[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Ben Young: Escultura líquida en cristal

Deserted Crédito: Ben Young

El entorno del artista definirá su obra. Cada lugar, cada ambiente y cada pieza en el mundo que sea referente de quien hace arte, escriba, diseñe y confeccione estará presente en sus creaciones.  Tal como pasa con Elena Garro escribiendo sobre la Francia que la acogió en su autoexilio, o los murales que Siqueiros pintó y que reflejaban México; lo que rodea al creador será pieza importante en su trabajo y se verá reflejado en el mismo.

 Nacido en Nueva Zelanda, Ben Young, ahora radicado en Sydney Australia retoma de su entorno y lugar de residencia la inspiración necesaria para esculpir en vidrio pequeños océanos e islas de concreto que invitan a darse un chapuzón en esa pequeña escultura. La técnica con la que trabaja es el cristal cortado y ha hecho de éste material su principal materia prima de trabajo.

Lonesome Light. Crédito: Ben Young
The Entrance, crédito Ben Young.

 Ya con diez años de carrera, Ben Young empezó a buscar inspiración entre las islas y océano que le rodeaban. Su labor no fue fácil, pues manejar el vidrio y darle forma a este como el mar requiere de un gran proceso que no es nada sencillo (aunque pareciera lo contrario).

Rough Waters, crédito Ben Young

 La experiencia de ver estas imágenes no sólo realza los sentidos, sino que una de las intenciones de este autor es que las esculturas muestren diferentes perspectivas de las bahías, Islas y mares. No obstante las piezas como una mujer embarazada o creaciones más abstractas muestran otras formas de ver el mundo que nos rodea.

New Beginnings Crédito: Ben Young

Para conocer más de este artista pincha aquí.

¿Diseño mexicano? ¿Dónde?

Chulavista Store

Si bien, la industria del diseño en México como ya bien lo escribió Alma Torres en su entrada hacia el apoyo del diseño nacional, es de buena calidad,  no siempre es difundida o tomada en serio por los mexicanos y sí por los extranjeros.

 ¿Será que las marcas mexicanas sean exóticas en otros países que atraigan a los compradores de muy lejos? ¿Cuál es la razón de que no haya una gran distribución de productos nacionales en el mercado? Estas y muchas otras preguntas podríamos hacer antes de conocer cuál es el proceso de que haya exportación de productos.

Chulavista Store

 Es cierto que  los mismos productores y diseñadores deben impulsar sus marcas con sudor y mucho trabajo, existen formas fáciles de cómo acercar el producto a los más recónditos del mundo. Que buscan productos bien hechos y sobre todo con excelente precio, pues, lo que se gana en una pieza no va a una empresa sino a un diseñador  que con arduo trabajo recibe una recompensa por su trabajo.

 Ya sean bazares como Tráfico Bazar, o el bazar del pasaje América, en el centro del D.F. el apoyo al diseño mexicano es muy marcado lo que se busca es que sea conocida la marca y haya un mayor consumo de nuestros productos que pueden llegar incluso mejores que los comunes en las tiendas de ropa más conocidas o supermercados.

Tráfico Bazar crédito: gastrobites

 Sin embargo, para los que están lejos ya sea en otro país o en otro estado, estos bazares son de poca ayuda. Existen diversas métodos para que los productos de diseño mexicano lleguen hasta el rincón más escondido del mundo: Internet.

 Sí, aunque se lea súper noventero, el uso de Internet es la herramienta más eficiente para hacer llegar productos, conocer música nueva y un sinfín de cosas culturales que podrían abrir más nuestro panorama general. Chulavista Store ofrece una posibilidad para todo aquél diseñador, diseñadora o marca empiece a difundir parte de su trabajo.

Chulavista Store

 Espacios como éste o una simple página de Internet puede abrir un mundo de posibilidades para la inmersión de productos mexicanos a nivel nacional y por supuesto a nivel mundial. Sólo, quizá, haga falta un poco de creatividad y alguien que crea en la marca, para poder así empezar con una carrera que pueda rendir muchos frutos.

La sencillez no siempre es lo como la pintan: Hilary Fayle y su tejido en hojas

Hilary Fayle; crédito: página oficial de Hilary Fayle.

A veces, lo que atrae de una obra de arte o de alguna hazaña como la danza o  inclusive de un deporte, es que parezca fácil de realizar. Sencillo: que den ganas de hacerlo inmediatamente. Sin duda, es un objetivo que muy pocos artistas, deportistas, etc. logran. No porque no puedan, sino porque dar esa percepción al espectador es muy difícil y requiere una técnica muy bien trabajada y, por supuesto, mucha práctica.

 El arte es una de las actividades que tendrá muchas definiciones, múltiples definiciones y diversas interpretaciones, y falta mencionar las significaciones de los que consumen, viven, sienten y demás, la actividad artística. El crear arte y disfrutarlo no está muy lejos del producto final, que es el consumirlo. Es decir, se hace arte para expresar y por ende para interpretar una realidad y esto es lo que lectores como creadores buscamos: interpretar.

 El trabajo de un artista estará lleno de obstáculos (quizá mentales, quizá físicos, justo como el bloqueo y falta de inspiración) que imposibiliten o procrastinen una pieza u obra. Pero, cuando no, la inspiración, la imaginación y la acción llegan como viejas amigas a un reencuentro grupal, entusiastas, tímidas, pero con mucho más fuerza.

 Y quizá esto permita que la actividad terminada se vea sencilla, sin un trabajo extenuante. Y eso hace interesante al trabajo de cada mujer o de cada hombre que realice una actividad cualquiera, porque hasta un informe o una carta tiene “su arte”.

 Hilary Fayle justamente realiza lo que acabo de escribir como introducción. Originaria del “western NY” empezó a crear  objetos  que “fueran parte de su vida central”. Según ella, en su página oficial, estudia la creación de materiales y fibras en Virginia, Georgia USA.  Si la presentáramos de esta manera, su relevancia pareciera muy poca. ¿Por qué ella? ¿Qué hace?

 Bien, para responder las preguntas hace falta ver parte de su trabajo para comprender todo lo que he escrito.

Crédito: Hilary Fayle

 Como se puede ver en la imagen, lo que hace Hilary Fayle con las hojas y los tejidos es bastante complicado. Primero por la fragilidad que todos sabemos que poseen las hojas de los árboles. Segundo porque también sabemos, después de unas horas, las hojas se vuelven duras y fáciles de desquebrajar. Y en tercera, la forma en que los tejidos son expuestos, armados y finalizados.

 Fayle destaca en sus creaciones una forma distinta de percibir la naturaleza. Ella emplea fibras de diferentes materiales para la realización de los diseños que podríamos pensar que lo hizo una arañita de jardín. “I generally try to use renewable, sustainable and environmentally friendly materials for my art, so this was an obvious choice.” Su trayectoria apenas comienza. Ha tenido algunas residencias artísticas en su país y sus hojas tejidas han aparecido en libros de arte y en portadas del mismo tema.

 Y es aquí cuando regreso al principio. La formación de estas propuestas artísticas, por más estéticas que pudieran ser, destacan por la “facilidad” que manifiestan. Se ve sencillo de realizar, pero dudo mucho que lo sea. El cuidado de las fibras que se utilizan para los tejidos, así como el cuidado (posiblemente) extremo que deberán tener las hojas, antes, durante  y después de que la pieza esté terminada deberá costar mucho trabajo para esta artista neoyorkina.

Crédito: Hilary Fayle

 Sin duda, el quehacer artístico podrá figurarse y catalogarse como algo sencillo, fácil de hacer; sin embargo, la técnica y el trabajo que hay detrás, podrá ser lo más laborioso y difícil de realizar. No obstante, el resultado valdrá la pena. Aunque claro, existen obras que parecen ser sacadas de algo mucho más abstracto, que implican poco trabajo como una piña en una habitación o un punto negro en un lienzo blanco. Esa realización artística podrá ser explicada en otra ocasión, pues es otra historia.

Para saber más de su obra, y ver más de su trabajo, visita su pagina oficial aquí.

Los alebrijes, un sueño materializado en papel maché

Crédito: tumblr

Pueden ser grandes o pequeños. Monstruosos, cómicos o fantásticos. Los alebrijes constituyen parte de una identidad artesanal de México que muy pocos saben de qué trata.

 Los materiales son casi los mismos: Alambre, papel maché y pinturas. Lo que más se usa aquí, además de las manos, son los sueños; las pesadillas que albergan en la cabeza del artesano, y que salen en forma de alambre y papel para construir lo que alguna vez perturbó la noche de aquél que fabricara uno.

 El alebrije, se constituye en su mayoría por figuras de animales comunes que son mezclados de manera onírica ya sea una gallina con cabeza de rata, patas de caballo y plumas de avestruz o una lagartija con cabeza de dragón. En fin, la imaginación del artesano es parte esencial en la creación de estos seres coloridos.

 Presidencia de la República le otorga el crédito de fundador  al señor Pedro Linares, artesano mexicano que utilizó la cartonería para fabricar figuras que había visto en sueños, así que  este señor los materializó y el resultaron fueron los alebrijes.

 La palabra alebrije también viene del sueño del señor Pedro Linares, éste soñó que las criaturas le gritaban “Alebrije, alebrije” y fue esa la razón del porqué su nombre. Lo interesante a destacar no sólo es el nombre sino que gracias a estas visiones de los sueños, miles de personas hoy pueden crear sus propios alebrijes.

 Estas figuras resultan ser más que artesanía. Fungen, una vez que están listos, como guardianes de los sueños de su creador. Son más tótems que monstruos, y por si fuera poco la belleza que le otorga la combinación de colores, resulta hipnotizante.

Pedro Linares López, creador de los alebrijes. Crédito. CaféCaféArtesanías.

Layout: Colectivo Tres, espacio para artistas emergentes

Catálogo de exposiciones
Catálogo de exposiciones

Residentes de la Ciudad de México, Colectivo Tres tiene como fin generar exposiciones con la obra de jóvenes artistas que buscan espacios para exhibirla con el objetivo de promover el arte y la cultura.

 Alfredo Gallegos, Carla Esquivel, Celic Cruz, Emilia López, Javier Zugarazo y Mérce Jara se conocieron en la FAD (Facultad de Artes y Diseño de la UNAM) y decidieron juntar su talento y esfuerzo para exhibir su obra, sin embargo se toparon con la estrecha posibilidad de contar con el espacio y el apoyo necesario para lograr su propósito.

Nuestro principal problema es no tener un espacio para trabajar y no contar con ningún apoyo económico, Colectivo Tres es un proyecto autogestivo.

 Al parecer, ser joven y artista se atisba como un camino arduo por recorrer dentro del gremio, por lo que la propuesta de Colectivo Tres es una alternativa muy interesante para todo aquel que necesite darse a conocer.

 A partir de una planteamiento discursivo, organizan la convocatoria, buscan los espacios, crean la identidad gráfica, generan los documentos de préstamos de obras, diseñan la museografía, realizan el montaje y preparan la inauguración y clausura de una exposición, entre otras actividades que conlleva su gestión.

 Gestionar esta labor es importante para ellos, representa la manera en que pueden vincular al arte como una forma de conocimiento expuesto en el terreno cultural de la sociedad. La formulación Curatorial representa un pilar importante para dar razón a su proyecto y sobre ésta existe un autoconocimiento de sus posibilidades y alcances como jóvenes artistas.

Entendemos que es difícil la profesionalización de las artes, ya que se requieren espacios para exhibirla, una plataforma que promuevasu trabajo. Nuestras exhibiciones buscan ser la plataforma que los artistas necesitan para emerger.

Obra en exposición
Obra en exposición

 Como jóvenes no es habitual que se posea una propiedad para llevar a cabo tal cometido, por lo que se tiene que reconocer la labor que Colectivo Tres realiza; la búsqueda del espacio para la exhibición más la difusión del arte no es una tarea fácil, involucra distintos aspectos, como la localización, los propósitos afines, las necesidades de montaje, así como las estrategias de difusión, entre otras actividades que deben articularse con un objetivo en común.

 Las temáticas con las que buscan trabajar para la realización de las exposiciones se basan primordialmente en el discurso que propongan los artistas, por lo que constantemente lanzan convocatorias las cuales se pueden consultar en sus redes sociales y en su blog, que es su principal canal de comunicación.

 Finalmente, debido a que no cuentan con ningún apoyo económico institucional, la participación del artista no termina en presentar su propuesta, sino en la cooperación económica que den los artistas para solventar los gastos del montaje, el catálogo e identidad gráfica. Están abiertos a recibir patrocinios con la fiel intención de ofrecerles mejores condiciones a los expositores.

Tenemos muchos planes, este año habrán más exposiciones en diferentes recintos, esperamos que en un corto plazo nos establezcamos como empresa cultural y tengamos un espacio para trabajar y a largo plazo podamos fundarnos como una galería cuyo principal interés sea la promoción del arte y la cultura.

Sesión fotográfica para catálogo
Sesión fotográfica para catálogo
Preparación del espacio para montaje
Preparación del espacio para montaje

Layout: 5 Frases para reflexionar sobre Diseño

Al leer las frases es inevitable sentirse inundado de gran responsabilidad por la complejidad del contenido en este conjunto de palabras que expresan su visión y representan al diseño a través de su trabajo, dejando huella en la profesión y su historia.

Diseño de Abraham Cejar
Diseño de Abraham Cejar

 Hace un par de semanas escribí una breve descripción sobre la profesión del diseñador, posterior a eso he contrastado lo que escribí con algunas conversaciones que he tenido con amigos y colegas que vivimos de esto, aunado a la constante reflexión que inevitablemente hago sobre mi quehacer profesional.

 Esto me llevó a retomar algunas frases de importantes diseñadores en diferentes áreas para entrever cuál es su percepción con respecto al diseño, además de considerar a Steve Jobs por su amplia influencia en el diseño contemporáneo a través de la marca Apple. Así fue que retomé estas frases:

  1. Piensa más, diseña menos. – Ellen Lupton

  2. El diseño es el método de juntar la forma y el contenido. El diseño es simple, por eso es tan complicado. – Paul Rand

  3. El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre. – Steve Jobs

  4. El diseño debe seducir, educar y, quizás lo más importante, provocar una respuesta emocional. – April Greiman

  5. Los ordenadores son al diseño como los microondas a la cocina. – Milton Glaser

Obtenida de Chistes Para DG
Obtenida de Chistes Para DG

 La postura de Lupton al privilegiar el pensamiento sobre la acción no parece descabellada cuando tratamos al diseño como una profesión, profundizar en el conocimiento es urgente cuando se trata de superar las dificultades de una sociedad más compleja.

 Así, retomo una nota publicada el 25 de abril del año en curso por el staff de Forbes México, existen 42 mil 987 estudiantes que cursan la carrera de diseño gráfico en el país, atendidos por 332 universidades que imparten la licenciatura, de las cuales son pocas las instituciones que ofrecen un plan de estudios acorde a las necesidades del mercado laboral.

 Sugiere, de acuerdo a una serie de números y fuentes, que las personas con los conocimientos necesarios y con esquemas académicos innovadores pueden colarse en un empleo y que sus oportunidades de crecimientos están aseguradas si su actualización es constante.

Obtenida de un Board de Pinterest
Obtenida de un Board de Pinterest

 Se tiene que reparar seriamente sobre qué tipo de actualización se necesita y leer estas frases más allá de lo superficial, para hacernos reflexionar sobre la esencia de nuestro quehacer o la pasión con la que nos involucramos en un proyecto, darnos cuenta si estamos trabajando de forma mecánica sin ser conscientes de lo que la profesión implica.

 Es cierto que el mercado laboral modela las características del profesionista, en la historia del diseño se puede comprender su desarrollo, por ejemplo, a través de las nuevas necesidades que marcaba la primera mitad del siglo XX en la publicidad, sin embargo podemos observar que pese a la diversificación por la que pasa el Diseño, como es el caso del diseño de aplicaciones móviles o de videojuegos, aún sigue siendo importante el sentido y contenido con el que se diseña.

Finalmente no es necesario pensar que se tenga que teorizar para construir un tratado de procesos subjetivos que se configuran por variables complejas de diseño, pero es necesario identificar el desarrollo que se lleva en cada proyecto para optimizar el resultado.

Obtenido de la Quinta Tinta
Obtenido de la Quinta Tinta
Diseño de Alejo Bergmann
Diseño de Alejo Bergmann

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Ser diseñador

 ¿Qué es un diseñador?

 Un diseñador es la persona que se dedica de forma laboral al diseño. Existe una variedad de definiciones del concepto de diseño, sin embargo retomo la de Alfredo Yantorno, que lo define como una forma de pensamiento.

 Este pensamiento tiene una forma particular de procesar información, y es precisamente la información la que le sirve al diseñador para considerar las variables propias de un proyecto que se plasmará en un objeto o producto de diseño y que le darán las características necesarias que debe cumplir.

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 ¿Qué es diseño?

 Los avances científicos y tecnológicos proporcionaron al diseño una estructura teórica (estudios de la forma, del signo relacionado con lo social, de la psicología del color, de la ergonomía, entre otros), por su parte, la tecnología  ha hecho que las herramientas que utiliza el diseño sean más prácticas para potenciar su alcance y reducir el tiempo de producción. En suma, la estructura teórica y los avances tecnológicos responden a las necesidades productivas de la sociedad, considerando así al diseño como una profesión.

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 ¿Qué hace un diseñador

 Un diseñador tiene la posibilidad de realizar sus actividades profesionales en el sector público o privado, por ejemplo, desde auxiliar de diseño en una imprenta de promocionales, hasta director creativo de una agencia internacional de publicidad.

 También existen diseñadores que a través de la creación de su marca ofrecen sus servicios para ambos sectores, como puede ser el caso de una editorial que contrata a un despacho de diseño para realizar un proyecto de diseño destinado al sector público, pensemos en el caso de los libros de secundaria de la SEP (Secretaria de Educación Pública).

 Seguramente has oído hablar del diseñador que hace tarjetas de presentación, la realización de un anuncio para un sitio web o la elaboración de trípticos promocionales; sin embargo las actividades del diseñador pueden volverse más complejas, por ejemplo, la colección de la nueva temporada de una marca de ropa, en la cual tiene que considerar el tema, los recursos humanos y materiales, los tiempos de producción, la imagen y sus aplicaciones gráficas, las cuales representarán la colección, así como el catálogo o libro que la acompañará; entre otras actividades.

 El diseñador se vincula con muchas personas que están en el proceso de producción. De tal manera que puede ser el coordinador o parte del equipo que llevará a cabo el objeto de diseño; en teoría debe saber trabajar en equipo, sin embargo la personalidad del diseñador puede marcar su rol.

¿Cómo lo hace?

En su quehacer profesional, el diseñador está en una constante retroalimentación de saberes y conocimientos y generalmente tiene una cultura visual amplia, disfruta ver muchas imágenes y a veces  gusta de la lectura, esto hace que tengan una forma particular de hacer las cosas, la manera de hacer su trabajo es su metodología.

 Existen muchas metodologías de diseño (Modelo Diana de Olea y González Lobo o Diseño Generalizador Integrado de Papaneck, entre otros) que procuran establecer lineamientos y consideraciones importantes al momento de proyectar un diseño, pero los tiempos laborales suelen no ser compatibles con estas metodologías, por lo que resuelven de una manera práctica lo que el proyecto les demanda.

 También puede suceder que en un proyecto las decisiones importantes de diseño no recaigan en un diseñador, esto influye seriamente en los procesos de realización y en consecuencia en el resultado.

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 Lo que debería ser la diferencia

En nuestro tiempo el uso de programas específicos de edición de imágenes como Illustrator o Photoshop son herramientas muy útiles, sin embargo no lo son todo, he ahí una gran diferencia entre un técnico de diseño y un profesional de diseño. El primero resuelve de manera eficaz a través de dichos programas informáticos, y el segundo puede hacer lo que el técnico hace y además proponer estrategias relacionadas con la viabilidad de un proyecto, su aplicación, optimización de procesos, producción, distribución, logística, impacto, entre otros.

 No todos los diseñadores son iguales, cada uno tiene habilidades muy particulares, por lo general adquieren los conocimientos durante su experiencia laboral ya que lo que comúnmente se aprende en la licenciatura se ve rebasado por lo que la realidad laboral demanda.

 ¿Vale la pena ser diseñador?

 Yo soy diseñador porque tengo la posibilidad de materializar mis ideas, muchas veces el resultado no es idéntico a lo que esperaba pero esa confrontación entre lo que pienso y lo que hago me hace entender mi entorno y sus posibilidades plásticas. Esta especie de prueba y error se va afinando conforme pasa el tiempo; así pues ver materializado un sueño es una particular satisfacción que no se podría explicar en unas cuantas líneas.

 Si volviera a nacer, elegiría esta profesión porque veo en el diseño un goce estético y de posibilidades expresivas que dan sentido a mi vida.

Con sabor al norte- arquitectura gótica

La arquitectura no es un tema que haya tocado hasta ahora en ninguna de mis notas, hasta ahora, pero visitando San Miguel de Allende no pude evitar quedar anonadada por esta majestuosa catedral con picos en las puntas, la cual se hacia respetar con el estruendo de sus enormes campanas al sonar a través del viento fresco proveniente del norte.

Catedral de San Miguel de Allende

 Esa, muchachos, es la única pieza de arquitectura neogótica que existe en nuestro país. Todos los guías decían que los niños solían confundir la iglesia con el castillo de Cenicienta en Disney World. Así que decidí a leer sobre el tema.

 Este estilo no es sólo en la arquitectura sino que es todo un movimiento artístico que estuvo presente desde el siglo XII hasta el XV. Para que se ubiquen en general, es de los tiempos de la Edad Media hasta el Renacimiento. De hecho comenté sobre La divina comedia y justamente esa obra de Dante Alighieri fue uno de los pensamientos que ayudaron a la transición entre movimientos sociológicos históricos para llegar al Renacimiento. El arte gótico fue un tipo de arte que se pudo ver al final de lo que era la Edad Media. Era como quien dice, su último respiro.

 La característica más importante del arte gótico es que seguía teniendo una inspiración fuerte en el cristianismo para formular las obras góticas. De ello resaltó lo que era la arquitectura.

 Fue un incremento económico en Europa lo que propició el nacimiento de estos monumentales templos. El primero de su clase fue edificada en Francia, la basílica de la abadía real de Saint de Denis.

Abadía de SAINT DENIS

 Hay características notorias acerca de este tipo de construcciones, como sería el arco de ojival que es un arco con un pico, aunque tiene varias maneras de ser mostrado.

Arco de ojival

La bóveda de crucería, lo cual podría describirse como el esqueleto visible y simétricamente hermoso en los techos de la misma catedral.

Bóveda de crucería

 Pero lo que se resalta es la luz que se aprecia de los vitrales que coloreaban toda la luz que entraba a la edificación, esto era porque se buscaban más creyentes y este tipo de juegos visuales hacían de cierto modo una divinidad presente. Disney hace el uso de la luz bastante presente en El jorobado de Notre Dame.

Este tipo de arquitectura es muy vistosa en lo que a cine se refiere porque podemos encontrar dichos estilos en películas como Harry Potter, ya que el castillo de Hogwarts es de estilo gótico. En La otra Bolena también se muestra un estilo gótico en el castillo de Rey Enrique XVIII, lo cual se ha de repetir en la serie de TUDOORS.

El castillo de Hogwarts

 En cuanto a la catedral de San Miguel, su estilo no es propiamente gótico sino neogótico como mencioné al principio. Hubo arquitectos que volvían a este estilo pero no lo hacían tal cual era. Por lo tanto hay quienes lo llegan a llamar un pseudogótico. Entre estos edificios está el palacio de Westminster en 1836.

Palacio de Westminster

 Es complicado darse cuenta de la diferencia entre gótico y neogótico por lo que recomiendo que busquen en internet la estructura del edificio en cuestión del cual tengan dudas. O avísenme si les gustaría este tema más a fondo, porque tiene para rato. Por lo demás hablaremos la próxima semana.

 

Arquitectura en México 1900-2010

Desde diciembre del año pasado, en el Palacio de Cultura Banamex (o el Palacio de Iturbide) se presenta la exposición “Arquitectura en México 1900-2010” que exhibe el recorrido de 110 años por la arquitectura mexicana y su relación con el diseño, el arte y la ciudad a través del Fomento Cultural Banamex, A.C., el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes y la Fundación Aeroméxico. La exposición se alargó un mes y podrá ser disfrutada durante todo Julio para aquellos que no han podido visitarla.

“La exhibición se conforma a través de fotografías, dibujos, maquetas, mobiliario, esculturas, pinturas y planos urbanos y ofrece el panorama más amplio jamás reunido sobre arquitectura moderna de México.”

 Curada por Fernanda Canales (Ciudad de México, 1974), esta exhibición presenta el trabajo de más de 160 autores. Por medio de material inédito, obras emblemáticas y proyectos utópicos. Se estructura en orden cronológico, en 6 periodos definidos por arquitecturas distintas:

  1. Los inicios (1900-1924)
  2. Primera modernidad (1925-1939)
  3. Periodo heroico (1940-1968)
  4. Nueva monumentalidad (1969-1989)
  5. Fin de siglo (1990-1999)
  6. Primera década del siglo XXI (2000-2010)

 De esta manera el visitante tiene la impresión de percibir el cambio ideológico y estructural que ha marcado todos los proyectos arquitectónicos a través del tiempo y el cambio transitorio que experimenta la sociedad, por medio de la la valiosa información que se encuentra acompañada de cada esbozo, fotografía y objetos únicos que se exponen con una delicada autonomía; pero al mismo tiempo funcionando como proceso que engloba a toda la arquitectura mexicana.

 Como resultado de esta exposición surgió el libro que lleva su nombre, escrito por Fernanda Canales, y que plasma toda la exhaustiva investigación de la historia de la arquitectura mexicana en sus contextos sociales, artísticos, políticos y urbanos que ayudan a descifrar su papel en la identidad del mexicano, y la percepción que se tiene de ellas en el presente.  Con el apoyo de Arquine y el Fomento Cultural Banamex, el libro está publicado en 2 tomos con más de 2000 imágenes (fotografías blanco y negro y color) que acompañan la investigación.

 Está pensado para todo tipo de público que guste o este interesado en los temas que engloban al mundo de la arquitectura y su punto de unión con la cultura y la sociedad.  Es un libro bastante accesible que no requiere de un estudio erudito para su comprensión, y es una publicación indispensable para todo aquel que se interese en la identidad mexicana a través de su urbe.

https://www.youtube.com/watch?v=5d5wIsvlKiM

Lo puedes comprar desde la página de Arquine en este link o si prefieren pueden comprarlo en la tienda del museo.   Recuerden que sólo queda el mes de Julio para visitar la exposición, ¡no se la pueden perder!

 

¿De dónde nace Brikwall Arquitectura?

Como resultado de un largo proceso y un sinnúmero de cambios por los cuales esta actualmente atravesando la sociedad (y de manera puntual, la  mexicana), las transformaciones y rumbos que están tomando las diferentes expresiones artísticas resultan evidentes, siendo quizá una de las mas notorias la arquitectura.

Hoy en día la arquitectura en sus múltiples facetas se ha visto tergiversada por ciertos factores que, lejos de ser ajenos a ella son parte de su esencia. Es por ello que definir el lenguaje arquitectónico de estos tiempos no es tarea sencilla, esto entendiendo que la arquitectura es el fiel reflejo de la sociedad, así como de un momento histórico. En este sentido, importante resulta reflexionar acerca de la importancia que tiene en nuestras vidas, y cómo a su vez el acontecer político, económico y cultural se ven reflejados en ella; esto pone frente a nosotros el reto de continuar, reinterpretar y encontrar la ruta que trazará el rumbo de esta naciente arquitectura. Siendo parte de nuestras vidas, definiendo nuestra manera de vivir, rodeando todo nuestro entorno, es así como la arquitectura se ve presente, es así como la vemos reflejada en nuestro contexto. Evidentemente no es la única manera de expresar una idea pero sí una de las más monumentales.

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Vivimos una época claramente muy distinta a aquella en la cual afloraban arquitecturas de conciencia, es decir con razón de ser, para y de la sociedad, una oleada que trajo consigo más que una nueva propuesta: fue una respuesta a las necesidades del momento. Innegable es, que desde tiempos remotos ha sido la arquitectura un medio difusivo tanto de ideologías como de intenciones en concreto. Sin embargo el desafío al que nos enfrentamos consiste en llevar a la práctica aquello que en la mayoría de las ocasiones no se enseña dentro de un aula de clases: el arquitecto de hoy en día debe aprender a dejar de lado la “deidad” que erróneamente le ha sido heredada, y en lugar de ello fungir como una especie de sociólogo, que de esta manera entregará un satisfactorio servicio a la sociedad.

Es bajo el contexto ya descrito que entendemos que el arte, la expresión del conocimiento e inspiración humana reflejada en la pintura, escultura, cine y una infinita gama de manifestaciones artísticas forman de una u otra manera parte esencial de la arquitectura, y a su vez destaca la importancia social de esta práctica. De este modo tiene múltiples definiciones y objetivos por cumplir, cuando nace la necesidad de cubrir todos los perfiles que demanda una arquitectura plenamente realizada: ahí es donde el trabajo y el objetivo de Brikwall Arquitectura se hacen presente.

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Con una propuesta en la que la arquitectura resulta del binomio arte-sociedad es que buscamos proponer soluciones integrales que por una parte satisfagan la necesidad del usuario, es decir: ¡arquitectura de la gente y para la gente! Es así como la ciudad misma se ha convertido en el usuario al que es necesario proveerle de proyectos que la unifiquen y, de esta misma forma, hacer de nuestra labor una exquisita forma de  difusión de arte.

Museo Amparo: en encuentro con nuestras raíces

Puebla es un Estado rico en cultura, tradiciones y arte en sus distintas representaciones, y uno de los museos que alberga en conjunto parte de la cultura es el Museo Amparo.

Es uno de los museos más interesantes de México, alberga una extensa colección de arte mexicano prehispánico, colonial, moderno y contemporáneo. En 1991 abrió sus puertas, exponiendo una colección de arte con el fin de fomentar y desarrollar el estudio de las mismas, bajo el lema: “En encuentro con nuestras raíces”, teniendo como misión rescatar, preservar y difundir integralmente el arte en México, fue pionero en emplear tecnologías multimedia: sus exposiciones se complementan con pantallas interactivas

El edificio donde se encuentra actualmente el museo es rico en historia ya que en fue construido en el siglo XVI, siendo el primer hospital de la ciudad de Puebla conocido como: “El Hospitalito”. Posteriormente Juan de Palafox y Mendoza mando a trasladar a los enfermos a otro hospital quedando el edificio solo y convirtiéndose más tarde en un colegio.

Don Manuel Espinosa Yglesias fue el creador de la fundación Amparo y por  iniciativa de su hija  Ángeles Espinosa Yglesias se creó en memoria de su esposa Amparo Rugarcía de Espinoza.

Gracias a la remodelación pudieron crear más salas de exposición que contienen un valioso acervo de arte prehispánico (que suma más de mil 700 piezas) es una de las colecciones -bajo custodia de particulares- más completas en cuanto a las culturas que presenta al público, además la calidad estética y el valor histórico de la colección prehispánica hacen de ella una de las más ricas y atractivas del país, así una cómoda terraza en la que puedes admirar la belleza del centro de Puebla y sus alrededores y de paso tomar una buena foto de recuerdo.

panoramica Amparo

 

¿Y como llegas? Esta ubicado en la 2 Sur 708, Centro Histórico. México 72000 y esta abierto de Miércoles a Lunes de 10:00 a 18:00 horas, Viernes de 10:00 a 21:00 horas.

De Miércoles a Domingo la entrada es de $35.00 al publico en general y $25.00 a estudiantes y maestros pero el Lunes la entrada es gratuita.

Cuando visites Puebla no te olvides del Museo Amparo que sin duda llenará tus expectativas y te hará volver por una dosis de cultura.

 

Museo Amparo fotos

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Festival Internacional de las Luces México 2013

Durante cuatro días el Centro Histórico de la Ciudad de México se vestirá de luz y sonido.

fes luz 2El 7 de noviembre inicia el Festival Internacional de las Luces México 2013 que por primera vez llega a América Latina. Después de presentarse en diversos países como Japón, Alemania y Francia, la muestra artística hará escala en nuestro país.

Durante el festival el público disfrutará del trabajo de artistas nacionales y foráneos a través de proyecciones en distintos edificios emblemáticos, Dj sets y clases magistrales, además contará con El Foro Internacional de la Luz, donde expertos discutirán sobre el arte lumínico el 8 y 9 de noviembre en el Museo Franz Mayer.

Los espectáculos se llevaran a cabo de  19 a 23 horas. También contará  con el recorrido “La noche de las luciérnagas” el 8 de noviembre sobre el Corredor Reforma; la entrada es libre.

Las 13 obras de la Ruta

1. Antiguo Palacio del Arzobispado Museo de la SHCP. “Sin cabida” de Betsabeé Romero. (Instalación de luz) Calle de Moneda No. 4.

2. SEFI-CELE Antigua Escuela de Ing. “Expansión textual” de Ice Trip. (Proyecciones) Calle Guatemala No. 90

3. Paraninfo de Autonomía. “Las flores del infierno” de Irene Blaise. (Cajas de luz) Calle Lic. Verdad No.2

4. Museo de la Luz. “Memento mori” de Rocio Asensi. (Escultura de luz) Calle del Carmen No. 31

5. Plaza Tolsá / Cuba y Argentina. “Turibus” de Errantes.
(Proyección) Calle Tacuba s/n entre Marconi y Xicoténcatl

6. Plaza de Santo Domingo. “Fuego” de Flow Fabric Art. (Performance)
Calle República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

7. Plaza Garibaldi. “Globos monumentales” de Liga Mexicana de Globos de Cantolla. (Globos)
Calle Caminito s/n / República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

8. Iglesia de la Concepción Cuepopan. “Candelabro” de Valeria Florescano. (Escultura de luz)
Calle Belisario Domínguez s/n entre Dr. Mora y Ángela Peralta

9. Fachada del Palacio de Bellas Artes. “El origen del mundo” de Miguel Chevalier. (Fachada Virtual) Av. Hidalgo No. 1

10. Kiosko Alameda Central. “Kiosko-cinema” de Paolo Tosini.
(Proyecciones 8mm y digital) Av. Hidalgo s/n entre Av. Juárez y Dr. Mora

11. Alameda Central. “Los nidos” de Lucion Media.
(Escultura de luz) Av Hidalgo s/n entre Juárez y Dr. Mora

12. Laboratorio Arte Alameda. “Esto no es carne” de Erick Meyenberg, Marisol Cal y Mayor y Jorge Torres Sáenz.
(Performance) Calle Dr. Mora No. 7

13. Laboratorio Arte Alameda. “SAE” del Colectivo del SAE.
(Proyección) Calle Dr. Mora No. 7

La bioclimática: una aplicación sustentable en la arquitectura.

2009-isla-palenque-bio-climatic-studies1Dentro de los diversos términos que escuchamos al hablar de arquitectura verde o sustentable nos podemos encontrar con el de bioclimática. Ésta es un tipo de aplicación pasiva de tecnologías para lograr que una edificación sea funcional  para el ser humano a la vez que es respetuosa con el medio ambiente del lugar en el que se emplaza. Una aplicación activa de tecnología sería por ejemplo el implemento de paneles solares para  la captura de energía o la construcción de azoteas verdes para aprovechar su aislamiento térmico.

Una aplicación pasiva no involucra sistemas de alta tecnología ni aparatos sofisticados, para ser aplicada basta con conocer los recursos naturales con los que se cuenta, aprovecharlos y cuidarlos. Es decir, conocer y trabajar con el flujo de energías locales del lugar donde se pretende levantar una edificación. En el caso de la bioclimática, hay que conocer y trabajar con los elementos climáticos del lugar para que la construcción, desde su emplazamiento y arquitectura, juegue con estos para lograr una temperatura y condiciones confortables al interior al tiempo que cuida el ecosistema del que es parte.

Por ejemplo, si estamos en un lugar cálido como la costa se pueden utilizar techos altos para que el aire frío entre por debajo y salga por arriba logrando una buena circulación de éste al tiempo que se ventila el espacio interior y se mantiene la temperatura fresca.  Para evitar que los interiores se calienten demasiado se puede aplicar también el uso de parasoles para generar sombra, la implementación de fachadas dobles, vegetación o materiales de baja inercia térmica (que no absorben calor) sobre las fachadas que recibe la mayor parte del sol durante el día. Todo esto puede reducir o definitivamente acabar con la necesidad de implementar tecnologías nocivas para el medio ambiente como lo son los aires acondicionados que a pesar de gastar tanta energía son muy utilizados.

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En un lugar frío lo ideal es abrirse hacia el sol y protegerse de los vientos. Al implementarse en un terreno de clima frío se debe orientar la edificación de tal forma que reciba la mayor cantidad de sol a lo largo del día al tiempo que se utilizan materiales de alta inercia térmica, es decir, que absorben el calor en el día para liberarlo en la noche. En este tipo de climas también se pueden utilizar fachadas dobles ya que éstas funcionan perfectamente como aislante térmico, sea en clima frío o cálido.

La bioclimática es una herramienta de diseño muy valiosa ya que permite a la arquitectura convivir y funcionar de manera armoniosa con el medio ambiente. Las arquitecturas antiguas la aplicaban de manera muy espontánea, era simplemente uso de sentido común jugar con los elementos climáticos del lugar Cuando se empezaron a descubrir tecnologías y materiales innovadores se empezaron a aplicar estos sin sentido y se dejó de un lado la bioclimática, remediando las fallas que esto ocasionaba con aires acondicionados y calefacciones. Es tiempo de volver a utilizar la bioclimática como una herramienta primordial en el diseño arquitectónico ya que es imperativo dejar de construir edificaciones y ciudades nocivas para este planeta en el que vivimos.

Renovarse o morir: montañas rusas tradicionales se extinguen

Euforia, alegría, entusiasmo, nervios e incluso miedo. Paso a paso, las emociones crecen y se mezclan entre sí al ver cómo la fila, que antes era enorme, disminuye y sólo faltan unos cuantos minutos para dar un recorrido a varios metros de altura en lo que para algunos pasajeros resulta un terror y otros tantos consideran una maravilla. Los gritos suenan cada vez más cerca y de pronto se escucha un rugido ensordecedor, entonces se visualizan rostros con diversas expresiones, las cuales suelen ser indescriptibles; sin embargo, dichos gestos comunican una idea general: las montañas rusas son una experiencia única e imperdible.

Capaces de provocar las emociones más fuertes y de poner la adrenalina a todo lo que da, las montañas rusas han sido la atracción principal de las ferias desde su invención en el siglo XIX, cuando se construyeron los primeros juegos de este tipo. Las estructuras que reinaban los parques de diversiones de esa época eran muy simples, pues sólo contaban con una vía elevada a varios metros de altura, la cual marcaba una ruta curva con algunas caídas pronunciadas; sin embargo, estas construcciones han evolucionado con el paso del tiempo, de tal manera que en la actualidad resulta más impactante subir a una monstruosa torre de múltiples giros y pendientes que a una montaña tradicional.

Medusa dejó de petrificar a los visitantes de Six Flags México.

Hace unos días, el parque de diversiones Six Flags México despidió a una de sus principales atracciones: Medusa, montaña rusa de madera que destacaba entre los juegos preferidos de los visitantes; sin embargo, según declaraciones del gerente de relaciones públicas del recinto, Roberto Báez, al diario El Financiero, la empresa está buscando innovar y por eso decidió ceder el espacio de dicho juego a “una nueva sorpresa”, comentó.

La jubilación de Medusa se anunció apenas un par de meses después de que el parque inaugurara The Joker, atracción mecánica inspirada en la locura de uno de los principales villanos del comic Batman; por la cercanía de ambos hechos, se deduce que Six Flags se encuentra en una etapa de renovación en la cual ya no se busca que el público se reencuentre con su juego favorito o asista para conocer las montañas que se consolidaron como referentes del recinto, sino que ahora apuesta por sorprender con la construcción de estructuras aparatosas, más altas, más complicadas y basadas en conceptos, historias o personajes para hacer más espectacular su ambientación y así llamar aún más la atención de los visitantes.

 

Why so serious? The Joker ya llegó a Six Flags, una nueva montaña con una estructura retorcida e innovadora.

La renovación de los parques de diversiones es un acierto desde el punto de vista económico; también resulta emocionante para los visitantes, sobre todo para aquellos amantes de los juegos mecánicos; sin embargo, esta situación pone en peligro de extinción a las montañas rusas clásicas, construidas con madera y denominadas Woodies, de las cuales cada vez hay menos debido a que tal material no permite elaborar atracciones tan grandes ni con tantas vueltas o caídas como lo marca la nueva tendencia en este tipo de estructuras.

Claro que esto no es motivo para dramatizar, pues el cese de construcciones de juegos de madera también beneficia al medio ambiente; sin embargo, el tema se torna nostálgico, debido a que en este asunto, como en muchos otros, lo tradicional pierde terreno a manos de la rentabilidad.                                                                                                                                                     

Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico, la última Woodie de México.

En el caso de las Woodies, cabe mencionar que, según el sitio web Roller Coster Data Base (www.rcdb.com), en México sólo existían dos: Medusa y la Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico; ahora sólo queda esta última y, por tanto, cobrará importancia por ser la única representante de los juegos mecánicos tradicionales en el país; así mismo, desde la perspectiva arquitectónica, podría considerarse su estructura como una pieza digna de admiración y conservación, pues en este contexto, sería muy raro retornar a las construcciones de este estilo.

La Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico comenzó a operar en 1964 y sus dimensiones son extremas, pues tiene una altura de 33,5 metros, una longitud de 1,219,2 metros; cabe mencionar que su caída es de 24, 4 metros, según www.rcdb.com

Renovarse o morir, es una de las leyes de la vida; sin embargo, la memoria es enorme y en ella quedará el recuerdo de la adrenalina que se disparaba en el cuerpo de quienes alguna vez dieron un paseo por la mitológica cabellera de Medusa, recreada por esta montaña de 32 metros de alto y 955,8 metros de longitud, dimensiones tan extraordinarias como las emociones que provocó durante sus 13 años de funcionamiento (2000-2013).

Beneficio de los muros verdes

Por: Remitente

@remitente_df

www.remitente.mx

Los muros verdes son estéticamente hermosos y es un hecho que están de moda, pero ¿sabes cuáles son sus beneficios más allá de que endulcen nuestra vista?

Implementados con fines varios, los muros verdes se postulan como una excelente forma de armar un pulmón donde no hay espacio. Los mismos son utilizados cada vez más ya sea para ambientar un hogar, una oficina y hasta un edificio completo.

El sistema consiste en una pared verde con vegetación natural, fijada sobre una estructura vertical formada por conjuntos de diferentes especies. Según la fuente de luz de la que disponen, pueden hospedar una variedad increíble de plantas. El riego se adaptará a las condiciones climáticas para asegurar un crecimiento continuo con un mantenimiento mínimo.

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Cabe destacar que el concepto de muro verde no se corresponde con las paredes cubiertas por una enredadera, como se puede ver en muchas fachadas de casas y edificios. En estos casos las raíces de las plantas están en la tierra y solamente el follaje en el muro. Por el contrario, la base de los jardines verticales es que está confeccionado de modo tal que las raíces forman parte de la pared.

¿Cómo se hacen?

Uno de los procedimientos es enganchar al muro rejillas de aluminio recubiertas de plástico que luego se tapan con una capa de fieltro sintético, para que las plantas se puedan enraizar.

Por lo general incluyen un sistema de riego automático para mantener la humedad necesaria para que las plantas puedan crecer lo suficiente. También suelen contar con sistemas de fertilización automática.

De esta manera logran un mosaico de texturas y variaciones de verde se expone como un collage en altura, donde la gravedad parece estar ausente.

Ventajas

En primer lugar filtran el aire de contaminantes propios del ambiente en el que vivimos inmersos, en segundo lugar absorben humedad y el calor y por último, capturan los gases de efecto invernadero como el dióxido de carbono -culpable del calentamiento global- y nos aportan oxígeno. Por todo esto tienen la capacidad de mejorar nuestro ambiente no sólo visualmente.

Muchos edificios padecen del “síndrome de edificio enfermo”, que se refiere a una serie de enfermedades que se padecen por la contaminación del aire en espacios cerrados. Las paredes verdes pueden solucionar esto, filtrando y purificando el aire que respiramos.

Cuidado del medio ambiente

En los últimos años, la protección del medio ambiente y la gestión sustentable de la energía se han vuelto preocupaciones mundiales. La construcción y los edificios son blancos a los que se apunta específicamente porque son responsables del 25 por ciento de las emisiones totales de gases con efecto invernadero. Todos los actores han entendido la emergencia de la situación y bajo la presión de acuerdos internacionales, piden ahora soluciones concretas para mejorar su cotidiano y la calidad de la construcción.

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Los muros verdes son una forma práctica y atractiva de neutralizar los efectos nocivos de la edificación y contribuir al desarrollo sustentable.

Los jardines verticales tienen además la ventaja de ayudar a reducir la energía en refrigeración, ya que en verano aíslan el calor lo que hace que se reduzca considerablemente la necesidad de utilizar el aire acondicionado o ventiladores.

Por otro lado, generan aislación acústica sin necesidad de colocar paneles especializados.

Beneficios:

  • Refrigeración en verano y aislamiento térmico en invierno. 
  •  Reducción del consumo energético. 
  • Filtración del polvo y otras partículas contaminantes. 
  • Reducción y armonización de ruido exterior. 
  •  Protección de los materiales constructivos. 
  •  En verano reduce el impacto de radiación solar. 
  • Las plantas trepadoras levantan sus hojas en respuesta a la dirección del sol, creando un efecto de ventilación, ya que el aire fresco penetra hacia adentro y el aire caliente es dirigido hacia arriba. 
  • En invierno el follaje de las plantas persistentes actúa como aislante, ya que filtran el aire antes de que llegue a la fachada, reduciendo la perdida de calor. 
  • La protección de lo materiales constructivos de los rayos ultravioletas. 
  • Atracción de la fauna y hábitat de animales (aves).

 

Construir con materiales reciclados: un nuevo desafío.

Por: Remitente

@remitente_df

www.remitente.mx

Durante miles de años el ser humano ha realizado actividades tendientes a satisfacer susnecesidades, sin importarle la cantidad de residuos que produce la realización de tales actividades. Esto responde a una constante visión a corto plazo que busca el beneficio inmediato sin medir las consecuencias. Pero a partir de la Revolución Industrial, y particularmente en el último siglo, la producción de residuos es tan importante que el hombre ha tenido que empezar a pensar qué va a hacer con ellos, pues constituyen un verdadero problema. Paralelamente a los entes gubernamentales que se comienzan a preocupar por una gestión integral de los residuos, surgen movimientos ecológicos y empresas que animan a tomar conciencia en la temática del reciclado, como una forma de no despilfarrar los recursos disponibles, y de disminuir la contaminación del medio ambiente.

bloques de PET

En el campo de la arquitectura y la construcción es muy reciente el comienzo del uso de materiales reciclados, sobre todo de aquellos procedentes de otras industrias. Uno de los primeros materiales reciclados con los que se ha empezado a construir es el PET (Polietileno-Tereftalato), plástico con el que se fabrican botellas para las bebidas. Este material es ligero, transparente, resistente, hermético, no tóxico y no altera las propiedades del contenido.

Por las cualidades descritas y por su bajo costo se empezó a generalizar el uso del PET a partir de la década de los ochenta en envases descartables, en sustitución de los envases de vidrio retornables; uno de los motivos por los cuales aumentó el volumen de la basura urbana considerablemente. Los movimientos ecológicos señalaron esto como un signo de alarma. Los envases descartables no son biodegradables, y si no son destinados al reciclado, son enterrados, incinerados o se acumulan en basureros al aire libre. No reciclar el PET es tanto una fuente de contaminación, como una pérdida de materia prima.

casa-pet reciclado

El reciclado puede reducir la cantidad de desechos que se disponen actualmente en los predios de enterramiento sanitarios municipales, por lo cual se disminuirían los costos que debe pagar el Estado para la disposición de los mismos, y las consecuencias ambientales no deseadas. El acopio por separado de los residuos útiles es el primer paso básico para el reciclaje de los materiales y depende de la cultura de las poblaciones.

Pero, ¿cómo se utilizan estas botellas de PET para construir viviendas?

Existen tres tipos de reciclado del PET: el mecánico, el químico y el energético; siendo el primero el más usado por ser el menos costoso.

El reciclado mecánico consiste en varias etapas donde se realiza: la separación manual de las botellas, el triturado en partículas, clasificación de partículas por aire (se separa el polipropileno), lavado, inmersión en agua y separación electrostática (se separa el aluminio).

Los envases son triturados y así son incorporados a las mezclas cementicias, sin necesidad de desprenderle etiquetas, tapas.

Por lo tanto, los bloques desarrollados con PET reciclado son una alternativa posible para la ejecución de cerramientos de construcciones, más ecológicos, más livianos y de mejor aislación térmica, que los bloques convencionales de cemento y arena gruesa que se utilizan tradicionalmente.Su resistencia mecánica es menor, pero suficiente para cumplir la función de constituir mamposterías para cerramiento de viviendas de hasta dos pisos de altura. Por su bajo costo, son aptos para viviendas y construcciones de interés social.

Hay numerosas organizaciones en todo el mundo que se ocupan de impulsar el reciclado de plásticos:

– ABEPET (Associação Brasileira dos Fabricantes de Emalagens de PET).

– AMEE (Asociación Mexicana de Envase y Embalaje).

– APME (Association of Plastic Manufacturers in Europe).

– APR (Association of Postconsumer Plastic Recyclers, de Estados Unidos).

– CEMPRE (Associação Compromisso Empresarial para Reciclagem, de Brasil).

– Club Español de los Residuos.

– CWC (Clean Washington Center, en Estados Unidos).

– Ecoembalajes España S.A.

– Forum PET (de Alemania).

– NAPCOR (National Association for PET Container Resources, de Estados Unidos).

– National Recycling Forum (de Gran Bretaña).

– PETCORE (PET Container Recycle Europe).

– Recoup (Organización nacional de reciclado de botellas plásticas, de Gran Bretaña).

Arquitectura sustentable

Por: Remitente

@remitente_df

La Arquitectura Sustentable o “verde” es un tema complicado hoy en día, ya que como en muchos ámbitos a veces lo que se vende como “verde” no lo es de fondo, aprovechando la necesidad de cambio verdadero para convertirlo en una simple moda. Hay que saber discernir entre los farsantes y la arquitectura realmente responsable y comprometida con la problemática ambiental actual.

A diferencia de cualquiera de las corrientes arquitectónicas pasadas, lo que hace que la arquitectura sustentable tenga valor es por cómo funciona, no tanto por cómo se ve. Claro está que como cualquier disciplina relacionada con las artes, la estética siempre está presente y tiene una fuerte incidencia en la obra final.

La industria no es la única responsable de la problemática ambiental actual y ésta no es exclusiva del primer mundo. En el mundo de la construcción se consumen anualmente enormes cantidades de energía para simplemente abastecer las necesidades de aires acondicionados. Esto sin mencionar la misma filosofía lineal de extracción, producción, consumo y descarte que rige el manejo de acabados y materiales en general. La sola construcción de ciudades genera el 30% de los desechos mundiales y éstas se siguen expandiendo hacia territorios naturales que deberían permanecer intactos.

basura

Hoy la necesidad de sustentabilidad es mucho más compleja, tiene muchos más niveles y va mucho más allá de un simple diseño basado en un buen estudio de sol y vientos. Se tienen que tomar en cuenta muchas otras cosas. Primero, hay que tener en cuenta el lugar: los flujos energéticos y materiales locales, cultura y aprovechamiento de infraestructura existente en lugar de urbanizar naturaleza. Después hay que pensar en la optimización de recursos durante la construcción, es decir, evitar el desperdicio de materiales y energías. Los materiales escogidos, tanto para la estructura, como para los acabados deben ser seguros, reciclables y de preferencia reciclados. En el caso de lo reciclado también hay que tener cuidado e investigar bien los materiales, hay procesos de reciclaje que son aún más nocivos para el planeta que simplemente producir el material desde cero, precisamente porque éste no está diseñado para ser reciclado.

La localización de cualquier edificio debe promover y facilitar el uso de redes de transporte público masivo y el uso de medios alternativos como la bicicleta. La arquitectura sustentable debe también, desde su diseño interior, promover el bienestar humano y la adopción de estilos de vida ambientalmente más responsables.

Hay arquitectos que mundialmente son ejemplo por implementar al máximo en sus diseños estas medidas, como es el caso de William McDonough, quien ha desarrollado edificios como la Base de Sustentabilidad de la NASA en el Centro de Investigación Ames y trabaja actualmente en un proyecto de urbanización en China, enfrentando los terribles problemas de ese país en cuanto a exceso de población y agotamiento de recursos naturales para proporcionar vivienda y sustento.

susteta

Hay otros arquitectos y constructores que, a pesar de no ser famosos o trabajar con grandes proyectos y tecnologías de punta, están comprometidos con generar viviendas más responsables con el medio ambiente y el propio ser humano. Existe actualmente toda una ola de aplicación pasiva de tecnologías en la construcción tales como: bioclimática, materiales rescatados, construcción con barro y otros materiales locales y de bajo presupuesto, baños secos, recolección de aguas lluvias, energía solar, composta y mano de obra no especializada.

Esto es sólo un resumen de los puntos básicos que debe tocar la arquitectura realmente sustentable. La realidad es que nuestro mundo actual, globalizado y capitalista es muy complejo, y para poder ser 100% “verdes” se tienen todavía que cambiar procesos, ajustar políticas, rediseñar industrias y sobre todo transformar la mentalidad colectiva.

Construcción en barro Villa de Leyva _Colombia

Actualmente nuestro mundo es tan diverso y vive tan aprisa que existen muchas formas de hacer arquitectura, sin embargo creo que la más valiosa es ésta, ya que va en busca de un cambio real que representaría una mejoría en nuestra forma de habitar este planeta.

 Para más información sobre sustentabilidad, entra a www.remitente.mx

Prosolve, obra de arte anti smog

Parece un panal, pero es un hospital. Llama la atención la textura de la pared construida a base de hoyitos irregulares, la cual está sobrepuesta a un muro blanco, tan ordinario como cualquier otro; sin embargo, lo más interesante de esta construcción no es su semejanza al hogar de las abejas, ni sus propiedades decorativas que convierten un recinto poco agradable en una fachada atractiva, sino que tiene un valor agregado, pues este diseño limpia el smog y mantiene al edificio libre de contaminantes.

Fachada del Hospital Doctor Manuel Gea González.
Foto: Reforma.

Esta imagen corresponde al Hospital Doctor Manuel Gea González, cuya construcción, encomendada por la Secretaría de Salud a la empresa ICA, emplea el material Prosolve, el cual convierte el smog en sales no tóxicas e impide su paso a este edificio que, por sus futuras funciones, deberá permanecer sanitizado.

El prosolve es un material plástico de origen alemán, el cual tiene un recubrimiento de dióxido de titanio que al entrar en contacto con la radiación solar, los rayos ultravioleta y el smog, genera una reacción química que produce sales, mismas que se limpian de la superficie con la lluvia, según declaró Josué Hoil, Gerente de Proyecto en ICA, para el diario Reforma.

Además de limpiar el smog, este material protege al edificio de la luz y reduce las radiaciones solares, lo cual permite ahorrar energía porque el espacio concentra menos calor y, por ende, se puede minimizar el uso de aire acondicionado, detalló Holi.

Sin embargo, el prosolve tiene una particularidad estética, pues su forma es similar a la de un panal que, al ser montado en una fachada, logra un efecto visual llamativo capaz de embellecer espacios y volver agradable un sitio que tiende a ser deprimente, tal como es un hospital.

Panel de Prosolve.

Cada panal de prosolve se compone por cinco partes y el hospital cuenta con un patrón armado por 500 bloques elaborados con un total de 2 mil 500 piezas para cubrir alrededor de 10 metros cuadrados. El panel utilizado para el muro del edificio tardó 45 días en construirse.

El Hospital Doctor Manuel Gea González ya puede ubicarse en las vialidades de Tlalpan y San Fernando, al sur de la Ciudad de México; sin embargo, la obra, iniciada en junio de 2011, aún está inconclusa y se estima su término en noviembre de 2013. El presupuesto para este proyecto fue de mil 200 millones de pesos.

El mérito de este edificio está en su contribución al cuidado del ambiente y de la salud de los pacientes del hospital, sin embargo, es notable el efecto estético que ofrece este panel geométrico a muros simples; obras como esta permiten darse cuenta de que el velar por una mejor calidad del aire es un arte indirecto.

FLUIDICO, ESCULTURA EN MOVIMIENTO.

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Fluidico es una instalación artística interactiva del Hyundai´s Advanced Design (el centro de diseño avanzado) ubicado en Berlín.

La pieza escultura en movimiento  está formada por 12000 orbes translúcidos suspendidos con hilos casi invisibles y proyectores de luz 3D, los cuales simulan el movimiento a través  de los orbes.

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Esta obra refleja bastante bien la innovación y el movimiento de nuestra época. El uso de 8 proyectores de alta velocidad y un escenario adaptado para la resaltar la iluminación, puede ser apreciada en cualquier ángulo posible.

Las cosas siempre cambian y se innovan, pero que mejor forma de combinar la ciencia y el arte,  ya que esta espectacular obra se concibió gracias a que  Hyundai realizo un estudio de “WHITEvoid” y con base en los resultados de su estudios, inicio la elaboración de esta escultura en movimiento, recordándonos que es posible crear arte, con lo más sencillo hasta con lo más complejo.

 

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Virtual Motion Graffiti: humo para restaurar ruinas

Los enormes salones eran oscuros y desolados. Sus paredes estaban descarapeladas por el paso del tiempo. Sus muros habían sido erosionados a causa de las aguas del río Mondego, cuyo desborde fue decisivo para que las habitantes de aquel monasterio lo abandonaran a mediados del siglo XVII; el espacio quedó desierto hasta que, de pronto, la bruma se apoderó de él como si dentro hubiera estallado un considerable número de bombas de las cuales emanó un humo denso y colorido para revivir aquel recinto, rescatarlo del olvido y crear con ello una nueva obra de arte.

El responsable de la explosión ocurrida dentro del Convento de Santa Clara la Vieja, en Coimbra, Portugal, es el artista Daniel Silva, quien ha empleado una particular técnica de animación para regresar a la vida algunos espacios arquitectónicos que han sido reducidos a las ruinas debido al abandono de sus habitantes o a las pocas visitas que reciben.

Gracias al Virtual Motion Graffiti se dio vida al Monasterio de Santa Clara, en Portugal.

Silva denominó Virtual Motion Graffiti a la técnica de vertir chorros de pintura al interior de una pecera con agua para crear un efecto humeante y multicolor; esto es filmado y, posteriormente, la grabación se superpone a las imágenes de paredes interiores o exteriores de algún recinto, en este caso, el también arquitecto eligió el monasterio citado.

El Virtual Motion Graffiti es presentado por Daniel Silva en el video Mosteiro de Santa Clara, compartido por el artista en su cuenta del sitio web de videos Vimeo; esta pequeña producción se presenta a continuación:

Esta técnica podría funcionar como una nueva propuesta para devolver el interés a los espacios arquitectónicos que han sido desalojados u abandonados por alguna situación, pues aunque la filmación original del recinto muestra un lugar totalmente gris y poco agraciado, la animación de la bruma de colores contrasta con la idea del vacío y aporta movimiento, vida y, por qué no decirlo, un toque de misterio que incita a conocer las historias escondidas tras esos muros fríos y despellejados.

El Convento o Monasterio de Santa Clara fue construido en el año 1286 por el Maestro Domingos Domingues bajo el encargo de la reina Santa Isabel. Fue fundado en 1318 por Doña Mor Dias y a partir de 1330 fue el hogar de las monjas Clarisas, quienes tuvieron que desalojarlo en 1677 debido a la inundación provocada por el río Mondego, el cual se ubica al lado de la construcción.

Tras casi cuatro siglos de abandono, en 1995 el arqueólogo Artur Côrte-Real encabezó una campaña de restauración del Convento, el cual abrió sus puertas al público en 2009.

Humo de colores, vida para espacios abandonados.

Kid’s Republic, diseño exclusivo para los peques

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La librería Kid’s Republic se encuentra en el centro del país más poblado del mundo, en Beijing, China. Es un lugar diseñado para motivar la creatividad y la comodidad, exclusivamente para niños. Aquí su imaginación será acompañada por los libros a consultar y lo colorido del diseño del edificio.

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Tiene un camino lleno de color que recorre toda la librería, tanto en el piso como las paredes. Entre las estanterías hay agujeros donde los peques pueden leer cómodamente, algunos simulan ser caleidoscopios con vista al exterior mientras otros solo están en el interior. El tapiz alfombrado está por doquier, con ello los niños pueden sentarse a leer donde quieran.

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Cuenta con la mejor selección de libros infantiles, desde cuentos, hasta especiales de fotografía. La sala de actividades parece un arcoiris y se encuentra en el primer piso, mientras la librería está en la planta alta.

Keiichiro Sako (estudio de arquitectura SKSK) a petición de Poplar publishing Co, Ltd., la mayor editorial infantil en Japón, fue quien diseñó este divertido lugar, lleno de colores, para los más pequeños. Así se antoja ir a leer cómodamente.

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La librería nació en 2006 pensada para la formación integral de los pequeños, los futuros ciudadanos de cualquier país, acercándolos a la cultura, a los libros, con un concepto adecuado a los cambios globales y convertirlo en un mundo de fantasía donde no se sientan abrumados por el encierro ni la monotonía, ideal para los niños de hoy.

El ABC de los Arquitectos

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Dentro del arte, está la arquitectura, ese espacio que da a lugar a todas las expresiones que nosotros emitimos y percibimos en cada uno de los sentidos. A Federico González se le ocurrió la idea de concentrar los más grandes espacios que nos hacen sentir, expresados por los arquitectos más reconocidos.

Este video concentra obras desde el Art Deco del Edificio Chrysler, de William Van Alen, pasando por la arquitectura emocional de Luis Barragán con las Torres de Satélite, hasta el modernismo a con una de las mayores expresiones de Mies Van Der Rohe con el Pabellón de Barcelona.

Aunque podamos concluir que hay obras que faltaron en el compilado, el video sirve para enseñar una parte de toda la historia nuestra arquitectura.

Casa del Agua: un tributo a la pureza

El agua es un elemento esencial de donde parte la vida. Incluso en nosotros la composición es 70% agua, lo que significa que el cuerpo humano necesita de este elemento para llevar a cabo sus funciones básicas. Seguramente un tema que difícilmente se medita es la manera en que nos hidratamos, cuando lo que tomamos puede marcar una gran diferencia en cómo nos sentimos y en cómo te puedes sentir.

“Casa del agua” emerge precisamente alrededor de esta teoría, no sólo fabricando el agua con el estándar de purificación más alto, sino creando todo un concepto bajo dos principios básicos que se vuelven entrañables: “La energía no se crea ni se destruye sólo se transforma” y “La intención es la forma esencial de la energía y el agua su conductor universal”. Dichos principios sirven para entender el porqué invertir tanto cuidado para tener como resultado un líquido puro de la más alta calidad que por sus múltiples procesos de ionización y remineralización incrementan sus propiedades hidratantes y antioxidantes llevando una experiencia ordinaria a un nivel delicatessen. Todos los procesos antes mencionados están a la vista en su boutique que no pierde detalle: el diseño es limpio, los detalles del branding en las botellas diseñados por THiNC los convierten en objetos muy bellos que puedes reutilizar, y que además, por estar fabricadas en vidrio no dañan al medio ambiente; aunado a que tienen algunas curiosidades extra con dibujos y motivos relacionados con la boutique que encantan.

 

Como datos extra Casa del Agua también cuenta con infusiones de Cinco flores, Jazmín, del Trópico, del Himalaya, entre muchas otras que se pueden degustar en su terraza  que fué pensada como un “Edén contemporáneo”;  ésta es toda una nueva experiencia, una nueva visión de lo natural, un lugar que “evoca y apela a lo bien hecho y representa todo aquello que vale por lo que es y no por lo que pretende ser…”

 

 

Pueden visitar los beneficios de un agua realmente pura en Puebla No. 242 Col. Roma, México D.F.

Y visitarla de manera virtual en su  página web aquí

 

La desafiante arquitectura de M. Reynolds

Por mike

@elchinomike

Michael Reynolds un arquitecto inspirado en implantar sistemas de vivienda autosustentables, ha innovado en la construcción y diseño de viviendas con capacidad para proveerse de agua, conservar una temperatura adecuada de forma casi automática, así como,  reciclar sus desperdicios. Lo anterior lo ha realizado dejando de lado ciertos estándares, códigos y reglas de construcción convencionales con los que la sociedad estadounidense ha configurado su espacio geográfico.

Michael vive en una meseta de Nuevo México donde cultiva sus propias plantas en su casa y diseña nuevos proyectos. Desde los años setenta, en un condado desértico de Nuevo México inició a construir una comunidad con desperdicios como latas de cerveza, botellas de plástico, neumáticos entre otros: Earthship. Este proyecto, fue construido con viviendas elaboradas junto a los seguidores y colaboradores de Reynolds.

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Las viviendas prescinden de recursos externos de manera no sencilla de comprender bajo un sistema de vida “urbanizado” y de consumo que impera en las principales capitales y ciudades del planeta. Lo cual ha llevado al rechazo de políticos y colegas profesionales que no obstante reconocen el valor de éstas construcciones autosuficientes, al parecer, a partir de los desastres ocurridos con los Tsunamis durante la última década.

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Éstas son capaces de proveer casi todo tipo de frutas o verduras a sus habitantes dentro de invernaderos integrados, que adicionalmente incluyen un sistema de filtrado de agua. De acuerdo a Reynolds el reto es “un asunto de vida o muerte”: combatir el cambio climático y la dependencia de combustibles fósiles. Él señala que es posible que cualquier persona construya su propia vivienda.

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El documental sobre Reynolds muestra su experiencia de construcción, aprendizaje, su método de Estructuras semienterradas con paredes de neumáticos llamados “masa térmica” en forma de “U” que regulan la temperatura del espacio habitacional con la temperatura de la tierra lo que hace innecesario sistemas de calefacción e incluso su inmersión en el Senado de Arizona para gestionar leyes a favor de su proyecto.

En el 2004 Reynolds junto con su equipo partió hacia las islas Andamán en India para la reconstrucción tras el Tsunami. Aquí instruyeron a arquitectos locales para que emplearan en un futuro el sistema con el que habían levantado 14 viviendas totalmente ecológicas. En México realizaron un proyecto similar en 2005 después del huracán Rita.

“¡Trato de salvar mi trasero y esa es la fuerza mas poderosa!”

  vimeo.com/28350955

Performance Architecture Project

Las diferentes maneras de concepción y construcción de un espacio donde recrearse, sin importar si es con fines culturales o de entretenimiento dieron cabida a la constitución de un proyecto donde los materiales salen de lo común, se puede ver desde otro ángulo a la arquitectura, sentirla viva y parte del entorno en el que nos desenvolvemos, para dar una nueva oportunidad de renovar estos espacios y cambiar la forma en la que intervienen la ciudad.

Este proyecto es prácticamente una competencia internacional donde las propuestas a intervenir temporalmente espacios urbanos públicos en las que se involucra a artistas, diseñadores y a arquitectos que crean instalaciones sorprendentes dándole otra dirección a la construcción y al entorno mismo. Promueven prácticas alternativas a monumentos y otras estructuras tradicionales que promueven por medio de actividades que involucran al espectador con los creadores.

 

performance architecture - construction with clothes by dantiope

Cine Centípedo

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La única forma de ver una película en este cine tan especial ubicado en Guimarães, Portugal, es meterse en alguno de los 16 puntos. El “Cine Centípedo”, es un proyecto elaborado por la Barlett School of Architecture, dirigido por el profesor Colin Fouriner en conjunto con la artista polaca Marysia Lewandowska y el estudio inglés Neón.

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Mientras la parte superior del cuerpo vive la experiencia de este peculiar cine, las piernas de cada uno de los espectadores siguen en el mundo exterior.

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Acá los websites de los participantes: Bartlett School of Architecture,  Marysia Lewandowska y  NEON.

Imágenes cortesía de Neón.

Beautiful Steps: ¿a dónde llega?

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Lang y Baumann son un par de artistas suizos conocidos como Lang/Baumann. Una de sus obras más conocidas es la serie “Beautiful Steps” que consiste en la instalación de escaleras en lugares en los que normalmente no irían: en el exterior de la torre de un castillo en Austria, en paralelo con el techo, de una ventana a otra y en contínuas ocasiones literalmente en el aire.

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La mayoría fueron instaladas como metáfora y plantean cuestionamientos como ¿Qué sucedería si hubiera unas escaleras ahí? ¿A dónde llegarían? ¿Por qué?

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A muchos les dan ganas de dar unos pasos sobre estas escaleras, sin embargo, en realidad no son utilizables aunque, como muestran algunas de las imágenes, muchas personas han intentado caminar sobre ellas.

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Estaciones transformadas por el arte

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El corazón de Nápoles ha sido completamente transformado gracias a las Estaciones de Arte, es decir, sus estaciones de metro. Mediante un programa en el que colaboraron artistas, diseñadores y arquitectos, entre ellos Alessandro Mendini, Anish Kapoor, Gae Aulenti Jannis Kounellis, Karim Rashid, Michelangelo Pistoletto y Sol LeWitt, además del despacho del arquitecto español Oscar Tusquets Blanca. Éste último se encargó de la estación Toledo, recientemente inaugurada en la Semana Europea de la Movilidad Sustentable.

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La estación Toledo se encuentra a 50 metros, por lo que es la más profunda de la línea, lo que permitió que el tema en su diseño fuera la luz y el agua. El arte incluye dos mosaicos del sudafricano  William Kentridge, así como trabajos de Francesco Clemente, Ilya y Emilia Kabakov, Shirin Nehsat y Oliviero Toscani.

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Por acá el sitio oficial del metro de Nápoles

Con info de Tuija Sepell

Los Juegos De Realidad De Leandro Erlich

Por Abigail Rodríguez

@abigailrhz 

Durante siglos el arte fue el reflejo de la realidad o al menos eso pretendía. El uso de colores, formas y tonos para crear claroscuros y generar profundidad y dimensiones en un espacio plano resultaba en la creación de imágenes muy similares a la realidad, congruentes con la visión de un artista inmerso en una cultura y en una sociedad.

Sin embargo, muchos artistas han rebasado los límites de esta realidad para crear mundos y territorios mágicos donde las leyes de la física dejan de existir y las leyes de la materia se desvanecen.

Leandro Erlich, un arquitecto y artista argentino, crea espacios fantásticos con objetos reales, como albercas donde se puede permanecer sumergido por horas sin mojarte ni ahogarte, escaleras que no subes ni bajas, pasillos donde se debilita la fuerza de la gravedad y espejos que reflejan lo que el ojo humano no puede ver.


Las obras de Leandro Erlich generan en el espectador tensión y sorpresa al contemplar piezas artísticas que rompen los límites de la realidad y a su vez se muestran como escenarios perfectos donde la pieza clave es el propio espectador.

Leandro Erlich, ha expuesto en países como Francia, Estados Unidos y Japón, para saber más sobre su propuesta artística visita su página:

www.leandroerlich.com.ar

Rastreando Los Cielos Con James Nizam

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Trace Heavens es una exposición de James Nizam conformada por una serie de peculiares esculturas lumínicas cuyo único material es la luz solar.

Las piezas fueron hechas mediante un laborioso proceso que requirió oscurecer por completo las habitaciones y realizar hendiduras y perforaciones en los muros, además de instalar un sistema de espejos en puntos estratégicos que rebotaran los rayos del Sol. El método, según describe el artista canadiense, requería de mucha paciencia ya que en ocasiones sólo contaba con unos cinco minutos de buena luz solar para hacer las pruebas y ajustar las instalaciones para que dieran forma a las figuras de luz diseñadas por Nizam.

El resultado es una colección de elegantes piezas de existencia efímera que capturan la atención del espectador hasta el punto de la hipnosis. El juego geométrico de los haces de luz rebotando a través de los espacios grises es un callado pero poderoso homenaje a la fuerza del astro y de la luz misma. El trabajo de canalizar la luz del Sol para crear estos diseños plantea además una forma de arte con significado ecológico que promueve la interacción del artista con los elementos más básicos que tiene a la mano -aquéllos proporcionados por la naturaleza.

Las fotografías que capturaron la obra de Nizam están ejecutadas a la perfección, acertadamente faltas de color para realzar los aspectos estéticos y geométricos de los diseños.

SILO 468: arte con luz en Helsinki

 

SILO 468 es una escultura luminosa creada por el Lighting Design Collective  y recién inaugurada en Helsinki, capital de Finlandia. El proyecto recupera un espacio industrial abandonado para convertirlo en obra de arte y plaza pública.

Se trata de un silo petrolero en desuso a orillas del mar, de 36 metros de diámetro y 17 de altura. El imponente cilindro fue transformado en una impresionante obra de arte luminoso cuyo interior estará abierto al público. Durante el día, los orificios en la superficie de la estructura, en combinación con la posición del Sol, crearán juegos de luz y sombras con los cuales los visitantes podrán interactuar. Por la noche, se encenderán cientos de LED controlados por un software que ha sido programado para que las pantallas simulen los movimientos de una bandada de pájaros. Las corrientes de viento regionales sirvieron como modelo para crear los patrones de movimiento de las luces electrónicas.

La obra forma parte del proyecto Helsinki World Design Capital 2012. Aquí dejamos un video con los renders del proyecto que explican a detalle su realización y funcionamiento.