¡Ya vamos a la mitad del XXXVI Foro Internacional de Música Nueva!

Hay muy pocas oportunidades en esta ciudad de asistir a conciertos de música contemporánea, y es por eso que el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez es un evento cultural sumamente importante. En este festival, que dura poco más de dos semanas (de las cuales ya llevamos una y media), se dan cita muchos (o prácticamente todos) de los ensambles mexicanos especializados en música contemporánea para darnos una probadita de las tendencias que se están gestando en nuestros días.

 Dado que hay conciertos todos los días (y que por alguna razón macabra son justo mientras los estudiantes estamos en las últimas batallas de fin de semestre), es muy difícil asistir a todos, pero vale la pena hacer un esfuerzo, dado que las experiencias musicales que tenemos la oportunidad de tener, son realmente difíciles de encontrar en este país.

Kaija Saariaho
Kaija Saariaho

 Intérpretes y compositores de todos los estilos posibles, desde los más conservadores hasta los más radicales, hacen su mayor esfuerzo por convencer a un público que muy lentamente va acrecentándose. En el primer concierto de la temporada (el cual ya reseñé anteriormente) sobresalió ampliamente el concierto para flauta de Kaija Saariaho L’aile su songe (2001), interpretado por el maravilloso Alejandro Escuer, que por cierto se presenta este fin de semana en el teatro de la ciudad con su proyecto Lumínico, para flauta, música electrónica, video, cello, percusión e iluminación. ¡Promete ser un espectáculo espléndido! (Para más información entren aquí)

 El concierto del Ensamble Ónix también me parece digno de mención. No sólo por la selección bastante acertada de obras, sino por la experiencia y madurez que este ensamble demuestra en sus presentaciones en vivo. No sólo son muy precisos, sino que desbordan vitalidad. Su versión de Eleven Echoes of Autumn (1965), de George Crumb, fue tremendamente disfrutable. La poesía y el misterio de la música de este compositor gringo fueron expresadas bellamente. También su Michael Nyman, Vuestro Secreto Rompí (2009), fue impecable: un torrente de energía minimalista llena de contrastes.

George Crumb
George Crumb

 Otro concierto admirable fue el que dio el Cepromusic el sábado pasado. Tocaron obras de compositores bastante jóvenes (Jae-moon Lee, Wong Chun-Wai y Kenta Masuda) que, sin embargo, mostraron tener buena madera y un futuro prometedor. Fue curioso comparar las primeras obras (pues pareciera que a propósito el programa iba por edades) con las de compositores más experimentados, pues es notorio el nivel de claridad que el artista va consiguiendo con el paso del tiempo. Las piezas de Martin Loridan y Gabriela Ortiz tenían más fuerza y una voz más original.

 A pesar de que la música contemporánea es un poco difícil de digerir para la mayor parte de la gente, por experiencia propia les puedo asegurar que es solamente cuestión de acostumbrar al oído. Es realmente triste que una porción tan gigantesca de la música que existe en nuestro mundo llegue a tan pocos escuchas, sobre todo siendo una música creada por compositores tan sumamente preparados, esforzados y talentosos. La clave para aprender a apreciarla es liberarse de todos los prejuicios y atender al sonido como lo que es: una experiencia sensorial. Sí, la música contemporánea no tiene coros pegajosos, ni solos de guitarra eléctrica (aunque últimamente ya hay algunos ejemplos de esto), ni chicas sensuales bailando al ritmo de la música; pero lo que sí tiene, y en abundancia, es expresividad emocional, sutilezas auditivas, contrastes pavorosos, ritmos desconcertantes, sentimientos encontrados, fuerza en abundancia. Aprender a escuchar la música contemporánea lleva un esfuerzo, es cierto, pero es un esfuerzo que vale la pena: vivir como ser humano sin ser capaz de apreciar una de las más bellas formas de arte es inadmisible. ¡Nos perdemos de tantas experiencias!

 Ha habido más conciertos en el Foro que han sido bastante valiosos, y aún quedan otros más por descubrir. Y es por eso que los aliento a que asistan a los que faltan: sin público, estos esfuerzos no tienen ningún sentido. Para enterarse de más, acá está el link: aquí.

Vive la experiencia #Ensayódromo Universidad

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¿No tienes dónde ensayar?

En Ensayódromo encontrarás un lugar profesional construido por expertos en acústica y diseño. Instrumentos musicales, backline, todo acondicionado para que te desarrolles musicalmente como solista o con tu banda.

 ¡No solamente una sala de ensayo!

 Ensayódromo ofrece a los músicos la posibilidad de ser vistos y escuchados en tiempo real, si así lo desean, por el público en general mediante un innovador “sistema de aparador” que permite al transeúnte observar y deleitar sus oídos con lo que está sucediendo dentro. Además, si el músico lo desea, se podrá transmitir vía streaming toda su sesión.

 ¡Se parte del movimiento!

 El primer Ensayódromo se encuentra en dentro del Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4.

 Es muy sencillo ser parte de la comunidad Ensayódromo, solamente sigue los siguientes pasos:

  1. Regístrate
  2. Reserva
  3. ¡A tocar se ha dicho!

¿Cómo reservar?

 La reservación la puedes realizar directamente en el Ensayódromo, a través de internet en ensayodromo.chulavista.mx a partir del 3 de junio o comunicándote a nuestro Centro de Atención Telefónica al número 36039228 en un horario de 8:30am a 6:00 pm.

 Recuerda que el tiempo máximo de uso es de 2 horas por banda y/o solista, en un horario de lunes a sábado de 8:30 am a 10:30 pm y, en caso de que la demanda de espacio sea elevada, se extenderá a los domingo de 10:30 a 21:30

 ¿Qué debo llevar al Ensayódromo?

 Instrumentos personales como guitarra, bajo, cables de plug a plug, peladeras, platillos, tarola, baquetas, pedal para bombo, plumillas y tahali.

 De cualquier forma, si no tienes los instrumentos o por alguno razón no pudiste llevarlos ¡no te preocupes! Podrás rentarlos a precios accesibles en el espacio.

 La utilización de la sala de ensayo tendrá una cuota de recuperación de $150.00 pesos por hora. Incluye:

  • Grabación de sesión de ensayo ( se entregará en memoria usb de minimo 8 gb, por tracks o mezclados en un solo archivo)
  • Microfonía
  • Backline (Amplifiadores, dos de guitarra, uno de bajo y P.A)

 También puedes rentar instrumentos por sesión:

  • Bajo, guitarra, contratiempos, crash y ride: $50.00
  • Cable de instrumento: $25
  • Grabación de demo $500

 Tu cuota de recuperación la podrás realizar a través de PayPal ( a partir del 3 de junio) o por depósito bancario a la cuenta 0209831337  Suc. 249 de Banorte , a nombre de Chulavista Art House A.C. o en las oficinas Telecomm y Tiendas de conveniencia, 7-Eleven, Tiendas Del Sol y Woolworth, Exito y Soriana con la misma cuenta. Con tu comprobante de pago, podrás hacer uso de las instalaciones.

 No esperes más, reserva desde el día de hoy al 36039228 de 8:30 am a 6:00 pm y se de los primeros en vivir la experiencia #Ensayódromo.

 Y si todavía tienes dudas, no te puedes perder la gran inauguración del espacio este sábado 31 de mayo a las 3:00 pm a través de un streaming que podrás disfrutar por el canal de You Tube de nuestros amigos de Concierto Cable.  Tendremos entrevistas y la música de Triciclo Circus Band, Lundem, O Tortuga, Jean Loup y más.

 Y  no debes olvidar que a partir del  8 de junio, tus Domingos ya no serán los mismos de siempre, ya que tendremos conciertos en vivo de las bandas que suenan en el Ensayódromo, así como de otras propuestas musicales que debes escuchar. También lo podrás disfrutar vía streaming.

 Esto es solo el comienzo del movimiento #Ensayódromo.

 Estamos listos, y a ti ¿qué te falta?

En Junio, Distrito Presenta

Después de Distrito Era, Distrito Animal, Distrito Ritual, y varias otras fiestas que nos han dejado un conjunto de recuerdos muy especiales, Distrito Global regresa este 2014 al circuito de fiestas y propuestas culturales de la Ciudad de México con Distrito Presenta, un festejo con el sello de la casa donde podremos disfrutar de una de los mejores propuestas de música electrónica contemporánea, compartiendo escenario con grandes exponentes de la escena nacional.

Como siempre, Distrito Global propone su evento en un lugar extraordinario. El Centro Cultural México Contemporáneo, simplemente fascinante, promete generar un ambiente perfecto para esta noche especial.

Entre las bandas invitadas:

Com Truise es una de las múltiples facetas del productor y DJ neoyorquino Seth Haley, un amante de los sintetizadores cuyo aprecio por la ciencia ficción ha tomado forma en una muy particular propuesta musical. Por alrededor de una década, este mastermind de los sintetizadores se ha encargado de explorar la música a través de diferentes seudónimos y personajes, pero es a través de su alter-ego Com Truise que ha logrado trascender en la escena internacional de música electrónica. El artista evoca así un entorno galáctico que, como sus otros trabajos, perfectamente podría ser el soundtrack de alguna película de ciencia ficción, y de la cual formaremos parte el próximo 6 de junio en Distrito Presenta.

Originario de Michoacán, Anti Gravity es desde hace algunos años residente de la Ciudad de México, este moderno narrador de historias musicales es una de las joyas nacionales de la música electrónica y a quien vale la pena prestar oídos.

Com Truise

Con una propuesta vanguardista de una limpieza sonora inigualable en la escena mexicana, este DJ es un creador de experiencias sonoras que ha podido apreciarse principalmente en el circuito hasta cierto punto underground. En esta ocasión, será uno de los encargados de ponernos en la atmósfera abriendo el escenario para Com Truise y estrenando además, una sofisticada escenografía para sus próximos shows.

AntiGravity es colaborador de Aztek Electronic Music, sello independiente mediante el cual editara hace un par de meses el EP Rōnin, trabajo inspirado en los samurai sin amo del Japón feudal en el que se incluyen además, versiones especiales de Blanco Son, Nahuatl Jaguar y Ohuican.

Para cerrar la noche, Rubinskee, proyecto de Moisés Iván Riestra, productor y músico considerado una de las principales referencias del house nacional hoy en día.

Después de más de un año sin publicar producciones propias, Rubinskee regresa a la escena nacionalcon un poderoso EP a punto de salir del horno, titulado Pressure Points. Apenas hemos podidoescuchar un preview de su nuevo material en Soundcloud, pero esta probada es suficiente para entenderuna propuesta musical muy sofisticada, que sin duda, tendrá eco en la escena nacional.

Distrito Presenta será la primera ocasión en que podremos escuchar su nuevo material completo en vivo. Además, el productor estará celebrando el reciente nacimiento de su propio sello responsable de su próximo lanzamiento), el cual comparte con sus compatriotas Neon Rider y Love Bites, así como con el canadiense Mike Khayata.

COMPRA DE BOLETOS

22:00hrs

$250

Red de amigos de Distrito Global

Online: http://distritoglobal.ticketleap.com/comtruise/

Pizzerías Cancino

+ Cancino – Glorieta de la Cibeles #13 Col. Roma

+ Havre – Havre #64 Col. Juárez

+ Cancino –Rafæl Rebollar #95 Col. San Miguel Chapultepec

Neville Staple: el regreso del rudeboy

El pasado 13 de mayo salió a la venta el más reciente material discográfico del cantante Nevile Staple, quien formara parte de la alineación original de The Specials (desde antes de que la banda se llamara así y se llamara The Coventry Automatics).

ska crazy

 Con la colaboración de los músicos que han estado trabajando con él desde hace diez años, este nuevo álbum lleva por nombre  Ska Crazy y cuenta con un sonido crudo que mezcla la esencia del 2 Tone, pero con un estilo  que ha sabido evolucionar a lo largo de los últimos 35 años, pero de igual manera, el músico inglés supo combinar muy bien con otros géneros y estilos

 Las letras del disco relatan la realidad violenta de las calles y algunas otras historias que suelen pasar dentro de la vida cotidianidad social.  Si bien el mismo Neville ha mencionado que sus historias principalmente están influenciadas por anécdotas de las calles de Coventry (ciudad donde creció) estas no son muy distintas a las ocurridas en algún otro lado.

 Después de formar parte de The Specials, a comienzos de los años 80’s, Nevile Staple formaría parte del grupo Fun Boy Three junto a Terry Hall y Lynval Golding quienes también formaban parte de The Specials (voz y guitarra respectivamente). Fun Boy Three  contaba con un estilo totalmente diferente a The Specials, esta agrupación estaba enfocada hacia el pop y new wave, nada que ver con el ska.

 Tras este efímero pero trascendente proyecto, Neville Staple formó parte de proyectos como Special Beat junto  Ranking Roger de The Beat (otra banda que forma parte de la escena del 2 Tone ingles).  También crearía su proyecto solista conocido como Neville Staple Band.

 Si bien durante la década de los 90’s hubo algunos intentos por revivir a The Specials con algunas alineación que contaban con la participación de algunos de tan solo algunos miembros originales del grupo, no sería hasta el 2009 cuando el grupo finalmente se reuniera con la alineación original, el motivo era el 30 aniversario del nacimiento del sonido 2 Tone, una reunión en la que Neville Staple no quedaría fuera.

 Desde el 2009 hasta la fecha The Specials están realizando algunos conciertos, principalmente en Europa; no sería hasta finales del año pasado cuando Neville Staple anunciaría su salida del grupo para retomar una vez más su proyecto solista, el cual ha dado como resultado este nuevo álbum: Ska Crazy.

 Neville Staple visito tierras mexicanas en el año 1999, cuando en el Circo Volador ofreció un lamentable concierto, aunque el adjetivo “lamentable”  no es por el espectáculo brindado cantante inglés, sino por la gente que estuvo presente en dicho concierto, la cual no tenía ni la menor idea de quien estaba sobre el escenario.

 Después de 15 años de aquel concierto, Neville ha manifestado su deseo de regresar a nuestro país, y aunque las cosas no han cambiado mucho que digamos, cada vez la escena ska en nuestro país va en crecimiento así como su aceptación, lo cual ha quedado claro con la visita de diversas bandas de talla internacional pero sobre todo de gran nivel musical como Madness o Tokyo Ska Paradise Orchestra,  que si las mismas hubieran visitado nuestro país una década atrás seguramente su visita hubiera sido un fracaso total.

Los ritmos sabrosos de Chévere Suave

“Yo quiero cantarle a mi gente;
a mi pueblo conciencia presente;
quiero cantarle a la vida;
a la Pachamama la que no se olvida;
quiero cantarle al amor;
Cayo coco, roncito, tabaco y son;
Quiero cantarle a mi gente”

¡Chévere Suave presente!

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Enrique Calderón, Mirsa Islas, Alvaro Muñoz, Citlali Toledo, Iván Gutierrez, Francisco Javier y Adrián Águila. Fuera de foco: Martín Alonso, Marco Adair, Mauricio Fortuna y Miguel García
 “Es chévere ser grande, pero más grande ser chévere”
Hector Lavoe

11 integrantes son los que hoy forman esta gran agrupación musical. Doquiera que vayan, animan a la gente. No importa el ambiente, no hay antes o después, sólo el chévere ahora. Con tanto ritmo es difÍcil evitar mover las caderas y es que su música es una producción original. En ella puedes reconocer la “fusión latina” de géneros como reggae, cumbia, salsa, rumba, ska, polka, samba y son.

 Mezclan el ritmo, la euforia y la conciencia social llevándolos a ser “frescos y alborozados”, listos para la fiesta y el baile. Música que no discrimina, es para todos, en palabras de Citlali Toledo (voz principal) “Te mueve, no importa la edad.”

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Enrique Calderón

“Lo que me gusta de Chévere Suave es que es una propuesta fresca, con fuerza y con mucho sabor, además que se trabaja con amigos, buenos músicos y muy buen ambiente, eso anima y alimenta a cualquiera.”

Enrique Calderón. Trompetista de Chévere Suave

 

 Actualmente están en el proceso de sacar su primer disco, lo que se ha convertido en toda una aventura. Al ser once integrantes, uno imaginaría que el problema sería en la grabación de cada voz; pero en realidad, es el cuidado en los detalles de masterización (mandada a hacer a Nueva York), diseño, pre y post producción los que han mantenido en suspenso a los cientos de seguidores de esta gran banda.

“Suavecito tour, sabor y fiesta tururú

 Han tocado en todo tipo de escenarios y festivales en el DF y a lo largo de la República, como fue el caso de su gira a Oaxaca, llevando la música hasta las fibras más sensibles. Es entonces cuando uno pregunta ¿Qué sigue? “Ya estamos sobre detalles finales del arte, maquila, presentación del disco, fiesta de presentación del disco, harta música, próximas presentaciones, harto baile y pura vida! ¡Estén pendientes mi gente!” 

 Por lo pronto, tienen agendados una serie de conciertos: este sábado en el Foro Hilvana, el 31 de mayo en el centro de Xochimilco, el 21 de Junio en la Fiesta de la Música en el Parque Cañitas y el miércoles 25 de junio en la explanada de la delegación Tláhuac.

 Escucha una de las canciones que estarán en su nuevo disco. Si te gusta ahora imagínate en vivo…

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Pásenla “Chévere” y llévensela “Suave” es el consejo de Chévere Suave

 

 

 

Alimenta a un perro y disfruta del Festival Aliment-arte

 

¿Te gustan los perros?

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La casa de los 100 perros te invita a apoyar a los cachorros abandonados que están a su cuidado. Una iniciativa traducida en el Festival Aliment-ARTE:

Un evento sin fines de lucro organizado por artistas escénicos de distintas disciplinas.

 Más de 15 grupos artísticos reunidos con un solo fin, convoc-arte a traer alimento para La Casa de los 100 Perros.  

 En entrevista con los organizadores del evento, Benjamín nos explica, ¿qué es este lugar?

 Ésta casa pertenece a la  Sra. Silvia García Álvarez quién  se ha dado a la tarea de rescatar, cuidar, proteger a una serie de perros, algunos de ellos se han dado en adopción y otros por sus condiciones permanecen en la casa.

 ¿Cuáles son los problemas a los que se enfrentan?

 Muchas veces no tiene los recursos suficientes para solventar todos los gastos que esto implica…por ello y como una contribución social  surge esta idea del festival.

 ¿Qué habrá en el festival?

Diferentes artistas donarán su tiempo y talento para completar esta experiencia: teatro, malabares, pinturas, contaremos con la presencia de bandas como Chalet Caflugui y Olimpo…Y queremos que más allá de ver un acto escénico, nos unamos para apoyar esta noble labor y dar de comer  a estos perros con las donaciones en alimento que se solicitará a cambio de la entrada para alguno de los días del Festival que serán 23 24 y 25 de mayo en el Teatro del pueblo ubicado en República de Venezuela 72 Col. Centro.

organizadores del evento
Ellos organizan el evento: Beto López, Gustavo Rodríguez, Aarón López, Benjamín Cardoso

“Bienvenidos todos y todas al  Festival Aliment – ARTE para La Casa de los 100 Perros”

 Recuerda, el donativo es alimento para perro y/o artículos para su limpieza y cuidado.

Programa:

Viernes 23

  • 4:00 Teatro Infantil “El extraño caso de Caperucita”
  • 5:00 Inauguración de exposición plástica y el Ensamble “Tritum” Música Orquestal.
  • 6:00 Colectivo Oso de Agua con  “Mandalam”
  • 7:00 Pino

Sábado 24 de Mayo

  • 4:00 Anibal Ensamble, Sensodanza Terapia AC con “Ser crisálida” y Tigre de Java
  • 5:30 Coro Kaleidos
  • 6:30 Corpus Danza Contemporánea con “Las Novias” y “Bajo la Lluvia” ensamble “Piel D Tango” y Tributo a Michael Jakson
  • 7:00 al cierre una batalla musical entre “Gato pardo”, “Chalét caflugui” y Banda de Reggae, tocando sus rolas e improvisando, invitando a  todos a  bailar.

Domingo 25 de Mayo

  • 12:00 recepción de contingente de ciclistas BikeRadio Mxcon actividades como teatro y malabar
  • 2:00 Katatonicks
  • 2:30 Corpus Danza Contemporánea con “Las Novias” y “Bajo la Lluvia” ensamble “Piel D Tango”
  • 3:15 Olimpo
  • 4:00 Comunidad Arte Suré y Tlapaco-jazz Latin-jazz
  • 6:00 Luna Roja Danza contemporánea
  • 7:00 Vibra Muchá Reggae

 

 

Con sabor del norte: Los oídos absolutos

En canto siempre es importante tener un buen oído para entonar las notas adecuadas. Todo cuanto suena tiene un lugar en la escala musical (DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI) como una nota. El localizar todas las notas de cualquier cosa es un trabajo muy complicado, pero existen personas especiales que lo pueden lograr y son aquellos que gozan de un “oído absoluto”.

 Tener un oído absoluto es la capacidad de identificar una nota por su nombre sin la ayuda de una nota que lo ubique en la escala. De igual manera, si alguien le dijera “cuál es la nota de LA, sostenido” la persona con oído absoluto podría cantar esa nota sin necesidad de afinarse o ayudarse de un piano.

Partituras musicales

 Es como ser un catador de vino. El catador podría identificar la uva, el productor, decir si es vino mexicano o francés, e incluso decirte el año. Un oído absoluto es como el catador de la música e incluso, del mundo. Estas personas excepcionales son capaces de saber cuál es la nota musical que utiliza el claxon de un auto que va pasando a su lado en el tráfico.

 Oídos absolutos existen de tres tipos:

 –          Los pasivos que pueden identificar todas las notas que escuchan.

 –          Los activos que pueden tocar todas las notas que se les piden sin ayuda.

 –          Los de oídos muy finos que pueden oír cuando una nota está ligeramente más aguda o más grave.

 Ojo, no por tener un oído absoluto te vuelves Superman y puedes escuchar el aleteo de una mosca que pasa en el otro lado del edificio. También es necesario destacar que el Oído Absoluto no es lo mismo que el Registro Absoluto; las personas que pueden alcanzar el registro completo de la escala, pueden existir registros absolutos que no sean oídos absolutos y viceversa.

 En el mundo existen muy pocas personas con oído absoluto, pero es más probable que una persona con autismo presente este don. No obstante para desarrollarse completamente se necesita de estudio y práctica.

 Y aquí entramos a un punto crítico. Muchas personas creen que por tener talento ya pueden llamarse artistas completos cuando en verdad hay toda una preparación detrás. Shakira será una mujer muy influyente que baile muy bien y demás; pero en cuestión de música no la considero una cantante con técnica, aunque la falta de ella le otorgue una voz tan peculiar.

 Shakira hace vibraciones con su voz que la hace sonar rara, como si estuviera pujando- gimiendo al mismo tiempo, en el caso de cantantes como las integrantes de Celtic Woman, la voz sale pura y limpia, sin tantos tapujos. Compárenlo ustedes mismos.

 También te puedes encontrar a muchos guitarristas que toquen miles de canciones o las compongan, pero pocos podrán leer notas. El arte es muchas veces visto como mero vertedero de sentimientos cuando también es de cuadratura, matemática y composición.

Joshua Bell, el violinista de los “dedos de oro”.

 Un oído absoluto no nace, se hace con esfuerzo y dedicación, lo cual nos enseña que muchas partes de la música son difíciles de aprender porque no basta tener una linda voz, es necesario entender todo lo que hay detrás de las notas.

 El tema me llama mucho la atención porque en mis gustos no me fijaba mucho en lo que eran este tipo de cosas hasta que entendí la diferencia entre los músicos que le ponen empeño y cerebro a lo que componen, con lo que incluso se nota la diferencia entre estos artistas y los que no saben tanto.

 Cualquier comentario acerca de esto saben que mi twitter es @alixreyna para que me comenten cualquier idea sobre estos personajes tan escasos en el mundo y como saben: ustedes aprenden conmigo y yo con ustedes.

 

Discordia Elementarium Natura = interdisciplina

En el afán de innovar, se ha recurrido a la fusión de propuestas, estilos, géneros, recursos…”el espectáculo de la multidisciplina”.

La revista digital Hoja de Arena presenta la cuarta edición del Ciclo Interdisciplinario Discordia Elemetarium Natura (DEN) todos los sábados de este mes, mayo, en el Foro Shakespeare. Aún con dos sábados disponibles para  asistir y formarse una opinión, les contaré mi experiencia del sábado 10 de mayo.

Androna

Androma

 Sólo una luz constante de figuras cambiantes fija la atención del público al centro del escenario. Expectantes desde las bancas acolchonadas del Foro Shakespeare, acostumbran sus pupilas a la persistente oscuridad. Las siluetas al frente van cobrando forma. ¿Qué pensar con respecto a un contrabajo sin cuerdas, un instrumentista sin arco y una bailarina sin pista de fondo en una puesta en escena…?

 En esta adaptada caja negra, los pequeños ruidos ignorados de nuestra cotidianidad son los protagonistas. Pasos, rasguños en la tela, el contacto entre cuerpos animados e inanimados, la amplificación de pequeños roces son una propuesta visual y auditiva bajo el trabajo creativo de Androna. David Sánchez y Columba Zabala comparten la necesidad de encontrar un diálogo en la Androna (espacio entre construcciones) de distintas disciplinas y demuestran una búsqueda cada vez más sólida (y erótica) en sus presentaciones.

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 Más iluminada la sala, entran a escena David Sanchez y Tobías Delius en el saxofón con un giro de mayor sonoridad. Éste invitado muestra gran maestría en el dominio del saxofón y la improvisación “freejazzera”, de alguna forma proyecta el sonido con todo el cuerpo: silba, grita, gesticula. Siendo la emoción encarnada, la reacción del auditorio era inminente. Luego de la presentación pasada, en que aguzar los sentidos era necesario para intimar con la escenificación, Delius irrumpe la calma con un gemido de metal cuya desesperación es comparable con el llanto del alterado infante de la primera fila. Luego de la risa, el llanto y el intermedio, Liminar ocupa el lugar al frente.

Liminar

Esta agrupación musical mexicana se ha dedicado a interpretar “música nueva”. En esta ocasión se concentraron en un programa de música alemana. De un tiempo para acá, se han dedicado a imitar los sonidos de la vida cotidiana. Tal pareciera que al sentarte en las butacas de un auditorio (diseñados cada vez más en un formato “hogareño” y acogedor) te encuentras en la sala de tu casa, donde el ruido circuncidante es algo de todos los días. Entonces se podría argumentar “¿por qué querría escuchar una composición tan caótica cuando busco escapar de la tensión auditiva, del estrés de la ciudad?” Trafico, la entrada de escuelas, la salida del trabajo, un embotellamiento…cierto, sin embargo, escuchando este tipo de composiciones, convierten el caos en algo lúdico, no deja de ser una búsqueda y vale la pena experimentarlo antes de formarse una opinión.

LIMINAR
Programa:
Carola Bauckholt – Luftwurzeln
Niklas Seidl – After after
Gordon Kampe – Sieben Weisse Bilder
Alberto Bernal – ¿Cómo desequilibrar las presiones que se corresponden por una y otra parte de la membrana?

DSC01725 La última pieza que fue interpretada por ellos (la de Alberto Bernal) es particularmente interesante. Carece de compás, se marca el ritmo musical a partir del pulso natural de la lectura “Tímpano” de Jacques Derrida. en un principio, imitan el sonido los huesecillos contra la membrana timpánica usando pequeños martillos y lo que aparenta ser un molcajete blanco. poco a poco se sutituye primero por fragmentos de lectura, luego instrumentales, ambos con marcados matices que van en crescendo al silencio interrumpido. A punto de concluir, son pancartas con trozos de letras, palabras, las que alzan y desechan, siempre manteniendo el pulso; llegando al clímax y fin de la obra en la que los músicos forman una frase completa:

“Diremos desde este momento que lo que aquí resiste es lo impensado, lo reprimido, lo rechazado de la música”

… y las pancartas salen volando. Y caen con delicadeza.

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Naff Chusma

 

pantalla

 Se aproxima la media noche. Salen a receso tan sólo para regresar y ver el cierre de semejante velada experimental. Un par de pantallas cuelgan al centro aparentando ser un cubo digital. Abajo, tres músicos dominan los sintetizadores creando un ambiente de goce. Arriba el cuarto a cargo del proyector.

 El cubo muestra la transformación del sonido en imágenes, ondas que parecieran cruzar el límite de la pantalla y oscilar hasta topar con los cuerpos atentos de aquellos expectantes de lo ajeno.

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Menta Movement

Baile y música electrónica en perfecta sincronía. La noche avanza junto con el fin de la velada experimental. Meta Movement hace un gran cierre con su propuesta “fractura inequívoca”. Este próximo sábado, ellos abren; así que tendrán otra oportunidad de conocerlos

La búsqueda del arte en lo cotidiano…hay mil maneras, habrá que conocerlas.

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Fotografía, MariCarmen Martínez

¡Vive el XXXVI Foro Internacional de Música Nueva!

Del 16 de mayo al 6 de junio, se llevará a cabo el XXXVI Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, uno de los poquísimos festivales de música contemporánea que se pueden encontrar en esta ciudad. El Manuel Enríquez es un espacio donde los compositores vivos y los intérpretes de música nueva tienen la oportunidad de mostrar su arte al mundo.

 Pensado como una colaboración compositor-intérprete, los compositores pueden concursar con una pieza original que si es elegida será asignada a alguno de los intérpretes disponibles; de la misma manera, los intérpretes pueden proponer un programa de música elegida por ellos, de manera que el concierto esté moldeado de acuerdo a sus posibilidades y sus gustos (aunque casi siempre se les enjareta una que otra pieza que anda huérfana).

Orquesta Sinfónica Nacional
Orquesta Sinfónica Nacional

 El Foro comenzó el viernes 16 de mayo con un concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio Bellas Artes. La verdad es que fue una bella apertura, una buen indicador de las maravillas que están por venir. Iniciaron con Impact (2013), del compositor norteamericano joven Charles Halka, que utiliza como motivo principal un “gran ruido sordo”: material musical que suena a caída y a madrazo mortal.

 La segunda pieza, L’aile du songe (2001), de la finlandesa Kaija Saariaho, es un concierto para flauta que fue interpretado esta vez por el maravilloso flautista, compositor e improvisador Alejandro Escuer. Una obra de poesía infinita, está construida como la filigrana, de detalles pequeñísimos y sumamente valiosos. La quietud invade la mayor parte del tiempo, con ligeros destellos de luz que a veces llegan a quasi-clímaxes, pero sin perder nunca la precisa mesura. Alejandro Escuer estuvo tocando una flauta microtonal, que le permitía una maleabilidad inusitada de las alturas. Conozcan esta hermosa obra aquí.

Alejandro Escuer
Alejandro Escuer

 Después del intermedio fue turno del mexicano Mario Lavista, maestro hoy en día del Conservatorio Nacional de Música y director de Pauta (cuadernos de teoría y crítica musical). Su pieza Tres cantos a Edurne (2010), compuesta como una alabanza a la virgen, es una bella muestra de religiosidad musical. Los cantos celestiales resuenan casi siempre en los metales, como fanfarrias anunciando la llegada de la divinidad salvadora.

 Inspiration (2011) de Shigeru Kan-no, fue la única pieza que me pareció banal y hasta probablemente insoportable, pues llega un momento en donde de verdad ya han sido más que suficientes clusters de glissandos en las cuerdas.

 Próximamente habrá varios conciertos enormemente recomendables, que vale mucho la pena aprovechar. El 19 de mayo se presenta Ónix Ensamble, con un programa que incluye a George Crumb y Michael Nyman, entre otros; el 21 y 24 de mayo tocará el legendario cuarteto Arditti, con unos conciertos radicales donde podremos escuchar a Elliott Carter, Conlon Nancarrow, Alban Berg, Harrison Birtwistle y otros; el 23 de mayo, el Ensamble Instrumental Cepromusic dará un tremendo concierto que incluye una obra de la gran compositora mexicana Gabriela Ortiz, conocida por la fuerza rítmica con la que adereza su música; el 25 de mayo, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México nos deleitará con un programa que incluye a Javier Álvarez y a Jorge Torres Sáenz; el 26 de mayo, el Ensamble Okho dará un ecléctico concierto donde podremos escuchar desde Iannis Xenakis hasta David Lang; el 30 de mayo, el ensamble Liminar, especializado en música radical de vanguardia, ofrecerá un banquete con música de Mauricio Kagel, Carola Bauckholt y Helmut Lachenmann.

Quinteto de Alientos de la Ciudad de México
Quinteto de Alientos de la Ciudad de México

 Estos son sólo algunos de los maravillosos conciertos que nos esperan próximamente. Para la cartelera completa entren aquí. Es importante asistir a esta clase de eventos, por dos razones: En primera, porque es un alimento bastante único para el espíritu, que pocas veces tenemos la oportunidad de tener; en segunda, porque entre más difusión e interés haya de parte del público, más oportunidades habrá de que se armen festivales similares y espacios de expresión artística libre.

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La idea de leer una revista en línea con un formato tan apegado a como se ve en papel, es algo muy atractivo. Tiene muchas ventajas, empezando por lo cómodo. Muchos podrán argumentar para las revistas en línea lo mismo que para la digitalización de libros: no es lo mismo, y cada quien cuenta su historia. Sin embargo, me gusta la idea de poder leerla las veces que quiera sin necesidad de llevarla conmigo a donde vaya o tener que comprarla en tal o cual lugar, además de ese detalle de redireccionar la información y poder ver los mejores videos del mes con tan sólo dar un “click”.

Joyride es más que una revista

 No sólo están bien posicionados como medio dentro del mundo de la música alternativa, lo que da como resultado una agenda variada y buenas exclusivas, también hacen eventos con grandes exponentes mexicanos y tienen un podcast semanal JOYRIDE•FM // ST VINCENT que hace de Joyride una inigualable “experiencia multimedia para los internautas”.

 Cada dos meses sale un número diferente de la revista, pero constantemente se sube contenido a la página de internet JOYRIDEMX.COM con las últimas noticias a nivel internacional tanto en música como en libros, cine, diseño y política.

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 Con fotografía propia y contenido original, espera la cobertura de festivales como el Corona Capital, Indio Emergente en Queretaro, MICsite en el José Cuervo Salón y conciertos en el Plaza Condesa, Auditorio Blackberry y Pepsi Center WTC, entre otros. Joyride Magazine es una producción de calidad en el diseño y el contenido hecha por Colectivo Canalla, preparado para ti.

 Ésta es su más reciente edición, échale un ojo a la entrevista con The Weeks, con Jogui; conoce lo que está haciendo James Blake; visita las recomendaciones de lugares para comer y entérate de los top 5 en videos, discos y singles del año:

Joyride
Joyride Magazine

 Los invito a leer esta revista que página con página te lleva por un camino electrizante de guitarras y baterías, como su nombre lo dice, un gran viaje a través de una gran variedad de bandas musicales que hoy, más que nunca, suenan con fuerza a través de internet.

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 FB Joyride Magazine México

Twitter @joyridemx

 Una forma de acercarte a tus bandas favoritas y seguir conociendo nuevas propuestas antes de que suenen en la radio.

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Una plataforma a partir de la experiencia, una forma de vida.                                                   Eso es Joyride Magazine

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El mundo de Mr. Girl

La imaginación está hecha de convenciones de la memoria. Si yo no tuviera memoria no podría imaginar.”

Jorge Luis Borges

Si pudiéramos traducir en imágenes el proceso de sinápsis entre las neuronas de una persona, quizá entenderíamos cómo surgen las ideas que lo motivan, lo definen como ente estático que existe, donde convergen el mismo tiempo y el espacio de aquellos con un desarrollo cognitivo afín. Si pudiéramos traducir la complejidad de la mente en una secuencia de video entre varias personas con un pasado en común, veríamos elementos similares en la escenografía, el soundtrack e incluso los personajes. Puede ser que aquellas personas hayan crecido en diferentes escenarios, pero con un mismo contexto. ¿Son acaso estas ideas, imágenes, videos, los que crean amistades, agrupaciones, proyectos exitosos?

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Mr. Girl

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 Para Mr. Girl, la creatividad es un factor importante; traducir aquel proceso mental en una historia de enajenación en la creación de su propia música, habla de su trabajo imaginativo: fluye.

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Igual de creativos son los personajes que habitan el mundo de esta banda, Ramis, tecladista y con la segunda voz, nos explica ¿por qué se llaman Mr. Girl?

¨Mr. Girl es una chica de 16 años que nació con un bigote muy refinado… es abandonada por sus padres (que la consideran un monstruo) a la entrada del bosque y adoptada por Dr. Gradus, que la cría como su hija y además la entrena como ayudante en su fábrica, la Dr. Gradus’s Brain Farm.

Dr. Gradus es un hombre ermitaño que se crío en un manicomio, tiene una visión lunática sobre la vida. En la Dr. Gradus´s Brain Farm se dedica a fabricar todas las cosas que los locos de su infancia le contaron que existían. Solía guardar sus memorias: películas viejas, LP’s, invenciones curiosas, libros, etc. a través de las cuales Mr. Girl “onoce a la humanidad, pero es un conocimiento sesgado y tergiversado por la fantasía y la ficción. Así es como decide acercarse a la humanidad a través de su música y construye su propia banda en la fábrica de su padre para que lleven su mensaje al mundo… Y pues, somos nosotros.¨

 En un principio, jamás creyeron el giro que tomaría la banda. Esta historia comenzó con música, notas en una partitura sin músicos que lo toquen.

“Aunque luego la banda se formó tan chido que empezamos a componer cosas nuevas y a pensar en Mr. Girl…para consolidarnos como un proyecto original”

 Con año y medio consolidados Rafa, Ramis, Pale, Sebas y Beto son los actuales integrantes de la banda en la voz, teclado, guitarra, bajo y batería respectivamente. Han tocado en club 88, Faith & Wiskey, Wild Iron Horso, el Tantra Fest y compartido escenario con Descartes a Kany y Bengala.

Actualmente están dando a conocer su primer EP:

El hilo conductor es más bien el tema de la libertad… tanto libertad de ser diferente (Buenas Costumbres, Ermitamental, The Real People), como libertad de tu pasado (Its ´There) y libertad de alguien más (Demons at Bay es una especie de exorcismo). Chécalo aquí

https://www.youtube.com/watch?v=CeMmozy4tII&feature=youtu.be

Fotografía a cargo de MelvinDeJesus

a/rythmia: No apto para melómanos con insuficiencias cardiacas

Para todos los amantes de los problemas cardiacos, los andares embriagados y el tartamudeo desigual, a/rythmia (2009) de Alarm Will Sound seguramente los pondrá a bailar como desquiciados. Este increíble disco, único en su tipo (al menos hasta donde mi ignorancia me permite saber), reúne música de épocas muy distantes pero con una característica en común: el ritmo y el pulso tienen complejidades estratosféricas. Desde Josquin des Prez hasta Michael Gordon, pasando por Conlon Nancarrow y György Ligeti, Alarm Will Sound nos deleita con una recopilación sumamente colorida, llena de contrastes, humor e impredictibilidad.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Vamos a dar un pequeño tour a través de algunas de las rolas que podrán encontrar en esta producción. Yo Shakespeare (1992), del compositor norteamericano y “forajido de la tradición” Michael Gordon (que por cierto es uno de los fundadores del ensamble/festival Bang on a Can), es una pieza delirante: superpone tres capas musicales que parecen moverse a velocidades distintas, como si escucháramos tres escenarios del Corona Fest a la vez. El resultado es el rock más alucinante que escucharán jamás.

Alan Pierson
Alan Pierson

 Es sorprendente en un disco con inclinaciones contemporáneas y experimentales, encontrar algo como Le Ray Au Soleyl (siglo XIV), pieza medieval del compositor belga Johannes Ciconia que resulta tan confrontativa como sus compañeras del siglo XX y XXI. Aquí encontrarán tres voces que corren a diferentes velocidades con una proporción de 4:3:1. A pesar de los desfases rítmicos, es una música que alivia el cuerpo y la mente, un verdadero bálsamo auditivo.

 Player Piano Study 6 (c. 1950) es una de las dos piezas del norteamericano Conlon Nancarrow que aparecen en esta recopilación. Esta bella pieza fue compuesta originalmente para pianola, puesto que las experimentaciones rítmicas tan radicales que utiliza Nancarrow no eran humanamente tocables (o al menos eso se creía). Un isorritmo (la repetición de un patrón melódico y uno rítmico que tienen longitud distinta) complejísimo que cambia de tempo (velocidad) cada cuatro notas, corre en el piano de manera continua, mientras que una melodía suave con tintes de blues y españoles se desliza en los alientos y en un glockenspiel, construyendo cánones (la repetición de una melodía empezando en un lugar diferente a la primera) cada vez más densos. El resultado es simplemente pasmoso.

Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa
Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa

 Cfern es de otra especie: pertenece al género del IDM o Música Inteligente Para Bailar (del inglés Intelligent Dance Music). Originalmente del dúo inglés de música electrónica Autechre, esta pieza tiene esencialmente dos capas que trabajan semi-independientemente: una armónica-melódica que se acelera y desacelera a discreción, no permitiendo nunca que nuestros oídos descansen en un tempo regular; y otra capa rítmica que lleva la batería, que permanece en disonancia rítmica con todo lo demás la mayor parte del tiempo, manteniendo una tensión constante a través de toda la pieza.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Las demás piezas de este disco son todas igual de maravillosas, cada una con un reto muy específico tanto para el intérprete como para el espectador. Es fascinante observar cómo compositores de géneros y épocas dispares trabajan el mismo problema de maneras totalmente disimiles. La constante es lo maravilloso de todos los resultados y el reto encantador que nos presentan en cada escucha: este disco es de aquéllos que se deben de oír una y otra vez, pues en cada regreso hay nuevos descubrimientos y nuevos placeres.

Sal y Sol, lo nuevo de The Refrescos

Después de mas de 15 años de no sacar alguna nueva producción discográfica y tras una larga pausa, la banda madrileña The Refrescos ha vuelto a la escena musical con un nuevo disco bajo el brazo titulado Sal y Sol.

 Este nuevo álbum del grupo cuenta con el sonido que desde el inicio de la banda, allá a comienzos de los 80’s ha caracterizado al grupo. Canciones con letras llenas de buen humor, ironía, crítica social y surrealismo, que en este mundo tan loco de surrealistas cada vez tienen menos.

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 Como suele pasar con bandas que se reactivan después de tanto tiempo, The Refrescos ha vuelto con una nueva alineación, en la cual el único miembro de la formación original del grupo es Bernardo Vazquez, mejor conocido en el mundo de la música como: Bernardez, vocalista y compositor del grupo; quien con una mezcla de pop, ska, punk, rock y hasta mariachi, ha logrado una vez mas revivir en este disco el sonido clásico de los Refrescos.

 Si bien en nuestro país The Refrescos no es una banda con tanta popularidad, en su natal España se han convertido en todo un suceso después de que en 1986 grabaran el tema Aquí no hay playa, una canción que con mucho sarcasmo habla sobre su ciudad natal Madrid y que en ese año se convirtió en “la canción del verano”, lo que es igual a estar sonando todo el día en cada uno de los rincones de España.

 La formación original del grupo solamente grabó 3 discos, The Refrescos en 1989, Kings of Chunda Chunda en 1990 y Simpatía por el Débil en 1991, aunque algunos años después Bernardez junto una nueva alineación y en 1996 grabó un cuarto disco   titulado ¿A que piso va?, y en 1999 salio a la venta un disco titulado Xacobeo 99 en donde The Refrescos, o mejor dicho Bernardez grabó algunos temas junto al grupo galo Astarot, y aunque estos dos últimos discos no alcanzaron tanto éxito como los 3 primeros, Xacobeo 99 se convirtió por 15 años en la ultima producción discográfica bajo la firma de The Refrescos.

 Si bien no seria hasta el años pasado cuando Bernardez decidió reactivar el proyecto de The Refrescos, en 2009 Bernardez saco a la luz un proyecto llamado The Gambas, el cual fue creado junto a diferentes músicos de algunas bandas de ska españolas. Aunque había algunas diferencias, The Gambas fue un proyecto con la misma idea y concepto que The Refrescos, y el cual solo han editado un disco titulado Alegría Social.

 Esta es la propuesta de la semana, The Refrescos y su regreso discográfico llamado Sal y Sol, que después de 30 años de su debut  y como su mismo nombre lo dice, siguen manteniendo ese sonido refrescante, y que nos muestra una de las tantas facetas del ska, si la semana pasada hablábamos de virtuosismo musical del ska-jazz, esta semana hablamos de irreverencia musical y buen humor, pero con calidad, esos si.

Nuevas experiencias aurales: Bodysong de Jonny Greenwood

Ésta es una recomendación para todos aquéllos que gustan de escuchar un poco (o un mucho) de Radiohead, así como para todos los que simplemente tengan ganas de acercarse de una manera amable a la música experimental. Jonny Greenwood -multiinstrumentista, compositor y guitarrista de Radiohead- compuso esta música en 2003 como soundtrack para una película de arte llamada Bodysong (Bodysong, 2003). Este documental, dirigido por el británico Simon Pummel, es una recopilación de vídeos hechos en el transcurso de un siglo que hablan acerca de la vida humana. El soundtrack de Greenwood les da vida y voz, pues no hay un solo diálogo.

Jonny Greenwood
Jonny Greenwood

Así como la vida, la música de Greenwood es inmensamente variada y nace de múltiples influencias. Lo increíble es que de todas maneras escuchamos la voz personal del compositor en cada una de ellas. El disco comienza con Moon Trills, una rola en la que podemos escuchar reminiscencias de Pyramid Song (Radiohead), así como del Cuarteto Para el Fin de Los Tiempos de Messiaen: acordes al piano en frente de una cortina de cuerdas (interpretadas por el Emperor String Quartet) y Ondas Martenot. El recién nacido y su serpenteante llegada al mundo. Poco después viene Iron Swallow, una pieza para cuarteto de cuerdas donde una melodía arrebatada se desliza sobre una cama de pizzicatos.

En Convergence nos encontramos con una pieza para percusiones donde un proceso de transformación nos lleva de lo rítmicamente estable al unísono rítmico, pasando por lo semi-caótico. Splitter es una pieza más arraigada a la tradición del jazz, pero que también recuerda de alguna manera a rolas como The National Anthem: la locura de los metales soportada por la locura del bajo y la batería.

24 Hour Charleston es una de las pocas piezas donde aparece la guitarra eléctrica (lo cual resulta sorprendente tomando en cuenta el papel de Greenwood en Radiohead), tocando un riff que podría haber sido sacado de Hail to The Thief. Ya a punto de terminar, Milky Drops From Heaven es una inyección cargada de free jazz y densidad electroacústica, probablemente la pieza más ruidosa del disco (¿representa acaso la agonía de un moribundo?).

Jonny_Greenwood,_May_11,_2008

Greenwood termina con Tehellet, pieza para cuarteto de cuerdas y electrónica, que parece ascender interminablemente: la energía en su forma más pura es liberada de la prisión corpórea y se pierde en las inmensidades del universo.

Algo que llama mucho la atención es que al escuchar este disco, uno se percata de cuáles son los ingredientes que Jonny Greenwood ha aportado al guiso que es Radiohead. Junto con Thom Yorke y Nigel Godrich, Greenwood es una parte esencial de la ecuación creativa. En esta obra encontramos muchos de los timbres característicos de Radiohead, así como sucede en Amok de Atoms for Peace (donde la mano de Thom Yorke resalta clara como el agua) y en Sea Change de Beck (producido por Nigel Godrich y Nigelgodrichesco en su plenitud).

Después de componer Bodysong, Greenwood ha hecho numerosos soundtracks para películas como Petróleo Sangriento (There Will Be Blood, 2007), Tokio Blues (Norwegian Wood, 2010), Tenemos que hablar de Kevin (We Need To Talk About Kevin, 2011) y The Master (The Master, 2012). También ha compuesto varias piezas para la orquesta de la BBC, que lo contrató en el 2004 como compositor en residencia. Es muy inspirador ver cómo artistas como Jonny Greenwood, a pesar de tener un lugar asegurado en la historia de la música gracias a su trabajo con Radiohead, siguen superándose, experimentando, probando cosas nuevas y buscando expresarse a través de distintos medios. Pocos lo hacen como él, debo decir: Jonny Greenwood es un músico hecho y derecho.

Queens Of The Stone Age vuelve a México

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Queens Of The Stone Age está de vuelta en nuestro país el día 21 de Septiembre  en el Pepsi Center WTC, después de su exitosa presentación en el Festival Corona Capital realizado en el 2013 y del que fueron una de las bandas principales tocando ante 60 mil personas.

 Esta banda californiana ha lanzado seis álbumes de estudio, el último titulado Like Clockwork y puesto a la venta en Junio del 2013, es la razón de su visita. Ya que comenzaron su gira hace algunos meses presentándose en el Coachella y  Austin City Limits.

“Montarnos en nuestro vagón emocional… contener lo feo, lamer la locura y, en vez de huir del incómodo o doloroso tema a debatir- lo enfrentamos”, palabras escritas por Josh Homme en un comunicado de prensa.

 En este nuevo álbum se cuenta con la participación de personalidades especiales como: Elton John con quien logran una fusión increíble tanto en voz como en el piano,Trent Reznor (de Nine Inch Nails) con él que ya habían trabajado,Alex Turner (vocalista de Artic Monkeys), Dave Grohl viejo amigo de la banda y con el que ya han tocado en diversas ocasiones, y el regreso de Nick Oliveri a la formación como parte del disco.

 QOTSA tiene un sonido peculiar ya que es una combinación entre los sonidos psicodélicos del Stoner Rock, el Desert Rock y Rock Alternativo. Aunque Josh Homme vocalista y guitarrista de la banda diga que el stoner rock no entra en su estilo. La voz de Homme da el toque original y con el que es fácil reconocer a la banda aparte del sonido de su guitarra y los solos bien elaborados, llenos de energía que se te contagia al escucharlos.

 El nombre de Queens Of The Stone Age viene gracias a un comentario que  realizo Chris Goss, componente de Mater of Reality mientras se grababa un álbum de Kyuss (banda de la que formaba parte Josh Homme)  «Chicos, suenan como las reinas de la edad de piedra». Y algo que surgió como una broma ahora es el nombre de una de las bandas más exitosas del mundo.

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 El 22 de Septiembre es una fecha importante para la banda ya que en el año de 1998 gracias a Loosegroove Records. Fundado por cierto por el guitarrista de Perl Jam, como dato curioso. En esa fecha se puso a la venta el primer álbum de la banda. If Only tuvo una gran aceptación en el público norteamericano lo que les trajo éxito en todas las estaciones de radio alternativas.

 Poco a poco su popularidad fue incrementando participando en diversos festivales de música en los que la gente se dio cuenta del talento de todos los integrantes gracias al estilo incomparable de cada uno y el toque de la inigualable voz de Homme.

 Si no has escuchado a esta increíble banda aún estas a tiempo para que después corras a comprar los boletos para su presentación en el foro capitalino porque si es un deleite escuchar sus discos, en vivo será sin duda una experiencia completamente extraordinaria.

Celebrando el Dia Internacional del Jazz con un poco de Ska

El pasado 30 de abril se conmemoró una vez más el Día Internacional del Jazz, un género que actualmente cuenta con un gran reconocimiento y prestigio alrededor del mundo, pero que por durante mucho tiempo fue rechazado debido a su origen; ya que como es sabido el jazz tiene origen en Nueva Orleans por parte de la comunidad afroamericana descendiente de los esclavos.

 Al hablar de jazz tal vez para algunas personas lo que menos les pase por la mente sea el ska, debido a que en nuestro país el ska  (o lo que se conoce como ska) está destinado en su mayoría hacia un público muy diferente del que suele escuchar jazz, aunque en realidad el auténtico ska cuenta con varias similitudes musicales.

 En la actualidad sigue habiendo sectores en donde se sigue teniendo el erróneo concepto sobre el origen del ska e incluso se llega a pensar que este es un “subgénero”  (por así llamarlo) del rock, siendo que en realidad el rock y el ska son contemporáneos, ya que mientras el rock surgía en Estados Unidos, en Jamaica el ska hacía lo propio.

 Además de otros géneros como el mento, el calypso o el rhythm & blues;para el ska  el jazz sirvió como una muy fuerte influencia para su desarrollo, desde la predominación de temas instrumentales, la presencia de bigband de ska, instrumentistas de gran calidad que nada le pedían a los músicos de jazz, la improvisación musical, o incluso hasta la abundancia de temas clásicos del jazz hechos covers por bandas de ska. Todo esto le valió al ska para llegar a ser conocido como el jazz jamaicano.

 Alrededor del mundo han surgido agrupaciones que han sabido mezclar  muy bien la esencia de estos 2 estilos dando como resultado lo que se conoce como Ska-Jazz, con bandas como New York Ska-Jazz Ensemble en Estados Unidos, Jazzbo en Alemania,  Jazz Jamaica en Inglaterra o St. Petersburg Ska-Jazz Review en Rusia tan solo por poner unos ejemplos, donde el sonido se caracteriza por ser una música bailable con toda la potencia del ska, mezclado con la elegancia del jazz, pero esos si; con la calidad musical que podemos encontrar en ambos estilos.

 Aunque en nuestro país poco a poco surgen cada más banda en donde se puede observar la influencia de esta combinación de ritmos aún siguen siendo las menos, algo que mediante la información y el apoyo a este tipo de proyectos podría ir cambiando, debido a que se mencionó en un principio, siguen existiendo grandes sectores donde se tiene un concepto erróneo de lo que es el ska y por lo tanto se decide no apoyar a bandas con calidad.

 Un claro ejemplo de que la información puede modificar esto es que actualmente en la estación de radio dedicada al jazz Horizonte 107.9 se pueden llegar a escuchar temas relacionados al ska, esto debido  que Pp Ska, el mayor difusor del ska que haya existido en este país, lo gro informar a la gente lo sobre lo que en realidad es el ska y sus derivados, por medio de algunas invitación que se le hicieron a dicha estación, hay que tomar en cuenta que el público que escucha jazz  es un público exigente. Siendo en el 2012, durante la visita de New York Ska Ensemble a nuestro país fueron invitados por esta estación para grabar una sesión en los estudios del IMER.jazz1

Lluvia de Palos presenta: Tlaltekuinilistli

El 26 de abril tuve la maravillosa oportunidad de acompañar al ensamble Lluvia de Palos en la presentación de su disco Tlaltekuinilistli. Con un concierto y una conferencia en la Sala Carlos Chávez, este peculiar grupo musical comenzó una nueva etapa en su prometedora trayectoria artística.

 Lluvia de Palos, ensamble liderado por José Navarro (fundador también de Banda Elástica), es un grupo que hace música contemporánea con instrumentos pre-hispánicos. Esto les da un sonido muy particular: timbres arcaicos utilizados en un contexto de improvisación contemporánea.

 Tras el increíble concierto que dieron, donde embelesaron al público con una música desbordante de energía vital, platiqué un poco con Manuel Andrade -miembro de la banda, joven percusionista y estudiante de composición en la Escuela Nacional de Música- acerca del proyecto.

Samir Pascual
Samir Pascual

 Le Ramis: ¿Cómo es el proceso de composición y arreglo de las piezas?

 Manuel Andrade: Podría decirse que el proceso composicional de la música lleva como uno de los elementos claves la improvisación. Es un proceso que lleva tiempo, en el sentido de que sí, las piezas se escriben, pero van cambiando poco a poco a lo largo de estarlas tocando, pues se experimentan detalles pequeños a lo largo de cada ensayo. Así, después de un año, las piezas son reconocibles pero no necesariamente iguales. Hay una idea general, pero se va desarrollando poco a poco hasta llegar a una última versión, que es la versión del disco. De ser necesario se busca una manera de hacer una notación específica para cada pieza. Tal es el caso de “De mar a viento” u “Olla flechada”. Casi todas las piezas están compuestas por José Navarro.

 L. R: Tú que eres compositor además de percusionista, ¿cuáles son los retos de componer para un ensamble de puras percusiones?

Luis Miguel Costero
Luis Miguel Costero

 M. A: Creo como compositor que uno de los aspectos más interesantes de las percusiones son las variedades tímbricas que tiene un solo instrumento. Es muy importante considerar que al ser percusiones, cada uno de los integrantes debe desempeñar un papel que ayude al compañero a crear un ambiente específico o a desarrollar una idea en particular.

 Con esto me refiero a que cuando se compone se debe buscar la manera de que nadie opaque a nadie, y de que cada uno ayude con su parte a crear música. A veces es mejor no tocar nada si la música lo necesita, y después de un rato de silencio entonces tocar sólo si es necesario. Eso no solamente al componer, si no también al improvisar.

 Es determinante desarrollar un buen trabajo en equipo para obtener ideas que pueden desarrollarse y utilizarse en una composición. Algo fundamental para lograrlo es el escuchar lo que están haciendo los demás, como sucede en “Golpeando el viento la luna”.

 L. R: ¿Crees que el trabajo de José Navarro con la Banda Elástica influencia de alguna manea su trabajo con Lluvia de Palos?

 M. A: Por supuesto. Es con Banda Elástica que Pepe empieza a usar los instrumentos de percusión prehispánica. Aquí se ve muy claro lo que te explicaba del cambio gradual de una pieza a lo largo del transcurso del tiempo. Es con Banda Elástica que se empieza a trabajar de una manera inusual en una banda. Cada disco que tiene ellos es distinto al anterior y busca serlo, creo que es parte de lo que da pie al surgimiento de Lluvia de Palos. Luis Miguel Costero y Pepe llevan varios años trabajando juntos, ambos son integrantes tanto de Banda… como de Lluvia…

 L. R: ¿Qué instrumentos prehispánicos utilizaron para este disco?

 M. A: Pffff (piensa), son varios: Huehuetl, Teponaztlis, flautas y ocarinas de barro, caparazones de tortuga, sonajas, piedras, raspadores, ollas, sartales, palos de lluvia, campanas de barro, tambores de agua, tambores raramuri, caracoles marinos, entre otros. El DVD tiene una sección donde se muestran los instrumentos.

José Navarro L. R: Leí que además de los instrumentos, toman cosas de la cosmología y la visión pre-colombina para su quehacer artístico, ¿De qué manera funcionan los elementos extramusicales pre-colombinos en esta producción?

 M. A: Son fundamentales. Para esto hemos leído sobre todo a López Austin. Libros como Cuerpo Humano e IdeologíaTamoanchan y Tlalocan. Además del estudio del náhuatl, que es muy rico y muy profundo. Pepe lleva años estudiando y bueno hay quienes estamos empezando a estudiarlo. Es uno de los aspectos más importantes del grupo. Existe un libro muy bueno titulado México Profundo de Guillermo Bonfil Batalla, en el cual se muestra la importancia de reivindicar a las sociedades indígenas en un continente “occidentalizado”.

Lluvia de Palos no pretende hacer música prehispánica, pero para componer se toman ideas de las experiencias y lecturas de la cosmología. También como parte del enriquecimiento y retroalimentación del grupo se han hecho varios temazcales ceremoniales.

 L. R: ¿Cuánto tiempo duró la grabación y producción de este disco?

 M. A: Poco más de un año.

Manuel Andrade
Manuel Andrade

 L. R: ¿Tuvieron algún apoyo económico en el proceso?

 M. A: Si: por parte de Epromúsica, Estimulo hacia la producción musical, Conaculta INBA y Coordinación Nacional de Música y Ópera.

 L. R: ¿Dónde se podrá comprar el disco?

 M. A: Me parece que en las librerías Gandhi, en MixUp, en los conciertos del grupo o directamente con los músicos. Creo que también por internet.

 L. R: Ya tienen el disco, ¿ahora qué sigue?

M. A: Aún falta mucho por hacer (ríe). Pues creo que descansar una semana (ríe) y después seguir en los ensayos. Muchas veces dedicamos tiempo del ensayo para gestionar. El disco nos ayudará a promover nuestro trabajo, pero es apenas el comienzo de otra etapa nueva. Sigue desarrollar nuevas ideas para nuevas composiciones y seguir trabajando las que ya tenemos.

 Quiero mencionar otro de los aspectos importantes del grupo, que es la idea de la interdisciplina. Música y danza están muy relacionadas entre sí. Hay periodos en que los músicos tomamos pequeños talleres de danza, o una que otra clase de Aikido. Pepe practicó esta arte marcial durante 8 años y la interdisciplina es parte de lo que pretende abordar Lluvia de Palos. De hecho, existe ya una presentación que incluye música y danza, se llama Ojos de Tierra (pueden verla aquí).

TUNGAS en la Casa del Lago

TUNGAS en la Casa del Lago

Frentes sudorosas; puños al aire; niños en los hombros; piernas, cuerpos completos sobrevolando las cabezas; mechas de cabellos de todos colores agitándose al ritmo de el Ferrocarril. ¿El foro?, la Casa del Lago. ¿Al frente? Un grupo de amigos con un fuerte gusto por el punk rock y las patinetas. Los TUNGAS estrenan su tercer disco: Vamos perdiendo el corazón.

Es el hacer la música tangible, éste en particular, lleva la “experiencia de más años de escribir y componer música, donde buscamos tener más matices y demás…”

Aldo Camacho

Vamos perdiendo el corazón

 En el margen del festival El libro y la Rosa, empezaron con la lectura de un par de poemas. Tan pronto Conrado tomó el bajo; con sus correspondientes estilos, Luis, Negri y Javier, las guitarras; y Aldo el micrófono; se aproximaron los ansiosos formando un gran conglomerado de personas dispuestas a transpirar una hora de música pura.

TUNGAS

 Con el número de espectadores en constante crecimiento, el concierto llega a la mitad de su trayecto. “Oe, oe, oe, oe, Tungas, Tungas”. En una porra es como reflejan la devoción fortalecida a lo largo de los años que llevan circulando en foros de toda la República.

 Hace 10 años, eran tan sólo amigos de la secundaria tocando covers en “fiestecitas” (Ataque 77, Dos Minutos, NOFX, Bad Religion, Green Day…). Hoy pasaron de grabar cuatro demos originales hasta su recién estrenado tercer disco, todos por su cuenta. Su próxima meta es Canadá, entérate cómo puedes apoyarlos con tu voto: más detalles en su FanPage.

Aldo, Ihxel Perez

 Pasado el tiempo, Ihxel Perez sube al escenario a cantar una de las nuevas canciones del disco: La estructura sigue intacta. (Escúchala en este enlace). Su estilo de “screamo” le da un carácter radical al estilo de punk rock que habían estado manejando los TUNGAS y contrasta con la voz “tersa” del vocalista, Aldo.

“Es una parte del punk que siempre nos gusto pero no habíamos tenido oportunidad de tocar.”

Niño fan TUNGAS

 A un costado del escenario, un niño se muestra como un verdadero fanático. Canta, desgarrándose la garganta, salta desde la espalda del que lo mantiene tan cerca de aquella ruidosa experiencia, vibra con las bocinas, respira tan agitado como cualquiera a su lado; de alguna forma consigue armarse con una lata de espuma…pausa. La espuma cae en cada oreja, cada espalda, inyectándolos de energía para el gran cierre. Juventud Deprimida reanuda la marcha enérgica de frenesí. “Papararara, paparara pa pa”.

Actualmente el Ferrocarril es la más reconocida, pero pronto será desplazada… “Juventud Deprimida una canción con la que muchos se identificaron desde la primera vez que la escucharon”.

TUNGAS

¿Qué sigue para TUNGAS?

“Viajar más, a estados nuevos para nosotros, países nuevos también. Hacer crecer nuestro show en vivo Crear momentos distintos con canciones, nuevas versiones de canciones viejas y demás.”

 No te pierdas sus próximos conciertos: 10 de mayo en Foro Reforma y 31 de mayo en Bataclán de la Codesa

TUNGAS

 Las últimas palabras para los fans:

“Los quiero mucho, obviamente”

 

2 Tone: 35 años del sonido de los 2 tonos

Este año se cumplen 35 años del nacimiento del sello discográfico 2 Tone Records, una de las disqueras más importantes en la historia del ska, aunque decir que solo del ska seria incompleto, 2 Tone Records se ha convertido en un referente obligado de la música inglesa.

 Desde su nacimiento hasta el día de hoy el sonido del 2 Tone ha influenciado desde estilos musicales como el New Wave o el Post Punk hasta a gran cantidad de músicos, bandas y cantantes  desde The Police, Blondie o Elvis Costello (incluso fue productor del álbum homónimo de The Specials), hasta Blur,Amy Winehouse o Lilly Allen tan solo por mencionara algunos, por ejemplo; sería imposible hablar del álbum debut de Soda Stereo sin el 2 Tone, ya que dicho álbum está repleto de el puro estilo de ska de ellos.

 El sello 2 Tone Records fue fundado en 1979 por Jerry Dammers; tecladista y líder de The Specials, la banda estandarte de este sonido. Como cualquier otro sonido sello alternativo Dammers creó la compañía con la finalidad de apoyar la entonces pequeña escena que comenzaba a nacer, editando discos de las bandas inglesas que tocaban ritmos de Jamaica, pero obviamente con este nuevo estilo que comenzaba a popularizarse cada vez mas entre la juventud inglesa, algunas de las bandas más representativas que  el sello editó fueron The Specials, Madness, The Selecter, Bad Manners, The Beat, The Bodysnatchers etc.

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 Debido a que Jamaica por muchos años fue una colonia inglesa, entre ambos siempre ha habido un estrecho intercambio cultural, donde el aspecto musical siempre estuvo alimentándose por ambos bandos. Desde el nacimiento del ska, algunos años antes de la consumación de la independencia de Jamaica, debido a la emigración de personas originarias de Jamaica hacia el Reino Unido este ritmo tuvo aceptación en la sociedad inglesa posicionándose desde un comienzo en los primeros lugares de las listas de popularidad.

 Después de la primera invasión del ska jamaicano en Europa, con la llegada de la década de los 70’s  el género comenzó a perder fuerza y con el nacimiento del punk y otros sonidos, los ritmos de Jamaica parecían quedar en el olvido.  Como cualquier otro estilo musical el sonido del 2 Tone no surgió de la noche a la mañana, si bien no fue hasta 1979 cuando nació esta disquera, desde la primera mitad de los años 70’s ya se comenzaba esta mezcla entre el punk y el ska con bandas como The Clash o algunas otras como The Coventry Automatics y The North London Invaders que ya comenzaban a desarrollar un sonido similar pero que con el tiempo perfeccionarían y se convertiría en 2 Tone, dichas bandas también cambiarían de nombre y se convertirían en The Specials y Madness, respectivamente.

 Otro papel que jugó 2 Tone Records fue el de revivir a aquellas viejas estrellas del ska clásico , como por ejemplo el caso del trombonista Rico Rodriguez, quien editó algunos discos bajo este sello y además formó parte de la alineación de The Specials.

 Uno de los aspectos quizás más representativos del ska alrededor del mundo sea el de los cuadros blancos y negros ajedrezados, a lo establecido por el sello, como el mismo nombre lo dice: 2 Tone, dos tonos, blanco y negro. Esto haciendo alusión  a la unidad racial, que como es sabido, en las década de os 70’s el contexto social ingles estaba repleto tanto de problemas políticos, así como problemas raciales.

http://youtu.be/A8O_VM89EXA

 2 Tone originalmente solo fue el nombre de un sellos discográfico, pero con el tiempo se ha convertido en todo un estilo musical en donde bandas que nada han tenido que ver con el sello, pueden considerarse como bandas de 2Tone debido a la semejanza que mantienen con el sonido original de las bandas pertenecientes a este sello, que si bien; desde os 60’s el ska logró llegar a diversas partes del mundo, esto solo fue de una manera muy ligera, en realidad el 2 Tone inglés fue el encargado de de difundir estos sonidos por todo el mundo, quizás sin el 2Tone, el ska y sus sucesores no hubieran pasado a ser más que la música regional de Jamaica.

 Para finalizar, el sonido está tan arraigado dentro de la cultura inglesa que, como se menciono en un principio, sería imposible hablar su historia musical sin poder mencionarlo, como quedó demostrado en los pasados Juegos Olímpicos de Londres en el 2012, durante la inauguración no dejaban de sonar temas de The Specials, o en la clausura donde los propios Madness tocaron un tema.

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#Playlist de me sabe a…Canciones de Protesta

Seguidores de Chulavista Art House, las protestas y reclamos que vemos a diario en todo nuestro país son un pan nuestro de cada día, es por eso que, en afán de la última en contra de la inclusión del internet a la reforma de telecomunicaciones, quisimos dedicarle un minucioso lapso a buscar todas aquellas canciones de “protesta”, que dedican unos cuantos minutos a exponer la situación del ser humano frente a su país con carencias,desigualdades e inseguridad. Si lo de ustedes es la música y la rebeldía, tenemos el playlist perfecto que los inspirará a seguir con sus ideales.

#Playlist de me sabe a…Día Mundial del Libro, Paz y García Márquez

Queridísimos seguidores de su revista preferida y aclamada por todos ustedes, en esta ocasión el equipo de Chulavista Art House tiene el honor de presentarles un playlist perfecto, dedicado tanto a nuestro premio nobel mexicano y a nuestro colombiano preferido, fundador de un pueblo lejano llamado Macondo.

 Claramente estamos hablando de Octavio Paz y Gabriel García Márquez, que en recientes días, convivieron con un acontecimiento irreversible para todos nosotros, la muerte, uno en entrega y otro en recuerdo.

 Es por eso que para celebrar estas trascendencias, nos dimos a la tarea de ofrecerles su merecido set de canciones de grupos, bandas, concertistas y demás músicos inspirados por el acervo de estos grandes autores. Recordar es volver a vivir y conocer es apreciar, sin más preámbulos, y en continuo festejo del día Mundial del Libro, ¡Helo aquí!

Vallanzaska y la degeneracion de la generacion

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Alrededor del mundo hay algunas escenas musicales donde, por ciertos motivos suelen destacar tal vez mas que otras; la escena del ska italiano desde su origen (hace mas de 30 años) ha sido un referente mundial en cuanto a ska de buena calidad, con bandas pioneras como los Casino Royal, Statuto o la Banda Bassotti entre muchas otras mas que han sonado a lo largo de todos estos años.

Actualmente las bandas italianas siguen manteniendo ese nivel musical y una de las bandas consideradas entre las mas importantes y representativas de este ritmo son los Vallanzaska, quienes el pasado 28 de marzo sacaron a la venta su nueva producción discográfica titulada: Thegenerazione. La agrupación no sacaba nuevo material discográfico desde hace 3 años, cuando en el 2011 editaron el disco Spaghetti Ska, un álbum recopilatorio con el cual conmemoraron sus primeros 20 años de carrera musical.

Thegenerazione está editado bajo el sello Maninalto! Records (una de las disqueras que mas difunde y apoya el ska y demás ritmos derivados por allá, en las tierras italianas) y cuenta con la participación de diversos músicos y cantantes de la escena italiana como  Paletta bajista de la banda punk Punkreas o Antonio Di Rocco vocalista de Matrioska, e incluso hay una colaboración del español sumamente italianizado Tonino Carotone.

Este album cuenta con el ya característico sonido de la banda, un sonido frenético y alegre con el cual al escuchar los primeros acordes te darán ganas de ponerte a bailar, otra característica de la banda y que este disco no podía dejar fuera son sus letras con un toque humorístico peros con crítica social, tratando de generar un poco de conciencia en cada persona que escuche su música.

Tomando el nombre del conocido criminal Renato Vallanzasca y tocando principalmente covers de Madness y The Specials, Vallanzaska inició su carrera musical en Milano por allá en el año de 1991 pero no sería hasta 10 años después con la salida de su tercer álbum Ancora una Fetta que la banda alcanzaría la masividad y el reconocimiento en su país, siendo actualmente considerada como una de las bandas más importantes y representativas del ska Italiano, formando parte constantemente de diversos acoplados, tanto de ska italiano como internacional.

Aunque el disco físicamente salió a la venta el 28 de marzo, desde el 21 de marzo ya se podía comprar de manera digital, para promocionar el álbum los Vallanzaska iniciaron el 14 de marzo una gira por el territorio italiano.

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Thegenerazione es un álbum que resultará agradable para aquellas personas que ya conocen a la banda o están familiarizadas con estos ritmos, ya que sigue manteniendo la frescura y el sonido característico del grupo; que si bien siempre se ha caracterizado por tener una base ska, se conforma de varios sonidos pasando por el punk, hasta tener algunos toques de música electrónica.

Pero lo mas importantes es que, para las personas que este tipo de sonidos aun sigue siendo un tanto extraños, Vallanzaska y este disco resultan sumamente fáciles, de escuchar, pues a pesar de continuar con esa esencia que los ha caracterizado desde un principio la agrupación ha sabido ir actualizando su sonido, lo que te puede puede llevar a indagar a profundidad sobre este tipo de música.

El nuevo álbum de Vallanzaska es un claro ejemplo de que la música festiva y desenfrenada no tiene por que estar peleada con la calidad musical, por lo que no caería nada mal que algún día esta banda visitara nuestro país, ahora que cada vez es más común observar bandas (de ska y ritmos relacionados) de talla internacional en nuestro país.

¿Dónde caben las nuevas propuestas? Café Claro de Luna

 Cada persona tiene un encuentro diferente con el arte. Algunos desde pequeños, otros en una fase más evolucionada de sus vidas, pero una vez hundido en el embriagante mundo de lo subjetivo, sólo puedes ver hacia adelante.

Se trata de convertirse en la obra de arte, enajenarte en tu trabajo creativo, cada artista dirá si es para si mismo, o quiere compartir sus inquietudes con el mundo. De ser la segunda opción, hay miles de formas distintas de sacar un proyecto a la luz, no es tarea sencilla, requiere de pasión y entrega.

 Por un lado, un restaurante quiere revivir sus años de gloria; por el otro, un cantautor ve el espacio como una oportunidad de consolidar su proyecto musical. El resultado es Café “Claro de Luna”, un lugar con tan solo mes y medio de haber abierto sus puertas a nuevas propuestas.

Café Claro de Luna

 De base, puedes encontrar todos los viernes a Charly Massa, cantautor que ha conseguido abrirse camino y orgullosamente puede decir cuenta con un disco donde imprime su creatividad. Escucharlo hablar sobre éste es muy interesante, pues cada canción tiene un acompañamiento instrumental diferente; incluso podría decirse, un estilo rítmico o de carácter diverso. Hace especial hincapié en un saxofonista con gran habilidad para improvisar, le dejó perplejo cuando vio cómo adoptó su música creando una eficaz combinación de notas con inclinaciones jazzísticas, que nutrieron las canciones en las que tocó.

 Con actitud serena y entusiasta, cuando está detrás del micrófono compartirte su amor por la trova. Seguro lo reconocerás por su camisa de estampado oficial (“Charly Massa cantautor”) o al verlo llegar en su “Charly movil” con estampado similar.

Charly Massa

 Val Rionda es una chava muy alegre con un timbre de voz dulce y un registro muy agudo. Su estilo es acercado al bossa nova. Suele subir al escenario a cantar un par de canciones en compañía del Massa o de Miguel Abrica. Ansiado para algunos es su intermitente participación, pues llena de calidez el ambiente y le da un giro a la rúbrica trovadora tradicional, mezclando en su repertorio canciones de éste y otros géneros.

Val Rionda

 Miguel Abrica es un fanático de Silvio Rodríguez, con un gran conocimiento de su repertorio. Le gusta usar la música como instrumento de protesta y conducto para sus ideas. Colabora con Ulises Paniagua (escritor que tuvimos oportunidad de escuchar en vivo el viernes pasado) en una propuesta interesante: Colectivo Pena Ajena. Mezclan la poesía con la música, performance teatral, ejecución de pintura en vivo y actos circenses o malabares. Una forma muy completa y agradable tanto a la vista como al oído, de dar a conocer su postura ante la situación actual tanto en México como el resto del mundo. Mantente al pendiente de sus presentaciones a través de su “fan page” o visítalos en este café tan singular.

Colectivo Pena Ajena

Fotografía a cargo de MariCarmen Martínez

La magia de la Samba camino al mundial

En atención a las notas publicadas anteriormente acerca de Brasil, este gran país que será sede mundialista próximamente, me da  gusto de presentarles uno de los géneros más apreciables y distinguibles de todo el mundo. Claramente estamos hablando de la Samba, acción que muestra fuerza, ritmo y presencia en todos los carnavales celebrados.

samba Con un baile que denota belleza y sensualidad de quién lo ejecuta con la certeza absoluta, la samba se ha convertido en uno de los iconos   de este país, pero ¿de dónde surgió este género?, ¿Cómo se debe bailar?, ¿Qué grupos de samba existen?

 Originaria de Angola  y traída a Brasil por esclavos, logró obtener un recibimiento grato por la gente que residía del estado de Bahía, el género se perfecciono en técnica y fue introducido a finales del siglo XIX en unos de los estados rodeados de hermoso folclor, Río de Janeiro.  En un principio, el ritmo tuvo el propósito de ser utilizado para rituales, con fusión en sonidos  Candombeé y aporte del catolicismo y del yoruba.  Al paso de los años, el desenfreno y goce que provocaba practicar la danza de este ritmo, se le concedió el honor de engalanar la presencia en carnavales.

 Fueron creadas las escuelas de Samba, cada una elige un tema a representar, utilizando el baile y la imagen como forma de comunicación a la audiencia, estos temas, se relacionan con algún aspecto histórico obteniendo al espectador un fuerte mensaje de reflexión.

 Originalmente un baile con intenciones de ejecutarse sin pareja, el paso de los años lo convirtieron en un baile de salón. Los pasos básicos es el movimiento de la pelvis hacia adelante y atrás, acompañado de un movimiento lateral de cadera.

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 Los subgéneros son extensos, entre los más llamativos se encuentra la “Samba-cançâo”, este se distingue por ser lento a comparación de la samba de carnaval, el origen de este baile se debe a la canción considerada como la primera pista creada para el género“Pelo Telefone”, realizada en el año de 1917 por Donga y Mauro Almeida.

 Otra de las divisiones más disfrutables es la “Samba Reggae”, fusionado por dos ritmos y con un mensaje hacia la unión de los pueblos en Latinoamérica, su digno representante de este género es Gilberto Gil. Por último y muy importante, se encuentra la “Samba Rock”,  subgénero del rock combinando los ritmos “do-woop”, jazz y soul.

 Uno de los ritmos mejor destacables de la samba es “Samba-Enredo”, que es ejecutado por vocalistas masculinos, en su mayoría, acompañados por el cavaquinho y una batería acelerada con tintes de bazucada. Los representantes más distinguidos son Martinho da Vila, Neguinho da Baija Flor y Jamelão.

 El género es bastante jocoso de apreciar, uno de los cometidos de este baile se funda en la unión y la libertad de expresión, para todos los habitantes del pueblo, los géneros son extensos, dándonos un panorama de lo que vamos a poder presenciar en este mundial.

¿Qué pasó en el Tianguis Cultural? /Enred-Arte

Exposición en Agua Fuerte

El 16 de abril fue el día mundial del arte, muchos museos, colectivos y galerías se dispusieron a ofrecer una cartelera cultural muy interesante haciendo honor al objeto de su existencia.

 Conciertos, exposiciones, muestras de baile, teatro, literatura…cuando uno se pone a buscar, se da cuenta de que la oferta cultural de la ciudad es muy vasta.

Sobre el “Tianguis cultural”

 Ahora imagina un espacio donde se fusionan las propuestas emergentes pintura, serigrafía, escultura y música. Eso es lo que hicieron el colectivo Enred-Arte junto con Trinchera Radio y la galería Agua Fuerte. En ese espacio ubicado en la Roma, se realizó un “Tianguis cultural”.

 Agua Fuerte renueva constantemente sus exposiciones plásticas, pero gusta de ir más allá. Suele prestar el espacio para hacer otro tipo de representaciones, es por eso que el 15 y 16 de abril que acaban de pasar, dio cabida a este concepto insual.

  Así es como llegaron los convocados a colocar sábanas en el piso y surtirlas de un sinnúmero de productos elaborados por ellos mismos: pinturas, estampados de camisas, gorras, pequeñas figuras talladas…

Estampado en camisas

De la música en el “Tianguis cultural”

  Tanto el martes 15 como el miércoles 16 se acompañó el “Tianguis cultural” con un concierto de bandas emergentes.

  Al fondo de la amplia galería, improvisaron un escenario inusual que repercutía directamente en lo disfrutable del ambiente artístico.

 En ambos días, el programa de radio Trinchera NVR, llevó a bandas que han entrevistado en su programa. El tiempo que llevan al aire a través de internet se han caracterizado por dar a conocer bandas de gran calidad, además de una serie de recomendaciones culturales de gran utilidad para hacer en las tardes o los fines de semana. Te recomiendo ampliamente darte una vuelta por su programa los jueves a las 6pm a través de Nuestra Voz Radio.

  El martes hubo un gran flujo de personas desde una hora muy temprana, para cuando la banda Olimpo llegó (ve éste video casero de su entrevista a través de radio Trinchera) la gente llenaba los rincones de la galería.

  El miércoles llegó Body Hollidays a presentar un estilo único que se ha ido fortaleciendo a partir del núcleo familiar. Los hermanos en el bajo, guitarra, batería, teclados y el padre en las percusiones. Una banda, una familia y un futuro por delante.

Body Hollidays
Body Hollidays
Una banda, una familia
Una banda, una familia
Enred-Arte y el corredor Roma del Valle

    Imagina ir a tu cafetería favorita y acompañar tu café de una exposición de pinturas que se renueva cada mes, o ir a comprar ropa a tu tienda favorita y de pasada llevarte una escultura original a tu casa…

  El colectivo Enred-Arte, busca formas diferentes de que el público interactúe con las obras de los artistas, es por eso que llegan a su mente eventos como el “Tianguis cultural”, pero no se queda ahí. Mes con mes abre una convocatoria para que todo tipo de artistas plásticos presenten su trabajo en lugares tan cotidianos como una tienda de ropa o un café. Las exposiciones duran una semana, así que date una vuelta antes del viernes 25 de abril si quieres conocer las intervenciones del mes de abril:

 Electrocardiograma la encuentras en Calle Mérida 122. Verás esculturas de Miguel Cuahutémoc que se mezclan entre la ropa que vende esta tienda tan singular. 

Electrocardiograma
Arte objeto y escultura

  Cuerpo Degenerador, la encuentras en Naked Luch 122, una Cafetería Gourmet donde el colectivo Enred-Arte realiza varias actividades como el “Curso Creativo para Chavitos” donde les enseñan de pintura, collage y estampas en papel .

Cuerpo degenerador
Naked Lunch

  Flores humanas, puedes ubicarla en FIKA (swedish coffee) donde las pinturas de Ch. Surf te muestran una interesante conjugación de la naturaleza silvestre con la naturaleza humana. Conoce este café estilo sueco constantemente intervenido por artistas plásticos y disfruta de un tiempo agradable.

Flores humanas
FIKA

Date una vuelta por el corredor Roma del valle.

Fotografía a cargo de MariCarmen Martínez

#Playlist de me sabe a…Bienvenidas Vacaciones

Esrimados lectores, las vacaciones ya empezaron y aquí tienen su merecido playlist con lo mejor de la música surf. Diseñando para acompañar con su mejor trago, saquen las sandalias y suban el volumen a todo lo que da escuchando un poco de The Ventures, Los Straitjacktes, Lost Acapulco entre demás bandas. ¿Siguen esperando para irse de vacaciones?, porque no mejor ¡que lleguen las vacaciones a ustedes!.

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“Faul” McCartney, la leyenda tras The Beatles

Una banda tan mítica y exitosa como The Beatles debe tener secretos, secretos que se convierten en leyendas dependiendo su magnitud. Uno de los más famosos es la dichosa muerte de Paul McCartney.

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 La leyenda dice que un martes 8 de noviembre de 1966, durante las grabaciones del álbum Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band, McCartney salió a altas horas de la noche, después de discutir con John Lennon. Paul McCartney iba manejando a alta velocidad, cuando se encontró una chica llamada Rita, él se ofreció a llevarla y ella accedió.

 Era una noche lluviosa y McCartney iba a alta velocidad cuando se estrelló con un camión, degollándolo; por suerte, Rita salió ilesa. Horas más tarde los otros 3 Beatles estaban exhaustos por las intensas grabaciones del álbum e iban a regresar a sus casas pero al salir los detuvo una furgoneta negra conducida por un agente de la MI5 llamado Maxwell que les contó el accidente de Paul.

 Al llegar a la escena del accidente, Lennon vio un cuerpo envuelto en una sábana y se le pidió que lo identificara, desgraciadamente era el mismo Paul . Los Beatles fueron llevados a una casa secreta de la MI5 donde Maxwell hizo muchas llamadas informando la muerte de McCartney. Al darse cuenta de la magnitud de la noticia, los Beatles restantes estuvieron de acuerdo en buscar a un “doble” seleccionando a Willian Campbell.

william_campbell Algunos no creen que esto haya pasado, pero, otros han indagado en pistas que los miembros de la agrupación implantaron en sus canciones y portadas de discos, lo que nos hace analizar y pensar en la posibilidad de que sea verdad.

 En el disco Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band tenemos una pista muy famosa, en la contraportada del disco de vinil se ve a los cuatro Beatles portando los coloridos trajes de soldados, tres de ellos están viendo hacia el frente menos Paul quien está dando la espalda, lo que la mayoría interpreta como señal de “ida” del cantante.

 En el mismo disco, pero en la portada también hay símbolos extraños, se dice que todos están reunidos en una ceremonia fúnebre ya que en la parte inferior de ellos parecía haber una tumba adornada con flores y un bajo, hecho de flores mirando al lado izquierdo, ya que el músico es zurdo, y con solo 3 cuerdas, lo que significaría que faltaba un Beatle.  Por otra parte, sobre la cabeza de Paul, aparece una mano abierta. La mano abierta es un símbolo de la muerte en algunas religiones orientales. Es el caso, por ejemplo, de la llamada “Jain Hand”, un símbolo de una doctrina hindú que representa la reencarnación del alma .Este hecho cobra aún más significado si tenemos en cuenta la relación de la agrupación con la cultura hindú.The-Beatles-Sargent-Pepers

 En la parte inferior derecha, se ve una televisión apagada lo que simboliza el luto de los medios ante el deceso.

 Son muchos los símbolos, tanto en las portadas de los discos como en las canciones, algunos más evidentes que otros, pero solo los miembros de la banda y la gente más allegada a ellos, saben la verdad. Quizá solo sea una treta publicitaria que los hace una banda aún más interesante o quizás si sea verdad y al que vemos en pantallas y en conciertos sea un impostor, pero eso ya es cuestión de cada persona. ¿Tú qué opinas?

 Lo que nunca quedará en duda es el talento de este enorme y legendario cuarteto.

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Arte y religión hoy en dia

Semana santa, periodo de reflexión, de conversión, es una de las fiesta más grande para la religión católica, en la que se observa de manera gloriosa la victoria de Dios sobre la muerte. Me he preguntado ¿Cuánta influencia tiene la religión hoy en el arte? Hablo principalmente de la religión católica, pues es de la que tenemos más influencia por situación geográfica, entre otras cuestiones.

 En esta época donde se habla del respeto y la libertad de culto, de pensar diferente, que procura (o intenta) que la iglesia no influya en cuestiones políticas, cuando se habla de un pueblo laico, me pregunto ¿todavía influye en el arte? ¿Todavía tiene un papel en la creación del mismo? Me gustaría abordar ese tema, puesto que sabemos, anteriormente era la fuente de toda inspiración en Europa además de las culturas clásicas.

 Gracias a la religión tenemos una gran cantidad de obras de arte de una gran calidad, obras maestras. Podemos citar grandes obras musicales como la “Misa en Si menor” de Johann Sebastian Bach, una pieza magnifica, considerada de las obra maestra, en la que se enaltecen todos los ideales de la religión católica al compás de las notas. Hablando de Bach, no podemos dejar de lado también sus “Pasiones”, ambas igual de espectaculares, si tienen la oportunidad de oírlas, les aseguro que no serán defraudados. Como dato curioso, casi toda la obra de Bach es religiosa, a pesar de que él no era católico.

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Éxtasis de Sta. Teresa

 Pasando a las artes plásticas, tenemos una vasta cantidad de obras, podemos citar a Miguel Ángel con su pintura en toda la Capilla Sixtina, obra monumental en la que se plasman imágenes bíblicas con una técnica impecable y que encierra numerosos mensajes. También tenemos a Bernini con el “Éxtasis de Santa Teresa”, escultura en la que  plasma el sentimiento y la experimentación de un arrobo en la gracia de Dios, es sorprendente ver como de la materia nos puede transmitir un sentimiento y una idea tan clara acerca de un momento de fe y oración. Así puedo seguir citando obras y autores, pero se acabarían la paciencia y los dedos, pero ahora ¿Qué pasa con el arte? ¿Lo sigue produciendo la iglesia? ¿Sigue teniendo influencia?

 Mi respuesta es, sí, la iglesia sigue teniendo influencia, tal vez ya no crea arte como antes, ni con la misma calidad, pero aún sigue ejerciendo presión, mínima pero existe. Una diferencia sería que ahora, la mayoría de las expresiones del arte contemporáneo se hacen en contra y no a favor.

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La hora nona

 Gracias a la libertad de culto, pensamiento y expresión, se han generado protestas y críticas hacia la religión católica (cosa que se han ganado a pulso). Ahora se ocupa al arte como forma de protesta y critica, en que se manifiestan las ideas en contra de la religión, de esta manera surgen artistas con este pensamiento, artistas como León Ferrari, que en  su obra “La civilización occidental y cristiana”, hace una crítica a la iglesia y más en particular, al estado que conforma y organiza, por su parte Maurizio Cattelan en sus obras “La hora nona” y “Him”, critica los actos de la iglesia, tachándolos de incoherentes con su ideales. De igual manera me tardaría citando obras y autores hasta que me sangraran los dedos, y nos daríamos cuenta que para bien o para mal, la religión aún influye de algún modo en el arte y eso que todavía no hablamos del arte sacro contemporáneo.

 Debemos analizar que la religión juega un papel en el arte no solo como el museo que guarda las obras de artistas, sino, gracias a que al ganar críticas a sus hechos, por parte de artistas que están hartos de los actos inmorales y represores, o creen que hacen polémica y venden sus obras, al creerse artistas modernos, pese a una cosa es cierta, la iglesia aún existe en día como institución, y pese a que pueda perder adeptos, ganará otros más. Así como lo expuse en mi artículo anterior, el contexto está relacionado con el arte y por ende la iglesia también.

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La civilización occidental y cristiana

Rock Brasileño, ¿Qué es eso?

Nora+NeyCon un mundial en puerta, los ojos de todos los países del mundo presenciarán  al país con una tradición futbolera  inigualable, hombres y mujeres con admirable belleza, Samba, carnavales y mucho folclor Brasileño  abordarán nuestros ojos y oídos.

 Pero alguna vez, te has preguntado ¿si existen bandas que no toquen Samba? o bien que escucha la gente de ahí, pues bien, es tiempo de abrir tus panoramas sónicos, enunciándote bandas que merecen la pena ser escuchadas.

 El rock en Brasil, tuvo sus inicios en los años 50’s y 60’s, con un auge impresionante en los 80’s. La precursora de este género es Nora Ney, la cual se encargó de lanzar un Rock Around The Clock al más estilo tropical con un saxofón fuertemente sonado. Al paso del tiempo y con la invasión del rock and roll a cargo del país vecino, en el país tropical surgieron grandes cantantes como Miguel Gustavo, Betinho & Su Conjunto, entre otros.

 En el curso de la década de los 60’s, el país recibió la invasión masiva de grupos instrumentales como The Jet Black’s, The Jordans y The Cleevers. La historia cambió cuando el “Rey”, originario de Espíritu Santo, logro llevarse los reflectores de todos los medios. Estamos hablando de Roberto Carlos, que aunque no se crea, no siempre le canto al amor y a las bellas épocas, este señor era de espitiru rockero.

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 Con temas como “É Proibido Fumar” y “O Calhambeque”, Carlos logró posicionarse en el género, obteniendo hasta la conducción de un programa de radio conocido como “Ié-ié-ié”, mismo que se encargaba de engalanar con su presencia musical.

 ¿Qué pasaba con aquellos cantantes con un renombre indudable como Elis Regina, para se contagiarían por el desenfreno del rock?.  Teniendo en auge el programa conducido por el “Rey”,  los artistas declararon la guerra, oponiéndose rotundamente a la utilización de guitarra eléctrica en la música tradicional Brasileña.

 Derivado de esto la contra defensa fundó la Tropicalia, movimiento que mezclaba las manifestaciones tradicionales de la cultura brasileña e innovaciones estéticas radicales. Con fines políticos, en contra de la dictadura militar  que gobernaba en aquellos años al país, este movimiento trajo  a la luz grandes grupos como lo fue Gilberto Gil, Os Mutantes, Caetano Veloso entre otros.

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 Os mutantes, con actuación de Rita Lee, es una de las bandas pioneras de la psciodelia músical. Artistas de alto calibre han reconocido el talento de esta banda como Kurt Cobain, The Flaming Lips entre otros. Los años pasaron y las bandas que se consolidaron en la escena, solidificaron el estilo sonoro que hoy por hoy siguen rigiendo a las nuevas generaciones, bandas como Secos & Molhados, Rau Seixas (Frank Zappa, estilo brasileiro).

  Sin duda, la palabra “fútbol” estará en boga por todos los medios a partir de mediados de Junio, es por eso que te entrego un playlist, para que vayas cambiando tus panoramas de conversación y sin duda te enamores, en el aspecto musical desconocido, de este bello país de habla portuguesa.

Experiencia musical: Tere Frenk y la OCBA

Tere Frenk
Tere Frenk

No más ruido de cuerdas afinando, nadie tose en el recinto, ha pasado el tiempo de acomodarse en la silla, un despistado entra corriendo a la sala y se detiene en seco tras averiguar el momento crítico ante el que se encuentra, cientos de miradas fijas en un punto, un único respiro mantenido a la expectativa de los primeros pasos de la concertista al asomarse fuera de las piernas del escenario. Tal pareciera el clímax de la velada, tanta tensión acrecentada por el misterio de su entrada…algunos fervorosos conocedores se justificarán ante la premisa de cuán ansiosos le esperaban, otros tantos primerizos antepondrán la importancia de la primera impresión hacia el carácter con el que se interpretará la pieza, el resto lo adjudicará a la tradición. En esta ocasión, corresponde a la pianista Ma. Teresa Frenk hacer los honores. Con la tez en alto y un andar parsimonioso luce la experiencia ante aquel místico ritual de acercamiento al piano. Tan pronto cruza la mitad de su camino, la audiencia prorrumpe en aplausos pudiendo descansar en sus asientos con la promesa de mantener el interés en la ejecución.

Es entonces que el director, Giuseppe Lanzetta, reúne la atención de aquellos que como Orquesta de Cámara de Bellas Artes, tocaran el Concierto para piano y orquesta no.14 en mi bemol mayor, K.449 de Mozart, un concierto pocas veces escuchado en México…y da la entrada. Cada movimiento comienza la orquesta, y una vez establecido el tema, es turno de resaltar para el piano que lo retoma y desarrolla al estilo que sólo el “Mozart-virtuoso” puede.

Aquellas mangas azules del vestido de la concertista, se mueven con presta delicadeza a la par de los momentos álgidos de la pieza. En primera instancia pareciera que el piano no se escucha, pero el diseño acústico del lugar permite extender el sonido de una manera muy redonda. Eso, aunado a la técnica de la pianista, resultó en unas dinámicas muy interesantes. Oscilaban desde el muy “piano” hasta un sutil “fortísimo”. Es extraño poder decir que características tan abstractas como “llenos de cuerpo y peso” se le pueden atribuir a una interpretación (supongo tiene sus bases en una previa experiencia sensible repetible, aunque con sus variaciones, correlacionando estos factores con el sonido), y sin embargo, es lo que escuche: gran sonoridad. ¿Una aproximación?, escucha el tercer movimiento aquí.

¿Qué más hubo?

Pietro Antonio Locatelli
250 años de la muerte de Pietro Antonio Locatelli

Silvestre Revueltas es el auditorio del Conservatorio que dio cabida a este gran concierto en el 250 Aniversario luctuoso de Pietro Antonio Locatelli, con cuyo Concerto grosso en re mayor abrieron la programación.

Dentro de los márgenes de la tradición, el “montaje” de la pieza final fue ingenioso: La Sinfonía no.45 en Fa sostenido menor de Haydn, mejor conocida como la Sinfonía de “los adioses”. Haydn la compuso para darle a entender al rey Nikolaus Esterházy que los músicos a su disposición, habían pasado mucho tiempo en su casa de verano, alejados de sus familias; es por eso que en el último movimiento, se coordinaron los integrantes de la orquesta para ir desapareciendo poco a poco hasta quedarse únicamente el y el concertino tocando un dueto de violines. Hoy en día suele repetirse como homenaje la salida de los músicos, siempre repitiendo patrones como cuando el director se limpia la frente de sudor por el cansancio, o les pide a los músicos que se queden; también el juego de luces que se apagan paulatinamente a la salida de cada una de las partes de la orquesta. El final varía según el director, en esta ocasión, se quitó el saco, se puso cómodo y fingió quedarse dormido en las sillas donde tocan regularmente los chelos.  Puedes darte una idea de cómo le hizo la OCBA en “este link”.

Sinfonía de los Adioses dirigida por Daniel Baremboim:

#Playlist de me sabe a…100 Clásicas del Rock

rock_mexicano_intEstimados lectores, es viernes y esto significa una cosa, que sus oídos necesitan de fuerte de dosis de Rock. Por eso es que nuestro equipo realizo un arduo trabajo, para de llenar su cabeza de con bandas del alto calibre de The Rolling Stones, Cream, Pearl Jam, todo esto para ofrecerles unas vacaciones con alto calibre de música, mucha diversión y sobre todo demasiado rock and roll, a darle play que esto se enfría ¡Yeah!

 

Calle 4, fusión de trova y ritmos latinos

 Calle 4 es un proyecto musical que surgió hace 10 años en Ecatepec. Formado por ritmos latinos y sones cubanos que animan la música de trova, convirtiendo canciones como “Ángel para un final” en una fusión interesante de estos géneros musicales e instrumentos contemporáneos.

Calle 4 en el Foro Cultural Azcapotzalco

 Adán Gonzalez en la voz principal, toca el bajo y la guitarra al mismo tiempo en un solo instrumento, cuyas cuerdas superiores tienen a la par el timbre característico del bajo eléctrico. El resultado es una cálida unión armónica que se complementa a sí misma.

Miguel Trejo
Miguel Trejo

 Miguel Trejo es un hábil guitarrista con un estilo muy peculiar que demuestra en cada pieza. Domina el rasgueo y es un maestro en la producción de armónicos, al dejarlos caer naturalmente entre acorde y acorde, surtiendo de brillo y energía las piezas.

Edgar Gonzalez

 Edgar González demuestra su destreza en las percusiones cada presentación. Es impresionante ver cómo arma una “bateria acústica” con bongoes, congas, cajón peruano, un plato y un cencerro, dependiendo la ocasión.

Cuando toca, parecieran muchas personas dedicados a un conjunto de percusiones cada uno, pues usa todo su cuerpo para llenar de vida las canciones…su misma boca lleva el ritmo del son cubano cual clave.

Calle 4

 Juntos son el trío original de Calle 4, sin embargo, cuando la situación lo amerita, unen fuerzas con otros grandes virtuosos de la música: Lobo (Joel Fuentes) en el bajo, Xavier Escamilla en la batería y Dan Jara con su ágil desempeño al piano.

Adán Gonzalez y Alejandro Rizo
Adán Gonzalez y Alejandro Rizo

 El pasado sábado 29 de marzo se presentaron en el Foro Cultural Azcapotzalco, compartiendo escenario con Alejandro Rizo. Fecha complicada, pues competían con eventos como el Vive Latino y la presentación de Silvio Rodriguez en el Zócalo capitalino; No obstante, lograron interesar a una buena audiencia llenando buena parte del auditorio.

Rizo y Adán

 Rizo tiene un estilo muy particular que ha definido a lo largo de los años, aparentemente difícil de empatar, con el que largamente han trabajado los de Calle 4, pero que al final dio buenos resultados. Tanto Adán como Rizo entraban y salían alternadamente cantando juntos únicamente en un par de ocasiones. Letras como “En Navidad” no se hicieron esperar, a las que la gente respondía cantando con singular entusiasmo.

 Hubo diferentes invitados. Rizo cantó a dueto con su hija. Por otro lado, Adán invitó a un viejo amigo, Edmundo Alvarado, llamado con cariño: “Don Mundito”, quien reflejaba su aún presente jovialidad con la flauta y las maracas.

“Se ha dado el caso de que me he hecho amigo de los hijos de mis amigos, jamás imaginé me haría amigo de sus papás”.

Dijo Adán introduciendo a “Don Mundito”

Don Mundito

 Para el final del concierto, invitaron a Adrián Camacho a cantar “19 días y 500 noches” de Joaquín Sabina. Para estos momentos, los músicos estaban en su punto más álgido. Podías respirar el ambiente cargado de buena vibra.

Rizo, Adán y Camacho
Alejandro Rizo, Adán Gonzalez y Adrián Camacho

 “Entusiasta” se define Adán para esos momentos y es que tras bambalinas, las historias se cuentan diferente. El concierto había empezado con una pequeña falla de sonido que puso de malas a los músicos, afortunadamente lo fueron arreglando sobre la marcha y consiguieron dar un magnífico cierre.

Finale

 Ellos son Calle 4, escúchalos:

Este sábado a las 22:00 celebran 5 años de su primer presentación en el Breve Espacio de Lindavista, como grupo. Una gran oportunidad para conocer la trayectoria de este grupo musical tan peculiar y de un bar que ha proliferado el género de cantautores. Ve “esto”

Fotografía a cargo de MariCarmen Martínez

Lonely Motel: Music From Slide (o “King Crimson meets Renaissance Music meets Performance meets Contemporary Art song”)

Hoy me gustaría hablar sobre un disco que es uno de mis grandes favoritos: Lonely Motel: Music From Slide. Esta grabación fue hecha para permitir que el mundo conociera la música de una pieza teatral llamada Slide, coproducción de Steven Mackey y Rinde Eckert (que ya han trabajado en conjunto para llevar a cabo otras obras galardonadas como Ravenshead y Dreamhouse), ganadora del Grammy a Mejor Interpretación de Ensamble de Cámara en el 2011 y nominada a otros 3 (entre ellos Mejor Composición Contemporánea).

Steven MAckey 2

 Se podría pensar que, a falta de representación escénica, el disco sufriría de algunas carencias insalvables, pero resulta sorprendente percatarse de que el audio por sí mismo se sostiene impecablemente. Es muy probable que tenga que ver con el hecho de que Slide, más que una ópera o un musical, es más bien una colección de 11 canciones que retratan la personalidad y la vida del personaje principal: un psicólogo que, después de ser abandonado por su prometida en el día de su boda, irónicamente (o tal vez no tan irónicamente) comienza a volverse un poco loco.

 Steven Mackey: compositor, guitarrista, improvisador y maestro de Princeton, compuso esta pieza especialmente para el ensamble Eighth Blackbird, que, según palabras del propio Mackey,

“Es un raro grupo que puede tocar una polirritmia compleja y además “groovear” sobre un pulso constante” (http://stevenmackey.com/composer. 2010)

 

 Utilizo “groovear” como un intento de latinizar la palabra “groove” o “swing”, que es el sentimiento rítmico característico de estilos como el jazz o el rock. Y es que esta obra, como muchas de las cosas que ha hecho Mackey, busca sintetizar muchas de las características de la música popular con las de la música “culta”. Y es muy cierto que pocos ensambles podrían haber realizado el trabajo que hizo Eighth Blackbird, pues Slide tiene un poco de todo y, por esta misma razón, presenta múltiples y complicados retos para los intérpretes.

 Es increíble pensar que una canción como “She Walks”: dulce, con tintes renacentistas y con la voz de Rinde Eckert cantando en un falsete a la castrati; pueda encontrarse al lado de “Ghosts”: una rola netamente rockera, donde la guitarra eléctrica de Steven Mackey lanza furiosos riffs distorsionados al lado de una cruda batería y un bajo eléctrico. Y lo más impresionante es que a pesar de esto, Mackey logra mantener una coherencia absoluta a través de toda la obra.

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Como ya he dicho, Slide cuenta la historia de un psicólogo llamado Renard que está perdiendo un poco la cordura. Rinde Eckert se basó en un experimento psicológico real para crear a su personaje. En este experimento se les mostraba unas imágenes borrosas a algunos sujetos para que intentaran adivinar qué era lo que realmente se encontraba en dichas imágenes. Después, al aclarar las fotos, se tomaba el tiempo en el que los sujetos se percataban de si habían acertado o no. Renardal estar recordando el experimento, comienza repentinamente a observar su vida en una alternancia de imágenes borrosas y claras: todo de lo que estaba seguro se difumina y se vuelve confuso; y las cosas mágicas que le daban misterio y sabor a sus recuerdos se aclaran dolorosamente y desaparecen.

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Steven Mackey utiliza esta contraposición entre lo borroso y lo claro para conseguir unos efectos musicales bastante interesantes. En “She Walks”, por ejemplo, la canción termina con un solo de chelo que fluctúa entre una melodía tremendamente apasionada y unos glissandos terribles que imitan la estática informe de la señal de radio. Otro ejemplo es la rola más importante de la obra: “Stare”, que comienza con una progresión armónica en el piano que tiene un ritmo tan difuso que es imposible de metrificar. Poco a poco, se le une la percusión y más tarde el clarinete y el violonchelo, haciendo del ritmo algo cada vez más concreto. Al final, cuando entra la voz, lo abstracto ha entrado en foco, y la masa musical sin forma se ha convertido milagrosamente en una linda canción.

Realmente es complicado describir Lonely Motel: Music From Slide con palabras. Es una obra sumamente energética, llena de contrastes y con un trabajo compositivo finísimo. Es fácil ver por qué Steven Mackey es hoy uno de los compositores más importantes de su generación: en él se ven perfectamente realizadas tanto las formalidades y complejidades de la academia como la fuerza y la emoción del rock.

#Playlist de me sabe a…soy mujer, soy la onda

Atentos radioescuchas de Chulavista ArtHouse, quizá se pregunten ¿por qué se quisimos hacer un playlist dedicado a la mujer si hoy no se festeja su día? Simplemente no existe respuesta, lo qué si es cierto es que todos los días nos atrapan, amarran o engatusan (#EncantoFemenino).

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 La razón de la existencia de la mujer en la música es para ser musa de cualquier artista y para ser ella misma la artista de su cuerpo y alma. En resumidas 50 canciones, encontraran artistas de alto calibre como Bob Marley, The Black Keys, Wanda Jackson, Real de Catorce, etc., todos dando homenaje a la figura femenina.

 ¿Siguen leyendo esta publicación?, que esperan ¡denle play ya!

Gloria Contreras, una bailarina excepcional

“Bailarina, maestra, coreógrafa y promotora de la danza”

Esto y más es Gloria Contreras, alguna vez llamada “fenómeno del ballet mexicano”.

Gloria Contreras

 A pesar de tener una trayectoria internacional muy interesante, le costó trabajo echar a andar sus proyectos. Hace exactamente 40 años, regresó a México y fundó el Taller Coreográfico de la UNAM, es en esta etapa de su vida que se ve el trabajo de tantos años reflejado en los bailarines de su taller legendario, como en sus más de 170 coreografías reconocidas y reinterpretadas en otros países. Un trabajo creativo importante, ahora retribuido a manera de un gran homenaje por sus 80 años en las instalaciones del Centro Nacional de las Artes éste sábado a las 13:30 horas.

Cartel homenaje Gloria Contreras

 Si quieres darte una idea, checa este video grabado en el ensayo que tuvieron en la Ollin Yolitztli. La Bella Durmiente de Tchaikovsky, con una coreografía jamás antes vista. Éste sábado podemos esperar grandes cosas, pues rara vez vemos a músicos y bailarines respirando el mismo ambiente y fluir hacia un mismo sitio. Gloria es de la idea de que la mejor forma de bailar es con la música en vivo, ¿qué mejor forma de homenajearla, sino es con  el baile amenizado por una orquesta (como lo será en este caso la Orquesta Juvenil Carlos Chavez bajo la batuta de García Barrios)?

“Cómo se une el que toca con el que baila…es vivir la danza”

                                    Gloria Contreras

 

 

 La expectativa por esta próxima vivencia, se respira dentro de cada uno de los integrantes de esta gran puesta en escena. “Más allá de montar nuevas coreografías, revivirlas es todo un reto”, nos comenta María O´Reilly, bailarina del taller, quien señala sobre su trabajo el cuanto le  costó retomar una vieja coreografía, de la cual además, se contaba poca información documental.

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María O´Reilly, Carla Robledo y Fernanda Gonzales Morales en el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura

Además de los estrenos, podremos ver un viejo favorito: El Huapango de Moncayo. No te lo puedes perder, aquí un video para animarte aún más a vivir ésta experiencia.