Goran Bregovic y su orquesta para bodas y funerales

Ritmos y sonidos de los Balcanes y música contemporánea juntas, es lo que ofrece Goran Bregovic en su música. Este personaje, tal vez considerado como uno de los mayores exponentes del balkan actual, logra generar una propuesta musical muy interesante que hace que el mundo se mueva sólo, sin que él tenga la molestia de pararse.

Nacido en Saravejo, territorio actual de Bosnia Herzegovina, Goran Bregovic creció con la música, en un principio con el violín; más tarde como guitarrista en una banda de rock llamada el Botón Blanco, para finalmente ser compositor de películas y teatro como “Underground”, “Tiempo de Gitanos”, “La reina Margot” y “El sueño de Arizona”. A pesar de un exilio y sueños destrozados por la guerra, este músico se caracteriza por tomar la música de su propia tierra -aquella que le da identidad- y mostrarla al mundo de golpe, con una dosis exagerada de emoción, ritmo y movimiento, todo esto acompañado de los metales. Son las trompetas, tubas y saxofones los que generan el ambiente y calientan la sangre para empezar a saltar y bailar. También agrega rasgos de otros ritmos como el reggae, rock y ska así como elementos de la música contemporánea, además con músicos tradicionales de su tierra crea la orquesta para bodas y funerales, y con ella va a mostrar al mundo el folklor de la cuenca balcánica.

La música de Goran Bregovic es tan intensa y explosiva como la situación que se ha vivido siempre en los Balcanes. Sus composiciones están inspiradas en el más salvaje y vivo folklor del este europeo. Por un lado nos muestra el folklor de su tierra, la alegría de sus fiestas y la pasión de su gente; por el otro, nos muestra, en compañía de Emir Kusturica, una imagen sonoro-visual de la existencia de un territorio europeo sumido en el olvido, la realidad del pueblo gitano, y la presencia de una región que fue devastada por la guerra y discriminada por el mundo, no sin perder la capacidad de disfrutar la fiesta como nadie lo hace. Sólo hay que esperar que no pase mucho tiempo para poder asistir a una de sus Fiestas gitanas, mientras tanto nos podemos deleitar con su música y películas en las que participa.

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El miércoles 8 de Enero, el #CineClubAtlántico presenta un documental sobre Los Autenticos Decadentes en punto de las 19 horas. La entrada es totalmente libre e incluye el acceso al tributo (Perú 77) y habrá bebidas de cortesía.

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El jueves 9 de Enero, el Atlántico contará con la presencia de Chilangos de la Habana y dos bandas sorpresa. Será una noche con mucha música a partir de las 21 horas. El acceso tendrá un costo de $50.

Contamos con pases dobles para este evento. si deseas asistir, envía un correo con tu nombre completo y el de tu acompañante (antes de las 12 horas del jueves) a luis@ac.chulavista.mx

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El viernes 10 de Enero, contaremos con la presencia del #AtlánticoDancingClubuna noche que promete mucho baile y diversión por horas. Para musicalizar, tendremos a Nectar Café además de El Rebumbio. Las chicas entran gratis y los chicos podrán hacerlo por solo $50.

Contamos con pases dobles para este evento. si deseas asistir, envía un correo con tu nombre completo y el de tu acompañante (antes de las 12 horas del viernes) a luis@ac.chulavista.mx

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Para finalizar esta primera semana, el sábado 11 de Enero tendremos la Noche Follow di DanceHall con Jahming, Spliff, Alpha y Zero pinchando discos, además de varios invitados que aseguran una noche cargada de música para que no pares de bailar.

Contamos con pases dobles para este evento. si deseas asistir, envía un correo con tu nombre completo y el de tu acompañante (antes de las 12 horas del sábado) a luis@ac.chulavista.mx

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Russkaja: ritmos mezclados directamente de Viena

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Para iniciar el año como se debe y con toda la potencia necesaria, la primera recomendación de este 2014 es Russkaja, una banda originaria de Viena. Russkaja actualmente se encuentra promocionando su más reciente material, un E.P. titulado Barada, el cual contiene covers de canciones que, musicalmente hablando, parecieran no tener que ver con el grupo, pero al ser una banda influenciada por infinidad de ritmos seria erróneo así pensarlo.

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Barada  es un E.P. en el cual podemos encontrar covers de Daft Punk, Katy Perry o Avicii, transformados al clásico estilo de Russkaja, que consiste en realizar toda una mezcolanza de ritmos procedentes de varias partes del mundo con ritmos balcánicos y aquellos que forman parte de la música folklórica rusa, obteniendo con ello una música llena de potencia y que pondrá a bailar a cualquiera.

Remixes: nuestro Top 5

Se acerca el fin de año, todo cierra con recuentos y recuerdos. Es por ello que queremos compartir los cinco remixes que marcaron el año y que sonarán en los playlist de 2013.

5) Foals – Late Night (Koreless Remix)

El productor británico Koreless tomó Late Night del más reciente disco de Foals y renovó su ritmo con algo lento y confuso. Disfrútalo solo o acompañado.

4) Rachel Zeffira – Here In On (Tom Furse Remix)

Tom Furse, tecladista de The Horrors tomo “Here In On” del disco debut de Rachel Zeffira y la convirtió en toda una experiencia sonora.

https://soundcloud.com/tomfurse/rachel-zeffira-here-on-in-tom

 

3) Mapei – Don’t Wait (Smalltown DJs Edit)

Smalltown DJs de Calgary, Canadá, tomaron “Don’t Wait de Maipei” y pusieron más beats y velocidad al ritmo de la canción, lo que la hace bastante bailable.

https://soundcloud.com/smalltowndjs/mapei-dont-wait-smalltown

 

2) Tame Impala- Mind Mischief (Ducktails Remix)

El 2013 nos regalo dos excelentes presentaciones de Tame Impala en la Ciudad de México. Para recordarlo, les recomendamos este remix digno de escucharse en las fiestas de fin de año.

 

1) Running – Jessie Ware (Disclosure Remix)

Los británicos nominados al Mercury Prize por su último disco, remezclaron el pop de Jessie Ware en “Running”, poniendo algo del garage británico que los caracteriza.

 

The Velvet Underground: la música del Pop Art

The Velvet Underground es considerada una de las bandas más representativas del Pop Art, esto se debe a su estilo tan peculiar además de su estrecha relación con Andy Warhol, quien fue su representante. El periodo de Pop Art, además de haber sido una innovación en las artes visuales, fue también un aliciente en la música que hizo mirar lo popular y vio nacer a The Velvet Underground.

Esta banda de New York se formó en 1964, y estaba integrada por Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker, quienes buscaron algo inusual en su música y en la forma de ejecutarla. Se bautizaron, entonces, con el nombre de un libro de sadomasoquismo de Michael Leigh, y fue en un café donde Andy Warhol los escuchó e introdujo en el movimiento: The Exploding Plastic Inevitable.

The Velvet Underground, gracias a John Cale -quien fue discípulo de John de Cage y trajo la tendencia de la música contemporánea- fue la primera banda en experimentar la forma y el ruido en el pop. La banda se caracterizó por la controversia que provocaban sus letras, vinculadas con las drogas, prostitución, desviaciones sexuales, sadismo y masoquismo. Todo esto ayudó al surgimiento de distintas bandas en el punk, hardcore punk y post punk, entre otros géneros, e influenció a Television, Talking Heads, The Heartbreakers, Patti Smith, Blondie, Siouxsie and the Banshees, quienes en conjunto con bandas como The Contortions, Theoretical Girls, Teenage Jesus and The Jerks o DNA, fueron los creadores del llamado new wave, que más tarde tendría influencia en otras bandas como Ultravox y Japan.

El álbum más emblemático de la banda es The Velvet Underground & Nico (1967). En este LP,  Warhol, además de crear la portada del álbum con una banana, introdujo en el proyecto, como solista, a la cantante alemana Nico. En el material se nota una interesante mezcla entre avant-garde y pop-rock garajero con un excelente trabajo en las melodías y caracteres tan contrastantes y definidos, además destacan las letras subidas de tono para aquella época. Así fue como esta banda entró en el Rock and Roll Hall of Fame en el año 1996.

Keith & Tex en el Reggae Hit the Town

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El próximo mes de Febrero, el dúo jamaicano estará visitando la Ciudad de México para deleitar al público chilango con sus éxitos clásicos.

La dupla formada en la década de los 60’s por Keith Rowe y Texas Dixon visitará la ciudad en el marco del evento Reggae Hit the Town, el cual (por cierto) ya ha contado con otros cantantes clásicos de la isla como Roy Panton &amp, Yvonne Harris, BB Seaton, Greg Lee -vocalista de la banda californiana Hepcat- y algunos pinchadiscos de diversas partes del mundo.

Keith & Tex iniciaron sus actividades a  mediados de los 60’s, en el contexto de lo que se ha considerado como la época dorada de la música jamaicana, en la que los cantantes de la isla estaban en su pleno apogeo y surgieron las leyendas más importantes de la música de Jamaica.

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Por diversas situaciones, el dúo ha estado en inactividad por varios años, llegando a tener algunas reuniones esporádicas. El próximo mes de Febrero podremos verlos una vez más sobre los escenarios, y esta vez en uno de nuestro país.

Ya saben, si quieren revivir la esencia de la música jamaicana con un dúo clásico, entonces este es un evento imperdible.

http://www.youtube.com/watch?v=CrVB9LIWjYc

SEMAR: la historia detrás del Aleluya

 

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Dicta la tradición…

…que, en cuanto suenan los primeros acordes del “Aleluya” del oratorio “El Mesías” de Händel, el espectador debe mostrar su respeto permaneciendo de pie hasta finalizar el fragmento. Pocos son aquellos que, como el pasado 13 de diciembre en la Sala Silvestre Revueltas del Conservatorio Nacional, se levantan con ánimo de ser parte de dicho ritual, y son aún más escasos los que conocen la historia que le da origen.

 ¿de dónde viene?

  Era el año 1743 cuando el rey Jorge II de Gran Bretaña escuchó por primera vez éste oratorio. Fue el Aleluya (al final de la segunda sección) lo que le maravilló de tal forma que lo motivó a levantarse. Se trata de un segmento que parece aún más glorioso después de escuchar el pesar de la Pasión, la Resurrección y la Ascensión en otras partes del mismo oratorio. Acto seguido, todos los súbditos que presenciaron el gesto se erigieron albergando el mismo respeto. Existen otras versiones donde se asegura que el rey se levantó para observar con más detalle a los músicos. De cualquier forma, se convirtió en una tradición que se mantiene hasta nuestros días.

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  Con los afortunados vaivenes de los arcos de la sección de cuerdas, el arpa, piano y timbales de la Orquesta de la Secretaría de Marina-Armada, revestidos con las voces del Coro de la SEMAR, nos trajeron una agradable muestra de su trabajo como artistas.

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  Gracias a la gestión del Capitán de Navío AN. PA. H. DEM. Álvaro A. Alfaro Flores, estaremos conociendo las diversas manifestaciones musicales de la Marina.

Villancicos mexicanos

¿Qué te viene a la mente cuando te dicen “villancico mexicano” ¿Acaso piensas en El niño del tambor tocada por mariachis? ¿O los refritos de cada año tocados por Juan Gabriel, Luis Miguel o Las ardillitas? Si tu respuesta es sí,  tal vez el problema que tenemos es que hemos olvidado o no nos hemos puesto a pensar en lo que pasaba artísticamente en nuestra historia. Y de esta manera es como se olvidan grandes periodos como el barroco, el clásico y otros más, y con ellos música propia de una gran calidad. Por eso pregunto: ¿conoces algún villancico mexicano? (Año viejo de la Sonora Santanera no cuenta) ¿Sabías que el villancico, en sus orígenes, no era una música ligada a la navidad? Solo era una forma musical que retrataba la vida en las villas y se distinguía por una estructura de coro (cantada por todos) y coplas (cantada por solistas) ¿Te gustaría escuchar villancicos mexicanos?

En el transcurso de los siglos XVI y XVII, el México virreinal pasó por el periodo barroco, en el cual hay una evolución de las artes muy influida por la corriente del mismo nombre, solo que establecida en el continente europeo. Pero el estar muy influenciada o que se estableciera una estética europea no significaba que el arte en México fuera de peor calidad o fuera una copia, al contrario: el arte de esa época tuvo unas características muy propias al tener un contexto social distinto, pero nos enfocaremos solo en el arte musical que estaba muy ligado al culto religioso y eso no fue una desventaja. Los compositores llegados de otros lugares y los nacidos en la Nueva España lograron generar un tipo de música muy propia del imperio, pero manteniendo las características del barroco. Así es como en la Nueva España aparecieron compositores como Manuel de Sumaya, Antonio de Salazar, Ignacio Jerusalén, Gaspar Fernández, Juan Gutiérrez de Padilla, Hernando Franco, entre muchos más, con obras de gran calidad y decenas de villancicos.

Por esto, los invito a pasar una navidad recuperando un pasado que está siendo olvidado, un periodo glorioso en la historia de México, como lo es el barroco, y demostrar que existen muchos compositores rescatables en nuestra historia cultural, y dejarse llevar por la época navideña y la belleza de villancicos barrocos hechos en México.

The Bluebeaters regresan a los escenarios

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Después de varios meses de inactividad y algunos años sin sacar alguna producción discográfica, la banda italiana The Bluebeaters volverá a los escenarios para este fin de año, esta vez sin su cantante Giuliano Palma, quien actualmente se encuentra enfocado en su proyecto como solista.

La banda se formó en 1994 por músicos integrantes de distintas bandas de la escena musical italiana y ha acompañado al cantante Giuliano Palma (ex-vocalista de Casino Royal) durante estos últimos 19 años, además de haber publicado 5 álbumes bajo el nombre de Giuliano Palma & The Bluebeaters y lograr convertirse en uno de los grupos con más reconocimiento a nivel internacional.

Con algunas fechas ya confirmadas para diciembre y enero en su natal Italia, The Bluebeaters comenzarán una pequeña gira llamada “The reTOURn” y la cual contará con la alineación original de la banda.

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Como un plus para esta gira, acompañarán a la banda cantantes como Lady Soul Maya de la Soulful Orchestra y Pat Cosmo de Casino Royale, y como cantante especial (ya que solo estará presente en algunas fechas) Bunna, vocalista de Africa Unite, quien en un principio se desempeñó como bajista de Giuliano Palma & The Bluebeaters además de también cantar algunos temas.

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Pues será cuestión de esperar las fechas para ver cómo le va a esta banda italiana que durante varios años ha sabido deleitar a su público. Seguramente, esta vez, no será la excepción.

 

Kyary Pamyu Pamyu y la revolución kawaii

 

0e7dcfdcfcbb8a971b7949f8d99ee091La música asiática nos puede dar sorpresas muy grandes: tenemos por un lado al sobreexpuesto PSY (Gangam Style), a las numerosas AKB48, Boy Bands como Super Junior, y músicos  y  productores creando en todo tipo de géneros.  Kyary Pamyu Pamyu es también parte del Boom que la música de esa parte del globo está teniendo. Para los fanáticos de la cultura pop japonesa, y especialmente de su música, el nombre de Nakata Yasutaka no es desconocido, es el genio detrás del éxito de grupos como Perfume y de su propio banda Capsule y productor a cargo de Kyary. La música electrónica japonesa actual suena así gracias al trabajo de Yasutaka.

Kyary Pamyu Pamyu es un fenómeno extraño, su música llega a ser desesperante si no se escucha con el detenimiento debido, su vestimenta y actuación son desconcertantes y aún así logra vender millones de copias y todas sus presentaciones son sold out. Musicalmente puede ser muy tranquila y dulce, su voz se va ajustando a los beats, sintetizadores y sonidos de videojuego y cuando menos te lo esperas te encuentras envuelto en su mundo y vomitando arcoíris. Tiene todo lo que al occidente le gusta de Japón.

Si puede ser un producto de la mercadotecnia y tener a medio Warner Japan y un bien equipado grupo de creativos trabajando para lograr su éxito masivo (personalmente), no creo que esto le reste valía a un cantante o grupo. Etiquetar todo dentro de un género, o que es vendible o no vendible, indie o comercial, no debería nublar nuestra visión y apreciación. Hay mucho de donde elegir y la música sólo debería unir, no confrontar.

Kawaii: Palabra japonesa cuya traducción puede ser “lindo”

“La piratería es cultura” afirma Ali Gua Gua

Las Ultrasónicas, Kumbia Queers, Afrodita, Afrodyke, Intestino Grueso y DJ Guagüis son algunos de los proyectos, muchas veces de corte experimental, en los que ha participado Ali Gua Gua que ahora nos presenta su material como solista: Forever Alone, disco en el que toca casi todos los instrumentos, canta, hace las  bases rítmicas y graba con el apoyo de Julián Lede (Silverio, Titán, Beso Negro).

“¡Ya era hora! de sacar un disco como solista, era algo que nunca había hecho; siempre había trabajado en proyectos con gente distinta y fue muy divertido, pero quería probar en solitario. El proceso fue muy espontáneo, en realidad no lo planeé, las cosas se fueron dando de manera natural; los horarios coincidieron y los planetas se alinearon. Es una síntesis y un reflejo de mi trabajo de todos estos años, pero también es algo mucho más íntimo y más directo en relación con lo que me identifico musical y líricamente.”

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El título del disco bien podría interpretarse como una forma de sarcasmo debido a lo que alude mientras es utilizado para presentar el primer material en solitario de esta multinstrumentista.

“Forever Alone significa varias cosas. Por un lado me daba risa como título para un primer disco solista. Es muy meme también, muy internet y eso me gusta. También porque siempre he sido una solitaria a la que le encanta la fiesta. Además es loco, pero es como un mantra que he tenido desde pequeña. Forever Alone para mí significa: la música y yo.”

Algo que resulta muy interesante de este material es que puede conseguirse de forma totalmente gratuita en la internet y que la versión física del material (cd) será pirata, a diferencia del acetato que será una especie de arte objeto. Ali Gua Gua explica nos explica esto:

“Pues que para mí, si alguien quema un disco en su casa y hace el arte de su banda, ya esta haciendo un disco artesanal. No he entendido nunca eso a lo que las disqueras llaman ‘disco pirata’. Tampoco entendí jamás por qué las disqueras no pusieron sucursales en la calle, al lado de su competencia directa, abaratando los precios y haciendo un disco accesible.”

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Pero la cantante no deja la discusión en este punto: de forma similar a lo que ha hecho Radiohead, Ali Gua Gua emprende una forma de producción musical que antepone los intereses propios del artista a los que las disqueras y las nuevas formas de consumo musical que tanto abundan en nuestros días (YouTube, Spotify, etc.)

La piratería es cultura. Está en todos lados y hace posible que el arte llegue a nuestras casas de manera económica, sin pasar por corporaciones… Mi disco es artesanal porque lo hago yo y lo distribuyo de mano en mano en los conciertos y en lugares de confianza. El cd además es desechable, así que para mi es funcional que cueste casi nada y que todo el mundo tenga acceso a él. Mientras el vinilo es la mejor manera de escuchar y conservar música desde mi punto de vista, aunque cueste más fabricarlo, venderlo, cargarlo y distribuirlo.”

Para consultar las fechas de las próximas presentaciones de Ali Gua Gua puedes consultar sus cuentas de Facebook (aliguagua) y Twitter (@aliguagua).

Con información de La Jornada.

Tokyo Ska Paradise Orchestra: Comenzando los festejos de sus 25 años

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Durante el próximo año, la banda japonesa Tokyo Ska Paradise Orchestra estará celebrando sus primeros 25 años de carrera, por lo que (conociendo a estos músicos) el siguiente año estará bastante movido para ellos. Para iniciar con los festejos, el pasado 4 de diciembre salió a la venta el nuevo disco de la banda nipona.

 

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Como es habitual con esta banda, en cada disco cuentan con colaboraciones de otros músicos o cantantes. Para este disco se contó con la participación de la banda japonesa de hip hop: 10-Feet.

Como también suele acostumbrar la banda, generalmente cada disco viene acompañado de un DVD con videos y materiales extras de la grabación del disco. Claro que este nuevo disco no es la excepción.

 

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A lo largo de estos 25 años, los también conocidos como Skapara cuentan con más de 30 producciones discográficas así como una infinidad de sencillos y colaboraciones con otros artistas y que, a pesar de como su nombre lo dice -ser una banda especializada en ska- durante toda su carrera han interpretado diversos estilos desde jazz pasado por el boogie, swing, funk, soul y una infinidad de géneros más; eso sí, siempre brindando esa excelencia musical que tanto los ha caracterizado y que les ha valido para llegar a ser reconocidos como la mejor banda del mundo.

Estos son algunos motivos por los que hay que estar pendientes de las actividades que los denominados Godzillas del ska realicen para celebrar su 25 aniversario, pues sabiendo lo inquietos y locos que están estos señores seguramente serán muchas. Igual y en una de esas, tenemos una vez más la oportunidad de verlos sobre algún escenario de este país

Concierto Navideño del Coro de la SEMAR

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En estas épocas decembrinas no pueden faltar los Aleluyas, así es como el Coro de la Secretaría de Marina Armada de México nos invita a su Concierto Navideño este miércoles 11 de Diciembre a las 19:30 horas.

  En la sala “Silvestre Revueltas”, del Conservatorio Nacional de Música, presentarán el inolvidable Aleluya del oratorio El Mesías, de Händel, además del pocas veces interpretado “Oratorio de Noël”, Opus 12, de Camille Saint-Saëns.

Por si no conoces el “Aleluya”, aquí tienes una probadita.

¡Disfrútenlo!

http://www.youtube.com/watch?v=KnQGs24U1e8

The Pepper Pots y su nuevo disco

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Hace pocos días, la banda catalana publicó su nuevo material discográfico titulado We must fight, el cual tiene una potente carga de soul.

Este álbum marca algunos cambios dentro de la banda. Por primera vez en la historia de la banda, las voces dejan de ser un trio para convertirse en un dueto, esta ocasión las voces están a cargo de Adriana Prunell y Aya Sima, quienes se complementan para poder brindar ese dulce sonido tan característico del grupo.

Otro cambio, quizás no tan sorpresivo, es que el disco, una vez más, está completamente enfocado en el soul. Desde un  principio, la influencia de este género en la banda siempre fue evidente y aunque en sus inicios estuvo más arraigada la influencia del ska o del reggae, con el tiempo la banda supo evolucionar hacia un sonido puramente de soul: se puede notar en sus últimas producciones discográficas que, por cierto, nada tienen que envidiarle a la Motown.

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Sin mas, acá está la recomendación musical de esta semana: The Pepper Pots, una de las mejores bandas catalanas contemporáneas. Seguramente, al escuchar las primeras notas de su nueva producción discográfica, no te quedará de otra que sacar tus mejores pasos de baile.

 

Hacia una mayor experimentación sonora

¿Qué estás escuchando? ¿Has pensado alguna vez en lo que te genera la música al escucharla? ¿Has pensado en cómo funciona el placer de escuchar una melodía? ¿Has intentado razonar que emoción te genera cada pieza, melodía o canción que escuchas? Escuchar música así como generarla es una actividad natural en el hombre y no un arte adquirido (el perfeccionamiento y el estudio de creación e interpretación son maneras de mejorar dicha actividad natural). La música es una provocación del alma humana y como tal produce estímulos que conocemos como emociones, éstas pueden ser muy variadas. Lo cierto es que al escuchar música no estamos exentos de experimentar alguna de ellas.

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Biológicamente, disponemos de un sistema periférico (aparato auditivo) a través del cual recibimos la información que será procesada en el cerebro. En él se genera una imagen aural que repercutirá en el estado emocional y fisiológico. Además, el oído clasifica los sonidos no sólo a partir de las alturas (agudas y graves) o intensidad (fuerte y débil) sino también desde la sensación que percibimos y que luego adjetivamos, como suave, brillante, limpio, opaco, etc. También está la memoria sonora de la que dispone cada persona y con la cual generará interacciones con recuerdos como emociones de la música, sonidos, y sentimientos que hayamos experimentado.

La música provoca diversas emociones, cambia la frecuencia respiratoria y cardíaca, pone la carne de gallina o nos hace sudar, todo sólo con la música que uno tiene almacenada en su reproductor o biblioteca musical; pero ¿qué pasaría si en vez de recordar los sentimientos y emociones que nos genera la música que escuchamos, nos abrimos a la posibilidad de experimentar otras emociones con música que jamás hemos escuchado? ¿Y si cada día buscamos un estilo, género o música distinta a la habitual? ¿Si escuchamos o buscamos algo que nos parezca raro? Si fuera música como la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak, cantos armenios, cantos Kaluli de Papua Nueva Guinea, o lo que sea ¿de qué manera crecería nuestra memoria sonora?, ¿cuántas emociones lograríamos sentir? ¿Estarías dispuesto a experimentar más con la música?, ¿te arriesgarías a sentir más emociones con música que no conoces?

Top 5 Los mejores regresos del 2013

El mes de Diciembre ya está aquí y con él llegan la temporada navideña y el clima invernal, además del fin de año. Como es común, en muchos medios de comunicación se publican algunas listas donde se reseña algo de lo más destacado del año que termina, desde películas, producciones musicales, libros, etcétera. En esta ocasión, Chulavista Art House La Revista mostrará a través de breves listas hechas por cada uno de los colaboradores un poco de lo más destacado de este 2013.

En esta ocasión, la temática refiere al Top 5 de los regresos musicales más destacados de este año que está por concluir; regresos musicales relevantes a gusto de este colaborador, que de alguna forma lograron acaparar la atención de la mayoría de los medios musicales de nuestros días, y que a la vez han permanecido en el gusto del gran público.

5.- Nine inch nails – Hesitation marks

Sin duda, Trent Reznor es conocido por ser un músico muy versátil y creativo. Desde que Nine Inch Nails (el proyecto musical más importante de los varios en que participa) se fundó en 1988, la banda ha pasado por varios procesos de transformación, teniendo como hilo conductor el rock industrial. Aunado a sus presentaciones en directo, que implican el uso de visuales de alta calidad, así como el uso de una instrumentación variada, este proyecto destaca por sus líricas así como por el uso inteligente e, incluso, elegante del sonido. Este álbum, lanzado el 3 de Septiembre, es una prueba irrefutable de ello. Reznor hízo público durante Mayo del mismo año que estuvo trabajando con Atticus Ross y Alan Moulder en un nuevo material de larga duración que se lanzaría próximamente. Los incondicionales de la banda recibieron un disco plagado de creatividad y belleza.

http://www.youtube.com/watch?v=gU87V2P8SQ4

 

4.- My bloody valentine – mbv

My Bloody Valentine es una banda más conocida por ser parte de la influencia de muchas otras bandas que por su material en sí, esto no es debido a que sea carente de calidad, sino porque se trata de canciones que demandan mucho de quien las escucha. Grupos como Sonic Youth han admitido la fuerte influencia que esta banda tuvo en ellos. Siendo pioneros del post punk y a la vez fundadores de un género que a la postre sería bautizado como shoegaze, su presencia no ha dejado de sentirse a pesar de que transcurrieron 22 años desde la edición de su último material de estudio (Loveless, 1991). Después de múltiples separaciones y noticias falsas sobre su reunión como grupo, de forma inesperada salió a la venta el 2 de Febrero su más reciente material, que deja claro por qué son lo que son. A pesar de ser un material difícil, es sin duda algo de una calidad increíble que merece ser escuchado.

 

3.- arcade fire – reflektor

La banda canadiense Arcade Fire ha sabido como desenvolverse en un medio artístico plagado de trampas y caminos falsos. Desde la salida de su primer LP en 2004 (Funeral), el grupo ha mantenido una línea a seguir en sus siguientes materiales, que deja paso a cierto grado de reinvención. Sin duda, un claro ejemplo de su talento es haber llamado la atención de David Bowie como para colaborar con un grupo que aún no contaba con reconocimiento alguno dentro del medio musical. Es así que han sabido construirse un nombre, y este material (Reflektor) es la prueba que puede necesitarse. Se trata de un material temático que gira en torno al mito griego de Orfeo y Eurídice y que nos lleva a través de un viaje musical lleno de creatividad pero también de una madurez que se siente a cada momento en esta producción realizada por el ex lider de LCD Soundsystem, James Murphy.

http://www.youtube.com/watch?v=im3WzyHj-hQ

 

2.- Daft Punk – Random Access Memories

El dúo francés Daft Punk dificilmente necesita de una presentación, debido al gran éxito que crearon a su alrededor en la escena de la música house con su disco Homework (1997). El éxito más rotundo llegó con el Discovery (2001) que es un parteaguas dentro de esta escena musical. Sin embargo, con la salida del Random Access Memories (2013) Daft Punk dejó en claro que no planeaban seguir en la misma línea creativa. Este material, fuertemente inspirado en la música disco, es especial debido al gran número de colaboradores que tiene (Julian Casablancas, Nile Rodgers, Todd Edwards o Giorgio Moroder, el legendario músico/productor de italodisco) así como por el sonido que intenta emular utilizando instrumentos reales (baterías, guitarras, bajo) y materiales de grabación propios de los 50’s, 60’s y 70’s. Es, sin duda, un tributo a toda una etapa de la música que, con cierta frecuencia, se pone de moda en nuestros días.

http://www.youtube.com/watch?v=4EyH1Omz4bg

 

1.- david bowie – the next day

Después de pasar por una cirugía a corazón abierto, de desaparecer prácticamente de la escena musical y de dedicarse de lleno a su familia, el genial músico David Bowie regresó de forma totalmente inesperada a principios de este año con su último material titulado The Next Day. Bowie es, sin duda, un músico que no requiere de presentación, pero sí tal vez de introducción debido al gran número de materiales editados por él, así como las varias colaboraciones hechas con otros músicos. Este es un disco mesurado pero no por ello menos genial, encontramos a un Bowie más que maduro, tal vez añejado sea la palabra, porque pareciera que, como músico, David solo mejora con el tiempo. La salida al mercado de este material provocó gran emoción en el público y es merecedor de ser escuchado de principio a fin, una y otra vez, para recordar (o nunca olvidar) por qué Bowie es la institución que es desde hace muchos años.

http://www.youtube.com/watch?v=F2nJHVNTHNw#

Punk: no todo era el exceso

 

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El nacimiento del Punk en Reino Unido fue agresivo; factores musicales, sociales y culturales fueron el detonante de éste movimiento, que si bien dejo un gran legado musical, no se concentró sólo en ese aspecto: creció la doctrina del “hazlo tu mismo” y otra de sus aportaciones a la cultura popular fue a la industria de la moda. Al llegar a la corriente prrimaria, su mensaje original se borró un poco y llegó hasta nuestros días totalmente tergiversado. Si nos trasladamos a 1976, Europa tenia tres millones de jóvenes desempleados cuyas esperanzas de una vida mejor ya habían desaparecido. No confiaban en sus gobiernos y la música que se hacía por entonces tampoco les estaba diciendo nada.

Karen Knorr y Olivier Richon tenían 22 y 24 años, respectivamente, cuando en 1976 comenzaron su labor: un fotoensayo de jóvenes punk. En su trabajo no encontraremos hombres y mujeres destruyendo cosas o  bebiendo en exceso, encontramos un trabajo cuidado estéticamente y modelos cooperando, siendo ellos mismos, sin actitudes exageradas. Las fotografías fueron tomadas en dos de los centros nocturnos más representativos del movimiento en Londres, el Roxy y el Global Village,  El trabajo obtenido durante 1976 y 1977 se encuentra recopilado en un libro publicado por la editorial independiente británica Gost Books.

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Con información de 20 minutos 

Morrissey lanzará cover en honor a Lou Reed

El ex integrante de The Smiths ha estado ocupado durante las últimas semanas; no hace demasiado se publicó su autobiografía, que ha sido esperada desde hace ya un tiempo atrás y que (como tantas otras cosas relacionadas con Morrissey) ha causado cierta polémica al ser publicada por la editorial Penguin dentro de su sección de textos clásicos. Las razones argumentadas por la editorial son varias, siendo la principal que “no hace falta esperar a que alguien muera y pase mucho tiempo para declararle como un clásico, si su obra lo ampara desde ahora”.

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En esta ocasión, Morrissey anunció que lanzará una reversión de Satellite of Love, canción original del recien fallecido Lou Reed incluída en su segunda producción larga Transformer, de 1972. Al recibir la noticia de la muerte del ex integrante de The Velvet Underground, Morrissey -de 54 años de edad- declaró que Reed ha sido una de las mayores influencias en su música. “Ha estado allí toda mi vida, siempre estará en mi corazón. Gracias a Dios por aquellos que, como Lou, se mueven dentro de sus propias leyes, de lo contrario imagina lo aburrido que sería este mundo”.

La versión digital de Satellite of Love interpretada en vivo por Morrissey saldrá este 29 de Noviembre. Las dos ediciones físicas (viniles de 7″ y 12″) saldrán a la venta el 2 de Diciembre.

Eminem muestra un adelanto del video de “Rap God”

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El rapero lanzó el teaser del video de “Rap God”, en el que se puede ver a un Eminem al estilo de Max Headroom (personaje principal de la famosa serie homónima de finales de los años 80).

“Rap God” salió el pasado 14 de octubre y se incluye en su disco The Marshall Mathers LP2, última producción del estadounidense y la segunda que hace alusión a Marshall Bruce Mathers, nombre real de Eminem. Su álbum incluye 16 temas y colaboraciones con artistas como Rihana, Kendrick Lamar, Dr.Dre, Fun y Skylar Grey.

Por lo pronto, hay que esperar hasta el 27 de noviembre para disfrutar del video completo de “Rap God” que, por cierto, se ha colocado en el gusto del público a pesar de la polémica que se desató por las frases con tintes homofóbicos que ésta contiene.

#Escucha lo nuevo de Röyksopp

El dúo noruego de música electrónica (formado en 1998) Röyksopp lanza un nuevo sencillo después de algún tiempo de mantenerse alejados de la vida musical. Pasaron tres años desde su último material y ahora anuncian la llegada de un nuevo LP a finales de este año mediante su propio sello discográfico, Dog Triumph.

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En este nuevo sencillo (Something in My Heart), que cuenta con la participación de Jamie McDermott, conocido por su trabajo con The Irrepressibles, regresa a la etapa más temprana de Röyksopp de discos como el Melody A.M., donde las secuencias más dulces y digeribles hacen todo el trabajo mientras se acompañan de voces muy melódicas en un sonido bastante logrado del mejor electro pop.

El nuevo material del dúo noruego se espera para el próximo 16 de Diciembre en el Reino Unido. Será, sin duda, uno de los materiales más esperados para este año que está tan cercano a terminar.

Los Guanábana: sonido poblano con sabor a Jamaica

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Corría el año 2002 cuando la Ciudad de Puebla vio nacer a una banda que actualmente es considerada, por algunos gustosos de estos ritmos, como una de las mejores bandas de música jamaiquina en nuestro país: Los Guanábana.

Con tan sólo tres discos (Hearbeats, Welcome to Reality y Salvajes) y algunos demos, Los Guanábana se han posicionado dentro del gusto de la gente. Con influencias como la música caribeña, el reggae roots (en su mayoría), pero también estilos como el dub, y el ska-jazz, su repertorio se compone de temas instrumentales que tienen como base la batería y el bajo, y dan rienda suelta a una poderosa sección de vientos, sin dejar de lado la guitarra y los teclados.

En sus inicios, Los Guanábana tocaban en pequeños lugares y foros de su natal Puebla y de algunos estados vecinos, como el Foro Alicia de la Ciudad de México, pero con el tiempo han recorrido el país presentándose en importantes festivales culturales, entre ellos el Festival Internacional de Puebla y el Festival Ollin Kan, también han alternado con bandas internacionales de renombre como The Skatalites y la New York Ska-Jazz Ensemble. Incluso, algunos músicos internacionales -como el legenadario músico y productor neoyorquino Victor Rice- han realizado versiones de sus temas.

http://www.youtube.com/watch?v=xoIK8qVHdN4

Pues ya saben, la recomendación de hoy son los poblanos de Los Guanábana, una banda mexicana que sabe cómo darle un buen uso a sus instrumentos, y que tal vez no lleguen a ser tan conocidos como uno quisiera pues, lamentablemente, aún se juzga el género musical antes que la calidad de la música.

 

Cumbre Tajín 2014

Faltan aún cuatro meses para que se lleve a cabo la decimoquinta edición del Festival Cumbre Tajín 2014 en Veracruz del 20 al 24 de Marzo y ya se anunciaron los tres primeros grupos que estarán presentes en dicho festival.

Directamente de Los Ángeles, y después de mucho tiempo de espera, Tool se presentará con su metal progresivo por fin en tierras mexicanas, en lo que seguramente será un éxito rotundo. La banda, surgida en 1990, cuenta con Danny Carey (batería), Adam Jones (guitarra), Maynard James Keenan (voz) y Justin Chancellor (bajo) como sus integrantes.

Se presentará también Primus, la banda nacida a finales de los 80’s en Estados Unidos que lleva una fuerte influencia de Queen, King Krimson, Zappa y Pink Floyd a través de su rock/metal fusión que, tiempo después, sería una gran influencia para decenas de bandas que se autodenominaron indie. Sin dejar de lado su lírica que raya en lo bizarro, encontramos también algunas curiosidades en su carrera, como el haber compuesto el tema original para la serie animada South Park.

Se confirma además la presencia de Puscifer (proyecto alterno del vocalista de Tool y A Perfect Circle, Maynard James Keenan) que bien podríamos considerar el proyecto solista de Keenan, debido a que él es el único miembro constante en la alineación de la banda, que ha contado con diversos colaboradores como Milla Jovovich, Danny Lohner o Lisa Germano. Sin duda, la música ta variada que va del ambiental y trip hop hasta tocar ciertos puntos del industrial de esta “banda” será algo inolvidable dentro del Cumbre Tajín 2014.

http://www.youtube.com/watch?v=bPC9wvTpvL4

Verve Records, jazz al ritmo de igualdad

Verve Records o The Verve Music Group fue una discográfica que rompió los duros esquemas raciales en 1956. El fundador, Norman Granz, tenía tres objetivos: luchar contra el racismo, ofrecer buenos productos musicales y ganar dinero.  ¿Lo logró? Claro, y no sólo eso: dentro de sus filas tenían a varios de los músicos más destacados del Jazz estadounidense: Ella Fitzgerald, Louis Amstrong, Bill Evans, Stan Getz, Billie Holiday y Oscar Peterson, en otra etapa más avanzada también tuvieron a Frank Zappa y a Velvet Underground.

Ella Fitzgerald  gano 7 Grammy’s siendo parte de la disquera

¿Por qué fueron tan revolucionarios? Fue la primera discográfica en Estados Unidos que a músicos blancos y afroamericanos les pagó lo mismo, compartían camerinos y, durante las presentaciones, la gente íba a disfrutar sin distinciones raciales, situación que no estuvo exenta de controversia.  Granz su fundador incluso llego a tener enfrentamientos con la ley, al defender a sus músicos contra abusos policiales, fungió incluso como productor. Richard Havers publicó el libro Verve. The Sound of America un recorrido fotográfico por la historia del sello.

Con información de 20 minutos

Algo más que simple trova…Músicos y músicas

¿Escuchas eso? Sí, ese sonido tan bonito de cuerdas: cuerdas punteadas por una misteriosa melancolía, arpegios, rasgueos y oportunos silencios; la voz de una señorita guitarra que da un abrazo sonoro al canto del trovador.

En la Edad Media, en Francia, los trovadores surgieron como músicos de la corte que interpretaban canciones de su autoría. Sus letras estaban dedicadas a la mujer inalcanzable.

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Desde hace algunas generaciones, en las secundarias y preparatorias, no falta el joven que toca la guitarra y canta las bellas canciones de Silvio Rodríguez o algún otro trovador conocido. Generalmente, tampoco falta la muchacha que suspira sólo de ver al joven intérprete.

Hoy en día, la esencia de la trova sobrevive, sólo que esa mujer inalcanzable en ocasiones se viste de madre, de infancia, de patria o de la vida misma; otras veces, simplemente es una hermosa mujer, musa del hombre que sabe decir bellas palabras en compañía de su gran amiga, la guitarra. Ese hombre que se vale de la poesía y de la música para aflorar su sensibilidad y percepción de la vida.

Cuando uno se acerca a la trova actual, puede ver que su sonoridad y su poesía caminan de la mano y van más allá de un querer llamar la atención de una o varias mujeres. Con el paso de los siglos, la trova ya no es sólo una canción dedicada a un amor platónico, el trovador también reflexiona sobre sí mismo y sobre el mundo. Víctor Jara nos canta en “Manifiesto”:

<<Yo no canto por cantar
ni por tener buena voz
canto porque la guitarra
tiene sentido y razón…>>

Si se analiza la letra completa, podemos ver que el trovador del siglo XX es humilde, sufridor de las desgracias de su pueblo, romántico soñador, esperanzado a que el amor llegue a su vida. Y no precisamente el amor de una mujer, como lo han aclarado varias veces los mismos autores: Juan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez, David Haro y Carlos Varela, por mencionar algunos. Sin embargo, muchas canciones se malinterpretan. Claro que éstas pueden dedicarse a una dama, pero en realidad es una manera de disimular la verdadera dedicatoria y así evitar la censura de la obra.

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Los trovadores llegaron desde Europa a Sudamérica como parte de las tradiciones que trajeron los españoles. De ahí que el trovador latinoamericano refleje en su arte el dolor tan inmenso de quedar despojado de lo propio: su guitarra llora las historias que el cantor entona, el trovador hace retratos de todo lo que pasa a su alrededor y expresa en ello su sentir.

Cuando tomamos en cuenta lo anterior, toda canción se escucha diferente y todo cantor se mira de otro modo. Se puede elegir mejor lo que se canta a la joven enamorada, a la madre, a la patria o a la vida misma. Hacer que la música nos muestre de manera sincera y noble ante el mundo, se vuelve alcanzable.

¿Escuchas eso? Sí, ese bonito sonido de cuerdas punteadas por la mano de una voz de suave brisa alentadora. Trova hermana de la poesía. Cancioncita de color cálido que abraza nuestras almas, que perfuma nuestro aire con su sabor a tierra de la que brota el amor que un día nos dio a luz.

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlántico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, sólo en el Club Atlántico.

El Jueves 14 de Noviembre el Club presentará desde Argentina a Muñeca Galáctica, Seven Rays y Montevideo. La cita será a las 21 hrs y el acceso tendrá un costo de $30 pesos.

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El Viernes 15 de Noviembre tendremos el #AtlánticoSinPantalones con la música de Timothy Brownie & Los Impostors. Contamos con pases dobles para este evento. No olviden que su IFE será obligatoria. Los esperamos con sus mejores prendas. La cita será a las 9.30 PM.

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El Sábado 16 tendremos el #AtlánticoDancingClub que no se pueden perder. Tendremos la música de César y sus esclavos, La Orrorosa y Sonora Movimiento. Tenemos pases dobles para este evento. La cita será a las 9.30 PM y el acceso tendrá un costo de $60 pesos. Chicas gratis antes de las 11 PM.

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Y como nos espera un fin de semana largo, la fiesta continua el Domingo 17 de Noviembre con Vibra Muchá, Quilombo y Fuego en Babylon. El acceso es totalmente grauito, así que no dejen pasar esta oportunidad. El acceso será a partir de las 5 PM.

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Festival Internacional de las Luces México 2013

Durante cuatro días el Centro Histórico de la Ciudad de México se vestirá de luz y sonido.

fes luz 2El 7 de noviembre inicia el Festival Internacional de las Luces México 2013 que por primera vez llega a América Latina. Después de presentarse en diversos países como Japón, Alemania y Francia, la muestra artística hará escala en nuestro país.

Durante el festival el público disfrutará del trabajo de artistas nacionales y foráneos a través de proyecciones en distintos edificios emblemáticos, Dj sets y clases magistrales, además contará con El Foro Internacional de la Luz, donde expertos discutirán sobre el arte lumínico el 8 y 9 de noviembre en el Museo Franz Mayer.

Los espectáculos se llevaran a cabo de  19 a 23 horas. También contará  con el recorrido “La noche de las luciérnagas” el 8 de noviembre sobre el Corredor Reforma; la entrada es libre.

Las 13 obras de la Ruta

1. Antiguo Palacio del Arzobispado Museo de la SHCP. “Sin cabida” de Betsabeé Romero. (Instalación de luz) Calle de Moneda No. 4.

2. SEFI-CELE Antigua Escuela de Ing. “Expansión textual” de Ice Trip. (Proyecciones) Calle Guatemala No. 90

3. Paraninfo de Autonomía. “Las flores del infierno” de Irene Blaise. (Cajas de luz) Calle Lic. Verdad No.2

4. Museo de la Luz. “Memento mori” de Rocio Asensi. (Escultura de luz) Calle del Carmen No. 31

5. Plaza Tolsá / Cuba y Argentina. “Turibus” de Errantes.
(Proyección) Calle Tacuba s/n entre Marconi y Xicoténcatl

6. Plaza de Santo Domingo. “Fuego” de Flow Fabric Art. (Performance)
Calle República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

7. Plaza Garibaldi. “Globos monumentales” de Liga Mexicana de Globos de Cantolla. (Globos)
Calle Caminito s/n / República de Brasil entre Cuba y Belisario Domínguez

8. Iglesia de la Concepción Cuepopan. “Candelabro” de Valeria Florescano. (Escultura de luz)
Calle Belisario Domínguez s/n entre Dr. Mora y Ángela Peralta

9. Fachada del Palacio de Bellas Artes. “El origen del mundo” de Miguel Chevalier. (Fachada Virtual) Av. Hidalgo No. 1

10. Kiosko Alameda Central. “Kiosko-cinema” de Paolo Tosini.
(Proyecciones 8mm y digital) Av. Hidalgo s/n entre Av. Juárez y Dr. Mora

11. Alameda Central. “Los nidos” de Lucion Media.
(Escultura de luz) Av Hidalgo s/n entre Juárez y Dr. Mora

12. Laboratorio Arte Alameda. “Esto no es carne” de Erick Meyenberg, Marisol Cal y Mayor y Jorge Torres Sáenz.
(Performance) Calle Dr. Mora No. 7

13. Laboratorio Arte Alameda. “SAE” del Colectivo del SAE.
(Proyección) Calle Dr. Mora No. 7

Lo que dos músicos pueden llegar a hacer: EL DUO

"En un principio, no sabíamos en realidad lo que queríamos".

En un cómodo formato de dos, comenzaron a andar por la vida buscando hacer de su música algo sustentable. Comenzaron en las transitadas esquinas de la calle Madero, pero fue en los alrededores de la Iglesia del centro de Coyoacán donde se dieron a conocer. Pronto fueron invitados a tocar en cumpleaños y bautizos…sin embargo, se dieron cuenta de que no tenían una identidad musical.

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   Después de rondar un tiempo en ese mundo de controversias, decidieron darle un giro a su proyecto…

   Se incursionaron dentro del género ópera pop.

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Hugo Cruz, Christopher Mendoza y Alberto Adhemar

   Hugo y Alberto nos cuentan, entre risas y recuerdos, cuando una joven se acerco a ellos y les dijo: “He escuchado a muchos grupos y ensambles, pero ustedes tienen algo…porque ustedes….son dos”. Así fue como reforzaron esa cualidad al grado de llamarse: EL DUO  (sin acento).

   Es ahora que defienden ese sentido práctico que denota confianza plena y una DUALIDAD inherente a la existencia humana.

                                                                                        Empezaron a formar un equipo para el diseño de imagen, fotografía y publicidad. “No como relación laboral, sino artística, como una familia”. En el cajón peruano, invitaron a participar a Christopher Mendoza, porque “EL DUO son mucho más que dos”.

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“El DUO Aguascalientes + EL DUO = ¡¡¡esperanza y alegría!!!”

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   La gente les ha llegado a preguntar: “¿Por qué no se dedican nada más a hacer música?”, no obstante, otra es la búsqueda que les atañe y nos invitan a participar:

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“Siempre tendrán lugar en la familia EL DUO

Ensamble Vocal K’ay Há…el canto del agua

“una energía palpitante….un canto de vida”

 

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K’ay Há viene del maya y significa: el canto del agua.

 

Este grupo de jóvenes amigos, en la búsqueda por el nombre perfecto, aquel que pudiera reflejar el alma del coro y su labor de difusión de la identidad mexicana, se toparon con la Cámara de Lambdoma de Ariel Guzik.

Diego Rivera
Diego Rivera

 

  “La Cámara es un instrumento impresionante que convierte la información de su entorno (viento, agua y temperatura entre otros) en sonido, es un reflejo del sonido del mundo, más específicamente, de México…Me di cuenta de que el coro desempeñaba la misma función, ser el cuerpo del arte, la voz de la vida: el canto del agua.”

 

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Mariana Catherine Magaña, directora del ensamble, nos habla del sentido de su proyecto:

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“Queremos que el arte llegue a más personas””

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 “Queremos dar a conocer la música mexicana tradicional, de concierto y contemporánea, así como música latinoamericana a los propios mexicanos, darle un impacto social. Esta necesidad surgió después de ver el documental The Promise of Music, una crónica del sistema musical de Venezuela, uno de los más grandes éxitos de los últimos años,  ya que a través de la creación de coros y orquestas rescata a los niños de las calles. El programa es una muestra de que se pueden cambiar las cosas.”

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   No sólo en La Casa del Lago, en la UNAM Campus Morelos y Campus Morelia, en la FES Aragón, la Fonoteca Nacional, la Sociedad de Autores y Compositores de México, la Escuela Nacional de Música, sino también en lugares alejados de las “grandes urbes”, presentan versiones desde Guantanamera hasta Te Quiero.

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Ensamble Vocal K ‘AY HÁ

 

Ramón nos invita a conocer MARÉ

 

Ramón Aarún, entre muchas otras cosas, es cantante. Actualmente forma parte de MARÉ, un colectivo de cuatro cantantes que se acompañan con la guitarra y el cajón peruano. Cuatro artistas con diferentes gustos y estilos, cuatro amigos: Mike Trejo, Lalo Hernández, Adán Feijo y, desde luego, Ramón Aarún.

    “Un día nos juntamos para hacerle un homenaje a aquellas canciones que nos han marcado y terminamos creando un bellísimo proyecto”. Ahora, están grabando su primer disco, Ciudad MARÉ.

   “MARÉ es un estilo de vida, nuestra propia forma de ver el mundo…eso es lo que retratamos dentro de nuestra música y las historias que contamos”.

 

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Pero, ¿quién es Ramón? Él nos cuenta: 

   “Desde niño, con las bohemias en mi casa, me enamoré de la música y la actuación. A los 15 años ya había compuesto mi primera canción y al poco tiempo ingresé en una compañía de espectáculos en Veracruz: GO´S. Participé en Tv Azteca como actor, hoy soy productor y conductor dentro de Radio Independiente (www.radioindependiente.info) con el programa Los Papis MX.”

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Ramón Aarún

 

 

 

 

“Los invito a que sean parte de esta Ciudad y lo gocen al igual que nosotros, el viaje es turbulento pero vale la pena la mareada.”

Silverio en el Atlántico

 

El reloj marca la hora: pasa de la 1 AM y la noche sigue fresca. Dentro del Club Atlántico, las personas esperan el momento en que Su Majestad Imperial Silverio suba al escenario. Las luces parecen listas, el equipo de audio es revisado una y otra vez: cables se conectan, otros se quitan. Las manos del personal técnico apuntan con su pulgar hacia arriba mientras los invitados (algunos con disfraz improvisado) comienzan a perder la paciencia. La cita era a las 10 PM, dando tiempo suficiente para ingerir alguna bebida espirituosa que dé alivio a decenas de gargantas secas. La música que se toca para amenizar la espera produce emociones en no pocos de los presentes: casi todos bailan, la mayoría grita y lanza las primeras mentadas de madre contra Su Majestad. El ambiente festivo se presta para emitir la opinión de los asistentes.

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¿Quién es Silverio? ¿Por qué hay tantas personas que le esperan dentro del Club Atlántico? Este personaje (nacido en Chilpancingo, Guerrero) tiene ya cierta fama: sus espectáculos en vivo son una fiesta cercana al bacanal donde las bebidas fluyen y fluyen tratando de apaciguar el calor tan intenso emanado de los cuerpos pegados de los asistentes; su música (con tintes de highenergy ) llena de gritos y gemidos provoca al público que desea verlo, ya no escucharlo sino eso: verlo. Esto porque sus presentaciones son todo un show bien preparado, donde pareciera que la anarquía se hace presente: las personas hacen gala de su mejor lenguaje soez y arrojan diversos objetos, como vasos y botellas, a Su Majestad Imperial (con mentadas de madre de por medio). Pero todo esto parece no más que complacer a la estrella de la noche: Silverio se divierte y responde con mejores palabras llenas de insolencia y vulgaridad que provocan e, incluso, emocionan al público que pide más y más.

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Llegado el momento, aparece Silverio: traje azul de satín y corte a la Rick James son lo que define al dj de Guerrero. Comienza a pinchar discos y muestra lo más aceptado de su catálogo musical. Rola tras rola, los asistentes no dejan de bailar y lanzar mentadas. A pesar de una repentina falla en el audio, el show continuó hasta que no se pudo más. La mezcla de espectáculo insolente, lenguaje vulgar y música con aire ochentero no parecen decepcionar a nadie. El show de este dj lleno de teatralidad, música y una aparente falta de autoridad con la interacción de su público parecen ser el atractivo principal. A pesar del incidente en Oaxaca a principios de año, donde las autoridades locales lo arrestaron, Silverio ha salido adelante llevando sus presentaciones a otros lugares de la república. Mientras las personas no paren de bailar, habrá Silverio para rato.

Cinco años sin el padre del Ska mexicano

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El 25 de octubre del 2008, tras algunos problemas de salud, falleció a la edad de 73 años Antonio Quirazco López, mejor conocido como Toño Quirazco, quien junto con su orquesta Hawaiana, se convirtió en la primera persona en este país en sacar un álbum totalmente de ska.

Toño Quirazco fue enviado a Jamaica por Emilio Azcarraga para ir a aprender ese  “nuevo”  ritmo que acababa de surgir en la isla.

A su regreso, Toño Quirazco le dio un  toque personal con su guitarra hawaiana; además, como el mismo mencionaba, trató de acelerar un poco el ritmo para asemejarlo con la música norteña y así tener más aceptación en nuestro país.

A diferencia de lo que se pudiera pensar, en los 60’s el ska en este país tuvo una gran popularidad y aceptación, en cierta medida por el trabajo realizado por Antonio Quirazco, varios grupos y cantantes tales como Los Socios del Ritmo, Pily y Mayte Gaos, Angélica María, Los Yorsis, entre otros, comenzaron a grabar temas a ritmo de ska, siempre destacando más el trabajo de Toño Quirazco y su Hawaiana además de ser los únicos en sacar L.P.’s totalmente de ska como lo fueron el Jamaica Ska y el Ska Vol. 2, en los cuales hay especialmente covers que Toño pudo escuchar durante su estancia en Jamaica, por ejemplo temas de los mismos Skatalites, Byron Lee, Jackie Opel, Roland Alphonso y varios más.

 

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Después de este auge que tuvo el ska en nuestro país en la década de los 60’s, el ritmo fue perdiendo popularidad y por consecuencia el trabajo de Toño Quirazco también. Con el paso de los años y por problemas de salud, Toño tuvo que dejar de cantar, hasta que finalmente dejó la música por completo.

A más de 40 años de la salida del Jamaica Ska y del  Ska Vol. 2, ORFEON, la disquera responsable de editar los discos de Toño Quirazco  ha realizado algunas reediciones que (como era de esperarse) se han agotado rápidamente, ya sea por algunos gustosos del ska, personas que han ido descubriendo su obra, o simplemente por aquellos gustosos de la música. Seguramente, seas o no seguidor de este ritmo, al escuchar algún tema de Toño Quirazco y su Orquesta Hawaiana te hará mover la patita.

¡Olvidémonos de Thriller y escuchemos Messer Chups!

 

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Faltan pocos días para las celebraciones de los muertos y uno de los problemas que se presentan es qué música poner para amenizar las reuniones. Tal vez este año no quieres recurrir a hacer la coreografía de Thriller en compañía de tus amigos y buscas algo un tanto distinto. Quizás escuchar a Messer Chups te abra un poco el panorama y si te convence puede que lo incluyas en tu repertorio musical.

Messer Chups es una banda de surf rusa creada en 1998 en San Petersburgo. A lo largo del tiempo han tenido varias modificaciones en cuanto a sus integrantes, incluso dentro de su segunda alineación contaron con la participación de Lydia Kavina, sobrina nieta de León Theremin, el inventor del instrumento que lleva su apellido. La agrupación actual está conformada por Oleg Gitarkin, líder y guitarrista; la bajista (y muy hermosa) Annette Schneider Zombie girl y Denis Kuptzov en la batería.

Tienen un estilo que combina lo retro con lo exótico, basados en la cultura pop estadounidense de los 50’s 60’s y 70’s e inspirados en las películas Hollywoodenses de zombies y vampiros de esas décadas. En sus conciertos suelen proyectar animaciones y fragmentos de estas cintas.

Al escucharlos se puede apreciar un sonido delirante. Es característico que usen sampleos de bandas sonoras de películas europeas y de las ya antes mencionadas. Además logran crear atmósferas psicodélicas y ambientes de horror con el uso del Theremin, el cual Zombie girl toca con maestría, y que logra hipnotizar a cualquiera que los escuche.

Han estado en gran parte del mundo (nunca en México) con buena aceptación por parte del público y son considerados como una banda de culto (lo que sea que eso signifique). Es por ello que, en las próximas fiestas, merecen ser escuchados a todo volúmen.

Esta semana en el Club Atlántico

Como cada semana, el @club_atlantico nos presenta su agenda cultural. No olviden que el acceso a los eventos requiere de su identificación oficial y que incluye talleres, cocteles, conciertos, cineclub y unas puestas de sol increíbles. Todo esto y más, solo en el Club Atlántico.

El miércoles 30 de Octubre, dentro del #CineClubAtlántico se presentará un documental sobre los Babasónicos llamado Jessico, una historia de rock en tiempos convulsos, dirigido por Alejandro Arias en punto de las 7 de la noche. Además, habrá un tributo en vivo al finalizar la proyección de la cinta. Entrada libre.

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Continuamos el jueves 31 de Octubre con una Fiesta de disfraces, que incluye un divertido Concurso con premios para los mejores atuendos de la noche. La cita es a las 9 PM y el acceso tiene un costo de $50 por persona. La noche será amenizada por Balka Nour, Beauty Sin, La era vulgar y Son con Caché.

 

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El viernes 1 de Noviembre nos espera #UnaEpicaFiestaDeDisfraces con Su Majestad Imperial Silverio & Astros de Mendoza. Esta promete ser una noche en verdad divertida acompañada de muy buena música. La cita es a las 9 PM y el acceso tiene un costo de $100 con disfraz y $150 sin disfraz.

 

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Para mayor información sobre otros eventos, no olvides consultar la página oficial del Club Atlántico: http://www.atlantico.mx/a/

#ChulavistaPresenta Requiem de Mozart por la SEMAR en la #MegaOfrenda 2013

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Coro de Cámara de la Secretaría de Marina.

El Coro de Cámara de la Secretaria de Marina-Armada de México existe desde 1993. Surgió como una propuesta cultural que refleja la disciplina y el trabajo en equipo característicos de la SEMAR.

Esta conformado por grandes músicos mexicanos que estudiaron en escuelas de música del país: ENM, la Escuela Superior de Música, el Conservatorio y Ollin Yoliztli.

 

En esta ocasión, dirigida por el Teniente de Corbeta SMN. MN. Carlos Ortiz Alcocer, tendrá una participación importante en la inauguración de la tradicional Mega Ofrenda de la UNAM el 29 de octubre del 2013 a las 8:00 pm en el Foro KIN, ubicado a lado de la Torre de Rectoría. Presentarán el Requiem de Mozart en el arreglo de Czerny para dos pianos, coro y solistas.

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Teniente de Corbeta Carlos Ortíz.

Chulavista Art House agradece la gentileza, de parte de la Secretaría de Marina, por participar en la Megaofrenda así como su interés de difundir la cultura en México.