Daniel Soares pregunta ¿Moda artificial?

Creatividad, pasión y desapego por las tendencias son tres factores que caracterizan a Daniel Soares, director artístico quien refleja en su trabajo la crítica hacia el artificial concepto del modelaje, dejando ver que existe una esencia mas allá de las imágenes que apreciamos en los anuncios con los que diario nos topamos…

Daniel Soares

 

¿Por qué ir en contra de los estándares de modelaje que son aceptados por gran parte de la comunidad? ¿Por qué dejar a un lado los caminos cómodamente experimentados y exitosos? estas son cuestiones resueltas por la esencia que hay detrás de observar un cuerpo estéticamente presentado en una fotografía de una campaña publicitaria, ya que él considera que el trabajo constante, cuidado por los detalles y pasión por aquello que se vive, crea la diferencia en las vidas que lo rodean.

Daniel Soares

Daniel Soares

¿Quién es? Nació en Portugal, creció en Alemania y actualmente es profesor de Miami Ad School en San Francisco. Ha sido premiado por su trabajo y éste ha sido exhibido en reconocidas galerías de arte, ¿Una pista más? Él es el artista quien usa la barra de herramientas de photoshop en los anuncios de propaganda de H&M y catálogos virtuales, pero ¿cuál es la finalidad de exponer todo esto? Es una pregunta, que no será resuelta hasta que como sociedad se vea más allá de lo que percibimos con los ojos y qué es todo eso que se encuentra detrás de la imagen de una modelo, para pasar a tener como prioridad la esencia y significado del humano que lo posee.

En 2014, Daniel Soares fue invitado por  Kesselskramer para llevar a cabo una exposición de la serie Photoshop Adbusting, como parte de The Step una exhibición que concentrándose en las sesiones de fotos para la industria de la moda revela el lado siniestro de ésta.

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Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Yo sólo sé que no sé nada, otra vez

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Cada vez sabemos menos. Cada vez  lo que sabemos se convierte en poca cosa frente al  juicio de los demás. Ya sea que se hable de moda, de fotografía, de arte, de amor, de cine o de cualquier otra cosa abstracta que tenga que ver algo material. Es decir, el pensamiento genera más conocimiento a partir de lo ya sabido, pero también crea lagunas de desconocimiento y en este re-conocimiento se proyectan en las formas materiales de los conceptos abstractos; por ejemplo, una fotografía y el sentido que tenga ésta. Un desfile de modas y su repercusión social fuera de las carpas temporales, etc.

Y gracias a esta materialización de lo abstracto, quizá nuestra cabeza se haga enorme de ego para aplicar genuinamente las deducciones, las subjetividades (como esta entrada y como las anteriores porque, en efecto, la subjetividad es individual y los textos por más acercados sean a lo objetivo no pueden serlo porque es una interpretación. ¿Qué es ser objetivo en esta era de conceptos y demás aspectos abstractos?) y el posicionamiento hacía ser superior a alguien, simplemente por saber más que el otro.

¿Qué es lo que nos convierte en devoradores  físicos del conocimiento y monstruos juzgadores de las personas que no saben?  Pareciera que el mismo conocimiento nos deja ciegos y no nos permite siquiera compartir la información obtenida.

El conocimiento o el saber hacen que sepamos menos y actuemos más como animales. ¿Será que la consciencia y la sabiduría nos lleve a un estado más arcaico del “ser” donde el yo y súper yo entran más en conflicto con el tú y el súper tú?

Quizá, y sólo quizá estas preguntas cuasi filosóficas sean respondidas con interminables charlas existencialistas que poco o mucho resolverán las ideas que acabo de preguntarme. Pero vaya, ¿acaso de esto no se trata la búsqueda del conocimiento? ¿Acaso entre el más se nos dará el menos? ¿Cómo es que Sócrates pudo saber que no sabía nada?

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En alguna conferencia de Julieta Fierro, la astrónoma precisó la experiencia de Galileo con la sabiduría y los dogmas sociales. En esta plática recalcó que se ha pensado que entre más enredado sea el concepto o más abstracto se conciba, será mucho más puro el conocimiento de aquél acontecer. Cosa que es completamente errónea (y vuelvo a lo mismo ¿Quién sabe realmente que lo que digo es erróneo? ) y retomando la experiencia de Galileo dijo: Galileo optó por recaudar lo que ya se sabía para poder descubrir nuevo conocimiento.

Así pues, el saber  no te hace mejor persona sólo por saberlo sino que se debe saber para qué o en qué se podrá usar ese conocimiento obtenido. ¿Para enseñar y que la ignorancia sea erradicada?  Si incluso se juzga de pretencioso a los que dicen que enseñan. El mundo y la sabiduría es una contradicción absoluta.

Hay muchos que piensan que saben más y por lo tanto piensan que es mejor que no sepamos nada, pues al saber se hará un ejercicio de iguales y las superioridades serán exterminadas, lo cual, en los juegos de poder, no serían convenientes.

Quizá la ignorancia no acabe nunca porque nunca nadie sabrá el todo.  Y es esta ignorancia la que ocasiona guerras discusiones y pleitos cotidianos, es la que baja autoestimas, que degenera el sentido del saber, que paraliza. La ignorancia es el síntoma de la arrogancia y la pretensión pero también la ignorancia es lo cósmico de la sabiduría y la encarnación de la humildad.

Ilustraciones: Pedro Sosa.

Alta costura y adicciones en una imagen: Heroin Chic

Recientemente me encontré con un proyecto bastante interesante, que he visto circular por diversos medios digitales tanto de arte como de moda, llamado “Downtown Divas” realizado por Loral Amir y Gigi Ben Artzi, artistas de no más de 22 años que se atrevieron a plasmar a las verdaderas “Heroin Chics” mujeres con mucho más estupefacientes y menos glamur que las de las pasarelas.

 "Downtown Divas"Esta tendencia se refiere a un look enfermizo: excesiva delgadez, caderas y clavículas huesudas, ojos vidriosos, grandes ojeras amoratadas, cabello sucio, desparpajado, piel pálida y poco o nulo maquillaje precisamente similar al de una adicta. Dicha imagen fue un modelo a seguir en los años 90, y tuvo como  portavoces a las súper modelos Kate Moss y Jamie King.

 Las modelos utilizadas por Loral y Gigi fueron prostitutas heroinómanas rusas que fueron retratadas como si se tratase de una sesión de revista de moda, las cuales vistieron prendas de alta costura de Alexander Wang, Louis Vuitton y Miu Miu.

 No solo fueron fotografiadas también fueron grabadas en un breve video en el que platicaron con ellas acerca de que hacían antes de consumir, cuáles eran sus sueños, aspiraciones e incluso quien fue el amor de su vida, mostrando que tienen los mismos deseos y sensibilidad como tú o como yo, pero que constantemente son señaladas y vistas como parias de la sociedad, a fin de cuentas no se trata de estigmatizarlas más, sino precisamente mostrarlas como los seres humanos que son y de paso criticar los estándares de la industria de la moda.

 Bien sabemos que los cánones de moda no siempre son los mejores ejemplos a seguir, sin embargo ¿qué hizo que las “Heroin Chics”  del lado glamuroso se volvieran todo un icono? El principal componente para el éxito de este look fue el cinismo con el que fueron presentados hombres y mujeres con problemas de adicciones respaldados por las grandes firmas.

Jamie King

 En gran medida debido a que el uso de heroína, cocaína o cualquier tipo de estupefaciente ya no solo era propio de la clase baja sino que fue un hábito rápidamente adoptado por la clase alta incluso considerado “chic” (de ahí el término “Heroin Chic”).

 Fue una tendencia sumamente criticada que no duro mucho por la mala imagen que vendía y por la muerte de Davide Sorrenti (novio de Jamie King) fotógrafo de moda que murió por problemas de salud agravados por el consumo de heroína y porqué la mismísima Anna Wintour (editora jefe de la edición norteamericana de la revista Vogue) dijo basta: “La ausencia de maquillaje y el pelo sucio no es lo que Leonard Lauder quiere ver” (en alusión al presidente de Esteé Lauder y anunciante de peso en la prensa de moda).

 Concluida así la etapa de las “anti-modelos” quedó al descubierto el hecho de que no importa la clase de imagen que se venda al público, sino que tanto la consume y al final el duro contraste entre el mundo de las “Heroin Chics” y las “Downtown Divas”.

Kate Moss Downtown Divas from LA on Vimeo.

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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El almacén de la imagen: fotografía de modas de Tim Walker

La fotografía de modas ha legitimado la industria de la moda provocando que se reafirme cada vez más en el contexto sociocultural de cada país. Pero también ha permitido que los fotógrafos exploten las posibilidades de la fotografía, aún con las limitaciones que implica trabajar para un medio como las revistas.

Autorretrato de Tim Walker con ochenta pasteles, 2008.
Autorretrato de Tim Walker con ochenta pasteles, 2008.

 A pesar de estar dirigida a los medios de comunicación y de ser vista como una producción más bien artística, la fotografía de moda también tiene las características propias de un documento social, pues muestra la cultura de una época. Esto es evidente no sólo en el hecho de que exhibe la indumentaria característica de un momento histórico determinado, sino que en ella también se pueden leer códigos de comportamiento, normas y actitudes aceptadas por los distintos géneros según los roles sociales que les han sido asignados.

 Concha Casasus menciona que cuando una imagen es testigo fidedigno de lo que acontece, de los pensamientos, comportamientos y de los sueños de un individuo o de un colectivo se convierte entonces en un documento social. En este sentido la fotografía de modas puede leerse desde la perspectiva artística, buscando elementos de la estética, así como también desde la perspectiva sociológica.

 Los fotógrafos que se desenvuelven en el mundo de la moda y que se dedican a crear contenido para las revistas, pueden verse vistos en la imposibilidad de realizar las fotografías con base plena en sus ideas, ya que deben ajustarse a los parámetros del medio, sobre todo aquellos que trabajan fuera de la documentación de pasarelas y que se centran más en el trabajo de estudio. Aquel que trabaja desde su estudio, menciona Casasus, conoce lo que la firma o lo que los publicistas desean, por lo que los modelos y las temáticas suelen ser impuestos, lo cual podría limitar sus capacidades creativas. Sin embargo algunos fotógrafos han logrado fusionar ambos elementos creando sesiones que cumplen con lo que las revistas buscan sin dejar de lado sus propios ideales y propuestas creativas.

Tim Walker, Sophie Srej and Avelina, 2009.
Tim Walker, Sophie Srej and Avelina, 2009.

 Tal es el caso del fotógrafo británico Tim Walker (1970), quien ha trabajado para revistas de renombre en la industria de la moda, tales  como Vogue, Love, W Magazine y Bazaar. El trabajo de Walker se distingue por apegarse a los lineamientos de los medios para los que trabaja sin dejar de lado su toque personal. En sus fotografías imperan los elementos fantásticos, creando así imágenes que además de cumplir con el elemento fashion también crea un discurso visual que gira en torno a su propia concepción de lo fantástico, lo bello y lo incoherente. En una entrevista realizada por Karl Smith en 2012, Walker menciona que se anticipa al pedido haciéndo saber al interesado en su trabajo que tiene cierto apego por los insectos y en los cuentos de hadas. Esto dice mucho del proceso creativo del fotógrafo, pues antes de saber la propuesta de la revista para la cual ha sido llamado, el interesado debe estar enterado de que su trabajo puede involucrar algún fairy tale o cualquier otra idea extraída de libros para niños. “Fashion is not my leading direction as a photographer”.

 Es interesante observar cómo es que Walker combina la fotografía, la literatura y la moda para crear imágenes explosivas, llena de colores pastel, creando escenarios y dándoles vida a personajes de cuentos o películas populares. La narrativa visual que crea en sus imágenes se impregna de él y de sus gustos. Sin embargo, no deja de lado el papel del espectador al momento de hacer fotografía. En este sentido, Walker hace, en esa misma entrevista, una analogía entre la fotografía y una ventana entre lo que hay fuera en el mundo real y lo que hay dentro de su obra, la fantasía. Así pues, Walker hace una invitación al espectador a entrar en su mundo, en su fotografía, a pasar a través de la ventana que te transporta al mundo mágico, como si se tratara más bien del agujero de Alicia en el país de las maravillas por el cual se accede al mundo de la magia y del sinsentido.

Tim Wlaker, Kirsi Pyrhonen, 2008.
Tim Wlaker, Kirsi Pyrhonen, 2008.

 Al mismo tiempo en el que Walker explora la fotografía desde su visión en combinación con los parámetros establecidos por los medios, se muestra el tinte surrealista en su obra. Concha Casasus menciona que la fotografía surrealista de moda permite el triunfo de la creatividad y la aceptación de una publicación publicitaria. El trabajo de Walker es un coctel delicioso de moda, surrealismo, literatura y criaturas fantásticas, una mezcla de colores y texturas y diversos elementos que no deja el ojo quieto ni un solo momento mientras se mira sus fotografías.

Tim Walker, Karlie Kloss, publicada en Vogue de Gran Bretaña, 2011.
Tim Walker, Karlie Kloss, publicada en Vogue de Gran Bretaña, 2011.

¿Todos somos moda? Reflexión sobre la moda y las normas sociales

Comme des Garçons, una de tantas marcas que crean micromundos en sus colecciones. Crédito: Les Do It.

En el desfile, las modelos caminan y dan sentido a la colección. Con las luces, la atmósfera envuelve al espectador convirtiéndolo en más que un público,  en un universo interno de la colección. Cada desfile, cada pieza es un micromundo con sus sentidos y sus significados, con su trabajo y con su pertenencia.

 Los hilos son cosidos, pero también se cosen los significados en la ropa. ¿Cuál es significado real de la ropa? ¿cubrir? ¿demostrar? ¿comunicar o incomunicar? Seguro las preguntas filosóficas de la moda se responderán observando y sacando conclusiones con cada conducta de la moda. El qué se pone, y porqué lo hace. Cómo es que el impacto de cualquier movimiento social trae consigo una moda en textil o si esta moda textil causa movimientos sociales. Cómo es que dentro de estos micromundos se crean micropensares que arriesgan y expresan ideas subversivas al sistema.

 Pero, ¿qué sistema? ¿existe un sistema de la moda? ¿los cánones son sistema?¿cómo es este sistema el que rige las reglas de cómo vestir y ser vestido? Rojo con azul, zapatos bajos con faldas o bolsas que combinen con el color del cinturón han sido algunas “reglas” impuestas duran siglos ¿por quiénes? Por los que han tenido el poder de las decisiones.

 La confección de una prenda con base a estos cánones representará una conformidad de cómo está organizada una sociedad. Las faldas cortas en los sesenta implementaron una nueva moda entre las jóvenes, aunada a la liberación sexual femenina. A su vez, la confrontación y revelación de los hombres al traje formal también estuvo presente.  Quizá estos cambios de paradigmas en la moda permitieron a los sujetos cambiar su mentalidad también.

 Sin embargo, pienso que la utilización de cánones y de reglas en la moda solo es para el control de estos micromundos, que de tanto he hablado en entradas anteriores (con Michel Foucault) no obstante es interesante hacer la reflexión de cuándo aparecen estas nuevas modas y si actualmente contamos con una nueva moda que nos lleve a cambiar de mentalidad hacia el mundo y sus sistemas.

Maison Martin Margiela, considerada como una de las marcas antimoda en los 90s y actualmente. Crédito: tumblr.com

 ¿Será lo mainstream? ¿será lo hipster? ¿o el seapunk? Lo cierto es que cada una de estas “categorías” son simples etiquetas para clasificar lo que está fuera de este canon, de este control y por ende de lo “normal”. La antimoda y las diferentes manifestaciones que van en contra de la normatimidad en la moda son considerados diferentes, locos y por ende ajenos. Pensando siempre que  sólo un grupo muy pequeño de individuos puede tener acceso a el.

 Pero, a pesar de tener esta visión de que la moda es exclusiva, y que cierto grupo de personas es extraño a ella y no están inmersos en la industria se equivocan. El uso de ropa definía y clasificaba a la gente según su estatus social. Si una persona se vestía “bien” era considerada persona con una jerarquía social mayor que alguien que vistiera “mal” los términos bien y mal son usados en esta reflexión por el tipo de telas o la calidad de la tela.

 Una vez que el comercio empezó a surgir en la era medieval, los burgueses empezaron a vestirse mejor que los nobles y el clero, lo cual hacía verse mayores (socialmente) a los burgueses. Por esta razón, el clero y toda la clase monárquica empezó a buscar formas para controlar que los burgueses dejasen de vestirse mejor.

 Este control ha estado presente actualmente, si bien no tan marcado como hace cientos de años, las transformaciones en la moda y en los diseños siempre han significado un ajuste social al qué vestir y qué no vestir. Luego vendría la industria, las colecciones y los cambios de ropa por estación. Es así como  todos somos parte de la moda, todos somos parte de un sistema, con sus normas y reglas, con sus cambios cíclicos e industrializados. Y no se puede decir que no se es parte de la moda, pues, al contrario, la moda va mucho más allá que de unos zapatos bonitos. Los microuniversos son universos al final.

Formas de vestir en la Edad Media. Crédito: Arquehistoria

 

El almacén de la imagen: fotografía documental de Adam Wiseman

La primera vez que vi la obra de Adam Wiseman fue en una exposición colectiva en Patricia Conde Galería en la que se exhibía lo más actual de la obra de algunos fotógrafos mexicanos contemporáneos, todo ello en el marco de la segunda edición del Gallery Weekend (septiembre 2014) realizado por iniciativa de la Revista Código.

 La obra de Wiseman cubría la extensión completa de la pared que se encuentra en el costado derecho a la entrada de la galería. La serie constaba de 15 fotografías en las que se mostraba el interior de varios departamentos y la manera en la que estos eran ocupados por sus habitantes. Así, las fotografías muestran salas y comedores, objetos, la decoración de cada apartamento, al parecer de un mismo edificio, creando un lienzo en el que abundan los colores y las texturas. Probablemente la obra tenía tanta presencia por su colocación dentro de la galería, pues estaba situada justo a la entrada con el objetivo de impresionar al espectador al momento de su llegada.

  Sin embargo, también pudo haber llamado mi atención no sólo porque las fotografías estaban impresas en un formato grande, sino también porque normalmente siento atracción por fotografías que muestran aquello que es privado, el interior de los hogares, eso que nos dice cómo funcionan los humanos desde su morada. Estas fotografías muestran la cultura citadina entendida desde una perspectiva más bien antropológica.

Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.
Fotografía de Itzel Munguia, exhibición de la obra de Adam Wiseman en Patricia Conde Galería, 2014.

 Adam Wiseman es un fotógrafo nacido en la Ciudad de México (1970), licenciado en Cine etnográfico y con estudios en photojournalism. Además ha trabajado como editor de fotografía en revistas como Vuelo, Fahrenheit y de la revista National Geographic México y su trabajo ha sido publicado en revistas como Rolling Stone, Le Monde, The Guardian, National Geographic, entre otras. Por su parte, Wiseman ha participado en exposiciones tanto privadas como colectivas en México, en Nueva York y Japón. Así pues, colaboró con su obra en la exposición colectiva “Lago Asfaltado” y en la exhibición individual “Área conurbada”, ambas expuestas en el Museo Archivo de Fotografía (MAF), en la Ciudad de México, durante el 2012.

Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.
Adam Wiseman, fotografía expuesta en Patricia Conde Galería, 2014.

 La fotografía de Adam Wiseman entra dentro del género documental, que en términos del fotoperiodista español Pepe Baeza, en Por una función crítica de la fotografía de prensa, se trata de aquella que se basa en el “compromiso con la realidad” sin importar los canales de difusión que utilice. A diferencia del fotoperiodismo, que normalmente se hace por encargo de un medio de prensa, el documentalismo da mayor libertad al fotógrafo al momento de elegir las temáticas y los modos de expresión de las imágenes que capturará. El documentalismo de Wiseman se comprende mejor si entendemos su formación como cineasta etnográfico, género en el que se desenvuelven, generalmente, sociólogos y etnólogos. La fotografía es entonces el medio que usa Wiseman para acercarse y entender mejor la realidad humana, contemplada desde distintas perspectivas según sea el proyecto que tenga en manos.

Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.
Adam Wiseman, fotografía de la serie Área conurbada.

 Las imágenes que formaron parte de la serie expuesta en Patricia Conde Galería durante el mes de septiembre reflejaron ese tinte etnográfico que Adam Wiseman le pone a su obra. Con ello intentó mostrar el comportamiento del hombre en la vida privada, cómo se desenvuelve en el hogar, qué actividades tiene dentro de él, que objetos, que colores, qué estilos y que texturas forman parte de la vida cotidiana de las personas. Sin embargo, el documentalismo que Wiseman realiza muestra más el elemento humano a través de las creaciones de éste: edificios, caminos, esculturas, monumentos y objetos. En algunas de sus series hay una ausencia casi completa de personas. Aparecen espacios que son habitados por humanos invisibles.

 La serie “Área Conurbada”, presentada en el MAF, Wiseman exhibió imágenes de la ciudad de México en las que se percibe poca presencia humana, sobre todo porque cuando pensamos en este lugar nos viene a la mente la gran masa de personas que se mueven por las calles día con día. De nuevo, la presencia humana en el paisaje se hace presente a través de la arquitectura, de la línea del metro, de las tomas aéreas que muestran la urbe más que como una masa de personas como una aglomeración de edificaciones. Wiseman no sólo sabe mirar lo privado, sino que también sabe poner su lente sobre lo público, “Busco algo que comunique la esencia de la Ciudad de México”, comentó Wiseman en una entrevista para VICE México. Menciona que se trata de una serie en la que todos puedan reconocer el paisaje urbano a través de sus elementos: ese que incluye un Oxxo o una estatua de la Virgen de Guadalupe.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

 Adam Wiseman ha sido un habitante del mundo, pues ha vivido fuera de México en varias ocasiones, lo cual le permite que su visión sobre México sea diferente a como lo vemos la mayoría de los que hemos vivido en tierras nacionales desde siempre. Además este fotógrafo ha observado, entendido y capturado el paisaje mexicano con los lentes de la etnografía bien puestos. En ese sentido, Wiseman es un fotógrafo que sabe alejarse de su objeto de estudio, de la escena y los personajes a fotografiar. Así pues, su obra nos muestra más que un registro documental del territorio mexicano capturado a través de la lente de su cámara, una mirada a la identidad de los mexicanos citadinos sin tener que capturarlos, necesariamente, en las actividades de la vida cotidiana.

Adam Wiseman.
Adam Wiseman.

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

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Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

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 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Kuru: esmaltes mexicanos con mucho color

Eterno amanecer, la más reciente colección de Kuru. Crédito: Kuru.mx

Cuando se trata de verse bien y complementar un buen look, las uñas deben brillar por sus colores y no por su falta de cuidado. Si bien muchos dicen que las manos son la carta de presentación de cualquier persona, no siempre es así, pues, a pesar de tener un peso importante en el atuendo completo, lo que importa es la seguridad y confianza con la que se porta una prenda.

 Sin embargo, existen varias opciones para cuidar no sólo el estilo de ropa, sino las manos y por ende las uñas. ¿Por qué hablar de las uñas en una entrada sobre arte y moda? Me es muy importante destacarlas, debido a que el color, los diseños y creatividad pueden traer consigo un concepción mayor sobre arte, artesanía y moda aplicada a esta parte del cuerpo que para algunos podrían pasar desapercibida. Además de que, como bien he recalcado en entradas anteriores, la moda no sólo está presente en pantalones, blusas o abrigos; es parte de, mas no lo es todo.

 Aunque la mayoría de las personas sólo conocen esmaltes comerciales y extranjeros, es necesario resaltar y hacer notar marcas del país que igualan, y aveces superan, la calidad de un esmalte comercial.  Chulavista te trae una buena recomendación para tus uñas: Kuru, los esmaltes artesanales mexicanos hechos con pigmentos naturales y queratina para el cuidado.

 La inspiración de estos barnices son las distintos objetos muy representativos de México. Por ejemplo, hay un color rosa llamado “Tamal de dulce” o un café “piloncillo”. Su línea de colores es extensa, y con cada temporada se agregan más opciones para lucir bien el color en las uñas sin dejar de lado la tradición mexicana divertida y cálida.

Café Piloncillo, de Kuru. / Chulavista Store

 Creo que hay que mencionar sin duda, la línea de flourecentes, que brillan en la obscuridad. Kuru es una de las pocas marcas que tiene ese tipo de esmaltes y lo puedes conseguir en distintas partes, no sólo del D.F. sino en el resto de la república, por ejemplo en Monterrey, Veracruz o Guadalajara.

 Su diseño también resalta, ya que usa pequeños tejidos en las tapas que simulan ser encaje. Esto le da un toque romántico y poco convencional a la marca, sumándole un punto extra en cuestiones de identidad y diferenciación.

 Para conocer más de marca pincha aquí; para obtener esmaltes da click aquí. 

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

Chulavista Store

 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

El apoyo hacia el diseño nacional : ¿Mucho o poco?


La industria ha enaltecido a lo largo del tiempo, las grandes posibilidades de adaptar mejores condiciones socioeconómicas para un país – ya sea en materia de crecimiento o desarrollo– , para ello se ha requerido de gran inversión de capital, tanto inversión extranjera directa o por medio del financiamiento nacional.

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Crédito: Blog costuritas.

 El hecho radica en que las posibilidades por adecuar una mejor vía de crecimiento y producción – expresado en el porcentaje del Producto Interno Bruto– es decir, a través de lo que se genere en una economía, se han tergiversado de manera que se olvida la importancia del avance del mercado interno. Bien es cierto, que la posibilidad de crecimiento ha disminuido porque el sector terciario (el de servicios) es el que más ha mostrado un aumento, mientras que el sector industrial ha declinado su producción y por ende, impacta de forma negativa en el desarrollo motriz del país.

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Crédito:Chulavista Store.

 Una serie de políticas económicas, se han implementado para darle paso a la coyuntura entre la necesidad de desarrollo y crecimiento, por lo cual es indispensable entender la importancia del sector industrial en la economía mexicana.

 Dentro del sector secundario, se encuentra la industria textil, actividad que ha sido portavoz de grandes avances en materia de innovación, creatividad y desarrollo social. La creación de esta área, permanece con el objetivo de crear mejores condiciones que permitan el crecimiento sostenido del Producto Interno Bruto, sin embargo, en ese afán por querer aumentar la producción; se ha olvidado el desarrollo del productor independiente, del que no depende de las empresas extranjeras en el país y que busca la forma de adecuarse a las circunstancias que el propio mercado le impone – tal es el caso de las barreras de entrada– , por lo que su talento parece no tener cabida en el ámbito de compra- venta.

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Crédito: Tumblr

 ¿Por qué se le niega el paso a diseñadores independientes? Simplemente, porque la economía mexicana adecua sus necesidades a las del mercado externo, y tiende a fragmentar a los portavoces del ingenio nacional. Diseñadores que se comprometen, que tratan de darle una nueva forma a la creación y a lo moderno, que rompen estereotipos y que a través de la idea buscan abrir una serie de tendencias que vinculan el sentido nacional.

 Parece ser, que las formas y atuendos del exterior le atraen más al público, pero la pregunta es: ¿Por qué no apoyar a la creatividad de nuestro país? Tantos diseñadores de moda independientes existen en nuestra nación y el apoyo no se ve fomentado, ni por parte del sector industrial textil ni por el comprador.

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Crédito:Chulavista Store.

 Marcas como Valetta y Cómeme historias, cobran vida para darle forma a sus ideas a través de distintas creaciones y atuendos, que le permiten al público admirar una nueva gama de matices en lo que se ofrece.

 Es hora de apoyar al talento nacional, a los diferentes conceptos que aparecen y muestran una serie de esquemas que rompen barreras y que vinculan un concepto muy diferente del que se está acostumbrado.

 Cómeme historias, es una marca independiente que se dedica al diseño de ropa y accesorios para bebé, vincula su idea con diversos personajes ilustrados, lo cual muestra una idea precisa sobre lo que se trata de mostrar el público.

 Valetta, mezcla tendencias en torno al diseño de trajes de baño y bolsos, teniendo un concepto innovador y general del significado de la mujer en la sociedad.

 Tanto Cómeme historias como Valetta, sus productos a la venta pueden consultarse en Chulavista Store, permitiendo vincular la difusión del talento mexicano a través de un medio que le permite abrirse paso al productor nacional.

Talento mexicano: Campus Denim

A pesar de que  a muchos, les pareciera que el contacto con la moda  sólo  se consigue con la compra de ropa de tiendas exclusivas y marcas extranjeras, va mucho más allá de este pensamiento hacia lo que es el consumo de moda en nuestro país. Si bien todo lo dicho anteriormente en este párrafo entra en una mínima porción de lo que es el consumo de moda, debemos saber quiénes son los nuevos exponentes de moda nacional. Ya que también ofrecen muy buenas propuestas que normalmente no se ven o no son tan reconocidas como se pensaría.

 ¿Podrías imaginar que existe diseño en prendas tan cotidianas como los jeans? ¡Claro que existe! Y lo mejor de todo es que  quienes hacen este trabajo (Que podría pasar como sencillo, tal como en la entrada de Hilary Fayle y el arte que puede verse fácil de realizar pero en realidad no lo es del todo) es totalmente nacional.

 Así es, se tratan de los jeans mexicanos de  Campus Denim. Marca nacional que se dedica al diseño de pantalones de mezclilla para hombre.  Fabricados desde Monterrey, Campus Denim ofrece una alternativa para todo aquél que sufre cada vez que escoge un nuevo par de jeans nuevos y la calidad es mala o los acabados de baja calidad.

Detalle. Crédito: Facebook oficial.

 Estos pantalones ofrecen tres tipos de estilos: Straight, Skinny y Punjabi. (Debo confesar que yo no sabía de la existencia del punjabi, y eso fue algo totalmente nuevo para mí, me dejó sorprendido de este tipo de corte en mezclilla) Algo básico que cualquiera pudiera encontrar en cualquier tienda, sin embargo, la característica de estos pantalones es que trabajo 100% mexicano, de muy alta calidad en el bordado y en la manufactura. Por lo tanto, no sólo ayudarías al fomento de moda y diseño mexicano, sino que además te llevas un producto de calidad y resistente.

Skinny, Punjabi & Straight. Crédito: facebook oficial

 A pesar de que el proceso de jeans se ha vuelto industrial, Campus Denim no busca ese cometido: “No estamos en busca de producción masiva; estamos creando cuidadosamente un par a la vez, a través de un proceso no automatizado. Nosotros inspeccionamos y firmamos cada par antes de que abandonen el taller.” Por lo que cada pieza que obtengas será parte de un diseño único e irrepetible.

 Aunque digan que ellos no hacen moda, sino buenos jeans, dejan en claro que a pesar de no ser una marca extravagante y opulenta, la calidad de la tela y del trabajo hacen a la marca distinguirse de cualquier otra que produzca pantalones. Al final, la moda es todo y todos usamos moda; y estos buenos pantalones de mezclilla entran en esta categoría por su buen trabajo y su buena calidad.

 Si te interesa adquirir un par de estos jeans mexicanos, pincha aquí. 

Campus. Crédito: Facebook Oficial

La lucha feminista actual: Género o perspectiva de género


Alejandra Kollontai, retrata cómo la mujer ha pasado de ser el centro de sumisión y subordinación al objeto de sus ideales mismos, sueños que se transforman para cobrar vida y tener pertenencia en las diversas luchas sociales en las que ha sido la protagonista.

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Crédito:Tumblr

 Desde el momento en que Europa Occidental –especialmente en el siglo XIX–  se discriminaba todo el conjunto de capacidades con el que contaba y además, se negaba el hecho de que una mujer pudiera ingresar al mercado laboral por el simple hecho de su género; el combate por mejores condiciones de vida se hizo presente. Una lucha indiscriminada de índole sexista le persiguió por mucho tiempo y aún lo hace en estos tiempos, donde la libertad se pregona a diestra y siniestra.Yo pregunto, ¿Cuál libertad? De seguro es esa, que solamente se usa como recurso mediático para calmar el problema.

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Crédito:Tumblr

 De su lucha al fortalecimiento de un conjunto de ideales, la mujer ha logrado la emancipación que le costó su silencio por muchos años, cuestión que la alejo de su pertenencia hacia ella misma, dejando de lado lo que realmente le pertenecía: Su potencialidad ante la vida.

 Al desplazarse la actividad primaria – la agricultura–, el sector industrial requirió mayor mano de obra y es ahí cuando por primera vez, la mujer empieza a participar en el contexto laboral, fenómeno conocido como la feminización de la mano de obra. Este proceso, se sitúa en la  2da. Revolución industrial; donde la automatización laboral cobra importancia para el desarrollo social.

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Crédito:Tumblr

 Desde entonces, la mujer ya no sólo se preocupaba por defender su puesto de trabajo, por demandar mejores oportunidades laborales, ahora también emprende una exigencia hacia su libertad de oponerse a mandatos socioculturales, que aniquilan su desarrollo de capacidades.

 De las primeras damas que le da sentido a dicha conflagración, destaca Simone de Beauvoir – mujer envuelta de sentido crítico y reflexivo– que muestra cómo la fémina debe liberarse de sus propias cadenas en primera instancia, y luego de la fuerza opresora social. Su fuerza para transmitir ideas y para hacer de lo imposible lo posible, la hace ser una de las grandes exponentes del feminismo. En una frase realmente cruda, pero cargada de una inherencia por sus letras, dice lo siguiente:

“Mediante el trabajo ha sido como la mujer ha podido franquear la distancia que la separa del hombre. El trabajo es lo único que puede garantizarle una libertad completa”

 En esta época, se ha visto como la mujer ha destacado por su desempeño laboral y como poco a poco, trata de vincular de mejor forma sus capacidades con su desenvolvimiento social. Pero ahora, la lucha se tornó desde otra perspectiva: La libertad ante su sexualidad.

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Crédito:Círculo feminista en línea

 La sexualidad, constituye el eje prevaleciente para que la mujer contemporánea haga saber, que su cuerpo es vida, es arte, es sincronía y muestra de su reconocimiento hacia sí misma. Bien es cierto, que es sumamente importante que se libere, que se encuentre, que se apapache… que se mime. Pero, algo se ha olvidado: en ese afán por buscar su libertad sexual, se dejó de lado la lucha intelectual que tanto pelearon las primeras defensoras del movimiento feminista. Su fundamento era mucho más fuerte, aniquilar la sumisión y la imposición clasista que imperaba en torno a su condición biológica.Esto se plasma en un pensamiento de Alejandra Kollontai:

“Seguir mi camino, trabajar , luchar, crear a lado con los hombres y aspirar a un objetivo universal humano, construyendo al mismo tiempo mi vida personal e íntima como mujer, según mi propia voluntad y las leyes innatas de mi naturaleza, tales son los postulados que han condicionado mi ideario.”

 ¿En dónde quedó esa lucha que suponía un espíritu reflexivo? ¿Un sentido crítico hacia su función social? El eje no se encuentra solamente en dar a entender: Soy mujer, y el lineamiento para pelear es solamente mi condición biológica. Es una parte, es cierto,  pero no se encausa toda la lucha en ese aspecto. Sin duda, la lucha intelectual ha perdido el sentido motriz que mantenía al principio, es decir, se ha perdido ese espíritu por destacar más allá de su sentido sexual; se ha desvirtuado entonces el movimiento femenista.

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Crédito:Foro en femenino

 El femenismo en un principio, marcaba como cuestión inherente la perspectiva de género, ésta hace hincapié a las capacidades de superación de la mujer sin necesidad de excluir a su sexo opuesto. Ahora, se confunde la perspectiva de género con el concepto de género, y actualmente la manifestación del movimiento, radica en tomar como bandera el concepto de “género” –género se establece solamente como la diferencia biológica entere hombre y mujer–, mientras que la perspectiva de género abarca una cuestión más amplia de análisis, envuelve el fundamento existencial de la mujer a través de todas sus capacidades para mejorar su calidad de vida.

Moda e inspiración

Parte de escribir sobre moda es saber cuáles son las tendencias de cada temporada. Cuando es invierno, las diferentes marcas y diseñadores ya están exponiendo lo que se usará en verano. Siempre hay un paso adelante. Estas colecciones fungen como un control de lo que se debe usar. Hay una imposición.

 Pero al estar dentro de este campo discursivo se deberán aceptar estas y muchas otras cosas más, por ejemplo, los must wear o encontrarse con prendas repetidas en la calle. Todo es parte de la moda, y así lo hemos aceptado.

 Sin embargo, cada temporada y cada desfile muestra algo “nuevo”, algo que no nos hubiéramos imaginado que podría tomarse de inspiración para la creación del diseño textil. Como ejemplo está la colección de Haute Couture de Dior en 2004 cuando usó como inspiración a Egipto; o las recientes colecciones de Dolce & Gabbana, cuyo arte bizantino y ahora la actividad taurina forman parte de la creación de esta legendaria marca.

Dior Spring/Summer 2004 crédito: style.com

 Pero se debe partir de algo fundamental: La inspiración. La iluminación que trae consigo es una cosa y la pieza final (ropa, accesorios) es otra. Así como el arte, la inspiración es una etapa del proceso de creación. La obra, que en este caso son las colecciones, es el producto final de este proceso. Parte de lo que es la inspiración, imaginación y la formación de estas prendas viene desde mucho antes, en la cabeza del diseñador.

 Así que podría haber pocos temas de dónde inspirarse para realizar ropa, aunque lo que de verdad importa será cómo el diseñador  se llevará a cabo la idea. Las percepciones de cada diseñador, marca y demás equipo creativo, será diferente, única e individual.

 ¿Qué hubiera pasado si el tema de los faraones y egipcios lo hubiera realizado otra marca? Algo que vemos muy común, es esta repetición de temas de inspiración. ¿Cuántas veces no se ha mostrado algo relacionado con los años 20? ¿O 60? ¿Y ahora 90?

D&G F/W 2013 crédito: metro.co.uk

 Sin duda, el camino y el resultado final de cada uno de  los diseñadores será distinto. Es por eso que las modas regresan. Porque hacen un comeback con diferencias bien marcadas a cada determinada época. Y aunque las comparaciones no son recomendables, las repeticiones tampoco, y esto hace cada vez más difícil a los diseñadores crear algo nuevo. Sin embargo esta dificultad no imposibilita que a un tema se le trabaje de una manera única y con frescura para crear algo que no nos habíamos imaginado antes.

 Tan sólo recordar lo que había en tendencia a principios del 2000 puede hacernos reflexionar sobre cómo está la moda ahorita, y cómo estará en 20 años. ¿Seguirán las mismas marcas? ¿Qué nuevas prendas estaremos usando? ¿Quiénes serán los nuevos diseñadores legendarios? Incluso se podría bajar el tiempo de 20 a 5 años. Ya que la moda es, y seguirá siendo, partícipe de los acontecimientos sociales, ideológicos, etc. de la sociedad actual.

¿Qué hay en el armario de Stella?

crédito: Stella’sWardrobe

Quizá una de las desventajas de tener un blog es que nadie lee tus primeras entradas. Quizá tener este tipod e publicación se  transforme en un gran reto para cualquier individuo. Debe haber compromiso, temas, fotos, palabras, y un sin número de cosas más que permitan que un blog sea exitoso.

 Lo difícil, tal vez, es el principio: Conseguir gente, y mostrar algo realmente atractivo que le guste; sin embargo, si volvemos cinco años atrás, podremos decir que tener un blog en la web realmente significaba un enorme desafío para quien lo tuviera. No había cómo difundir los primeros blogs de moda. La consolidación de  facebook, twitter y demás herramientas tecnológicas de difusión, no era sólida como lo es ahora.

 Pero muy a pesar de eso, los blogueros poseían esa creatividad para llamar a sus lectores. El ingenio en esa época se hacía muy presente. Hace cinco años, con 17 años, Stella Kattermann emprendió el camino para ser una de las primeras bloggers de moda en Reino Unido.

 Ahora con 22 años, esta blogger, mitad alemana y mitad inglesa, marca tendencia en su blog titulado Stella’s Wardrobe (El armario de Stella) donde cada día sube una foto de lo que lleva puesto, mostrando dónde conseguir cada prenda y, a veces, una pequeña descripción o explicación de lo que hizo ese día.

 Aunque no es común que Stella escriba en sus entradas, hay ocasiones donde lo hace para hacer más completo el blog. Sin embargo, si de entradas más completas se trata, esta joven fashionista maneja un sub-blog de comida, llamado: London Eats A-Z,  donde Stella se da la libertad de escribir sobre pequeños, grandes, buenos y  malos restaurantes que se encuentre en su paso por Londres.

crédito: Stella’sWardrobe

 Actualmente, además de escribir en su blog,  Stella colabora en varios medios como Elle UK, ASOS, Grazia y Yellow Door PR.  Entre sus entradas, se encuentra un ensayo que precisamente habla sobre lo difícil que puede ser tener un blog de moda, llamado ‘The problem with blogging’

 El armario de Stella es ejemplo de que el compromiso, la paciencia y el buen contenido dan buenos frutos. Sin duda, su publicación pertenece a uno de los pocos sitios de moda que persisten intactos desde hace tres años, y esto la de puntos extra para ser parte de uno de los principales blogs temáticos en Reino Unido.

Crédito: Stella’sWardrobe

  Para ver más de Stella’s Wardrobe da click aquí y para seguirla en Twitter da click aquí.

Karlie Kloss la modelo que dio la vuelta al mundo en menos de 80 días

Crédito: vogue.com

Hace un par de días, Chioma Nnadi columnista  de Vogue USA, publicó un artículo en la pagina web que quisiera retomar para ustedes. Este articulo trata sobre la modelo Karlie Kloss y su fashion travel a través del mundo.  Nnadi escribió que Phileas Fogg y su viaje en globo se quedó corto a comparación con esta travesía de la modelo. ¡Quizá lo más impresionante no sólo fue eso, sino que Karlie Koss ni siquiera salió del país!

 Exacto. No se trataba de la verdadera Karlie Kloss, sino de una impresión 3D que varias personas realizaron y tomaron fotos en los lugares más representativos del planeta, como la Torre Eiffel, El Coliseo en Roma, entre muchos otros.

 En total fueron 80 muñecas las que se imprimieron para realizar este proyecto. Los vínculos moda-arte emergen  y demuestran una vez más que no es necesario hacer una hazaña muy elaborada para dar una fusión entre estas dos disciplinas. En este caso la fotografía de moda está alcanzando un nuevo nivel de expresión: La impresión 3D

Karlie Kloss en NYC. Crédito Vogue.com

 No sólo en este ámbito ha sido utilizado la impresión 3D. Cantantes como Will.I.Am lo utilizó en ‘Scream and Shout’ para imprimir su propia cabeza. No importa con qué objetivo, si es egolatría o para generar controversia, como lo hizo M.I.A. en ‘Double Trouble Bubble’, la impresión tresdé se está convirtiendo en una herramienta artística que podría usarse con mayor frecuencia en unos años, y ¿por qué no? en algunos meses.

 Los vínculos entre la significación y la exposición de estas muñequitas de la modelo entran en una discusión. Misma que se presentó en el artículo de Vogue y aquí. Karlie Kloss no viajó por el mundo. Lo hizo una representación de esta persona, un ícono.

Crédito: Vogue.com

 El juego semiótico que se observa en este momento es, más que complejo. ¿Quién o qué es lo que se presenta en las fotografías de este proyecto? ¿Es una representación de la representación de Karlie Kloss en un lugar del mundo?

 La moda y el arte una vez más se unen para obtener como resultado un producto complejo, que, si lo desmenuzamos poco a poco, podremos llegar a una conclusión mucho más simple y no con tanto enredo como se ha pensado en estos últimos años. Las percepciones serán múltiples. Cada una de ellas con su propia explicación. ¿Y si sólo imprimieron una muñequita y le tomaron foto, así nada más? ¿Y si hay algo mucho más profundo en cuanto a la percepción y significación de la belleza, y un nuevo uso estético que no involucre a humanos, pero sí representaciones de ellos?  La respuesta la tienen ustedes, queridos lectores.

 Si desean consultar el artículo completo, y ver el resto de las fotografías en Vogue, da click aquí.

 

Adiós a un grande: Manuel Pertegaz

Hace falta recordar que existieron personas grandiosas en este mundo. Y es que no se recuerdan, no por su falta de talento o su ingenio que permitió cambiar o innovar algo en este mundo. Las acciones, teorías, ensayos, libros, vestidos, trajes,  etc, fungen como un pequeño puente entre estas personas y su esencia, su mente, su corazón.

 Yves Saint Laurent, Christian Dior, Isabella Blow, entre otros muchos,  han dejado un legado en el mundo de la moda y basta decir que existen pocos que de verdad logran un reconocimiento a estas alturas. No es fácil trascender como lo han hecho estas personas y mucho menos lo es teniendo en cuenta las dificultades que se presentan comúnmente en la moda.

 Y con dificultades me refiero al gusto de la gente, a la innovación cuya revolución se vuelve sombra; el contexto social, las presiones de padres, hermanos, familia, amigos, que difícilmente creen en el trabajo, porque si bien la moda ofrece un campo extenso de visiones, aún existe gente que cree que eso sólo se enfoca en ciertos cánones que se ha de seguir con precisa rigurosidad.

 Pero hubo alguien, que pese a estas dificultades y pese al contexto social en el que vivió pudo sobrepasar y ofrecer nuevas propuestas. Se trata de Manuel Pertegaz, un hombre a quien a partir de hoy el mundo físico extrañará con gran ímpetu.

Manuel Pertegaz. Crédito: Vogue.es

 Él, español, empezó como aprendiz en una tienda de costura. ¿Qué le habrá llamado la atención de las agujas, la tela, la figura femenina y el poder de creación que uno posee al confeccionar una prenda de ropa?

 Pertegaz perteneció a una generación de diseñadores clásicos que fundó las bases para conocer lo que se conoce hoy del diseño textil. Seguramente vivió crisis, arrebatos de creatividad que hacían amar más la carrera, y que probablemente superó con ayuda de amigos y gente cercana.

 Empezó a formar estilos, mismos que le permitieron exportar sus colecciones a Nueva York o Suiza, y que también le dio la oportunidad de conocer París en la época de los 50. El mérito de lo que hacía no era sólo porque lo hacía bien, sino porque tenía pasión y amor al hacerlo.

 Con su partida se pierde no sólo una de tantas mentes brillantes del diseño español, sino que se pierde también a lo que varios medios han dicho “un espejo” de los 70 años de carrera de este, ahora, fallecido diseñador. Lo interesante es, sin duda, que fue partícipe de diversas manifestaciones sociales como la minifalda, y diversos estilos de tendencia que impactaron no sólo a España sino al mundo entero.

 La excelencia se alcanza con logros, disciplina y mucho trabajo. Y él fue uno de pocos que lo lograron. Prueba de ello son los múltiples premios que recibió a lo largo de su vida. Como la medalla de oro de la Universidad Complutense de Madrid  o la Aguja de Oro entre muchos más.  Uno de los trabajos más recientes y que quizá sea más fácil hacer referencia sería el vestido de novia de la Reina Doña Letizia.

 Manuel Pertegaz deja de ser un creador con inspiración para ser una inspiración a la creación. Y que muchos de nuevos diseñadores deben aprender no sólo por el ingenio y el talento sino la historia y la gran carrera de este diseñador.

Entre montones de ropa y precios bajos: Las Pacas

Hay montones de ropa en todos lados. Las montañas de prendas que quizá jamás usaríamos se encuentran dispersos por toda la calle. Algunos puestos cuelgan los mejores “trapos” en largos tubos que tienen función de  clósets improvisados. Remates, gritos, gente sumergida en mares de ropa.  Así es como se vive un día en las pacas de la ciudad de México.

 Ya sea en la de Pino Suarez, en las de la Lagunilla o en cualquier otro tianguis, las pacas han sido parte de la vestimenta de miles, quizá millones, de personas que acostumbran escarbar  en lo más profundo de un gran bulto de ropa que ha adquirido un sin número de mitos: Ropa de muerto, ropa usada, ropa robada, o simplemente ropa que no se vendió y que termina tirada en un puesto de lona roja y marchantes gritando dos piezas por cinco.

 ¿Qué tiene o qué ha tenido de extraordinario esta forma de consumo del vestido? Si bien, las pacas han estado presentes durante muchos años, éstas han adquirido un mayor auge gracias a los jóvenes o personas no tan jóvenes que frecuentan el uso de una moda, una tendencia en su manera de vestir: Lo vintage.

crédito: telemundo

 Sería una generalización decir que todos los jóvenes y los no tanto, que usan ropa vintage han subido las ventas en las pacas de Pino o de la Lagu. O que todos los hipsters compran en pacas. No. Hay gente que le agrada comprar en pacas, los más aventurados, los temerarios que no hacen caso de los mitos urbanos sobre estos montones de ropa, fueron y serán los primeros sumergidos en, como ya lo he descrito, este mar de trapitos.

 Se debe  recordar que el universo de las pacas posee muy pocas prendas vintage o de aspecto viejo. Los afortunados encontrarán ropa muy barata y acorde a sus gustos. Chamarras ochenteras, camisas con estampados poco comunes, zapatos, bolsas y demás prendas que darán un estilo retro a la vida de quien lo porta, generalmente, habrán sido comprados en alguna venta de garaje o en alguna paca bajo una extenuante búsqueda y una talento innato de regatear.

 Claro, existen tiendas especializadas en ropa y accesorios súper vintage, como si el tiempo no hubiera pasado y los suéteres con chaquiras y lentejuelas que se usaba The Nanny estuvieran esperando a alguien lo suficientemente valiente para usarlo y para comprarlo. Goodbye Folk es una de estas tiendas vintage.

 Sin embargo, la diferencia con una tienda como esa y un puesto del tianguis es inmensa. No sólo por la selección de ropa y el espacio físico que representan. Sino más bien por los precios que son dos extremos diferentes: Un suéter vintage en una tienda establecida quizá valga poco menos que 600 o 700 pesos; no obstante, en el tianguis un suéter (que posiblemente tendrás que lavar tres veces) de esa misma línea, saldrá en, por mucho 100 pesos (los más talentosos podrán conseguirlo en 50 o menos) Eso sí, el precio siempre será diferente y será algo que lleve a lamentaciones o a la gloria misma del “fashionismo”.

 Sin duda, las pacas podrán ser una buena opción para los que no le temen a los mitos y leyendas que rodean a estas montañas de ropa. Buena opción para aquellos que sean pacientes para buscar buenas gangas, buenas prendas y cuidar su dinero sin perder estilo. Las pacas ofrecen tesoros vintage que debemos buscar, tal como se busca la aguja en un pajar.

crédito: chihuahuaexpres

Never Dies: La marca que funge como gestor cultural

Con dedicación especial para Orión, el pequeño fanático de las llantas.

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De la Anarquía nació Never Dies, una marca que inició de las aspiraciones de dos espíritus libres que pretendían generar ganancias sin estar a la merced de un jefe o con un horario de oficina. Lo que inició como una actividad que dejaba dinero apenas para las cervezas, fue creciendo y tomando fuerza, hasta convertirse en un gestor cultural.

 Desde hace tres años la marca Never Dies difunde el talento de diseñadores, ilustradores, artistas callejeros y fotógrafos plasmados con serigrafía en prendas actuales para ambos géneros.

 En entrevista, en la comodidad de su casa, en donde también está el taller del fundador y promotor del negocio, Diegore Toledano dijo que el nombre Never Dies, que en español significa “nunca muere”, surgió, entre otras cosas de la necesidad humana de querer perdurar para siempre, de apreciar la vida y vivir de fiesta. “Nos gusta beber, nos gusta vivir, nos gusta la vida; sabemos que la muerte es parte de nosotros y cuando te mueras, nos gustaría saber que cuando no estemos aquí, puedes seguir presente”, expresó.

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 Los “nunca muere” cuentan con colaboraciones de artistas nacionales que brindan sus diseños para que se impriman en diversas técnicas de la serigrafía artesanal, a base agua, sublimación o corrosión.

 Entre los colaboradores que dan vida a las imágenes plasmadas en prendas hechas a base de algodón (este material es fundamental para un buen estampado, según refiere Toledano) se encuentran Alejandro Servin, fotógrafo. Alkimera, quien trata de expresar emociones psicodélicas con colores extraños y formas indefinidas. como según el mismo artista señala.

 La marca también cuanta con la participación de Gala Phenia, diseñadora y fotógrafa mexicana. Además de Jeavi Mental, artista callejero e ilustrador, que con un estilo surreal, mezcla cabezas humanas con las de animales y otros elementos que podrían ser reales sólo en sueños.

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 Como ellos, también se integran a las filas artistas como Trash, pintor, ilustrador y destacado exponente del Street Art. y Bren Sue, quien dibuja personajes surrealistas pop. Por su parte Pape Linsky, también aporta sus diseños para hacer más amplio el repertorio de los modelos que Never Dies ofrece.

 Además de ellos, otros artistas se han sumado a la causa de manifestar emociones y personalidad mediante las prendas que se usan, pues como el fundador comenta, estas piezas te distinguen del resto de las personas porque al verlas, se puede apreciar la calidad única, gracias al esmero de varias personas talentosas.

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 Pueden hacer pedidos y checar todos los modelos en la página de Facebook, o bien solicitar cualquier tipo de trabajo en serigrafía.

Fotos: Wtr y Alejandro Servin 

Twitter: @Anaimponderable

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Louboutin: la moda, un chispazo y el arte

Siempre he considerado que la moda es un arte. Es una expresión y reinterpretación sutil de infinidad de elementos, épocas, profesiones, entre muchas otras fuentes de inspiración que los diseñadores, y por supuesto cada una de las personas, llevan a cabo. Creo que muchas de esas reinterpretaciones, con el sello de cada diseñador, o cada persona, se dan por esa búsqueda que cada individuo está constantemente viviendo. Nadie siente lo mismo, ni ve lo mismo en el mismo instante.  Por ello, son el resultado de una serie de factores, algo de técnica y trabajo y en gran parte un chispazo de creatividad que ninguna otra persona pudo haber tenido por lo aleatorios que son los factores que se conjuntaron. Precisamente ese chispazo es el que considero que lo hace algo especial, para mi, un arte.

Louboutin

 Un ejemplo de lo anterior mencionado es el sello característico de ciertos zapatos con un gran prestigio mundial: los Louboutins. Estos, que llevan el nombre de su creador, consolidaron su distinción por una de esas búsquedas que derivó en el ‘chispazo’. Hace más de 20 años, en 1992, Christian Louboutin estaba diseñando el modelo ‘Pensée’, inspirado en AndyWarhol y el movimiento del Pop Art, sin embargo, su prototipo no lo hacía sentir satisfecho del todo y al ver que su asistente se pintaba las uñas con un esmalte rojo lo tomó y completó su prototipo. Fue justo ese detalle el que afirmó el estilo de cualquier Louboutin.

Prototipo

 Ahora, Christian Louboutin lanza una nueva línea: Beauté. En la que busca regresarle al esmalte de uñas lo que sus suelas tomaron hace mucho. Y ello lo quiere realizar al ofrecer al público ‘verdaderos objetos de arte’, pues en cada pieza plasma su esencia: la fórmula del esmalte tiene ingredientes de la más alta calidad, los colores que ha decidido ofrecer son emblemáticos y el envase hace parecer al esmalte estar en un cristal encapsulado, y la punta de su tapa evoca a su icónica Ballerina Ultima: alta y estilizada.

Ballerina Ultima

 

Los ‘Noirs’

Noirs

Los ‘Pops’

Pops

Los ‘Nudes’

Nudes

Y el color emblemático de la firma y la colección: Le Rouge.

Beauté Rouge

 

 El desarrollo de este tipo de conceptos es lo que me fascina de los trabajos de los diseñadores, pues todo tiene una razón, un origen, una inspiración. Por ello, como cualquier obra de arte, si no se toma el tiempo de ver un contexto, aquello que provocó el ‘chispazo’ parece burdo y, en ocasiones, ridículo. El detalle está en saber mirar y saber imprimirle el sello propio.

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Yo sólo sé, que no sé nada… de arte, de moda, de cine y fotografía

Existen muchos artistas que representan la realidad con base a sus sentimientos, acontecimientos personales y, sobretodo, la imaginación; misma que se vuelve pájaro una vez que se está creando algo nuevo.

 Lo más curioso es que la obra de arte se ha constituido como una ventana a lo que es real para el artista. Se trata como si fuera una imagen, que delimita y ofrece una representación de lo real de acuerdo con la percepción y sensibilidad del autor.

 Pero existe también el pensamiento de la abstracción, y conceptualidad del arte. Donde lo que fue representado como realidad en la obra, no es real para el lector de la misma. Este juego entre quién dice que es real y no, se da mucho en este mundo posmo y sobretodo pedante, donde saber de arte, moda, y fotografía es un requisito para encajar en cierto grupo, grupo donde entre más autores que nadie conozca sepas, más atractivo te vuelves. Sin duda, este tipo de conductas serán muy difíciles de cambiar, no por falta de voluntad sino tal vez por falta de humildad.

 ¿Será que estos artistas desconocidos sean causa de su propia desconocidés (palabra inventada, palabra que quizá sea incorrecta pero ayuda a entender la idea)? ¿O es que ser desconocido es mejor, porque no todos pueden apreciar tu obra y por lo tanto no serás Mainstream? ¿La exclusividad es parte de ser desconocido?

 Nunca entenderé por qué esa manía de saber todo de todo. Y mucho menos entenderé a las personas que no saben de todo pero a pesar de no saberlo, no lo reconocen. Quizá la frase: “Yo sólo sé, que no sé nada” ha quedado olvidada como la muñeca fea de la canción.

 Lo mismo pasa con la moda, o con la literatura o cualquier otro grupo discursivo de los que habla Foucault en su libro el Orden del discurso, grupos que adoptan el adjetivo de “exclusivos” y que no cualquier persona podrá entrar en ellos. Basta recordar la cita de Anna Wintour, sobre tenerle miedo a la moda.

Michel Focault, autor del libro el Orden del discurso. Crédito: Chombinautas.

 Cualquier persona que quiera “entrar” a este grupo discursivo, tendrá que saber al menos cosas específicas para que haya una interacción, una comunicación, y una aceptación de los que comparten el discurso. Cuando no las hay, simplemente o no encajas, o no eres lo suficientemente listo, sabedor y por lo tanto no eres parte del grupo, eres parte de una nada.

 Pongamos un ejemplo. “Todos usamos y somos moda” Dentro de este campo discursivo podremos decir que sí, en efecto, todos los somos. Pero muy poca gente sabrá de qué diseñadores fue el vestuario que usó Anne Hathaway en la película The Devil Wears Prada. Ahí, hay un filtro. Filtro discursivo, filtro que es causado por el consumo del discurso.

 Sigamos con este ejemplo. Ciertas personas sabrán qué diseñadores fueron los que aparecieron dentro de esta película. Pero de ese grupo, habrá otro mucho más pequeño que sepa cuál colección usaron. E incluso, dentro de esos espacios habrá gente que no conozca de esos diseñadores, pero sí de moda en hombres y de otros diseñadores que hubieran funcionado mejor en esa cinta.  Es decir, los subgrupos son muchísimos.

 Mientras tengas un mayor conocimiento del discurso que consumas mayor poder tendrás. No acabaríamos si analizáramos todo lo que quiso decir Foucault en esa conferencia, el punto de esto es cuestionar el por qué esa gran sed que tenemos por saber más que el otro. ¿Nos da poder? ¡Claro que nos da poder! Es por eso que buscamos, usamos y consumismos los productos de éste discurso. Llegamos a presionarnos al punto de saber todo y nada a la vez, y nos sentimos mal cuando alguien sabe más que nosotros ya sea de moda, de cine, de fotografía, de música o de arte.

The Devil Wears Prada, 2006 crédito: tumblr.com

 ¿Por qué no mejor reconocer y compartir esa información? ¿Será por orgullo o terror a la humillación que provoca ser ignorantes? O porque el ¿“Yo sólo sé, que no sé nada” no es suficiente para el humano de ahora con cantidad de oportunidades para obtener sabiduría? Quizá, es momento de averiguarlo… porque no lo sé. ¿Y tú?

Retrospección histórica: Frida Kahlo

 Me gusta pensar que la historia, más que acontecimientos pasados, está hecha de la memoria de todos. Susan Sontag escribía que la memoria no podía ser colectiva por el simple hecho de que ésta era, por naturaleza, individual. Pienso, que la memoria como historia siempre será colectiva, siempre y cuando, el colectivo sea mutuo, y que su raíz principal es la individualidad del sujeto.

Hoy daremos una mirada hacFrida besando la mano de Diegoia esta memoria colectiva que poseemos todos. Se trata de las pinturas de Frida Kahlo, quizá uno de los iconos más representativos de la cultura popular mexicana.

 Aunque muchas veces no tan apreciada y tan aclamada como pensamos, algunos tachándola de un icono sobrevalorado y otros manifestando que ella no puede ser la representación de México.

 Sin duda, sea cual sean los pensamientos hacia ésta pintora, sus cuadros, vestidos e ideologías se encuentran hoy presentes.

 Catalogada como una artista surrealista, Frida Kahlo nunca se consideró a sí misma como una. Cabe destacar acerca de sus pinturas lo que decía: “Nunca pinto sueños ni  pesadillas, pinto mi propia realidad.” Realidad que se vuelve tangible con sus cuadros y diario personal. ¿Qué otra cosa novedosa podremos escribir de Frida K.  si existe mucho material de ella? ¿Cómo podemos dar una nueva perspectiva hacia las pinturas, como el estilo de la artista? ¿Apreciando su trabajo? ¿Asistiendo a sus exposiciones? ¿Cómo?

Frida Kahlo para revista Vogue. Crédito. vogue.mx

 Si bien existen un sinnúmero de artículos, libros y películas, documentales y más material de esta autora, Frida sigue siendo parte de una colectividad que arraiga no sólo una corriente artística, sino ahora de moda con la exposición “Las Apariencias Engañan” donde muestran objetos personales, como los múltiples vestidos que acompañaron una vida llena de soledad y dolor, y que, además, vistieron esos cuadros que son referente artístico nacional.

 Ahora, no sólo se trata de lo que usaba, sino el porqué lo usaba. Es esta búsqueda de identidad indígena lo que hizo que Frida se destacara de otras mujeres, mismas que compartían  un estilo de vestir diferente, más afrancesado, más estadounidense, más extranjero.

 Estos vestidos que adornan sus retratos no eran los únicos. ¿Qué pasa con el vestido de terciopelo? ¿O el vestido rosa del autorretraro en la frontera? O ¿El vestido de tehuana en el cuadro: “Mi vestido cuelga aquí”? Entre otros más, claro. Sin duda, Frida no sólo pintaba el sufrimiento y la realidad en la que se desenvolvía, sino escribía con la pintura.

 Escribía historias, pensamientos e ideologías. Basta con dar un vistazo a “Moisés o Núcleo Solar” o  “El Camión” no sin antes mencionar “El marxismo dará salud a los enfermos” donde está presente el uso de metáforas, y demás recursos literarios que se vuelven también visuales.

Frida en la casa azul.  Esta fusión entre arte y moda sería uno de los muchos ejemplos de los que me imaginaba cuando escribí Moda y Arte, una introducción.

 El arte y la moda siempre tendrán en común la apreciación subjetiva del lector. Un vestido, con sus colores y bordados, contiene signos que ayudarán a darle identidad a un grupo de indígenas, o a una pintora. Cualquier cosa que usemos tiene un significado. Cualquier obra de arte, tendrá un significado. Todos, o la mayoría de ellos, variables, únicos, o individuales. Así como la memoria, que es colectiva pero también individual.

Sobre moda y arte, una introducción

Moda.  Una palabra que ha causado un sinnúmero de reacciones. Algunas buenas, algunas malas. Que si es discriminatoria, que si no lo es. Que si la moda es para unos pocos… que es exclusiva. Anna Wintour, editora en jefe de la revista VOGUE decía que la moda puede causar nervios y miedo a la gente. ¿Por qué será? ¿Por la revista que ella dirige donde muestra ciertos cánones de belleza? ¿Por los medios de comunicación? ¿Por qué temerle a la moda?

Anna Wintour respecto a la moda en su documental: The September Issue. crédito: tumblr.com

 Antes de hablar de esta palabra tendremos que definir qué es moda, que viene del francés mode. Según la RAE,  una fuente primaria de consulta de datos, se define a la moda como el “uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.”

 Si bien, la costumbre de usar ciertas prendas, ciertos estilos de pelo, e incluso ciertas maneras de caminar o actuar con base al atuendo que uno posee,  el término, por más que te de cierta seguridad para decir que estás en boga, no siempre se puede considerar como un proceso textil y social.

 En una entrevista a Emmanuele M.M. De Román, Directora de IES Moda, Casa de Francia, cuando se realizó el primer desfile de moda más grande del mundo en México, comentaba que la moda era algo que todos usábamos y que todos somos parte de ella. En una definición más específica, se puede mencionar que es el hecho de estilarse, es decir, ponerle un toque personal a las prendas, por lo que todos, sin excepción están dentro de este sistema.

 Sin embargo, si nos quedamos  con un concepto de que la moda es sólo prendas y estilos personales de cómo vestir un pantalón o una chamarra, se caerá en el miedo y el nerviosismo que Anna Wintour mencionaba antes. No por una cierta conspiración, sino porque todos están preocupados en ser aceptados, a pesar de que todos estemos dentro de un espacio discursivo.  La moda, como bien dice, es una costumbre. La moda, puede ser, entonces, no sólo hacía la ropa, sino conductas sociales o  formas de expresión (como el arte, la danza etc.)

 Debo hacer un paréntesis en este punto. Cuando me invitaron a colaborar en este espacio, me pidieron hablar sobre moda. ¿Moda en qué? Pregunté. ¿Moda en ropa? ¿Moda en el arte? ¿En la danza? Yo quisiera abrir el concepto de lo que es moda. Porque también la moda es el uso masivo de ciertas ideas. Basta con recordar las clases de estadística para entender que la moda eran  los números con mayor frecuencia en los cálculos.

 Así que  esta palabra no sólo debería hablar de ropa y su parte artística como podríamos pensar comúnmente que es de lo que se trata este tema. Si tan sólo pudiéramos abrir un poco más el significado, y pudiéramos vislumbrar  otro tipo de miradas hacia lo que es “la moda” podríamos, entonces, descubrir que puede ir en algún estilo fotográfico, algunas formas de creación artística, porque como bien decía YSL: ” La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella, hay que ser un artista.”. Que el Mainstream es moda, como la moda es Mainstream.

 Así que dentro de estas colaboraciones, no sólo se hablará de ropa, estilos de vestir,  sino de las visiones sobre el arte, fotografía  y otros productos  que puedan caber dentro de un concepto más amplio de lo que es la moda.

Yves Saint Laurent inspirado en la obra de Mondrian. Crédito: Ottodisanpietro.

 Y parte importante es la raíz y principio de todo. El diseñador o el que crea. Parte de todo lo que es creado y material ha estado en cabeza de alguien, los productos finales y la reacción de la gente ya es la parte secundaria, lo que llamaríamos moda o arte. Así, entonces, podemos ver que son simples traducciones y que tienen mucho en común, tanto, que se pueden hacer fusiones interesantes.

 Tal vez, con este análisis  podríamos dejarle de temer a la palabra o mínimo dejar los nervios de lado, así de podrá incursionar hacia algo más sencillo de explicar, y que ojo, no trata de encasillar y decir: Todas las obras de arte son moda. No, el objetivo no es ese. El objetivo es encontrar en las formaciones discursivas de la moda, los toques de arte, lo estético o no, de la obra, etc.  Abrir significados permitirá voltear a ver más cosas y no sólo enfocarse en una sola. Todos somos moda porque consumimos y elegimos discursos, todos tenemos eso en común.

Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

Just 4 Fun: Más que piel y panties

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Alina para just4fun Foto: Angel Angón

 Hace cinco meses surgió Just 4 Fun, un proyecto fotográfico, que si tuviera soundtrack sería con bandas de punk rock. Un blog con imágenes que el lente de la cámara de alguien, con una mente talentosa captó.

 Un club de fotógrafos provenientes de Guadalajara, Michoacán y el Distrito Federal, entre otras localidades, integran el “crew” de Just 4 Fun, con series que incitan a la sensualidad, al usar como principal musa la figura femenina. A veces con ropa y otras no.

 Angel Angón y Armando Huertas, un par de tapatios que comparten el gusto por la estética visual, visitaron la capital para conocer a Alan Isol, parte fundamental del equipo, y realizar colaboraciones con marcas de ropa de ropa para chicas como RIP Rosa Pistola y SKVM. 

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 Ellos, además de Jaime Tena, Luis Ramone y el venezolano Rafael Mesa componen los arpegios, de una canción que suena a Descendents. Senos, nalgas y piel componen las estacadas que sueltan estos fotógrafos en sus disparos.

 No es complicado entender su trabajo pues como el nombre sugiere el objetivo es pasarla bien o como menciona Alan Isol “es para conseguir una novia modelo”, comenta entre risas.

 La literatura es un elemento clave en la relación interpersonal de quienes integran el blog de chicas semi encueradas. Entre los autores que comparten se encuentra Allen Ginsberg, Neal Cassady y Jack Kerouac.

 La influencia es notable al hacer del alcohol y la fiesta un estilo de vida y supervivencia.

 Para ver más de su trabajo puedes seguirlos en Tumblr o en el sitio Harddayco.

 Pero ya hablé mucho de estos muchachos, mejor les dejo una muestra de lo que se puede crear aún sin tener sueldo, ni tener alguna otra pretensión que no sea una vida despreocupada, pero nunca ociosa.

Nadie es igual a ti y Pepe lo sabe

Alguna vez algún visionario tuvo a bien detectar en el futuro cercano un escenario donde, ante el inminente ataque de la estandarización, una persona terminaría pareciéndose a otra. Ante este panorama que alarmantemente a muchos pareció desolador, el diseño se convirtió en el motor de creatividad y fomento de la individualidad por excelencia, facilitando que ese temor latente a ser de alguna forma “iguales entre sí” se fuera diluyendo poco a poco.

 Imprime tu personalidad y transforma lo común en algo extraordinario

 Podríamos decir que hoy en día hemos aprendido a enfrentar este posible panorama en el que nuestra personalidad sucumbe ante la repetición apropiándonos de todo lo que nos rodea. Esta búsqueda por huir de lo general y apostar por lo particular nos ha llevado a comprobar que la diferencia siempre la marca la expresión del estilo propio.

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 Cada espacio, cada idea, cada cosa que tenemos podemos convertirla en una expresión única de nosotros mismos y exaltar nuestra autenticidad a partir de pequeños detalles que marquen la gran diferencia. En ánimos de impulsar tu creatividad y apoyarte a expresar tu estilo e individualidad, Pepe Jeans a través de su Custom Studio, hace posible por primera vez en nuestro país que tu denim se convierta en un lienzo en blanco sobre el que podrás imprimir tu personalidad.

 De un amplio y genuino catálogo de diseños podrás elegir entre casi un sinfín de posibilidades el que mejor exprese tu estilo. Cada detalle podrá significar para ti algo especial y hará que tus nuevos jeans se sientan como algo realmente tuyo desde la primera puesta.

 Crea tu propio #MyOwnPepe gracias a una máquina láser especializada que grabará sobre tu ropa el diseño de tu elección y la convertirá en piezas únicas que expresen cómo eres.

 #PepeJeansCustomStudio es la oportunidad perfecta para imprimir tu originalidad de forma creativa en tus propios jeans, un básico en tu guardarropa que sin duda, es crucial en las primeras impresiones, y que al personalizarlo, te distinguirá del resto y a la vez, te permitirá compartir tu propio toque con los demás.

 Compra una prenda denim de Pepe Jeans en nuestras boutiques o en El Palacio de Hierro, elige un diseño e indica a nuestro experto #PepeJeansCustomStudio dónde quieres plasmar tu diseño. Transforma algo normal en algo extraordinario y haz algo único que será tu estandarte para decirle al mundo quién eres.

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