Tyna Ros: folk que va más allá de los sueños

Tyna Ros es una compositora originaria de Córdoba, Veracruz, que se desenvuelve con creatividad en el folk. Dentro de su trayectoria musical cuenta con colaboraciones con artistas de la talla de Aleks Syntek y Ramon Yslas. Acaba de estrenar su primer EP, Tapices, mismo que le ha generado una respuesta favorable por parte del público gracias a la naturaleza delicada y reflexiva de sus canciones. 

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La de Tyna es una historia de constante aprendizaje: en su infancia tomó clases privadas de música y a los 18 años se mudó a Los Angeles para estudiar voz en la universidad ‘Musicians Institute’ de Hollywood, en donde obtuvo varios reconocimientos por su entusiasmo y dedicación.

 Finalizada la carrera y con un panorama laboral incierto, se dedicó a cantar Jazz en un bar de Hollywood. Así adquirió experiencia. También le sirvió coincidir con Ramon Yslas, percusionista de Christina Aguilera, quien la aconsejo y acompaño en algunas presentaciones.

 Entonces regresó a México para continuar con su travesía sonora. Ya aquí, Tyna se enfocó en su carrera como solista aunque continuó colaborando con otros músicos, como por ejemplo Aleks Syntek. Comenzó a componer y preparar canciones para lo que sería “Tapices”, su primer EP que estrenó en febrero del año en curso.

 Cabe destacar que en realidad Tyna se llama Montserrat pero tomó el sobrenombre en honor a su padre, Tyno, quien le inculcó el gusto por la música country.

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 “Tapices” es un material que contiene 5 canciones: Último Aire, Tu Universo, Magnificent, Una Libra de Fe y Nuevo Sol. Ultimo Aire ganó el primer lugar del concurso  International Songwriting Competition (ISC) dentro de la categoría “Latin”.

 Actualmente, la también admiradora de The Cure y Mumford And Sons se encuentra trabajando en nuevas canciones. También participara en el festival Sweet Sound el próximo 4 de septiembre en El Plaza Condesa junto a Ely Guerra, Elis Paprika, Vanessa Zamora y Mooi.

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A LA ESPERA DE MONTERREY CITY FEST EN SU PRIMERA EDICIÓN

Es el festival que promete darle un gran salto a lo que se acostumbra presentar y un toque especial a lo que se ha visto en demás espectáculos. Bandas como Travis, Of Montreal y Porter formarán parte de éste renombrado y tan aclamado festival, en donde se presentarán varios estilos de música que proporcionarán el sello distintivo al evento.website3-03

 Las fechas están contempladas los primeros días del mes de septiembre, específicamente 5, 6 y 7 con sede en Parque Acero Fundidora en la ciudad de Monterrey. Sin duda muestra un gran esquema para ofrecer, ya que el dinamismo y sincronía de diversos estilos se conjugarán en un solo evento que mostrará una perspectiva diferente e impactante.

 Lo anterior marca la pauta para abrir paso a nuevas bandas musicales o que no se hayan inmersas de gran forma en el mundo de la música, por lo cual surge una expectativa sumamente importante para brindarle al espectador un buen rato entre música y compañía.

 Estilos como el indie pop, afrobeat, rap, rock y un poco de house darán paso al talento multifacético que existe en torno a la tonalidad musical que le dará color al gran espectáculo. La promesa por pasar un rato ameno y agradable, parece cumplirse con el simple hecho de dar a conocer al público en general las bandas que tocarán durante esos días.

 Cabe mencionar que el lugar estará distribuido en tres escenarios, el primero será el Nico Stage, el segundo el Tato Stage y por último MCF Theater; distribuido también a través de un horario preciso que menciona banda y hora exacta de presentación.

ACCESO
Crédito: Página oficial Mty City Festival.

 La cobertura musical no solamente marca el paso al ámbito extranjero, sino también bandas nacionales formarán parte de éste gran proyecto. La temática abarca todo tipo de género, pasando desde lo más sobrio hasta lo más underground, el espectador podrá tener el placer de discernir entre lo que más le agrada y lo que no. Eso es lo que se ofrece, tener la posibilidad de escoger entre las diversas propuestas musicales que harán su aparición.

 Además, cuenta con un accesible sistema de precios que va desde $399.00 a casi $2,000.00 (dependiendo del día y de las bandas que se presenten) también se ofrece la posibilidad de adquirir boletos por todos los días que perdure el festival.

 Sin duda, el contenido muestra una gran variedad de música y estilo que le dará al público la posibilidad de asistir y quedarse con un buen sabor de boca.

 La lista de bandas asistentes que confirmaron son las siguientes:

    • Clubz

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      Crédito:Somosidolos.com
    • Dannic
    • Ezekiel
    • Hardwell
    • Porter
    • 60 Tigres
    • Azealia Banks
    • Bone Thugs-N-Harmony
    • Charli XCX
    • Def Leppard
    • Deftones
    • Goldroom (dj set)
    • Husky
    • Little Jesus
    • Miniature Tigers
    • Mother

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      Crédito:Rockandradio.net
    • of Montreal
    • Plastic Plates
    • Poolside (live)
    • Reputante
    • The Mud Howlers
    • The Pizza Underground
    • The Magician
    • Vicentico
    • Wooden Wisdom
    • Bomba Estéreo
    • Los Cafres
    • La Mala Rodríguez
    • Siddhartha
    • Caloncho
    • Morenito de Fuego
    • Zeta Bossio

Destino previsto para el Foro Sol: música, autos y más

Automovilismo, béisbol y conciertos son los eventos por los que el público conoce el lugar que estoy por mencionar, además, claro está, del sinfín de experiencias, anécdotas y amistades que hay en él. Se trata del Autódromo Hermanos Rodríguez y, por ende, del Foro Sol.

 Con 21 años de existencia, El Foro Sol se encuentra en las inmediaciones del Autódromo, donde también se ubica la casa de Los Diablo Rojos del México. Cuenta con la capacidad de recibir a 37, 500 personas en sus dos gradas y una explanada que alberga alrededor de 25, 000 individuos, y con ello se ha convertido en uno de los recinto predilectos para la música, y no sólo de conciertos en solitario: desde hace quince  años es la cuna de uno de festivales de música latina más grandes del continente, me refiero al Vive Latino.

 A finales del mes de julio se anunció el retorno de la Fórmula 1 a nuestro país, así lo confirmo el director Ejecutivo de Formula One Management (FOM), Bernie Ecclestone, quien firmará el contrato que otorga a México una fecha de dicha competencia para 2015.… autos, motores, alta velocidad y ese olor característico y seductor para muchos a combustible quemado. Sin embargo, y en lo personal, esos elementos no superan el éxtasis generado al estar en contacto con individuos coreando tu canción, favorita o bailando al ritmo de una guitarra.

 ¿Por qué menciono esto? Debido a que el recinto de Churubusco ya no posee las condiciones óptimas para recibir a la Formula 1, se realizarán modificaciones a la infraestructura, esto lo confirmaron los directivos del recinto, acto que apoyó el Jefe de Gobierno del Distrito Federal Miguel Ángel Mancera, con apoyo del presidente Enrique Peña nieto.

 Esto  implica que, por ejemplo, el equipo local de béisbol no podrá jugar su temporada en este lugar…nos preocupa la existencia de un lugar para los conciertos ¿correcto? pues se prevé que con dichos cambios que terminarán de realizarse hasta 2015 para ser más específicos, las carreras empiecen cerca de octubre y noviembre, casi a finales del año venidero.

 Sí es inquietante realmente, pero los organizadores de los eventos musicales OCESA, en su mayoría, advierten por medio de José Zepeda, Director de Prensa y Relaciones Públicas de OCESA, que no se cancelarán los eventos, que por el contrario se siguen anunciando nuevas fechas.

 El próximo evento musical masivo es el “Corona Capital”, festival que cuenta con bandas de todo el mundo y se llevará a cabo en el mes de Octubre los días 11 y 12, con esto OCESA asegura que no existirá ningún problema en la realización de eventos de corte musical.

 Con esto aclaramos un poco las dudas respecto al incierto futuro del Foro Sol, sólo queda depositar nuestra confianza en los organizadores y en el Gobierno del Distrito Federal, además de estar pendientes de las noticias en los próximos meses. Insisto nuevamente: nada puede superar a la música y al sentido que da a la vida misma.

 ¡Larga Vida al Foro Sol! ¡Larga Vida a la Música!

La violencia en el arte: Cansei de Ser Sexy (segunda parte)

 

crédito: tumblr.com

Hacia una absorción de la violencia.

La violencia, si bien es una forma de representación y percepción del individuo, involucra un marco totalmente significativo que cargará al discurso con los sentimientos y /o emociones que hace que el video, imagen o situación sea violenta o no; es decir, la percepción de violencia en un video será totalmente significada por el individuo.

 La creatividad es de gran ayuda para este tipo de discursos. ¿Cómo se quiere representar la violencia? Bien, las formas del cómo afectarán el discurso final. Por ejemplo, existen videos (además del que acabamos de presentar) donde la violencia es mostrada lineal, cruda, cruel y de forma explicita; sin embargo hay otros discursos donde la violencia puede ser presentada, o no y ahorita vamos a ver por qué, de una manera singular, dando un giro a esta forma de percepción de lo que consideramos violento o carente de violencia.

 El ejemplo de este tipo de propuestas es del grupo Cansei de Ser Sexy, o mejor conocidos como CSS. Grupo brasileño que en el 2003 comenzaron en este mundo de música, aveces cruel, aveces chidoliro.

 Las distintas propuestas musicales de CSS siempre fueron experimentales: moda, arte abstracto y música con toques electro-ochenteros. Todo su éxito se debió a las ideas experimentales que el grupo brasileño llevaban bajo la manga.

 El video: “Alala” es el single del año 2006 en el cual, muestra un pelea en una fiesta de cumpleaños. Los acontecimientos mostrados en el videoclip están siendo expuestos de una manera peculiar y poco común en los videoclips de música: el video se está reproduciendo al revés.

 ¿Cuál es la intención de este video? ¿Mostrar violencia o absorberla? Lo más fácil es mostrar cómo de una acción bastante tonta se crea un efecto dominó que provoca que haya una pelea entre los invitados de la fiesta. Cuando se analiza bien el video es totalmente lo contrario. Sí, en efecto la intención del director es  ver que por una cosa insignificante se provocó una pelea masiva, sin embargo el objetivo del video es “quitar” la violencia del discurso y presentar una propuesta de un video no violento, que quizá fuera una forma satirizada de algún cliché músical, donde los videos son censurados debido a su alto contenido  agresivo  además de incitar al desastre.

 Al momento de que la violencia está siendo “quitada” el director infiere que ya no se está mostrando más, por lo tanto la violencia desaparece y también desaparece el juicio mediático de “un video violento”.

 La yuxtaposición de las canciones con el video siempre ha sido muy común en la música.  M.I.A. y CSS podrán tener canciones que no necesariamente hablen de violencia o que hablen de lo contrario a lo violento. Sus videos, como es el caso de estos dos, serán totalmente violentos o considerados violentos. ¿Quién hace la violencia? ¿El artista o el fan?

Daniel Johnston: La joya perdida del Lo-Fi

 Daniel Johnston es un cantautor, músico y artista estadounidense con una amplia trayectoria y con un legado impecable dentro del subgénero musical llamado Lo-Fi (Baja fidelidad) y esto es, porque el propio Daniel diseñaba las portadas de sus grabaciones, que en su mayoría eran cassettes grabados por él mismo.

Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi
Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi

  El genio de Johnston comienza a aparecer desde una edad muy temprana, las revistas cómic y los Beatles forman parte de sus influencias más profundas, las cuales, se ven a menudo en la música y en el trabajo gráfico de Daniel; sus canciones están  llenas de inocencia, de amor no correspondido, de tiras cómicas de Gasparín (su héroe) y sus frustraciones al sufrir un transtorno mental, mostrando temas relacionados a la lucha contra el diablo que de hecho le dan nombre al documental biográfico titulado “The Devil and Daniel Johnston”

 En el documental “The Devil and Daniel Johnston” se muestra esa faceta de Daniel antes y después de su enfermedad, la genialidad de este artista que se fue transformando en una lucha contra él mismo, como el caso del doctor Jekyll y el señor Hyde han hecho del autor un personaje algo peculiar.

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Capitán América al estilo Johnston

 En este remolino de emociones, Johnston logra un trabajo brillante, a menudo elogiado por músicos de gran calibre como Beck, Mercury Rev, T.V. On The Radio, Flaming Lips, Bright Eyes quienes realizaron en 2004 un disco tributo a Daniel titulado “The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered” y hasta el propio Kurt Cobain vestía a menudo playeras con la portada del primer disco de su primer disco “Hi, How are you?”

Kurt Cobain y Flea
Kurt Cobain y Flea

The best things in life are truly free,
Singing birds and laughing bees,
“You’ve got me wrong”, says he.
“The sun don’t shine in your TV”

The Story of An Artist, DANIEL JOHNSTON.

 En la obra de Daniel, podemos encontrar la búsqueda del amor de su amada Laurie, nos recuerda al Quijote en pos de su Dulcinea, nos recuerdan a los suspiros de Pedro Páramo por Susana; y es que es muy difícil encontrar en estos tiempos tan híbridos (como diría Rockdrigo) a artistas que logren lo que Daniel imprime en cada una de sus canciones.

 En la actualidad Daniel sigue haciendo giras, de hecho vino a México a principios de este año, la voz ya se le escucha cansada y los movimientos de sus manos al cantar dan un poco de miedo, pero lo importante es que nos sigue recordando a un niño, a un niño genio que fuma muchísimo.

Los Pinches Fresitas: expresiones musicales en cinta magnética

 Como parte de la programación musical del programa Estación Delay, el cual se transmite de 7 a 8 de jueves a jueves por Chulavista Radio, en la última transmisión se presentó una propuesta musical llamada Los Pinches Fresitas. Desde zona sur de la Ciudad de México, el único integrante de la banda llegó en bicicleta para platicar sobre su pasado, presente y su futuro.

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 Al escuchar el nombre y la música de Los Pinches Fresitas cualquiera puede imaginar una agrupación o mínimo una pareja de músicos haciendo una excelente mezcla de sonidos basados en la experimentación electrónica, pero curiosamente aunque esta banda tiene un peculiar y característico nombre en plural, esta conformada por un solo integrante: Pablo, quien en una entrevista comentó cómo fue que decidió iniciar este proyecto inspirado en los sonidos electrónicos, involucrando elementos de la vida cotidiana. Las pegajosas letras de las canciones pop de los años 80’s y en el caso de la melodía “Tengo un amigo que me ama” inicia con coros con tonos eclesiásticas entonadas por niños rarámuris.

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 A continuación puedes escuchar la entrevista completa a Pablo y las canciones de los pinches fresitas que sonaron en Estación Delay, donde nos cuenta ¿porque decidió encapsular su música en viejas cintas magnéticas?

La violencia en el arte: M.I.A. (primera parte)

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Hay quienes dicen que la ausencia de violencia se llama paz. La mayoría de las organizaciones civiles, gobiernos y ciudadanos buscamos esa ausencia, quizá sea la única ausencia que esperamos y que estamos dispuestos a enfrentar.  Se inquiere la no violencia, pero ella se encuentra ligada a nosotros como una sombra, como cualquier parte del cuerpo.

 Las representaciones artísticas adhieren la palabra “violencia” y se convierten en: arte violento, música violenta, cine violento, etc. éstas se apropian y  comúnmente retoman parte de la realidad en la que vivimos. ¿Quién realmente crea la violencia? ¿Cómo la violencia emerge con cosas que se pueden considerar vanas y superficiales?

 Las emociones están conformadas por los sentimientos. Lo que realmente hace a la violencia una emoción, o un conjunto de emociones, es la forma en que las éstas están ligadas a los sentimientos y  conforman algo más que una emoción cualquiera. Las emociones como el amor, el hambre o el cansancio generalmente son respuestas psicofisiológicas del cuerpo (como la respuesta de la mente) a estímulos de la realidad. Los sentimientos, como se puede inferir, es la respuesta que la mente envía al cuerpo para que éste sienta. Las dos van de la mano. La violencia puede ser una emoción integrada por un conjunto de sentimientos.

 La construcción de una violencia estética parte de representar una situación “violenta” en un discurso. La representación violenta traerá consigo la carga cultural de la que parte  nuestra idea de “violencia”.  Lo que se muestra en los discursos ya sean audiovisuales o artísticos no es más que representaciones de algo que llamamos violencia.

 Ricardo Rizo, filósofo y semiólogo de la UNAM comenta: “Las personas actúan conforme a lo que se le presenta. Decir que algo es ‘violento’ no es más que una interpretación individual del sujeto hacía cierto signo presentado, algo será violento si tú piensas que lo es”.

 Retomaremos un ejemplo que a nuestra percepción se considera violento. Es el clip de Roman Graivas junto con M.I.A. llamado Born Free.

 Romain Graivas se ha caracterizado por formar un estilo único en el cual se representa la violencia en forma estética, algunos de sus videos más famosos son los que ha dirigido junto a la banda francesa Justice, Fatal Bazooka (también francés) y M.I.A.

Born Free Crédito de la imagen: trueslant.com

 M.I.A. por otra parte ha incursionado en la música y cine desde sus estudios en la Universidad. Su música es diferente a las demás ya que integra sonidos electrónicos mezclados con notas hindúes, además de agregar letras directas que han resultado incómodas para unos cuantos.  La peculiaridad de M.I.A. es mostrar otra perspectiva de la música, no hacerla comercial.

 Born Free es parte del disco Maya tercer álbum de estudio de esta cantante londinense. Se estrenó en el 2009 y estuvo en el puesto 156 del UK Chart proporcionado por la página de charts zobbel.

 El videoclip tiene una duración de nueve minutos, los cuales se representan un gran número de situaciones agresivas, las cuales pueden provocar que haya una respuesta hacia quien esté viendo el video, por ejemplo que haya enojo, tristeza, miedo, etc. Emociones que traerán sentimientos que darán significado al videoclip de M.I.A.

 El video muestra una especie de SWAT norteamericano que irrumpe en un edificio. Estos policías entran a cada uno de los departamentos, invadiendo la privacidad de la gente. Parece un operativo en busca de algo o alguien. Lo hacen de manera imponente y agresiva, golpean y maltratan a las personas sin que ellas tengan nada qué hacer.

 Por fin lo encuentran, un pelirrojo escondido en el baño. Se puede suponer que su pelo naranja no es parte importante del video pero esa percepción cambia una vez que lo llevan a un autobús con más niños pelirrojos.

 El video parte de la premisa de que los pelirrojos son individuos que deben ser exterminados.  M.I.A. y Romain exponen en nueve minutos representaciones fascistas y racistas que tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Sin importar la edad, los policías exterminan a estos chicos que no se ven para nada un peligro, al contrario, Romain integra la estética para que haya una contradicción dentro del videoclip, incluso dando un discurso hacía los muertos inocentes en la guerra que ha protagonizado USA.

 La colocación de una Violencia Estética supone una gran impresión a quien esté observando el video, esto no está de más ya que Romain busca que dicha impresión de lo violento dure más al momento de acabar el videoclip. Es decir, que el sentimiento que te provoca el video se quede más tiempo contigo. Y puedas reflexionar, o no, a cerca del discurso de M.I.A.

 Pensar y reflexionar acerca este discurso audiovisual  y cómo la música ha intervenido a la realización de dicho trabajo es, quizá, preguntarnos si la consciencia puede adquirirse a través de lo que consideramos violento. Es decir, ¿Para formar consciencia de la violencia se debe provocar y practicar violencia?

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

https://www.youtube.com/watch?v=q3v7cXDwUgI

60 Tigres en Casa del Lago

 Un escenario techado en un espacio al aire libre, en uno de los lugares mas visitados por miles de visitantes al día, es el sueño de muchas de las bandas de la escena emergente, no sólo citadina. El pasado sábado 9 de agosto el sueño se cumplió para una banda con poco mas de 10 años de haberse formado: 60 Tigres se presentó en Casa del Lago, ubicada en la primera sección del Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México.

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 60 Tigres es una banda proveniente de Monterrey, la agrupación actual está conformada por Miguel en la bateria, Roberto en el bajo y voces, Fernando y Pepino en las guitarras. Ellos son los encargados de hacer cantar, bailar y saltar a su público con canciones que en su mayoría tienen alto grado de contenido social.

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La música y gritos comenzaron viente minutos después de las 2 de la tarde, cuando 60 tigres apareció en el escenario. Fernando y “Pepino” fueron los primeros en subir, seguidos por “Polo” y Miguel, que al alistar sus instrumentos  tocaron como primer canción “Picoso”. Con la segunda canción llamada “Modelos sin personalidad”, los ánimos de todos los que acudieron se levantaron y pedían más rock.

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 En una presentación de aproximadamente una hora y media, la banda tocó canciones de su primer EP llamado Animal lanzado en 2013. Entre las canciones que mas se corearon se encuentra: “Cáncer de Pulmón” y “24 horas”, así como algunos tracks de su nueva producción, entre ellas sus dos sencillos “Diógenes” y “Jineteando”, con las cuales dejaron un buen sabor de boca en el público. A mi parecer dieron una excelente presentación.

Pasaje coyuntural de Franz Liszt

Pintura de Franz Liszt.

Rapsodia y musicalidad, describen el célebre sentimiento de perpetuidad que envuelve al gran maestro de origen húngaro; alabado y materializado a través del tiempo. Caracterizado por la sincronía de sus acordes, de sus pasos y obstinados cambios en cada una de sus obras temáticas.

 La trascendencia del gran compositor ha tenido un sinfín de valores sincronizados en la historia de la música clásica de finales del siglo XIX y comienzos del XX. París fue el lugar idóneo para su desenvolvimiento ancestral en cada una de sus interpretaciones sobre sus grandes contexturas armónicas.

 Olvidándose de la banalidad que imperaba en la zona europea, él sólo presentó su singularidad para componer y admirar cada una de las tonalidades de la época que dio su gran paso hacia la musicalidad.

 Teniendo como precedente al majestuoso Niccoló Paganini; reconocido por la destreza para manejar el violín, se acompañaba del recuerdo de la fragancia de las melodías, de los retoques sincronizados de par en par y en conjunto con la suntuosa magia del alma; mientras que a lo lejos se escuchaba el eco inadmisible de los corazones desquebrajados y el reflejo proteico de anhelar una y otra pieza.

 Gran parte de su legado, se debe a las reflexiones en torno a grandes compositores como Schubert y Beethoven, de quienes haría sus mejores aliados para construir la pieza más conocida de éste, conocida como sueño de amor. Dicha pieza, fue la apertura central para su gran repertorio musical que impera en situaciones como una velada romántica hasta una película pintoresca sobre las emociones de la predilección del querer.

 ¿Quién no ha escuchado en una película alguna tonada perpetua del gran Franz Liszt? ¿No ha curado más de un lloriqueo en pleno siglo XXI?

Portada de la cinta autobiográfica del compositor.

 Versiones autobiográficas como la cinta de 1960, que también se titula con el mismo nombre y que trata la vida enigmática de Liszt, triunfando en 1961 con el Globo de Oro; trae consigo una mezcla aborigen de querer saciar el dolor y la frustración de la emoción sensorial, a raíz de la confabulación de nuestros días.

 Liszt nos transporta a lo inimaginable, a una conmoción, al acompañamiento de la palpitación cardíaca fuera de orden, a palabras inauditas imperceptibles y fugaces deseos; quebrantándonos en un solo destello de cinco minutos.

 Paradójicamente, además del amor; Liszt nos brinda la oportunidad de viajar a través de la melancolía, de ese sentimiento inaudito y persuasivo, como se hace entrever en la triste pero penetrante sinfonía de Fausto.

 ¿Cómo olvidar la majestuosidad de la sinfonía del desdichado e intransigente Fausto? Goethe supo blasfemar , además de admitir de una singular forma la cadena que envuelve al hombre y, metafóricamente se refiere al personaje de Fausto y al fatuo destino que le aguarda con el maléfico Mefistófeles.

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Caracterización de la obra de Goethe.

 Minuto ocho y los vellos de punta, los ojos desorbitados, la lámpara encendida tenuemente, la terquedad del viento azota contra la ventana y la cautela desaparece; para dar paso al anárquico meneo del brazo.

“Yo soy una parte de aquella parte que al principio era todo; una parte de las tinieblas, de las cuales nació la luz, la orgullosa luz que ahora disputa su antiguo lugar, el espacio a su madre noche”

“Plática entre Richard Wagner y Franz Liszt”           Crédito: The Muslim Times.

 Cumplidos sus 36 años; sentimientos como jubilo, serenidad y esperanza acechaban esa vida que auguraba más éxito y notoriedad entre los más afables a la apreciación de la música, pasó a convertirse en uno de los guías de las obras maestras de Richard Wagner, memorias que constituían una mágica e inigualable intensidad.

 Lo anterior se retrata en la frustración e ironía que refleja la ópera titulada La muerte de amor de Isolda, que muestra el retrato de una relación desalmada y siniestra entre dos seres que han vivido para amarse plenamente, a pesar de la crueldad y de la incipiente negación por no querer avanzar el resto de sus días.

 Del amor al odio, del rencor a la reconciliación; son sentimientos antagónicos que sólo la sonoridad a la Liszt nos brinda al caer la noche o al acercarse el ocaso de cualquier día de la semana que se avecine.

11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

av av4 av3 av2           Imagen del Festival Avándaro de 1971

  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

One Up y la música en los videojuegos

Seguramente todos los que somos fanáticos de los videojuegos, en alguna época de nuestras vidas hemos padecido alguna de estas situaciones:

  • Alguien te pide favores y te preocupas por los puntos de experiencia que tendrás
  • Te hablan tus padres y  lo único que dices es “ya voy…” una y otra vez
  • A veces sabes más códigos, cheats y combinaciones de cajas fuertes que fechas de cumpleaños
  • Sabes a donde ir si sucede un apocalipsis zombie

 Estos son sólo algunos de los muchos ejemplos que suceden cuando se ha pasado mucho tiempo frente a una pantalla y una consola me incluyo pero en esta ocasión, no pretendo escribir sobre videojuegos y lo geniales que pueden llegar a ser, tocaré un punto muy importante y crucial en el desarrollo de este medio de entretenimiento…la música.

 Desde los 8 bits hasta los impresionantes gráficos que poseen los videojuegos hoy en día, algo tienen en común y es la necesidad de identificarse y ser reconocidos no sólo por su calidad visual. La importancia de contar con un buen tema musical ha ido incrementándose exponencialmente. Es muy difícil encontrar a alguna persona no mayor a los 60 años, claro está que no identifique la melodía característica de la creación de Shigeru Miyamoto, me refiero al plomero más famoso del mundo: “Mario Bros”, quien enfrentó a Koopa por primera vez en 1985.

 A cargo de Koji Condo, la banda sonora se ha vuelto a lo largo de los años un emblema referente a los juegos de video. Por supuesto que los videojuegos también cuentan con música a la altura de los reyes o princesas, tal es el caso de “The Legend of Zelda”, saga creada también por Shigeru Miyamoto, y que posee un soundtrack impresionante.

 A través de los más de 25 años, en que los videojuegos se han posicionado como una industria cultural a nivel mundial, la multidisciplinariedad  se ha vuelto primordial para la creación de estos. No sólo diseñadores y programadores participan, hoy en día, historiadores, psicólogos, abogados y todo un ejército de expertos en diversos temas forman equipo para el desarrollo de estos mundos. Se puede pensar ¿qué hace un historiador en un videojuego? Sencillo…”Assassins Creed” desarrollado por Ubisoft Montreal, Gameloft y Griptonite Games, es un juego con temática histórica; a grandes rasgos juegas con un asesino silencioso, quien tiene como objetivo resolver situaciones en diversas épocas de la historia, tales como El Renacimiento o La Guerra Civil Norteamericana, es por esto último que la colaboración de un historiador es vital.

 La música de la tercera entrega de esta saga corre a cargo de Lorne Blafe, compositor de origen escoces, y nos deja una experiencia muy grata al jugar este título. Sólo me resta invitarlos a escuchar con más detalle cuando empuñen una espada o cuando salven a la princesa, detrás podrán descubrir un mundo de melodías.

No pidas una vida mas fácil, pide ser un hombre mas fuerte”.

Cold Mc Grath [Infamous]

Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

Tiembla iPod

 ipodnanos

 Desde el 21 de Octubre del 2001, la manera de escuchar música dio un paso enorme en  lo que existía en el mundo hasta ese momento. Creado por Apple Inc. queda de sobra explicar las características del iPod, pero para quien aún no lo conozca, el dichoso aparatito tiene la capacidad de almacenar grandes cantidades de información, a partir de un disco duro, en un principio sólo archivos de corte musical, posteriormente su capacidad de almacenaje se agrandó, al igual que sus distintas capacidades, reproducción de video, cámara fotográfica, WiFi, entre muchas otras aplicaciones más.

 Como todo lo que refiere a la tecnología, el iPod se actualizó y mejoró, por lo que en poco tiempo un modelo era remplazado por uno mejor, no dejaba obsoleto al anterior del todo, pero con cambio no sólo en su capacidad también su apariencia sufrió modificaciones. En fin el invento de Apple lo llevo a la cima de la industria en reproducción musical.

 ¿Aún no queda claro el asunto de Tiembla IPod, cierto? Por la sencilla razón de que un nuevo rival está por hacer su entrada al mercado, PONO…sí, PONO. Dentro de poco podremos escuchar este nombre en el mercado de reproductores de música. Creado por Neil Young, músico y compositor de nacionalidad canadiense, Young buscó con esta creación, mantener la fidelidad de estudio de la música, esto por la pérdida de esta al ser convertida en formatos como el MP3. Con una capacidad de 24-bits, una frecuencia de 24-bit y una frecuencia de iguala Este formato posee una profundidad  kilohertz, iguala la calidad de un estudio profesional.

pono-Music                                                                                                       PONO promete venir a mejorar la manera en que escuchamos música. Con una capacidad de almacenamiento de 128 GB, además por si eso pareciera poco, el dispositivo tiene la capacidad de expansión de memoria por medio de una tarjeta externa. Capacidad que Ipod no cuenta y con el tipo de producción que utilizan no han insertado en su producto, pero quizá con este nuevo contrincante nos les vendría mal añadir esta opción.

 Aunque aún no existe una fecha para que pise tierra mexicana, se tiene previsto que salga a la venta en el otoño del 2014, con un costo aproximado de cuatrocientos dólares ( cinco mil 278 pesos) y la manera de obtener música es por medio de descarga en su página www.ponomusic.com.

Y con esto concluyo la presentación de “quien” puede hacer temblar a iPod o por lo menor darle un susto.

Como un dato extra y refiriéndome al creador de PONO, Neil Percival Young, ha sido una figura importante en el mundo musical ya que con más 40 años en la industria ha sido referente para muchos músicos, con el rock and roll de su lado no dejo de probar suerte en distintos géneros como el blues, swing y el rockabilly. Considerando su experiencia en el medio es una persona apta para proporcionar al público un audio con mejor calidad y fidelidad.

“Yo realmente no sabía lo que hacía cuando empecé. Acabo de empezar a escribir canciones. Después de dos canciones que se limitó a seguir para explorarlo”

Neil Young

Hawaiian Gremlins y su bathroom pop

Formada en la Ciudad de México, Hawaiian Gremlins es una banda que basa su sonido en el surf rock y Lo-fi. Escucharlos es como ingerir alimentos después de la media noche, acudir casi corriendo al baño más sucio, mal oliente y cercano. Pero tienen un toque de clase: justo en el momento que se escucha la reverberación al jalar la palanca del baño, aparece algo similar a una canción de The Smiths. Este auto denominado bathroom pop es el sonido característico de estos chilangos.

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 Como si se tratara de la película de los años 80’s, cada vez se multiplican más rápido las criaturas que se vuelven partícipes de este fenómeno gremliniano, que escuchan, descargan o reproducen en YouTube las canciones del EP llamado Teenage Ways, que en su mayoría están cargadas de guitarras al estilo post punk.

 Se trata de una banda sencilla que no busca la fama, ganar más likes o miles de followers, una banda que en su página de Facebook posee apenas un par de fotos de sus integrantes: lo que Hawaiian Gremlins quiere es seguir tocando y ser ubicados por su sonido, caracterizado por el uso de más de dos guitarras, y no por su apariencia, basada en jeans clásicos y camisas hawaiianas.

 El pasado 19 de julio se llevó a acabo al oriente de la ciudad (en el centro cultural LATA, ubicado en la delegación Iztacalco) un festival llamado Tatuando Mentes, que tiene como finalidad acercar propuestas nuevas e independientes a públicos nuevos y de todas las edades. Ahí, Hawaiian Gremlins ofreció un showcase que duró poco más de media hora: la gente bailaba, cantaba y se emocionaba con cada canción pronunciada por estos jóvenes músicos. Veinte minutos más tarde, mientras los fans pedían autógrafos y compraban su disco, Elías, Santiago y Paco ofrecieron una entrevista para Radio Chulavista, en donde hablaron, entre otras cosas, del origen de su nombre.

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El próximo 16 de agosto, Hawaiian Gremlins hará acto de presencia en el Festival Ceremonia, en Toluca, Estado de México, con bandas y artistas de talla internacional como Julian Casablancas, Flying Lotus y Tyler the creator.

Con sabor al norte – el contrapunto de Bach

La semana pasada hice la nota de Johann Sebastian Bach, considerado por muchos (músicos y no músicos) como el gran maestro de la música. Tal título merece ser explicado con más detalle.

 Un punto famoso en la época barroca, y en especial de Bach fue el contrapunto.

 Para entender mejor el contrapunto citaremos la explicación de profesor de música en la WASHINGTON SCHOOL OF MUSIC, John Rahn:

 “Es difícil componer una canción realmente bella. Pero es más difícil aún escribir individualmente varias melodías bellas que, cuando suenan simultáneamente, se oigan como la más armoniosa composición polifónica. Las estructuras internas que crean cada una de las voces separadamente contribuyen a la estructura emergente de la polifonía, la cual debe reforzar y comentar sobre las estructuras de las voces individuales. El modo en que esto se lleva a cabo es mediante el “contrapunto.”

 Es parecido a lo que hacen en los coros. El cantante soprano se dedica a cantar las notas más altas, mientras que el contralto hace otras. Las notas entre ambos artistas no se toca en ningún momento, no son parecidas. Si acaso cantan parecido a la misma nota en su equivalente agudo o grave, pero en sí, son distintas.

 Al sonar al mismo tiempo te das cuenta que conviven ambas voces de manera hermosa. De hecho es hora de un ejercicio.

 La próxima vez que vayan al supermercado compren un poco de queso Gouda y uvas moradas (ustedes saben, las moradas grandes con semilla). Y a la hora de comer, pruébenlo al mismo tiempo. Esta combinación sale en la película de Ratatouille y es porque lo que dice Remy sobre cómo ambos sabores distintos pueden hacer una experiencia gastronómica es muy parecido a lo que pasa con el contrapunto. Ambas tonalidades solas son buenas, pero pueden formar algo hermoso una vez estando juntas.

 En cuestión de coros es más fácil porque meten arreglos o el equivalente a la misma melodía en otra tonalidad que viene a ser como una melodía un poquito diferente entre una voz y otra. El contrapunto son dos melodías independientes que al juntarlas se hace una armonía. Se podrá notar que es un trabajo complicado y existen diferentes maneras de hacer contrapunto las cuales son:

 Primera especie es nota contra nota: es cuando las notas se mueven de manera opuesta.

 Segunda especie es dos notas contra una: cuando hay dos voces que se contraponen contra una más larga.

 Tercera especie es movimiento rápido: cuando cuatro notas se mueven contra otra nota más larga.

 Cuarta especie es de notas suspendidas: es cuando las notas parecen quedarse en el aire y en eso se mueven otras así formando un compás.

 Quinta especie que es contrapunto florido: es el uso de todas las especies anteriores en una.

 Es un campo muy limitado para el compositor salirse de estas cuatro especies para formar algo de armonía. De hecho Bach fue muy famoso por su contrapunto, por lo tanto no es cualquier cosa. Ya veremos que más esconde Bach.

 

Una dosis de rock y estarás mejor en la mañana

Cuando algún individuo comenta que es aficionado a géneros musicales como rock o metal, generalmente tiende a se catalogado como “salvaje”, “destructivo” o “satánico”, entre muchos otros adjetivos, pero es extraño que el calificativo inicial y correcto sea “inteligente” o quizás “creativo”.

 Puede parecer un tanto disparatada esta idea, pero la Universidad de Warwick localizada en Inglaterra ha demostrado lo  mencionado anteriormente. Una investigación realizada a jóvenes entre 11 y 18 años (etapa donde generalmente surge el gusto por dichos géneros) arrojó los siguientes resultados: lejos de ser bárbaros bebedores de cerveza, las personas afines a dichos géneros musicales pueden tener características de un mejor entendimiento y recepción de información, así como una inteligencia abstracta, debido a los contenidos metafóricos y abstractos de las melodías y diversos contenidos de los grupos que tienden a escuchar.

 De igual manera se considera que los amantes de esta música pueden sacar tensiones y problemas emocionales escuchando rock. Parece difícil de hilar la relajación con el estruendo generado por una guitarra eléctrica o la voz estridente de un vocalista de metal, pero en realidad esto es benéfico para el ser: con un head banging o una buena dosis de empujones dentro de un mosh pit, toda la tensión acumulada en el cuerpo puede ser desechada; dichos actos dejan al cuerpo en un estado de relajación y satisfacción.

 Cabe mencionar que dichos resultados fueron expuestos en la 18th Annual Conference of the Association for Psychological Science, en la ciudad Nueva York en 2013, pero anteriormente se había dado a conocer lo contrario. Un estudio realizado en la Universidad de California (UCLA) a cargo de Daniel Blumstein, Directo de Ecología y Biología Evolutiva. Él adjunta datos negativos al género del rock, debido a que genera actitudes negativas y salvajes en el ser humano.

 “Este estudio ayuda a explicar por qué la distorsión del rock n’ roll hace emocionar a la gente. Saca al animal en nosotros” afirmó Greg Bryant, quien es asistente de estudios de comunicación en la mencionada universidad. “Los compositores tienen un conocimiento intuitivo de lo que suena atemorizante, sin saber por qué”, dice Bryant. “Lo que generalmente (ellos) no perciben es que están explotando nuestras predisposiciones evolucionadas para excitarse y tener emociones negativas al oír ciertos sonidos”, agregó.

 Considerando los resultados y los sujetos que fueron estudiados durante este experimento, era un grupo que no estaba en relación con el tono musical a estudiar, por ende existiría una inconformidad, a diferencia del estudio realizado en Inglaterra, que afirma que fueron jóvenes los utilizados. Este estudio data de un año anterior al de Warwick, podemos intuir que tal vez fue una respuesta a su antecesor.

 Sería muy tedioso enumerar las diversas afirmaciones que dieron en este estudio que sin dudar tienen su validez oficial, pero me atrevo a opinar respecto al tema: un género musical no genera asesinos o psicópatas, eso tiene relación con el medio y las conductas aprendidas y generadas a lo largo de la historia de cada sujeto.

 Pero sin más sólo queda disfrutar de la música cual sea el género, lo que sin duda es cierto que sin música la vida no sería vida.

 “No tengas miedo de ir al infierno y volver…”

Yoko Ono

Con sabor al norte- Johann Sebastian Bach

 Últimamente me he empapado un poco sobre la obra artística de Johann Sebastian Bach. Y digo empapado porque estoy bordando un separador de libros con el inicio de FRENCH SUIT IN C MINOR para alguien especial. Lo que de verdad me llamó la atención es que Nietzsche dijo la siguiente frase sobre este compositor:

 “Esa semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino Bach, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una persona que -como yo- ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios.”

https://www.youtube.com/watch?v=4ZoNH55F40E

 Si alguien es capaz de hacer que Friedrich Nietzsche, el chico malo de la filosofía, diga algo como eso, es porque es un genio. Bach fue el máximo exponente de la música barroca, de hecho tal estilo murió con él un 28 de julio de 1750.

 Nacido en una de las familias más destacadas de la historia musical, Johann Sebastian Bach fue el más famoso, y tuvo descendencia de la cual cuatro de sus hijos se convirtieron en músicos en forma.

  Bach tuvo su primer trabajo a los dieciocho años en una parroquia en donde tuvo muchos problemas. El joven hacía piezas muy complicadas que asustaban a los creyentes que oraban ahí, lo que comenzó a generar conflictos con sus patrones, ya que Bach creía firmemente en el hecho de que su música podía educar al público. También era perfeccionista con su trabajo y no permitía que las opiniones de otros lo hicieran cambiar de parecer.

 El trabajo debió ser muy frustrante muchas veces porque cuentan la anécdota de que Bach llegó a llamar a uno de sus alumnos “Cabra vieja” por la frustración de tener músicos con tan poco talento a la mano. El alumno lo esperó fuera y si no hubiera sido por otras personas que pararon la disputa, el conflicto pudo haber llegado a la muerte de alguno.

  Hubiera sido una condena el haber perdido a Bach en una pelea pues es considerado el gran maestro de todos los tiempos por muchos en ciertas formas. Bach no sólo representó la música barroca sino que también escribió música en casi todos los géneros y formas posibles con diferentes combinaciones musicales e incluso hacía géneros nuevos como la sonata para teclado y un instrumento. La obra de Bach es tan extensa que en 1950, Wolfgang Schmieder hizo un catálogo con las siglas BWV (BACH- WERKE- VERZEICHNIS), donde se pueden organizar las 1128 obras del genio.

 En la actualidad existen especialistas en Bach; si se encontrara una obra del músico, se estudiaría por estas personas antes de que se aceptara como tal. Es parecido a los escritos de los profetas que se encuentran en el desierto pero en versión de músicos famosos. Para esto, muchas de las obras no tienen nombre, pero casi todos hemos escuchado algo de Bach, ya sea en la iglesia, en conciertos o en los medios de comunicación. Se dice que lo que Newton fue para la ciencia, Bach lo fue para la música. Habrá que ver a fondo este tema que les explicaré en diversas partes a lo largo del mes.

Antes del Festival Antes 2014

El domingo es el día perfecto para salir en bicicleta y recorrer las calles de paseo de la Reforma, es el día perfecto para recuperar la energía perdida a causa del cansancio acumulado en la semana; un domingo es adecuado para crudear y ganar calorías en un tianguis y mercado popular.

 El showcase del Festival Antes se realizó este domingo 27 de julio, y este día representa el escenario y ambiente perfecto para hacer ruido en las calles desiertas, cercanas a la Ciudadela, y cambiar el concepto de un domingo tranquilo o quizás aburrido, para reemplazarlo por un fin de semana con propuestas nuevas.

 Ni la lluvia ni el granizo logró evitar que la tarde y noche de ayer, el Bahía Bar se vistiera no sólo de luces multicolores y sonidos frescos e interesantes, sino de de hallazgos de nuevas melodías.

 A mountains

 Como parte del Festival Antes, Mád Avenue y Malfico organizaron su propio showcase para enriquecer y aportar muy a su manera y con buen gusto musical con un cartel de primer nivel. Considerando y comparando con la música que podemos escuchar en cualquier lira de esta ciudad si decidimos salir en domingo por la tarde.

 Pinches fresitas, una agrupación proveniente del norte de la ciudad que genera acordes simples pegajosos y muy al estilo dream pop, fue la encargada de abrir el showcase y hacer mover los primeros pies y cabezas que llegaron temprano.

 Motora, una banda conformada por una guitarra, un bajo y una caja de ritmos hacían soñar melodías más engrasadas como salidos de un viejo garage de la década de los setenta.

Mientras la lluvia y el granizo se disipaba, en la tercer banda en montarse al escenario de 3 x 3 fue Coast, provenientes de Puebla. Esta banda traía un sonido más parecido a un paraíso amenizado por guitarras, coros tenues y bastantes secuencias rítmicas que formaron una atmósfera nubosa.

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 Con un sonido más canadiense y bastante influenciados por Arcade Fire aparece en el escenario A Mountains, quienes con su sonido meloso, un tanto folk e instrumentos de viento, se encargaron de hacer cantar, corear, romancear y quizás hasta enamorarse de María: la inspiración de una de sus canciones y corista de dicha banda. Siguiendo con este ambiente de guitarras acústicas, llegó una banda directamente de Ecuador.  Por su parte, Cadáver Exquisito hizo cantar a todas las personas, quienes sin importar si rompían o ensuciaban sus pantalones de mezclilla, se sentaron en el piso, para observar mejor de su presentación.

 Ya calentados los ánimos y casi lleno El Bahía Bar los guitarrazos marcados y el sonido de una ruidosa batería muy al estilo del norte del país, Felipe Hombre hizo cantar y mover los pies al ritmo de su música conformada por un trío de músicos que demuestran en cada una de sus canciones que no necesitan de un bajo para poder tener una excelente banda.

Con letras en inglés y un buen sonido de indie méxico-holandés, Los Simplifires fueron los encargados de dejar un excelente sabor a este domingo de rock en la zona centro de la ciudad.

 

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El 25 aniversario de los Tokyo Ska Paradise Orchestra

Finalmente el pasado 2 de julio salió a la luz la tercera y ultima parte de la trilogía de pequeños álbumes con la cual los japoneses Tokyo Ska Paradise Orchestra se encuentran conmemorando sus primeros 25 años de existencia. Esta tercera parte lleva por titulo Wake Up!  (y como sus dos antecesoras), cuenta con la colaboración de otra banda japonesa. Para esta parte final, la agrupación elegida fue la originaria de Kanagawa y formada en 1996 llamada: Asian Kung-Fu Generation.

wake up

Originarios de la escena musical de la capital japonesa, los Tokyo Ska  Paradise Orchestra se formaron en 1989 por miembros pertenecientes a diversos proyectos musicales. Debido a su excelente trayectoria, actualmente están considerados como una de las mejores bandas alrededor del planeta.

Con una discografía bastante amplia; además de diferentes estilos musicales presentes en su repertorio musical, con temas que van desde: clásicos del jazz, clásicos del ska de los 60’s. Así como temas propios. Dejando siempre ese inigualable estilo del ska japonés, el cual se ha posicionado en un buen lugar dentro del panorama internacional. Pero sobre todo ese sonido que solamente los Tokyo Ska Paradise Orchestra son capaces de alcanzar.

La primera parte de esta trilogía salió el 12 de marzo del año pasado, con la cual se dio por iniciada la celebración de su primer cuarto de siglo de existencia. Para esta ocasión la banda invitada fue 10-Feet, cuya combinación dio como resultado un sonido explosivo.

http://youtu.be/miRAGcN5B9A

 Para la segunda parte la agrupación elegida para colaborar fue Mongol800 originaria de Okinawa, y cuyo trabajo salió a la luz el pasado 3 de diciembre.

http://youtu.be/vT9NOB5o84w

 Como es habitual en la producciones discográficas (también conocidas como Skapara ), estos discos contaron con un regalo especial para sus seguidores. Ya que además del disco, cada una de las partes de la trilogía contó con un DVD donde se incluía el videoclip del sencillo; así como un detrás de cámaras de la grabación del E.P.

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Desde marzo del año pasado hasta la fecha los Tokyo Ska Paradise Orchestra se han mantenido de gira por todo Japón y ya cuentan con algunas fechas programadas para dar algunos conciertos en algunos países europeos. Los rumores sobre una posible visita a tierra mexicanas a finales del 2014, cada vez se han incrementando mas y mas. Esperemos que pronto la banda japonesa confirme esta información para así poder deleitar por tercera ocasión a sus seguidores mexicanos con una excelente dosis de calidad musical de estos indudables Godzillas del Ska 

http://youtu.be/twE6pzmiF_c

Desmond Dekker: A 8 años de la partida del “King of Ska”

dekkerEl pasado 25 de mayo se cumplieron 8 años del fallecimiento del cantante jamaicano Desmond Dekker, tambien conocido como: “The King of Ska” la primera gran estrella del reggae  a nivel internacional, años antes que el mismo Bob Marley.

 Nacido en St. Andrew, Jamaica en el año 1941 con el nombre de Desmond Adolphus Dacres y soldador de profesión. Dekker realizo varios intentos fallidos para poder realizar algunas grabaciones bajo la producción de Coxsone Dodd y Duke Reid (los 2 productores más importantes en ese momento en la isla), y no sería hasta que probo suerte con el sello Beverley’s del producto Leslie Kong cuando Desmond pudo realizar sus primeras grabaciones.

 El éxito de Dekker se elevó rápidamente por la isla y como era de esperarse, al igual que muchos otros cantantes y músicos de Jamaica. Migró a Europa, en donde alcanzó mayor reconocimiento.

 Las canciones de Desmond Dekker hablan sobre la vida cotidiana: desde anécdotas ocurridas en casa, hasta la violencia de las calles y el estilo de vida de los rudeboys (jóvenes pandilleros y violentos de Jamaica), los cuales habían hecho del ska su música. Estas últimas temáticas se convirtieron rápidamente en las preferidas de los jóvenes europeos, los cuales no se quedaban atrás en cuanto a pandillas violentas en las calles, principalmente formadas por mods.

http://youtu.be/ZqgWuMcHc3g

 Los mods, en pocas palabras, son jóvenes a los que les gusta vestirse elegantemente. Amantes de la violencia y de la música negra, habían hecho propios sonidos como el soul, r&b, y el jazz; en el ska y el naciente reggae habían encontrado una nueva pasión.

mod

 Si bien desde que los primeros rudeboys jamaicanos llegaron al Reino Unido se identificaron por completo con los mods debido a tantas similitudes. La música de Desmond Dekker fue pieza fundamental para que entre la mezcla de los jamaicanos e ingleses surgiera la cultura skinhead.

 Los skinheads siempre mostraron su apoyo al cantante jamaicano, si bien esta nueva escena de jóvenes desde su nacimiento mostró su amor por la música jamaicana y su cantantes. Desmond Dekker siempre fue uno de su predilectos.

 Hablar de skinheads en el Reino Unido a finales de los 60’s no era cualquier cosa y con todo un ejército de seguidores detrás de él,  Desmond Dekker llegó rápidamente a las listas de éxitos. Siendo de los pocos cantantes que pudo darle batalla a The Beatles por las primeras posiciones. Dicen los que saben que el cuarteto de Liverpool se inspiró en Dekker para escribir el tema Obla Di Obla da, el cual sería originalmente un reggae, pero por algunos motivos termino siendo un ska el cual todo mundo conoce.

http://youtu.be/P8YWBvD_dhk

 Afortunadamente para los seguidores de la música jamaicana en México en el 2005 se contó con la presencia de Dekker en el Festival Vive Latino, en donde deleito al público mexicano por primera y única vez, tal vez no en el escenario más grande ni con más gente pero en realidad estuvo la gente de debía estar.

http://youtu.be/ZVuFXKSw7ys

 A poco más de un año de aquel concierto en la ciudad de México, la noticia del fallecimiento de Desmond dio la vuelta al mundo. El 25 de mayo del 2006 sufrió un ataque al corazón. El cantante falleció en Inglaterra.

 A 8 años de su partida y a más de 45 años del nacimiento de la cultura skinhead, de la cual Dekker fue pieza clave en su nacimiento. Desmond Dekker sigue siendo uno de los cantantes predilectos tanto de los seguidores de la música jamaicana como de sus fieles seguidores, los skinheads.

http://youtu.be/zGh5rM3GWL4

¡QUEREMOS CONOCERTE!

¿Qué es Ensayódromo?

Un día, la idea llegó a Chulavista Art House A.C. En teoría, un Ensayódromo sería un espacio acondicionado profesionalmente en el cual las bandas y solistas pudieran ensayar, grabar el audio de su sesión y tener su material en vídeo gracias al streaming. Para ello se contemplaba contar con ingenieros de sonido listos para auxiliar a los proyectos musicales y contribuir a que su sesión fuera increíble. Todo esto a un precio accesible para la comunidad.111

Después de un año arduo de trabajo, el sueño se materializó. Chulavista Art House A.C.  y Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo Universidad, ubicado en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4. Todos los proyectos musicales tienen un lugar en la primera sala de ensayo del proyecto.

O´ Tortuga
O´ Tortuga

Con el primer Ensayódromo de la Ciudad, llega un movimiento en pro de los músicos del país, el cual tiene como premisa la recuperación de espacios públicos para generar más y mejor infraestructura artística. Creemos que, a la par, podemos aumentar los esfuerzos de difusión del talento artístico. Queremos que la población logre una vinculación con lo que sucede  musicalmente en su contexto.

Es por ello que los invitamos a sumarse a la causa. También agradecemos el apoyo de medios y proyectos amigos comprometidos con la escena artística  nacional como lo son: Distrito Global, Joyride Magazine México, Revista Literaria Infame y Concierto Cable.

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El costo de recuperación de Ensayódromo Universidad es de $150.00 pesos por hora. Para celebrar que el espacio esta listo para ti, regístrate en ensayodromo.chulavista.mx . Además del 23 de junio al 4 de julio te damos dos horas gratis con la grabación en audio de tu sesión incluida, ¿qué esperas…? Cualquier duda, puedes llamar al 36039228.

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Y a ti, ¿en dónde te gustaría tener un ensayódromo?

La Gran Orquesta Republicana continua con su regreso

Otra agrupación que tras algunos años de inactividad volvió a los escenarios son los españoles de La Gran Orquesta Republicana, originarios de Mallorca para ser más precisos.La Gran Orquesta inicio sus actividades musicales en 1997, de los restos de la legendaria banda pionera del ska español Skarabajos, en donde Nacho Vegas, vocalista de la Gran Orquesta también fungía como vocal.

Como su nombre lo indica: La Gran Orquesta cuenta con una ideología anti-monárquica,  la cual puede verse reflejada en gran parte de sus letras. Aunque quizá uno de los mayores encantos de esta banda es su habilidad de convertir en canción algunos de los trabajos del escritor uruguayo Eduardo Galeano.

http://youtu.be/ucN-xogQHRQ

En el 2008 y tras poco más de una década de actividades, el grupo decidió hacer una pausa  la cual duró 5 años. Por lo que actualmente estos músicos se encuentran nuevamente en activo y con temas nuevos los cuales ya pueden ser descargados directamente desde su página de internet.

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La Gran Orquesta Republicana es una de esas bandas que podrían ser difíciles de clasificar debido a la gran cantidad de estilos musicales que abarca su repertorio, que va desde el punk, el reggae y demás ritmos latinos. Y aunque el ska es parte fundamental de su repertorio, encasillarlos como una banda de ska sería muy impreciso; así que cada quien que los escuche saque sus conclusiones.

http://youtu.be/pIqKbVQZsus

 

Orquesta Brasileira de Musica Jamaicana: el baile continua

Esta nota está dedicada a uno de los proyectos que en estos últimos años han sorprendido a la escena musical de Brasil debido a la calidad musical que presentan los miembros de este proyecto llamado: Orquestra Brasileira de Música Jamaicana.

http://youtu.be/BfseZGhGRTI

Orquesta Brasileira de Musica Jamaicana es un proyecto organizado por el trompetista Felippe Pipeta y por el ex guitarrista y vocalista  de la ya disuelta banda Skuba Sergio Soffiatti. Y aunque Skuba era un proyecto igualmente dedicado al ska, esta banda presentaba un sonido más acelerado debido a las mezclas con el punk y demás estilos, ya que en este nuevo proyecto OBMJ se trata de revivir el sonido clásico de la música inventada en Jamaica.


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Formados en el año 2008 este proyecto cuenta hasta ahora con 2 discos Volume l editado en 2010 y Volume ll: O Baile Continua… editado el año pasado, en los cuales esta agrupación ha dejado en claro cuál es su estilo, tanto con temas primordialmente instrumentales como también con algunos temas vocales, incluyendo temas propios y algunos covers.

Asi como diversos proyectos emergentes alrededor del mundo, Orquesta Brasileira de Musica Jamaicana ha logrado captar la atención de diferentes músicos ya consolidados de la escena internacional. Los cuales han realizado algunas colaboraciones con ellos, como es el caso del italiano Mr. T-bone, quien siempre se ha caracterizado por darle apoyo a este tipo de proyectos.

Esta es la recomendación, directamente desde tierras sudamericanas: Orquesta Brasileira de Musica Jamaicana, quienes nos dejan en claro que Brasil es mucho más que solo fútbol.

http://youtu.be/le_bXx0CgKQ

Derrick Morgan en México

El próximo 28 de junio se presentara por primera vez en México: Derrick Morgan, una de las más grandes figuras desde la música jamaicana.

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La cita será en La Faena ubicado en el Centro Histórico, lugar donde apenas hace unos meses la dupla de la época dorada del rocksteady Keith & Tex también realizó su debut en los escenarios mexicanos.

Derrick Morgan nació en el año de 1940 en Clarendon, Jamaica, sus primeras grabaciones datan de  comienzos de los años 60’s, convirtiéndose rápidamente en uno de los cantantes preferidos de la isla.

Sus éxitos rápidamente cruzaron las fronteras de Jamaica y llegaron a Europa. Posicionándose  en muy poco tiempo en los primeros lugares de las listas inglesas, algo habitual en las décadas de los 60’s y 70’s durante la invasión de los cantantes y ritmos jamaicanos en el Reino Unido.

Durante todos estos años Derrick Morgan se ha mantenido vigente grabando temas y participando con agrupaciones alrededor del mundo, como puede ser el caso de Los Granadians en España, Pama International en el Reino Unido o los High Notes en Holanda, entre otras.

Así que si quieren  escuchar autentica música jamaicana de una verdadera estrella, la cita es el próximo 28 de junio en La Faena, con lo cual poco a poco se incrementa la lista de artistas clásicos del ska jamaicano y sus derivados que visitan nuestro país.

CON SABOR AL NORTE- LA ORQUESTA (PARTE 4)

Tom & Jerry como directores de orquesta en TOM AND JERRY IN THE HOLLYWOOD BOWL.

Con todo lo que hemos mencionado sobre la orquesta vamos a una de mis partes favoritas. A lo largo de los años, los niños reconocen algunas canciones que se han convertido en clásicos. La pregunta es ¿por qué?

 Se hizo un trabajo innovador con música clásica de orquesta sinfónica en dos caricaturas importantes: Looney Tunes y Tom & Jerry. Lo más interesante es que podemos reconocer la música, pero no a los autores. Ni a las óperas que llegaron a representarse en dichas caricaturas. Por lo tanto se mostrará a continuación un compendio de vídeos con el nombre de las obras utilizadas y su autor.

 PIGS in a POLKA por Chuck Jones nominada para un premio de la Academia en 1943. Se utilizaron las Danzas Húngaras #5, #7, #6 y #17 por Johannes Brahms.

http://www.youtube.com/watch?v=Nh11A41klL4

 A CORNY CONCERTO por Chuck Jones se utilizó el PIANO CONCERTO #1 Prior Ilich Tchaikovsky (1875), TALES FROM THE VIENA WOODS- Johann Strauss II (1868), AN DER SCHÖNEN BLAUEN DONAU- Johann Strauss II (1867).

http://www.youtube.com/watch?v=62v8t-QL3ks

 JOHANN MOUSE: AN DER CHÖNEN BLAUEN DONAU – Johann Strauss ll (1867), KAISER WALZER – Johann Strauss ll (1888) y TRITSCH TRASCH POLKA – Johann Strauss ll  (1858).

http://www.youtube.com/watch?v=P5HqiwAp-as

 THE CAT CONCERTO por Fred Quimby y HUNGARIAN RHAPSODY # 2  Franz Liszt (1847).

http://www.youtube.com/watch?v=uKZgi06fVsk

 Estas son algunos ejemplos de todos los episodios por los cuales sabemos algo de la música clásica más que otras generaciones. La razón de esto es que la Warner Brothers tenía en su propiedad una biblioteca musical que utilizaron a su favor. De hecho hay caricaturas que fueron seleccionadas para el Registro Nacional de Cine en Estados Unidos, tal era el caso de WHAT’S OPERA, DOC? por Chuck Jones.

http://www.youtube.com/watch?v=4KHuuxWIilc

 Lamentablemente, como estas piezas en caricatura ya no se producen en el mismo estilo con las nuevas temporadas de los Looney Tunes que aparecen en Cartoon Network. En realidad muchos de los mejores episodios son aquellos dirigidos por Chuck Jones, quien también creó El coyote y el correcaminos, Pepe le Piew y Marvin el marciano.

Antes de ser los LOONEY TUNES, el nombre oficial de estas caricaturas eran MERRIE MELODIES (Fantasías animadas de ayer y hoy)

 La mejor parte de este tema es que estos episodios se pueden comprar por temporadas, ver en Internet o por televisión a las tres de la mañana. En caso de querer hacer que los niños pequeños lo vean puede suponer un problema porque es un poco viejo comparado con Phineas y Ferb o Mi Pequeño Pony (entre otros), pero que vale la pena si el niño en cuestión esta aprendiendo a tocar un instrumento en particular pues le ayudará a identificar dichas canciones.

 Existen trabajos del mismo tipo en episodios del Pájaro Loco y La Pantera Rosa que no se mencionan aquí, pero estoy segura de que las páginas de Buzfeed.com o Taringa tienen la información para guiar a cualquiera. También existen muchos otros capítulos que contienen música clásica en los ya mencionados, es un gran compendio de música la que manejó Warner Bros. en sus trabajos al igual que las animaciones por Metro-Goldwyn-Mayer.  Me alegra que estos artistas sepan en el cielo (si es que existe), que su música no acabó en su época, sino que logro trascender.

 

 

 

Con sabor al norte- la orquesta (parte 3)

Después de la última publicación donde gracias a Dios descargué todo mi sentir, podemos volver a hablar de la orquesta, y es que me falta la parte más importante de ella: los músicos.

Un teatro con el techo diseñado para mejorar la acústica de la habitación.

 En este tipo de agrupaciones tienen un acomodo único cada vez, porque depende de las preferencias del director y la acústica arquitectónica del teatro. Dicha acústica es la ciencia donde un arquitecto define el nivel acústico de un edificio. Esto es importante porque se dedican a crear un ambiente óptimo para los artistas en los teatros.

 A pesar de esto, hay ciertos patrones que si se repiten por el nivel de sonoridad que tienen los mismos instrumentos. Es por lógica que no se ponen las percusiones enfrente porque suenan más fuerte que las cuerdas. A menos que sea un caso especial. La distribución de una orquesta sinfónica completa, que consta de setenta a noventa músicos, tiene la siguiente organización:

Distribución de una orquesta sinfónica

Aproximadamente en una orquesta sinfónica se necesitan:

– En la sección de madera: catorce primeros violines, doce segundos violines, diez violas, 8 violonchelos y 8 contrabajos.

– De viento: un piccolo, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes, 1 clarinete bajo, 2 fagot, 1 contrafagot,

– En metales y percusión: 4 cornos franceses, 4 trompetas, 3 trombones, 1 tuba, 1 o 2 arpas, 1 tímpano, 2 timbales, 1 triángulo, entre otros.

 Como pueden ver en la imagen, los violines van preferentemente a la izquierda. Aunque también existe lo que se llama el Primer Violín. Este músico se sienta en la primera silla, justo a la izquierda del director y es el líder instrumental que trabaja como puente entre el director y los demás músicos. Podrán haber varios primeros violines, pero el más importante es el de la primer silla.

 Aún así, para tener más control de la orquesta, existe un líder de cada sección. Y otro detalle es que, a pesar de que la lista dada de instrumentos parece ser muy específica a cómo está conformada una orquesta, no es exactamente la manera en la que tiene que estar.

 En cuanto a instrumentos, el hecho de que en la lista no aparezcan guitarristas no significa que ninguna orquesta los tenga, pero tienen que especificar que se necesita una guitarra para que haya un músico de tal instrumento. Aquí hay un ejemplo:

http://www.youtube.com/watch?v=rHQyyOgQ2hY

 El acomodo también puede variar, antes vimos este mismo tema de la orquesta sinfónica de Londres tocar el tema de The Fairy Fountain y ahora podemos apreciar que la orquesta no está precisamente frente a la directora, sino alrededor de ella. En un sentido literal tiene que darse la vuelta para dar instrucción a las arpas y luego pasar con el resto de sus músicos.

http://www.youtube.com/watch?v=Kyh7mYSfVOk

 La verdad esa pieza me encanta, es de mis preferidas. Con esto ya nos vamos acercando al último tema (y mi favorito) así que espero con ansias el otro martes para volver a platicar.

Entrevista a LNG/SHT

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Hace unas semanas, tuvimos la oportunidad de platicar largo y tendido con LNG/SHT, también conocido como Gastón Peligro. Con café en mano, charlamos de los inicios del” rap clase mediero” que nos tiene locos desde que lo escuchamos así como de sus influencias, sus inicios y más.

#LargaVidaALngSht

https://www.youtube.com/watch?v=0MRzGukboOA

 

 

 

¿Qué tan grande es la fuerza que la música ejerce sobre nosotros?

Normalmente escuchamos música “porque nos hace sentir bien”. ¿Pero alguna vez nos hemos preguntado por qué nos hace sentir bien? ¿Qué tan real es este bienestar que nos causa? ¿Es puramente sugestión o tiene razones más científicas?

 Music 1Estudios con resonancias magnéticas han demostrado que las emociones inducidas por la música tienen como base las mismas estructuras que se dedican al procesamiento de emociones en la vida cotidiana. Entonces, realmente no existe diferencia alguna entre la alegría que te puede causar tu canción favorita y la que sientes cuando abrazas a tu mejor amigo, o la tristeza que encuentras en Radiohead y en el rompimiento con tu pareja. Sabemos que las emociones son un factor importante para determinar la salud física de una persona. ¿Se puede entonces utilizar la música como un medio para alterar las emociones de una persona y de esta manera causar un efecto benéfico en el cuerpo?

 Hay evidencia de que hacer música, bailar o simplemente escuchar música activa toda una serie de estructuras neuronales que participan en procesos cognitivos, motores, sensoriales y emocionales. Por lo tanto, mientras uno escucha una canción pensando que no tiene ninguna trascendencia, complejos procesos neuronales están sucediendo a través de todo el cerebro. K. Lehtonen ha demostrado que lamusic 2 música es una de las mejores maneras de activar procesos psíquicos sin dolor ni ansiedad, trayendo a nuestra mente recuerdos importantes, imágenes mentales y experiencias del pasado.

 Además, tiene efecto directamente sobre nuestro sistema nervioso autónomo, causando diferentes tipos de reacciones corporales autónomas.

¿De qué manera se puede utilizar esto para el beneficio de un ser humano?

 Experimentos realizados en personas con Alzheimer evidencian algunos de los efectos positivos que la música puede tener sobre nosotros. Se encontró que la exposición a música familiar al paciente (o al menos culturalmente compatible) afectaba positivamente algunos aspectos cognitivos como las habilidades de lenguaje, la memoria autobiográfica y la memoria verbal. Además, mejoraba la calidad de sueño y reducía niveles de ansiedad hasta ocho semanas después de las intervenciones.

 ¿Y cómo es esto posible? Si un paciente con Alzheimer tiene problemas para reconocer a sus propios familiares, ¿cómo es que es capaz de reaccionar ante música que escuchó a través de su vida? Increíbles estudios demuestran que pacientes con Alzheimer (incluyendo algunos en la etapa más severa de la music 3enfermedad) son capaces de preservar el conocimiento de melodías a largo plazo. Incluso pueden detectar distorsiones en los trazos melódicos, frunciendo los ceños o poniendo caras de disgusto cuando una necesidad tonal no se cumple satisfactoriamente. Curiosamente, no son capaces de detectar distorsiones en las letras de las canciones. ¿Qué es lo que hace tan especial a la música como para que sea tan importante preservarla, incluso a costa del lenguaje? A pesar de sus similitudes (organización compleja y estructuración gramatical), la música sobrevive mientras el lenguaje perece.

 ¿Será que la música cumple una función cohesionadora en la sociedad incluso más importante que el lenguaje? Podría ser. Aunque hay algo que salta a la vista. Niños y adolescentes con Espectro Autista (una de cuyas características es el aislamiento social y la imposibilidad de crear vínculos con otras personas) son capaces de reconocer emociones en la música. Al escuchar fragmentos musicales en modos mayor y menor, pueden empatarlos con representaciones de caras felices y tristes respectivamente. ¿Cómo es que una persona incapaz de vivir en sociedad responde normalmente a un estímulo altamente relacionado con la
vida en comunidad?

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  Lo maravilloso es que la música no sólo es utilizada en tratamientos de personas con Alzheimer o Autismo, sino que se han comprobado sus efectos benéficos en personas con problemas de desarrollo mental, pocas habilidades de aprendizaje, enfermedades relacionadas con la vejez, problemas de abuso de sustancias, lesiones cerebrales, discapacidades físicas, dolor crónico, y hasta mujeres en trabajo de parto.

 ¿Cómo es que funciona de esta manera?

¿Será porque la cognición musical comparte mecanismos cognitivos y perceptuales y sistemas neuronales con otras funciones cognitivas no­-musicales, como la memoria, la atención y la función ejecutiva (llevar a cabo cosas)? Algunos de los principios estructurales en la música (como el fraseo, el agrupamiento y la abstracción jerarquizada) tienen sus procesos paralelos no­musicales, y se ha comprobado que la música puede ser utilizada para facilitar la mnemotecnia incluso en personas totalmente sanas.

 music 5Es indudable que la música cumplió un papel determinante en la formación de sociedades en la Antigüedad y que, después de haber cumplido con esa función, se mantuvo como una actividad importante y constante porque tuvo efectos positivos sobre la humanidad. Ya hemos comprobado que el cuerpo humano responde con una actividad febril a los estímulos musicales. También hemos comprobado sus efectos medicinales sobre enfermedades para las cuales no hay aún curas absolutas. Es complicado pensar que la música tiene un origen biológico arcaico, pues no observamos que los animales la utilicen con ningún fin, pero lo que es innegable es que evolutivamente ha llegado a formar parte inequívoca de nuestra especie. No sólo nos permitió vivir en comunidad, sino que pasó a ser un elemento esencial en actividades tan importantes como la religión y el entretenimiento.

 Es casi imposible salir un día a la calle y no escuchar al menos un fragmento musical en alguna parte (en el camión, en la casa de tus vecinos, en una tienda departamental). Lo que yo creo es que no escuchamos música solamente “porque nos hace sentir bien”, sino porque es una necesidad innata en nuestra especie. Los miles de años en los que la música ha sido utilizada en diversos ritos la han arraigado en nuestro cuerpo hasta el punto en que es capaz de conjurar cambios en nuestros procesos corporales y mentales.

Por lo tanto, hacer música y escuchar música no es sólo una cuestión de gusto, sino una cuestión de salud.

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 Junto con muchas otras actividades humanas, la música forma parte de nuestra esencia como humanos, y sólo teniendo un contacto profundo y consuetudinario con ella podemos desarrollar todas nuestras potencialidades. Así que la próxima vez que escuchemos música recordemos que no sólo nuestro oído está siendo deleitado, sino que todo nuestro cuerpo se mueve, se activa, se retuerce de placer. Recordemos que no sólo estamos cantando una canción a la par de nuestro artista favorito, sino que estamos realizando un triatlón cerebral que nos traerá beneficios a corto y largo plazo. La música entonces no es sólo un medio de entretenimiento.

La música es supervivencia.

20 años de New York Ska Jazz Ensemble

Una agrupación que se encuentra celebrando más años de existencia son los estadounidenses de la New York Ska Jazz Ensemble, quienes en este 2014 cumplirán sus primeros 20 años de vida. El grupo ha anunciado su ya clásica gira europea, la cual han realizado durante muchos años.

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 New York Ska Jazz Ensemble es una de las bandas más representativas del ska-jazz a nivel mundial; llegando a ser considerada por algunos como el máximo exponente de este estilo. Debido a su calidad musical, esta agrupación ha pisado los escenarios de los mejores festivales alrededor del mundo, tanto festivales de ska como de jazz.

Al frente del grupo se encuentra el saxofonista Fred “Rocksteady” Reiter, quien por algún tiempo también fuera saxofonista  de The Toasters;  la veterana y más importante banda del ska estadounidense. Fred Reiter junto con otros músicos amigos de la escena local decidieron crear este proyecto en el cual podía mezclar el sonido enérgico del ska  junto al virtuosismo del jazz, y en el cual cada uno de los músicos participantes podía explotar todo su talento al máximo.

Desde su inicio New York Ska Jazz Ensemble ha sido una especie de “dream team” en donde han desfilado algunos de los mejores músicos de la escena ska norteamericana así como de la internacional, como por ejemplo Mr. T-Bone de Italia o incluso el mismo Devon James de The Skatalites, o el actual guitarrista del grupo Alberto Tarín de España.

No sería hasta hace 2 años cuando el 6 de octubre del 2012 en el marco del 5to. Aniversario del Foro Cultural Hilvana, esta banda neoyorquina visitara por primera vez nuestro país y deleitara al público mexicano con un espectáculo de poco más de 3 horas, pero sobre todo dejando boquiabiertos a los medios de comunicación presentes; debido a que un día antes de este recital esta banda fue invitada por la estación de radio Horizonte F.M. 107.9 a realizar una sesión especial en los estudios del IMER, lo cual genero una mayor expectativa  sobre todo en aquellas personas que desconocían la música de la agrupación.

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Los músicos de New York Ska Jazz Ensemble percibieron el buen recibimiento del público mexicano que tan solo unos meses después, en marzo del 2013 la banda regresó a México, esta vez para presentarse en un escenario más grande, esta vez el lugar elegido fue el José Cuervo Salón.

Si bien hasta ahora la banda neoyorquina  solamente se ha anunciado su gira europea por países como Alemania, España, Italia, Bélgica, entre otros, no estaría mal que próximamente confirmaran nuevas fechas en nuestro país en donde cada vez es más frecuente poder observar presentación de bandas de talla internacional, pero sobre todo, agrupaciones de una gran calidad musical sobre el escenario.

Banda Bassotti: Los bandidos siguen sin descanso

banditiDespués de 2 años de la publicación de su último disco en estudio titulado Siamo Guerriglia, la agrupación dedicada a hacer principalmente punk y ska Banda Bassotti ha decidido sacar un nuevo material  discográfico. Esta vez el nuevo álbum es un disco en vivo y el cual lleva por título Banditi Senza Tempo.

 Banditi Senza Tempo es el tercer álbum en vivo de esta veterana agrupación italiana que cuenta ya con más de 30 años en la escena musical; Sin embargo, este nuevo álbum cuenta en su mayoría con temas que no han aparecido en los otros 2 discos, así como prácticamente algún invitado en cada tema. Entre los invitados podemos encontrar a O’zulu de 99 Posee, Lorenzo Tovoli de la banda punk Klaxon, Kino Ferri vocalista de la ya disuelta agrupación Arpioni, Sandro y Marino de I Gang, entre muchos otros; contando con la particularidad de que por cada invitado hay algún cover de su respectiva banda

 Banda Bassotti se formó en Roma a comienzos de los años 80’s tomando el nombre de los personajes de Disney llamados los Beagle Boys, los cuales en Italia son conocidos como La Banda Bassotti.

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 Aunque no es una agrupación totalmente dedicada al ska, si fue una de las primeras en Italia en contar con este ritmo dentro de su repertorio, que en su mayoría en un principio estaba compuesto de punk; por lo que actualmente son uno de los más grandes e importantes referentes del ska italiano.

 Desde su formación hasta ahora el grupo ha presentado algunas modificaciones como por ejemplo en el año 2000 tras una pequeña pausa de cuatro años la banda incorporó una sección de vientos a su alineación, y con esto poderle dar más énfasis al sonido del ska. También las letras en castellano han ocupado un lugar importante en el repertorio del grupo.

Banda Bassotti se presentó en nuestro país en el año 2007 durante la clausura del Festival de la Culturas en Resitencia Ollin Kan, el cual se realizó en la plancha del Zócalo capitalino, aquel día se presentó también el músico y cantante vasco Fermin Mugurúza (ex vocalista de Kortatu y Negu Gorriak); y los españoles de La Kinky Beat y Los Discipulos de Otilia. Al día siguiente la banda italiana dio un emblemático concierto en Tlatelolco, la plaza de Las Tres Culturas.

 Debido a su postura política Banda Bassotti constantemente se ha enfrentado a diversas acusaciones por parte de algunas organizaciones de carácter conservador, llegando a ser censurados e incluso llegando a cancelarles algunas presentaciones en distintos países.

 Un acto en vivo de cualquier agrupación siempre será la mejor manera de poder ver su calidad sobre un escenario, en donde una banda demuestra de que está hecha;  este nuevo álbum  es una prueba más en el historial de estos italianos del porque son uno de los máximos exponentes del ska-punk tanto de su país como de la escena internacional.

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Con sabor del norte: la orquesta (parte 2)

Una de las cosas más característica de una orquesta es el Director. Ustedes saben, el que está enfrente de todos moviendo las manos como un loco. Su trabajo es coordinar todos los instrumentos para que puedan tocar apropiadamente una canción.

 He aquí un nuevo ejemplo de Bugs Bunny haciendose pasar por Leopold Stokowski, un famoso director de orquesta británico. Con el cual podemos darnos una idea de lo que hablaremos hoy.

 No es fácil es este trabajo. Tomen como ejemplo una plática entre amigos; cuando dos hablan al mismo tiempo uno pierde la concentración por saber qué es lo que dicen. En la música es más o menos lo mismo. Mientras tocas el violín, el compañero de la tuba te está reventando los tímpanos atrás de ti. El director se encarga de que todos suenen igual, marcar el ritmo y ordenar el sentimiento o fuerza que deben de tener los músicos al tocar.

 Sobre el movimiento de las manos que hace un director de orquesta, va siempre por tiempos. A dos tiempos con canciones simples, a tres tiempos (un, dos tres… un, dos, tres), a cuatro tiempos como los vals o a tiempo vivo donde depende todo del director. Y más que un músico, el director es el que interpreta la música en el papel, ayudado por los músicos le da la intensidad a la música para evocar sentimientos.

 Es irónico que para interpretar música todo dependa de una persona que se comunica en silencio. Y el público podrá ver diferentes movimientos: algunos bruscos, otros suaves, amplios, mesurados, etc. Pero la realidad es que hay un poco del alma de cada director en sus propios movimientos.

 Para todos comprender lo que dice el director de orquesta como tal, existe un término denominado Tempo. El tempo es el movimiento en el aire que se ejecuta para determinar el tiempo en que debe ser tocada una pieza. Los movimientos más comunes son:

  •  Allegroes el tiempo más rápido.

  • Adagioun tiempo lento y majestuoso.

  • Andanteun paso tranquilo y vivaz.

 Todos los términos musicales usualmente están expresados en italiano, y esto es porque la Ópera como tal nació en Italia. Pero de eso hablaremos después.

 Por último haré una aclaración importante. No porque exista un director de orquesta significa que son obligatorios. En la publicación pasada se veía a André Rieu tocar y ser quien dirigía al mismo tiempo. Eso es porque en la orquesta de tipo barroco se estilaba a que no hubiera nadie de guía. Él combina esa idea con la del director de orquesta tradicional para poder darle un toque más íntimo a sus conciertos.

 Esta parte de los maestros de orquesta me gusta mucho porque uno siempre bromea en serlo cuando vemos músicos. Ahora cuando esa persona esté lanzando sus manos al aire tendrán la certeza de que no está tratando de perder la peluca. Espero que este tema les haya gustado, veremos más sobre esto la otra semana y para cualquier duda no olviden que mi Twitter es @alixreyna y hablamos a la otra.

Descubre #Ensayódromo Universidad

El sábado 31 de mayo, el sueño se materializó. Después de un año arduo de trabajo, Chulavista Art House A.C. junto a Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo, la primera sala de ensayo profesionalmente acondicionada que busca apoyar a las bandas emergentes de la Ciudad de México.

Jean Loup
Jean Loup en Ensayódromo Universidad

Para celebrarlo, se contó con la presentación de bandas sobresalientes en la escena local, con el rock pop de  Lundem, el indie rock  Jean Loup y el punk de  O Tortuga. Triciclo Circos Band y sus 9 integrantes también estrenaron la sala acústicamente diseñada para no molestar a los vecinos de la unidad en la cual se encuentra ubicada.

Triciclo
Triciclo Circus Band

Ni la lluvia ni los inconvenientes que se tuvieron durante el streaming lograron que los ánimos decayeran. Tormentas fue la banda encargada de cerrar el día con su rock negro, una combinación de punk con metal que nos dejaron con ganas de seguirles la pista.

Tormentas
Tormentas contagiaron la energía con su rock negro.

Con el primer #Ensayódromo llegan muchos retos que superar. Se busca  ser la primera sala de ensayo con streaming permanente que permita grabar los ensayos de las bandas, así como desarrollar sesiones con bandas nacionales e internacionales que apoyen la difusión de las nuevas propuestas de todos los géneros- Y no solo eso, Chulavista Art House La Revista realizará entrevistas de los sonidos que lleguen al Ensayódromo, para difundirlo con ayuda de nuestros amigos de Joyride Magazine México, Distrito Global, Revista Infame, entre otros.

O Tortuga
O Tortuga

Recuerda que el movimiento #Ensayódromo busca generar más de estos espacios. El rock es un deporte, es cultura y es una forma de trasformar y atacar los problemas a los que se enfrenta la población juvenil de nuestro contexto. Por ello agradecemos la valiosa participación del Consejo Internacional de Derechos Humanos para que este programa se extienda y pueda beneficiar a la sociedad mexicana.

Por esto y más, no te pierdas las sesiones que tendremos para ti en el nuevo canal de You Tube exclusivo para Ensayódromo así como las actividades que Chulavista Art House A.C. llevará acabo para seguir apoyando a las bandas emergentes.

Y lo más importante, a partir del 9 de junio podrás disfrutar de la experiencia #Ensayódromo Universidad. Este se encuentra en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4.

Puedes empezar a reservar al 36039228 en un horario de 9:00 am a 6:00 pm.

Las sorpresas siguen, no te las pierdas.

Fotos por Viko Zárate.

Con sabor del norte: La orquesta (Parte 1)

Hoy vamos a empezar con un tema nuevo con el que estaremos aprendiendo el resto del mes y es la orquesta. El término moderno de orquesta es “un conjunto de instrumentos y los músicos para ejecutar música”, pero realmente significa un “lugar para danzar”. Antiguamente la orquesta era el espacio que ocupaban los músicos, cantantes y danzantes, luego cambio esta idea a la actual.

 Los que hayan sido niños en los años noventa van a encontrar mucho de este material conocido sin darse cuenta, puesto que hemos sido educados sin querer por caricaturas como los Looney Tunes y Tom & Jerry.

Sobre el número de músicos en una orquesta depende del tipo de música la cual se vaya a tocar, pero un número aproximado serían unos cincuenta y ocho músicos con instrumentos divididos en: cuerdas (violines, violas, contrabajos…), maderas (flautas, oboes, clarinetes…), metales (trompetas, tubas, trombones…) y percusión (tambores y timbales).

Y las mismas orquestas varían según tipos.

La orquesta sinfónica: es de las más grandes, tienen de ochenta a cien músicos y combinan todos los tipos de instrumentos para recrear música. Un ejemplo sería la Orquesta Sinfónica de Londres que hace poco hizo una presentación en México con The Leyend of Zelda, Symphony of Godesses

La orquesta de cámara: este tipo es más reducido que la orquesta sinfónica porque su propósito era tocar en salones de palacios, donde se encontraban reducidos de espacio. En este caso, André Rieu tiene una orquesta de cámara en la que puede darse el lujo de tocar piezas en lugares palaciegos y cerrados con un público reducido.

La orquesta joven: es decir, que quienes tocan la música son estudiantes de música de algún conservatorio. Estos conjuntos sirven para los músicos porque los pueden llevar a ser músicos de orquestas sinfónicas. Tal vez sea de una película, pero sirve de ejemplo August Rush con la canción final donde dirige a los músicos de una universidad.

La orquesta que utiliza solo un tipo de instrumentos: todos tendrían que ser instrumentos de cuerda, o de madera, o de metal. En este caso podría decir que en el Titanic se mostró una orquesta de este tipo ¿O ya olvidaron a estos valientes que tocaron hasta morir?

Orquesta que utiliza varias familias de instrumentos: podrían ser ejemplo la joven, la sinfónica o de cámara, pero se refiere más que nada a estos conjuntos de músico que tiene varias familias de instrumentos, pero no el número necesario para entrar en las otras categorías. Para esto yo considero algunas canciones de Broadway calificar como orquestas que utilizan varias familias de instrumentos.

 Ya que sabemos los tipos de orquesta que hay, me dedicaré a explicar cómo es que funcionan más a fondo porque hay muchos detalles en cuanto a dirección de orquesta, acomodo y estilos que vale la pena conocer. Cualquier duda que tengan, saben que mi Twitter es @alixreyna y estaré encantada de leer las dudas que tengan así como también sugerencias de lo que más les interesa saber sobre este tema. Nos vemos el jueves.