Tomó el primer tren para olvidar la locura que tanto le embarga. Cada día, cada segundo se plasma en cierto rincón de la piel, en un centímetro de la hoja. La tinta no cesa y las palabras siguen fluyendo. Cuatro paredes, nada le pertenece, sólo el cielo lleno de estrellas que se reflejaban bajo sus lentes fondo de botella. No le suplicaba al canto, menos a la insensatez del mundo… le rogaba al cielo por olvidar esos lloriqueos que tanto le angustiaban, quería olvidar y no había forma para hacerlo, si se empeñaba en vivir del recuerdo. ¡Qué tramposa era la existencia! No era feliz, tampoco era una persona subyugada por la melancolía. Tenía ratos amables y también arranques fatales, pero el letargo era más amable… le llaman depresión. Irónico el mundo de los locos, porque siempre se empeñaba en contener el cosmos bajo su rezago, mientras que venía ese maldito dolor, sí, era tan maldito que lograba que la cobardía le llegase para poder huir y no voltear hacia sus temores más desolados.

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Roger Ballen,(2012).

 1,2,3… ahí seguía esa trampa. ¿Cómo se quita? ¿Antidepresivos? ¿Terapia? ¿Cuál es el remedio? Buscaba con cautela cada proporción de las posibles vías para exterminar a ese artefacto punzocortante que era el amigo de la locura; nada funcionaba y esa chinche regresaba para malbaratarle la sobrevivencia. Centros de rehabilitación, psiquiatras, psicólogos, terapeutas… ¿No entendían que nada tenía impacto sobre ese monstruo? Era una fiera viviente, altiva… su segunda piel; se hinchaba, se clamaba y también se enfurecía y parecía gritar cuando invadía el cuerpo tal como un exorcismo que ni la Santa Inquisición hubiera podido extinguir con métodos tan abruptos.

 El escondite perfecto se llamaba soledad, y le penetraba con letras brillantes: ¡Entra, entra! Todo saldrá como tú lo desees, visítame y te implorare que te quedes en el mundo donde no sufrirás. Obedecía una vez por semana, si le iba bien cada dos meses (dependía si depresión estaba muy insistente), por lo cual soledad a veces era sinónimo de huida, llegaban a un sitio peculiar, donde no existe tiempo ni espacio, era la presencia de la inanición del mundo, sólo había un punto negro que parecía lo más próximo; se metía y no regresaba por mucho tiempo… solamente ella sabía lo que había dentro. Se perdía, y Soledad solamente escuchaba el eco de su llanto, frustración y malestar. Soledad decidió brindarle apoyo con un pedazo de hoja que decía: “Para sentirte bien en este mundo tan cruel, sólo hay una regla: Sé tú misma”.

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Roger Ballen, (2012)

 Al leer eso, ella corría para seguir descubriendo lo que había. Pasó el tiempo en lo terrenal, allá no existía eso, por lo cual Soledad era la mujer de la ley de la sabiduría y de la paciencia, a lo cual permanecía serena y tranquila. Pero en ese bosquejo de lapso, aparecían su gran antagónico: Crueldad. Un tipo salvaje y veterano, que trataba de mediatizar todo, para que la frialdad invadiera los corazones. Soledad y Crueldad luchaban en ese tiempo que ella pasaba dentro, para que el nuevo emprendedor del malestar no llegase. Pocas veces, Crueldad logró penetrar en el agujero negro, de manera, que no se sabe que hizo exactamente con aquélla mujer que yacía dentro. Salió despavoridamente y la muchacha salió minutos después. Semblante vacío, rasguños, mezclas de dolor por el cuerpo, mordidas y un bosquejo de desolación. Soledad no la podía distraer y ahora, regresaba al planeta de los engreídos a ver qué pasaba ahora.

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Roger Ballen.

 Regresaba más perdida de lo que se fue, cuando Soledad perdía la batalla. Depresión se aprovechaba de eso y la acechaba en la rutina de su vida, por lo cual, ella trataba de encontrar salidas fáciles, que sólo denotaban su falta de valentía.

 ¡Inútil era el intento! ¡Estúpida la forma de querer encontrar el método o la pócima que la hiciera libre! Era una estúpida de la belleza del amor, de la desesperanza. Crueldad, ya ganaba más rápido, eso era un indicio de la torpeza la visitaba cada vez más. Quería salir, pero se empeñaba a quedarse y la hora no llegaba… ni llegaría, o tal vez si, pero si se sujetaba fuertemente a Soledad para encontrar realmente la huella bajo su pie lastimado.

El columpio de Eros

 

 

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I

El columpio asciende

 

 

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Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

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Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

1

 

Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

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Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

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El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

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Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

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La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

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Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

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Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

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De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

MAHO: el arte de florecer

La inspiración, como sucede muchas veces, apareció de la nada. A finales de octubre de 2013, el escultor botánico de origen japonés Azumo Makoto vino a México en el marco de las actividades del Abierto Mexicano de Diseño. Además de impartir un taller, realizaría la instalación de un conjunto de esculturas florales gigantescas situado en la Alameda Central. Ella presenció la elaboración de dicho montaje sin imaginar que ése sería motivo de un entusiasmo tal, que le llevaría a comenzar una etapa nueva, espontánea, imprevisible y llena de satisfacciones.

 «Algo vibró en mí» es como lo explica María, y fue así que en las flores vislumbró la motivación que no buscaba, pero acogió como empuje de crecimiento a nivel personal y profesional. Como si se tratara de un arranque incontenible que de pronto despertó, María abandonó lo que tenía seguro en aquel entonces y se aventuró de lleno a emprender ese inquietante viaje de pétalos y sépalos, con destino incierto.

 Su visión, determinada pero aún poco orientada, la orilló a comenzar una especie de bitácora herbolaria diaria en noviembre de ese mismo año, apenas unas semanas después de aquella eclosión producida por Makoto. «En ese momento me sentí muy plena, y dije “creo que  esto es lo que quiero sentir por un buen rato”». Compró decenas de plantas, de todos los tipos y colores, adaptó una terraza  como hogar temporal de esa flora y sólo así, y acompañándose de libros, cuadernos y manuales, comenzó a aprender de manera autodidacta de ese universo natural, totalmente ajeno a ella hasta entonces.

 María tenía como experiencia previa la iniciativa de una pequeña empresa personal en venta de productos, Sandía, y, aunque continuaba en busca de solidificar este nuevo proyecto, sabía que quería dirigirlo hacia un rumbo distinto. «Más que querer un negocio como tal, me gustaba mucho la idea de ser la intermediaria en historias. Las flores eran como ser parte de una pareja, de algo; es ser parte de un momento en particular, y eso no se vende como mercancía. Cuando intentaba aterrizarlo, llegué a ese punto de entender que más allá de que fuera por solvencia económica o porque fuera algo mío, yo quería hacer feliz a otras personas. Sí, que reconocieran mi trabajo, pero que estuvieran contentos con algo que yo pudiera crear».

 Es allí que radica la esencia tan particular de lo que, al comenzar en su etapa temprana bajo el nombre de El Jardín de María, evolucionaría a la actual MAHO, esta pequeña firma de diseños florales al mando de María José Constantino, que está cumpliendo su primer año de vida. Ella, con preparación artística profesional en la actuación, involucra en este quehacer manual la pasión y sensibilidad que sólo se queda tras años en contacto directo con las artes.

«Cuando estoy por preparar algún pedido, yo lo veo como dibujándose imaginariamente, así como sucede con cada acorde o nota dentro de la música.
Y es que toda la música es bonita, y a mí todas las flores me parecen bonitas,
pero imagino las formas y colores que puedan gustarle a cada persona»

comenta María, la florista y feliz creadora de MAHO,
manera con la que se nombra como carta de presentación.

 

 Durante este primer año de trabajo activo de la firma, las flores de María se han esparcido en distintos tipos de eventos y dejado a su paso numerosas anécdotas para dichosa remembranza de la joven dueña y emprendedora. Eventos comunitarios, delegacionales y empresariales, participación con firmas discográficas, en fiestas anuales como las correspondientes al 14 de febrero o 10 de mayo, y cómplice en todo tipo de historias de amor —desde el encargo de un chico argentino para su novia en México, hasta la accidentada historia del ramo de novia que debió viajar del DF a Monterrey y de allí a su destino final, Cancún—, MAHO busca involucrarse, de lleno y de la manera más íntima posible, en cada suceso de que se hace partícipe.

 10 de diciembre es la fecha en que la flora de este jardín se engalana para celebrar a lo grande su primer aniversario, y MAHO sigue cultivando lo que sólo podría resultar de un trabajo constante, dedicado y adicionado con amor, que, en palabras de María, es la fuerza más grande e impetuosa que puede haber para dar rumbo a todo alrededor.

 Culmina el primer calendario de muchos en la vida de este mágico proyecto, con la certeza de un futuro próspero, nutrido por la dedicación de la batuta de María, pero en gran parte forjado por la convicción de sus compradores y de los seguidores amantes de la naturaleza que perciben el inequívoco cariño y empeño depositados en cada ejemplar expedido por MAHO

 

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El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

¿A las cuántas despedidas me alcanza para un adiós?

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No es un don nacer con las ideas desordenadas, uno tiene que luchar años completos para ordenarlas y reinventarlas. No es glorioso amanecer luego de un tsunami de drogas y alcohol. Lo que sí es glorioso es el consomé y el refresco de cola que te rescatan de la resaca.

 No me enorgullece decir que no sólo mis ideas están desordenadas, también las emociones y lo sé al ver el caos de mi habitación. O eso dicen los que saben. Lo entiendo porque no me ajusta el tiempo. No me alcanza, o no lo sé administrar.

 Este fin de semana festejé el cumpleaños de mi primo, y si no hubiera sido eso, hubiera encontrado otro evento para destruir el cuerpo, siempre hay amistades dispuestas a emborracharse el fin de semana.

 Pasé dos días sin tocar el suelo. Qué puedo decir si en otro estado y escuchando música todo se hace más ligero. Pareciera que si uno se aleja de todo lo que es real e importante el resto de la semana se alcanza la plenitud.

 No es placentero ser olvidado, pero sí lo es olvidar. Pasé dos días completos sin decir tu nombre, ni hablar de ti. Me complace anunciar que ante tus desprecios, aunque no soy inmune, sí he generado tolerancia. Oírte decir que no hay amor y que sí lo hay está enfermo, pues ya no me desborda en lagrimas y eso ya es mucho decir.

 Ya no beso otras bocas, porque no son tus labios. No me gustan otras vergas, porque espero la tuya. Yo sé que vendrás, te irás y luego se repetirá. No me importa que ya que no me quieras a tu lado, porque sé que me amas. Aunque no quieras, aunque yo no pueda ni negarlo. Llegará el día que a los dos nos alcance el olvido. Aquí, olvido para dar y regalar. Para refrendar una herida, para querernos felices. Para darnos un poco de dignidad y dejar que cada uno esparza sus tentáculos y fieras por otros rumbos.

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 Si habremos de separarnos dolerá, pero sé que ese momento no ha llegado. Te siento aquí, y aunque tus palabras escupan desprecio, tus brazos y el calor de tu pecho me piden a gritos que vaya a tu habitación a ver series japonesas, empiernados. Y yo iré y me quedaré. Saludaré con amor a tu familia y me llevarás a casa, sin decirles que no somos novios. Sin aclarar que “nos estamos separando”, porque daremos la impresión de amarnos como adolescentes, como en abril,  como siempre y como nunca. Adiós, mi amor. Te escribo pronto.

Fotos: Nadha.

Layout: Gloomyland, la sonrisa de un recuerdo de infancia

Gloomyland

Se acerca vertiginosamente la Navidad y es inevitable pensar en el árbol adornado con luces, esferas, listones y todo tipo de figuritas eclécticas; en los regalos y los alimentos que se comparten en familia, los cuales pueden volverse memorables por ser horrendos o placenteros, o tal vez en los niños que están a nuestro alrededor y que nos hacen recordar al niño que fuimos, lleno de expectativas por los obsequios que recibiríamos. Este mismo efecto de añoranza es el que se vive con Gloomyland.

Gloomyland nace de la mente de Tania, quien se niega a dejar morir su niña interior y la nutre a diario creando personajes que alegren a la gente y sobre todo que les recuerde su niñez o a sus mejores amigos…

Cerdito by Gloomyland

 Un ejercito de pequeñas figuritas desplegadas en una mesa de bazar sorprende con sus caritas tiernas, ojitos de un color sólido y brillante, estambres en una gama clara si se trata de animalitos o de un verde muy brillante si son cactus que están sembrados en una diminuta maceta de plástico.

Es un mundo donde todo puede hacerse de estambre, con el objetivo de hacerte sonreír y recordar tu niñez…

 Por más de dos años Tania Labastida Mendoza ha creado estas figuritas que teje de manera artesanal y aunque el tiempo y las circunstancias le han permitido desarrollarse profesionalmente como marca independiente obteniendo un ingreso, también ha trabajado muy duro para llegar a donde está.

Colección de perritos by Gloomyland

 Tania estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño, lo que anteriormente se conocía como Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM; incursionó en la fotografía, serigrafía, huecograbado y litografía pero su afición por todo lo relacionado con el art toy la llevó a experimentar con el crochet, técnica de tejido que aprendió de su abuelita, gracias a lo cual, y yendo más allá de lo convencional, es que comenzó a crear los personajes de Gloomyland.

Admiro a Twinkie Chan y a muchos ilustradores, creo que en el fondo soy una ilustradora de closet o me gustaría serlo; ahorita mis favoritos son Cars & Telephones…

 Su proceso creativo surge a partir de una idea, la cual visualiza con los colores, la plasma en papel para después pensar en los materiales que va ha necesitar. La parte más divertida comenta, es llevar a cabo el prototipo, ya que experimenta con las puntadas que utilizará al tejer, las cuales usará para cubrir la estructura previamente planeada.

Cactus by Gloomyland

Nunca, al menos que yo recuerde queda a la primera, así que a destejer y tejer hasta que vaya agarrando la forma que quiero y después a anotarlo para tener el patrón y que las piezas subsecuentes sean lo más parecidas ya que al ser hechas a mano siempre quedan diferentes…

 Tania encontró en los bazares de diseño y arte una plataforma para darse a conocer, ha participado en bastantes donde ha vendido muchos personajes de Gloomyland; sin embargo, nota que lamentablemente no todos los expositores promueven productos originales, ni siquiera productos hechos en México, sino importados de China, lo cual deja mucho que desear de los organizadores que están detrás de los bazares donde participan.

Unicornio by Gloomyland

 Glomyland de Tania Labastida estará presente en Liebre Libre Bazar los días 19, 20 y 21 de diciembre, ubicado en Bolívar No. 8,  a unos metros de la estación Allende de la línea 2 del metro (color azul), en el Centro Histórico de la Ciudad de México, si tienes vacaciones o no piensas salir de la ciudad es una buena oportunidad para conocerla y llevarte un amigurumi

 

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Layout: Cuarto de Máquinas, la posibilidad del mundo al revés por medio de los objetos

…Estamos imaginando, con esta frase se presenta Cuarto de Máquinas cuando buscas más información en redes sociales o su tienda en línea.Cuarto de Máquinas

 Ya sea una libreta, una taza, un cuadro o un libro ilustrado, Cuarto de Máquinas tiene una propuesta fresca que evoca a los objetos para llamar a la nostalgia a través de la formas que se van reconociendo cuando se hace una lectura detallada de sus diseños.

 Con un toque de humor y frases sencillas elaboran una poesía visual traducida en un objeto cotidiano, propiciando una conexión emocional que provoca la necesidad de quererlo de inmediato. El proceso de diseño consiste en la retroalimentación de las ideas de sus creativos y que comparten sobre algo que les interesa en particular permeado por su entorno.

Asumimos dos procesos creativos distintos que en algún momento se deben conectar para identificar si esa idea, esa imagen, ese sueño que nos ronda la cabeza se puede realizar… Consideramos fundamental para nuestro proceso creativo, todo; caminar, ver películas, escuchar música, ir al teatro, leer, revisar blogs, hojear revistas, visitar cafés, platicar con los amigos, dibujar, andar en bicicleta, jugar…

 

Detrás de las máquinas1_4Maquinas-08Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas está conformado por Raquel García y Mauricio López, quienes han unido su talento para producir objetos que se distinguen rápidamente por las ilustraciones cargadas de formas cotidianas y naturales con un toque de poesía visual y diseños tipo collage que fusionan formas geométricas con elementos orgánicos.

Estudiamos juntos en la Universidad, después nos hicimos novios, con el paso del tiempo ya teníamos proyectos en conjunto que nos llenaban de emoción y nos hacían creer en el mundo al revés.

Lo bueno y malo de los bazares…Cuarto de Máquinas

Cuarto de Máquinas transmite buena vibra cuando los conoces en persona, ya sea en algún bazar o en la calle. Su popularidad ha ido en aumento y estos últimos meses han sido muy importantes para ellos ya que el participar en los bazares de diseño, les ha permitido que más personas los conozcan y tengan un canal de venta directo, sin embargo, reflexionan sobre la posibilidad de encontrar nuevas caminos de difusión y no estancarse.

Reconocemos la importancia de los bazares para darle visibilidad al diseño independiente, pero también pensamos que el diseño no debería construirse únicamente desde el planteamiento comercial, sería importante no perder de vista el plano creativo, el experimental y las contribuciones sociales y culturales que el diseño puede generar. 

Diseño AutogestivoCuarto de Máquinas

En Tráfico Bazar han encontrado un lugar para conocer gente que se ha identificado con su proyecto y poder tantear el terrero sobre lo que están haciendo otras marcas de diseño independiente, aunque ellos se describen como un proyecto autogestivo que permite hacer las cosas de distinta manera a las establecidas en el campo laboral del diseño.

A nosotros nos gusta explicar el diseño autogestivo como aquel que surge por iniciativa del diseñador, y en lugar de centrarse en las necesidades del cliente, busca generar un diálogo con el usuario final del objeto de diseño. Digamos que no importa quien está detrás, sino delante del diseño. 

Cuarto de MáquinasSu adaptabilidad a la corriente de formas de venta los ha llevado a poner su tienda en línea a través de Kichink para comercializar sus productos proporcionándoles visibilidad a otro nivel, sin embargo, y bajo su percepción ese alcance aún es limitado.

La negación ante el olvido de los indígenas en la época moderna


La belleza de México radica en la peculiaridad de su arquitectura social y cultural. Un sentido histórico que define la identidad del mexicano se encuentra detallada de una manera ancestral; pluralidad y un concepto autóctono describe la pertenencia y el conocimiento de nuestras raíces típicas –ricas en emblemas culturales-. En ese sentido, alrededor del mundo se reconoce el legado patrimonial de las culturas indígenas de nuestro país, entonces ¿Por qué el mexicano se empeña en olvidar la magia de su ascendencia? ¿Dejó de ser importante? Preguntas que merecen ser analizadas y comprendidas en un contexto social.

 Una de las posibles respuestas se centra en el hecho de la desvalorización paulatina del sentido de identidad del mexicano, a partir de la adopción –según estereotipos sociales- , de la concepción de otras tendencias extranjeras (lo cual no está mal) sino que en ese afán por querer “modernizar ciertas cuestiones de la vida” se deja de lado la importancia de la cultura nativa; es más hasta se le ha llegado a degradar con adjetivos como “naco”, “ignorante”  y otros que se le asemejen. Los pueblos originarios son los que han aportado gran trascendencia a todo el mundo… y la mayoría se empeñan en su olvido.

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Pueblos Wixaritari.
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México es de aquí.

 “Del dicho al hecho hay mucho trecho”. Éste refrán puede utilizarse en el sentido de dar mención a la contradicción prevaleciente entre los que dicen sentirse orgullosos de su país y de su nacionalidad, pero en realidad esto sólo representa el reflejo de un estado de solidaridad consigo mismo, es decir, quedar bien con los demás y fingir que conozco el sentir de mi nación. ¿En realidad te duele tu país? Es un suplicio tener que lidiar con hechos tan mordaces como es la discriminación hacia nuestros hermanos, ellos viven el calvario de ser para el mundo, los olvidados.

 La historia ha demostrado en un sinfín de ocasiones -conforme a la evolución del mexicano-, que el oriundo del país del maíz olvida lo que le conviene, piensa lo que cree conveniente. Es un absurdo olvidar la magia de las comunidades indígenas, el aporte hacia la cultura de la nación ha sido gracias a la formación que han tenido los compañeros durante todo el proceso de formación, que va desde el declive de un imperio hasta la lucha para la emancipación humana. Éste México, era un pueblo guerrero – la esencia y la humildad aún describe en la actualidad el pensar de inigualables personas que adoran a sus semejantes-. ¿Por qué olvidarlas? ¿Su delito es ser pobres en un país que va en la búsqueda del tinte burgués? El delito es de la nación por no recordar la gran importancia de la cosmogonía de las comunidades más hermosas y francas de este país lleno de color; son pobres en dinero, pero no en pensamiento y actitudes, de ellas siempre podrás aprender a través de la humildad que tanto le falta al mexicano.

“El río pasa, pasa:
nunca cesa.
El viento pasa, pasa:
nunca cesa.
La vida pasa…
nunca regresa.”

Poema otomí.

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Indígena huichol.

 El orgullo que invade el espíritu al sentirse parte del florecimiento de una cultura exquisita en detalles, se ha quedado atrás del hermano y parece no recordar la importancia, se desatiende y los colores brillantes de este país se han opacado en otorgarle un poderío a una semblanza del olvido. Mercancías por doquier y miles de despilfarros hacen su aparición en el siglo XXI para minimizar la esperanza de los caídos,de los que les duele un país sombrío y cansado de seguir y no encontrar la luz al final de túnel tan interminable.

“El indígena descalzo…el burgués gozoso
El pobre lucha…el burgués calla.”

 Mientras se carece de fraternidad, México lindo y querido parece desquebrajarse ante cualquier tumulto que ofrezca mayor sentido de vanguardia, mientras que un pueblo olvidado llora que se le haya exiliado de su tierra llena de flores y tradiciones, llena de manjares nacionales. El rostro indígena, es la más bella y sincera de la humanidad y de la semblanza de la historia de una nación que ha sufrido tragedias y olvidos. Todo el tiempo se le pisa, pero la lucha de los más aguerridos y de los pueblos originarios sigue en la esencia de una nueva perspectiva de vida, donde los intereses por tratar de no recordarlos ya no existe.

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Indígenas en el Estado de México.

El guerrero no es alguien que pelea,

no tiene el derecho a tomar la vida de otro.

El guerrero, para nosotros,

es aquél que se sacrifica por el bien de los demás.

Su tarea es cuidar

a los mayores,

a los indefensos,

a aquellos que no pueden hacerlo por su cuenta,

y por sobre todo,

a los niños,

Futuro de la humanidad.

-Toro Sentado.

 El México aguerrido por pueblos originarios, por comunidades llenas de bellos sentimientos aún viven en las entrañas de la tristeza que cae a cántaros del cielo. Un pueblo que lucha por seguir en el camino con personas tan soberbias que no reconocen el corazón tan excelso que describen a nuestros hermanos los indígenas. Ellos son la luz para los que han dejado se soñar, ellos son la guía para este mundo gris; respeto y amor siempre para ellos. Este país les debe eso y más, por sobre todas las cosas, nunca será exterminada la llama reveladora de los que han forjado el sentimiento de una historia llena de lucha.

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

Layout: Proyecto Diversidad Matérica

Exposición realizada en centro cultural Futurama.
Exposición realizada en centro cultural Futurama.

El pasado fin de semana terminó la exposición “La Individualidad como Multiplicidad” en el centro de la Juventud, Arte y Cultura FUTURAMA de la colonia Lindavista, al norte de la Ciudad de México. La exposición estuvo conformada por ocho artistas plásticos mexicanos, abordando el tema de la tridimensionalidad desde diferentes disciplinas como la escultura, instalación, performance, arte-objeto; en conjunto, conforman el grupo Proyecto Diversidad Matérica. ¿De qué va el Proyecto?

Diversidad Matérica tiene como propósito difundir el trabajo artístico resultado de la investigación y la experimentación matérica, emplazadas en un proyecto de propuesta tridimensional, con el fin de compartir no sólo los elementos conceptuales y plásticos entre la población en general sino los proceso creativos y las motivaciones que llevaron a la realización de la obra, mediante charlas, mesas redondas y visitas guiadas.

 Es necesario notar la intención que tienen de compartir con el público sus procesos creativos y motivaciones, resultado de una investigación y experimentación de materiales que influyeron en su obra, ya que la gente no la tiene tan fácil cuando se enfrenta a la propuesta del artista quedando a la deriva para su interpretación. Esto no quiere decir que toda obra tenga que ser explicada, sin embargo, cuando el artista describe su proceso es posible que genere empatía con el espectador y más cuando no está inmerso en el estudio de las artes, lo que posiblemente lo agradecerá independientemente si es o no de su agrado, ya que le permitirá generar una opinión.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 ¿Quiénes son Proyecto Diversidad Matérica? Proyecto Diversidad Matérica es un colectivo de reciente creación (julio de 2014), y surgió por la necesidad de conformar un grupo de difusión y análisis a través de propuestas artísticas tridimensionales. Olivia Pinzón, Rodrigo Orduño, Ana Bernal, Israel Wood, Raúl Godínez Ramírez, Manuel González, Jorge Castillos e Ivette Ávila son egresados de Facultad de Artes y Diseño de UNAM con excepción de Manuel Gonzáles que ha estudiado artes en el interior de la república.

Nos denominamos PROYECTO porque estamos abiertos al autoanalisis, la investigación y la autoevaluación y por lo tanto al cambio, un proyecto siempre está en transformación.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

¿A qué se enfrentan como colectivo?

Consideramos que uno de los obstáculos más difíciles de sobrepasar es el propio trabajo en colectivo, es decir, llegar a consensos de todo tipo, desde ideológicos hasta organizacionales sin generar conflictos internos. Y por la parte externa, encontramos los obstáculos que permean a los espacios expositivos a nivel institucional y gubernamental y que pueden ser desde acceder a ellos hasta las limitantes o faltas de apoyo por parte de algunas instituciones.

Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 La unión hace la fuerza, decían, pero la verdad es que no es algo tan sencillo ya que existen variables que influyen y propician el trabajo en equipo. Si bien es cierto que  todos los integrantes buscan un objetivo en común, no todos funcionan de la misma manera ni tienen las mis habilidades y capacidades para afrontar los retos internos y externos con los que van a lidiar. Sin embargo, a través de la organización, disposición, comunicación e intención de salir adelante, “La Individualidad como Multiplicidad”, ha dado un primer paso hacia la consolidación de Proyecto Diversidad Matérica.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Ben Young: Escultura líquida en cristal

Deserted Crédito: Ben Young

El entorno del artista definirá su obra. Cada lugar, cada ambiente y cada pieza en el mundo que sea referente de quien hace arte, escriba, diseñe y confeccione estará presente en sus creaciones.  Tal como pasa con Elena Garro escribiendo sobre la Francia que la acogió en su autoexilio, o los murales que Siqueiros pintó y que reflejaban México; lo que rodea al creador será pieza importante en su trabajo y se verá reflejado en el mismo.

 Nacido en Nueva Zelanda, Ben Young, ahora radicado en Sydney Australia retoma de su entorno y lugar de residencia la inspiración necesaria para esculpir en vidrio pequeños océanos e islas de concreto que invitan a darse un chapuzón en esa pequeña escultura. La técnica con la que trabaja es el cristal cortado y ha hecho de éste material su principal materia prima de trabajo.

Lonesome Light. Crédito: Ben Young
The Entrance, crédito Ben Young.

 Ya con diez años de carrera, Ben Young empezó a buscar inspiración entre las islas y océano que le rodeaban. Su labor no fue fácil, pues manejar el vidrio y darle forma a este como el mar requiere de un gran proceso que no es nada sencillo (aunque pareciera lo contrario).

Rough Waters, crédito Ben Young

 La experiencia de ver estas imágenes no sólo realza los sentidos, sino que una de las intenciones de este autor es que las esculturas muestren diferentes perspectivas de las bahías, Islas y mares. No obstante las piezas como una mujer embarazada o creaciones más abstractas muestran otras formas de ver el mundo que nos rodea.

New Beginnings Crédito: Ben Young

Para conocer más de este artista pincha aquí.

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

La mujer que no se quería


En una parte recóndita de la vida, existía una mujer que no quería ser ella. Buscaba la forma de compenetrarse con el exterior, y poder admirar la banalidad del mundo que tanta depresión le ocasionaba. Corrompía el delito de sentir más de la cuenta, su grado de sensibilidad le permitía frustrarse día a día por tanto dolor e iniquidad humana, quería olvidar que el mundo parecía estar despierto pero que a su vez, solamente estaba adormecido por el temor contemporáneo.

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Crédito:La Vanguardia.

 Parecía ser una mezcla de antónimos y más con los estereotipos que le bombardeaban la cabeza, una y otra vez. Cansada de andar por el camino con otros zapatos, quería adoptar unos de color más chillante – de esos que la gente aprecia más-, y la emoción le llegó de una forma tan ingenua, que quiso ser como las demás mujeres, tan asfixiadas de falsedad. Ella pensaba, que las personas sólo querían a las chicas que eran agradables a la vista –según los requerimientos sociales-, y todas las noches anhelaba ser otra persona, ser como las demás, porque ya se había cansado de llorarle e implorarle a la luna, que solamente quería ser aceptada.

 Le gustaba la noche, porque la magia de las estrellas le permitía soñar despierta y además, podía confiarle todos sus secretos a unas hojas de papel plagadas de tinta negra. Parecía que la oscuridad se conjuntaba con sus miedos, y así se hacían mejores aliados para poder platicar con el muro sobre las angustias que la acechaban cada día, cada tarde, a cada momento. Mientras las lágrimas brotaban de repente, las manos parecían articular todo el dolor que sentía, y plasmaba sobre el cielo un mar de esperanzas por cumplir, y una de ellas era ser normal y aceptada.

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Crédito:Blogspot.

 Tal renuencia para amarse a si misma, le provocó grandes inseguridades y trató de ahuyentar los miedos de miles de formas, pero siempre fallaba y la aflicción llegaba para corromper su estado de ánimo, cuando éste tipo de situaciones la acechaban. No creía en ella, y desgraciadamente no podía ver la hermosura de sus pensamientos, de su espíritu y de su gran talento para amar, lo malvado de esto es que siempre la abrumaban tantos complejos que no podía sentirse completa. Ella sólo quería ser como las demás, como esas chicas que eran normales, esas que la gente acepta rápidamente y que parecen no tener problemas, porque su mente es tan superficial que no pretenden ir más allá del presente. Esa  mujer se la vivía soñando, era su pasatiempo favorito. Divagaba tanto, que se perdía entre la gente para tocar los pétalos de las flores en el parque, para dibujar caritas felices en los dedos de los demás, le gustaba oír ruidos extraños mientras la gente peleaba, disfrutaba caminar en medio de la noche, porque la noche era tan hermosa, que todos parecían olvidarla y se consolaban con la diversión que ofrecía, pero no con su significado real.

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Crédito:Blogspot.

 Mientras los hombres pasaban y se detenían a ver a la chica más guapa, ella pasaba inadvertida bajo sus letras y sus pensamientos, sabía que eso no le pesaba, sino que creía que no era tan divertido ser tan diferente, eso a la gente parecía aturdirle y la hacía más vulnerable hacia el dolor. Todo pasaba mientras ella caminaba, sólo escuchaba el rumor del mundo para poder entender el porqué de tanta injusticia… y así, pasaba la vida, llena de suspenso y de una grotesca pizca de advertencia.

 Harta del mundo, fastidiada de su propia persona, decidió ser como las demás y empezó a celebrar las cosas más estúpidas del mundo; planeta en el que se augura una mujer aceptable. Buscó pertenecer al mundo, siendo como las demás y obviamente, se sintió más infeliz que nunca por adoptar lo más somero de la existencia. Se preocupó tanto por dejar de ser ella, que de repente se encontró con la espada que le haría más daño. En ese afán por buscar un cambio, olvidó la belleza de toda su singularidad, ese toque que la hacía tan especial a la vista de los demás, sólo que ella no quería darse cuenta de lo que era realmente; era la gota de aceite sobre el agua, pero se empeñaba en no serlo.

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Era lo que el viento le dijera. Crédito:Blogspot.

 El espejo parecía mentirle y ser su peor enemigo, es por eso que no se llevaba muy bien con él y su trato siempre fue ofensivo, no había una situación cordial entre ellos, al grado de que mandó a quitar todos los espejos de su casa, para poder sentirse más tranquila. Ellos no eran amigos y parecía que no iban a tener una relación de respeto. Porque esas láminas resplandecientes, le mostraban algo que no quería ser.

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Lo sublime del viento fue su guía. Crédito: Flickr.

 Pasaba el tiempo, y de repente encontró que el mundo merecía pensamientos sinceros y bellos. Y decidió por primera vez ser ella, con esa luz tan deslumbrante que se negaba a ver, con toda esa lluvia de emociones que no quería que le invadiera, puso un espejito sobre su tocador, para verse de vez en cuando y poder quererse poco a poco. La aceptación comenzaba a fluir y de repente sin demora alguna, llegó alguien que la haría sentir más especial de la cuenta, era un alma que también disfrutaba de los detalles más sublimes de la vida. Eran unos soñadores entre el mundo que está dormido. Así comenzaron la existencia de lo desconocido. Ella, ahora es lo que siempre quiso desechar. La vida no se equivoca.