Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

http://www.youtube.com/watch?v=5HyaEQ9DJwI

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

Viernes de Remixes: Be my valentine

San Valentín: Un día mas o el mejor del año? Sin importar cuál sea tu respuesta la música nunca está de más, por esto decidimos dedicarle este Lunes de remixes a dos piezas elementales en cualquier playlist que (para bien o para mal) incluya la palabra amor. La primera es “Thinking about you” de Frank Ocean que es una canción que es perfecta, con una atmósfera cálida y al mismo tiempo melancólica. Ésta es llevada al siguiente nivel en el remix de Ryan Hemsworth dando un hermoso resultado que mantiene la genial estructura de la melodía original. El segundo remix es un clásico de Bon Iver: “Skiny Love”. Una gran pieza que toma otro aire en manos de Das Kapital; beats que, al compás de la canción, envuelven en delicados instantes de una melancolía que es para saborear y disfrutarse. Escuchen, disfruten y celebren su propio 14 de Febrero cualquier día del año.

 

http://www.youtube.com/watch?v=WK28II_D5u0

 

http://www.youtube.com/watch?v=kS2w5B0MvvY

STRFKR: Una hipnosis natural

 MP3

 

Hay sensaciones indescriptibles, así como hay música que acompaña esos fragmentos en el tiempo que difícilmente se pueden repetir. Strfckr los crea y logra invocarlos una y otra vez de una manera hipnótica y natural. Esta banda es un cocktail de sonidos electrónicos experimentales mezclados con un poco de rock y una pizca de psicodelia que siempre transmiten un sentimiento diferente, un “algo” que crea una perspectiva distinta de su música en cada track, algo que (en lo personal) es un poco complicado de describir pero que puedo resumir a través de “Isabella Of Castille”  una de las mejores canciones de su primer disco homónimo lanzado en 2008 que a pesar de su gran talento se guardó sólo para unas cuantas personas que lograron dar con su trabajo, conocerlo y seguirlo. Así, después de su visita en la Ciudad de México en 2011 con su segundo LP  “Reptilians” a dos años su nuevo álbum en puerta “Miracle Mile”  saldrá a la venta el 19 de febrero. Ahora ya se pueden escuchar dos canciones con un sonido renovado que vibra y se desborda: “Say to you” y “While I’m alive”. Estamos seguros  de que este será el mejor trabajo hasta ahora de Strfckr que transmitirá en todo su esplendor la energía única que poseen. Sin más sólo queda esperar y que su música hable por sí misma, ¡Disfruten!

 

 

 

 

 

 

 

 

The Legend of Zelda Simphony of Godesses

La creación de Shigeru Miyamoto y Takashi Tezuka ha reunido desde 1986 una gran cantidad de seguidores que han hecho de éste un videojugo de culto. “The Legend Of Zelda: Skyward Sword” es el más reciente título de esta saga la cual ha vendido hasta la fecha más de 69 millones de copias alrededor del mundo y de la que se han derivado todo tipo de curiosidades como: una serie animada, la recientemente anunciada reedición de “The Wind Waker” para WiiU, mangas, un libro oficial llamado “Hyrule” que explica la historia cronológica del juego, novelas y la más impresionante de todas es una sinfónica que reúne 25 años de aventura en una gran obra musical única que es toda una experiencia.

 

Conductor ...

 

Zelda fans, music ...

 

The fight for ...

Diseñada para ser un viaje épico y emocionante como lo es  la leyenda por sí misma, “La Sinfonía de las Diosas” presenta la música de esta célebre franquicia con nuevos arreglos directamente aprobados por el productor Eiji Aonuma y el compositor y director de sonido Koji Kondo

Una sinfonía organizada a cuatro tiempos concebida a través de la sensibilidad mental hacia la música clásica, siendo el primer concierto en la historia inspirado completamente en un videojuego lo convierte en un imperdible para todos los que quieran vivir de una forma extraordinaria las aventuras de Link.

Después de una gira por los Estados Unidos, Canada y Australia sus fans están reuniendo firmas para traerlos a México y Latinoamérica. Si también quieren verlos en vivo, apoyen esta petición dándo click aquí.

 

It's not unusual to ...

 

 

La Maravilla de la Perla de Occidente

Guadalajara, conocida como la Perla de Occidente de México, es reconocida a nivel mundial por ser la capital del Tequila y del Mariachi. Esta ciudad, capital del estado de Jalisco, cuenta con un inmenso acervo histórico y cultural, además de un extenso número de monumentales construcciones reconocidas por su espectacular arquitectura, influenciada principalmente de las corrientes Neoclásica y Barroca.

En la ciudad de Guadalajara se puede encontrar una gran diversidad de artistas independientes con gran talento, a los que lamentablemente, no se les ha brindado el reconocimiento merecido. Por ello, el próximo 16 de febrero Chulavista Art House pondrá su granito de arena y llevará a cabo un evento que dará la oportunidad de apreciar y disfrutar un poco de las propuestas del arte independiente en Guadalajara. Es aquí donde Ana Vázquez y Angélica Topete ofrecen una exhibición que involucrara dos series fotográficas, dando un recorrido por esta ciudad con una herencia cultural evidente por todas partes y una diversidad increíble y majestuosa dónde lo moderno se combina con lo histórico en cada rincón.

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El evento se llevara a cabo en el foro Live Salas de Ensayo (Morelos #2088), en donde los asistentes podrán convivir con la fotografía y la música, comandada por Los Savants, donde construirán una atmosfera llena de energía para que podamos apreciar todos los detalles de esta hermosa ciudad.

Va a estar rico, ¡no se lo pierdan!

The Polar Dream un viaje sin escalas

Una banda originaria de Guadalajara que nace a principios de 2006 con la necesidad de crear música Post Rock. Después de varias reuniones en casa de uno de los integrantes, mientras creaban música instrumental sin ponerle un idioma para evitar el sectorizar a la gente que los escucha, nace The Polar Dream. Con una gran influencia de bandas como Sigur Ros, Mogwai, Mum, Explosions in the Sky y hasta Beethoven, The Polar Dream nos llena el oido con cada pieza melódica que dan a conocer.

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The Polar Dream transmite sensaciones, que van desde la melancolía hasta la felicidad, plasmando la energía y sentimiento en cada canción y siempre creando una atmósfera única para transmitir un viaje introspectivo.

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Hasta la fecha The Polar Dream ha tenido la posibilidad de compartir escenarios con artistas tanto mexicanos como internacionales como UnderWorld, Molotov, Plastilina Mosh, Radaid, Hello Seahorse y Austin Tv.

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Su material se encuentra disponible en SoundCloud, Band Camp y por supuesto Itunes en donde se puede realizar una descarga gratuita.

Echen ojo a una Live Session en la que interpretan “Owls”

Christopher Owens post Lysandre

Como ya muchos han de saber Christopher Owens, ex-vocalista de Girls recientemente lanzó su primer material solista titulado: Lysandre. Un LP sigiloso y sutil, a veces romántico, otras introspectivo pero siempre delicado y totalmente honesto. Owens quiso demostrar su talento por sí mismo, aventurarse en la creación de una obra que pudiera hacer brillar en su totalidad esa esencia que le impregnaba a su anterior banda pero que no podía manipular al cien por ciento. Una caminata matutina o un viaje en carretera pueden ser algunas sugerencias para disfrutar mejor y captar el mensaje que hay detrás de Lysandre.

A través de la BBC 6Music podemos escuchar en vivo el track “Part of Me (Lysandre’s Epilogue)”  donde se constata una vez más su calidad como compositor y músico,  si aún no han escuchado el álbum completo pueden checar el stream en el SoundCloud de su label Turnstile.

https://soundcloud.com/turnstilemusic/christopher-owens-part-of-me-1

 

Leonardo Del Toro presenta “Hollywood”

Último lunes del mes y como es costumbre les traemos 31 minutos de “Hollywood” el nuevo mixtape de Leonardo del Toro quien es un DJ y productor de la  Ciudad de México. Forma parte de la familia de Coc4ine, colectivo de música electrónica que también alberga a los DJ’s Axel Romero, Playcats, Jessica Audiffred, entre otros; y Pioneer México.

Leonardo del Toro

En su trayectoria Leonardo ha tenido la oportunidad de compartir escenario con artistas nacionales e internacionles como  Belzebass, Thieves Like U.S., Gramophonedzie, Cyberpunkers, Plastic Plates, The Phantom Revenge y más. Su mas reciente EP titulado “Highway of Souls” ha recibido buenas criticas con su sonido techno y house. Además de que se han elaborado varios remixes. Les recomendamos mucho su trabajo, si desean seguirlo fácilmente se lo pueden topar en eventos y lugares ya conocidos por los noctámbulos tanto del DF como de la República Mexicana.

Los dejamos su nuevo mixtape y ¡a bailar que el primer mes se ha acabado!

Imagen tomada del perfil del artista

Bandtastic: el poder en manos de los fans

Si todavía sigues creyendo que verás en vivo a  tu artista favorito hasta que lo traiga el Corona Capital o peor aún… que nunca vendrá, estás en un grave y muy triste error, pues el poder de las redes sociales, el pleno dominio público que hemos hecho del internet y la inciativa de jóvenes en la misma situación fueron los factores para la creación de la plataforma web Bandtastic. Una idea que en su concepción parecía imposible, pero que ahora es toda una realidad.

Se trata de un fondeo colectivo donde  los mismos fans aportan para lograr traer a sus bandas favoritas en concierto; por medio de un pre-pago del boleto se va juntando la cantidad necesaria proyectada previamente por medio de un número estipulado de tickets para cubrir los gastos necesarios y hacer posible el evento.

Explicado más a detalle el procedimiento comienza cuando los fans sugieren un estado y una banda, continua cuando Bandtastic lo valora y responde si es posible traerlos o no, en dado caso de que la respuesta sea afirmativa se procede a escoger el aforo y hacer un cálculo de cuántos boletos se deben vender para cubrir gastos de producción, transportación, renta de equipo, renta de foro y hasta la comida. Además, cuentan con patrocinadores para que el número de boletos no sea muy alto y así sea muy probable que se alcance la meta y el show sea posible, si resulta que es el caso contrario la página devuelve el dinero íntegro a cada uno de los fans. El pago se lleva a cabo principalmente de manera electrónica, por lo que es muy sencillo participar e involucrarse en este movimiento que busca dar un apoyo más directo a los artistas y deshacer el monopolio que existe en la industria musical.

Más allá de sólo apoyar a la música, también hay recompensas a los que participen comprando sus boletos como pases a soundchecks, discos autografiados y más. Sólo se necesita formar parte de la comunidad e involucrarse en este movimiento que da el poder sobre lo que tanto amamos: la música.

 

Únete: www.bandtastic.me

 

27 razones para amar el Festival Nrmal

1.- Fue creado y es llevado a cabo en Monterrey.

2.-  Su filosofía es borrar las divisiones entre la gente y las bandas.

3.- Los músicos también son espectadores del festival, es decir, puedes disfrutar el concierto junto a tu artista favorito (literal).

4.-  La imagen del festival se caracteriza por cambiar cada año y así ofrecer tematicas visuales diferentes.

5.-En la edición de 2013 tienen más de 70 bandas confirmadas.

6.-  Desde su concepción se pensó como un espacio que reuniera la música y el arte emergente independiente.

7.-  Es un festival con espíritu DIY al 100% (ellos mismos se hacen cargo de la logística, la producción, etc).

8.-  Cada escenario tiene una temática y atmósfera diferentes. Siempre son muy contrastantes.

9.-  La selección de bandas se basa en la frescura y novedad de su propuesta sin importar procedencia ni género.

10.-  Grupos como YACHT, Banda de Turistas y Friends fueron traídos por primera vez a México gracias a Nrmal.

11.- En el festival de 2012 la galería de arte estaba dentro del contenedor de un camión.

12.- La preventa de boletos para este año costaba $150

13.- El Mercadito es un espacio donde puedes encontrar desde un corte de pelo hasta productos de las bandas participantes.

14.- Cada año lanzan una convocatoría en línea para buscar voluntarios que ayuden a la organización del festival.

15.- Puedes llevar a tu mascota.

16.- La selección de bandas dura un año.

17.- El año pasado, Elefgant; un estudio audiovisual mexicano, grabó sesiones acústicas con algunas de las bandas participantes del festival.

18.- Pitchfork siempre se refiere a ellos como “Nrml”.

19.- El creador del extinto festival MTYMX fué en 2012 el curador invitado de bandas de E.U. en Nrmal.

20.- En 2013 celebran su cuarta edición.

21.- Antes y después del festival siempre hay mixtapes disponibles para descargar con propuestas musicales nuevas.

22.-  Los actos más esperados de este año son: Ariel’s Pink Haunted Grafitti, Maniquí Lazer, Fear of Men, Yo! Linares y Rites Wild.

23.- En el festival de 2010 tuvieron como invitado a 3ballMTY.

24.-Los primeros dos años fué realizado en la Alianza Francesa de Monterrey.

25.- Tienen el foodcourt más barato y rico que puede haber en cualquier otro festival nacional de renombre.

26.- Este año se tienen proyectadas una serie de actividades y conciertos sucediendo en diferentes partes de la ciudad en el periodo de cuatro dias en los que se llevara a cabo Nrmal.

27.-  Los escenarios pueden ser a nivel del suelo… o puede no haber escenario como tal.

28.- Se puede esperar cualquier sorpresa que los organizadores planean para hacer más ameno el evento: una pista de skate, tee-pees, carteles pintados a mano, carritos chocones gratis, afterpartys sin fin, proyecciones enmedio del festival y la lista sigue y sigue…

 

FN-NNET

 

 

Iluminaciones: composición para dos pianos

El próximo viernes 18 de enero se presentará “Iluminaciones” composición para dos pianos. Obra de Christian Balderas un jóven egresado de la Escuela Superior de Música que ha participado en el Jazz Fest Xalapa y eventos como Seminario de Jazz Tónica Guadalajara.

La interpretación la realizará el dúo integrado por Edyta Plodzien y Yolanda Martínez.

Si quieren escuchar un breve fragmento de lo que se presentará les dejamos su teaser

Por acá el cartel de la presentación que se llevará a cabo en la Escuela Superior de Música a las 18 horas.

Ilustraciones

Sinfónica de Minería celebra 35 años

La Orquesta Sinfónica de Minería dará dos conciertos monumentales en el Auditorio Nacional en el marco de los festejos de de su 35 aniversario. Los conciertos serán el 18 y 20 de enero de 2013, en compañía de seis coros que suman más de 200 voces.

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En esta celebración la pieza principal será la cantata Carmina Burana, del compositor alemán Carl Orff. El programa se completa con la Obertura de la ópera Guillermo Tell, de Gioachino Rossini; Bolero, de Maurice Ravel; y Obertura 1812, de Piotr I. Tchaikovsky.

Al frente de la Orquesta Sinfónica de Minería estará el director huésped Carlos Spierer. El conjunto de voces para Carmina Burana surgirá de las siguientes agrupaciones: Grupo Coral Cáritas, Coro Convivium Musicum, Coro de la Facultad de Ciencias, Coro de la Facultad de Filosofía y Letras, Coral Ars Iovalis de la Facultad de Ingeniería, así como el Coro ProMúsica.

Los solistas serán: Marcela Chacón (soprano), Víctor Hernández (tenor) y Josué Cerón (barítono).

 

Toro y Moi ilustra el sonido

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Uno de los artistas con más facetas es Chaz Bundick mejor conocido como Toro y Moi, un músico que en muy poco tiempo ha sabido sobresalir por su música y ahora también con sus ilustraciones.

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Con el lanzamiento de su tercera producción “Anything in return”, Chaz paralelamente también presentó dos exhibiciones de su trabajo gráfico en unas galerías de arte en Nueva York y San Francisco para las que seleccionó 15 dibujos acompañados con unos audífonos que reproducen una pieza auditiva creada especialmente para complementar esa ilustración con el fin de hacer de ésta una experiencia audiovisual muy interesante.

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Estos dibujos en específico no tienen relación directa con el arte de su nuevo disco, pues ésta en sí, es una actividad independiente que a veces se vincula a su carrera musical por medio de las portadas de sus discos que el mismo ha elaborado. Sin duda un chico eclético que no deja de sorprender en cada una de sus facetas.

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Everything Everything regresan con Arc

Everything Everything es una de las bandas más interesantes que conocimos en el 2010, pues le dió un significado muy personal al math-indie lo que le proporcionó muy buenas críticas de su primer disco: Man Alive. Este material, con letras totalmente confusas y un espíritu energético, dió como resultado una nominación al Mercury Prize. Así, Everything Everything decidió seguir su propio camino, concentrándose en su sonido y haciéndolo cada vez más único.

Hace seis meses con el lanzamiento de su primer sencillo “Kemosabe” fué anunciado su nuevo LP: Arc. Un disco más sombrío, melancólico, dinámico y directo; con mensajes que pueden significar cualquier cosa menos lo que es en realidad.

Cada track se complementa por sí mismo, tiene personalidad propia que enaltece y le da fuerza a la notable evolución de Everything Everything, que en un collage de sonidos y sentimientos supera las expectativas de una manera madura e individual que demuestra que pueden mantener su actitud surrealista sin dejar de ser tomados en serio.

 

Live Looping, Creatividad Sin Pausas

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Live looping -o looping en vivo- es un término utilizado para describir la técnica de “amontonar” electrónicamente capas de sonido en tiempo real, una sobre la otra, de manera que en conjunto funcionen como piezas musicales.

Generalmente, los sonidos son igualmente producidos al momento, aunque también se utilizan samples previamente grabados. Mediante sencillos dispositivos, los músicos pueden crear un patrón vocal o instrumental, grabarlo, y reproducirlo indefinidamente sin necesidad de volver a cantarlo o tocarlo. Sobre este patrón, se añaden nuevas capas con más patrones y de esta manera se construyen las canciones.

Este recurso es indispensable para los músicos que hacen beatboxing –percusiones y ritmos vocales-  como Beardyman, quien muestra las posibilidades de la técnica en este video de su presentación en Glastonbury en 2010.

Tim Exile es otro beatboxer que muestra en esta ejecución de “YouTube Killed The Now Wave Star” la libertad para la improvisación musical que provee el live looping cuando ha sido perfeccionado.

Pero el live looping no es exclusivo de los beatboxers, y tampoco es útil solamente para la improvisación en vivo. La cantante británica Imogen Heap lo utiliza para la creación de piezas de estudio y para la reinvención en vivo de sus canciones, como en esta versión de “Just For Now”.

Otro conocido looper es Andrew Bird, quien se caracteriza por utilizar diversos instrumentos musicales en una sola canción, saltando de uno a otro y dejando patrones sonoros en loop mientras añade nuevos sonidos encima. Su concepto de “orquesta de un solo hombre” lleva el live looping a nuevos niveles de creación sonora. Este video durante una charla de TED es testimonio.

Aunque estos músicos utilizan procesos ligeramente más complejos para loopear sus sonidos, a final de cuentas el looping en vivo es esencialmente una herramienta para la rápida e inmediata creación sonora y está íntimamente relacionado con la improvisación musical. La gran idea detrás de esta herramienta es la posibilidad de que el flujo creativo y la inspiración no tengan interrupciones durante el proceso de composición de las canciones. Justo la sensación que transmite Reggie Watts en este ejercicio de live looping.

Aeroplane: para echar el bailongo

Dentro de nuestros gustos favoritos en estos lunes de remixes, destaca sin duda alguna Vito Aeroplane, quien  el  verano  pasado nos hizo bailar acaloradamente (cosa que sin duda falta en este crudo invierno) con sus tradicionales mixtapes que publica cada seis meses, en esta segunda semana de enero quisimos recordar aquél titulado “Not- So”.

Aeroplane (1)

Aeroplane destaca remixes de talento mexicano como “La Royale”, “Andre VII” y “Bufi”. Además, nos da algo de su nueva producción, que salió el 5 de novimebre de 2102, con un remix que realizaron los ya conocidos Tiger & Woods a la canción “In Her Eyes”.

Sin duda alguna es de lo mejor del año pasado y anhelamos lo nuevo. Esperamos esté presentándolo en los próximos meses,.

Les dejamos el tracklisting por si alguna de las canciones es de su agrado.

1. Mayer Hawthorne – No Strings ( RAC Remix )
2. Mock & Toof – My Head
3. Monitor 66 – Triscuits
4. Lloydski – Go To Sleep ( La Royale’s Do Not Sleep Version )
5. Electic Sound – Pareos ( Future Feelings Remix )
6. Dan Croll – From Nowhere ( Ben Gomori’s “Staring You In The Eye ” Remix )
7. Aeroplane feat. Jamie Principle – In Her Eyes ( Tiger & Woods Remix )
8. Ultracity – Delta
9. MANIK & Jeremy Glenn – Parasol
10. Andre VII – Discoteca Clandestina ( Bufi Remix )
11. Alterworks – You Are Given
12. Michoacan – Disco Sucks So Good ( Dubka Remix )
13. Infinity Ink – Infinity ( Claude Vonstroke Remix )
14. Bat For Lashes – All Your Gold ( Hercules & Love Affair Remix )

Lo pueden escuchar dando clic aquí.

Art Deco Weekend

Para los amantes del Art Deco, del próximo 18 al 20 de enero del presente año se llevará a cabo el Art Deco Weekend en su edición 36º en la ciudad de Miami. El Art Deco Weekend será un fin de semana lleno de eventos, entre ellos conciertos, fashion show, desfiles, exposición de muebles, antigüedades y piezas de diseño así como un festival de cine; todo en torno al Art Deco


Los principales músicos serán Doug Wimbish, uno de los mejores bajistas del mundo, Christian Howes y el grupo Suénalo.

En cuanto a los fashion show los estudiantes de la Miami International University en conjunto con la marca de ropa Bettie Page serán los responsables de deleitar a los asistentes.

La sede será el recinto de Miami Design Preservation League, ubicado en 1001 Ocean Drive, Miami Beach, Fl 33139

Para el Festival de Cine Art Deco se llevarán a cabo las proyecciones de “Some Like It Hot” (“Una Eva y dos Adanes”), “The Artist” (“El Artista”), “The Great Gatsby” (“El gran Gatsby” versión 1949) y “Midnight in Paris” (“Medianoche en París”). La sede para dichas proyecciones será el Lummus Park en el que se podrá disfrutar del cine al aire libre y hasta acompañarlo con un picnic.

Para más información sobre los artistas y horarios pueden consultar el sitio aquí.

Local Natives están de vuelta

Después de deleitarnos con Gorilla Manor, presentarse en el Quesadilla Spring Tour y en otros grandes festivales alrededor del mundo, la banda anunció en Lollapalooza 2011 que construirían un estudio para trabajar de lleno en su nueva producción. Una larga ausencia hizo crecer las expectativas sobre el nuevo disco de Local Natives, el cual finalmente será lanzado el 28 de Enero en Europa y el 29 en Norteamérica y hace un mes publicaron su primer sencillo llamado “Breakers”, donde su ya característico estilo musical se escucha con favorables cambios y sonidos más trabajados. Un grato preview que sólo hacía mas inquietante la espera…

Justo tres semanas antes de que su nuevo disco salga a la luz nos regalan otra canción mas que se desprende de Hummingbird la cual lleva por título  “Heavy Feet” y fué presentada en su último concierto para la estación de radio californiana KCRW. La música habla por si misma. Disfruten.

VIDEO

Soundcloud

http://thelocalnatives.com

 

Año Cero – Exposición de Arte Emergente

 

Chulavista Art House presentó el pasado 15 de diciembre su primer vitrina itinerante, bajo el nombre Año Cero -el inicio de un proyecto que busca dar cauce a voces creativas independientes y emergentes con propuestas artísticas frescas y al alcance de todo público.

En la exposición presentaron su trabajo Antonio de Jesús, Verde Agua, Knuxx Vomica, + KeNada Diseño y Abraham Bojórquez. Además tocaron en vivo You Know My Name y Solitario, el proyecto solista de Marcos Zavala.

El evento representó una oportunidad para acercar a jóvenes artistas y diseñadores con su público potencial, quienes pudieron convivir con los creadores y observar su trabajo de cerca y en algunos casos en vivo, como se observa en el video:

Noisy Faces en Año Cero

En este lunes de remixes les dejamos la recomendación de Noisy Faces. Es un proyecto de la Ciudad de México que desde hace mas de 2 años se caracteriza por tocar en fiestas en diferentes lugares de la Ciudad de México  con su colectivo Vinyl Friendly y hacer bailar a cuanto se le ponga enfrente.

Su estilo se caracteriza por manejar géneros como el house, techno, jackin, fidget y dance entre sus favoritos, les dejamos el último mixtape donde nos muestra 45 minutos de esa diversidad de géneros que, Noisy Faces hace ver como sencillo, pero que sin duda es bastante difícil el llevar el cambio de un genero a otro.

Noisy Faces es parte del cartel de “Año Cero”, evento de nuestra producción al que les abrimos la invitación este sábado 15 de diciembre para echar el dancing junto con Noisy Faces.

Pueden ir calentando por acá

Polet: Música es crecimiento y evolución

Hoy más que nunca, existe una infinidad de propuestas musicales en nuestro país. Tan sólo la Ciudad de México ofrece una gama interminable de bandas, de cualquier cantidad de géneros y con un número ilimitado de discursos musicales. Pero dentro de este universo tan vasto ocasionalmente surgen proyectos cuya originalidad va mucho más allá de lo establecido, definiendo así, un nuevo rumbo dentro de la escena local y con algo de suerte, marcando la pauta para bandas consecuentes.

Allá por el año 2008 se creo, en la capital de nuestro país, una banda llamada Polet. Con influencias post rock de bandas principalmente del noreste europeo, este proyecto se ha mantenido en un constante proceso evolutivo, logrando definirse por sus propios méritos como resultado del trabajo constante y la incesante búsqueda dentro de las emociones más profundas del ser humano.

La música de Polet es sumamente emocional, fina y perfectamente lograda. Con el paso del tiempo la banda ha adquirido una madurez envidiable en todos los niveles: composición, ejecución, calidad, estilo, armonía y melodía. Sus estructuras son precisas, nos les falta ni un solo compás, no les sobra ni una sola nota. Sus composiciones envuelven por completo, se pueden comparar con un sueño muy lúcido, con atmósferas apacibles que a la vez están cargadas de energía. Las letras son un viaje introspectivo hacia rincones inexplorados de la naturaleza humana.

Es cuestión de tiempo para que Polet surja como lo que es, como una promesa original y consistente que tiene la capacidad de escribir su propio capítulo en la historia. Escuchen con atención, existe algo auténtico en cada una de las capas de sonido que emanan de esta banda.

 

En SoundCloud se puede escuchar el primer material de la banda y a continuación, pueden ver un video recién salido del horno -tiene solo unos días de haberse estrenado-, que formará parte de una nueva producción a estrenarse de forma oficial el próximo año.

 

Aquí el SoundCloud, YouTube, Facebook y Twitter de la banda. Y recuerden, lo mejor de Polet aún está por verse…

Ciclo De Cine Express: Rockumental

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

El cine de no ficción, también llamado documental, fue en los albores del cine el único género, y así como el género de ficción o narrativo ha ido engendrando con los años subgéneros, ramos y estilos, también el documental ha diversificado en corrientes y temas. Uno de los temas más recurrentes es la música.

Y aún dentro del tema musical, las películas alrededor del rock and roll y géneros afines han acaparado atención y premios, y el “rockumental”, como improvisadamente se le llama al subgénero, ha echado raíces en los itinerarios de producción cinematográfica alrededor del mundo.

Durante los años sesenta, los documentales de rock comenzaron a surgir uno tras otro retratando a leyendas como los Rolling Stones, The Who y Bob Dylan. Esta aceleración podría deberse a que el género de no ficción tiene sus raíces en el periodismo, y el rock and roll era una de las historias más emocionantes e interesantes que estaban sucediendo en aquel entonces. En todo caso, la música y los personajes crearon combinaciones inolvidables que desde entonces han sido emuladas y reinventadas por realizadores en las décadas siguientes. El subgénero, así, ha sido explorado desde ángulos diversos -desde materiales promocionales y poco profundos hasta intrigantes registros de dolorosas crisis como la que se observa viviendo a la banda Metallica en la cinta Some Kind Of Monster.

El rockumental es un testimonio de una fusión entre dos artes que funciona. La música ha inspirado tomas y cintas completas que son piezas memorables y registros certeros de la época a la que pertenecen. Y así como la misma música ha sufrido transformaciones importantes, los formatos audiovisuales que la han acompañado también han cambiado, especialmente durante los últimos años.

Los rockumentales, lejos de morir, viven otro momento de aceleración con la simbiosis del internet y las accesibles herramientas de creación audiovisual. A través de internet circulan intentos que van de lo casero a lo profesional y de lo soso a lo conmovedor. Como suele suceder, el mar de contenido ha terminado por extender los polos de la calidad pero a la vez por diversificar el género y adoptar formatos incluso interactivos. Algunos músicos han optado por crear sus propios videos documentando sus giras y procesos creativos y recibir retroalimentación directa de sus seguidores vía internet.

Este Ciclo de Cine Express está dedicado a algunos de los mejores rockumentales que se han hecho.

Don’t Look Back es un registro de los años mozos de Bob Dylan, cuando el músico comenzaba a probar el éxito y se encontraba en una transición sonora de lo puramente acústico a la incorporación de sonidos eléctricos en su trabajo. Se trata de un privilegiado vistazo a una ventana en la vida de uno de los personajes más interesantes de la historia del rock. (En inglés sin subtítulos)

http://www.youtube.com/watch?v=ofr6S-xzhAU

Gimme Shelter de los legendarios hermanos Maysles captura a los Rolling Stones en las semanas finales de su gira por Estados Unidos en 1969, e inesperadamente culmina con la tragedia de Altamont, un concierto gratis durante el cual se registró un homicidio y varias muertes accidentales más. (En inglés sin subtítulos)

http://www.youtube.com/watch?v=L_xABwI0DDY

End Of The Century es una retrospectiva sobre The Ramones, una de las bandas más emblemáticas del punk. La película cuenta las mieles y contradicciones de una banda exitosa pero conflictiva como los Ramones. (En inglés sin subtítulos)

http://www.youtube.com/watch?v=xlfo59Qfcs4

Fearless Freaks viaja por la historia y las vidas de los integrantes de The Flaming Lips, y principalmente del frontman Wayne Coyne. (En inglés sin subtítulos)

http://vimeo.com/17461610

Como bonus, This Is Spinal Tap es la genial sátira del rockumental magistralmente realizada por Rob Reiner. Una hair band ficticia y absurda llena la pantalla de humor involuntario mientras los estereotipos más gastados del rock and roll sufren una burla constante y sistemática. (En inglés con subtítulos en inglés)

http://vimeo.com/49547265

 

Entrevista a Javier Medina Bernal

Por: Hernán Flores

Javier Medina Bernal es, en la actualidad, un cantautor y escritor panameño que ha forjado su reputación en su país. Nacido en la ciudad de Panamá, aunque crecido y educado en la ciudad de Las Tablas, en la provincia de Los Santos, al sureste de la Península de Azuero.

Javier comienza a gatear, comienza a dar sus primeros pasos en su camino como artista, a los 16 años, en la década de los 90, cuando escribe sus primeras rimas y una que otra prosa esporádica sin mayor aspiración que escribir y usar la hoja y la pluma como pañuelo. Sin embargo, es a través de la lectura de Edgar Allan Poe, Jaime Sabines (por encima de Paz, por si se lo preguntaban), Julio Cortázar, Roberto Bolaño, y posteriormente Mario Bellatín y Enrique Vila-Matas, entre muchos otros, que comienza a descifrar su camino como escritor.

Es también en este año que su vida como guitarrista y cantautor empieza a gestarse al menos en un plano hipotético, ya que para los 17 años su deseo más anhelado, aprender a tocar la guitarra, se vuelve realidad. Influenciado por el grunge norteamericano de actos como Pearl Jam, con Eddie Vedder, y Nirvana, con el estridente y siempre polémico Kurt Cobain, ambos desde Seattle; el rock británico como Pink Floyd y Radiohead, y como último y más importante, la banda chilanga Caifanes, poniendo especial atención a la vocalizaciones de Saúl Hernández con su rock oscuro y pseudo-catastrófico, es que él forja su estilo como músico y decide aspirar seriamente en el movimiento musical de su país. Actualmente su disco Universo -Capítulo 1, recién salido del horno en octubre de este 2012, nos expone en gran medida sus influencias directas del rock mexicano, norteamericano y británico.

Al paso del tiempo su talento como escritor y músico comienza a darle frutos -un par de años después de la creación del movimiento “Tocando Madera” Javier es invitado a participar en el grupo. En 2007 el jurado del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán” 2006-2007 declara el libro con el que participó, En la Ciudad de la Bahía: Mariposas y Rupturas, como primer finalista. El fallo final dictaminó que no habría más para él hasta ese momento, su libro no había sido premiado. Años más tarde, en 2011, se hace acreedor del Premio Nacional de Literatura Ricardo Miró por poesía con su libro Hemos Caminado Siglos Esta Madrugada.

– Javier, cuéntame un poco más del Movimiento “Tocando Madera”. ¿A qué se dedican? ¿Cuál es su objetivo? ¿Cuándo comenzó?

– Bueno, “Tocando Madera” es un movimiento de cantautores panameños cuyo objetivo es mostrar la esencia de la música folklórica de Panamá. Entre ellos destacan Yigo Sugasti, el creador del movimiento en 2004, Carlos Méndez, Lilo Sánchez, Cienfue, entre muchos otros. El movimiento ha sido bien recibido por el público y es por eso que continuamos. Se han hecho distintas giras por países aledaños como Costa Rica, Cuba, Colombia y también, si es que esto cuenta, una visita al viejo continente, por parte de un par de compañeros míos que nos representaron en Francia teniendo como motivo La Fiesta de la Música. Buscamos expandirnos internacionalmente.

 

– Ahora vayamos al Javier Medina Bernal literario. ¿Cómo fue que ganaste el Premio Nacional de Poesía en 2011? ¿Qué aspiraciones tienes a futuro como escritor? ¿Qué hace falta por ver del Javier poeta?

 

– Te voy a contar un secreto, aunque bueno, después de esto ya no va a poder serlo nunca más (risas). “Hemos caminado siglos esta madrugada” originalmente comenzó siendo un cuento, un cuento de unas 20 o 25 cuartillas, más o menos y bueno, poco a poco fue transformándose en lo que necesitaba. Vi la convocatoria al Ricardo Miró por poesía, cogí mi cuento y poco a poco lo transformé. Siendo sincero no creía que llegara hasta esas instancias, pero bueno, ahora ahí lo tienen. Con respecto a mi literatura aun hay muchas cosas inciertas, sin embargo una de las que puedo hablar abiertamente es que quiero publicar un libro cada año a partir de 2013. No es ego ni mucho menos, pero si de algo puedo jactarme es de tener material. Y bueno, nada, si uno lo tiene lo usa, ¿no? Sólo hay algo que sé y de lo que estoy seguro, es que no puedes escribir por escribir. O al menos yo no puedo, narrar por narrar me da pereza, siempre busco poetizar por medio del lenguaje.

 

– Por último, Javier, esta es una pregunta que no sé si acá en Panamá signifique lo mismo que en México o incluso en Estados Unidos, pero igual la hago. ¿Fender o Gibson?

 

– (risas) ¡Fender por mucho, pana! Aunque bueno, también quiero comprar pronto mi Gibson, ya sabes, nunca está de más.

Rage Against The Machine: 20 años de revolución

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Durante este mes de noviembre una de las bandas más explosivas e incendiarias que han existido sobre la Tierra, cumple nada más y nada menos que veinte años de existencia. Un 3 de noviembre de 1992 Rage Against The Machine publicaba su primer álbum homónimo y con él, la banda desataría una verdadera revolución sonora.

Este álbum es dinamita pura de principio a fin. La impactante portada -que muestra al monje budista Thích Quảng Đức quemándose hasta a muerte- ya es una advertencia de la densidad contenida en sus diez canciones.

Algunos de los riffs más pesados y significativos en la historia de las seis cuerdas están contenidos en Rage Against The Machine. Tom Morello se encargó de redefinir la interpretación de la guitarra, imprimiéndole a sus interpretaciones un sello completamente innovador que en aquel entonces -y hasta la fecha- ha desafiado los paradigmas de ese instrumento.

Tim Commeford y Brad Wilk amalgamaron una sección rítmica concentrada, pesada y profunda, funcionando como cimiento para la lírica incisiva de Zack de la Rocha, quien a través de un estilo vocal inigualable, lanza rimas y bocanadas de fuego.

La música de RATM -y este álbum en particular- es atemporal, ya que no existía nada parecido a lo que ellos hicieron en esta grabación  y sigue son existir algo similar. RATM hizo de su música una expresión única, poderosa y perdurable.

Del debut de esta agrupación podemos concluir algunas cosas. El discurso artístico -a través de cualquier disciplina o técnica- debe ser lanzado con toda la energía y convicción posibles. Jamás hay que temer a escribir reglas propias o a imponer las convicciones más profundas, por más descabelladas que estas parezcan. Las oportunidades a lo largo de la vida son escazas, por lo tanto, cualquier mensaje debe ser enviado sin diluir, conciso y directo.

A propósito del 20 aniversario del álbum debut de RATM, su sello discográfico lanzará el 27 de noviembre una reedición del material –Rage Against The Machine XX-, que incluye los diez tracks originales -remasterizados-, demos nunca antes escuchados y versiones en vivo, además de un DVD con material inédito de la banda.

Se quedan con un video histórico, la primer presentación de RATM el 23 de octubre de 1991 en Northridge, California. Ahí comenzó la revolución.

 

Música Que Transforma

Por Miguel Ramírez

@elchinomike

A propósito del día del músico, nadie como los más de 300 mil niños y jóvenes incluidos en el Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles para confirmar el error que representaría vivir dentro de la precariedad que Venezuela aún enfrenta, sin la realidad del arte musical. Tal proyecto ha dado a sus integrantes una oportunidad de vida arraigada por completo en la ejecución orquestal.

La visión del Dr. José Antonio Abreu los ha conducido a utilizar sus capacidades creativas musicales para enfrentar su acontecer personal a partir de lo musical. Tanto El documental Tocar y Luchar dirigido por Alberto Arvelo y una entrevista amplia que TED reproduce en su sitio, profundizan en la historia con la que el Dr. Abreu dio forma a su idea y justifica en ella la ambición de establecer en cada pueblo de Venezuela un coro y orquesta para tal fin: enseñar música y utilizarla como un recurso de estima y valor individual por un lado, pero con inmediatos efectos sociales en consecuencia.

Entre los exponentes destacados que el Sistema ha generado está Gustavo Dudamel, director de LA PHIL ,quien  expone junto a profesores, alumnos y demás participantes parte de los procesos de enseñanza que gradualmente han dado origen a la red de orquestas juveniles que integran el proyecto.

También Enrique Sánchez Lansch explica en su documental la relevancia de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, la proyección internacional dado el impacto cultural y colectivo logrado en Venezuela. Por otro lado, describe parte del desarrollo profesional de Gustavo Dudamel y su participación dentro de la orquesta.

En México, la acertada emulación del modelo venezolano dio pie a un primer concierto el pasado 4 de noviembre en el Auditorio Nacional, al presentar  cerca de 500 niños y jóvenes con “La Banda Monumental Infantil y Juvenil de México”, realizada con músicos provenientes de núcleos musicales instaurados en Cd. Juárez, Cozumel, Texcoco entre otras comunidades del país. Para difundir este proyecto, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes produjo el reality documental de 4 capítulos bajo el nombre de Ópera Prima ¡La Banda!.

Por ahora el sitio web oficial sólo presenta los primeros dos capítulos. Sin abusar del formato, narran en parte la integración de esta grupo musical, destacan vivencias, el entorno cultural, ensayos y dificultades de algunos alumnos; y la importancia que de forma progresiva comienza a provocar alrededor de su medio.

En ambos, el resultado evidente pretende ser el mismo, pues al apreciar tanto en Venezuela o México el desarrollo del talento artístico a través de bases musicales, se puede comprobar la construcción de múltiples recursos y nuevas posibilidades ante las carencias sociales o económicas a fin de superar las circunstancias de esta común realidad que define a Latinoamérica.

Beatbox: La Voz Humana y Sus Posibilidades Infinitas

Por Daniel García

@danielEnEstereo

El beatbox es una expresión humana antiquísima, que consiste en utilizar la voz como instrumento para emular percusiones y otros instrumentos musicales con cualidades rítmicas y melódicas, a través del completo domino de los músculos de la boca, la lengua, el diafragma y la resonancia natural del cuerpo.

En la era moderna el beatbox se asocia principalmente a géneros como el hip hop e incluso dubstep, ya que estos están construidos, en su forma más básica, por beats relativamente sencillos en compás de cuatro cuartos. Pero gracias a la intervención tecnológica y más específicamente, a la aparición de loop stations y procesadores digitales de efectos, esta expresión primitiva ha alcanzado niveles alucinantes, llevando al límite las posibilidades de la voz humana.

Existen cientos -si no es que miles- de ejemplos de esta disciplina a lo largo y ancho de internet, pero quizá uno de los exponentes más relevantes de nuestros tiempos es Dub FX; artista callejero que armado con una unidad Boss RC-50 y un GT-10 crea texturas, beats, armonías, melodías y atmósferas fuera de este mundo, gracias a la superposición y manipulación de loops procesando su propia voz. Con influencia del hip hop y drum and bass, Dub FX es poseedor de un flow desquiciado, logrando ser un MC, DJ, frontman… todo a la vez.

Joe Driscoll es otro prodigio del beatbox. Con un aire de llanero solitario, acompañado por un Delay Modeler DL4, su voz y varios instrumentos, Driscoll lanza ritmos y rimas que van formando un complejo rompecabezas sonoro.

Y como una declaratoria que nos recuerda esta característica inherente del ser humano, Joe Driscoll nos dice:

“Estás hecho del ritmo que sientes, estás hecho de ritmo…”.

Somos ritmo y las posibilidades artísticas, en nuestros tiempos, son infinitas.

La Música e Imagen Del Tiempo Unicelular

 

Unicellular Time es una colaboración entre el compositor Enrique Mendoza y la VJ y artista visual Sandra Real, también conocida como Chana MX. La intención de esta pareja de artistas mexicanos es crear una experiencia audiovisual que transmita el transcurrir del tiempo desde la perspectiva de organismos unicelulares.

Para esto, y con la ayuda de María Teresa Quintero, parasitóloga de la UNAM, videograbaron una serie de observaciones a través del microscopio de organismos como miracidios y nematodos. El material, de acuerdo a Mendoza, reveló que el paso del tiempo puede ser muy relativo cuando no se tiene una referencia -como, por ejemplo, la posición del Sol para determinar nuestros días. Así como en las escalas mayores, como las de los astros y planetas, el tiempo parece transcurrir de manera diferente, en las escalas más pequeñas sucede algo similar.

Actualmente, el dúo se encuentra preparando el acto en vivo, el cual presentarán durante el Live Performers Meeting 2013, a celebrarse en la Ciudad de México del 24 al 26 de enero del próximo año. La idea es combinar el material grabado previamente con observaciones microscópicas en vivo y  la música de Mendoza, quien utiliza el software LiSa para crear y moldear los samples para el proyecto.

Real y Mendoza ya han colaborado previamente en DEREGRESO, una presentación en vivo que mostraba imágenes de un proceso de fluoroscopía que permite visualizar fluídos internos del cuerpo humano mediante la aplicación de pequeñas dosis de radiación. Unicellular Time es la continuación de ese proyecto.

 

Inauguran Memoria, por Daniel Hidalgo

 

Como adelantamos, ayer fue inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación sonora y visual MEMORIA, de Daniel Hidalgo Valdés. Nos dimos una vuelta por el lugar y platicamos con el autor acerca de esta obra interactiva que despertó la curiosidad de los asistentes, les dejamos el video.

 

 

La belleza atípica de Dirty Projectors

Dirty Proyectors

 

Este año Dirty Projectors visita por primera vez México con motivo del 6º aniversario de 2 Abejas, colectivo encargado de promover el cuidado del medio ambiente a través de la realización de eventos culturales en vivo (música, danza, teatro). El plato fuerte del banquete son nada más y nada menos que estos chicos originarios de Brooklyn, quienes son peculiares por una razón: no son fáciles de digerir. Su pop barroco está lleno de capas sonoras, experimentación y sorpresa. Arrítmicos en la mayoría de los casos pero sin perder un mínimo grado de coherencia, hay que considerar que se habla de un grupo que, aunque lleva ya diez años de trayectoria, saltaron a la fama en 2009 con Bitte Orca, disco que redefinió el rumbo del pop junto a Grizzly Bear, Animal Collective y The XX, quienes también han vuelto a la escena este mismo año. David Longstreth y compañía vuelven después de tres años, con las ausencia de Angel Deradoorian y cambios notables es la sintaxis de sus composiciones.

 

Swing Lo Magellan

De todas sus producciones, Swing Lo Magellan es el más colorido y accesible. Sin dejar de lado la rareza y originalidad de sus canciones, esta producción vislumbra suavidad y ternura en comparación a Bitte Orca, álbum que con cada escucha, deshila nuevas capas sonoras a diferencia de la sencillez extrañamente bella que representa Swing Lo Magellan.

El resto del banquete: (Centravrvs + Tropicaza)

Como parte del festejo, se una la banda mexicana Centavrvs, quienes pondrán a bailar con su interesante propuesta que mezcla la música electrónica y regional. Aquí algo de este emergente proyecto mexicano:

Cumbia, mambo y funk, son palabras que definen a Tropicaza, encargado de cerrar la noche y hacer rechinar la pista de baile:

 

 

Los Ginger Ninjas y la Revolución Agradable

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Los Ginger Ninjas, Rodando México es un documental de Sergio Morkin que relata el recorrido en bicicleta a través de México que una banda californiana de rock folclórico realizó para difundir un mensaje ecológico. Como muestra de repudio al abuso en la extracción de recursos del planeta, la electricidad de sus tocadas también es generada con la energía de bicicletas fijas pedaleadas en vivo. La cinta fue proyectada ayer en Cinemex Plaza Insurgentes como parte del festival de documentales DocsDF.

El grupo, que también cargó en sus bicicletas sus instrumentos y bocinas, es liderado por Kipchoge Spencer, un músico y activista que se ha dedicado durante años a predicar el evangelio de lo que él llama “La Revolución Agradable” -una cosmovisión que pone el énfasis en disfrutar la vida y cuidar el planeta. Además del mensaje anti automovilístico, la idea de transportarse en bicicleta parte de la intención de disfrutar el viaje, saborear el proceso de llegar de un lugar a otro.

La película transita entre momentos conmovedores, chuscos y todos los intermedios. Sutilmente pasa de imágenes que muestran a los miembros entregados en esfuerzo a trepar en bici las montañas del territorio mexicano a escenas vergonzosamente graciosas como cuando Kipchoge confronta a los automovilistas de la Ciudad de México que simplemente no se enteran de que la ciclovía está hecha para que circulen por ella las bicicletas, como resultaría obvio.

Durante el viaje los personajes se dispersan, se marchan y regresan. La película no pretende mostrarlos como héroes ascetas sino como seres humanos falibles y vulnerables. En ese intento incluye las tensiones entre las relaciones de unos con otros, sobre todo la relación amorosa entre Spencer y Eco, una cantante argentina que es coautora de gran parte de las canciones de los Ginger Ninjas. Uno de los mejores momentos es cuando Eco abandona a la banda justo antes de la tocada en el Zócalo del DF y Kipchoge, nostálgico, hace un triste esfuerzo por cubrir su parte cantando como mujer en español.

En parte por su lenguaje lleno de términos esotéricos como “vibras” y “energía”, resulta tentador tachar a estos aventureros de gringos forevers. Este es el tipo de personas que hacen ceremonias en las que queman cabezas de burro de papel al marcharse para “cortar el vínculo con el grupo”. Por momentos sus expresiones suenan extrañamente religiosas, como cuando hablan de “ambientes pesados” y “guerra espiritual”. En el fondo, es difícil no sentir empatía por la valentía y corazón que muestran al realizar un viaje tan pesado y mantener una sonrisa en sus rostros al tocar para los curiosos mexicanos que intrigados acuden a sus presentaciones. En medio de su foreverismo, han tomado las riendas de sus vidas para difundir un mensaje positivo y relevante. Hay algo en su ingenuidad que inspira admiración.

No se trata de intelectuales que atesoran verdades sublimes, sino de gente común y corriente con mucho valor. Quizá es ahí donde yace la importancia del documental, el mensaje de fondo es que cualquiera puede hacer algo para transformar su vida y la de los que lo rodean.

Sergio Morkin conversó al final de la función con los espectadores y confesó que al igual que los personajes él mismo sufrió una transformación durante el viaje, al explorar la libertad y la vida desde el carril de baja velocidad.  Relató también su frustración al descubrir que por mucho tiempo a Kipchoge no le pareció el resultado final ya que en su opinión incluía demasiadas escenas de sus altercados con Eco. El director argentino considera que la historia de amor era fundamental para infundir intimidad y humanidad a la película y sostenerla durante su hora y media de duración.

Los Ginger Ninjas, Rodando México se presentará de nuevo hoy a las 22:15 en Cinemas Lumiere Reforma y concluirá su ciclo con otras funciones el sábado y el domingo en Jaima Parque México y el MUNAL, respectivamente.

 

It Might Get Loud: encuentro de leyendas

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Probablemente la guitarra sea el instrumento musical más popular de la era moderna. Su fácil transportación, su relativo bajo costo, su accesibilidad y su transición del ámbito acústico al eleéctrico, la han hecho una pieza clave en la cultura popular y la piedra angular del rock and roll.

It Might Get Loud es un documental -dirigido por Davis Guggenheim- que nos adentra al mundo de las seis cuerdas a través de tres individuos que han escrito su propia historia y han definido la guitarra bajo sus propios términos: Jack White, The Edge y Jimmy Page.

Durante poco más de una hora y media estos tres personajes nos llevan de la mano contándonos historias, anécdotas nostálgicas y todo lo que tuvo que ocurrir para que llegaran a convertirse en íconos y leyendas musicales vivientes.

El más joven de los tres, Jack White, es probablemente el más excéntrico, el más arriesgado, el nostálgico, quien procura llevar al límite sus sonidos, peleando -literalmente- con su instrumento. Su estilo se caracteriza por retomar elementos fijos -rítmicos y melódicos- del blues tradicional y traducirlos a un lenguaje contemporáneo. Caos, efusividad, una enorme carga de energía, crudeza, atrevimiento.

The Edge es el más meticuloso. Su sonoridad se distingue por la utilización de voicings minimalistas -principalmente ternarios-, pero altamente procesados por cualquier cantidad de hardware y efectos. Es en su lenguaje musical donde la creatividad y la tecnología convergen, logrando sonidos fuera de este mundo que desde los ochenta se han convertido en su marca registrada.

Poseedor de algunos de los riffs más famosos en el planeta Tierra, Jimmy Page quizá sea el de estilo más “clásico/tradicional”, posiblemente porque él vivió en un momento definitorio en la historia del rock, porque en compañía de Led Zeppelin abrió el camino para las generaciones posteriores.

Es así como It Might Get Loud nos muestra tres contextos, tres historias, tres individuos, tres lenguajes y tres leyendas con un común denominador: la guitarra. Un documental casi obligatorio para los asiduos al rock, para los entusiastas de las Les Pauls, Stratocasters y Rickenbackers, para todo aquel que quiera entrar a las profundidades de este grandioso instrumento.

Alan Moore, del cómic a la música

Por Sus

@SusBouvier

Portador de una personalidad extravagante y única, Alan Moore es una leyenda viva de la cultura popular. Con historietas como Watchmen (DC Comics, 1987) o From Hell, el guionista inglés de 58 años convirtió al cómic en un universo complejo lleno de referencias políticas, sociales y psicológicas.

No podemos olvidar la densa descripción de la relación amor-odio entre Batman y The Joker, el acercamiento de un superhéroe con su antítesis en The Killing Joke (1988), o el  escenario de un estado británico fascista posterior a una tercera guerra mundial y carente de justicia en V for Vendetta. Y es precisamente Guy Fawkes, protagonista de tal historia, quien se ha convertido en un símbolo de los movimientos de protesta a nivel mundial. Los movimientos Occupy y Anonymous sobresalen por el hecho de que sus integrantes utilizan la máscara que distingue al antihéroe creado por Moore.

Dada su ideología anarquista, Moore marcó distancia entre su obra y tales movimientos. Posterior a un encuentro con estos grupos de indignados, la opinión del autor se tornó favorable a ellos. El pasado 5 de noviembre, el guionista lanzó “The Decline Of English Murder”, una canción escrita e interpretada por él junto al músico Joe Brown. Moore muestra su lado polifacético al relatar con una voz cargada de sentimiento la situación económica que sufren los habitantes de su país, ante un gobierno carente de acciones para contrarrestar  dicha situación. El título de  la canción proviene de un ensayo de George Orwell, escrito en 1946, acerca de los hábitos criminales de los ciudadanos de las clases medias británicas.

Dicho track esta editado por Occupation Records, sello discográfico vinculado al movimiento Occupy, que ha contado con participaciones de músicos como Thom York y Robert Del Naja de Massive Attack, que realizaron un dj set en la Occupy London’s Xmas Party de 2011.

Puedes descargar la canción aquí.

La orquesta única de Diego Stocco

Como la orquesta de Diego Stocco no hay dos, literalmente. La garantía está en el hecho de que el músico y artista sonoro italiano fabricó cada uno de los instrumentos que la componen.

 

El también diseñador de audio es conocido por hacer videos musicales en pistas múltiples con sonidos extraídos de la naturaleza y otros objetos. Para este proyecto, construyó más de diez instrumentos musicales, algunos a partir de instrumentos deficientes y otros, como el luminopiano, los inventó por completo. Éste último lo hizo a partir de bombillas de luz a las cuales les instaló un pequeño micrófono que registra la vibración del fusil al tocar la bombilla.

Stocco afirma que se inspiró en la fascinación que le produce el sonido compuesto por las orquestas. Tras finalizar los instrumentos, compuso una pieza musical en la que cupieran los sonidos de sus nuevos inventos e hizo un video de dicha pieza.

Más sobre este proyecto. 

 

Campodónico: un conocido desconocido

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Quizá hayas escuchado acerca de un conocido colectivo uruguayo/argentino de altísimo nivel que lleva el nombre de Bajofondo, integrado por músicos, productores y artistas que en conjunto, han hecho música simple y sencillamente impresionante.

Pero dentro de esa colectividad, existen individuos que por sí mismos tienen la capacidad de crear un discurso musical propio, igual impresionante. Tal es el caso de Juan Campodónico, quizá más conocido por su participación en el proyecto antes mencionado, pero que últimamente se ha dedicado a crear una expresión musical que lleva su nombre impreso por todas partes.

CAMPO es el nombre del primer álbum creado por Juan Campodónico, y aunque cuenta con la participación de algunos astros de la música como Martín Rivero, Ellen Arkbro, Pablo Bonilla y el mismo Gustavo Santaolalla -además de una colaboración de magnitudes indecibles a cargo de Jorge Drexler-, la producción logra ser una expresión fidedigna del personaje que en primera instancia concibió y gestó el proyecto.

El género más cercano para definir esta explosión de ritmos y sabores es “música subtropical”, pero obviamente, es mucho más que eso. CAMPO suena a todo: rock, indie pop, música latina, electrónica, tango… un recorrido por toda Latinoamérica. Esta es música refinada, perfectamente producida, precisa y contundente, probablemente de lo más sofisticado que escucharemos en mucho tiempo.

A Juan Campodónico ya lo conocíamos, por Bajofondo, por su trabajo con Drexler y demás, pero no lo conocíamos en esta faceta, que sin lugar a dudas debe ser estudiada, escuchada con detalle y sobre todo, disfrutada.

Más de Juan Campodónico en Facebook, Twitter, SoundCloud y YouTube.

Maquinaria, sonidos para la vida en días de muertos

Por: @le_fraktal

Imágenes de Rodrigo Jardón

Día de todos los santos, media calle del camino que lleva del metro Ferrería a la reluciente Arena Ciudad de México está ocupada por un mercado sobre ruedas, las pacas de flores de muerto adornan el panorama, el olor de la carne que emana del rastro cercano no es tan agradable, poca gente en camino, parece que el escepticismo por el festival Maquinaria se quedará en eso para muchos que tal vez no pudieron llegar o pagar tanto por un cartel prometedor.

El crecimiento de este festival y su expansión radican en el esfuerzo de sus promotores. Pixies, Stone Temple Pilots, Sonic Youth, Queens of the Stone Age, Megadeth, Faith no more, Primus, Snoop Dog han actuado en la edición Chilena que este año corona su éxito con Kiss como headliner y la expansión del festival a las ciudades de Buenos Aires Argentina, Guadalajara y la capital de nuestro país.

Descartes a Kant dio inicio a la actividad musical, poca gente la que llegó temprano, difícil camino hasta Azcapotzalco en día laboral y nublado, Resorte le dio más sentido a lo que seguía, el ánimo metalero de esta banda hizo que se formaran los primeros círculos de slam. Los pesados riffs comenzaron de la mano de Max Cavalera, esta vez acompañado de Cavalera Conspiracy, su hermano Igor y la nostalgia por los temas de Sepultura: “Refuse/Resist”, “Territory”,  “Arise” “Death embryonic cells” y “Roots bloody roots”, sin dejar a un lado temas de Blunt Force Trauma, el último disco de esta compleja y bien armada conspiración.

Mastodon rindió tributo al día de los muertos con sus rostros pintados como calaveras, y Bret Hinds con el disfraz completo con huesos y una capa. Gran actitud y ejecución de esta banda, potentes armonías y grandes solos de guitarra, como una trepidante manada haciendo cimbrar el suelo. “Crack the sky” fue una gran evolución instrumental y “Blood and thunder” el poder llevado al extremo.

Faltaba la agresión final por parte de Slayer, las playeras negras delataban a los fans que armaron varios circle pits para hacer slam desde la primera nota de “Disciple”. No hubo descanso para aquellos criticados personajes de cabello largo y playeras de Nuclear Assault y demás bandas. “Los metaleros” como les llaman, aquéllos que a veces se cierran a su mundo de frases oscuras y sonidos estridentes. Qué mejor terapia que azotarse unos con otros al compás de la veloz batería de Dave Lombardo y las taladrantes guitarras de Kerry King y Gary Holt, quien ya lleva un buen lapso de tiempo tomando el lugar del convaleciente Jeff Hanneman.

“Are you free?”, preguntó Tom Araya antes de “Mandatory suicide”. Continuó la masacre, para el final se escucharon los relámpagos, el preludio a la lluvia de sangre, al final intenso de esta catarsis de sujetos que se agreden sanamente en una especie de baile o ritual pagano, el que se cae lo levantan, el que golpea se aguanta, el que se exceda es excluido del círculo del que todos salen vivos, lastimados, cansados y aliviados por sacar los rencores y el estrés de la vida cotidiana.

“Altar of sacrifice”, “Jesus Saves”, “Seasons in the abyss”, “Hell awaits”, un recorrido por los potentes, siniestros y agresivos temas que ha creado el más brutal de los cuatro grandes del metal a lo largo de su carrera. “Raining blood” fue el final perfecto, ya en los primeros minutos del día de los fieles difuntos.

Al día siguiente mejoró la entrada en las gradas y Apolo comenzó la jornada, buenos comentarios se llevaron las bandas locales participantes en el festival, aunque la atención de éste y todos los días estaba centrada en los actos internacionales. Así, Stone Sour complació a los fans, Corey Taylor se defendió de un detractor que lanzó una botella, y no se cansó de repetir que volverían pronto, y que le diría a sus amigos músicos que visitaran México.

Con el verso y coro de “Nutshell” de Alice in Chains dio paso a una de sus canciones más conocidas: “Bother”. Una gran ovación de los fans después de un energético set. El audio mejoró para esta jornada, ya que el primer día incluso Kerry King de Slayer tuvo que poner orden en la consola lateral del escenario al no escuchar su guitarra.

Terminó la espera para los fans de Deftones cuando Chino Moreno subió a la plataforma que mejora su visión y la de sus devotos. “Diamond eyes” y la guitarra de Stephen Carpenter dieron paso a la reacción ante el sonido, los saltos, los gritos, las gargantas dislocadas siguiendo las notas del coro de “Rocket skates”: “Guns, razors, knives”.

“Be quiet and drive” para la nostalgia, “My own summer (shove it)” para alcanzar el cielo, “Poltergeist” y “Rosemary”, de lo tenue a lo salvaje, temas del disco Koi No Yokan a lanzarse este 11 de noviembre. “Digital bath” denotando la voz de Chino, dramática, cruda, sincera. Armónicos ambientes creados por Frank Delgado, Abe Cunningham siempre preciso en la batería. Otro tema nuevo: “Tempest” dio paso a la sorpresiva “Fireal” y la dedicatoria especial al convaleciente, el gran ausente y entrañable Chi Cheng con “Rivière”.

Llegó el turno de la misa del reverendo Marilyn Manson en plena noche de muertos. Con maquillaje cortesía de Mac Cosmethics, Brian Warner, sus kilos de más, arrogancia y pose tradicional comenzaron con sus estragos: “Hey, cruel world…”, “Disposable teens” y “The love song”.

Azotando micrófonos, empujando a su bajista, abrazando a su amigo de toda la vida, el buen Twiggy Ramirez en la guitarra, buen show de parte de Manson, no muy decorativo o fastuoso como en veces anteriores que ha visitado México. “The dope show”, “Rock is dead”, un par de grandes covers: “Personal Jesus” y su grandiosa versión de “Sweet dreams” hicieron que los fans disfrazados como su mentor disfrutaran su propia fiesta. Qué mejor que ver a Marilyn Manson en la noche de los muertos, varias catrinas y zombies rondaron por la pista de la Arena Ciudad de México.

En su pose dictatorial y con un templete, Manson brindó dos últimos clásicos: “Antichrist superstar” y “The beautiful people”.

El tercer día era el más festivo. Kita desde Brasil comenzó las actividades, el parecido de la vocalista con la cantante Pink es increíble, aunque esta chica tiene más actitud al igual que su banda. Simplifires hizo que aumentara el ánimo, pero Illya Kuryaki and the Valderramas hizo que comenzaran los contoneos. Rindiendo tributo a su disco Chaco, Emmanuel y Dante dieron una gran muestra del porqué funcionan muy bien juntos.

Todo explotó desde la primera nota de Gogol Bordello y su fiesta gipsy-punk. La diferencia del público de los pasados días y del sábado era evidente, ya no había playeras negras, había colores, no había melenas lacias haciendo headbanging, había rastas meciéndose al ritmo de la música.

Día tranquilo para disfrutar a esta banda y su mensaje de paz y conciliación, de apoyo a los inmigrantes y la invitación a ser felices. “Think locally, fuck globally” puso fin a parte del festejo, faltaba lo mejor de la noche, y con la advertencia de que las luces estroboscópicas podían causar ataques epilépticos, The Prodigy hizo estallar el escenario con “World’s on fire”.

“Breathe” hizo recordar a Keith Flint en aquel terrorífico video, pero ahí estaba en persona, brincando de un lado al otro del escenario, energía  pura, beats incesantes, Liam Howlett moviendo las perillas de la compleja maquinaria sonora. Mientras en Slayer todo fue slam y empujones, The Prodigy fue para el baile frenético y delirante, para saltar y mover los brazos, un taladro en los oídos, un impacto para los ojos que de repente se cansaban y simplemente miraban para otro lado, una explosión de sensaciones, el desfogue perfecto.

“Dogbite”, “Voodoo People”, “Firestarter”,” Run With the Wolves”, Maxim bajando a correr a la pista, la persecución por una foto, “Invaders Must Die”, el delirio esperado, la energía desbordada, como una jeringa de adrenalina directo al corazón. “Smack My Bitch Up”, más baile, sudor, gritos de euforia, tanta catarsis que provocaba decir “Take Me to the Hospital”.

Este fin de semana no vi más disfraces que los de los fans de Marilyn Manson, no vi tantas calaveras, solo las de las playeras de Slayer, no fui a ninguna fiesta de Halloween, Deftones hizo que el festival valiera la pena, mi día festivo fue bailar con The Prodigy y vivir momentos inolvidables.

El Festival Maquinaria pierde por primera vez su esencia al aire libre, como deben ser los festivales. Realizarlo en esta arena implicó un alto costo de los boletos y poca demanda, quedemos en espera de una segunda edición. Un festival ecléctico, que no se centraliza en las bandas nuevas, para cierto sector de público o movimiento de moda, era curioso ver gente con playeras de Slayer que habían comprado su abono bailar con Gogol Bordello.

Esta Maquinaria debe ser corregida, bien aceitada, hubieron algunos detalles en cuanto a logística y manejo de prensa deficiente pero nada que lamentar, el problema de la Arena Ciudad de México es llegar y salir, porque adentro todo es muy bueno, mucho espacio sobre todo. El audio fue mejorando, The Prodigy sonó increíble, una prueba superada para el inmueble.

Quedemos en espera de una segunda edición corregida y aumentada, siempre es bueno recibir bandas, aunque regresen o vengan por primera vez, la música para los vivos, el cariño y respeto para los muertos, en sus días de festejo con ofrendas…y todos los días.