Imaginando música donde hubo muerte

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Imagine es un proyecto dirigido por el artista mexicano Pedro Reyes y se trata de 50 instrumentos musicales fabricados a partir de 6,700 armas de fuego rematadas por el gobierno. Es decir, armas previamente pertenecientes al crimen organizado e incautadas en algún operativo.

 

 

Reyes adquirió estas armas luego de que el gobierno mexicano le notificó de su existencia, gracias a que previamente había realizado Palas por Pistolas, otro proyecto en el que convirtió miles de armas de fuego en palas con las que plantó árboles.

Para ayudarle en la tarea, reclutó a un equipo de seis músicos quienes trabajaron durante dos semanas y lograron extraer sonido de los artefactos, entre los que había instrumentos de viento, cuerdas y percusión.

Reyes explica: “Es difícil de explicar pero la transformación fue más que sólo física. Es importante considerar muchas vidas fueron tomadas con estas armas; es como si un exorcismo sucediera y la música expulsara los demonios de las armas, así como un requiem para las vidas perdidas.”

Añade que la obra nace de la necesidad de llamar la atención a un tema que rara vez genera rechazo cultural. Portar armas se presenta como algo glamuroso en Hollywood y los videojuegos, sin embargo, la mitad del problema de la violencia en México recae en el poco control sobre la venta de armas de fuego en Estados Unidos.

Imagine es una obra provocadora y relevante. Reyes hace un llamado a la belleza en tiempos de guerra, y el mensaje cala en lo profundo del sistema nervioso de nuestro país, y de nuestros vecinos en el norte. Con elegancia, la obra nos recuerda que la belleza puede aparecer en lo inesperado al tiempo que nos confronta con un tema de vital importancia.

UPDATE: Dejamos un video que muestra cómo suena la música creada con los instrumentos de Imagine. 

 

El épico debut de Gary Clark Jr

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Sin duda, el álbum debut de cualquier banda o artista es un momento definitorio. Ese primer material servirá -en la mayoría de los casos- como carta de presentación, como un manifiesto sonoro que -idealmente- dejará en claro el discurso artístico que se irá persiguiendo en adelante. A veces este inicio es discreto, quizá mesurado; pero en el caso de Gary Clark Jr., el álbum Blak and Blu -su primera producción de larga duración- es un comienzo extraordinario.

Gary es originario de Austin, Texas, lugar que ha visto crecer a otras leyendas de las seis cuerdas y con sólo 28 años de edad, ya cuenta con un lenguaje musical propio, como si los intervalos y sus frases melódicas fueran una extensión de su voz natural.

El sonido de las canciones contenidas en Blak and Blu se puede rastrear con facilidad hasta el origen. Casi se pueden escuchar los cantos marginales y los gemidos desgarradores de los esclavos viajando en algún tren, en una embarcación corroída. Se perciben la voces trabajando en el campo de algodón, la atmósfera pantanosa y a lo lejos resonando una guitarra con la encordadura incompleta.

Pero lo más interesante es que Gary no se queda varado en este pasado, sino que hace el viaje completo hasta llegar a nuestros días. En este disco está bien presente la influencia del hip hop contemporáneo, el R&B moderno, la nostalgia por la guitarra de Hendrix, la oscuridad y la fuerza de Stevie Ray Vaughan, la sutileza de Marvin Gaye, el ingenio y la libertad de Chuck Berry, el recuerdo en lo-fi de Robert Johnson…

A lo largo de catorce tracks -mas dos bonus tracks en la versión deluxe– Gary llena el espectro estéreo con guitarras escandalosas llenas de overdive, distorsiones análogas que rugen, riffs pesados y directos; los solos de guitarra son expresivos, apabullantes, completamente emocionales. Las baterías en cuatro cuartos golpean directo y sin aviso, son crudas y muy simples. Ocasionalmente se escucha una sección de metales llena de soul y voces sumergidas en slap delay. Muchos de los temas tienen bien marcadas las regiones tónica, subdominante y dominante del blues tradicional, pero se mueven libremente hacia cualquier género imaginable.

Blak and Blu es un disco denso -en el mejor sentido de la expresión-, perfectamente logrado, orgánico, nostálgico, emotivo, en resumen: ¡les va a volar la cabeza! Y probablemente lo más destacado en este disco es el hecho de que va en contra de la mayoría de la música que suena últimamente. Es una declaratoria abierta y una afrenta directa a la música plástica/prefabricada, ¿cuántos discos actualmente tienen canciones de más de nueve minutos de duración?

Este disco es épico y encamina a Clark hacia la categoría de leyenda. Como él mismo dice:

“I don’t believe in competition, ain’t nobody else like me around. I don’t need your imposition, It ain’t that hard to figure it out…”.

Blak and Blu se compra aquí. Más de Gary Clark Jr. en su sitio oficial, Twitter, YouTube y Facebook.

La fusión perfecta de Goose

Por Sus

@SusBouvier

En la era de la información acelerada, las escenas locales siguen siendo el principal semillero de talento musical. Este es el caso de Goose, tres chicos originarios de Kortrijk, Bélgica, que desde 2000 se han dedicado a elaborar un efectivo maridaje entre el rock y la electrónica.

Un contacto importante de la banda con la escena internacional se dio con su participación en el disco de remixes de Tron Legacy : R3J3CT3D, en donde remixean a Daft Punk en “The Son Of Flynn”. El resultado fue un  corte que se convirtió en uno de los favoritos del ex representante del dúo francés y propietario de Ed Banger Records, Busy P.

Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe, y Bert Libeert iniciaron como una banda de covers en el verano de 2000. En 2006 editaron Bring It On, un álbum con muchas influencias de bandas como Depeche Mode que generó una buena crítica por parte de los medios especializados europeos, lo que los llevó a ganar en los TMF Awards 2007 (Bélgica) como mejor grupo alterativo. Algunas canciones del LP tendrían proyección en Europa, tal es el caso de “Black Gloves”, remixeada mas tarde por The Bloody Beetroots.

Su segundo material de estudio fue presentado en 2o1o, bajo el título Synrise, y obtuvo opiniones mixtas del público y la crítica. Este LP contaría con la participación de Peaches en las voces y con el arte del diseñador Storm Thorgerson, famoso por realizar las portadas de Pink Floyd.

Este año presentan su tercera producción. La primera impresión es que se trata de música exclusivamente electrónica. Sin embargo, al poner atención es evidente la sutil combinación que realizan, con una base sólida de bajo y batería que sobresale a lo largo del materialPor los diez tracks que componen Control Control Control, Goose descansa de lo instrumental para centrarse en la fusión que se ha convertido en su sello característico. Todo esto acompañado de la peculiar voz de Mickael.

De este álbum se desprende el sencillo “Control”, cuya video fue dirigido por Pierre Debusschere.

Para escuchar más de Goose, da click aquí.

 

V Motion Project: la música del movimiento

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

El Reactable fue un esfuerzo vanguardista por crear una interfaz de creación musical sensible a la luz y el movimiento. Este artefacto, desarrollado en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, sorprendió al demostrar su capacidad y funcionamiento, una verdadera fusión entre la investigación científica y la creación artística.

En el mundo post-Kinect de XBOX, el V Motion Project lleva las cosas al siguiente nivel. Patrocinado por la bebida energética V, esta interfaz de reciente lanzamiento es una producción de Assembly, un colectivo dedicado a combinar el arte y la ciencia. Se trata de una plataforma para crear música a partir del movimiento del cuerpo humano. El baile, tradicionalmente una reacción al sonido, puede ser ahora provocador del sonido.

Los creadores produjeron un video para ejemplificar el funcionamiento de su invento. La idea, aseguran, era dejar claro que el aparato realmente funciona y cómo lo hace. Con una plataforma visual que permite seleccionar y controlar samples y efectos e imágenes generadas en tiempo real, este proyecto representa un nuevo listón en los avances tecnológicos en cuanto a música se refiere.

A decir verdad, cualquier cosa que se pueda escribir sobre él se queda corta frente a la experiencia producida por verlo en acción:

Paul Banks, solo otra vez

Por Daniel Martínez

@Gibbsteak

 

 

A veces pensamos que el compositor o líder de una banda puede ser el reflejo de su banda, que al emprender un proyecto solista éste se escucharía como el de su banda, o viceversa.

No es el caso de Paul Banks quien, cuando desarrolló su proyecto solista Julian Plenti -alter ego de Paul Banks-, incluyó la influencia de Interpol pero trabajó en otorgarle un sonido propio.

Ahora, ya sin el pseudónimo, lanza su nuevo esfuerzo como solista, titulado sencillamente Banks.

Todo inicia con “The Base” muchos bajos y sonidos vibrantes, las guitarras dando profundidad a la canción y creando una atmósfera que recuerda a Turn On The Bright Lights. “Lisbon” continúa con un sonido que nos similar al new wave  de los 80 como Talk Talk. En la hermosa balada “Arise, Awake” figura una voz contrastante y es aquí cuando la música de Banks tiene la capacidad de transmutar de compleja a complicada, aunque parece complacerse en sus experimentos.

Por momentos el sonido de Banks puede ser amigable, otras veces más denso y difícil de digerir. El polifacético músico ha logrado ser cada vez menos predecible.  Ahora, sin alter -egos, sin banda, Paul muestra lo que tiene que decir, y lo dice sin titubeos.

El jueves salió el primer sencillo de Banks, a continuación lo puedes ver.

Die Antwoord: colorido musical y visual

Por Claudio Cortés

Die Antwoord es la palabra en afrikaans para “la respuesta” y también es el nombre de un grupo de rap-rave sudafricano que ha causado todo tipo de reacciones desde 2009. Está conformado por Ninja y  Yo-Landi Vi$$er. Su estilo musical y visual incorpora elementos de la contracultura Zef que en palabras de Yo-Landi significa “ser pobre pero con estilo” y proviene de la contracción de Ford Zephyr que es un automóvil muy común entre la clase trabajadora en Sudáfrica durante la década de los 70.

Con tan sólo dos álbumes de estudio esta banda estuvo presente en la última edición del festival Corona Capital. En 2011 colaboraron con el director Harmony Korine en un cortometraje titulado “Wat Kyk Jy?” (“¿Qué estas mirando?” en afrikaans) que tuvo su premier en el festival SXSW. Para su último sencillo hicieron un video que ellos mismos llaman “una brillante y colorida aventura africana con animales salvajes, aborígenes zef cantando y bailando en las calles y la aparición especial de un camarón estrella” donde hacen una sátira de Lady Gaga y demuestran una vez mas que son una banda con un concepto audiovisual muy bien definido.

Regresa el electro jazz de Flying Lotus

Por Claudio Cortés

Until the Quiet Comes es el cuarto disco de estudio de Steven Ellison, mejor conocido como Flying Lotus, quien es el sobrino-nieto de la pianista Alice Coltrane, esposa del legendario saxofonista de jazz John Coltrane.

El álbum incorpora elementos de percusión africana y psicodelia, y gravita temáticamente alrededor de conceptos como el subconsciente humano y el mundo de los sueños. Cuenta con la colaboración de artistas como Erykah Badu, Thom Yorke, Laura Darlington, y Niki Randa.

Durante dos años, Flying Lotus trabajó desde su casa de Mount Washington en Los Angeles para crear un disco de jazz electrónico que él mismo califica como “un disco para niños, un disco para que los niños sueñen con él”.

La producción, que contiene dieciocho temas, mezcla jazz experimental, pop, soul, fusión, melodías de R&B y beats de hip-hop con el toque psicodélico de bandas como: Silver Apples, Can, Stereolab, Portishead, y Gentle Giant.

El 6 de septiembre salió a la luz un cortometraje titulado como el álbum y dirigido por Kahlil Joseph, filmado en 35mm en los Nickerson Gardens en Watts, Los Angeles. Incluye fragmentos de tres canciones del álbum: “See Thru to U”, “Hunger”, y “Getting There”. Adjuntamos el destacado trabajo audiovisual.

El malabar es música para los ojos

Música para los Ojos es un cortometraje documental dirigido por Vladimir Estrada que recorre el mundo del malabar y las artes circenses en una búsqueda por explorar su lado humano, científico y artístico. La historia gira alrededor de Paulo Soto, un profesor de secundaria que también ocupa su tiempo malabareando y fabricando juguetes de malabar en un pequeño taller, además de ejercer junto a su esposa el oficio de payaso.

Estrada siguió a Paulo durante un año, tiempo en el que conoció y capturó en video a muchos personajes del malabar, asistió a la primera y única Convención de Artes Circenses organizada por la UNAM y descubrió nuevas facetas del oficio. “Mediante este ejercicio visual encontramos que un malabarista explora áreas cerebrales poco usuales en la mayoría de las personas, ya que se trata de coordinar objetos con cuerpo y mente, ampliar la visión espacial, disociar los hemisferios cerebrales, dominar numerologías, entre otras cosas que lo convierten en una alternativa para el desarrollo creativo.”, explica Estrada.

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Este sábado 27 de octubre se proyectarán dos funciones de estreno de Música para los Ojos en Casa Galería, un espacio dedicado al arte en la Colonia Santa Úrsula. El evento, cuya entrada es gratuita, está pensado como un festival de música y arte, en donde habrá desde clases de malabarismo hasta exposiciones fotográficas y DJ sets. Chulavista Art House estará presentando en el lugar la video instalación “Tuve un sueño, había un circo…”, montada por Abraham Bojórquez.

Pueden checar la cartelera completa y el croquis del lugar AQUÍ.

Música para los Ojos en Facebook

Música para los Ojos en Fondeadora.mx

 

 

El Restaurant de Jumbo, revisitado

Por Daniel García

@danielEnEstereo

Era el año 1999 y tanto en las radio emisoras como en los canales de televisión especializados en videos musicales, resonaba la música de una banda que se encontraba debutando, que haría una aparición contundente y apabullante. Ese año Jumbo presentó su primer material discográfico: Restaurant.

Ese primer disco de la banda regiomontana es un caso extraño. Se gestó en el momento preciso, bajo las circunstancias apropiadas. En aquel entonces, las compañías discográficas todavía se atrevían a apostar por proyectos con discursos artísticos originales, aunque sus fórmulas aún no estuvieran probadas -o prefabricadas-. La intervención de la tecnología aún no ganaba tanto terreno y las cintas análogas todavía capturaban de forma natural las frecuencias.

Afortunadamente, cinco músicos atrevidos dieron un paso al vacío, grabaron catorce temas de rock sin diluir y lanzaron -aunque probablemente ellos no estaban seguros de las futuras implicaciones de esto- un álbum histórico, que marcaría a una generación entera, que hasta el día de hoy, se considera una pieza clave del rock nacional.

Restaurant es un compendio de grandes canciones construidas sobre riffs de guitarras distorsionadas y crudeza al estilo back to basics del rock clásico. Existe mucha fuerza en temas como “Monotransistor”, “Aquí”, “Nova”, Súperactriz”, “Automático” y “Tú me ves”; verdaderas explosiones sónicas. Hay pasajes melódicos, con ganchos perfectamente logrados, como en “Dulceácido”, “Siento que” o “Dilata”. Existe dramatismo, profundidad e introspección en “Fotografía”, “Desde que nací”, “Explosión”, “Alienados para siempre” y “Siempre en domingo”.

Probablemente Jumbo atraviesa por uno de sus mejores momentos y quizá, lo mejor de esta banda está aún por venir. Pero como todas las cosas tienen un origen y una causa, los regios presentarán su álbum debut, de forma íntegra, el próximo 25 de octubre en El Plaza Condesa.

A veces es bueno echar un vistazo al pasado y recordar el porqué de las cosas. Recordar que lo improbable es posible, que lo distante ahora es un presente continuo, que valió la pena saltar al vacío durante la juventud incierta.

A través de los altavoces se escucharán las frases: “…siento que me quieres hoy…”, “…fotografías, se guardan y se olvidan porque dicen la verdad…”, …dulceácido, sabes que es contigo…”, la multitud enloquecerá y otro capítulo de la historia se escribirá.

Felicidades a Jumbo, que su música siempre siga inspirando.

 

Los paisajes sonoros de Enero Será Mío

 

La provincia del Chubut, ubicada en la Patagonia argentina, se caracteriza por su belleza y diversidad geográfica, bosques templados, mesetas y costas del Atlántico. Todo esto acompañado de climas fríos y húmedos que, sin duda, crean un contexto único e inspirador. Es en este lugar donde Sol Fernández, compositora, cantante y fundadora de Enero Será Mio, vivió una gran parte de su vida. Después se trasladó a Buenos Aires para continuar con su formación universitaria.


Foto por Hernán Corera

 

Licenciada en Musicoterapia, Sol emprendió su proyecto en 2009 de la mano de músicos como Javier Mareco, Juan Manuel Mayo y Lucas Martí, entre otros. Su primer EP, E.S.Mío, salió a la luz en 2011 bajo el sello independiente Tornasolado, con la participación en las programaciones de Tweety González, por muchos conocido como “el cuarto integrante de Soda Stereo”.

Fue con una canción de este EP, “Álamo”, como se dio a conocer en la escena argentina y en donde muestra su talento para la creación de sonidos que transportan al bello relieve argentino en donde Sol se crió.

Este año, Enero Será Mío se hace presente con su primer material de larga duración. Con influencias de músicos como Charly García y Portishead, Juego 0  nos envuelve en sonidos propios de dream pop y down tempo; suaves y relajantes programaciones que nos llevan a emprender un viaje por diversos paisajes sonoros. La dulce voz de Sol le da cuerpo a una lírica que por momentos recuerda a la poesía de Luis Alberto Spinetta, uno de los más grandes iconos del rock argentino. Ejemplo de ello son temas como “Hermes”, “Decanta” y “Benito”.

 

Bajo la producción de Tweety González, Juego 0 cuenta con la participación de Benito Cerati, que hace lo propio en programaciones y coros. Dicha colaboración da como resultado una de las piezas más interesantes del disco, “Piedra Mal”, en donde se realiza una fusión con el legado musical argentino y el presente, logrando un tema con una estructura clásica de rock-pop con elementos electrónicos.

 

 

Juego 0 es el comienzo de lo que promete ser una carrera sólida en la música.

Para saber mas de Enero Será Mío visita: www.eneroseramio.com

 

Los 10 himnos del Corona Capital 2012

Por: Danna Campos

@dannacampos

Porque los escuchaste por primera vez en secundaria, porque quizás llorabas con esa canción o bailabas de alegría, porque te recuerda a ese crush de preparatoria que jamás supo de tu existencia, o simplemente porque es ahora la canción que pones en tu iPod cada viernes por la noche, Chulavista Art House hace un recuento de 10 himnos  de 10 bandas diferentes que se presentarán este fin de semana en el Festival Corona Capital 2012.

 

“Blue Monday” – New Order

Lanzada en 1983, “Blue Monday” es el sencillo de 12” que más se ha vendido en la historia, así como también es uno de los singles en haber estado en los charts con más larga duración (7:25min).

“Dark Of The Matinée” – Franz Ferdinand

También conocida como “Matinée”; fue lanzada en el año 2004 por el grupo escocés. Dicha canción gustó tanto que, meses después, alcanzó la posición número ocho en el UK Singles Chart. Aunque muchas personas que gustan de la banda han coreado “Matinée” en los conciertos, pocas saben que esta canción trata de ellos mismos, quienes van caminando a Beardsen Academy al momento en que fantasean con una vida mejor. Como parodia, Franz Ferdinand hace esta situación ridícula al momento de hablar de dicho fantaseo con Terry Wogan (uno de los presentadores más famosos del Reino Unido) en TV nacional en el videoclip de “Matinée”, así como logran filmarlo en la misma academia de la que se habla en la letra de “Matinée”.

“Howlin’ For You” – The Black Keys

Lanzada en 2011, “Howlin’ For You” se ha logrado convertir en una de las mejores canciones de lo que va de los dosmiles. Apesar de que este single tiene un nombre entendible, que en español se traduce como “Aullando por ti”, el título viene también de Howlin’ Wolf, uno de los íconos más grandes del blues, lo que también explica la gran influencia que existe sobre la música de The Black Keys.

http://www.youtube.com/watch?v=A3scl0fl0zE

“Beautiful Ones” – Suede

En el clímax del Britpop, “Beautiful Ones” se escuchó por primera vez en 1996 como segundo sencillo de Coming Up, lanzado ese mismo año. Junto con “Trash”, Suede logró convertir a “Beautiful Ones” en uno de los mayores símbolos sonoros del pop británico de los noventa, digno de recordarse este 2012 con una actuación en vivo que privilegia a quienes asistirán a este Corona Capital 2012.

“Walk Idiot Walk” – The Hives

El garage punk jamás estuvo tan vivo como en el año 2004, cuando la banda sueca, The Hives, lanzó su tercer álbum de estudio Tyrannosaurus Hives y junto con él, “Walk Idiot Walk”, su primer sencillo. Si se escucha este track con atención, se notará que los riffs iniciales se parecen mucho a los de “I Can’t Explain” de The Who…

“Holding On To Black Metal” – My Morning Jacket

A pesar de que fue lanzada en 2011, “Holding On To Black Metal” se ha convertido en un himno por su simbolismo. La canción tiene su origen en el Black Metal, un subgénero del metal, cuyo origen se remonta a 1990. Más que un género, el Black Metal se convirtió en motivo de hostilidad a la cultura mainstream, y misantropía a la religión, por lo que muchos casos de iglesias quemadas y otros actos fueron ligados con la gente afín al Black Metal. “Holding On To Black Metal” es una respuesta de My Morning Jacket a toda la gente que se aferra tanto a las cosas como un género musical, un equipo de fútbol o la televisión misma. En cuanto a los coros de la canción, aquellos que acompañan al vocalista Jim James, fueron grabados por amigas de la banda en un funeral.

“Sour Cherry” – The Kills

Midnight Boom fue el álbum que le dio a Allison Mosshart y a Jamie Hince el sonido característico que tanto encanta: garage e irreverente. “Sour Cherry” fue uno de los sencillos de 2008 que, sin lugar a dudas, es el himno que se espera escuchar en todo concierto de ellos, no solo por el sonido estridente, sino por el simbolismo de escapismo que existe en el contenido de sus letras.

“One Headlight” – The Wallflowers

Jakob Dylan, vocalista de The Wallflowers describe el significado de “One Headlight” en una sola frase: la muerte de las ideas. “Todo su significado se halla en el primer verso”, dice Dylan. Lanzada en 1997, este track se convirtió en el año 2000 en una de las 100 mejores canciones pop (rankeada en el lugar #58) de todos los tiempos, según uno de los ya famosos conteos de la revista Rolling Stone.

“Dominos” – The Big Pink

Aunque la formación de este dúo de electro-rock tiene una historia muy fresca, el nombre de The Big Pink se remonta al álbum debut de The Band, una banda canadiense de folk-rock formada a principios de la década de los años sesenta. “Dominos” es el primer sencillo del álbum debut de The Big Pink, A Brief History of Love, también nombrada como la mejor canción del año (en el 2010) de los premios NME.

“Chasing Cars” – Snow Patrol

Con tan solo 6 años de vida, “Chasing Cars” se convirtió en la canción más escuchada y usada en el Reino Unido  en la última década(de acuerdo al departamento de permisos musicales PPL, en UK). Y pensar que todo comenzó en el jardín del productor Jacknife Lee (R.E.M, Weezer, Bloc Party), cuando el vocalista de Snow Patrol, Gary Lightbody la compuso ahí mismo trás un rato de haber tomado vino.

 

 

 

Periodismo musical en la era digital

Por Julio César Reyes

@julio_relo

 

Ante la facilidad de instalar un blog profesional para hablar sobre música, pareciera que son contados los medios que realmente se han establecido como tales. Al interrumpirse las publicaciones físicas, junto con la destrucción de los modelos de venta y distribución de música, pareciera que el periodismo musical también sufre para mantenerse de pie, adaptarse a los tiempos y ser económicamente viable.

En las instalaciones del Centro de Cultura Digital Estela de Luz, en el marco del MUTEK.MX, se realizó un panel  de discusión que contó con la participación de Uriel Waizel (Ibero 90.9), Rafael Villegas (noiselab/afterpop.tv), Francisco Alanis (sopitas.com), David Cortés (periodista y escritor) y Hugo Díaz-Barreiro (sicario.tv), como moderador Carlos Prieto (periodista y escritor). Se discutieron, entre otras, las siguientes cuestiones.


Actualmente el periodismo musical en México se realiza en su mayoría a través de los medios electrónicos, dejando de lado el estilo impreso y esto se debe en mayor parte a la falta de propuestas innovadoras que capten la atención del público, ya que los medios impresos, en general, se han sujetado a un estándar muy rígido para difundir eventos musicales, convirtiéndose internet en la fuente principal de consulta.

Con la creciente demanda del público por géneros musicales muy específicos, surge la oferta de los blogs para ofrecer todo tipo de información deseada. En contraste, el financiamiento de estos sitios se produce normalmente a través de patrocinadores y conseguirlos es un tanto complicado.

Caso destacado es el sitio sopitas.com, que administrado por Francisco Alanís ha sabido combinar su trabajo con su pasión por escribir y a través de patrocinios pagados por insertos publicitarios ha logrado capitalizarse y seguir con su sitio, que en la actualidad ofrece información miscelánea con el sello distintivo de Sopitas.

En este mismo rubro de estrategias para financiarse, Sicario es un punto de referencia muy importante porque en seis años ha sabido posicionarse como un label, que además de ofrecer productos como ropa y accesorios, cuenta con su filial Sicario Music, encargada de la promoción y realización de eventos en la escena electrónica en México con logros económicos que les permiten costear sus blogs y obtener ganancias.

En México se puede percibir la poca oferta de estaciones de radio que en sus contenidos apuesten por nuevos géneros musicales, pues son contadas las estaciones y muy poco difundidas en el interior de la república. Tal es el caso de Ibero 90.9, Reactor 105.7 y Beat 100.9, por mencionar algunas. Por otro lado, la radio por internet ha crecido súbitamente con la transmisión de contenidos más elaborados, basados en las necesidades específicas de su público, dejando algunas interrogantes: ¿Qué pasará con la radio?, ¿es su formato por Internet un modelo rentable y funcional?

La difusión digital es entonces una alternativa de fácil acceso donde la diversidad de contenidos y opiniones contribuyen a un amplio marco para que los usuarios puedan informarse.

 

Jon Hopkins, más análogo que ayer

 

A sus 33 años, Jon Hopkins ha tocado en giras mundiales con Coldplay, colaborado con productores como Brian Eno y escrito la música para películas como The Lovely Bones, por lo que se declara satisfecho y contento con su vida y carrera.

Conversamos con él unas horas antes de su presentación en el Auditorio Blackberry de la Ciudad de México en el marco del MUTEK.MX y nos hizo algunas confesiones sobre sus gustos y forma de trabajo.

 

Soundtrack otoñal: Everyone Everywhere

Por: Sus

@SusBouvier

Everyone Everywhere es el nombre de una canción de los míticos New Order, quienes están próximos a presentarse en nuestro país en el marco del Corona Capital 2012. Sin embargo, Everyone Everywhere es también el nombre que eligieron Brendan Graham (batería), Tommy Manson (guitarra), Brendan McHugh (vocalista / guitarra) y Matt Scottoline (bajo) para nombrar su proyecto musical formado en 2007.

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Con dos discos en su haber, estos chicos estadounidenses han sabido ganarse un lugar en la escena. Su primer material de larga duración, homónimo (2010), grabado y producido por Mike Bardzik (personaje de renombre en el mundo del punk por producir bandas como The Casualties, Kill Your Idols  y Lighten Up), nos deja escuchar un pop punk que por momentos recuerdan a Blink 132 y Green Day. Lo novedoso de esta banda radica en que, por los once tracks que integran este material, el punk se entrelaza con melancólicas voces y guitarras propias del indie rock acompañado de letras reflexivas, que representa un género musical que empieza a sobresalir, el Emo Revival Indie, también conocido como Midwest Emo. De dicho álbum se desprende la estupenda “Raw Bar OBX 2002”

Después  de un par de años, Everyone Everywhere regresa a la escena de nuevo de la mano de Bardzik, con una producción que acentúa sus virtudes. En un disco más maduro en el que  la melancolía se hace presente en 9 canciones que no siguen estructuras convencionales. Los cambios de ritmo son constantes e interesantes, así como las guitarras que tejen melodías agridulces. Muestra de ello es “Queen Mary II”, sencillo de su más reciente LP.

 

Para escuchar más de de Everyone Everywhere visita:

http://everyoneeverywhere.bandcamp.com/album/everyone-everywhere

 

 

 

LA ROMA RECORDS, UN REFUGIO PARA EL VINILO

Por Knuxx

@knuxxvomica

La cultura digital ha absorbido la calidad y el gusto por los discos físicos, muchos prefieren comprarlos en la red o conseguirlos gratuitamente de su puerto de piratería en línea de confianza. En la era digital, los defensores de los viejos formatos sostienen que no se puede comparar entre un archivo descargado de internet y un CD, mucho menos un disco de vinilo, ya que la calidad de audio en cada caso es totalmente distinta por el tipo de material y la grabación del mismo.

Los primeros DJs mezclaban con discos de vinyl; los raperos rimaban sobre pistas grabadas en vinilo; discos como: Swim de Caribou, Discovery de Daft Punk, Dummy de Portishead, por poner algunos ejemplos, son publicados también en este formato para brindar una opción extra de experiencia auditiva a los fans.

Esta cultura ha ido permeando en las nuevas generaciones y así es como han subsistido tiendas clásicas en la Ciudad para conseguir este tipo de discos. La última propuesta es La Roma Records, una tienda de discos en la colonia Roma Norte que es un paraíso para cualquier melómano. Platicamos con su creador, César.

 

¿Qué hacías antes de dedicarte a La Roma Records?

Soy diseñador gráfico y de eso vivo actualmente, sigo ejerciendo y lo de La Roma Records es un proyecto independiente de mi profesión.

¿Cómo fue que surgió la idea?

El proyecto originalmente fue concebido con mi amigo y socio DJ Sondera (residente en el club M.N. Roy). La idea surgió en el ahora ya lejano año 2000, como un sueño de veinteañeros después de que conocimos nuestra tienda independiente favorita en Londres, ahí fue cuando decidimos poner algo similar en México.  Al final, por falta de recursos no pudimos llevarlo a cabo y mejor pues un año despues vino el boom de Ipod y en los años subsecuentes también vino lo que para muchos fue la muerte del disco de vinilo. Si lo hubieramos hecho en esa época seguro hubiéramos fracasado.

¿Cuánto tiempo te tomó llevarlo a cabo?

Uf, yo empecé a trabajar sobre el proyecto en mayo de este año, pensando en abrir las puertas al público a finales de septiembre, pero como conseguí el local por accidente a finales de junio, tuve que apresurarme con todo ya que el local me encantó y cerré el contrato de arrendamiento sin tener absolutamente nada listo. Eso me hizo trabajar el doble para tener todo listo y así fue como inauguramos el 9 de agosto. Yo me encargue de diseñar la web, la imagen, el concepto del mobiliario y de toda la tienda en un lapso de mes y medio.

¿En qué te basas para hacer la curaduría de la música? 

Pues la mayoría está basada en la música que a mí me gusta o que me gustaría encontrarme en una tienda; bandas como Muse, Coldplay o Green Day quizá no los encontrarás por la tienda, pero si nos piden sobre encargo te consiguimos el artista que sea.

A partir de su apertura, ¿cuál ha sido tu mayor sorpresa?

Sin duda la principal sorpresa fue la respuesta de la gente, no pensé que fuera a tener una reacción tan aceptable por parte de los que ahora son mis clientes, el que vengan y regresen de nuevo es señal de que estamos haciendo bien las cosas.

¿Qué hace distinta a esta tienda de discos de cualquier otra?

Pues yo creo que lo diferente o lo que nos distingue es que compramos y cambiamos discos, no es sólo venta de discos nuevos. Por otra parte creo que somos la única tienda de discos que vende refacciones (cabezales, cartuchos, agujas) y que también vende y repara tornamesas.

La Roma Records
Álvaro Obregón 200 Bis 1
Col. Roma
Tel. 52 64 21 40
Twitter  @LaRomaRecords

El experimento musical de David Lynch

Por Claudio Cortés

“Crazy Clown Time” es el primer disco en solitario del director de cine, estudiante dedicado de la meditación trascendental y distribuidor de café originario de Montana David Lynch.  El realizador ha escrito música para sus películas junto a Angelo Badalamenti -compositor de Twin Peaks– y en 2001 salió a la luz un disco donde coescribió varias canciones junto a John Neff titulado “BlueBob”. Además, en 2010 cantó junto a Danger Mouse y Sparklehorse para el disco “Dark Night of the Soul”.

Para “Crazy Clown Time” contó con la colaboración de Karen O de los Yeah Yeah Yeahs en la canción  “Pinky’s Dream”; con un blues electropop y vocales procesadas este álbum de 14 temas y un bonus track para iTunes es altamente recomendable para quienes son seguidores de Lynch o gustan de la música experimental.

El propio Lynch ha dicho en entrevistas que no tiene planeado tocar en vivo y que algunas de sus influencias son  Elvis Presley, The Platters, The Fleetwoods y The Everly Brothers. Es un disco oscuro y extraño a veces y otras parece la música de un spaghetti western, con letras surrealistas acompañadas de percusión, guitarra, sintetizador y voz interpretadas por el director que también hizo el arte de la portada.

Aquí el video oficial del primer sencillo, del mismo nombre, dirigido también por Lynch.

Holy Other en el arranque del Mutek

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Este lunes en la noche arrancó el MUTEK.MX con el concierto de Holy Other en el Centro Cultural Estela de Luz.

A las 20:00 horas el lugar lucía repleto. Tras una breve demora, el productor inglés saltó al escenario sin mayor preámbulo que un anuncio en el que pedía al público no tomar fotografías ni grabar video.

El británico subió a tocar sin cubrirse la cara, como suele hacerlo. Como pasos de mastodonte, los primeros bajos comenzaron a sonar. Poco a poco se iban incorporando las capas de música una sobre la otra hasta llenar el lugar, cuya acústica lució.

Con el oficio de un maestro titiritero controlaba los sonidos que iban y venían y rebotaban en el recinto abierto. Cuerdas, vientos, voces pronunciando palabras a medias. Movía las manos con destreza por su secuenciador y lanzaba sonidos que parecían omnipresentes.

Los visuales que acompañaban la música eran discretos y se vieron opacados por los juegos de luz del joven monumento, inaugurado a principios de año. Parte del público permaneció sentado y una parte se puso de pie. Los barandales del monumento, al igual que las gradas, terminaron por llenarse.

Al terminar su set, el tímido músico bajó del escenario y desapareció sin hacer un gesto ni una seña.

Por respeto a la petición del artista, se publica una fotografía del escenario unos instantes previos al inicio del concierto.

mutek12

Pueden escuchar la música de Holy Other en su perfil en SoundCloud 

Rachel Zeffira: Break The Spell

Por: Sus

@SusBouvier

En el 2011, Faris Badwan, vocalista de la banda británica The Horrors presentó su proyecto alterno, Cat’s Eyes, junto a la multi-instrumentalista y soprano canadiense Rachel Zeffira. El resultado de la unión fue un LP del mismo nombre, lleno de dream pop, lo-fi e indie rock nostálgico que inmediatamente remite a décadas pasadas. Tal trabajo recibió una buena aceptación tanto del público como de los críticos especializados, al consagrar a Faris como uno de los músicos mas destacados de su generación. Por otra parte, Rachel resaltó por su calidad interpretativa.

De dicho álbum se desprende “Over You”, videoclip en el cual la banda refleja su particular estilo.

En agosto del 2011, Rachel ya mostraba su inquietud por hacer notar su talento como solista, al presentar un cover a “To Here Knows When” de los emblemáticos ingleses My Bloody Valentine.

 

Este año, Badwan y Zeffira sorprenderán de nuevo al unir fuerzas para crear su propio sello discográfico, RAF Records, el cual tendrá como debut el primer trabajo como solista de Rachel, titulado The Deserters. El disco (producido y compuesto en su totalidad por ella misma) tiene como fecha de lanzamiento el 1o de diciembre próximo. Dicha producción contará con la participación de integrantes de bandas británicas como TOY y S.C.U.M

Mientras tanto, escucha el primer sencillo “Break The Spell”, ya disponible para su descarga gratuita.

Aquí el trailer del álbum

 

Para conocer más de Rachel Zeffira visita

facebook.com/rachelzeffira

The XX: Coexist

Por: Rodrigo Palomino

@palogriffy

 

El año 2009 estuvo plagado de álbumes debut de talentosas bandas, algunas de las cuales tuvieron la suerte de no quedarse en tener simples one hit wonders, y que pueden llegar de oscilar desde el un alternativo muy festivo, hasta el folk y otros géneros eclécticos. Entre ellas están Mumford & Sons y Florence + The Machine, entre muchas otras. Sin embargo, un grupo que sin duda destacó, y logró llegar a un número impresionante de fervientes seguidores, es The XX.

Esta banda originaria de Londres, enamoró a la audiencia por completo con una fórmula relativamente sencilla, pero absolutamente funcional. Suaves melodías, ligeros beats electrónicos y guitarras hipnotizantes, son los elementos que suelen conformar sus canciones; junto con letras con las cuales es fácil identificarse, al provocar el recordar momentos muy personales (como todas sus canciones).

Desde hace unos 2 meses aproximadamente, The XX sorprendió con “Angels”, el primer sencillo de lo que sería su nueva producción, Coexist. Dicho track cuenta con la firma representativa y fácilmente reconocible de la banda, sin embargo contiene tintes un poco más pesados. Ahora se puede escuchar en su totalidad el disco (Coexist), el cual promete no desilusionar.

El disco sigue con el sonido presentado por The XX en su álbum homónimo, pero introduce algunos beats más bailables. Dentro de lo que cabe, los Londinenses hacen evidente en Coexist la influencia de músicos como Burial y Sade. Dicho álbum contiene también un sonido más melancólico y un tono más bien oscuro; pero las letras, como en el álbum anterior, siguen con la misma temática de amor/desamor. Al parecer, en algunas pistas the XX cambió la fuerte presencia de la tarola por el clap y, en sí, en algunas canciones utilizan una base rítmica que se acerca peligrosamente al house, mientras que en otras se dan el lujo de experimentar con otro tipo de ritmos.

Coexist abre con “Angels”, sencillo que ya prácticamente sabemos de memoria, no pierde el estilo The XX a pesar de llevar unas percusiones que llegan a estar en primer plano. Ésta parece ayudar al escucha para sumergirse en este mundo de Coexist, en el cual se acelera el ritmo y se vuelve más y más bailable in crescendo, como en el caso de “Chained” y “Sunset”, tan sólo para después colapsar en el sonido de melodías como “Unfold”, “Swept Away” y “Our Song”. Vale la pena ponerse los audífonos y perderse en las deleitables armonías, y ritmos que obligan a un suave cabeceo, que esta banda Londinense presenta.

Tracklist de Coexist:

01 Angels
02 Chained
03 Fiction
04 Try
05 Reunion
06 Sunset
07 Missing
08 Tides
09 Unfold
10 Swept Away
11 Our Song

Los dejamos con el vídeo de “Chained” y el stream para escuchar el álbum entero:

http://www.youtube.com/watch?v=DD7IwXWfDW4

Sin duda uno de los discos que seguramente figurará en las listas de fin de año en la crítica musical:

Snoop Lion: reencarnación en vida

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

“Ya la(o) perdimos'” es una expresión común en nuestro país para referirse a la dificultad de conectar social o intelectualmente con algún cambio drástico de personalidad, mentalidad o conducta en otra persona a la cual conocemos. Difícilmente escuchamos a alguien referirse a estos cambios con la expresión “ya la(o) encontramos”.

Snoop Lion (antes Snoop Dogg, antes Snoop Doggy Dogg) es el nuevo mote de Calvin Cordozar Broadus, uno de los raperos más exitosos e influyentes de la escena hip-hop. Sin embargo, esta vez el pseudónimo parece ser el mero retoque de un cambio más profundo en la vida del controversial músico: un cambio espiritual.

CHANEL1932

La historia corta es que Snoop viajó a Jamaica en algún momento de este año y estando allá se convirtió al rastafarismo. Fue rebautizado como Snoop Lion e incluso declaró que era la reencarnación de Bob Marley. Ambos estuvieron vivos al mismo tiempo. Anunció también que su música transitaría los caminos del reggae y se alejaría del hip hop, lo cual el mundo vio materializado en el sencillo “La La La” de su nuevo álbum Reincarnated. 

Además de la producción fonográfica, produjo en conjunto con Vice un documental sobre su transformación y la nueva versión de sí mismo. Aquí el trailer:

Es de resaltar el salto de Vice (originalmente una publicación escrita) a la gran arena de los festivales de cine. Durante los últimos años, la revista había tomado la delantera en la producción de documentales y productos visuales para la web y aplicaciones móviles. Con Reincarnated Vice entra de lleno al mundo del cine con el estreno mundial de este documental en el Toronto International Film Festival. 

No hay certeza acerca de cuánto durará esta transformación antes de una nueva o incluso una regresión. Lo indudable es la frescura que la reinvención puede aportar a la carrera de un músico consolidado como Snoop Lion: para muchos ‘perdido’, para él ‘encontrado’.

¡Feliz cumpleaños, Kitsuné!

El pasado 23 de Agosto Maison Kitsuné celebró sus diez primeros años como mejor lo sabe hacer: con una serie de fiestas en algunos de los puntos con más hype en todo el mundo; lugares en donde se marcan tendencias y la escena creativa esta en constante emergencia. De esta manera fue como se demostró una vez más la increíble personalidad de esta casa de música y moda que con inolvidables compilaciones, ha sido la plataforma idónea para los artistas que ahora forman parte importante de la escena musical.

 

KITSUNÉ

 

La primera parada fue en Francia, ciudad vanguardista que, con todo el estilo que los caracteriza, se hizo la inauguración de esta gran fiesta en el festival Rock en Seine. En dicha celebración se presentaron artistas de la firma tales como Bloc Party y Citizens!. Posteriormente, Singapur, Tokio y Osaka recibieron a Gildas Loaëc, fundador de Kitsuné, con DJ sets especiales para la ocasión, una línea de t-shirts de aniversario en una venta exclusiva en las fiestas y el performance en vivo de bandas como Is Tropical y BeatauCue; para finalmente cerrar el mes de cumpleaños con otra post-celebración en Edimburgo, con la participación de Punks Jump Up y Jerry Bouthier, quienes presentaron sus últimos lanzamientos.

kitsuné

KITSUNÉ

 

Con un gran acontecimiento que tuvo una celebración merecida de acuerdo a su tamaño, Kitsuné se ha mantenido a la vanguardia, al innovar y mantenerse en el cambiante ritmo de una escena musical cada vez más compleja. Es gracias a artistas como Hot Chip, Phoenix, Klaxons, Two Door Cinema Club y The Whitest Boy Alive que se demuestra que esta gran firma no deja de estar vigente, y que todavía puede sorprender con alguna colaboración o colección de ropa que siempre tiene algo fresco que ofrecer.

No dejen de ver la ultima colección FW12 y de escuchar uno de sus últimos releases:  Plastic Plates, dignos de celebrar, porque la fiesta no termina!

Egyptian Hip Hop: “SYH” (Video)

 Por: Sus

@SusBouvier

Alex Hewett (voz principal, guitarra y teclados), Louis Stevenson-Miller (guitarra, bajo, teclados y coros), Alex Pierce (batería) y Nick Delap (guitarra y bajo) no son egipcios y mucho menos se dedican a hacer Hip-Hop. Pero desde el 2008, año de su formación, han llamado la atención de la prensa británica especializada debido a su original sonido que ellos mismos definen como pop psicodélico progresivo. Sin embargo, es hasta el 2010 cuando sale a la luz su primer Ep, Some Reptiles Grew Wings, en donde muestran un indie-rock con matices electro-pop de muy buena calidad. De este material se desprende “Wild Human Child”, videoclip dirigido por Ivan Ogilvie, quien se ha dedicado a la dirección de videos de bandas como The Heartbreaks, Man Like Me y Monday’s Arms, entre muchos otros; así como también ha trabajado para el mundo de lo comercial y la moda, al encabezar el trabajo de marcas como Skittles y diseñadores como JJ Smith y Ottorwell.

Después de una larga espera, Egyptian Hip Hop (originarios de Manchester, en el Reino Unido) están de vuelta. El 22 de octubre  próximo es la fecha pactada para la salida de su tan ansiado debut de larga duración, el cual llevará el nombre de Good Don’t Sleep. Se espera que tracklist de dicho álbum sea el siguiente:

  1. Tobago
  2. The White Falls
  3. Alalon
  4. Yoro Diall
  5. Strange Vale
  6. Snake Lane West
  7. Pearl Sound
  8. SYH
  9. One Eyed King
  10. Iltoise

Mientras tanto, los dejamos con el primer sencillo de dicho álbum,” SYH”, videoclip dirigido por Isaac Eastgate, en el cual hacen gala de la psicodelia que los caracteriza.

 

¡Bernard Adamus está de vuelta!

 

Por: Knuxx

@knuxxvomica

 Bernard Adamus es de esos músicos que se reconocen de inmediato. Sus canciones que combinan elementos de géneros tan opuestos como el blues, country, hip-hop y folk,tienen la capacidad de encapsular al escucha en pequeños escenarios, al captar toda su atención, y envolverlo totalmente en sus notas.Este artista originario de Francia lanzó su primer material en 2009, llamado Brun (La couleur de l’amour), en el que al experimentar de un modo totalmente libre y espontáneo, captó inmediatamente la atención de los principales medios de su país al ganar premios tan importantes como el Prix Artisti pour la meilleure interprétation en 2009 y el Prix Félix-Leclerc de la chanson en 2011, entre varios más que reconocieron su talento como compositor, multi-instrumentista e intérprete.Acto seguido, Adamus fue invitado a participar en festivales icónicos como el FrancoFolies de Montréal, cuyo objetivo es estimular y promover la lengua francesa a través de la música de distitntos talentos locales y extranjeros para así posicionarse en poco tiempo al tener ya un estilo definido totalmente fresco.Después de una larga espera, finalmente Bernard ha anunciado el lanzamiento de su próximo material el próximo 25 de septiembre llamado Nº2 del que a continuación les presentamos el tracklist.
Nº2
1. Les obliques
2. Entre ici pis chez vous
3. Fulton road
4. Ouais ben (mescaline version)
5. Arrange-toi avec ça
6. 2176
7. Ouais ben
8. Le scotch goûte le vent
9. Les p’tits mardis
10. Le problème
11. La diligence
12. Les chemins du douteLa carta de presentación es: “Arrange-toi avec ça”, una canción que al igual que la portada del disco, invita a formar parte de un delicioso break del mundo.

 

http://www.youtube.com/watch?v=jHeuKDjsgcw

 

En su página pueden preordenar el disco y ¿por qué no? también volver a escuchar algunos temas que ya son favoritos.

http://bernardadamus.bandcamp.com

 

El regreso de Sebadoh: Secret EP

Sebadoh es una banda originaria de Northampton, Massachusetts, formada en 1986 e integrada por Eric Gaffney, DJ en la estación de radio universitaria local, WOZQ, así como por el bajista y fundador de Dinosaur Jr., Lou Barlow.

Junto a otras bandas como Pavement y Guided by Voices, Sebadoh fue pionera del rock lo-fi, estilo caracterizado por sus técnicas de grabación de baja fidelidad, a menudo con recordings multipistas. Los primeros trabajos discográficos de la banda, como Weed Forestin y Sebadoh III, son altamente representativos del mencionado estilo y transitan entre el folk rock introspectivo de Barlow y el noise pop experimental de Gaffney, al colocar a la banda como el epítome del rock alternativo de la trancisión de los años 80 a los 90.

Después de 14 años de ausencia, Sebadoh regresa con Secret EP, un EP que, consta de una pequeña coelcción de 5 canciones. Aunque Secret EP conserva el estilo tradicional del género lo-fi de la banda de Massachusetts, tiene un toque fresco tanto en su producción, como en la progresión del sonido con cada canción, el cual se presenta como obertura para la promesa de un nuevo álbum de estudioprevisto para 2013.

Tracklist:

  1. Keep The Boy Alive
  2. My Drugs
  3. Arbitrary High
  4. I Don’t Mind
  5. All Kinds

 

 

 

“Génesis”: Grimes (VIDEO)

 

Grimes es el proyecto de Claire Broucher, una chica originaria de Vancouver ,Canadá. Con tan solo 23 años, ya cuenta con 4 discos en su haber: Geidi Primes (2010) Halfaxa (2o1o) Darkbloom (2011) y Visions (2012). Sin embargo es Visions la placa con la cual logra llamar la atención del mundo y hacer imposible que ella pase por desapercibida. Influenciada por Beyonce, Mariah Carey, Outkast y Nice Inch Nails (tan solo por mencionar algunos músicos), Broucher logra un sonido cargado dream-pop psícodélico cargado de sentimiento y voces angelicales que invitan inmediatamente a moverse y bailar sin restricciones. Muestra de ello es “Vanessa”canción extraída de Darkbloom en donde Grimes se encarga, además de todo lo que ya hace, de la dirección del videoclip de dicho sencillo.

Esta semana, Grimes presenta el trabajo visual de “Génesis”segundo sencillo de su última producción Visions, en la cual de nuevo es ella se encarga de la dirección del video. Extravagante y original, Claire muestra una fuerte influencia y fascinación por el manga japones.

 

Grimes sera parte de la edición S.S del Coachella Valley Music & Arts Festival

 

Stephen Malkmus después de Pavement

Por Dann

@gibbsteak

 

Stephen Malkmus, músico californiano además de tener su proyecto solista –Stephen Malkmus- ha estado con bandas como The Jicks, Silver Jews, The Crust Brothers y con la que probablemente sea la más popular de todas, Pavement. Esta última banda impulsó el tan controversial género “indie” en los 90; aunque, desafortunadamente, tuvo su ruptura casi definitiva en 1999. No obstante, Pavement, “la banda de rock más fina de los 90” (nombrada así por Robert Christgau, uno de los críticos de música de más trayectoria) volvió a reunirse en 2010 con su alineación original para tocar unos cuantos conciertos en Nueva York.

Actualmente Stephen Malkmus vive en Berlín y hace poco deleitó a un pequeño público en el Museo Lüdwig en Köln, Alemania al tocar canciones de su proyecto. Chulavista Art House deja unos cuantos videos para que puedas escuchar más:

 

 

 

Forever Dolphin Love: Connan Mockasin

Por: Sus

@BouvierSus

 

Es un hecho comprobable que la mayoría de la música en sus distintos géneros se importa de Europa o Estados Unidos. Por ello resulta destacable que desde las lejanas tierras de Te Awanga, Nueva Zelanda; Conchog Tant Hosford, mejor conocido como Connan Mockasin decidiera formar una banda en 2007, la cual está conformada por  Ross Walker (bajo), Seamus Ebbs (bateria) y Mokasin en guitarra y vocales. El proyecto adquirió el nombre de Connan and the Mockasin, y logró cierta popularidad con la grabación de dos EP’s en los cuales se utilizó un sonido pop con tintes de blues. Tales placas fueron suficientes para que Connan llamara la atención de Fat Boy Slim,  DJ con el que colaboraría en el 2008.

Sin importar los cambios posteriores en la alineación de la banda, Mockasin ya planeaba su carrera solista. En consecuencia, la banda se disolvió y Connan comenzó la creación de Please Turn Me Into The Snat. El disco salió a la luz en el  2010. Sin embargo, en Marzo de 2011, el músico decidió reeditar su álbum debut con la finalidad de mejorar el arte, el nombre y agregar un disco en vivo. El resultado tuvo el título de Forever Dolphin Love, editado bajo la disquera inglesa Phantasy Sound, liderada por Erol Alkan. La placa obtuvo excelentes críticas por parte de la NME, medio británico que lo definió como “pop psicodélico”.

Influído por MGMT , Radiohead e incluso Michael Jackson, “Forever Dolphin Love” es un álbum íntimo, lleno de atmósferas que entrelazan obscuridad e inocencia. Las voces casi infantiles de Connan juegan con los sonidos densos y melancólicos. Fue así como la originalidad de Mockasin atrajo a la actriz y cantante Charlotte Gainsbourg, con quien colaboró en Stage Whisper (Live & Unreleased) con “Out Of Touch”, así también en las presentaciones por Europa de la cantante francesa.

A un año del debut, el 2012 es un año importante para Connan. Ha participado en importantes festivales Europeos, como el Off Festival (Polonia) y MS Dockville Festival (Alemania). También ha sido elegido por Radiohead para abrir las presentaciones de la banda por Australia y Nueva Zelanda en noviembre. Por otra parte, se espera el lanzamiento de Soft Hair, proyecto alterno  junto al líder de  Late of the Pier , Samuel Eastgate. Por si fuera poco, It’s Chore My Dear” musicaliza la nueva campaña de ZARA Otoño/Invierno 2013 protagonizada por la modelo danesa, Freja Beha.

Todo parece indicar que Connan, desde sus lejanas tierras, llegó para quedarse.

 

El futuro según Mark Romanek

Por Luis Quiroz

@elquiu

 

Una de las modalidades más recurrentes a la hora de hacer un videoclip consiste en grabar al músico o banda mientras toca frente a una cámara. Y es que traducir una canción en una secuencia de imágenes no es tarea fácil: Los directores tienen la responsabilidad de captar la esencia de los músicos para que esto no parezca absurdo y aburrido. Hay algunos directores que destacan precisamente porque logran hacerlo de una manera bastante peculiar. Lo anterior lo logran al basarse en determinados recursos técnicos y visuales logran generar un discurso bello y a su vez complejo. Mark Romanek es uno de ellos.

Este director empezó su carrera en 1979 como asistente en una película de Brian de Palma, y es por ello que desde entonces y hasta la fecha cuenta con una extensa lista de videoclips y ha trabajado para músicos del calibre de Sonich Youth, Nine Inch Nails, R.E.M., Madonna, No Doubt, Fiona Apple, David Bowie, Beck, Weezer, Coldplay y otros tantos más.

Su estilo hace referencia a una de sus mayores influencias 2001: Una odisea en el espacio. Y es que muchos de sus vídeos son precisamente un salto al futuro, ya que cuentan con una estética espacial y futurista, el uso de colores metálicos y un excelente manejo de la iluminación logran generar una atmósfera un tanto oscura. Aquí te dejamos algunos links para que disfrutes un rato de un buen banquete visual y sonoro:

NIN| Closer| 1994

Sonic Youth| Little Trouble Girl| 1996

David Bowie| Jump They Say| 1993

Madonna| Bedtime Story| 1995

No Dout| Hella Good| 2002

Lana del Rey vs The Smiths: “This Charming Video Game”

Elizabeth Woolridge Grant, mejor conocida por su nombre artístico, Lana del Rey, es una de esas chicas que vino a llenar el vacio pop que parecía olvidado cuando las estrellas de las décadas pasadas empezaron a sufrir la decadencia. Su música va desde el indie pop hasta una de estas nuevas vertientes en la música denominada sadcore. Bien podría decirse que en imagen y en sonido, vino a intentar reivindicar el pop o la música fina, aunque de alto consumo.

Particularmente su trabajo se caracteriza por ser aquél que la gente puede amar o definitivamente odiar, algo predecible al considerar que quizás su música pretende algunas cosas que en realidad no lo son o bien, lo poco común de su estilo y de su producción de audio hace que sea poco digerible a la primera escucha.

Por suerte, siempre hay oportunidad de hacer las cosas todavía mejor y qué mejor que a lado de una banda emblemática del BritPop, como lo son The Smiths. Lo anterior se hace posible gracias a la creatividad y al buen gusto de mentes como Reborn Identity ,  quien creó un mashup bastante atinado de “This Charming Man” original de The Smiths vs “Video Games” de Lana del Rey.

Pese a que los estilos de cada una de estas canciones distan años luz de colisionar en el tiempo y el espacio, la fusión melódica de ambos trabajos da como resultado a “This Charming Video Game” , una autentica muestra de buen gusto y calidad.

Stella Angelico & The Switch

Por: Gerardo Morales

@tomasveneno

Proveniente de la segunda ciudad más grande de Australia, Melbourne, Stella Angelico & The Switch es un proyecto musical que combina ritmos de r&b/soul y un poco de blues con influencias y similitudes con músicos de la talla de Florence & The Machine, Amy Winehouse, Wanda Jackson y demás mujeres con voces penetrantes e inconfundibles.

Soportado por Electric Dreams, un colectivo de compositores, productores e ingenieros en audio, en 2012 este ensamble debuta con un EP homónimo de 6 canciones, escrito por Stella y el guitarrista de la banda Dan Sullivan, bajo la producción de Mark Mitchell.

Chulavista invita a escuchar esta genialidad australiana aquí

Pomplamoose y Batman: “The Batman Theme” hecho dubstep

Por: Gerardo Morales

@tomasveneno

 

Hace unas semana en todos los cines alrededor del mundo se estreno la última entrega de la trilogía de Batman de Christopher Nolan. Aprovechando el boom que ha provocado el filme protagonizado por Christian Bale, Anne Hathaway y Joseph Gordon-Levit, el dúo estadounidense, Pomplamoose, presenta, como es su costumbre, un divertido video en el que hacen un cover de la famosa canción que ha acompañado al superhéroe desde sus inicios.

Chulavista te invita a conocer más acerca de Nataly Down y Jack Conte, quienes tan solo en 2009 lograron vender en la web más de 100,000 canciones aproximadamente.

Bayatas: Una fresca propuesta de verano

 

Por: Luis Quiroz

@elquiu

Algo que caracteriza estos días es la inmediatez de las cosas. Se vive en un mundo donde se está acostumbrado a lo instantáneo y lo efímero, aquello que viene y se va como espuma en el agua. Cuántas veces no se ha escuchado o leído afirmar a algún medio “especializado” sobre  “la nueva gran banda” que viene a salvar tal o cual género musical, todo para después llevarse una fuerte decepción debido a que esa “nueva gran banda” no logró siquiera llegar a un segundo disco antes de desaparecer del mapa y ser sustituida por un nuevo “falso mesías”.

Es por ello que las tendencias hoy en día duran muy poco, bandas vienen y van, nacen sonidos nuevos todos los días pero hay ocasiones en que algunos de estos grupos apuestan por no inventar el hilo negro de la música y retoman el camino que algunos empezaron a trazar unos años antes. Tal es el caso de Gabriel Berrios, quien está a cargo de Bayatas, proyecto que sin pretensiones y con mucha honestidad hace recordar el sonido de algunas bandas que poco antes estuvieron de moda (The Drums, Foals, The Dodos, Bombay Bicycle Club).

Bayatas es un proyecto proveniente de Miami que invita a dejar por un momento la veloz rutina en la que se vive a diario y a sentarse a la orilla de la alberca mientras se bebe un trago y se disfruta de una tarde soleada, el mar, los amigos y la arena mientras ocurre un viaje sonoro que va desde lo primitivo hasta pasar por el lado más dulce del noise, aquello conocido como dream pop.

Sin querer afirmar que Bayatas será la nueva “gran banda del momento” y saltándose aquello a lo que los medios están acostumbrados, Chulavista los invita a escuchar esta fresca propuesta de verano.

Aquí el bandcamp de la banda: http://bayatas.bandcamp.com/

 

Nueva música: “Yet Again”-Grizzly Bear

Como ya se sabe, Grizzly Bear anunció el lanzamiento de su próximo material discográfico Shields, el 17 de Septiembre del año en curso. Como una pequeña muestra de lo que será este EP, ahora presentan, “Yet Again”. Cabe recordar que los originarios de Brooklyn se posicionaron como uno de los mejores grupos del 2010 con Veckatimest, así que, sin duda alguna, este  próximo disco es esperado con ansias para así poder hablar más de ellos cuando éste salga a la venta.

 

 

Ciclo de cine express: el copyright

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

 

 

La Comisión Permanente, que suple al Congreso de la Unión durante los recesos parlamentarios y hace las veces de Senado, rechazó ratificar el Acuerdo Multilateral Comercial contra la Falsificación -ACTA, por sus siglas en inglés-, firmado por el embajador de México en Japón a principios de mes.

La razón, explicaron, fue que consideraron que restringía derechos como la libertad de expresión e imponía censuras indebidas en la red. Un diagnóstico similar dio el parlamento europeo al rechazarla unas semanas antes de que México la firmara.

El acuerdo, promovido por los cabilderos de las grandes industrias del entretenimiento, plantea el rastreo de direcciones IP de usuarios de la red por parte del gobierno y la criminalización del compartimiento de archivos con derechos de autor, práctica frecuente y generalizada entre los internautas.

Mientras los poderosos intereses de Hollywood y la industria musical hacen labor de presión alrededor del mundo para que los gobiernos se sumen a ACTA, otras voces se han levantado para combatir no sólo el acuerdo sino el paradigma financiero de las industrias del entretenimiento. Músicos y cineastas alrededor del mundo han expresado que apoyan la causa de los usuarios de internet que encuentran en el compartimiento de archivos un valor cultural indispensable más allá del tema económico. El argumento es que la libertad de difusión beneficia y no perjudica a la cultura y la creación artística.

La guerra no ha terminado y el debate está abierto. Para comprender mejor el tema, estos son algunos documentales que se han producido en los últimos años sobre el controversial tópico.

 

RIP! A Remix Manifesto

 

 

 

Steal This Film

 

 

 

Good Copy, Bad Copy

 

 

 

Copyright Criminals (en inglés sin subtítulos)

 

http://www.youtube.com/watch?v=IsS7F5H2VpM

 

Arctic Monkeys en London 2012

¿Quién dijo que el postpunk no podía ser parte de una gala de apertura a nivel olímpico? Quizá los oídos de la Reina sangraron un poco mientras el grupo originario de Sheffield, Arctic Monkeys tocó “I Bet That You Look Good On The Dancefloor”; su primer sencillo que los llevó a la cima en las listas del Reino Unido en el 2005.

Acto seguido, Alex Turner y compañía interpretaron “Come Together” de The Beatles, una de las canciones más emblemáticas del siglo XX. Lo curioso es la ironía de las circunstancias: el postpunk está muerto para muchos. No por el hecho de que ya no existan bandas como Joy Division y The Smiths, sino porque, en otro contexto, jamás se le hubiera permitido a un grupo como Arctic Monkeys tocar en una apertura olímpica.

Arctic Monkeys – London Olympic Games 2012 from Arctic Monkeys France on Vimeo.