Daniel Soares pregunta ¿Moda artificial?

Creatividad, pasión y desapego por las tendencias son tres factores que caracterizan a Daniel Soares, director artístico quien refleja en su trabajo la crítica hacia el artificial concepto del modelaje, dejando ver que existe una esencia mas allá de las imágenes que apreciamos en los anuncios con los que diario nos topamos…

Daniel Soares

 

¿Por qué ir en contra de los estándares de modelaje que son aceptados por gran parte de la comunidad? ¿Por qué dejar a un lado los caminos cómodamente experimentados y exitosos? estas son cuestiones resueltas por la esencia que hay detrás de observar un cuerpo estéticamente presentado en una fotografía de una campaña publicitaria, ya que él considera que el trabajo constante, cuidado por los detalles y pasión por aquello que se vive, crea la diferencia en las vidas que lo rodean.

Daniel Soares

Daniel Soares

¿Quién es? Nació en Portugal, creció en Alemania y actualmente es profesor de Miami Ad School en San Francisco. Ha sido premiado por su trabajo y éste ha sido exhibido en reconocidas galerías de arte, ¿Una pista más? Él es el artista quien usa la barra de herramientas de photoshop en los anuncios de propaganda de H&M y catálogos virtuales, pero ¿cuál es la finalidad de exponer todo esto? Es una pregunta, que no será resuelta hasta que como sociedad se vea más allá de lo que percibimos con los ojos y qué es todo eso que se encuentra detrás de la imagen de una modelo, para pasar a tener como prioridad la esencia y significado del humano que lo posee.

En 2014, Daniel Soares fue invitado por  Kesselskramer para llevar a cabo una exposición de la serie Photoshop Adbusting, como parte de The Step una exhibición que concentrándose en las sesiones de fotos para la industria de la moda revela el lado siniestro de ésta.

Daniel Soares

 

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Layout: Taverna Libraria, encuadernación en miniatura

La relación entre el diseño y la encuadernación es muy estrecha, por ejemplo, al considerarse la elaboración artística de un libro; el aspecto exterior de algo siempre genera una impresión, si es de un objeto de diseño debe considerarse como consecuencia de un estudio previo que cubre algunos de los aspectos importantes de cualquier proyecto.

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 El aspecto exterior de un libro es resultado del trabajo de las personas que constantemente practican la encuadernación y adquieren una habilidad educada y delicada para manipular los materiales relacionados con esta técnica.

 Diana Vázquez es una diseñadora gráfica que ha ido más allá de aprender a encuadernar para experimentar esta técnica en miniatura. Después de aprender y trabajar varios tipos de encuadernaciones, con formatos y tamaños distintos, ha encontrado en las miniaturas una satisfacción muy grande para producir un sello particular que distingue a su obra en comparación con otras.

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Las miniaturas siempre me han llamado la atención, me encanta ver como se logran plasmar tantos detalles en objetos pequeños… hasta ahora lo más pequeño que he hecho es como de 1 x 1.5 cm. como era tan pequeño se me ocurrió ponerlo en un arete para que no se me perdiera.

 Su inquietud empezó en casa, al observar y disfrutar el trabajo que su padre habría realizado tiempo atrás en los talleres cuando estudiaba la educación básica. Ante la nula posibilidad de estudiar encuadernación como taller optativo en la secundaria, el destino de Diana decidió que esa oportunidad llegaría tiempo después, ya como diseñadora profesional y capacitándose en cursos que impartían sus maestros de encuadernación.

…la inquietud me surgió un día de pequeña al encontrar en casa algunos libros que encuadernó mi papá cuando cursó el taller de encuadernación en la secundaria. Me pareció una cosa fascinante…

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 Su propuesta de encuadernado consta de diferentes modelos pero en estructura es similar, el trabajo es igual o más difícil que el de una encuadernación de tamaño convencional; su habilidad y delicadeza para compaginar, cortar folios, armar cuadernillos, coser, colocar cabezadas, armar carteras, y demás pasos que conforman la encuadernación son de un detalle delicado para rematar con los broqueles en el caso de los aretes, y que pueden ser de distintos materiales pero con forma similar, como de gancho.

Los primeros libritos que hice fueron con hojas en blanco, pero me gustó la idea de darles más realismo y me di a la tarea de formar paginas con texto simulado y algunas imágenes, quizá esa haya sido la parte más laboriosa. Disfruto todo el proceso porque tiene su encanto hacerlo en pequeño…

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 Lo más difícil para ella es darse a conocer porque su trabajo entre semana en un despacho de museografía absorbe gran parte de su tiempo, sin embargo, ha decidido seguir con lo que le apasiona y buscar nuevos clientes, clientes que valoran el trabajo, esfuerzo y cariño que pone por ejemplo en cada par de aretes. Diana esta abierta a trabajar con las ideas de la gente que busque en su obra plasmar ese afecto por los libros, por eso es solo cuestión de contactarla para platicar y hacer un pedido.

A corto plazo mi idea es incorporar más estilos de encuadernación, también otras presentaciones distintas de los aretes y quizá armar una página para vender en línea.

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Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

[Galería]: Formas

Fotografías y texto por Pedro Sosa

Las siguientes fotografías surgen a partir del concepto de la forma, exploran ésta como elemento fundamental de cualquier imagen, desde la forma humana o geométrica, hasta la presentada en esta serie: la arquitectónica. Son fotografías de arquitectura, sin embargo no retratan la majestuosidad de los edificios sino las formas que éstos albergan rescatando los elementos básicos de una fotografía como las líneas, el ritmo, la simetría o el ángulo de toma. Así la foto invita al espectador a adentrarse en la foto, encontrar las formas geométricas más comunes hasta encontrar las propias.

 Las fotografías invitan no a ver una construcción arquitectónica sino a echar a volar la imaginación mostrando formas y espacios que no veríamos al contemplar el edificio completo. Para comprender las fotografías sugiero que el espectador se pregunte ¿dónde fue tomada? ¿de qué ángulo se tomo? ¿cómo se tomo?.

 Si bien invitan a imaginar, también incitan a admirar la ciudad, a redescubrirla. Muchas de las imágenes fueron tomadas en lugares que caminamos periódicamente como Tlatelolco, Santa Fe, Chapultepec o Av. Reforma. Este proyecto invita al espectador a disfrutar la cuidad, a observar las bellezas que están ahí pero muchas veces no las admiramos por la vida tan acelerada que llevamos, invita a recorrer las calles a voltear hacia arriba observar las peculiaridades arquitectónicas que el Distrito Federal alberga.

 Todas las fotografías fueron tomadas con cámara análoga con rollos 35mm y procesadas digitalmente.

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Nao ninshiki: ¿Quieres ser un cíborg?

Hace unas semanas atrás, por calamidades que ya están escritas en la palma de mi mano (las cuales, por desgracia, ninguna bruja quiere enseñarme a leer), visité un hospital y digamos que, ahora sé porque es uno de los lugares más desagradables que existen.

 Gradualmente, y con el paso del tiempo infinitamente más largo dentro de estos edificios, es inevitable entrar en preocupaciones de índole espiritual, reflexivo, psicológico y hasta ficcional… como lamentar no haber nacido en el 3000 d. C. y solucionar los problemas de salud con un simple reseteo y un contrato en el que se lea: Este documento establece su autorización para el formateo de su corazón y cerebro electrónicos, después del cual, usted podrá seguir viviendo normalmente. Cualquier posible daño o pérdida colateral es bajo su pleno consentimiento. Firme aquí.

 Quizás, convertirse en un cíborg (un organismo parte humano, parte máquina) ayudaría a eliminar muchos males humanos, enfermedades por ahora incurables, incluso la eliminación de defectos y debilidades arrastradas por miles de milenios como la vulnerabilidad del hombre al clima o a los accidentes… qué decir de la evolución de los hospitales a modernas boutiques de prótesis, chips y trueque de células madre.

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 Pero ¿debí usar la palabra ficcional para el ejemplo? ¿de verdad implica la absolución de mi empacho de hospital y de enfermedad, el convertirme en un ciborg? Para algunos, es sólo cuestión de tiempo que estos nuevos seres sean más que una realidad, uno de ellos es el más grande defensor y pionero en investigaciones de vinculación humano robot que habita el planeta, Kevin Warwick.

 El Capitan Cyborg, así bautizado por The Register (portal londinense de noticias sobre tecnología y ciencia), ha iniciado un plan para enlazar exitosamente los organismos humanos con los mecanismos electrónicos y cibernéticos, y para ello, él ha apostado la cosa más admirable para su misión: experimentar con su propio cuerpo.

 El profesor en cibernética y robótica por la Reading University de Londres, tiene entre sus diversos e importantes reconocimientos el ser considerado una de las personas más influyentes en el curso de la humanidad, debido a los hallazgos y resultados de sus experimentos, enlistado junto a personajes como Galileo, Einstein, Curie, Nobel, Oppenheimer y Rotblat… así que ya puedes imaginar la talla de lo que a continuación te contaré.

Gallery_Image_6608 Su nombre es Proyecto Cyborg y su objetivo es responder qué sucedería si el hombre se fucionara con un ordenador. En 1998, a las 4:00 pm, en algún lugar de Gran Bretaña, un chip transmisor fue incrustado en el antebrazo de Warwick. Después de la cirugía, el científico podía controlar remotamente puertas y otros dispositivos gracias a este chip en su organismo.

 El éxito de este experimento radica en la excelente aceptación del cuerpo por aditamentos sintéticos dentro de él. Cuatro años después la segunda parte del proyecto (Project Cyborg 2.0) fue realizada nuevamente en el brazo del profesor Warwick, pero esta vez, el implante probaría la fructífera comunicación entre un ordenador y el sistema nervioso del hombre.

 El resultado: el Capítán Cyborg logró controlar una prótesis de brazo y una silla de ruedas con los impulsos recibidos y enviados al ordenador desde su brazo y viceversa. Otros datos recogidos en esta prueba fue la comunicación entre dos sistemas nerviosos de manera puramente electrónica a través de Internet (para lo cual un dispositivo similar fue injertado en la esposa de Kevin Warwick).

  Estos dos hechos probados hace 12 años, dan cuenta de lo palpable que es un futuro cercano lleno de estas interacciones cada vez más profundas. Y es a partir de estos sucesos que el camino se torna mucho más complejo.

 La tecnología siempre ha contado con dos caras de su realidad: una tan oscura que nunca se prevee el alcance negativo de su mala o inadecuada implementación; y una tan clara y brillante que nos enamora y nos rendimos ante las mieles que nos vierte en los labios.

 La bioética junto con los distintos cuestionamientos sobre la implementación y prejuicios de una posible sociedad cíborg o humanos cibernéticos, aterriza e intenta protegernos de la cara negativa de este paso evolutivo. Una aterradora pero factible idea de sometimiento, de un control interno y a distancia que superaría los terroríficos sueños de Orwell y Huxley, donde la vigilancia y coacción cuarten la libertad de los seres humanos desde los cuerpos.

 La Corporación VeriChip, subsidiaria de Applied Digital Solutions, ( compañía estadounidense) vende desde el año 2001 implantes con información del portador así como un localizador GPS. Es de suponer que esto es con el consentimiento del usuario, firmando un acuerdo como el que imaginé anteriormente; sin embargo, el asunto va más allá.

 Es inevitable no imaginar un escenario prematrix o post apocalíptico cuando estudios (especulativos, es importante aclarar) de Francisco Varela y Humberto Maturana, biólogos chilenos autores de la teoría de la autopoiesis (concepto que dicta que todo ser vivo es autónomo y capaz de producir sus propios componentes para preservar sus relaciones internas) respecto a la inteligencia sintética como los organismos cíborg, estos últimos declarados como homeostáticos (capaces de conservar estables las condiciones internas en diferentes ambientes) con la capacidad de adaptarse para sobrevivir.

 Lo anterior puede ser el mayor conflicto entre ambas partes, pues de existir divergencia de decisiones o intuiciones entre la parte humana y sintética, una desconexión u obligada conexión puede tener consecuencias inesperadas. Esto se discute después de que algunos robots modernos han desarrollado una inteligencia superior, tal como ocurrió en el año de 1999, cuando Warwick hizo el primer robot que aprendía en Internet cómo moverse en un entorno y luego le enseñó a otro robot a comportarse de la misma manera. El nuevo programa del segundo robot no fue hecho por un humano, sino por otro robot que se basó en lo que él, por sí mismo, había aprendido.

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  Otra cosa que me parece importante mencionar es el hecho simple y humano (al parecer, pues no hay otra explicación) de la discriminación por cualquier causa. Me refiero al posible costo de tales “productos”. Evidentemente, no todos podrán beneficiarse de estos implantes u órganos cibernéticos, lo que segregará quizás ya de forma irreparable y definitiva a la humanidad, ya no en pobres y ricos, sino en cíborgs y humanos simples.

sterlac 2 A pesar de estos aspectos para nada insignificantes, en la actualidad existen manifestaciones en apoyo a una evolución humana, a la consagración del hombre con la máquina. Nombres como Sterlac, un artista único y genial desde mi punto de vista, que empecinado en ser un cíborg, crea performance con brazos biónicos, orejas cibernéticas incrustadas en su antebrazo o exoesqueletos manejados por músculos de su cuerpo, con lo que busca promover la nueva era del hombre.

4701a9_863e53d641dd8be38d7f51b65dd94f14.jpg_srz_300_180_85_22_0.50_1.20_0.00_jpg_srz Hoy en día ya existe la primera institución cíborg en el mundo. Se trata de la Cyborg Foundation, creada por la bailarina y coreógrafa Moon Ribas, quién se ha implantado sensores sísmicos en las orejas; y Neil Harbisson, primer cíborg reconocido, artista y activista que tiene añadida una antena diseñada por él mismo, con la cual puede escuchar los colores, ver rayos ultravioleta y recibir Neil-Harbisson-Cyborgcualquier interacción desde otro dispositivo directamente a su cabeza. Ambos, alientan a las personas a ser cíborgs y promueven los derechos y legislaciones para ello.

 Sería útil también, echar un vistazo a las muchas películas, cuentos, novelas, fotografías y esculturas sobre todo tipo de implicaciones que acarrea el juego de ser Dios. Robots y cíborgs inundan nuestro imaginario colectivo, hoy y desde hace mucho tiempo. Tenemos desde la hermosa historia de identidad y búsqueda interior, divertida y ligera cinta coreana I’m a Cyborg, But That’s OK,  o el anime de culto Gosth in the Shell que aborda el tema de manera profunda; hasta los tristes desenlaces de Frankenstein y  el poema El Golem, del gran Borges.

 Lo primordial, al final y en mi opinión, recae en la adaptación, comprensión y equidad de la coexistencia en el planeta, cosa que el hombre, tanto en sus épocas doradas y oscuras, tanto en sus estratos bajos y altos, nunca ha conseguido, y de ahí que resulten tan factibles los peligros que traen consigo desear ser o crear una raza superior… porque de eso estamos hablando, de la llegada de un mejor ser humano.

 Quizás, el precio de ser humano es enfermar y tener hospitales, tener limitantes y cuidarlas hasta la muerte, sin segundas oportunidades, sin poder ver las ondas radiales viajando en el viento o sentir la sensación de destrozar una roca con la palma de una mano biónica… ¡Pero a quién quiero engañar!, yo quiero ser un cíborg. ¿Tú?

Hikaru Cho: Body painting bajo el realismo social


El mundo pasa por una violación hacia la integridad humana, ya sea desde sucesos tempranos hasta los que han relatado poco a poco una serie de pretensiones malintencionadas. En el arte se ha constituido una protesta inminente hacia lo que dañe o ultraje la estabilidad social. No es casual: Siglo XXI, época de los desaventurados y desamparados emocionalmente, daño hacia sí mismo y a los demás, deducción o no, la capacidad por difuminar ese sentimiento de nostalgia hacia los buenos tiempos, ha cautivado a miles de artistas en todo el globo terráqueo. Asia, continente enigmático y sutil, clarifica el sopor de la vida y la necesidad por poner un brillo hacia la mirada perdida. Joven, originaria de Tokyo, Hikaru Cho expresa su sentir ante la expresión del realismo, que detona un variado número de pormenores.

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 Hace aproximadamente dos años, la joven japonesa se integró a la campaña global de Amnistía Internacional sobre derechos sexuales y reproductivos, opinión que le permitió constituir un gran esfuerzo a su labor concerniente. En ese sentido, toma como eje central el declive hacia el respeto como tal de los derechos humanos en general, un sentir que le motiva a sincronizar el cuerpo humano como directriz para empezar la obra. La atención la amerita la masa corporal, el body painting es la técnica que demuestra una forma de compenetrar la manifestación ante la mezquindad de caos de este tiempo. Mujeres y hombres, víctimas de la opresión y del delinque perpetuo son las bases para que la inspiración llegase a Cho de una manera tan controversial y sorprendente. La vacilación aparece cuando se relaciona un rostro con grietas, y no se sabe a ciencia cierta si se está viendo una fotografía o es una sensación extraña entre la angustia y la tranquilidad del modelo en cuestión. La incredulidad juega un papel vital en la creación de la tokiota, sin embargo, precisamente ese aspecto delimita que tan reflexivo pueda ser el contraste de aseveración.

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My Body My Rights (MBMR)

 No solamente se manifestó sobre la importancia de concientizar a la humanidad ante los derechos humanos; su crítica muestra también el declive hacia el que se halla el humano por falta de su propia sintonía. De una u otra forma, la convención entre alcance y limitación va desde el prejuicio hacia la conservación del cuerpo como algo perfecto hasta la muerte en vida. Los objetos pueden ser cierres, frutas, partes de la taxonomía humana… todo tipo de detalles encarnan en la pintura con acrílico que realiza. Con apenas 21 años, logra la pulcritud de algo novedoso, destaca por su arte y también por su pensamiento que conlleva a la autodeterminación e introspección. Indudablemente el reconocimiento llega, y ha compenetrado en marcas de renombre en Japón, así como la realización de diversas colaboraciones con revistas asiáticas y hasta el diseño de formas de maquillaje para modelos en especial. La trascendencia ha sido de gran relevancia para la mujer audaz que contempla la esfera social desde la transformación; primero desde la limitante hasta la construcción de otros paradigmas.

 Sujetos a cuestionamientos y a múltiples aseveraciones día a día, los seres humanos somos la mezcla perfecta entre el deber y el hacer, y en ese tránsito, la variedad de detalles conciernen en un sentido diferente. La función cotidiana varía dependiendo del compromiso y proyecto ante el cual se pertenezca, sin embargo, la similitud entre todos radica en los modos de plasmar a la vida; ya sea desde un aspecto tan trivial como benevolente. El sentimiento de Hikaru Cho se transforma en el reclamo hacia la iniquidad misma del humano, ya sea presentada a su cuerpo, su sentir o a sus semejantes; la necesidad por ser libres, alberga la gran esperanza de la artista japonesa.

Crédito: Fotografías de la página oficial de : HIKARU CHO

Kelly Smith: La ilustración en moda

Crédito: Kelly Smith

La creatividad no tiene límites, y si podríamos pensar en uno, sería algo tan creativo que sería una paradoja de la vida. ¿En realidad hay límites en la creativad? ¿O es que sólo se hace una clasificación de lo que se debe crear y de cómo ser creativo?

Personal Work Crédito: KellySmith.com

 Es que esta realización de ilustraciones confiere a una distinta forma de creación, pero, cuando se fusiona con la moda, el resultado son obras que enaltecen la ropa, el sentido general de una colección y sobretodo el concepto central de una pieza textil.

 La ilustración en moda tal vez sea muy poco mencionada pero existen algunas personas como Kelly Smith, que ha aprovechado este campo para lograr obras que han sido referente para muchos diseñadores y marcas, como por ejemplo Chanel y Valentino. Si bien este tipo de ilustraciones exponen una forma distinta de percibir la moda, las piezas de Kelly Smith proporcionan una singularidad sobre lo que se está trabajando: el dibujo permite llevar a la creatividad a niveles fantásticos que muy difícilmente se lograría con telas o con la materialización del sketch.

Illustration for Catwalk by Tigi X Mara Hoffman collaboration, 2014 Crédito: kellysmith.com

 Smith toma inspiración de la moda y los cuentos de hadas. Es común encontrarse con marcas en sus ilustraciones así como modelos que se han visto en las pasarelas. No obstante, Kelly Smith redefine la ropa y la dibuja en diferentes situaciones, su trabajo es la exposición de una historia donde la fantasía y lo tangible se encuentran muy presentes.

Personal Work Crédito: kellysmith.com

 El uso de pinceles súper finos y lápices de distintas tonalidades le permiten a esta ilustradora australiana crear siluetas, texturas y sombras nítidas que parecen saltar del papel de tan reales que parecen. A su vez, es una de las ilustradoras que realiza la fusión de lo digital para dar el acabado necesario a sus dibujos.

 Recientemente Kelly Smith publicó su primer libro de ilustraciones llamado “Sticker Fashionista”

 Para ver más del trabajo de Kelly visita su pagina web aquí. 

Illustration for Valentino’s ‘AS SEEN BY’ project for Valentina Acqua Floreale, 2014 Crédito: kellysmith.com

La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Los amigos que perdí y las rayas que gané

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Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

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 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Las complicaciones de ir creciendo: ¿Extrañas la niñez?


Con mente, espíritu e ímpetu caminas los primeros años de tu vida, con más apego y destreza. Poco a poco, la monotonía va embargando el cuerpo, las esperanzas y el pensamiento;  te quedas  despoblado de un sentimiento que en realidad te pertenezca. Pasas por el sendero de las cruces, de las piedras …te resbalas, caes, tal vez lloras y quisieras quedarte ahí para olvidar la aflicción que se te ha impuesto implícitamente. Ya no es el tiempo donde jugabas e ibas a la escuela con el ardor de conocer y disfrutar sin esperar nada a cambio, estabas dispuesto a entregar más no a recibir. Escuchabas como la gente peleaba, lloraba y se preocupaba, a ti nada de eso te quitaba el sueño, sólo querías consolar la desesperación de los que te rodeaban, querías dar amor, del puro y noble que se extingue conforme creces y poco a poco se evapora con la mente.

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 Te preguntaban con frecuencia: ¿Qué quieres ser de grande? Y tú no pensabas mucho la respuesta y decías cosas como bombero, policía, carpintero, bailarina, actriz, ama de casa sin tomar en cuenta si ese oficio o profesión te generaría recursos económicos a largo plazo o si podrías vivir cómodamente, la respuesta estaba cargada de sentimiento y simplicidad a la vez, a lo cual los grandes sólo reían y se quedaban viendo. Los adultos eran tan extraños para ti ¿Recuerdas?

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 Si tus padres te regañaban, parecía que el enojo sólo aparecía en un lapso instantáneo, después estabas como si nada, platicabas con ellos sobre cómo te había ido en la escuela y la próxima pijamada que Juanito iba a preparar en su casa, llegaba la noche y jugabas lotería con tu hermano mayor, mientras que tu mamá preparaba hot cakes (creo que eran tus favoritos). Siempre que terminabas de comer decías: “Te quedó muy rica la comida, mami” y tu madre sonreía tiernamente. La vida era serena y tranquila, excepto cuando la junta de padres de familia llegaba y la amonestación sobre una mala calificación o conducta indebida ameritaba el regaño del tutor; y si la falla fue muy alta, tal vez el castigo hacía su aparición, sin embargo, a los dos días se levantaba y salías como si nunca hubieras visto el sol…¡Eras tan dramático! Así como eras, te amabas, sin importar que tan flaco o gordo estuvieses.

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 Veías el día desde una perspectiva más amable; tu preocupación cotidiana más abrupta era la tarea. Sólo esperabas que no fuera de la materia que más detestabas, ya que querías pasarla bien por la tarde con tus amigos, sin tener que pensar en la maqueta que te dejarían para el siguiente día. ¡Era terrible! Sólo querías jugar a las muñecas,a la casita o echarte un cascarita.¿Por qué no entendían que las complejidades del mundo no te quitaban el sueño? Bueno, al menos entendías que hacer lo que te dejaban tus maestros, era tu mayor obligación.

 De esa manera vas adoptando patrones y compromisos que te complican poco a poco la existencia, ya no era nada más la tarea, ahora te preocupabas por gustarle al chico o chica que te llamaba la atención, empiezas a compararte con los demás, y crees que no le gustarás debido a tu falta de seguridad, piensas que seguramente esa persona busca algo más, y ese algo no eres tú.Pierdes la ilusión, y ahora empiezas a divagar. Tremendo problema, te has enamorado.

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 Ahora, quieres dinero; esos artilugios te han embobado, quieres parecer grande como cuando veías a tus hermanos, vives esa etapa que se carga de cosas que te eran desconocidas pero que adoptas rápidamente. ¿Cómo conseguirás recursos monetarios? Tienes que estudiar arduamente para conseguir un mejor trabajo,(eso te dijeron)  y estudias como enfermo y ahora llega otra gran preocupación: Conseguir empleo. Y ya son obligaciones tras obligaciones. Pareces ser dueño de tus ideales, aunque de cierta forma, sabes que no te pertenecen, han sido arraigadas con el paso del tiempo. Todo fuera tan fácil como ser niño.¿No extrañas esos momentos?

Todo lo humano me es ajeno

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 TODO LO HUMANO ME ES AJENO

 

Sus charlas,

sus miedos,

sus rituales de apareamiento,

los santos de que son presa sin argumentos

El vaivén de palabras repetidas, hechas, recortadas,

hilvanadas, sucias, desgastadas,

sus construcciones, sus murallas…

                                                         no las entiendo

Lo humano y la cadena y el matrimonio, la oficina, la mortaja y la caja

en que girones de piel por egoísmo guardan.

para no dar su carne inservible a los perros,

 a las fieras, a los que se quedan

para alimentarlos, para del hambre pretender salvarlos

desde un ojo lejano los veo.

Les temo.

No les entiendo

la renuncia a la libertad

por la piel del árbol muerto el trueque de su libertad

 

 

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Mark Lovejoy y la representación abstracta en el arte

crédito: Mark Lovejoy

Una de las cosas más ingeniosas del ser humano es la creación de herramientas o utensilios que le permitan una vida más fácil. Sin embargo, y a pesar de los años, el método de creación se ha relacionado con la invención y la inteligencia. Y, en efecto, esto resulta en lo que muchos llamamos arte, moda o diseño.

 Todo comienza en la cabeza. La idea, la abstracción. La materialización, como ya lo he escrito en artículos anteriores, de esta abstracción resulta ser la pintura, la fotografía o una colección completa. Basta con sólo observar qué es lo que han hecho los humanos para vivir como vivimos actualmente.

 Mujeres, hombres todos en un mismo canal de comunicación. Diferentes códigos y lenguas, pero las ideas son comunes. Cuando se trata de una abstracción no importa de dónde vienes o quién eres (esto en un mundo utópico e ideal, pues existen aún prejuicios étnicos o raciales que impiden la formación de productos artísticos, de moda u otros en general) lo importante es qué presentas y cómo expones tu idea al mundo.

Crédito: Mark Lovejoy
Crédito: Mark Lovejoy
Crédito: Mark Lovejoy

 Sería muy optimista pensar que las posibilidades de un artista para presentar su obra son incalculables, sin embargo, y pienso que gracias a la capacidad tecnológica, los artistas contemporáneos de todo el mundo son conocidos gracias a microblogs, medios especializados digitales y toda aquella gama de posibilidades electrónicas que se han perfeccionado en la última década.

 Y es justo lo que Mark Lovejoy hace en su estudio. Este artista proveniente de Texas se encarga de crear e inventar nuevas formas de llevar una idea abstracta a lo material o al exterior del cuerpo humano, de la mente. Su técnica: usar resina, aceite, cera y pintura para mezclarlos y realizar combinaciones que significan algo más que figuras o ideas explicitas como un animal o un cuerpo humano.

Crédito: Mark Lovejoy

 Las representaciones de este artista plástico tienen la característica de crear con los colores múltiples sensaciones, además que estas no son pinturas, sino fotografías de las mezclas que realiza. A su vez, el periodista James Cartwright, en su sitio web (que podrás ver aquí) ha mencionado que el trabajo de Lovejoy es un híbrido en el terreno de lo digital y plástico. Las fotografías sufren mínimas modificaciones digitales para darle efecto y sentido a lo que busca Jovejoy.

 A su vez, el artista texano declaró en el portal web del periodista londinense sobre su trabajo: “These are not photographs of paintings – no paintings exist. These images are of something as fleeting as any street scene or sunset the photographic record is all that remains . . .”

 Sin duda, las representaciones de Lovejoy permiten que sus ideas abstractas sean tan abiertas que el significado en sí de la obra no sea sólo horizontal. Cada persona lee diferente lo que está presentado, hay diferentes emociones, sentimientos y percepciones cuando se ve una obra de Mark Lovejoy.

Crédito: Mark Lovejoy

Para conocer más de la obra de este autor y adquirir alguna de sus obras, pincha aquí. 

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Programa Vacacional UNAMuseográfico

Si hay algo que verdaderamente disfrutamos quienes nos quedamos en la ciudad durante los períodos vacacionales, es la vida casi surreal que dejan tras de sí los desertores de la rutina urbana. Disminución de tránsito, calles vacías, lugares esperando ser visitados, y una quietud que logra que incluso le tomemos cariño al transporte público; todo esto al menos por casi tres semanas, hasta que la apabullante realidad llega a romper la burbuja.

 Y será un cliché decir que “la ciudad nunca duerme”, pero es cierto, y en una tan diversa como es la nuestra, no hay duda alguna de que encontraremos una muy nutrida lista de cosas por hacer.

 En lo que a nosotros respecta, la causa cultural, proponemos la visita de cinco recintos —todos ellos parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)— con más de una decena de exposiciones y actividades, que permanecerán en funcionamiento durante el periodo vacacional de invierno para deleite de los asistentes.

 Cabe mencionar que además de la amplia oferta cultural, habrá un periodo de entrada libre a dichos museos (del 16 de diciembre al 6 de enero). El Antiguo Colegio de San Ildefonso será el único que mantendrá su tarifa habitual.

Dirección: Sullivan 43, Col. San Rafael

 Ubicado en la zona centro de la ciudad, abre sus puertas para la visita de En hombros de gigantes, muestra dividida en dos secciones que se exhibe con un tipo de montaje que se retoma de Lina Bo Bardi, destacada arquitecta italo-brasileña. Consiste en cubos de concreto que soportan, a través de vidrio, las obras de arte de quince autores mexicanos y estadounidenses de creciente popularidad en los últimos años: Julieta Aguinaco, Alfredo Echeverría Ripstein, Taka Fernández, Alex Hubbard, Mathieu Malouf, Tania Pérez Córdova, Ricardo Rendón, San Gil, Melanie Smith, Juan Tessi, Fabiola Torres, Germán Venegas, Luis Alfonso Villalobos, Boris Viskin y Beatriz Zamora.

 

Dirección: Justo Sierra 16, Col. Centro

 En este recinto de invaluable valor histórico suele ser común encontrar más de una exposición presentada dentro de las múltiples salas ubicadas en sus tres pisos destinados al público. Actualmente podemos encontrar, además de su acervo mural siempre disponible para los visitantes, la obra del artista inglés Michael Landy, y los soviéticos Ilya y Emilia.

 Santos vivientes, por Michael Landy, se trata de una muestra en la que, literalmente, el arte cobra vida. El conjunto de ejemplares que se muestran al público consiste en esculturas inspiradas en obras de santos renacentistas, elaboradas con material de desecho y destinadas a la interacción lúdica con el espectador.

 Por otra parte, Angelología: utopía y ángeles, es una exposición poco más reflexiva que toma la figura aquella de los seres alados como contraste a la materialidad de nuestro mundo, como entes de creatividad y subjetividad, como guía y motivo de aspiración a un estado de elevación individual y colectiva. Las piezas de la instalación son ejemplares de pintura, fotografía, maquetas y arte-objeto, entre otros.

 

Dirección: Insurgentes 3000

 Caracterizado por la suma versatilidad de las exposiciones que cobija, el MUAC ofrece un abanico de seis opciones para sus visitantes en este periodo vacacional.

 De ida y vuelta. Lance Wyman: íconos urbanos muestra una colección de la obra del diseñador estadounidense como arquetipo del posicionamiento de la cultura visual en nuestros días. Ejemplifica con bocetos y fotografías la manera en que su propuesta artística ha permeado en el entorno social y cultural para convertirse en referente capaz de emitir un mensaje descifrado bajo un lenguaje totalmente propio.

 La exposición Teoría del color resulta del desenlace de una investigación acerca de la producción de arte contemporáneo durante los últimos 10 años, en la que artistas de diversas edades y nacionalidades —Sudáfrica, Alemania, Estados Unidos, México, Venezuela, Bélgica, Francia, Perú, Argentina, Brasil y España— ahondan en el tema del racismo.

 Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno, así, nombrada cual línea de canción de Calle 13, se trata de un montaje de ejemplares multidisciplinarios como escultura, video y pintura, que encapsulan el periodo actual de la actividad artística de creadores jóvenes, nacidos después de 1985. Se pretende mostrar la manera en que los artífices contemporáneos, cada cual en su entorno y realidad particulares, plasman en su obra cierta carga crítica hacia el México en el que vivimos hoy.

 Otras opciones para visitar dentro del MUAC son Pola Weiss. La TV te ve, Circulacionismo. Hito Steyerl y El derrumbe de la estatua. Hacia una crítica del arte público (1952-2014).

 

Dirección: Ricardo Flores Magón no. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco

Este espacio cultural ofrece actualmente cinco exposiciones:

 El Museo de sitio Tlatelolco recorre la historia del lugar narrada a través de cerca de 400 piezas halladas en lo que fue la ciudad prehispánica de México-Tlatelolco. Con ellas interactúan elementos gráficos, audio y videos, así como propuestas del tipo de instalaciones artísticas, espacios para la experimentación científica y elementos tecnológicos que enriquecerán la visita.

 El Memorial del 68 es un espacio simbólico que se destina a la reflexión del público sobre los sucesos vividos durante el verano de aquel año en nuestro país. Conceptos como injusticia, protesta, violencia y los derechos humanos son temáticas que nos llevan a la construcción de la memoria colectiva sobre la historia reciente México.

 Hacia los márgenes. Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposiciónes una exposición temporal que muestra imágenes capturadas por este retratista que siguen la línea temática de la propaganda política vista desde el enfoque de la corrupción, los fraudes, la ilegalidad y la violencia social durante las décadas de los 40 y 50.

 También puedes visitar Colección Stavenhagen Sietedecatorce: proyectos del programa de estudios curatoriales de la UNAM.

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Dirección: Dr. Atl no. 37, Col. Santa María la Ribera

 Parte de una de las colonias más entrañables de la parte norte de la ciudad, el Museo del Chopo suele ser anfitrión de eventos musicales, cinematográficos y multidisciplinarios durante todos los días del año. En esta ocasión prepara para su público la exhibición de cinco muestras distintas:

 Transcripciones parte de la obra de Salvador Elizondo, escritor mexicano que supo insertar en su literatura el cine, la fotografía y las artes visuales, dejando atrás los convencionalismos del gremio durante el siglo XX. Esta exposición reúne el trabajo de artistas mexicanos que cuestionan el lenguaje a través de su manifestación en la escritura y tiene como objetivo mostrar las maneras en que los artistas contemporáneos se han aproximado al quehacer de la escritura.

 Obra de la mexicana Georgina Bringas, Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra sostiene la hipótesis de que todo se encuentra en movimiento constante, por lo que el arte debe continuar moviéndose de la misma manera, en el plano temporal y en el espacial.  y Horror en el trópico.

 En la instalación Colaboraciones forzadas, el artista Santiago Merino presenta una intervención en la ubicada dentro del propio edificio que alberga el museo. Consiste en un monocromo hecho con vinil reflejante ubicado de manera esratégica de manera que los visitantes puedan observar, reflejada, la arquitectura original del inmueble.

 También puedes visitar Correrías sin prisa. Las nuevas aventuras de Lázlo Lózla y La Banda Sin Fin y Horror en el Trópico

 

 Sur, centro y norte. De entrada libre y con baja afluencia. Ahora sí no habrá pretextos que justifiquen el no darse una escapada a checar estas exposiciones que reúnen ejemplares de artistas de todo tipo, mucho de ellos montados en México por primera vez . Te recomendamos consultar los horarios, fechas y actividades de cada uno de los Museos.

siete.de.catorce: Museo Expuesto

La Sala de Colecciones Universitarias del CCUT (Centro Cultural Universitario Tlatelolco) abrirá sus puertas hasta el 26 de abril del 2015 para apreciar siete.de.catorce, la segunda fase de Museo Expuesto que contiene 121 obras, 4 preguntas, 14 curadores, 35 escritores e investigadores, 39 actividades y talleres, 43 artistas y 48 colecciones públicas y privadas.

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 Museo Expuesto se presenta en 7 exposiciones: Microcosmos, Macrocosmos, Mapas, Copias, Cajas, Impresos y Diseño, las cuales presentan objetos que van desde piezas prehispánicas hasta instalaciones de arte contemporáneo.

 Cada núcleo fue organizado por estudiantes de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM. La muestra recopila colecciones de la UNAM, otros museos y colecciones privadas.

 Recuerda que tienes hasta el 26 de abril para asistir. El costo es de $30 *50% descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS. Horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Toca, toca; aquí no es: Depresión y su insistencia

Tomó el primer tren para olvidar la locura que tanto le embarga. Cada día, cada segundo se plasma en cierto rincón de la piel, en un centímetro de la hoja. La tinta no cesa y las palabras siguen fluyendo. Cuatro paredes, nada le pertenece, sólo el cielo lleno de estrellas que se reflejaban bajo sus lentes fondo de botella. No le suplicaba al canto, menos a la insensatez del mundo… le rogaba al cielo por olvidar esos lloriqueos que tanto le angustiaban, quería olvidar y no había forma para hacerlo, si se empeñaba en vivir del recuerdo. ¡Qué tramposa era la existencia! No era feliz, tampoco era una persona subyugada por la melancolía. Tenía ratos amables y también arranques fatales, pero el letargo era más amable… le llaman depresión. Irónico el mundo de los locos, porque siempre se empeñaba en contener el cosmos bajo su rezago, mientras que venía ese maldito dolor, sí, era tan maldito que lograba que la cobardía le llegase para poder huir y no voltear hacia sus temores más desolados.

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Roger Ballen,(2012).

 1,2,3… ahí seguía esa trampa. ¿Cómo se quita? ¿Antidepresivos? ¿Terapia? ¿Cuál es el remedio? Buscaba con cautela cada proporción de las posibles vías para exterminar a ese artefacto punzocortante que era el amigo de la locura; nada funcionaba y esa chinche regresaba para malbaratarle la sobrevivencia. Centros de rehabilitación, psiquiatras, psicólogos, terapeutas… ¿No entendían que nada tenía impacto sobre ese monstruo? Era una fiera viviente, altiva… su segunda piel; se hinchaba, se clamaba y también se enfurecía y parecía gritar cuando invadía el cuerpo tal como un exorcismo que ni la Santa Inquisición hubiera podido extinguir con métodos tan abruptos.

 El escondite perfecto se llamaba soledad, y le penetraba con letras brillantes: ¡Entra, entra! Todo saldrá como tú lo desees, visítame y te implorare que te quedes en el mundo donde no sufrirás. Obedecía una vez por semana, si le iba bien cada dos meses (dependía si depresión estaba muy insistente), por lo cual soledad a veces era sinónimo de huida, llegaban a un sitio peculiar, donde no existe tiempo ni espacio, era la presencia de la inanición del mundo, sólo había un punto negro que parecía lo más próximo; se metía y no regresaba por mucho tiempo… solamente ella sabía lo que había dentro. Se perdía, y Soledad solamente escuchaba el eco de su llanto, frustración y malestar. Soledad decidió brindarle apoyo con un pedazo de hoja que decía: “Para sentirte bien en este mundo tan cruel, sólo hay una regla: Sé tú misma”.

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Roger Ballen, (2012)

 Al leer eso, ella corría para seguir descubriendo lo que había. Pasó el tiempo en lo terrenal, allá no existía eso, por lo cual Soledad era la mujer de la ley de la sabiduría y de la paciencia, a lo cual permanecía serena y tranquila. Pero en ese bosquejo de lapso, aparecían su gran antagónico: Crueldad. Un tipo salvaje y veterano, que trataba de mediatizar todo, para que la frialdad invadiera los corazones. Soledad y Crueldad luchaban en ese tiempo que ella pasaba dentro, para que el nuevo emprendedor del malestar no llegase. Pocas veces, Crueldad logró penetrar en el agujero negro, de manera, que no se sabe que hizo exactamente con aquélla mujer que yacía dentro. Salió despavoridamente y la muchacha salió minutos después. Semblante vacío, rasguños, mezclas de dolor por el cuerpo, mordidas y un bosquejo de desolación. Soledad no la podía distraer y ahora, regresaba al planeta de los engreídos a ver qué pasaba ahora.

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Roger Ballen.

 Regresaba más perdida de lo que se fue, cuando Soledad perdía la batalla. Depresión se aprovechaba de eso y la acechaba en la rutina de su vida, por lo cual, ella trataba de encontrar salidas fáciles, que sólo denotaban su falta de valentía.

 ¡Inútil era el intento! ¡Estúpida la forma de querer encontrar el método o la pócima que la hiciera libre! Era una estúpida de la belleza del amor, de la desesperanza. Crueldad, ya ganaba más rápido, eso era un indicio de la torpeza la visitaba cada vez más. Quería salir, pero se empeñaba a quedarse y la hora no llegaba… ni llegaría, o tal vez si, pero si se sujetaba fuertemente a Soledad para encontrar realmente la huella bajo su pie lastimado.

El columpio de Eros

 

 

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I

El columpio asciende

 

 

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Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

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Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

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Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

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Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

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El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

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Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

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La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

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Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

3

Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

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De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

Yo sólo sé que no sé nada, otra vez

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Cada vez sabemos menos. Cada vez  lo que sabemos se convierte en poca cosa frente al  juicio de los demás. Ya sea que se hable de moda, de fotografía, de arte, de amor, de cine o de cualquier otra cosa abstracta que tenga que ver algo material. Es decir, el pensamiento genera más conocimiento a partir de lo ya sabido, pero también crea lagunas de desconocimiento y en este re-conocimiento se proyectan en las formas materiales de los conceptos abstractos; por ejemplo, una fotografía y el sentido que tenga ésta. Un desfile de modas y su repercusión social fuera de las carpas temporales, etc.

Y gracias a esta materialización de lo abstracto, quizá nuestra cabeza se haga enorme de ego para aplicar genuinamente las deducciones, las subjetividades (como esta entrada y como las anteriores porque, en efecto, la subjetividad es individual y los textos por más acercados sean a lo objetivo no pueden serlo porque es una interpretación. ¿Qué es ser objetivo en esta era de conceptos y demás aspectos abstractos?) y el posicionamiento hacía ser superior a alguien, simplemente por saber más que el otro.

¿Qué es lo que nos convierte en devoradores  físicos del conocimiento y monstruos juzgadores de las personas que no saben?  Pareciera que el mismo conocimiento nos deja ciegos y no nos permite siquiera compartir la información obtenida.

El conocimiento o el saber hacen que sepamos menos y actuemos más como animales. ¿Será que la consciencia y la sabiduría nos lleve a un estado más arcaico del “ser” donde el yo y súper yo entran más en conflicto con el tú y el súper tú?

Quizá, y sólo quizá estas preguntas cuasi filosóficas sean respondidas con interminables charlas existencialistas que poco o mucho resolverán las ideas que acabo de preguntarme. Pero vaya, ¿acaso de esto no se trata la búsqueda del conocimiento? ¿Acaso entre el más se nos dará el menos? ¿Cómo es que Sócrates pudo saber que no sabía nada?

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En alguna conferencia de Julieta Fierro, la astrónoma precisó la experiencia de Galileo con la sabiduría y los dogmas sociales. En esta plática recalcó que se ha pensado que entre más enredado sea el concepto o más abstracto se conciba, será mucho más puro el conocimiento de aquél acontecer. Cosa que es completamente errónea (y vuelvo a lo mismo ¿Quién sabe realmente que lo que digo es erróneo? ) y retomando la experiencia de Galileo dijo: Galileo optó por recaudar lo que ya se sabía para poder descubrir nuevo conocimiento.

Así pues, el saber  no te hace mejor persona sólo por saberlo sino que se debe saber para qué o en qué se podrá usar ese conocimiento obtenido. ¿Para enseñar y que la ignorancia sea erradicada?  Si incluso se juzga de pretencioso a los que dicen que enseñan. El mundo y la sabiduría es una contradicción absoluta.

Hay muchos que piensan que saben más y por lo tanto piensan que es mejor que no sepamos nada, pues al saber se hará un ejercicio de iguales y las superioridades serán exterminadas, lo cual, en los juegos de poder, no serían convenientes.

Quizá la ignorancia no acabe nunca porque nunca nadie sabrá el todo.  Y es esta ignorancia la que ocasiona guerras discusiones y pleitos cotidianos, es la que baja autoestimas, que degenera el sentido del saber, que paraliza. La ignorancia es el síntoma de la arrogancia y la pretensión pero también la ignorancia es lo cósmico de la sabiduría y la encarnación de la humildad.

Ilustraciones: Pedro Sosa.

MAHO: el arte de florecer

La inspiración, como sucede muchas veces, apareció de la nada. A finales de octubre de 2013, el escultor botánico de origen japonés Azumo Makoto vino a México en el marco de las actividades del Abierto Mexicano de Diseño. Además de impartir un taller, realizaría la instalación de un conjunto de esculturas florales gigantescas situado en la Alameda Central. Ella presenció la elaboración de dicho montaje sin imaginar que ése sería motivo de un entusiasmo tal, que le llevaría a comenzar una etapa nueva, espontánea, imprevisible y llena de satisfacciones.

 «Algo vibró en mí» es como lo explica María, y fue así que en las flores vislumbró la motivación que no buscaba, pero acogió como empuje de crecimiento a nivel personal y profesional. Como si se tratara de un arranque incontenible que de pronto despertó, María abandonó lo que tenía seguro en aquel entonces y se aventuró de lleno a emprender ese inquietante viaje de pétalos y sépalos, con destino incierto.

 Su visión, determinada pero aún poco orientada, la orilló a comenzar una especie de bitácora herbolaria diaria en noviembre de ese mismo año, apenas unas semanas después de aquella eclosión producida por Makoto. «En ese momento me sentí muy plena, y dije “creo que  esto es lo que quiero sentir por un buen rato”». Compró decenas de plantas, de todos los tipos y colores, adaptó una terraza  como hogar temporal de esa flora y sólo así, y acompañándose de libros, cuadernos y manuales, comenzó a aprender de manera autodidacta de ese universo natural, totalmente ajeno a ella hasta entonces.

 María tenía como experiencia previa la iniciativa de una pequeña empresa personal en venta de productos, Sandía, y, aunque continuaba en busca de solidificar este nuevo proyecto, sabía que quería dirigirlo hacia un rumbo distinto. «Más que querer un negocio como tal, me gustaba mucho la idea de ser la intermediaria en historias. Las flores eran como ser parte de una pareja, de algo; es ser parte de un momento en particular, y eso no se vende como mercancía. Cuando intentaba aterrizarlo, llegué a ese punto de entender que más allá de que fuera por solvencia económica o porque fuera algo mío, yo quería hacer feliz a otras personas. Sí, que reconocieran mi trabajo, pero que estuvieran contentos con algo que yo pudiera crear».

 Es allí que radica la esencia tan particular de lo que, al comenzar en su etapa temprana bajo el nombre de El Jardín de María, evolucionaría a la actual MAHO, esta pequeña firma de diseños florales al mando de María José Constantino, que está cumpliendo su primer año de vida. Ella, con preparación artística profesional en la actuación, involucra en este quehacer manual la pasión y sensibilidad que sólo se queda tras años en contacto directo con las artes.

«Cuando estoy por preparar algún pedido, yo lo veo como dibujándose imaginariamente, así como sucede con cada acorde o nota dentro de la música.
Y es que toda la música es bonita, y a mí todas las flores me parecen bonitas,
pero imagino las formas y colores que puedan gustarle a cada persona»

comenta María, la florista y feliz creadora de MAHO,
manera con la que se nombra como carta de presentación.

 

 Durante este primer año de trabajo activo de la firma, las flores de María se han esparcido en distintos tipos de eventos y dejado a su paso numerosas anécdotas para dichosa remembranza de la joven dueña y emprendedora. Eventos comunitarios, delegacionales y empresariales, participación con firmas discográficas, en fiestas anuales como las correspondientes al 14 de febrero o 10 de mayo, y cómplice en todo tipo de historias de amor —desde el encargo de un chico argentino para su novia en México, hasta la accidentada historia del ramo de novia que debió viajar del DF a Monterrey y de allí a su destino final, Cancún—, MAHO busca involucrarse, de lleno y de la manera más íntima posible, en cada suceso de que se hace partícipe.

 10 de diciembre es la fecha en que la flora de este jardín se engalana para celebrar a lo grande su primer aniversario, y MAHO sigue cultivando lo que sólo podría resultar de un trabajo constante, dedicado y adicionado con amor, que, en palabras de María, es la fuerza más grande e impetuosa que puede haber para dar rumbo a todo alrededor.

 Culmina el primer calendario de muchos en la vida de este mágico proyecto, con la certeza de un futuro próspero, nutrido por la dedicación de la batuta de María, pero en gran parte forjado por la convicción de sus compradores y de los seguidores amantes de la naturaleza que perciben el inequívoco cariño y empeño depositados en cada ejemplar expedido por MAHO

 

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El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

¿A las cuántas despedidas me alcanza para un adiós?

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No es un don nacer con las ideas desordenadas, uno tiene que luchar años completos para ordenarlas y reinventarlas. No es glorioso amanecer luego de un tsunami de drogas y alcohol. Lo que sí es glorioso es el consomé y el refresco de cola que te rescatan de la resaca.

 No me enorgullece decir que no sólo mis ideas están desordenadas, también las emociones y lo sé al ver el caos de mi habitación. O eso dicen los que saben. Lo entiendo porque no me ajusta el tiempo. No me alcanza, o no lo sé administrar.

 Este fin de semana festejé el cumpleaños de mi primo, y si no hubiera sido eso, hubiera encontrado otro evento para destruir el cuerpo, siempre hay amistades dispuestas a emborracharse el fin de semana.

 Pasé dos días sin tocar el suelo. Qué puedo decir si en otro estado y escuchando música todo se hace más ligero. Pareciera que si uno se aleja de todo lo que es real e importante el resto de la semana se alcanza la plenitud.

 No es placentero ser olvidado, pero sí lo es olvidar. Pasé dos días completos sin decir tu nombre, ni hablar de ti. Me complace anunciar que ante tus desprecios, aunque no soy inmune, sí he generado tolerancia. Oírte decir que no hay amor y que sí lo hay está enfermo, pues ya no me desborda en lagrimas y eso ya es mucho decir.

 Ya no beso otras bocas, porque no son tus labios. No me gustan otras vergas, porque espero la tuya. Yo sé que vendrás, te irás y luego se repetirá. No me importa que ya que no me quieras a tu lado, porque sé que me amas. Aunque no quieras, aunque yo no pueda ni negarlo. Llegará el día que a los dos nos alcance el olvido. Aquí, olvido para dar y regalar. Para refrendar una herida, para querernos felices. Para darnos un poco de dignidad y dejar que cada uno esparza sus tentáculos y fieras por otros rumbos.

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 Si habremos de separarnos dolerá, pero sé que ese momento no ha llegado. Te siento aquí, y aunque tus palabras escupan desprecio, tus brazos y el calor de tu pecho me piden a gritos que vaya a tu habitación a ver series japonesas, empiernados. Y yo iré y me quedaré. Saludaré con amor a tu familia y me llevarás a casa, sin decirles que no somos novios. Sin aclarar que “nos estamos separando”, porque daremos la impresión de amarnos como adolescentes, como en abril,  como siempre y como nunca. Adiós, mi amor. Te escribo pronto.

Fotos: Nadha.

Alta costura y adicciones en una imagen: Heroin Chic

Recientemente me encontré con un proyecto bastante interesante, que he visto circular por diversos medios digitales tanto de arte como de moda, llamado “Downtown Divas” realizado por Loral Amir y Gigi Ben Artzi, artistas de no más de 22 años que se atrevieron a plasmar a las verdaderas “Heroin Chics” mujeres con mucho más estupefacientes y menos glamur que las de las pasarelas.

 "Downtown Divas"Esta tendencia se refiere a un look enfermizo: excesiva delgadez, caderas y clavículas huesudas, ojos vidriosos, grandes ojeras amoratadas, cabello sucio, desparpajado, piel pálida y poco o nulo maquillaje precisamente similar al de una adicta. Dicha imagen fue un modelo a seguir en los años 90, y tuvo como  portavoces a las súper modelos Kate Moss y Jamie King.

 Las modelos utilizadas por Loral y Gigi fueron prostitutas heroinómanas rusas que fueron retratadas como si se tratase de una sesión de revista de moda, las cuales vistieron prendas de alta costura de Alexander Wang, Louis Vuitton y Miu Miu.

 No solo fueron fotografiadas también fueron grabadas en un breve video en el que platicaron con ellas acerca de que hacían antes de consumir, cuáles eran sus sueños, aspiraciones e incluso quien fue el amor de su vida, mostrando que tienen los mismos deseos y sensibilidad como tú o como yo, pero que constantemente son señaladas y vistas como parias de la sociedad, a fin de cuentas no se trata de estigmatizarlas más, sino precisamente mostrarlas como los seres humanos que son y de paso criticar los estándares de la industria de la moda.

 Bien sabemos que los cánones de moda no siempre son los mejores ejemplos a seguir, sin embargo ¿qué hizo que las “Heroin Chics”  del lado glamuroso se volvieran todo un icono? El principal componente para el éxito de este look fue el cinismo con el que fueron presentados hombres y mujeres con problemas de adicciones respaldados por las grandes firmas.

Jamie King

 En gran medida debido a que el uso de heroína, cocaína o cualquier tipo de estupefaciente ya no solo era propio de la clase baja sino que fue un hábito rápidamente adoptado por la clase alta incluso considerado “chic” (de ahí el término “Heroin Chic”).

 Fue una tendencia sumamente criticada que no duro mucho por la mala imagen que vendía y por la muerte de Davide Sorrenti (novio de Jamie King) fotógrafo de moda que murió por problemas de salud agravados por el consumo de heroína y porqué la mismísima Anna Wintour (editora jefe de la edición norteamericana de la revista Vogue) dijo basta: “La ausencia de maquillaje y el pelo sucio no es lo que Leonard Lauder quiere ver” (en alusión al presidente de Esteé Lauder y anunciante de peso en la prensa de moda).

 Concluida así la etapa de las “anti-modelos” quedó al descubierto el hecho de que no importa la clase de imagen que se venda al público, sino que tanto la consume y al final el duro contraste entre el mundo de las “Heroin Chics” y las “Downtown Divas”.

Kate Moss Downtown Divas from LA on Vimeo.