Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

DotsToLines010

DotsToLines044

 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

DotsToLines064

DotsToLines002

DotsToLines118

 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

DotsToLines1071

 

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

libreta

Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

Imakebooks Errr Magazine

 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

10818014_519946688147687_99706386_n

 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

10838688_774968209236997_87686007_n

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

10818363_809051512493984_1373746436142663421_o

 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Sensualidad, magia y sutileza : Cine a la Wong Kar-Wai


wong kar
Wong Kar-Wai.

“Hace 20 años, si en China le decías a alguien “Te quiero”, era algo vulgar, soez, era algo que se sobreentendía pero no se decía. En cambio es algo normal en Occidente, es más, es algo que debes hacer si lo sientes por una persona.”

La pequeña escena se transforma en una majestuosidad andante, entre diálogo e idea, la trama se torna compleja, diez minutos después la perfidia avanza sobre el tiempo y ya no son los mismos personajes, reencarnan en ellos una serie de personalidades que asombran (quizá) al que esté viendo cada detalle durante el lapso que corre la cinta. Yo me he quedado perpleja en todo el trabajo de Wong Kar-Wai (1958), me atreví a hacer una postura personal al respecto, ya que la vinculación entre la emoción y el sentido es meramente subjetiva, varía entre distintos tipos de percepciones, y era necesario enfatizar la reflexión que me aporta el trabajo del director chino.

 Esas películas que apremian y rompen a la vez el compacto actual –según los mecanismos de proyección- hacen que la cinta guste y llegué a extasiar en diversas formas. Pánico, dolor y un llanto tal vez, puedan ser los motores que prenden aún más los sentidos. Tan extraordinario ha sido su trabajo, que es importante mencionar que a lo largo de su trayectoria compagina la simplicidad con el trasfondo del “estar”, ejemplo de esto, es una película que logra embelesar como fue el caso de 2046 , cinta del año 2004 la cual transforma un medio entre tiempos: Pasado, presente y futuro, cuidados que van desde el manejo de la música hasta las apariciones de cada personaje. Personaje central, con pasión inaudita por el escrito, se fascina, redacta, revisa y relee, su motor el tiempo, secuela: El pasado. Deseando huir, corre a la búsqueda de lo fascinante, refleja su porvenir en el futuro… en su último escape. Representa el éxodo y la salvación al tiempo, corre, busca, encuentra un número que se graba y se repite constantemente: 2046.

2046 2004 DE WONG KAR WAI AVEC TONY LEUNG GONG LI KIMURA TAKUYA ZHANG ZIYI
Escena de “2046”
“Todo el que va a 2046 tiene la misma intención, quiere recapturar recuerdos perdidos. Porque en 2046 nada cambia nunca. Pero, nadie sabe si esto es verdad o no porque nadie ha regresado jamás.”

 Y mientras avanza la hora, enredos y confusiones aparecen; crees entender y de repente transformas la idea a lo que es, pero ése “es” se convierte en tu sentir, sólo corresponde a lo que pudiste percibir. Esa es la magia de Wong Kar Wai, te hace desplazarte por todos tus sentidos sin saber cuál va a ser el sabor final. Lo predecible no augura el recorrido de sus películas. No se prevé ni la mitad, mucho menos el desenlace.

 Deseando amar (2000) a simple vista (sólo por el título) ofrece como primera impresión, un melodrama que no pasa más allá de romanticismo peculiar de la cinematografía, sin embargo, la encrucijada aparece cuando ese mismo encabezado representa la barrera para que el amor llegue a la puerta de los protagonistas. Víctimas del engaño, del olvido y en desmedida de la soledad, se buscan implícitamente, para encontrarse dentro de lo que parece un círculo que nunca acaba, quieren deleite –no carnal– , y lo enfrentan enamorándose en cada límite. Con música de Nat King Cole, la burbuja rosa y ofuscada cobra los estragos del desasosiego.

mood
“Deseando amar” (2000)

 La incursión de Wong Kar-wai en el medio artístico fue en diversos guiones que realizó para algunos programas de televisión. Cabe mencionar que sus inicios en el cine no fueron algo fácil, ya que implicó un gran reto para él, y a pesar del fracaso rotundo de sus primeras cintas como fue Días salvajes (1990), siguió moldeando el estilo que lo definiría poco a poco. La sensación de seguir innovando en sus siguientes trabajos, lo definió como uno de los directores más aclamados de Oriente.

 Un hito de la modernidad como vía para generar condiciones que detonen el pasar de la vida a través de los años, es la consistencia que asombra la ficción en la que logra detonar la añoranza junto con los destellos sobre música y personificación. No es necesario ir más allá de los 30 minutos para saber que la obra es un método pulcro y blando a la vez, es un símbolo de lo distinto. Y lo diferente, promete más que lo necesario; generalmente asombra más de la cuenta. La sensualidad es otro componente elemental del director, que forma una línea indivisible entre lo sólido y obsecuente, un apartado que hace de la exquisitez, el siniestro final.

Fotogramas de un corazón de náufrago : El cine de Eliseo Subiela

Eliseo  Subiela
Eliseo Subiela

Eliseo Subiela es uno de los directores latinoamericanos que podría  acceder (en algunos de sus trabajos) a la  categoría de “poeta del cine”, tal como lo denominaba aquel monstruo de la cinematografía y poeta de la imagen Andréi Tarkovski. Subiela nació en 1944 en Buenos Aires, Argentina, su formación como cienasta se  remonta a un breve paso por la Escuela de cine de La Plata.

El  no  soportar  la  realidad lo  llevó a  hacer  del  cine  un  refugio; admirador  empedernido de  Julio Cortázar y músico frustrado, como  ha  hecho  saber en algunas  ocasiones “hago  cine  porque no puedo tocar el saxo”. Subiela impregna sus filmes de un trance  completamente metafórico, siempre apoyado de un buen manejo  del  lenguaje  poético en  sus  guiones y tropos  visuales.

Con  17  trabajos audiovisuales , Subiela explora los  sentimientos de la humanidad posmoderna con un toque  místico, expone al  hombre  sufriendo su propio  naufragio, las  pasiones humanas, cuestiones  metafísicas, la  muerte, el  egoísmo, el amor, la locura, la  vida rutinaria de ciudad y la monotonía del  sedentarismo, todo con una  poética  que  aspira  a  filosofía, expuesta a través de  agudas  preguntas retóricas:

“¿Cómo amar sin poseer?”

Aquí  les  presento  mi selección  y recomendación de  los  5 trabajos  mejor logrados por  Eliseo Subiela que, con corazón de naufrago siempre apela  a la universalidad del amor,   nos  devela  el  encuentro entre hombre y mujer en extremos distintos de  una situación, como  epílogo o preludio de un naufragio.

El lado oscuro del corazón(1992)

thumb_movie-el-lado-oscuro-del-corazon_2.233x330_q95_box-8,0,525,768

 

Esta  es  quizá  es la  película  más  reconocida  de  Subiela.  El  Film es una coproducción entre Argentina y Canadá. Ambientada en Buenos Aires y Montevideo, es protagonizado por  Dario Grandinetti, Nacha Guevara y Sandra  Ballesteros,  sin duda, una  de  las  películas que  valen tan sólo por  su  guión.

Subiela  logra combinar  la  poesía  de  Oliverio Girondo, Juan Gelman y Mario Benedetti (quién aparece en la película), con la  narrativa  de  la  historia  sin hacerlo forzado, además de  reforzarlo con una poética  visual de  época que engloba la  disyuntiva  del  amor y la muerte, la  soledad, la vida en sudamerica después de las dictaduras y la  decadencia  social.  El lado oscuro del Corazón es  la lucha de Eros y Tanatos, un bolero hecho cine.

Mira la película aquí.

Hombre  mirando al sudeste(1986)

Hombre_mirando_al_sudeste-539575931-large 

Filme consecuencia del documental Un largo  silencio que  Subiela  filmó en 1963 sobre  un hospital psiquiátrico. La  película  aborda  el tema  de  la  locura desde  la vida de un interno, cuestiona los  procesos psiquiátricos y la misma  categorización de la locura como  enfermedad, ¿quiénes  son los  enfermos, los internos o la  sociedad?.

La  película es  protagonizada  por Lorenzo Quinteros  y Hugo Soto, en ella Subiela  logra un gran guión que nos  regala  estupendos y mordaces monólogos, además de secuencias visuales estridentes  como la interpretación de El beso de René Magritte. El mismo Subiela describe a la película como una experiencia  redonda.

Mira la película aquí.

 

 

 

Ultimas imágenes del Naufragio (1988)

 

 uinaufra

Para muchos esta es su mejor  película, paradójicamente  fue un fracaso en taquilla. Sin embargo, recibió muchos  premios en el  extranjero. Protagonizada por Lorenzo Quinteros, Noemí Frenkel y Hugo Soto.

El filme es  una metáfora de  la  crisis  económica de fines de los  años ochenta. Cuenta  la  historia  de un vendedor de seguros que pretende  escribir  una gran novela, éste conoce a Estela  y a su familia.

La historia, rica en el misticismo  metafórico  que  caracteriza a Subiela y, sin dejar de  lado la crítica a las  condiciones  sociales de  vida, muestra el subsistir  diario en la decadencia de las ciudades, con maestría  en el  guión-como siempre o  casi siempre- desnuda en los diálogos a esos aspectos ásperos del vivir en las urbes y, nos hace escuchar al  grito generalizado que  regularmente aguarda en silencio:

-¿A qué se dedica?

-A sobrevivir, todo lo que  no signifique agachar la  cabeza,  decir “sí señor”, empleos, órdenes. Nada de subordinación. A algo de  valor.

Mira la película aquí

.

El  resultado del amor (2007)

 

El resultado del amor

Protagonizada por  Sofía Gala Castiglione y Guillermo Peening. La historia nos lleva por los caminos de la transgresión, el amor, la prostitución, el misticismo, los  contrastes entre las  villas y la ciudad,  la muerte en la vida y  el huir de ella,  El  resultado del amor, se  trata de  engañar a la muerte, de la singularidad en lo aparentemente cotidiano. La película tiene una especie de intertextualidad  con Hombre mirando hacia el sudeste, y es aderezada por las  Greguerías de Ramón Gómez de la Serna, un toque de jazz con Billie Holliday. Hace del encuentro de  una botarga y un payaso lo más romántico,  o bien de un ex abogado con una prostituta, o de  otro modo, de una mujer violada con un saxofonista.

Mira  la película aquí.

 

 

El lado  oscuro del corazón 2 (2001)

 

2001 El lado oscuro del corazon 2 (esp) (dvd) 01 (1)

Una coproducción entre España y Argentina. Protagonizada por  Darío Grandinetti, Sandra Ballesteros, Ariadna Gil y Nacha Guerra. Esta vez con la  poesía  extraordinaria de Alejandra Pizarnik. Otro Fracaso en taquilla, si se  le  compara con  su predecesora. Sin embargo, al mantener las  tablas de la primera parte es un filme que riquísimo en el  guión, y en metáforas  visuales, además de  la dualidad  tánatos-eros, la película agrega  una  nueva  variante: el  tiempo, éste juega  un papel peculiar al ser el que  lleve  la  batuta  en el  juego de las  preguntas  retóricas.

¿La pasión  sobrevive al  tiempo y a la distancia, ante  el  ocaso de  magia, al inexorable paso del tiempo en el corazóna, a los  pasos hacia  atrás y la  gravedad horizontal?

Mira  la película aquí.

Los amigos que perdí y las rayas que gané

tumblr_nhi4bq2FZk1sdxopfo1_500

Ya empezó el año, tiene unas cuentas horas y pienso en los comienzos. Todo se define al inicio, como en la literatura o las películas: las primeras líneas definirán tus ganas de quedarte o de abandonar el trabajo de otros. Entonces pienso en enero, como la columna estructural del año, pero luego me acuerdo que no siempre importan las primeras impresiones, sino las conclusiones.

 Pienso que soy afortunada y maldita a la vez, gracias a esa y otras tantas dualidades es que no estoy recibiendo un vasito con medicamentos en el Fray Bernardino Álvarez u otra institución mental.

 También pienso que el pasado no es un lugar cómodo para vivir –lo leí por ahí–. Me dejo llevar por la hermosa sorpresa del minuto siguiente. Porque cuando apenas te acostumbras a algo o alguien, de pronto cambia y avanza, para evitar que te encariñes y sufras desilusiones. Ya es demasiado con tener que lidiar con la misma familia toda la vida, como para ir conservando nuevos lazos sociales, que no siempre son necesarios o gratos. Permanece simple y con un círculo pequeño y será más fácil contar con los dedos a los que de verdad importan.

 Observo mi vientre y noto los kilos que aumenté desde el consumo desmedido de comida y aunque no estoy orgullosa, tampoco arrepentida.

 Si se trata de hacer un balance como los que observé en las redes sociales, con todo y serios reclamos al 2014 por lo mal que los trató, considero que es cada individuo el que decide cómo será tratado. El que se construye la “suerte” y se debe desafiar todo pronóstico negativo. La victoria es algo que se elige y se afronta, no una suerte echada con una moneda.

 Entre las cosas que sé que pasarán en este nuevo comienzo, están los placeres de la carne, a los que jamás he podido decir que no. Me temo que tampoco haré dieta. Esperaré hasta que la temperatura se eleve para retomar mis pasatiempos en el exterior. Mis patines y mi bicicleta están abandonados desde que el viento es más frío.

 Perdí a varias personas fundamentales en mi existencia por una borrachera –que ni estuvo tan buena–. A ver sí aprendo a conservar la cordura aunque esté algunos grados de alcohol arriba.

tumblr_mqcqxmzWmL1qkp0j6o1_500

 Ésta, mi nueva oportunidad para corregir y hacer del borrador un cuento perfecto, con todas las fallas que la perfección necesita.

Lauri García Dueñas y el tiempo como texto indescifrable

descarga (3)

El tiempo es un texto indescifrable

Lauri García Dueñas, Literal, México, 2012.

La temporalidad implica ciclos, reconocimiento, conteos, límites, categorías y rupturas; a su vez suele manifestarse en nuestra vida como un deseo de olvido y sanación, es un espacio en el que se hará todo y tiene la facultad de convertirse en un plazo para dejarlo. Este poema de múltiples cantos, logra la deconstrucción de la Ciudad de México (“sin ti bellas artes sería un tugurio”), es un estar y no estar continuo, la fragmentación de las nostalgias citadinas como vértigo erótico en la escritura de Lauri García Dueñas.

“…cuatro años fumándome al distrito federal comiéndome al distrito federal cogiéndome al distrito federal”

 

 

 Lauri llegó al Distrito Federal en 2006 y desde entonces se comenzó a escribir en su cabeza El tiempo es un texto indescifrable, en papel durante 2009 y se materializó en 2012; surge como ensayo del tiempo, la vida trepidante y otras veces abotargada que encontró en México, amor y desamor continuos, el libro es un tipo de ofrenda de parte de Lauri hacia la ciudad que la ha acogido y asfixiado al mismo tiempo.

       “…lloro porque el amor está de rodillas y alguien tiene que matarlo

pobrecito el amor

pobrecito” 

 

 

 La Ciudad de México y su soledad como escenario, ciudad mosaico, casi un monstruoso poema visual que se mueve a la velocidad de la luz, Lauri supo ver y traducir la poética defeña en cardúmenes de palabras con el tiempo como hilo conductor, el frenesí de la urbe hecho 52 poemas o un poema con 52 caras, como la depuración del mal de amores, “todo lo que nos pasó ya pasó que triste”, la protesta multitudinaria “ el tiempo es este grito colectivo que hará sangrar los tímpanos de quienes no quieran oírnos”, la soledad “un cigoto de frío vive en mi corazón” entre otras.

 Lo curioso con El tiempo es un texto indescifrable es que es un libro capaz de marcarnos el ritmo de lectura al prescindir de la puntuación, las palabras logran rebelarse y dirigir al lector, esto hace aún más rica la polisemia del poema, entonces, Lauri logra hacer del tiempo ,un grito sostenido en una progresión infinita de matices fractales.

 

“…descansaré a mi alma agrietada de años y le gritaré a la humanidad que todo ha valido la pena”

 

El tiempo es un texto indescifrable pertenece a la serie Limón Partido  de la colección de poesía de la Editorial Literal, es una  pieza digna de  leerse y  para  redescubrir  a esta  ciudad  entre  sus  ruinas y su velocidad, para hacer  del tiempo un texto, un vagón del metro o un “monje tibetano transbordando” luego también hacer del  texto,  el  alma,  y del alma  un indescifrable  pájaro  color fucsia.

Lauri Garcia D
Lauri García Dueñas

 Lauri García Dueñas es oriunda de San Salvador, El Salvador. Nació en 1980. Es escritora y periodista, actualmente vive en México D.F. e imparte clases en la Universidad del Claustro de Sor Juana (UCSJ), se graduó como Maestra en Comunicación y Cultura por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

 Ha publicado los poemarios La primavera se amotina (2005)Sucias palabras de amor (2008), fue ganadora del Premio Interamericano de Poesía de Navachiste, Jóvenes Creadores de 2009 por Del mar es el ahogo (Editorial Praxis, 2011) y, El tiempo es un texto indescifrable (Editorial Literal,2012). También ha incursionado en el libro objeto con: Hombre mar y Mujer en el mar (2008)el desierto es verdeun error espectacular atravesado por avenidas e hipopótamos líquidos y Saigón. En cuanto a investigación periodística: Tribus Urbanas en El Salvador (El Faro,2011) y El asesinato de Roque Dalton Mapa de un largo silencio (Aura, 2012).

 También actualiza el blog laurigarcialuciernaga.blogspot.mx en el que puedes encontrar más sobre su vida y obra.

 

 

 

[Galería] División Minúscula + Tungas en El Plaza Condesa

 

Fotografías por: Roberto Palma

15 diciembre 2014

Aldo Camalle | Tungas
Aldo Camalle | Tungas
Efrén Barón | División Minúscula
Efrén Barón | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Sold Out | División Minúscula
Sold Out | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Javier Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Kiko Blake | División Minúscula
Blake | División Minúscula
Blake | División Minúscula
Luis Espinosa | Tungas
Luis Espinosa | Tungas
Alejandro Luque | División Minúscula
Alejandro Luque | División Minúscula
Alejandro Luque | División Minúscula
Alejandro Luque | División Minúscula
Tungas
Tungas
Manolin Ávila | Tungas
Manolin Ávila | Tungas
Negri Revueltas | Tungas
Negri Revueltas | Tungas
Daniel Rojas | Tungas
Daniel Rojas | Tungas

10385398_954370624590863_4249071855739572806_n

Ricci Pérez | División Minúscula
Ricci Pérez | División Minúscula
988452_954367284591197_9032662591207270294_n
Soundcheck División Minúscula
10259890_954363574591568_37387753833223134_n
Kiko Blake | División Minúscula

El columpio de Eros

 

 

tumblr_nb4bbpUHKO1r9demxo1_500

 

 

I

El columpio asciende

 

 

0

Hay que perder  las  palabras, luego encontrarlas .Re-perderlas y reencontrarlas en la arena de  un mar de abejas.  Abro los cielos  verticales y  me apetecen palabras  sobre tu cuerpo. Las  palabras que todo lo sienten y  se  agarran del aire. Recuéstate entre  las   grietas  que están suspendidas. Floto porque  estoy pensando en lo absoluto. Abro los ojos y lo real es   absurdo. Tengo  un corazón que palpita lo absurdo absoluto.

 

1

Los sueños se  equilibran por la calle a la velocidad de  la luz, tocar  el mundo con los pies, soñar y no  despertar en hoy, despertar en ayer, en mañana. Nadar siempre en las lagunas del  reloj  que amanece  en siempre ayer, cuando atardece en siempre hoy y anochece en siempre mañana. El amor es  la  tinta que se extiende y se extingue porque el amor es  un lugar que acaba, pero no es mi sitio. Por eso te  habito. El universo es  tu  cuerpo visto al revés. Mis sueños  cabalgan en un universo paralelo  con una manada de caballos  salvajes, que  también sueñan y cabalgan tu cuerpo  desnudo en la playa  de la luna, la luna que también sueña y cabalga conmigo por encima de este poema pendular,  mientras tanto tú estás expandiéndote.

a la felina cósmica.

 

1

 

Llené un vaso con todo lo que existe dentro del miedo para que lo derramaras sobre el mantel.

  No importa, no tengo miedo,  no irse,  ni decir adiós, QUEDARSE. Las lámparas son  alumbradas por  transeúntes en la ciudad que me habita,  tu existir crepita. Decir hoy  contigo es  mirar  los colores  de la h, este  es un nuevo  libro  escrito con papel sobre  la  tinta, con la tinta  sobre  la  tierra, con  la tierra  sobre el fuego, con el fuego sobre los sueños, con los sueños sobre el mar, con el mar sobre tu cuerpo y  con tu cuerpo  sobre el  mío.

 

 

3

Esculpir los  cromosomas de las  galaxias, ADN, ARN, células, partículas, mitocondrias, estrellas, el sol. El sol es la bombilla que tiene  todos los años y no se apaga, el pecado que tiene  todos  los años y  no  se escribe. Lanzar preguntas al aire,  intuir la  respuesta y escribirla en el pergamino de las eras.   Te dije una palabra que duró años luz  en  un segundo(AMOR).¿Las  eras del amor anticipan a las  eras de la vida?, o acaso las  eras, eran  las  eras del amor o el amor es la  era de las eras, o  la vida es  el amor de los amores.

 

II

Cumbre

 

0

 

El punto más  alto: mi cuerpo penetrando tu cuerpo, mi cuerpo ignorando mi boca, mi boca absorbiendo  tu vida, tu vida penetrando mi  muerte, tu muerte   anunciando  el límite del arte, quitarte  el aire a través de  las  piernas, abrir  todas  las puertas, encender  todas  las luces, las luciérnagas ¿Somos  felices o somos luciérnagas?, somos  un montón  de  cigarrillos  encendidos debajo del mar, fiesta de  gametos. No  hay forma  sino  colores que absorbo de manera  coloquial  y  te miraba eterna y eterna te miraba sudar, tierna feroz, ritual, rítmico, rimbombante, fotosíntesis de tu flor, néctar, nebuloso de  tu universo, Incinerarse ahora, morir  ahora, acceder al final que no acaba, volver siempre y siempre  volver  a donde nunca se estuvo, saberse  invencibles, invisibles, indescifrables, íngrimos, alumbrados   en el infinito,  carrusel  de  luz  desdoblándose en colores  táctiles desdoblándose  en humo desdoblándose  en partículas por millón que,  también se desdoblan sobre el lecho en el que echamos  raíces, que se acabe el mundo ahora,  la humanidad va a salvarse, el  caos  no  es más fuerte que  la  fuerza de gravedad de tu sexo, el  caos no es más fuerte que tu  erotismo presente, no  ver el presente es la estupidez que cuelga de  nuestro  cuello pero ahora no  importa, porque  ahora bailamos en las  aristas  circulares  de la vida. Pienso que  ya estamos  muertos, hermosamente muertos, en un velero creando nuevas  galaxias, copulando  nuevos espacios siderales dentro de  tu cuerpo, siendo dioses bajándonos del columpio de eros, aguantando los movimientos  telúricos de tu clítoris sucedidos por  una ebullición cósmica, pensar que el Big- Bang sucede en espermatozoides, dijiste: esto no puede ser la muerte, es sólo una colisión de ondas cerebrales, un substancia oculta, otra versión de la vida.

 

 

III

Descenso

 

0

Comenzar a  caer  siempre es  complicado, hundirse, voltear a  todos  lados desde  un cráter lunar, no encontrarte, buscarte y no encontrarte enfrente, no encontrarte en el espejo. Esperpento de  la alegría. No quiero  verte. Mi corazón tiene muchos  rincones  extraños, está repleto de personas  extrañas que habitan lo desconocido. Hay lugares ahí dentro  que no conozco, entonces  naufrago así sin respuesta  neuronal, colapsa la sinapsis, la circulación. Esto es  una  carnicería, porque te desconozco con vaga exactitud y la  flama se apaga en  silencio y el silencio se consume en escándalos cardiacos, casi calcinados porque tenemos el corazón manchado de avispas.

1

La tempestad se mide  en silencios, el amor también. Una sinfonía sin notas  perdida en el cálculo  matemático perfecto, amor es justo lo que  no conocemos y personificamos , lo que se  rompió y se  reconectó, lo que se reconectó  y después se  romperá,  el péndulo que se mece en nuestras  cabezas, el columpio  de Eros en el  que nos mecemos  sin saber nada, porque es justo lo que  sabemos nada, ni siquiera de la nada.

 

 

2

Será mejor así, dijiste dentro del margen de un eclipse salvaje. Venga la oscuridad.  La oscuridad  usa  sombrero de soldado, de asesino de  memorias lejanas ¿Si el amor muere a dónde  va su cadáver? Llega a besarnos, después a  darnos  frío, soportamos  los gusanos de  su cuerpo putrefacto.  La esperanza es  el esqueleto de  un colibrí  hecho añicos que no para  de aletear, que se desintegra y no para de aletear, al que  le prendo fuego y no deja de aletear, sólo  incendia mis huesos que finalmente aletean hasta  pulverizar al colibrí que,  hecho  humo sigue aleteando y rompiendo  el aire de mis pulmones, quebrando  la resistencia de  mis cuerdas bucales, que no quieren pronunciar más tu nombre y sin embargo, lo pronuncian.

3

Cerrar un libro dentro de un  vaso, beberlo no leerlo. Verlo  con la lengua. No nombrarlo. Todo lo que se nombra se  lo traga la tierra, coincidencia  colectiva, la tragedia de los lenguados. Digo  todo  esto  desde mi vista aérea. El área de visión de mis ojos tiene el tamaño que yo quiera. El amor es  una pendejada dentro  del cálculo de un fósil, criptograma que encontré empolvado en los ojos que piso descalzo. Cerrar los ojos no llorar, el plan de  fuga consiste  en acostumbrarse al columpio y echarse hacia  atrás, soltar todo y hacerse más atrás, hasta quedarse  solo y saberse  solo, voltear alrededor del cráter y hallarse así mismo.

IV

El columpio asciende

 tumblr_nf6v3wgDqS1twd2hso1_r3_1280

El almacén de la imagen: Jones, la fotografía no es un arte

Esta semana me topé en repetidas ocasiones con el artículo del crítico de arte y periodista británico Jonathan Jones, publicado en The Guardian el miércoles pasado, y que llevaba por título The 6.5 m Canyon: it’s the most expensive photograph ever- but it’s like a hackneyed poster in a posh hotel. No sólo observé a algunas personas e instituciones exteriorizando su opinión al respecto, sino que también hubo personas que me lo hicieron llegar de manera privada. Entonces una idea asaltó mi mente, algo debía de estar diciendo este señor que no le estaba gustando a la gente. Jones causó controversia no tanto por hablar sobre la fotografía más cara de todos los tiempos (Phantom), sino por haber expresado, desde la primera línea del escrito, que la fotografía no es un arte, es una tecnología.

We have no excuse to ignore this obvious fact in the age of digital cameras. My iPad can take panoramic views […]. Does that make me an artist? Jonathan Jones. The Guardian.

 Hay varios asuntos que Jones trata en su texto de los cuales me gustaría hablar. Por un lado, el periodista pone en duda el hecho de que la fotografía sea un arte, sobre todo en esta época en la que la tecnología es tan avanzada y tan barata que ha logrado democratizar la imagen fotográfica. Cada vez más personas tienen acceso a una cámara, normalmente incluida en el dispositivo móvil, lo cual permite que la producción de imágenes sea cada vez mayor, en menor tiempo y a un precio cada vez más bajo. Pero, por otro lado, el periodista cuestiona las normas de lo que se piensa que es artístico y de lo que no lo es. Para Jones, la fotografía realizada por Peter Lik, Phantom, ejemplifica de manera perfecta todo aquello que sale mal cuando los fotógrafos se creen artistas. Sin duda alguna, Phantom es una fotografía perfectamente lograda, está realizada en blanco y negro y en ella se muestra cómo un halo de luz irrumpe en las entrañas del Antelope Canyon, ubicado en Arizona, Estados Unidos. Al centro, una especie de nube de polvo se levanta desde el suelo terroso y se funde con la luz que entra desde la parte alta de este accidente geográfico.

Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.
Peter Lik, Phantom. Credito: The Guardian.

  Sin embargo pienso que cuando Jones exclama que la fotografía no es arte, no se refiere tanto a la estética de esta o de cualquier fotografía como resultado artístico, sino más bien a la fotografía como medio de reproducción de imágenes. En este sentido, debo admitir que la primera afirmación realizada por Jones no es errónea. Es cierto que la fotografía no es un arte, pero tampoco concuerdo con Jones en el hecho de catalogarla como una tecnología. En todo caso la cámara es la herramienta tecnológica de la cual una persona se sirve para realizar una fotografía, no como arte, sino como medio de representación y reproducción de la realidad. La fotografía como técnica de reproducción de imágenes no puede ser un arte, en cambio lo representado en ella es lo que puede llegar a ser artístico.

“Las fotos importan como exaltaciones sentimentales o modelos del comportamiento externo, pero no se consideran ni se pueden considerar arte, no poseen el don de transmutar en objeto válido universalmente la grandeza  o el calor humano de los retratados.” Carlos Monsivais, Maravillas que son, sombras que fueron. La fotografía en México.

 La fotografía creada con fines artísticos puede ser considerada arte, no por estar realizada con una técnica fotográfica, sino por la idea en la que se sustenta, por el concepto que está representando, es decir, por la producción realizada para lograr la imagen plasmada. Volviendo a la pregunta que hace Jones en su texto: ¿Si tomas una fotografía con tu dispositivo móvil eso te vuelve un artista? No. Lo que vuelve artista a un artista es que se desarrolle en el campo de las artes, independientemente del medio y las técnicas que utilice para expresarse.

 Pero lo que más perturba a Jonathan Jones es que la fotografía de Peter Lik, Phantom, se haya vendido por 6.5 millones de dólares y argumenta diciendo: “Búsquelo en línea y encontrará una gran variedad de fotografías que muestran las mismas características. Todas ellos son tan sorprendentes como Phantom. El fotógrafo (Lik) no ha añadido nada de valor a lo que ya estaba allí. Google está lleno de “grandes” imágenes con esta característica natural impresionante.” E incluso añade: “Alguien ha sido muy tonto con su dinero, confundiendo lo pintoresco con el gran arte”.

 Lo que sucede con la fotografía de Lik, a diferencia de las miles de fotografías de paisaje que podamos encontrar en Google o que podamos hacer con nuestros dispositivos móviles o cámaras réflex, es que ésta sí entró en la esfera del arte. En el momento en el que una fotografía se introduce en esta esfera se vuelve un producto. La obra deja de ser obra y se convierte en una mercancía a la que se le establece un precio.

 En ese sentido Phantom deja de ser una simple fotografía de paisaje, una simple fotografía con elementos pintorescos, y se vuelve un artículo. Así pues, no es tan sorprendente que una fotografía haya sido vendida en 6.5 millones de dólares, pues el precio no está establecido con base en las técnicas que fueron usadas por el artista, sino con base en el mercado del arte más bien basado en la especulación y no tanto en la demanda.

Captura

 El artículo de Jones no sólo expresa su posición con respecto a la fotografía dentro de la esfera del arte, sino que se trata de una muestra de la preocupación que hay en torno a la fotografía en nuestra época. La era digital ha trastocado la concepción que tenemos sobre la fotografía, y en ese mismo sentido lo ha hecho sobre los parámetros de lo entendemos por arte. Pero al mismo tiempo refleja el descontento que hay de parte del crítico del arte por la especulación que hay en el mercado del arte que eleva cada vez más los precios de las obras- mercancías.

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

9777_864683886909968_1478775856123793920_n

sasha-unisex-tattoos-5

Sasha-Unisex_08

sashaunisex-8

sasha-unisex-tattoos1

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

Captura de pantalla 2014-12-09 a la(s) 21.15.21

Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

Vicente Leñero (1933-2014) : Genialidad del periodismo y la literatura mexicana


vicente
Crédito:Excélsior.

Jalisciense, gran representante de las letras mexicanas, mostró su capacidad periodística de muchas formas, dueño de inigualables facetas; su nombre bajo la mirada del luto nacional: Vicente Leñero, hombre de principios y paradojas que se enraízan en un emblema social que logró transformar el entendimiento de la literatura mexicana; falleció el día 3 de diciembre a causa de cáncer pulmonar. Afable al arte y a la vida en toda la extensión y al sentido crítico de la vida, Leñero compenetró en cada rincón de la singularidad mexicana.

 Ingeniero civil por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y fiel seguidor de las letras, encontró su vocación bajo el camino de la escritura; fue su más sincera pasión a través del tiempo. Su reconocimiento no sólo quedó entre voces, el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México en literatura y lingüística en el año 2001 le perteneció al gran poseedor del talento que corrompía detalles entre palabra y palabra.

Vicentelenero5454
Crédito:El Universal.

 El repertorio que generó abarca la peculiaridad  y el detalle tan magistral que lo caracterizaba. Su primera obra fue publicada en el año de 1959 con el título que invita a descubrir el trabajo tan exquisito que realiza: “La polvareda”; posteriormente  le procede una novela que tiene un gran alcance para expresar el significado psicológico del autor, con un título abrumador y penetrante “La voz adolorida” (1961) es su segundo escrito. 1963, año que pertenece a la década de cambio de patrones de vida; presenta el libro “Los albañiles” que con gran ahínco implícito, logra tener el Premio Biblioteca Breve, con una historia que muestra la narrativa tan excelente que poseía.Misma década, misma sintonía, así publica “El garabato” en 1967.

 El teatro también fue uno de los temas donde presentó su gran aporte, a través de la construcción de guiones. Obras como Los albañiles, Los hijos de Sánchez, fueron títulos que bombardearon la década de 1970.  1980, y el México entre sombras se presentaba en cada rincón del país; Leñero  publica una serie de libros de índole documental que reflejan el anacronismo de esos años.  Su trayectoria, no quedó en ese aspecto, si era multidisciplinario, lo mostró aún más, cuando realizó en el año 2003 el guión para la película tan controversial “El crimen del padre Amaro”. Proceso y Excélsior fueron algunos de los medios para los cuales enriqueció la labor periodística; ese sentido crítico y perspicaz sobresalía en cada columna.

“No me gusta que las historias se acaben, ni en el cine, ni en la literatura, ni en la vida. Siempre tiene que haber más posibilidades,más caminos,más respuestas”

-Vicente Leñero.

 81 años cumplidos y Vicente Leñero abandona el mundo de los terrenales, pero su espíritu de letras se queda en cada uno de los que ha podido leer su obras tan  inigualables. Su homenaje será mañana a las 12:00 hrs en el Palacio de Bellas Artes. Así como el mencionó, la historia no se acaba.

 

 

Carnaval Bahidorá 2015

Poco a poco hemos visto que el próximo año estará lleno de eventos que nos harán bailar, cantar y querer cada vez más, y a ello se le suma el Carnaval Bahidorá que se llevará a cabo los próximos 21 y 22 de febrero en Las Estacas, Morelos.x

 Bahidorá es una puesta colectiva que se dedica a explorar territorios desconocidos para vivir una experiencia mágica dentro de un entorno natural y fantástico. En compañía de músicos, artistas multimedia, arquitectos, escenografías, actividades de sustentabilidad, ofertas gastronómicas, talleres, cursos y más, los asistentes y colaboradores podrán desenvolverse de manera creativa durante todo el evento.

asdfasdf

sdfg
Para esta edición, Bahidorá trae más actividades y servicios que permitirán que la experiencia sea inolvidable. Un nuevo escenario, una lista diversa de músicos, así como nuevas secciones del parque para descubrir aquellos espacios que la naturaleza tiene listos para todos. Lo que le da un plus increíble es que ahora el 85% de los asistentes podrá acampar y así disfrutar por completo esta experiencia sin salir de Las Estacas.

Las Estacas es un parque acuático que pertenece a la reserva ecológica estatal de Sierra de Montenegro, sitio paradisíaco donde brota el río Yautepec, con agua cristalina de un asombroso color. El lugar perfecto para esta gran puesta en escena.

Para más información y compra de boletos, consulta aquí

Seis poetas revolucionarios de América Latina: Luchadores sociales


Poetas que hablaron para el mundo y para sí mismos, soñadores que alardearon de las letras para escapar de la mezquindad del sistema político, que inundaron las huellas de una dramática y controversial aventura que los llevó a navegar sobre los objetivos que ayudaban a vislumbrar la libertad como situación de urgencia del individuo. Banderas y símbolos patrios  que en su momento no les permitieron desenvolverse en su forma o en su juicio, ya que buscaban incansablemente otra situación social a partir de una palabra que parecía darles temor a muchos: Revolución.

 Los mártires que son  los esclavos de lo usual la clase alta, que se entiende como las personas que tienen más poder en el control del aparato gubernamental, los perseguían (y lo siguen haciendo actualmente) hasta el cansancio, con la finalidad de que no quedará rastro de su emblema. ¿Cuál era el hecho por el que eran ultrajados y exiliados? Simplemente porque iban de un lado que no era bien visto, porque ellos eran los grandes luchadores que denunciaban al opresor de diversas formas.

1.Jose Martí (1853-1895)

jose m

“Dos patrias tengo yo: Cuba y la noche.

¿O son una las dos? No bien retira

su majestad el sol, con largos velos

y un clavel en la mano, silenciosa

Cuba cual viuda triste me aparece.”

— Fragmento de dos patrias.

 De nacionalidad cubana, luchó incansablemente por la independencia de su país. La palabra revolución formó parte de su gran itinerario, por lo cual en su revista “Patria libre” daba cuenta de los tiempos tan difíciles por los que pasaba Cuba. Perseguido y acechado por el Estado, fue presa de un encarcelamiento que duró seis años, aunque eso no fue impedimento para que la escritura le acompañase en ese tiempo que fue un calvario. Fue deportado a España y su arduo trabajo intelectual se representó en varias obras, en la cual destaca “La república española ante la revolución cubana”. Víctima del exilio, su viaje se postergó por toda América Latina. Camarada que se oponía a los lineamientos del mandato burgués.

2.César Vallejo (1892-1938)

cesar vallejo

“Y, entre mi, digo:

ésta es mi inmensidad en bruto, a cántaros

éste es mi grato peso,

que me buscará abajo para pájaro

éste es mi brazo

que por su cuenta rehusó ser ala,

éstas son mis sagradas escrituras,

éstos mis alarmados campeñones.”

— Fragmento de epístola a los transeúntes.

 Perú su país natal, formó parte del gran sentimentalismo de este poeta. Preocupado por el bienestar social, dedicó gran parte de su obra a la gran encrucijada entre la vida y la muerte; el sufrimiento del hombre fue uno de los grandes temores que le acechaban, muestra de ello son “Los heraldos negros” que vislumbran la necesidad de una rebeldía interna en el hombre. En 1920 se le acusa injustamente y es llevado a prisión durante tres meses y medio.

3.Pablo Neruda (1904-1973)

pablo neruda

“AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano.

Cuando sujeto al corazón la espada,

cuando aguanto en el alma la gotera,

cuando por las ventanas

un nuevo día tuyo me penetra,

soy y estoy en la luz que me produce,

vivo en la sombra que me determina.”

— Fragmento de América, no invoco tu nombre en vano

 A pesar de las múltiples limitantes que sufrió por parte de su familia para dedicarse la poesía, el chileno no abandonó ese espíritu cautivador que lo hacia aferrarse a una nueva perspectiva de vida. Formó parte del cuerpo gubernamental de su propio país, sin embargo, detalles como la lectura sobre un fundamento de nombre “Yo acuso” que hizo delante del Senado le valió una detención arbitraria, por lo cual sale de su nación en 1949. Militante del Partido Comunista y ferviente acompañante de Salvador Allende.

4.José Revueltas (1914-1976)

revueltas-18-0

“Yo, que tengo una juventud llena de voces,

de relámpagos, de arterias vivas,

que acostado en mis músculos, atento a cómo corre y llora mi sangre,

a como se agolpan mis angustias

como mares amargos

o como espesas losas de desvelo,

oigo que se juntan todos los gritos

cual un bosque de estrechos corazones apretados;

oigo lo que decimos todavía hoy.”

— Fragmento de canto irrevocable.

 Originario de México, provenía de una familia intelectual duranguense que mostraba una preocupación constante por la lucha social. Fue miembro del Partido Comunista Mexicano, víctima de innumerables encarcelamientos, Revueltas siguió desempeñando el papel de un gran activista social que defendía a capa y espada los intereses de la clase menos privilegiada. Su gran aporte le mereció el Premio Nacional de Literatura en 1943. Lecumberri y las Islas Marías fueron lugares donde tuvo que callar mientras se le encarceló de una manera muy ruin, mientras que se le privaba de su actividad libertaria.

 5.Roque Dalton(1935-1975)

roque d

“Cuando yo muera,

sólo recordarán mi júbilo matutino y palpable,

mi bandera sin derecho a cansarse,

la concreta verdad que repartí desde el fuego,

el puño que hice unánime

con el clamor de piedra que eligió la esperanza.”

— Fragmento de hora de la ceniza.

 Proveniente de una familia de origen norteamericano, Dalton manifestó su inconformidad hacia el contexto social que veía en el Salvador. Fue parte de los jóvenes revolucionarios de América Latina, además formó parte del Partido Comunista Salvadoreño en 1958.También fue víctima del acoso por  parte del gobierno, lo que originó una serie de encarcelamientos que no tenían las bases para respaldar el porqué de dichas detenciones. Después de dejar el Partido Comunista, forma parte en 1973 del Ejército Revolucionario del Pueblo. Fue asesinado por miembros de la guerrilla.

6.Otto René Castillo (1936-1967)

otto

“En mi país,

la libertad no es sólo

un delicado viento del alma,

sino también un coraje de piel.

En cada milímetro

de su llanura infinita

está tu nombre escrito:

libertad.

En las manos torturadas.

En los ojos,

abiertos al asombro

del luto.”

— Fragmento de la libertad.

 Activista de origen guatemalteco que se rebeló en contra de los principios opresores de un país que estaba constantemente en llamas. Fue parte de guerrilla “Fuerzas armadas rebeldes”. Trabajó arduamente con los campesinos y fue parte primordial de la lucha armada de Guatemala. Torturado vilmente por el Estado y a mandato del coronel Carlos Arana Osorio, muere en 1967.

 Personajes que no dudaron ni un segundo en clamar esperanza por naciones que sufrían de ultrajes hacia la vida. Sus poemas dieron el aliento suficiente para que muchos despertaran y oyeran de una manera diferente el canto de las aves en días de oscuridad que parecían infinitos. Gracias a sus letras, la voz hispanoamericana ha sido prolongada a través del grito ensordecedor que pide rebeldía y justicia para quiénes no tienen voz ni voto en un sistema que encarcela a los más conscientes.

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

aclassdivided

 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

https://www.youtube.com/watch?v=gW5fKWJ3PiA

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

¿Quemar la puerta de Palacio Nacional o quemar estudiantes vivos?

Padre de normalista desaparecido en conferencia Foto: Francisco Cañedo
Padre de normalista desaparecido en conferencia Foto: Francisco Cañedo

Agradezca que el de la foto de arriba no es su padre, que usted está en su casa, que fue a la escuela y pudo regresar para cenar, dormir, hacer tarea y volver a clases al otro día.

 Agradezca también la fortuna de que existan familias que pese a la pena de la pérdida de un hijo tiene la entereza de salir de su localidad para exigirle justicia a las autoridades, aunque éstas no merezcan una pizca del sueldo que cobran por supuestamente estar a nuestro servicio. Sí, a nuestro servicio, aunque pareciera que nos hacen un favor, al poner sus caras pusilánimes para decir mentiras. Puras mentiras.

 Agradezca también que hay gente solidaria que a pesar de no conocer en persona a los 43 desaparecidos salen a marchar a las calles, con tristeza como en mi caso para liberar un poco de la jodienda de sentimientos que se acumulan en el pecho, para de menos sacar el hartazgo.

 Agradezca porque su madre y su padre no son los que están viéndole la cara a un Presidente que anota en su cuaderno cuando le sugieren que renuncie.

 Agradezca por que no es usted el desaparecido. Agradezcamos que estamos vivos, pues.

 Agradezca que puede salir a pasear a su mascota en caso de tenerla. Que no lo han acusado y/o detenido injustamente por andar de “activista”.

 Agradezca infinitamente que sólo se queja por las redes sociales de la mierda que es su país, pero tuitear no es lo mismo que tener la zozobra en el pecho de que a tu hijo se lo llevaron policías municipales de Iguala y ahora están… lejos. Perdidos, desaparecidos.

 Agradezca que no es su boca la que grita con desesperación. Agradezca mientras pueda.

¿Quién es el asesino?

Estocolmo. Una masacre. Sangre. Muertos. Un crimen por resolver. Así es, una familia es brutalmente asesinada a sangre fría. El único testigo es Joseph, un joven de 15 años que sobrevivió a la masacre que acabo con sus padres y su hermana menor.

Imagen de: revistadeletras.net
Imagen de: revistadeletras.net

 “Voy a estar aquí sentado todo el tiempo. No tienes absolutamente nada que temer. Puedes sentirte completamente seguro. Estoy aquí por ti, no digas nada que no quieras decir, y tú mismo puedes dar por terminada la sesión de hipnotismo cuando quieras. Todo está tranquilo, silencioso y relajado. Ahora voy a contar hacia atrás, y con cada cifra que oigas te relajarás un poco más. Ahora estás completamente relajado. Todo está bien. Quiero que intentes recordar qué pasó ayer.”

 Este es el inicio de El Hipnotista, una de las novelas suecas que ha alcanzado gran éxito desde su publicación en 2010 por Lars Kepler, seudónimo utilizado por el matrimonio sueco de Alexander Ahndoril y Alexandra Coelho Ahndoril, famosos escritores, que decidieron mantener bajo secreto su identidad tanto tiempo como fuera posible.

Foto de: bonnier.com
Foto de: bonnier.com

 La novela pertenece al género negro sueco y en demasiadas ocasiones se ha dicho que Lars Kepler es el sucesor de Stieg Larsson, autor de la trilogía Millennium, misma que se publicó después de su muerte en 2004.

 El Hipnotista es la primera de ocho entregas que formarán parte de esta saga de literatura negra nórdica. Las publicaciones que han sucedido a este exitoso libro a nivel mundial son El Contrato, La Vidente y El hombre de arena, donde cada una puede apreciarse de manera independiente, pues lo único que las une es el investigador Joona Linna.

 Este libro ha generado diversas opiniones. Unos lo califican de brillante, ya que se caracteriza por ser impactante en la descripción de los hechos así como por la crudeza con que narra cada suceso. Otros, al contrario, lo definen simplemente como bueno, sin embargo, hablan de que en partes de la lectura se vuelve confuso en el juego de tiempos narrativos.

 La adaptación cinematográfica de este libro llego a la pantalla en 2013, bajo la dirección de Lasse Hallström.

Trainspotting: la novela de Irvine Welsh

Cuando escuchamos la palabra Trainspotting puede que sea totalmente ajena a nosotros o que nos obligue automáticamente a recordar aquella película de 1996 dirigida por Danny Boyle, la cual muestra las aventuras y desventuras de un grupo de heroinómanos procedentes de Edimburgo: Mark Renton, Sick Boy, Spud, Francis Begbie y Tommy (Begbie solo es alcohólico y Tommy se vuelve consumidor tiempo después): seis individuos que tienen como única preocupación el saber cuándo y cómo será su siguiente dosis.

Escena de la película de Danny Boyle
Escena de la película de Danny Boyle

 Entre todas estas peripecias se ven los intentos fallidos por dejar la heroína, la depresión y síndrome de abstinencia que puede generar el “estar limpio”, lo frecuentes que son las sobredosis, el riesgo de contraer SIDA y su poco o nulo interés por llevar una vida de mejor calidad.

 En los últimos años se ha convertido en una película de culto entre jóvenes y adultos; en su momento causó escándalo la forma tan cruda en que se muestra el mundo de las adicciones y toda consecuencia que genera el pertenecer a tan nocivo gremio. A pesar de lo realista que pueda ser la película (sin dejar de lado que es una excelente adaptación que incluso fue llevada al teatro) el libro lo es aún más.

 La mente detrás de toda esta crudeza relatada en cada una de sus historias es el escritor Irvine Welsh —quien cuenta con una breve aparición en el film—, de origen escocés, al igual que sus personajes. 

Trainspotting originalmente fue lanzada en entregas semanales en la revista literaria Rebel Inc. (1991). Posteriormente, en 1993, se recopiló y publicó el libro completo. A pesar de la indignación que generó, las malas críticas y el poco éxito augurado, significó el salto a la fama del autor y que éste se hiciera de un sinnúmero de seguidores. Incluso hoy en día es novela más vendida de Welsh.

Portada del libro de Irvine Welsh
Portada del libro de Irvine Welsh

 El título hace referencia al pasatiempo de ver trenes, y a la vez es un juego de palabras para denominar el inyectarse heroína. El libro tiene un lenguaje poco rebuscado pero está lleno de modismos escoceses, que conforme avanzan los capítulos son explicados, además de que en diversas ocasiones hace alusión al fútbol (al cual Welsh y sus personajes son aficionados), la música del momento y películas o actores. Las historias son  mayormente narradas desde la perspectiva de Renton (personaje principal, que al igual que Spud o Sick Boy  aparecen en otros libros del mismo autor, como Porno, secuela de Trainspotting, y Acid House) que de todos los personajes es el más consciente de su dura realidad.

 El futuro es algo impensable y muy poco o nada va a cambiar estando en Edimburgo, en ese lado de la ciudad que no aparece en los festivales, en la capital de la desocupación, la prostitución y el SIDA. Todo esto no es narrado de forma solemne, sino a través de un humor negro y chusco con historias deliberadamente entrelazadas para atrapar al lector.

Ve la película aquí, y conoce más acerca de Irvine Welsh.

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

Facebook

 

La era de las Big Bands : entre la lucha clasista


count basie
Count Basie & Ethel Waters (1943).

“Si tocas una melodía de jazz y las personas no mueven los pies, no la toques más.”

— Count Basie.

bailes
Baile típico en 1950.

 A partir del año de 1930 se presentaron grandes cambios sociales a escala internacional, sucesos de gran impacto histórico como fue la Segunda Guerra Mundial presidiéndola  la Gran Depresión de 1929 y posteriormente la Guerra Civil Española. En ese sentido, la transformación socioeconómica se presentó en todos los países, independientemente de su grado de desarrollo, y dicha modificación también centró sus bases en el contexto cultural, básicamente en la música.

 El glamour y el cliché de las grandes orquestas (big bands) transformaron a la escena musical para brindar al mundo una serie de notas que permitirían ser el legado de géneros actuales como es el rhythm & blues,  acid jazz, lounge, música de elevador, con presencia en los años 50, conocida también como a go go-soul y el mismo jazz contemporáneo. El ritmo meloso que corrompe su  formalidad al minuto, permitía adiestrar al oído de una manera que permitía que el baile surgiera entre los asistentes de una manera cómoda. Los trajes impecablemente cuidados en tonalidades claras y los peinados con bucles espectaculares aparecían en los bailes de salón de todo el mundo; aunque en un principio la sede fue Europa Occidental y América del Norte. El ritmo del swing invadió los espacios burgueses de los países con una fuerte concentración de capital; la periferia no formó parte de este movimiento.

Lester-and-friends
Lester Young.

 Una fuerte contradicción se vislumbra entre su origen y desarrollo, ya que fue un movimiento que tuvo sus raíces en comunidades en condición de pobreza –específicamente en Florida, Estados Unidos. El jazz fue el elemento que permitió la creación de la big band, el sonido dependía de este tipo musical que se oponía al régimen más acomodado, sin embargo a partir del año de 1935 el escenario en el que se desenvolvió la música de las grandes orquestas, pasó a ser cultura en su mayoría de pertenencia burguesa. En ese período las orquestas comandadas por Bing Crosby, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Artie Shaw, Benny Goodman, Brian Setzer y Dave Holland le pusieron énfasis a este gran género musical que tendría un gran legado hasta nuestros días. De esa trascendencia musical, se desprenden tipos de música con un sonido muy peculiar como el bebop, el hard bop y el cool, además del más conocido: el swing.

och
Glenn Miller & Orchestra.

 Las big bands contaban con precisos arreglos musicales que le permitían distinguirse entre la clasificación presente del jazz clásico. Se distinguían por el sonido de clarinetes, trompetas, trombones  y saxofón barítono. Sin duda, la magia de las big bands permitió que la música se transformará de manera que involucrara una serie de géneros pertinentes para el progreso de la escena clásica del jazz, y esto se ha visto reflejado en el jazz contemporáneo.

 Históricamente, tienen una gran contribución cultural; sin embargo también enfrentaron un grave y complejo proceso social en el que se encontraba la discriminación hacia una raza que luchó por sus derechos durante mucho tiempo. Esto trajo consigo que la clase dominante, tuviera a su poder el simple hecho de poder escuchar ese tipo de música y bailarlo, de manera que la raza afroamericana no tenía cabida en la participación, es decir ni para asistir a los eventos de baile ni para poder participar como arreglista de sonido. A su vez, esto radicalizaba el sentido de pertenencia de este inigualable sonido hacia la clase con más poderío económico, de manera que las grandes potencias adquirían en mayor medida ese sentido de dominación hacia las clases bajas; contradicción que imperó durante la mayor parte de su desenvolvimiento.

lester
Lester Young.

 A partir  de 1935, grupos como Lester Young y otras bandas de origen afroamericano, adquirieron mayor importancia y participación en la escena de las big bands. Comenzaron a adquirir reconocimiento en diversas localidades de Nueva York y posteriormente pasaron a ser parte de la historia cultural de aquellos tiempos. No es de extrañarse que el gran apogeo se alcanzará en estos años , donde se apreció en gran medida el sentimiento cultural a partir de 1940.

En 1950, año en que todavía permeaba el racismo en América del Norte, se seguía desenvolviendo el jazz a través de las big bands en los barrios más populares de los condados periféricos, de manera que se iba extendiendo poco a poco en los países menos desarrollados. La leyenda en torno a un tipo de música de tinte burgués parecía haberse quedado en el olvido, y se abría la puerta a un tipo que ya no asumía una postura clasista.

 De esa forma, se promovió la big band como un elemento emergente sobre la música de ese tiempo que presentó grandes momentos antagónicos ante el escenario tan lúgubre en la sociedad que aceptaba todo por hecho y no por reflexión. Música creada en un principio para la clase acaudalada, y que posteriormente se convirtió en la diversión de toda una sociedad que no estaba consciente en el significado de pertenencia e identidad, hasta que se neutralizó un poco la diferencia entre clase y raza.

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

chavos

“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

san ciprian

 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

helados

Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

chidos

Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

El flamenco: Historia de una lucha social


 

mister
Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

gitana
La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

pasión
Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

arton7074-6fdc5
Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

bailando
De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

Cuentos de ultratumba2

La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

El almacén de la imagen: literatura y fotografía en Adela Goldbard

Uno de los nombres más reconocidos, por lo menos por fotógrafos y artistas, en la escena artística contemporánea en México es el de la fotógrafa Adela Goldbard (DF, 1979), sobre todo por tratarse de una artista muy joven que ha ido consolidando su obra desde hace poco tiempo. Goldbard ha sido beneficiaria, en diversos programas, de algunas becas del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Además en 2012 fue ganadora del Premio Centenario al artista emergente otorgado por zona MACO. Su trabajo, al igual que la de otras fotógrafas contemporáneas mexicanas tanto consagradas como emergentes, fue incluido en Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México 1910- 2010, una obra realizada por la historiadora del arte Emma Cecilia García Krinsky y publicada por el CONACULTA en el 2012. En ella se hace una revisión del trabajo de más de 100 fotógrafas mexicanas a lo largo de cien años.

Adela Goldbard, Lobo. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.
Adela Goldbard, Lobo, 2013. Adela presenta una réplica de la camioneta lobo, pues, en el imaginario social mexicano, es la camioneta respresentativa del narco.

 Adela Golbard tiene estudios en fotografía realizados en instituciones nacionales, entre ellas la Escuela Activa de Fotografía de Coyoacán y el Centro de la Imagen, así como internacionales, entre las que se encuentra la Escuela superior de arte y diseño en Sainttienne, en Francia. Sin embargo su obra no puede comprenderse sin revisar un poco de la historia personal de esta artista. En principio es necesario mencionar que Goldbard es egresada de la licenciatura de Letras Hispánicas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Una vez dicho esto se puede entender mejor el hecho de que su obra como fotógrafa sea una constante dialéctica entre fotografía y literatura. Sin duda alguna, la interdisciplinariedad genera un discurso más rico.

Adela Goldbard
Adela Goldbard

 Así pues, la fotografía de Adela Golbard dialoga con la literatura y con otras formas de expresión artística como el video y la escultura, generando así nuevas realidades, nuevos y variados mundos posibles, que provocan un entrecruzamiento entre la realidad y la ficción. La literatura es considerada como el arte de la escritura, probablemente se entiende como la disciplina por medio de la cual se crean realidades ficticias y sólo eso. La fotografía, de la misma manera, ha fungido como ese medio por el cual el fotógrafo expresa o representa aquello que se piensa que es real, pero que no lo es. Porque, es necesario decirlo, la fotografía no muestra la realidad como se ha venido pensando desde el siglo XIX. La literatura tampoco la muestra, por ello mismo ha sido relegada, muchas veces, por las demás ciencias sociales que pretenden mostrar la realidad del pasado o del presente: la historia y la sociología.

 En ese sentido la interdisciplinariedad de la obra de Goldbard toma fuerza cuando pone en contraste el mundo real del mundo ficticio, en un intento por dejar de lado la separación, tanto en las disciplinas como en la dialéctica entre los dos mundos. Por ello, sus series fotográficas incorporan la puesta en escena como un elemento por el cual se entrecruza la realidad y la ficción. Trabajar con maquetas, menciona en una entrevista para Museógrafo TV, sería restarle ese toque de realidad.

Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.
Adela Goldbard, fotografías de la serie La isla de la fantasía, 2012.

 En esa búsqueda por fundir lo real de lo ficticio, Adela ha hecho uso de hemerografía al momento de pensar en sus proyectos, lo cual la guía en la senda de la investigación para definir y delimitar sus series. Tal es el caso de la serie La Isla de la fantasía, en la que busca reconstruir la realidad del pasado a través del uso de réplicas de aviones y una previa investigación sobre accidentes aéreos de funcionarios públicos. Se trata pues de hacer uso de la historia para reconstruir la memoria a través de la crítica por medio de la fotografía.

“Algo que para mí es importante en mi obra es cómo la ficción y la realidad parecen fundirse constantemente en nuestras vidas. De pronto me preguntan que por qué en escala natural si en la fotografía se puede un poco engañar al ojo en cuanto a la escala, pero para mí el trabajo que yo hago no es sólo un trabajo fotográfico, sino que es un trabajo en el que la cámara fotográfica o de video es importante como medio, pero que habla de la realidad en sí. Si yo trabajara con maquetas, no estaría trabajando realmente con una réplica de la realidad”.

— Adela Goldbard en entrevista para Museógrafo TV.

 Laura González Flores, doctora en Bellas Artes e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, hace un análisis de la obra del Goldbard, que lleva por título “Del buen préstamo de las artes. On the road de Adela Goldbard”. En él expone una analogía entre la serie On the road de la fotógrafa y la nóvela homónima de Jack Kerouac, pues la mezcla entre literatura y fotografía se da cuando Goldbard hace su serie basándose en los paisajes por los cuales pasaron los personajes de la obra de Kerouac. En las fotografías el territorio tiene una gran importancia y los objetos cobran vida y sentido a partir del uso de iluminación. Los colores fríos del paisaje se mezclan con los colores cálidos de los objetos creando así un equilibrio a nivel visual. La lectura de González Flores es muy atinado, dejando ver que el paisaje en la obra del Goldbard representa un espacio social roto en el que se hacen presentes los conflictos que ocurren en nuestro país en la actualidad: el narcotráfico, la crisis económica, la corrupción en un territorio nacional lleno de Oxxos; los mismos Oxxos que el fotógrafo mexicano Adam Wiseman ubica como parte del imaginario social del y de lo mexicano.

 La fotografía de Goldbard tiene presencia en la escena artística de nuestro país no sólo por tratarse de proyectos fotográficos que artísticamente están bien logrados en cuanto a composición y otros elementos del buen uso de la técnica fotográfica, sino que el discurso sobre el que la autora sustenta su obra es lo que permite que haya coherencia y sentido en los proyectos. Así pues, Golbard es en mi opinión una artista completa, pues su formación como literata y cómo fotógrafa le ha permitido sustentar los temas que fotografía provocando que su ejercicio sobre la ella vaya más allá del quehacer artístico.

Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.
Adela Goldbard, fotografía de la serie On the Road, 2010.

Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

portal-medellin-colima-colima
Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

images (4)
Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

blanco_negro
Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

perfil
Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

Nai Ninshiki: See you in the space… cowboy

Cowboy Bebop

Quizás para nosotros, los nacidos en los ochenta y los hijos de la llamada X Generation, los animes sean nuestra marca más honda y prominente; jóvenes acogidos por la insipiente llegada de trazos de oriente que llenaban el hueco de la época con personajes míticos e inolvidables, estampando un encuentro afortunado de dos culturas.

 Cómo olvidar a los cinco guerreros de broce cruzando las doce casas del Zodiaco, con el séptimo sentido y batallas interminables; los increíbles goles y las canchas infinitas de los campeonatos estudiantiles del Japón; las princesas de la Luna, en busca del verdadero amor; las siete esferas perdidas que cumplirían cualquier deseo que pidas.

 La reciente lluvia y melancolía de estos días me hizo recordar una de estas historias que sobresale tanto por su ficción de escenarios y personajes, como por sus soundtracks exquisitos: Cowboy Bebop, del director Shinichiro Watanabe.

 En la serie emitida en el año 1998 en Japón, el Universo es el escenario de una historia simple, sorprendente, conmovedora y adictiva. Especie de western espacial, con guiños profundos que recuerdan al cine negro estadounidense, se desarrolla dentro de contextos cósmicos, comenzando en Tijuana (asteroide refugio de bandidos), donde Spike Spiegel, un caza recompensas elegante, diestro, independiente, huye de un pasado nebuloso mientras atrapa a unos cuantos truhanes por una muy buena suma de dinero estelar… siempre al ritmo de un buen jazz.

cowboy-bebop_00427906 La tripulación original de la nave Bebop se conforma por su propietario, Jet Black, compañero y amigo de Spike, con quien recorre la galaxia entera, cazando, estafando, apostando; al paso de los episodios, el grupo crece incorporando a la sexy Faye Valentine, una embustera profesional, buscada por sus fechorías; Ed, una hacker sin comparación y Ein, un perro “común” (más inteligente que cualquier humano), mascota de la nave, simplemente entrañable.

 La linealidad de la historia es finamente desviada para describir el pasado de cada uno de los protagonistas: recuerdos que no se olvidan, destinos inaplazables, reencuentros misteriosos, amores imposibles; siempre al contoneo de un acido y trepidante jazz.

cowboy-bebop-ost-1 Especialmente, Cowboy Bebop es una muestra magistral de lo que puede hacerse con un soundtrack. Son ocho los volúmenes, dirigidos por Yöko Kanno e interpretada por la banda The Seatbelts, que derriten el oído de un modo imparable, yendo de un acid jazz y jazz bebop, guiñando con ambient, blues, pop, clásica, para estallar en un poderoso heavy metal que hará de tu oreja un hermoso lío.

 Shinichiro Watanabe también ha dirigido Samurai Champloo, otra serie reconocida por su banda sonora y fina historia. Puedes darle un vistazo a los cortos de Kid´s Story y A detective story de The Animatrix, que es ya todo un clásico en el anime contemporáneo.

 En el 2013, el creador de esta serie afirmó en entrevista para la Red Carpet News TV, durante la MCM London ComicCon de ese año, que el final de la serie es engañoso y abrió puertas para una posible continuación de este fantástico anime.

 En suma, la mezcla de factores es lo que hace de Cowboy Bebop el recuerdo de un futuro posible, cuando bebamos cervezas estelares en las bahías de las Lunas de Plutón, durante alguna pelea estelar bajo la lluvia. Quizás reconozcas de lo que hablo, si no, no pierdas tiempo, busca y disfruta de esta maravilla animada con sus gloriosas melodías, por lo pronto… see you in the space, cowboy.

https://www.youtube.com/watch?v=Aw3fN3OPk3A

Zorra Roja: Diseños, artes y oficios

10302175_524311544363815_194290102270404071_n

Zorra Roja es una marca de indumentaria hecha por manos de diseñadores industriales mexicanos, con el fin de crear y distribuir piezas únicas de elaboración artesanal.

 En manos de dos personas: Daniel Paredes y Soren Robledo, la marca, que aún está en proceso de registro, se esmera en la parte creativa, con diseños que hacen alusión a una zorra, entre otros modelos originales que han surgido en la pantalla del fundador y director creativo, Paredes Lugo. Él mismo narra que el proceso creativo nace en cualquier lugar, porque las ideas llegan cuando menos se lo espera; conecta su cerebro con una pluma y dibuja en el lugar en que se le ocurre un nuevo diseño para estampar en las prendas, que van desde playeras y sudaderas para hombre, así como blusas y vestidos para chicas. Además de algunos accesorios.

10410209_574198696041766_2760569462433108572_n

 El nombre de la marca, Zorra Roja, nació del juego de palabras que cobran fuerza por la repetición de la letra “r”, y su principal objetivo es que sus diseños se plasmen en prendas que puedan ser comercializadas y a partir de ello generar ingresos y no sólo una calificación como en la escuela, refiere el fundador.

 Los productos son de edición limitada, por lo que encontrar a alguien con la misma prenda es casi imposible. Los miembros del proyecto comentan que no se quieren enriquecer vendiendo caro, sino a un precio justo para el diseñador y los clientes.

 Por el momento su vía de distribución es el Internet, mediante su página de Facebook.  Se han presentado en eventos como el Tianguis Balderas, donde reúnen a talentos mexicanos, como ilustradores, productores de macetas, stickers, juguetes para mascotas y más. El próximo fin de semana presentarán la nueva temporada de otoño en el Art District, una plataforma que busca difundir y apoyar el trabajo de creadores de distintas disciplinas mediante diversas actividades como talleres, bazares, conferencias y exposiciones. El objetivo de este evento, es potencializar la trayectoria profesional de los participantes.

 Aquí el VIDEO  de presentación e invitación para dicho evento los próximos días 17, 18 y 19 de octubre: Bazar Otoño 2014.

 Para checar más modelos de este proyecto da click aquí.

Próximamente también estarán disponibles en el Store de Chulavista.

Kuru: esmaltes mexicanos con mucho color

Eterno amanecer, la más reciente colección de Kuru. Crédito: Kuru.mx

Cuando se trata de verse bien y complementar un buen look, las uñas deben brillar por sus colores y no por su falta de cuidado. Si bien muchos dicen que las manos son la carta de presentación de cualquier persona, no siempre es así, pues, a pesar de tener un peso importante en el atuendo completo, lo que importa es la seguridad y confianza con la que se porta una prenda.

 Sin embargo, existen varias opciones para cuidar no sólo el estilo de ropa, sino las manos y por ende las uñas. ¿Por qué hablar de las uñas en una entrada sobre arte y moda? Me es muy importante destacarlas, debido a que el color, los diseños y creatividad pueden traer consigo un concepción mayor sobre arte, artesanía y moda aplicada a esta parte del cuerpo que para algunos podrían pasar desapercibida. Además de que, como bien he recalcado en entradas anteriores, la moda no sólo está presente en pantalones, blusas o abrigos; es parte de, mas no lo es todo.

 Aunque la mayoría de las personas sólo conocen esmaltes comerciales y extranjeros, es necesario resaltar y hacer notar marcas del país que igualan, y aveces superan, la calidad de un esmalte comercial.  Chulavista te trae una buena recomendación para tus uñas: Kuru, los esmaltes artesanales mexicanos hechos con pigmentos naturales y queratina para el cuidado.

 La inspiración de estos barnices son las distintos objetos muy representativos de México. Por ejemplo, hay un color rosa llamado “Tamal de dulce” o un café “piloncillo”. Su línea de colores es extensa, y con cada temporada se agregan más opciones para lucir bien el color en las uñas sin dejar de lado la tradición mexicana divertida y cálida.

Café Piloncillo, de Kuru. / Chulavista Store

 Creo que hay que mencionar sin duda, la línea de flourecentes, que brillan en la obscuridad. Kuru es una de las pocas marcas que tiene ese tipo de esmaltes y lo puedes conseguir en distintas partes, no sólo del D.F. sino en el resto de la república, por ejemplo en Monterrey, Veracruz o Guadalajara.

 Su diseño también resalta, ya que usa pequeños tejidos en las tapas que simulan ser encaje. Esto le da un toque romántico y poco convencional a la marca, sumándole un punto extra en cuestiones de identidad y diferenciación.

 Para conocer más de marca pincha aquí; para obtener esmaltes da click aquí. 

The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
theweatherundergroundsm9-1 (1)

 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

cervan
Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

quere
Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

escenaio
Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

El sueño y su significado : Orígenes y visión moderna


El agua, el aire, el fuego y la tierra forman parte de los poderes ancestrales que le dan sentido al sueño y a la vida misma. Dicha sincronía, se forma en el espacio de conciliación de la presencia terrenal –el cuerpo se desvanece– y se olvida de sus habilidades motrices principales: Deja de existir en el momentáneo enlace de vida.

sueños
Crédito: Foro psicológico.

 Ese rasgo omnipotente, que se enclava desde la cultura mesoamericana con pintorescas imágenes animalescas y llenas de una magia de pertenencia, envolvía al sueño en un conjuro mediático entre exploración y descubrimiento personal. Ritos que conjugaban la realidad con la fantasía, a través de sacrificios y tradiciones que reforzaban las relaciones de pertenencia ante la humanidad misma, daban el simbolismo contractual a una época prehispánica.

 La divinidad politeísta, marcaba el paso para la utopía reencarnada en procesos de expresión y por lo tanto, el sentido de identidad conflagraba un culto hacia una fuerza inverosímil que fungía como cúspide de la vida y también, de la muerte. La religión, era la portavoz para construir una imagen inherente a la calma de los sentidos y transmitía un concepto de imagen ante el mundo distinto al de ahora.

mada
Crédito:Foro psicológico.

 Dentro de la cultura mesoamericana, el sueño también se vinculaba con el hecho de alterar las emociones a partir de estados psicotrópicos, y con la presencia de miles de sensaciones que abatían el abandono de si mismo. Un letargo tan agradable que no parecía tener fin se cargaba de vibras ancestrales y máscaras sagradas.

 Dime que sueñas… y te diré quién eres. Crecemos con el ánimo de cumplir un sinfín de objetivos preestablecidos socialmente (ir a la escuela, trabajar, vestir de tal modo, etcétera) y mientras la rutina se apodera de nosotros, esperamos a que la noche pasiva y serena haga la aparición al final del día, para arrullarnos bajo su solemne resguardo. La tiniebla llega, y el cansancio invade el cuerpo… nos dirigimos a ser los dueños de nuestros propios deseos.

lou
Crédito:Mad.

 La irrealidad de los sueños, parece ser el gran atractivo de estos. Pero dicha irrealidad parece tener un gran impacto y la somnolencia podría prolongarse, aunque al despertar… tal vez, ya no haya rastro de un recuerdo (ni por muy vago que sea). La extrañeza de algunos lapsos del sueño, se diferencian por las características de las imágenes y también de los diálogos; la orientación dirige cada fase respectivamente.

 A veces sentimos un sueño tan placentero o que causa un temor inconcebible, que nos enclavamos en dicho letargo pensándolo como un momento irrevocable. A medida que el sueño se va prolongando, parece que la incongruencia aumenta  y la inconsistencia de situaciones no parece tener una secuencia lógica, trayendo consigo diversas situaciones que nosotros nos hemos preguntado. Por ejemplo, en un sueño pudo haber estado una persona que no conocemos, sin embargo sentimos que de alguna parte conocemos a ese individuo, y por muy extraño que parezca, en casos extremos –se ha presentado– terminan conociendo a esa persona, a lo mejor no idénticamente, pero que cuenta con rasgos característicos.

 John A. Hobson, afirma que el sueño presenta las emociones más vívidas del ser humano, por lo cual se experimenta una sensación muy fuerte y por lo tanto, situaciones que parecen incongruentes en tiempo y espacio, se conjuntan para activarla imaginación sensomotora. Así que, generalmente, mientras dormimos y soñamos, también enfrentamos retos y obstáculos, y los lapsos más fuertes de letargo, son los que solemos recordar con un poco más de precisión.

stop
Crédito:Fiction Chick.

 Sigmund Freud, en su obra La interpretación de los sueños trata de explicar que toda somnolencia, por más mundano que parezca , tiene que presentar un sentido –aunque no sea lógico– en nuestra dinámica de vida en la que estamos expuestos. Y es por eso, que el hecho de dormir, funja como una medida de escape para reconciliarnos con nuestros miedos más profundos en la vida.

 Además, en los sueños también se plasma un anhelo desmedido hacia diversos deseos que podamos tener. No es de extrañar, que muchos de ellos nos sorprendan y que al levantarnos, pensemos que no queríamos despertar, para poder seguir cumpliendo aunque fuera en la irrealidad nuestros anhelos más preciados.

“Nada puede escaparse a ese estado tan profundo del dormir, ya que por ahí se desfilan las fantasías y deseos inconscientes más reprimidos de los seres humanos”

– Sigmund Freud.

 Cualquiera que sea el síntoma en vida, en los sueños puede revelarse la otra cara de la moneda. Esto proporciona satisfacción al individuo, ya que al no estar acostumbrado a pensar de una forma que lo deje anonadado, el hecho de yacer bajo el sueño puede ser su mejor amigo, y retratará el consuelo para su alma.

 Nosotros mismos, vinculamos la represión con la manera de actuar… los ambiciones más recónditas del individuo, aparecen en el sueño, en la narcosis de la noche y mientras, en cada mente se plasman esperanzas y temores, cada uno sabemos los que somos y lo que pretendemos hacer a cada día, a cada instante. El fantasma de la existencia es el mismo sueño, y la apetencia de correr, salir, gritar parece cumplirse al llegar el ocaso.

Especial Ghibli: Puedo Escuchar el Mar

Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.

 Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.

ocean-waves

 Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.

 Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.

umigakikoeru

 También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.

Con el antojo de las emociones: La literatura depresiva


dominio
Crédito: Sin dominio.

Un trampolín emocional es el que nos sujeta constantemente. Muchas preguntas pasan por nuestra mente: ¿por qué estoy aquí? ¿cuál es mi papel ante la vida?, y las respuestas podrían parecer vagas, pero realmente demuestran el compromiso consigo mismo. Estoy aquí para cumplir mis propios objetivos, estoy aquí porque quiero ser, estoy aquí porque vivo de mis emociones. Y mi papel ante la vida, es ser un ente separado y a la vez, parte de un conjunto de aspectos simbióticos.

 La literatura –que invade el sentimiento depresivo-, está cargada de distintos matices que le permiten al lector adoptar una serie de formas de visualizar ciertos escenarios posibles, en donde suele ser el protagonista de la obra, su propio ser, su infestado lobo estepario. Navega por la depresión, y luego el vuelco parece ser nauseabundo, cuando la magia de la vida parece conmocionar a la mente: Sorpresa de pocos, pesadez de muchos. ¡Malditos eufemismos!, parecen acecharnos constantemente a los depresivos.

 Hermann Hesse, Jean Paul Sartre, Fiódor Dostoyevski, Friedrich Nietzsche son autores que reflejan el síntoma neurótico y maniaco de una sociedad perdida en sus propias difamaciones, en su caída abrupta hacia el delirio mental, así como en su sentido de persecución más falaz. Líderes del temor y el horror, como Harry Haller, Pablo Ibbieta, Raskólnikov –por mencionar algunos– , participan como la huella de lo recóndito y lo transversal del ser humano, componen la yuxtaposición emocional entre el bien y el mal –subjetivamente hablando–  y tratan la ironía con el sarcasmo, de una forma mediática inigualable.

SONY DSC
Crédito:Behance.

“Nosotros nos representamos siempre la eternidad como una idea que no podemos comprender, ¡Inmensa, inmensa! Pero, ¿Por qué ha de ser así necesariamente? Pues en lugar de eso, imagínese una habitación pequeña, como quien dice un cuarto de baño, ennegrecido por el humo, con telarañas por todos los rincones, y he ahí toda la eternidad. Mire usted, yo me la imagino así algunas veces.”

– Fiodor Dostoyevski, Crimen y Castigo

 Todos los rincones del alma, se marcan de apetencias y extravagancias, mientras que el pensamiento se desquebraja por el equívoco social e imperante tan demandante, que causa una jaqueca neurótica por un lapso de tiempo mayor a lo que tu cuerpo pudiera pensarlo como prudente.

nudos narrativos
Crédito:Nudos narrativos.

 “Entrada sólo para locos”. Y mientras el funesto pensamiento tarda en volverse demagogia, nuestro hábito al ocio deprimente, abunda entre las letras y reflexiones de protagonistas tan decadentes como el consuelo de los días cotidianos… de lunes a viernes, de sábado a domingo y comienza el juego de nuevo. Abruptos cambios nos acongojen, y volvemos a repetir “Entrada sólo para locos”.

 En un mundo tan desquiciado, los más congruentes podrían ser los verdaderos enfermos mentales.

 El horror por la vida y la muerte, se vuelve la sintonía idónea para el lector y conmociona lo más permisible de la emoción humana: El dolor. Espacios desoladores y turbios, parecen ser el complemento perfecto para una historia llena de sensibilidad. El brío de la inquietud mental, le abre paso a lo abrupto… a lo pasional, a lo que nos causa más extrañeza y a la vez, más placer.

 En el muro de Sartre, se entrevé la pasión humana a partir de diversas magnitudes, que van desde lo más casual a lo más grotesco –por decirlo de alguna forma–. Lo fortuito, es la cúspide del deseo y el vaivén de los pesares, suele ser el éxtasis. Muy mundano el amor, muy enferma la congruencia… todo lo paradójico, parece ser el consuelo adyacente a la vida.

tumblr_mum7l48IN21s83cnmo1_500
Crédito:Tumblr.

“Un cambio profundo sucedió en su entorno. La luz envejecía, encanecía, se ponía pesada como el agua de un florero que no se ha cambiado desde el día anterior […]. Veía a su alrededor, dudando casi tímida: Todo estaba tan lejano: En el aposento no existía ni día ni noche, ni estaciones, ni melancolía.Recordó ligeramente otros otoños, otoños de su infancia, después repentinamente se resistió: Tenía miedo a los recuerdos.”

– Jean Paul Sartre, El muro

tumblr_mki0d1ep3D1s2mdcoo1_400
Crédito:Tumblr.

 ¡Qué opulencia del sentir humano! ¡Qué necedad por temer al olvido! Nada debe de ser sometido a juicio emocional, sino todo sería incongruente y fatídico. Más fatalidad no puede haber en la vida, si afirmamos que la congruencia es el centro de la humanidad. Incongruencia para la apariencia… ¡Qué más da! El permiso para saber qué es metafóricamente bueno, se lo debemos a los loqueros –psiquiatras y psicólogos–, mientras esperamos la próxima consulta acompañada de la literatura depresiva, del sentido común a la inapetencia pura.

 El viaje es más largo de lo que parece y la torpeza deambula entre cada palabra y párrafo (mientras haya más crudeza, mejor), y la bomba de inquietantes pensamientos abruma y exaspera, causando un tipo de cliché mental. Más anormalidad, menos bifurcaciones –pensaban los que no esperaban– mientras que los que denigran la causa, suelen estar cargados de la crueldad misma.

 Plagado de un realismo, de un sentimiento de permanencia, la narrativa que toca la depresión del individuo carga consigo una ola de presentimientos que parecen ser, como una revelación masoquista hacia el mundo y sus más extraños deseos. Cualquiera que sea la forma, la literatura mueve el sentido del reloj, para detenerse en la reflexión y la capacidad de comprender la temática emocional. No todo es sabiduría ni incoherencia, sólo es vivencia.