Ozzy Osbourne regresa a México

11084243_10153265077097318_258984718900687844_nDespúes de un largo tiempo, los dioses de la música nos han escuchado, Ozzy Osbourne regresa a México el próximo 20 de agosto para presentarse en la Arena Ciudad de México en compañía de Black Label Society.

 En esta ocasión estará presentando Memoirs of a madman, su más reciente producción, la cual es una compilación realizada en octubre del 2014 que incluye  algunos de sus éxitos más importantes en su carrera como solista.

 Memoirs of a madman, CD-DVD, contiene canciones como: Crazy Train, Mama, I’m Coming Home, I Don´t Wanna Stop y No More Tears. En el DVD están los videos Lightning Strikes, Breaking all the Rules, Mr. Tinkertrain, I Don’t Want to Change the World, Let It Die, entre muchos otros.

  Zignia Live dio a conocer que la banda norteamericana de heavy metal, Black Label Society, liderada por “El Rey Vikingo de la Guitarra”, Zakk Wylde, compartirá escenario con el Principe de las Tinieblas, en la que será su tercera presentación en nuestro país.

Los boletos salen a la venta este 25 de marzo a través de Super Boletos, con precios que van de $425 a $1,825. No olviden que también se presentará en la Arena Monterrey el 18 de agosto.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Alesana regresa a México en marzo

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Después de tanto esperar, Alesana, la banda de post-hardcore de Carolina del Norte, regresa a tierra Azteca el próximo 14 de marzo en SALA (Puebla #186 esq. Insurgentes). El año pasado la agrupación lanzó un EP titulado Decade, con motivo de sus 10 años como grupo, así que es muy probable que lo escuchemos en su visita.

Las canciones Nevermore y Double or Nothing ya fueron lanzadas, puedes escucharlas en YouTube, así como el resto, 6 tracks que contiene este EP. Y si te preguntas qué pasó con la canción Fatima Rusalka, no te preocupes, será incluida en la siguiente producción de larga duración.

Los boletos ya están disponibles en Ticketmaster, así como en las taquillas de SALA. Los precios van de 380 a 800, sin cargos. Corre por los tuyos y no te pierdas la oportunidad de ver a esta banda.
https://www.youtube.com/watch?v=8CfFgnZ0XKY

Llega a México el Indie-folk de Conor Oberst

flyer-oberst-mexico-2015Si después del Corona Capital del año pasado te quedaste con ganas de oír más del Indie-folk de Conor Oberst, no te preocupes, este viernes 30 de enero se estará presentando en el Plaza Condesa a las 21:00 horas, en compañía de Dawes, la banda de American folk-rock.

 El cantautor originario de Nebraska, nombrado como el mejor compositor de la década, y líder de Bright Eyes, regresa a la Ciudad de México para seguir promocionando su trabajo como solista.

Compra tus boletos aquí y escucha su más reciente producción, Upside Down Mountain, su sexto álbum que fue lanzado en mayo del año pasado, ya que seguramente estaremos escuchando alguna de las canciones incluidas en este material.

 

Sólo falta una semana: Never Shout Never en México

B31-5BVIgAARaNSAmantes de Never Shout Never ¡ATENCIÓN! Si aún no tienen sus boletos para este concierto, ¿qué están esperando? El próximo viernes 30 de enero se estará llevando la presentación de la banda estadounidense liderada por Christopher Drew en el Pepsi Center WTC, en punto de las 21:00 horas.

 NSN, regresa por tercera vez a nuestro país y en esta ocasión podremos escuchar algunas canciones de su más reciente producción.

 Recycled Youth, álbum que saldrá a la venta en unos meses, es el sexto material de esta banda de Indie Rock, el cual está cargado de sonidos melódicos que gustarán a más de uno.

 Compra tus boletos aquí y ve a disfrutar.

https://www.youtube.com/watch?v=QYMOu6tpW3M

FrnkIero and The Cellabration por primera vez en México

1505617_10152895280363350_7162786734500033954_nMe gustaría saber ¿cuántos amantes de My Chemical Romance andan por acá? Saben por qué, porque este Día de San Valentín, Frank Iero, el ex guitarrista de esta ex banda (también), pisará por primera vez nuestro querido México, promocionando su primer material discográfico Stomachaches, el cual fue lanzado el pasado agosto.

 De forma más privada, Frnk Iero and The Cellabration se presentará en SALA, para dar inicio a la gira que seguirá por Estado Unidos y Canadá, y a su vez, para dar un tour como headliner.

 Después de la pasada visita de Gerard Way, estoy segura que muchos no se querrán perder la oportunidad de ver a este músico, uno de los consentidos de la extinta banda MCR.

 Los primeros temas lanzados son Weighted y Joyriding, si aún no los escuchas ya están disponibles en YouTube, así que échales un ojo; o mejor aún, escucha el álbum completo para que te termines de convencer de ir a este concierto.

 Stomachaches fue creado completamente por Iero, en el que participaron Jarrod Alexander, en la batería y Gerard Way, ex miembros de MCR. Un disco con sonidos punk, característicos de este artista, en donde además canta y nos muestra su voz rasposa y profunda.

Recuerda, la cita es el próximo 14 de febrero a las 21:00 horas en SALA (Puebla #186 esq. Insurgentes). No olvides comprar tus boletos aquí y ve a disfrutar.

 

Slash ft. Myles Kennedy & The Conspiratos en México

slash2-e1421190080882Este 19 de enero se inicia la venta de boletos para un conciertazo: Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses regresa a México el próximo 25 de marzo al Pepsi Center WTC, en compañía de Myles Kennedy & The Conspirators, para presentar su más reciente producción discográfica “World On Fire”, álbum lanzado el pasado agosto.

 Con 17 pistas, World On Fire, es un álbum cargado de rock n’ roll, en el que participó Myles Kennedy, quien también fue el vocalista del disco anterior, Apocalyptic Love, el bajista Todd Kerns, Frank Sidoris en la guitarra y Brent Fitz como baterista.

 Yo no sé qué vamos a hacer con tanto concierto y poco dinero. Compra tus boletos aquí y no dejes pasar esta oportunidad de ver a uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

 El tour por México incluye a Guadalajara y Monterrey, presentándose el 26 de marzo en Teatro Estudio Cavaret y el 28 de marzo en Auditorio Banamex, respectivamente.

Una concierto con mucho poder: Motor en el DF

Si te gusta el rock mexicano y apoyas la escena musical de nuestro país este evento es para ti. Motor, la banda de rock duro, serio y directo, se estará presentando el próximo 13 de febrero en Bar Caradura (Nuevo León #73., Col. Condesa).

Motor es una agrupación formada en 2011 por Manuel Suárez, Toño “El Patas” Rodríguez, Christian Charpenell y Pablo Enríquez, a partir de la desintegración de Guillotina, una banda mexicana con estilo grunge de los años 90. A finales del año pasado se estrenó Motor II, su segundo material discográfico que es más agresivo y el cual se escuchará en esta presentación que la banda  ha preparado. Así que no te puedes perder la oportunidad de escuchar a esta agrupación que ya ha pisado grandes escenarios como el Vive Latino, South by South West en Austin Texas, El Rock Nos Une y Revolution Fest.

Compra tus boletos aqui y no te pierdas la oportunidad de escucharlos en vivo.

Black Veil Brides llega a México otra vez

¡Ya era hora! Black Veil Brides regresa a México el próximo 19 de abril en el Pepsi Center WTC, así que BVB ARMY prepárense para disfrutar de una noche llena de música que hará a más de uno mover la cabeza.

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 En esta ocasión escucharemos su último álbum, Black Veil Brides IV, que fue lanzado el pasado 27 de octubre y del cual se desprenden dos éxitos: Heart Of Fire y Goodbye Agony.

Los boletos ya están a la venta en sistema Ticketmaster y con ello el nuevo disco, que se entregará el día del concierto en las mesas de canje. La sorpresa de todo esto es que 100 discos incluirán un cupón dorado que se podrá cambiar por un Meet and greet con BVB después del evento.

Aquí los costos:
Sección A-$620 + cargos por servicio
Sección B-$370 + cargos por servicio
Sección C-$570 + cargos por servicio
Sección D-$470 + cargos por servicio
VIP-$900 + cargos por servicio (incluye poster edición limitada)

Compra tus boletos aquí

Recuerda, la cita es el 19 de abril a las 20:00 horas en Pepsi Center WTC (Dakota S/N, Colonia Nápoles)

 

 

 

 

Panic! At The Disco viene a promocionar su nuevo álbum

Dentro de las muchas bandas anunciadas para el próximo año no podía faltar Panic! At The Disco, la agrupación estadounidense que pisará nuevamente tierras aztecas el 28 de febrero del 2015, promocionando su más reciente material Too Weird To Live, Too Rare To Die.

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Este álbum ha debutado en la Billboard 200, después de vender 85000 en la primera semana, así que no puedes perderte esta presentación que se llevará a cabo en el Pepsi Center de la Ciudad de México.

Aún tienes tiempo para comprar tus boletos, que van de $350 a $800 y disfrutar de los éxitos como I Write Sins Not Tragedies, Nine In The Afternoon, The Ballad of Mona Lisa, entre otros.

La última vez que vino Panic! At The Disco fue en enero de este año, en la primera edición del Indio Alter Rock Fest, que se llevó a cabo en la Arena Ciudad de México. En esa ocasión compartió escenario con Fall Out Boy, New Politics, Bosnian Rainbows, entre otros, pero esta vez será diferente, será un concierto exclusivo para disfrutar del sonido tan característico de esta banda.

Recuerda, la cita es el 28 de febrero de 2015 a las 20:00 horas en el Pepsi Center (Dakota S/N, Colonia Nápoles), para comprar tus boletos da click aquí

 

Arch Enemy en México

Arch-Enemy-México-2015El próximo año nos trae muchas sorpresas y eventos increíbles, entre ellos la visita de una de las principales bandas de deathmetal melódico, Arch Enemy, que viene a promocionar su nuevo álbum War Eternal en compañía de su nueva vocalista Alissa White-Gluz, ex vocalista de The Agonist.

 War Eternal es el décimo álbum de la banda, el cual fue lanzado el pasado 9 de junio y para esta gira por Latinoamérica la agrupación pisará, aparte de México, Colombia, Chile, Brasil, Argentina y Ecuador.

 En su paso por tierras mexicanas, Arch Enemy, viene acompañado de Dark Tranquillity, banda originaria de Suecia que actualmente promociona Construct, uno de sus mejores discos hasta la fecha.

La cita es el proximo 30 de enero de 2015 en el Salón José Cuervo (Lago Andromaco #17 esq. Moliere). El costo es general $600 y VIP $700 Compra tus boletos aquí

 

 

La Roux en México

 

la-roux-591x900 Tras una larga espera, finalmente Elly Jackson, mejor conocida como La Roux, pisará tierras mexicanas el próximo 27 de enero para promocionar su segundo material discográfico Trouble In Paradise, que fue reconocido con un Grammy a Mejor Álbum Electrónico/Dance y nominado a los premios Brit Awards en las categorías British Breakthrough Act y British Single.

 Después de la separación de su compañero Ben Langmaid, co escritor y co productor del primer álbum, La Roux regresa con un álbum que combina diferentes géneros musicales como synthpop, new wave y disco.

 La cita es el próximo 27 de enero en el José Cuervo Salón (Lago Andromaco #17 esq. Moliere) a las 21:00 horas. El costo de los boletos es: General $550 y VIP $650, para adquirirlos da click aquí.

 

 

Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

Nai Ninshiki: See you in the space… cowboy

Cowboy Bebop

Quizás para nosotros, los nacidos en los ochenta y los hijos de la llamada X Generation, los animes sean nuestra marca más honda y prominente; jóvenes acogidos por la insipiente llegada de trazos de oriente que llenaban el hueco de la época con personajes míticos e inolvidables, estampando un encuentro afortunado de dos culturas.

 Cómo olvidar a los cinco guerreros de broce cruzando las doce casas del Zodiaco, con el séptimo sentido y batallas interminables; los increíbles goles y las canchas infinitas de los campeonatos estudiantiles del Japón; las princesas de la Luna, en busca del verdadero amor; las siete esferas perdidas que cumplirían cualquier deseo que pidas.

 La reciente lluvia y melancolía de estos días me hizo recordar una de estas historias que sobresale tanto por su ficción de escenarios y personajes, como por sus soundtracks exquisitos: Cowboy Bebop, del director Shinichiro Watanabe.

 En la serie emitida en el año 1998 en Japón, el Universo es el escenario de una historia simple, sorprendente, conmovedora y adictiva. Especie de western espacial, con guiños profundos que recuerdan al cine negro estadounidense, se desarrolla dentro de contextos cósmicos, comenzando en Tijuana (asteroide refugio de bandidos), donde Spike Spiegel, un caza recompensas elegante, diestro, independiente, huye de un pasado nebuloso mientras atrapa a unos cuantos truhanes por una muy buena suma de dinero estelar… siempre al ritmo de un buen jazz.

cowboy-bebop_00427906 La tripulación original de la nave Bebop se conforma por su propietario, Jet Black, compañero y amigo de Spike, con quien recorre la galaxia entera, cazando, estafando, apostando; al paso de los episodios, el grupo crece incorporando a la sexy Faye Valentine, una embustera profesional, buscada por sus fechorías; Ed, una hacker sin comparación y Ein, un perro “común” (más inteligente que cualquier humano), mascota de la nave, simplemente entrañable.

 La linealidad de la historia es finamente desviada para describir el pasado de cada uno de los protagonistas: recuerdos que no se olvidan, destinos inaplazables, reencuentros misteriosos, amores imposibles; siempre al contoneo de un acido y trepidante jazz.

cowboy-bebop-ost-1 Especialmente, Cowboy Bebop es una muestra magistral de lo que puede hacerse con un soundtrack. Son ocho los volúmenes, dirigidos por Yöko Kanno e interpretada por la banda The Seatbelts, que derriten el oído de un modo imparable, yendo de un acid jazz y jazz bebop, guiñando con ambient, blues, pop, clásica, para estallar en un poderoso heavy metal que hará de tu oreja un hermoso lío.

 Shinichiro Watanabe también ha dirigido Samurai Champloo, otra serie reconocida por su banda sonora y fina historia. Puedes darle un vistazo a los cortos de Kid´s Story y A detective story de The Animatrix, que es ya todo un clásico en el anime contemporáneo.

 En el 2013, el creador de esta serie afirmó en entrevista para la Red Carpet News TV, durante la MCM London ComicCon de ese año, que el final de la serie es engañoso y abrió puertas para una posible continuación de este fantástico anime.

 En suma, la mezcla de factores es lo que hace de Cowboy Bebop el recuerdo de un futuro posible, cuando bebamos cervezas estelares en las bahías de las Lunas de Plutón, durante alguna pelea estelar bajo la lluvia. Quizás reconozcas de lo que hablo, si no, no pierdas tiempo, busca y disfruta de esta maravilla animada con sus gloriosas melodías, por lo pronto… see you in the space, cowboy.

https://www.youtube.com/watch?v=Aw3fN3OPk3A

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Day Off: El 2do aniversario de la fiesta en domingo

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Day Off es una fiesta que se realiza siempre en domingo, con la presencia de DJ’s talentosos y tintes tropicales, ideal para convivir con amigos en compañía de hamburguesas y tragos que aligeren los pasos de baile al aire libre.

 Este evento nació hace dos años, en manos de los músicos Beat Buffet, Raúl Sotomayor y Pablo Borchi; ellos llevan 10 años tocando juntos y en un cumpleaños de Raúl hicieron una fiesta en su casa, el día que eligieron para el festejo fue domingo porque sus amigos músicos sólo tenían ese día libre y desde entonces se quedó la tradición de reunir a cientos de personas ese día a bailar ritmos latinos.

 En entrevista, durante el segundo aniversario del Day Off, que se realizó en el Club Altántico, en el Centro Histórico, el pasado 31 de agosto, Raúl Sotomayor dijo que este evento es un esfuerzo muy grande que realizan los organizadores, porque aunque la gente pueda ir al Ceremonia u otros festivales, éste es gratuito gracias a la colaboración de Panamerika Red Bull, ya que apoyan al mismo género bailable proveniente de Latinoamérica.

 Según Pablo Borchi, uno de los integrantes de la casa productora del Day Off considera que este festival se mueve de boca en boca porque carece de una fuerte campaña en redes sociales para la difusión. Recordó que en anteriores eventos tuvieron a los peruanos Dengue, Dengue, Denge, y conoció a muchos productores y DJ’s y ha aprendido de ellos.

 Como parte del cartel del segundo aniversario se presentó Thornato, DJ criado en Nueva York por padres suecos y uno de los talentos del “global bass” con la peculiaridad de que le gusta mezclar cumbia mexicana con Deep South y otros ritmos bailadores. El público también movió las piernas y caderas con el morelense Pa Kongal, con 15 años de experiencia como DJ y mezcla ritmos como: la cumbia, moombahton, trap, zouk bass, kuduro, tribal, 90’s, 80’s, 70’s. 

Aunque la lluvia nubló parte de las presentaciones, y la gente se desplazó a la zona techada, pero ni la lluvia ni que al día siguiente llegaría el lunes, terminaron con la emoción de la mezcla de ritmos tropicales.

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 También figuró la presencia del DJ Astro Ro, quien ha compartido escenario con Lost Acapulco, Esquisitos, Yokozuna, Silverio, Douglas mc carthy, de Nitzer Ebb, Sean holland, Norman Palm, Robot Ate Me, The Whookies, Sonido San francisco, Tropikal Forever, Capo y Mexican Dub Weiser, Astros de Mendoza, Agrupacion Cariño, Beat Buffet, entre otras.

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 El momento en que la fiesta explotó en júbilo fue cuando DJ Aztek 732 integrante de la Vieja Guardia y figura emblemática dentro del hip hip mexicano, se subió a usar sus tornamesas y los asistentes bailaron cumbia y reguetón, no importa como suene esto, lo importante es aclarar el talento de este exponente en poner a mover cabezas en cualquier tipo de fiesta.

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 La cereza en la soda fue el Sonido San Francisco, la banda mexiquense más esperada de la noche, que siguiendo con la línea de los sonidos tropicales y folclóricos, redefinen el sabor de la cumbia con sintetizadores y otros instrumentos. La gente bailó y bailó, coreó las canciones ya conocidas de esta agrupación y encendieron el ritmo de los participantes de esta gran fiesta. La próxima se realizará en diciembre, así que pendientes al registro en la página oficial http://www.dayoff.mx/DSC_0190

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Fotos: Wtr.

MÚSICA ATACADA POR PIRATAS

En los últimos diez años la industria musical ha sufrido una fuerte fractura en el ámbito económico, sus costos se han elevado y por ende los consumidores de productos por excelencia como los CD’s han optado por otro medio de obtención: la piratería.

 Desde hace por lo menos 3 décadas, la industria productora de material musical vinilo se vio atacada, aunque de una manera casi insignificante. La producción y reproducción de discos de este material no era nada barato, por ende era muy extraño encontrar mercancía no oficial en las calles.

 Posteriormente en la década de los ochenta y noventa la aparición de los cassetes, en lo que la cinta magnética era la encargada de almacenar las melodías; comprimió el espacio de almacenamiento y con ello creo la posibilidad de reproducción del material de una manera más económica.

 A inicio del Siglo XXI, la compresión de material musical prosigo su camino y aunque su existencia ya estaba presente desde años anteriores, el CD se volvió el nuevo almacén y nuevamente por su costo se redujo, dejando indefensas a las casa productoras. Posteriormente y aunque los discos siguen en mercado los reproductores de música iPod, Walkman y dispositivos móviles dieron el giro, al poder descargar música directamente de Internet.

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 Las autoridades aun no se decidían a si el descargar música, era considerado piratería, pero lo que si era seguro, es que se estaba ejecutando un acto de robo, ya que este contenido “bajado” no era pagado.

 La perdida económica es de al rededor de 964 mil 688 millones de pesos. Es una cantidad bastante elevada y no tiene que ver únicamente con el costo de material en un tienda. El trabajo de las casas productoras, engloba desde el personal de personal encargado de la maquinaria para grabación, productor, artistas gráficos, distribuidores y por supuesto el artista mismo.

 Las cifras son alarmantes, en México 8 de cada 10 personas consumidoras de música han compran material pirata y el rango de edades que ejercen estas compras va desde los 25 a los 44 años mayoritariamente. Argumentan que lo hacen por que el costo de un CD en tiendas es demasiado elevado, precios de 120 pesos hasta 300 pesos es el promedio de costo de los materiales, por lo tanto pagar 10 o 30 pesos no se compara.

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 Por supuesto no es considerada la calidad del material, así como el arte que va dentro de los empaques o incluso en los diseños gráficos que adornan los CD’s y sin mencionar la calidad de audio que se ve reducida en los discos que adquirimos en el mercado o en el Metro.

 La industria se ve afectada a nivel mundial, debido a ellos algunas bandas han optado por poner a disposición del público material sin ningún costo en sus portales de Internet. Radiohead, banda británica de rock, ganó 9 millones de dolares al poner a disposición su álbum “In Rainbows”, de esta manera saltan las industrias y reducen costos proporcionando una mejor oferta en la compra de su material. Por supuesto esto también tiene afección en la asistencia de los conciertos, proporcionando más atracción del público por el artista.

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11 de septiembre no se olvida, ¡se rockea!

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 Desde el trágico ataque el 11 de Septiembre del 2001 a las “Torres Gemelas” en la ciudad de Nueva York, en los Estados Unidos, está fecha se ha vuelto inolvidable, y no sólo en esa nación: a nivel mundial se hace referencia año con año.

 En México esta fecha tuvo o aún tiene para muchos un significado relevante, salvo que no hubo explosiones y “miedo”. Nos remontamos a 1971 a un poblado en Valle de Bravo, Avándaro, esto en el Estado de México. Hasta antes del 11 de Septiembre del año mencionado hace un momento, este lugar era un sitio calmado con turismo casual, en busca de descanso y relajación.

 Pero un evento musical vino a darle un giro enorme al concepto que se tenía de este lugar…”Festival Rock y Ruedas de Avándaro”.

  Antes de continuar con ello, haré mención de los antecedentes en México, no ahondare en muchas situaciones, pero haré una pequeña mención sólo por contextualizar la situación de nuestro país en ese entonces.

  Corría el año de 1971, los hechos acontecidos en Tlatelolco en 1968, aún estaban frescos. Juegos Olímpicos, una Copa del Mundo en ese mismo año y un acontecimiento más reciente, el llamado “Halconazo”, por último el Ejecutivo estaba a cargo del Lic. Luis Echeverría miembro del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

  El rock estaba escalando entre muchos asuntos sociales y se mantenía presente entre la juventud, aunque de manera distinta a la que hoy vivimos, existía “con una noción de protesta y rebeldía” eso era por lo menos lo que los seguidores de este género expresaban.

  Luis De Llano, productor de televisión, fue uno de los organizadores del evento en el que se tenía la propuesta de conjuntar al Rock con una carrera de autos, carrera que nunca se llevó a cabo por situaciones climáticas. El 11 y 12 de Septiembre fueron los días elegidos para conjuntar a más de 300 mil amantes de este género.

  Filas de automóviles, camiones y cientos de jóvenes caminando con mochilas a cuestas, se presentaron en los alrededores de Avándaro.

  No se esperaba tal conglomeración, excedía los limites estimados, pero esto no detuvo al festival, por el contrario, motivo a muchas de las bandas a dar lo mejor de sí para todos esos hombres y mujeres que se habían dado cita sólo para disfrutar de algo que le daba sentido a su existencia, el Rock.

  Las bandas que se presentaron fueron las siguientes:

  • Bandido
  • El Amor
  • El Ritual
  • Epílogo
  • La División del Norte
  • La Ley de Herodes
  • La Fachada de Piedra
  • Los Dug Dug’s
  • Mayita Campos y los Yaki
  • Peace and Love
  • Rockópera “Tommy”
  • Sociedad Anónima
  • Soul Masters
  • Tequila
  • Three Souls in my Mind
  •  Tinta Blanca
  • Zafiro

  Cabelleras largas, buena vibra, “una encuerada” y mucha pero mucha música fue lo que se pudo apreciar en este festival que algunos llamaron “El Woodstock Mexicano”.

av av4 av3 av2           Imagen del Festival Avándaro de 1971

  Todo iba viento saliendo de maravilla, pero al postrarse en el escenario Peace And Love, las cosas dieron una voltereta inesperada. Al interpretar “Marihuana”, el anunciado himno de los presentes, y si a esto le sumamos que se coreó la siguiente frase “Tenemos el poder…”, haciendo referencia a la situación política que tenían en ese momento.

  ¡Puff! Un fallo inesperado hizo que la transmisión del festival saliera del aire y no pudo ser restablecida y con ello el desvanecimiento del Rock en México.

  En fin esta sólo fue una breve reseña a 43 años de haber hecho vibrar a todo un país…” El Festival Rock y Ruedas de Avándaro” que aún suena en muchos de los corazones de los en ese entonces jóvenes radicales.

“¡Y que viva el rock and roll!” – Alejandro Lora

 

La fiesta del Hip-hop mexicano: XVI aniversario de La Banda Bastön

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La Banda Bastön es un dúo compuesto por Dr. Zupreeme, DJ y productor, y Mü “Muelas de Gallo”, intérprete y escritor de las rimas. El pasado 2 de agosto celebraron su décimo sexto aniversario presentes en la escena mexicana del Hip-hop, en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. 

 Dicen los que saben que cuando un cantante o agrupación se presenta en el Lunario, resulta ser un encuentro “mucho más íntimo” con su público y, sin duda alguna, este evento fue digno de verdaderos amigos y fans de La Banda Bastön, quienes ofrecieron una velada extraordinaria con tintes de fiesta y “kilos y kilos de ya sabes qué…”, celebrando acompañados de otras figuras importantes de la escena como lo son La Vieja Guardia, Simpson Ahuevo, Eptos Uno y Elote el Bárbaro, entre otros.

 Es importante mencionar que, si bien el Lunario del Auditorio Nacional “no estaba listo para el hip hop mexicano”. como lo comentó Mü en algún momento del concierto, con este show La Banda Bastön demostró una vez más que la escena del Hip-hop mexicano está más fuerte y viva que nunca, no importa dónde sea que se presente. “Sold out” era la imagen que se percibía con tantas manos levantadas entre el público y tantas gargantas gritando, cantando…

 Así pues, la noche empezó a brillar con los shows de Tino El Pingüino y Simpson Ahuevo, para ceder el micrófono a continuación a La Banda Bastön, los festejados de la noche. En días anteriores, en sus cuentas oficiales de Facebook y Twitter, La Banda Bastön había anunciado que el repertorio de canciones a interpretar en el evento serían clásicos y “rarezas” que casi nunca tocan en vivo. Indudablemente, el evento estaba planeado para fanáticos de hueso colorado, quienes fueran capaces de corear temas como “Olvídalo bonita”, “Temporada de huracanes”, “Cuidado con el perro” y “Veneno para las estrellas”, clásicos del disco Vieja Guardia All Stars. También “El país de las maravillas”, que siempre hace que los asistentes se identifiquen con la realidad actual de nuestro país al corearla con la ya característica energía del público.

 Con dos pantallas en cada costado del escenario, pudimos observar partes de los vídeos de algunas canciones de la banda, el Lunario se regocijaba en una gala que parecía no tener fin. “Este show va pa’ largo”, escuchábamos a Dr. Zupreeme decir desde los platos. Y hablando de scratches, la primer intervención de los invitados estuvo a cargo de Dj. Aztek, Alan Anaya, Pato Watson y Dj. Gross, al interpretar “Kilos de rap”.

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 Aczino, Yoga Fire, Serko Fuentes, Eptos Uno, Elote el Bárbaro, Sekreto y Sepulturero fueron los siguientes en compartir escenario con los festejados, interpretando cada uno canciones a dúo, tales como “Los Ayeres”, “Check it out”, “Así se habla” y “Cuando encuentran al toro que buscan”, del más reciente álbum Todo Bien, así como también “Folklore nacional”, éxito de Envuelto en Humo, su álbum más famoso.

 Sin duda, el momento más emocionante y razón por la cual muchos asistentes estaban ahí, fue cuando los integrantes de La Vieja Guardia, exceptuando a Big Metra, subieron a tomar los micrófonos y reventar la tarima junto con Muelas de Gallo. Desde el momento en que Gogo Ras y Mc Luka pisaron el escenario, el público comenzó a gritar y a corear “All star” y “Raperos adultos”, para cerrar su participación con un freestyle que prendió bastante a los asistentes.

 “Envuelto en humo” y “Chula” a dueto con Gogo Ras daban inicio a la recta final del show, seguido por “La llorona” a dueto con Geo Meneses y “Varsovia 54”, con una base de trap muy movida y alucinante, “shake that ass” como dice la canción, quedaba muy bien para twerkear de cabeza en los últimos minutos del concierto. “Quiúbole” fue la antepenúltima canción interpretada, donde pudimos ver a toda la concurrencia levantar las manos a la orden de Mü, para dar paso a “1,2,3”, única canción donde Dr. Zupreeme se quitó de los platos y cantó esa pequeña parte del Rock de la Cárcel que acompaña el beat de la canción. Y para cerrar con broche de oro: “Me gustas”, el primer sencillo del Todo bien, pero esta vez la escuchamos en remix, lo cual levantó el verdadero bailongo entre los asistentes.

 Finalmente, todos los invitados fueron llamados al escenario para agradecerles la participación en el show y al mismo tiempo agradecerle a los asistentes y tomarse la clásica foto de espaldas al público para que todos pudieran salir. Así concluyó la fiesta del Hip-hop mexicano, porque sin duda La Banda Bastön en estos 16 años de carrera, se ha encargado de representar de la mejor manera a México. Bien merecido que se tenían el “sold out” en este show.

Imágenes tomadas de la página de facebook de La Banda Bastön

Con sabor al norte- Sound Horizon

März, personaje principal del album MÄRCHEN por Sound Horizon

. Para todos aquellos que buscan algo nuevo para escuchar, voy a hablar de esta banda por diversas razones que trataré durante el artículo. Se trata de SOUND HORIZON, un grupo musical que proviene de Japón. Su creador musical se llama Revo y se encarga de hacer la letra y la melodía de todas las canciones. La música de este grupo busca contraponer los sentimientos humanos mediante historias musicalizadas. En ello puedes ver amor y odio, luz y oscuridad.

Revo, creador musical (letra, melodía y armonía) de todas las canciones por Sound Horizon.

 Uno de los mejores álbumes que he escuchado es MÄRCHEN, aunque el disco de MOIRA tiene el mayor número de ventas. En el primer álbum se tiene a März como protagonista, un ser casi moribundo que entra en contacto con un alma maldita que se hace llamar Elyse para poder vengar almas por el mundo. März tiene asuntos pendientes en el mundo por lo tanto acepta y visita cadáveres que le cantan sus historias para poder obtener justicia después de su muerte.

 Lo interesante de todo esto es que las siete almas visitadas en las canciones son las heroínas de los cuentos escritos por los Hermanos Grimm. Aquí es donde todo se vuelve más interesante.

Elenco del albúm MÄRCHEN, que consiste en las siete almas malditas, März y la muñeca endemoniada Elyse.

 Hay muchas personas que saben que los cuentos de hadas no terminan de la manera feliz y perfecta como Disney nos muestra en las películas. Ya saben, como que La Sirenita se convirtió en espuma pues no pudo conseguir al príncipe, o que las hermanas de Cenicienta se cortaron los dedos meñiques de los pies para que les quedara el zapato de cristal.

 Soun Horizon no solo presenta el cuento de hadas que todos conocemos. Este grupo de verdad se comprometió con lo que era la historia para darle un giro más oscuro, lleno de detalles que te explican un poco de los villanos.

 La canción que más me sorprendió de Sound Horizon fue THE WITCH AT THE STAKE, que es en sí el cuento de Hansel y Gretel.

 Quien protagoniza la historia es la hija de la bruja mala. A pesar de vivir feliz en el bosque conviviendo con los animales, es discriminada y llamada bruja. Su madre la abandona y termina viviendo en un convento durante años donde decide ser monja. Un día se desata una guerra que destruye el convento y la joven monja vuelve a su hogar en el bosque que tanto amaba.

La hija de la bruja malvada que vive en el bosque.

 Al entrar a su casa, su madre no la reconoce y mata a su propia hija clavándole un hacha en el pecho. La bruja entonces habla con el público que Dios había llegado tarde por ella, por lo cual, a pesar de todas sus oraciones, los pecados se seguían acumulando. Entonces März aparece y le otorga magia a la monja para poder efectuar su venganza. La joven encamina a dos niños perdidos en el bosque hacia la casa de la bruja porque considera que la venganza ante una niña como ella lo fue debía ser realizada por niños. De ahí, sucede la historia de Hansel y Gretel de la manera tradicional.

La venganza de la monja hacia su madre fue con Hansel y Gretel

 Toda la precuela que Revo le da a un cuento de hadas es lo rico de SOUND HORIZON, además que la música es excelente en sí. Sus shows son muy entretenidos porque son las interpretaciones teatrales de cada cuento. Yo recomiendo que lo vean por ustedes mismos y me digan su opinión. ¿Conocen otros grupos que cuenten las historias como lo hace SOUND HORIZON?

El 25 aniversario de los Tokyo Ska Paradise Orchestra

Finalmente el pasado 2 de julio salió a la luz la tercera y ultima parte de la trilogía de pequeños álbumes con la cual los japoneses Tokyo Ska Paradise Orchestra se encuentran conmemorando sus primeros 25 años de existencia. Esta tercera parte lleva por titulo Wake Up!  (y como sus dos antecesoras), cuenta con la colaboración de otra banda japonesa. Para esta parte final, la agrupación elegida fue la originaria de Kanagawa y formada en 1996 llamada: Asian Kung-Fu Generation.

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Originarios de la escena musical de la capital japonesa, los Tokyo Ska  Paradise Orchestra se formaron en 1989 por miembros pertenecientes a diversos proyectos musicales. Debido a su excelente trayectoria, actualmente están considerados como una de las mejores bandas alrededor del planeta.

Con una discografía bastante amplia; además de diferentes estilos musicales presentes en su repertorio musical, con temas que van desde: clásicos del jazz, clásicos del ska de los 60’s. Así como temas propios. Dejando siempre ese inigualable estilo del ska japonés, el cual se ha posicionado en un buen lugar dentro del panorama internacional. Pero sobre todo ese sonido que solamente los Tokyo Ska Paradise Orchestra son capaces de alcanzar.

La primera parte de esta trilogía salió el 12 de marzo del año pasado, con la cual se dio por iniciada la celebración de su primer cuarto de siglo de existencia. Para esta ocasión la banda invitada fue 10-Feet, cuya combinación dio como resultado un sonido explosivo.

http://youtu.be/miRAGcN5B9A

 Para la segunda parte la agrupación elegida para colaborar fue Mongol800 originaria de Okinawa, y cuyo trabajo salió a la luz el pasado 3 de diciembre.

http://youtu.be/vT9NOB5o84w

 Como es habitual en la producciones discográficas (también conocidas como Skapara ), estos discos contaron con un regalo especial para sus seguidores. Ya que además del disco, cada una de las partes de la trilogía contó con un DVD donde se incluía el videoclip del sencillo; así como un detrás de cámaras de la grabación del E.P.

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Desde marzo del año pasado hasta la fecha los Tokyo Ska Paradise Orchestra se han mantenido de gira por todo Japón y ya cuentan con algunas fechas programadas para dar algunos conciertos en algunos países europeos. Los rumores sobre una posible visita a tierra mexicanas a finales del 2014, cada vez se han incrementando mas y mas. Esperemos que pronto la banda japonesa confirme esta información para así poder deleitar por tercera ocasión a sus seguidores mexicanos con una excelente dosis de calidad musical de estos indudables Godzillas del Ska 

http://youtu.be/twE6pzmiF_c

Banda Bassotti: Los bandidos siguen sin descanso

banditiDespués de 2 años de la publicación de su último disco en estudio titulado Siamo Guerriglia, la agrupación dedicada a hacer principalmente punk y ska Banda Bassotti ha decidido sacar un nuevo material  discográfico. Esta vez el nuevo álbum es un disco en vivo y el cual lleva por título Banditi Senza Tempo.

 Banditi Senza Tempo es el tercer álbum en vivo de esta veterana agrupación italiana que cuenta ya con más de 30 años en la escena musical; Sin embargo, este nuevo álbum cuenta en su mayoría con temas que no han aparecido en los otros 2 discos, así como prácticamente algún invitado en cada tema. Entre los invitados podemos encontrar a O’zulu de 99 Posee, Lorenzo Tovoli de la banda punk Klaxon, Kino Ferri vocalista de la ya disuelta agrupación Arpioni, Sandro y Marino de I Gang, entre muchos otros; contando con la particularidad de que por cada invitado hay algún cover de su respectiva banda

 Banda Bassotti se formó en Roma a comienzos de los años 80’s tomando el nombre de los personajes de Disney llamados los Beagle Boys, los cuales en Italia son conocidos como La Banda Bassotti.

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 Aunque no es una agrupación totalmente dedicada al ska, si fue una de las primeras en Italia en contar con este ritmo dentro de su repertorio, que en su mayoría en un principio estaba compuesto de punk; por lo que actualmente son uno de los más grandes e importantes referentes del ska italiano.

 Desde su formación hasta ahora el grupo ha presentado algunas modificaciones como por ejemplo en el año 2000 tras una pequeña pausa de cuatro años la banda incorporó una sección de vientos a su alineación, y con esto poderle dar más énfasis al sonido del ska. También las letras en castellano han ocupado un lugar importante en el repertorio del grupo.

Banda Bassotti se presentó en nuestro país en el año 2007 durante la clausura del Festival de la Culturas en Resitencia Ollin Kan, el cual se realizó en la plancha del Zócalo capitalino, aquel día se presentó también el músico y cantante vasco Fermin Mugurúza (ex vocalista de Kortatu y Negu Gorriak); y los españoles de La Kinky Beat y Los Discipulos de Otilia. Al día siguiente la banda italiana dio un emblemático concierto en Tlatelolco, la plaza de Las Tres Culturas.

 Debido a su postura política Banda Bassotti constantemente se ha enfrentado a diversas acusaciones por parte de algunas organizaciones de carácter conservador, llegando a ser censurados e incluso llegando a cancelarles algunas presentaciones en distintos países.

 Un acto en vivo de cualquier agrupación siempre será la mejor manera de poder ver su calidad sobre un escenario, en donde una banda demuestra de que está hecha;  este nuevo álbum  es una prueba más en el historial de estos italianos del porque son uno de los máximos exponentes del ska-punk tanto de su país como de la escena internacional.

Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Neville Staple: el regreso del rudeboy

El pasado 13 de mayo salió a la venta el más reciente material discográfico del cantante Nevile Staple, quien formara parte de la alineación original de The Specials (desde antes de que la banda se llamara así y se llamara The Coventry Automatics).

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 Con la colaboración de los músicos que han estado trabajando con él desde hace diez años, este nuevo álbum lleva por nombre  Ska Crazy y cuenta con un sonido crudo que mezcla la esencia del 2 Tone, pero con un estilo  que ha sabido evolucionar a lo largo de los últimos 35 años, pero de igual manera, el músico inglés supo combinar muy bien con otros géneros y estilos

 Las letras del disco relatan la realidad violenta de las calles y algunas otras historias que suelen pasar dentro de la vida cotidianidad social.  Si bien el mismo Neville ha mencionado que sus historias principalmente están influenciadas por anécdotas de las calles de Coventry (ciudad donde creció) estas no son muy distintas a las ocurridas en algún otro lado.

 Después de formar parte de The Specials, a comienzos de los años 80’s, Nevile Staple formaría parte del grupo Fun Boy Three junto a Terry Hall y Lynval Golding quienes también formaban parte de The Specials (voz y guitarra respectivamente). Fun Boy Three  contaba con un estilo totalmente diferente a The Specials, esta agrupación estaba enfocada hacia el pop y new wave, nada que ver con el ska.

 Tras este efímero pero trascendente proyecto, Neville Staple formó parte de proyectos como Special Beat junto  Ranking Roger de The Beat (otra banda que forma parte de la escena del 2 Tone ingles).  También crearía su proyecto solista conocido como Neville Staple Band.

 Si bien durante la década de los 90’s hubo algunos intentos por revivir a The Specials con algunas alineación que contaban con la participación de algunos de tan solo algunos miembros originales del grupo, no sería hasta el 2009 cuando el grupo finalmente se reuniera con la alineación original, el motivo era el 30 aniversario del nacimiento del sonido 2 Tone, una reunión en la que Neville Staple no quedaría fuera.

 Desde el 2009 hasta la fecha The Specials están realizando algunos conciertos, principalmente en Europa; no sería hasta finales del año pasado cuando Neville Staple anunciaría su salida del grupo para retomar una vez más su proyecto solista, el cual ha dado como resultado este nuevo álbum: Ska Crazy.

 Neville Staple visito tierras mexicanas en el año 1999, cuando en el Circo Volador ofreció un lamentable concierto, aunque el adjetivo “lamentable”  no es por el espectáculo brindado cantante inglés, sino por la gente que estuvo presente en dicho concierto, la cual no tenía ni la menor idea de quien estaba sobre el escenario.

 Después de 15 años de aquel concierto, Neville ha manifestado su deseo de regresar a nuestro país, y aunque las cosas no han cambiado mucho que digamos, cada vez la escena ska en nuestro país va en crecimiento así como su aceptación, lo cual ha quedado claro con la visita de diversas bandas de talla internacional pero sobre todo de gran nivel musical como Madness o Tokyo Ska Paradise Orchestra,  que si las mismas hubieran visitado nuestro país una década atrás seguramente su visita hubiera sido un fracaso total.

Los ritmos sabrosos de Chévere Suave

“Yo quiero cantarle a mi gente;
a mi pueblo conciencia presente;
quiero cantarle a la vida;
a la Pachamama la que no se olvida;
quiero cantarle al amor;
Cayo coco, roncito, tabaco y son;
Quiero cantarle a mi gente”

¡Chévere Suave presente!

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Enrique Calderón, Mirsa Islas, Alvaro Muñoz, Citlali Toledo, Iván Gutierrez, Francisco Javier y Adrián Águila. Fuera de foco: Martín Alonso, Marco Adair, Mauricio Fortuna y Miguel García
 “Es chévere ser grande, pero más grande ser chévere”
Hector Lavoe

11 integrantes son los que hoy forman esta gran agrupación musical. Doquiera que vayan, animan a la gente. No importa el ambiente, no hay antes o después, sólo el chévere ahora. Con tanto ritmo es difÍcil evitar mover las caderas y es que su música es una producción original. En ella puedes reconocer la “fusión latina” de géneros como reggae, cumbia, salsa, rumba, ska, polka, samba y son.

 Mezclan el ritmo, la euforia y la conciencia social llevándolos a ser “frescos y alborozados”, listos para la fiesta y el baile. Música que no discrimina, es para todos, en palabras de Citlali Toledo (voz principal) “Te mueve, no importa la edad.”

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Enrique Calderón

“Lo que me gusta de Chévere Suave es que es una propuesta fresca, con fuerza y con mucho sabor, además que se trabaja con amigos, buenos músicos y muy buen ambiente, eso anima y alimenta a cualquiera.”

Enrique Calderón. Trompetista de Chévere Suave

 

 Actualmente están en el proceso de sacar su primer disco, lo que se ha convertido en toda una aventura. Al ser once integrantes, uno imaginaría que el problema sería en la grabación de cada voz; pero en realidad, es el cuidado en los detalles de masterización (mandada a hacer a Nueva York), diseño, pre y post producción los que han mantenido en suspenso a los cientos de seguidores de esta gran banda.

“Suavecito tour, sabor y fiesta tururú

 Han tocado en todo tipo de escenarios y festivales en el DF y a lo largo de la República, como fue el caso de su gira a Oaxaca, llevando la música hasta las fibras más sensibles. Es entonces cuando uno pregunta ¿Qué sigue? “Ya estamos sobre detalles finales del arte, maquila, presentación del disco, fiesta de presentación del disco, harta música, próximas presentaciones, harto baile y pura vida! ¡Estén pendientes mi gente!” 

 Por lo pronto, tienen agendados una serie de conciertos: este sábado en el Foro Hilvana, el 31 de mayo en el centro de Xochimilco, el 21 de Junio en la Fiesta de la Música en el Parque Cañitas y el miércoles 25 de junio en la explanada de la delegación Tláhuac.

 Escucha una de las canciones que estarán en su nuevo disco. Si te gusta ahora imagínate en vivo…

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Pásenla “Chévere” y llévensela “Suave” es el consejo de Chévere Suave

 

 

 

a/rythmia: No apto para melómanos con insuficiencias cardiacas

Para todos los amantes de los problemas cardiacos, los andares embriagados y el tartamudeo desigual, a/rythmia (2009) de Alarm Will Sound seguramente los pondrá a bailar como desquiciados. Este increíble disco, único en su tipo (al menos hasta donde mi ignorancia me permite saber), reúne música de épocas muy distantes pero con una característica en común: el ritmo y el pulso tienen complejidades estratosféricas. Desde Josquin des Prez hasta Michael Gordon, pasando por Conlon Nancarrow y György Ligeti, Alarm Will Sound nos deleita con una recopilación sumamente colorida, llena de contrastes, humor e impredictibilidad.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Vamos a dar un pequeño tour a través de algunas de las rolas que podrán encontrar en esta producción. Yo Shakespeare (1992), del compositor norteamericano y “forajido de la tradición” Michael Gordon (que por cierto es uno de los fundadores del ensamble/festival Bang on a Can), es una pieza delirante: superpone tres capas musicales que parecen moverse a velocidades distintas, como si escucháramos tres escenarios del Corona Fest a la vez. El resultado es el rock más alucinante que escucharán jamás.

Alan Pierson
Alan Pierson

 Es sorprendente en un disco con inclinaciones contemporáneas y experimentales, encontrar algo como Le Ray Au Soleyl (siglo XIV), pieza medieval del compositor belga Johannes Ciconia que resulta tan confrontativa como sus compañeras del siglo XX y XXI. Aquí encontrarán tres voces que corren a diferentes velocidades con una proporción de 4:3:1. A pesar de los desfases rítmicos, es una música que alivia el cuerpo y la mente, un verdadero bálsamo auditivo.

 Player Piano Study 6 (c. 1950) es una de las dos piezas del norteamericano Conlon Nancarrow que aparecen en esta recopilación. Esta bella pieza fue compuesta originalmente para pianola, puesto que las experimentaciones rítmicas tan radicales que utiliza Nancarrow no eran humanamente tocables (o al menos eso se creía). Un isorritmo (la repetición de un patrón melódico y uno rítmico que tienen longitud distinta) complejísimo que cambia de tempo (velocidad) cada cuatro notas, corre en el piano de manera continua, mientras que una melodía suave con tintes de blues y españoles se desliza en los alientos y en un glockenspiel, construyendo cánones (la repetición de una melodía empezando en un lugar diferente a la primera) cada vez más densos. El resultado es simplemente pasmoso.

Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa
Alarm Will Sound tocando a Frank Zappa

 Cfern es de otra especie: pertenece al género del IDM o Música Inteligente Para Bailar (del inglés Intelligent Dance Music). Originalmente del dúo inglés de música electrónica Autechre, esta pieza tiene esencialmente dos capas que trabajan semi-independientemente: una armónica-melódica que se acelera y desacelera a discreción, no permitiendo nunca que nuestros oídos descansen en un tempo regular; y otra capa rítmica que lleva la batería, que permanece en disonancia rítmica con todo lo demás la mayor parte del tiempo, manteniendo una tensión constante a través de toda la pieza.

Alarm Will Sound
Alarm Will Sound

 Las demás piezas de este disco son todas igual de maravillosas, cada una con un reto muy específico tanto para el intérprete como para el espectador. Es fascinante observar cómo compositores de géneros y épocas dispares trabajan el mismo problema de maneras totalmente disimiles. La constante es lo maravilloso de todos los resultados y el reto encantador que nos presentan en cada escucha: este disco es de aquéllos que se deben de oír una y otra vez, pues en cada regreso hay nuevos descubrimientos y nuevos placeres.

Sal y Sol, lo nuevo de The Refrescos

Después de mas de 15 años de no sacar alguna nueva producción discográfica y tras una larga pausa, la banda madrileña The Refrescos ha vuelto a la escena musical con un nuevo disco bajo el brazo titulado Sal y Sol.

 Este nuevo álbum del grupo cuenta con el sonido que desde el inicio de la banda, allá a comienzos de los 80’s ha caracterizado al grupo. Canciones con letras llenas de buen humor, ironía, crítica social y surrealismo, que en este mundo tan loco de surrealistas cada vez tienen menos.

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 Como suele pasar con bandas que se reactivan después de tanto tiempo, The Refrescos ha vuelto con una nueva alineación, en la cual el único miembro de la formación original del grupo es Bernardo Vazquez, mejor conocido en el mundo de la música como: Bernardez, vocalista y compositor del grupo; quien con una mezcla de pop, ska, punk, rock y hasta mariachi, ha logrado una vez mas revivir en este disco el sonido clásico de los Refrescos.

 Si bien en nuestro país The Refrescos no es una banda con tanta popularidad, en su natal España se han convertido en todo un suceso después de que en 1986 grabaran el tema Aquí no hay playa, una canción que con mucho sarcasmo habla sobre su ciudad natal Madrid y que en ese año se convirtió en “la canción del verano”, lo que es igual a estar sonando todo el día en cada uno de los rincones de España.

 La formación original del grupo solamente grabó 3 discos, The Refrescos en 1989, Kings of Chunda Chunda en 1990 y Simpatía por el Débil en 1991, aunque algunos años después Bernardez junto una nueva alineación y en 1996 grabó un cuarto disco   titulado ¿A que piso va?, y en 1999 salio a la venta un disco titulado Xacobeo 99 en donde The Refrescos, o mejor dicho Bernardez grabó algunos temas junto al grupo galo Astarot, y aunque estos dos últimos discos no alcanzaron tanto éxito como los 3 primeros, Xacobeo 99 se convirtió por 15 años en la ultima producción discográfica bajo la firma de The Refrescos.

 Si bien no seria hasta el años pasado cuando Bernardez decidió reactivar el proyecto de The Refrescos, en 2009 Bernardez saco a la luz un proyecto llamado The Gambas, el cual fue creado junto a diferentes músicos de algunas bandas de ska españolas. Aunque había algunas diferencias, The Gambas fue un proyecto con la misma idea y concepto que The Refrescos, y el cual solo han editado un disco titulado Alegría Social.

 Esta es la propuesta de la semana, The Refrescos y su regreso discográfico llamado Sal y Sol, que después de 30 años de su debut  y como su mismo nombre lo dice, siguen manteniendo ese sonido refrescante, y que nos muestra una de las tantas facetas del ska, si la semana pasada hablábamos de virtuosismo musical del ska-jazz, esta semana hablamos de irreverencia musical y buen humor, pero con calidad, esos si.

Nuevas experiencias aurales: Bodysong de Jonny Greenwood

Ésta es una recomendación para todos aquéllos que gustan de escuchar un poco (o un mucho) de Radiohead, así como para todos los que simplemente tengan ganas de acercarse de una manera amable a la música experimental. Jonny Greenwood -multiinstrumentista, compositor y guitarrista de Radiohead- compuso esta música en 2003 como soundtrack para una película de arte llamada Bodysong (Bodysong, 2003). Este documental, dirigido por el británico Simon Pummel, es una recopilación de vídeos hechos en el transcurso de un siglo que hablan acerca de la vida humana. El soundtrack de Greenwood les da vida y voz, pues no hay un solo diálogo.

Jonny Greenwood
Jonny Greenwood

Así como la vida, la música de Greenwood es inmensamente variada y nace de múltiples influencias. Lo increíble es que de todas maneras escuchamos la voz personal del compositor en cada una de ellas. El disco comienza con Moon Trills, una rola en la que podemos escuchar reminiscencias de Pyramid Song (Radiohead), así como del Cuarteto Para el Fin de Los Tiempos de Messiaen: acordes al piano en frente de una cortina de cuerdas (interpretadas por el Emperor String Quartet) y Ondas Martenot. El recién nacido y su serpenteante llegada al mundo. Poco después viene Iron Swallow, una pieza para cuarteto de cuerdas donde una melodía arrebatada se desliza sobre una cama de pizzicatos.

En Convergence nos encontramos con una pieza para percusiones donde un proceso de transformación nos lleva de lo rítmicamente estable al unísono rítmico, pasando por lo semi-caótico. Splitter es una pieza más arraigada a la tradición del jazz, pero que también recuerda de alguna manera a rolas como The National Anthem: la locura de los metales soportada por la locura del bajo y la batería.

24 Hour Charleston es una de las pocas piezas donde aparece la guitarra eléctrica (lo cual resulta sorprendente tomando en cuenta el papel de Greenwood en Radiohead), tocando un riff que podría haber sido sacado de Hail to The Thief. Ya a punto de terminar, Milky Drops From Heaven es una inyección cargada de free jazz y densidad electroacústica, probablemente la pieza más ruidosa del disco (¿representa acaso la agonía de un moribundo?).

Jonny_Greenwood,_May_11,_2008

Greenwood termina con Tehellet, pieza para cuarteto de cuerdas y electrónica, que parece ascender interminablemente: la energía en su forma más pura es liberada de la prisión corpórea y se pierde en las inmensidades del universo.

Algo que llama mucho la atención es que al escuchar este disco, uno se percata de cuáles son los ingredientes que Jonny Greenwood ha aportado al guiso que es Radiohead. Junto con Thom Yorke y Nigel Godrich, Greenwood es una parte esencial de la ecuación creativa. En esta obra encontramos muchos de los timbres característicos de Radiohead, así como sucede en Amok de Atoms for Peace (donde la mano de Thom Yorke resalta clara como el agua) y en Sea Change de Beck (producido por Nigel Godrich y Nigelgodrichesco en su plenitud).

Después de componer Bodysong, Greenwood ha hecho numerosos soundtracks para películas como Petróleo Sangriento (There Will Be Blood, 2007), Tokio Blues (Norwegian Wood, 2010), Tenemos que hablar de Kevin (We Need To Talk About Kevin, 2011) y The Master (The Master, 2012). También ha compuesto varias piezas para la orquesta de la BBC, que lo contrató en el 2004 como compositor en residencia. Es muy inspirador ver cómo artistas como Jonny Greenwood, a pesar de tener un lugar asegurado en la historia de la música gracias a su trabajo con Radiohead, siguen superándose, experimentando, probando cosas nuevas y buscando expresarse a través de distintos medios. Pocos lo hacen como él, debo decir: Jonny Greenwood es un músico hecho y derecho.

Lluvia de Palos presenta: Tlaltekuinilistli

El 26 de abril tuve la maravillosa oportunidad de acompañar al ensamble Lluvia de Palos en la presentación de su disco Tlaltekuinilistli. Con un concierto y una conferencia en la Sala Carlos Chávez, este peculiar grupo musical comenzó una nueva etapa en su prometedora trayectoria artística.

 Lluvia de Palos, ensamble liderado por José Navarro (fundador también de Banda Elástica), es un grupo que hace música contemporánea con instrumentos pre-hispánicos. Esto les da un sonido muy particular: timbres arcaicos utilizados en un contexto de improvisación contemporánea.

 Tras el increíble concierto que dieron, donde embelesaron al público con una música desbordante de energía vital, platiqué un poco con Manuel Andrade -miembro de la banda, joven percusionista y estudiante de composición en la Escuela Nacional de Música- acerca del proyecto.

Samir Pascual
Samir Pascual

 Le Ramis: ¿Cómo es el proceso de composición y arreglo de las piezas?

 Manuel Andrade: Podría decirse que el proceso composicional de la música lleva como uno de los elementos claves la improvisación. Es un proceso que lleva tiempo, en el sentido de que sí, las piezas se escriben, pero van cambiando poco a poco a lo largo de estarlas tocando, pues se experimentan detalles pequeños a lo largo de cada ensayo. Así, después de un año, las piezas son reconocibles pero no necesariamente iguales. Hay una idea general, pero se va desarrollando poco a poco hasta llegar a una última versión, que es la versión del disco. De ser necesario se busca una manera de hacer una notación específica para cada pieza. Tal es el caso de “De mar a viento” u “Olla flechada”. Casi todas las piezas están compuestas por José Navarro.

 L. R: Tú que eres compositor además de percusionista, ¿cuáles son los retos de componer para un ensamble de puras percusiones?

Luis Miguel Costero
Luis Miguel Costero

 M. A: Creo como compositor que uno de los aspectos más interesantes de las percusiones son las variedades tímbricas que tiene un solo instrumento. Es muy importante considerar que al ser percusiones, cada uno de los integrantes debe desempeñar un papel que ayude al compañero a crear un ambiente específico o a desarrollar una idea en particular.

 Con esto me refiero a que cuando se compone se debe buscar la manera de que nadie opaque a nadie, y de que cada uno ayude con su parte a crear música. A veces es mejor no tocar nada si la música lo necesita, y después de un rato de silencio entonces tocar sólo si es necesario. Eso no solamente al componer, si no también al improvisar.

 Es determinante desarrollar un buen trabajo en equipo para obtener ideas que pueden desarrollarse y utilizarse en una composición. Algo fundamental para lograrlo es el escuchar lo que están haciendo los demás, como sucede en “Golpeando el viento la luna”.

 L. R: ¿Crees que el trabajo de José Navarro con la Banda Elástica influencia de alguna manea su trabajo con Lluvia de Palos?

 M. A: Por supuesto. Es con Banda Elástica que Pepe empieza a usar los instrumentos de percusión prehispánica. Aquí se ve muy claro lo que te explicaba del cambio gradual de una pieza a lo largo del transcurso del tiempo. Es con Banda Elástica que se empieza a trabajar de una manera inusual en una banda. Cada disco que tiene ellos es distinto al anterior y busca serlo, creo que es parte de lo que da pie al surgimiento de Lluvia de Palos. Luis Miguel Costero y Pepe llevan varios años trabajando juntos, ambos son integrantes tanto de Banda… como de Lluvia…

 L. R: ¿Qué instrumentos prehispánicos utilizaron para este disco?

 M. A: Pffff (piensa), son varios: Huehuetl, Teponaztlis, flautas y ocarinas de barro, caparazones de tortuga, sonajas, piedras, raspadores, ollas, sartales, palos de lluvia, campanas de barro, tambores de agua, tambores raramuri, caracoles marinos, entre otros. El DVD tiene una sección donde se muestran los instrumentos.

José Navarro L. R: Leí que además de los instrumentos, toman cosas de la cosmología y la visión pre-colombina para su quehacer artístico, ¿De qué manera funcionan los elementos extramusicales pre-colombinos en esta producción?

 M. A: Son fundamentales. Para esto hemos leído sobre todo a López Austin. Libros como Cuerpo Humano e IdeologíaTamoanchan y Tlalocan. Además del estudio del náhuatl, que es muy rico y muy profundo. Pepe lleva años estudiando y bueno hay quienes estamos empezando a estudiarlo. Es uno de los aspectos más importantes del grupo. Existe un libro muy bueno titulado México Profundo de Guillermo Bonfil Batalla, en el cual se muestra la importancia de reivindicar a las sociedades indígenas en un continente “occidentalizado”.

Lluvia de Palos no pretende hacer música prehispánica, pero para componer se toman ideas de las experiencias y lecturas de la cosmología. También como parte del enriquecimiento y retroalimentación del grupo se han hecho varios temazcales ceremoniales.

 L. R: ¿Cuánto tiempo duró la grabación y producción de este disco?

 M. A: Poco más de un año.

Manuel Andrade
Manuel Andrade

 L. R: ¿Tuvieron algún apoyo económico en el proceso?

 M. A: Si: por parte de Epromúsica, Estimulo hacia la producción musical, Conaculta INBA y Coordinación Nacional de Música y Ópera.

 L. R: ¿Dónde se podrá comprar el disco?

 M. A: Me parece que en las librerías Gandhi, en MixUp, en los conciertos del grupo o directamente con los músicos. Creo que también por internet.

 L. R: Ya tienen el disco, ¿ahora qué sigue?

M. A: Aún falta mucho por hacer (ríe). Pues creo que descansar una semana (ríe) y después seguir en los ensayos. Muchas veces dedicamos tiempo del ensayo para gestionar. El disco nos ayudará a promover nuestro trabajo, pero es apenas el comienzo de otra etapa nueva. Sigue desarrollar nuevas ideas para nuevas composiciones y seguir trabajando las que ya tenemos.

 Quiero mencionar otro de los aspectos importantes del grupo, que es la idea de la interdisciplina. Música y danza están muy relacionadas entre sí. Hay periodos en que los músicos tomamos pequeños talleres de danza, o una que otra clase de Aikido. Pepe practicó esta arte marcial durante 8 años y la interdisciplina es parte de lo que pretende abordar Lluvia de Palos. De hecho, existe ya una presentación que incluye música y danza, se llama Ojos de Tierra (pueden verla aquí).

Vallanzaska y la degeneracion de la generacion

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Alrededor del mundo hay algunas escenas musicales donde, por ciertos motivos suelen destacar tal vez mas que otras; la escena del ska italiano desde su origen (hace mas de 30 años) ha sido un referente mundial en cuanto a ska de buena calidad, con bandas pioneras como los Casino Royal, Statuto o la Banda Bassotti entre muchas otras mas que han sonado a lo largo de todos estos años.

Actualmente las bandas italianas siguen manteniendo ese nivel musical y una de las bandas consideradas entre las mas importantes y representativas de este ritmo son los Vallanzaska, quienes el pasado 28 de marzo sacaron a la venta su nueva producción discográfica titulada: Thegenerazione. La agrupación no sacaba nuevo material discográfico desde hace 3 años, cuando en el 2011 editaron el disco Spaghetti Ska, un álbum recopilatorio con el cual conmemoraron sus primeros 20 años de carrera musical.

Thegenerazione está editado bajo el sello Maninalto! Records (una de las disqueras que mas difunde y apoya el ska y demás ritmos derivados por allá, en las tierras italianas) y cuenta con la participación de diversos músicos y cantantes de la escena italiana como  Paletta bajista de la banda punk Punkreas o Antonio Di Rocco vocalista de Matrioska, e incluso hay una colaboración del español sumamente italianizado Tonino Carotone.

Este album cuenta con el ya característico sonido de la banda, un sonido frenético y alegre con el cual al escuchar los primeros acordes te darán ganas de ponerte a bailar, otra característica de la banda y que este disco no podía dejar fuera son sus letras con un toque humorístico peros con crítica social, tratando de generar un poco de conciencia en cada persona que escuche su música.

Tomando el nombre del conocido criminal Renato Vallanzasca y tocando principalmente covers de Madness y The Specials, Vallanzaska inició su carrera musical en Milano por allá en el año de 1991 pero no sería hasta 10 años después con la salida de su tercer álbum Ancora una Fetta que la banda alcanzaría la masividad y el reconocimiento en su país, siendo actualmente considerada como una de las bandas más importantes y representativas del ska Italiano, formando parte constantemente de diversos acoplados, tanto de ska italiano como internacional.

Aunque el disco físicamente salió a la venta el 28 de marzo, desde el 21 de marzo ya se podía comprar de manera digital, para promocionar el álbum los Vallanzaska iniciaron el 14 de marzo una gira por el territorio italiano.

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Thegenerazione es un álbum que resultará agradable para aquellas personas que ya conocen a la banda o están familiarizadas con estos ritmos, ya que sigue manteniendo la frescura y el sonido característico del grupo; que si bien siempre se ha caracterizado por tener una base ska, se conforma de varios sonidos pasando por el punk, hasta tener algunos toques de música electrónica.

Pero lo mas importantes es que, para las personas que este tipo de sonidos aun sigue siendo un tanto extraños, Vallanzaska y este disco resultan sumamente fáciles, de escuchar, pues a pesar de continuar con esa esencia que los ha caracterizado desde un principio la agrupación ha sabido ir actualizando su sonido, lo que te puede puede llevar a indagar a profundidad sobre este tipo de música.

El nuevo álbum de Vallanzaska es un claro ejemplo de que la música festiva y desenfrenada no tiene por que estar peleada con la calidad musical, por lo que no caería nada mal que algún día esta banda visitara nuestro país, ahora que cada vez es más común observar bandas (de ska y ritmos relacionados) de talla internacional en nuestro país.

“Faul” McCartney, la leyenda tras The Beatles

Una banda tan mítica y exitosa como The Beatles debe tener secretos, secretos que se convierten en leyendas dependiendo su magnitud. Uno de los más famosos es la dichosa muerte de Paul McCartney.

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 La leyenda dice que un martes 8 de noviembre de 1966, durante las grabaciones del álbum Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band, McCartney salió a altas horas de la noche, después de discutir con John Lennon. Paul McCartney iba manejando a alta velocidad, cuando se encontró una chica llamada Rita, él se ofreció a llevarla y ella accedió.

 Era una noche lluviosa y McCartney iba a alta velocidad cuando se estrelló con un camión, degollándolo; por suerte, Rita salió ilesa. Horas más tarde los otros 3 Beatles estaban exhaustos por las intensas grabaciones del álbum e iban a regresar a sus casas pero al salir los detuvo una furgoneta negra conducida por un agente de la MI5 llamado Maxwell que les contó el accidente de Paul.

 Al llegar a la escena del accidente, Lennon vio un cuerpo envuelto en una sábana y se le pidió que lo identificara, desgraciadamente era el mismo Paul . Los Beatles fueron llevados a una casa secreta de la MI5 donde Maxwell hizo muchas llamadas informando la muerte de McCartney. Al darse cuenta de la magnitud de la noticia, los Beatles restantes estuvieron de acuerdo en buscar a un “doble” seleccionando a Willian Campbell.

william_campbell Algunos no creen que esto haya pasado, pero, otros han indagado en pistas que los miembros de la agrupación implantaron en sus canciones y portadas de discos, lo que nos hace analizar y pensar en la posibilidad de que sea verdad.

 En el disco Sargent Pepper’s Lonely Hearts Club Band tenemos una pista muy famosa, en la contraportada del disco de vinil se ve a los cuatro Beatles portando los coloridos trajes de soldados, tres de ellos están viendo hacia el frente menos Paul quien está dando la espalda, lo que la mayoría interpreta como señal de “ida” del cantante.

 En el mismo disco, pero en la portada también hay símbolos extraños, se dice que todos están reunidos en una ceremonia fúnebre ya que en la parte inferior de ellos parecía haber una tumba adornada con flores y un bajo, hecho de flores mirando al lado izquierdo, ya que el músico es zurdo, y con solo 3 cuerdas, lo que significaría que faltaba un Beatle.  Por otra parte, sobre la cabeza de Paul, aparece una mano abierta. La mano abierta es un símbolo de la muerte en algunas religiones orientales. Es el caso, por ejemplo, de la llamada “Jain Hand”, un símbolo de una doctrina hindú que representa la reencarnación del alma .Este hecho cobra aún más significado si tenemos en cuenta la relación de la agrupación con la cultura hindú.The-Beatles-Sargent-Pepers

 En la parte inferior derecha, se ve una televisión apagada lo que simboliza el luto de los medios ante el deceso.

 Son muchos los símbolos, tanto en las portadas de los discos como en las canciones, algunos más evidentes que otros, pero solo los miembros de la banda y la gente más allegada a ellos, saben la verdad. Quizá solo sea una treta publicitaria que los hace una banda aún más interesante o quizás si sea verdad y al que vemos en pantallas y en conciertos sea un impostor, pero eso ya es cuestión de cada persona. ¿Tú qué opinas?

 Lo que nunca quedará en duda es el talento de este enorme y legendario cuarteto.

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Lonely Motel: Music From Slide (o “King Crimson meets Renaissance Music meets Performance meets Contemporary Art song”)

Hoy me gustaría hablar sobre un disco que es uno de mis grandes favoritos: Lonely Motel: Music From Slide. Esta grabación fue hecha para permitir que el mundo conociera la música de una pieza teatral llamada Slide, coproducción de Steven Mackey y Rinde Eckert (que ya han trabajado en conjunto para llevar a cabo otras obras galardonadas como Ravenshead y Dreamhouse), ganadora del Grammy a Mejor Interpretación de Ensamble de Cámara en el 2011 y nominada a otros 3 (entre ellos Mejor Composición Contemporánea).

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 Se podría pensar que, a falta de representación escénica, el disco sufriría de algunas carencias insalvables, pero resulta sorprendente percatarse de que el audio por sí mismo se sostiene impecablemente. Es muy probable que tenga que ver con el hecho de que Slide, más que una ópera o un musical, es más bien una colección de 11 canciones que retratan la personalidad y la vida del personaje principal: un psicólogo que, después de ser abandonado por su prometida en el día de su boda, irónicamente (o tal vez no tan irónicamente) comienza a volverse un poco loco.

 Steven Mackey: compositor, guitarrista, improvisador y maestro de Princeton, compuso esta pieza especialmente para el ensamble Eighth Blackbird, que, según palabras del propio Mackey,

“Es un raro grupo que puede tocar una polirritmia compleja y además “groovear” sobre un pulso constante” (http://stevenmackey.com/composer. 2010)

 

 Utilizo “groovear” como un intento de latinizar la palabra “groove” o “swing”, que es el sentimiento rítmico característico de estilos como el jazz o el rock. Y es que esta obra, como muchas de las cosas que ha hecho Mackey, busca sintetizar muchas de las características de la música popular con las de la música “culta”. Y es muy cierto que pocos ensambles podrían haber realizado el trabajo que hizo Eighth Blackbird, pues Slide tiene un poco de todo y, por esta misma razón, presenta múltiples y complicados retos para los intérpretes.

 Es increíble pensar que una canción como “She Walks”: dulce, con tintes renacentistas y con la voz de Rinde Eckert cantando en un falsete a la castrati; pueda encontrarse al lado de “Ghosts”: una rola netamente rockera, donde la guitarra eléctrica de Steven Mackey lanza furiosos riffs distorsionados al lado de una cruda batería y un bajo eléctrico. Y lo más impresionante es que a pesar de esto, Mackey logra mantener una coherencia absoluta a través de toda la obra.

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Como ya he dicho, Slide cuenta la historia de un psicólogo llamado Renard que está perdiendo un poco la cordura. Rinde Eckert se basó en un experimento psicológico real para crear a su personaje. En este experimento se les mostraba unas imágenes borrosas a algunos sujetos para que intentaran adivinar qué era lo que realmente se encontraba en dichas imágenes. Después, al aclarar las fotos, se tomaba el tiempo en el que los sujetos se percataban de si habían acertado o no. Renardal estar recordando el experimento, comienza repentinamente a observar su vida en una alternancia de imágenes borrosas y claras: todo de lo que estaba seguro se difumina y se vuelve confuso; y las cosas mágicas que le daban misterio y sabor a sus recuerdos se aclaran dolorosamente y desaparecen.

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Steven Mackey utiliza esta contraposición entre lo borroso y lo claro para conseguir unos efectos musicales bastante interesantes. En “She Walks”, por ejemplo, la canción termina con un solo de chelo que fluctúa entre una melodía tremendamente apasionada y unos glissandos terribles que imitan la estática informe de la señal de radio. Otro ejemplo es la rola más importante de la obra: “Stare”, que comienza con una progresión armónica en el piano que tiene un ritmo tan difuso que es imposible de metrificar. Poco a poco, se le une la percusión y más tarde el clarinete y el violonchelo, haciendo del ritmo algo cada vez más concreto. Al final, cuando entra la voz, lo abstracto ha entrado en foco, y la masa musical sin forma se ha convertido milagrosamente en una linda canción.

Realmente es complicado describir Lonely Motel: Music From Slide con palabras. Es una obra sumamente energética, llena de contrastes y con un trabajo compositivo finísimo. Es fácil ver por qué Steven Mackey es hoy uno de los compositores más importantes de su generación: en él se ven perfectamente realizadas tanto las formalidades y complejidades de la academia como la fuerza y la emoción del rock.

Il Visore Lunatique, para volverse (literalmente) locos de gusto

Es complicado imaginar que una banda que suena como Descartes a Kant, no sólo esté teniendo cada vez más éxito y reconocimiento, sino que lo esté consiguiendo dentro de México. La primera vez que escuché “Buy All My Dreams”, su primer sencillo del disco Il Visore Lunatique (2012), sencillamente no podía creer lo que estaba escuchando (conózcanlo aquí). Y no es cuestión de ponernos a valorar si son mejores o peores que las otras bandas que normalmente escuchamos en este país, sino que son indiscutiblemente originales.

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 Es complicado encasillar a este disco en un estilo definido, aunque definitivamente una de las características que mantienen la cohesión es el uso constante de la contraposición entre melodías dulces con tintes infantiles y la energía disonante del Noise Rock. Aunque también podemos encontrar familiaridades con la música de cabaret, los musicales de Broadway, el jazz, el rap, y el blues.

 Ellos mismos han mencionado como una influencia importante de toda la banda a Mr. Bungle, conjunto musical lidereado por el legendario vocalista Mike Patton y caracterizados por no poder (ni querer) estarse quietos en ningún estilo. Yo me atrevería incluso a ir un paso más atrás y decir que tienen algo de la tradición musical de John Zorn (lo cual no es sorprendente si tomamos en cuenta que Zorn fue el productor del primer disco de Mr. Bungle): no tanto por los rasgos musicales que utilizan, sino por la cualidad casi caricaturesca con la que manejan sus materiales, donde no hace una falta una transición calculada o una preparación auditiva para pasar de un elemento a otro sumamente contrastante.

Así como sucede en la pieza para cuarteto de cuerdas “Cat O’ Nine Tails”, de John Zorn, en Il Visore Lunatique los cambios anímicos suceden de golpe y sin aviso.

 Algo digno de notar es la evidente evolución musical que han sufrido (o disfrutado, más bien) desde su primer disco Paper Dolls (2008). No sólo les costó más de 3 años de afinación, sino algunos cambios de alineación y una intensiva investigación estilística. Pero es claro que valió la pena. No sólo obtuvieron un disco que es muy disfrutable y que mantiene al escucha al borde del asiento preguntándose qué pasará después, sino que la abundancia de detalles en los arreglos musicales resulta tanto gratificante como sumamente interesante. Tomemos por ejemplo la “reexposición” (me abstengo de llamarle “segundo verso” por el simple hecho de que el “coro” funciona más bien como una parte B contrastante) del tema principal en “The Peter Pan Syndrome”. En poco más de un minuto y medio de música suceden muchas cosas que vale la pena mencionar: Por sobre una base rítmica con motivos reiterativos llevada por la batería y el bajo, un teclado lleva una especie de riff melódico que enloquece con bendings, cambios repentinos de octava, glissandos disonantes y secciones que parecen sacadas de una pieza electroacústica. Las voces femeninas se quejan, gritan desgarradoramente y lloran sin consuelo. Sin aviso alguno, el tempo se acelera repentinamente y sentimos que caímos vertiginosamente en la desesperación. Y todo esto intercalado por unos característicos “truenos” musicales: momentos de ruido e intensidad máxima que duran tan sólo un instante, un golpe de adrenalina para llamar nuestra atención (como si esto fuera necesario).

 Para terminar, me gustaría mencionar que el ambiente general de locura que transpira esta producción no es para nada un atributo fortuito: para llevar a cabo este proyecto, Descartes a Kant se basó en la vida y obra de la escritora neoyorquina Victoria Dickens. Tomaron a algunos de los personajes que dicha escritora ha creado mientras se encuentra en una clínica de rehabilitación psicológica y los plasmaron en cada una de las 11 canciones que conforman el disco. No sólo influenció esto el estilo tan bipolar de la música y de las letras, sino también el interés tan particular de la banda por ejercitar la teatralidad en sus shows en vivo. Para lograr esto, se apoyan en diversos vestuarios, actuaciones excéntricas y elementos de performance. Resulta muy emocionante ver cómo las cantantes salen del escenario (como ilustraciones que escaparan de un libro) para interactuar con el público y arrojar espuma y confeti sobre sus cabezas.

 Espero que esta nota baste para incentivar su curiosidad acerca de esta increíble banda. Busquen sus discos y, sobre todo, asistan a sus tocadas. El apoyo que les podemos dar es lo que se necesita para que más agrupaciones con esta calidad y originalidad surjan y se mantengan en este país.

Si te sientes mal, llama al Doctor

Dentro de la música siempre hay personas que nunca paran, siempre andan proyecto tras proyecto, uno de estos casos es el del alemán Richard Alexander Jung, mejor conocido como el Dr. Ring Ding.

Cantante, trombonista, compositor, etc. Debido a la calidad e infinidad de proyectos  tanto de ska como de Reggae, Dancehall, Dub, etcétera,  actualmente es una de las personas que encabezan la escena alemana, europea y mundial  del Ska y  música originaria de Jamaica, pero no solo con sonidos provenientes de la isla, ya que su repertorio musical abarca desde el Jazz hasta Hip-hop.

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 Actualmente el Dr. Ring Ding se encuentra promocionando un disco titulado Ska’n Seoul, que grabó con la banda originaria de Corea del Sur llamada Kingston Ru Dieska. El sonido de este disco está más enfocado  hacia los ritmos clásicos del Ska, pero como es de esperarse, tienen  ese toque especial que el Doctor sabe darle a su música.

 Kingston Rudieska se formó hace 10 años y su sonido, a diferencia del Dr. Ring Ding, se caracteriza por revivir más la composición clásica de la música de Jamaica, pero que combinados con la experiencia del alemán, dan como resultado un excelente disco.

Siempre genera cierta curiosidad saber de este tipo de proyectos, donde grandes músicos se unen para grabar algún álbum, ya que por lo general los resultados siempre son buenos y tratándose del Dr. Ring Ding es una garantía; No por nada es una de los músicos  más solicitados por diversas bandas del mundo, ya sea para cantar, tocar el trombón o para hacer un poco de toasting.dr-ring-ding-skan-seoul-cd-slNS26

Pues esta es la recomendación de la semana, esta vez Dr. Ring Ding & Kington Rudieska; garantía de calidad, o  ya sea cualquier otro proyecto del Doctor como Kingston Kitchen (junto a los Rotterdam Ska-Jazz Foundation) Dr. Ring Ding & The Senior Allstar, Dr. Ring Ding Ska-Vaganza, El Bosso & Die Ping Pongs y más, que si continuamos jamás terminamos. Por si fuera poco, actualmente también anda de gira con sus compatriotas de The Busters.

 

 

 

Shadowbang: Música contemporánea, gamelán, rock y (¿por qué no?) títeres

 En el 2003 salió a la venta un disco bastante peculiar, Shadow Bang, resultado de la colaboración del compositor Evan Ziporyn, el ensamble Bang On a Can All-Stars y el titiritero balinés I Wayan Wija. Esta magnífica obra de arte resulta muy relevante por su eclecticidad tan característica como arriesgada, su tremenda originalidad y su manera única de expresar emociones. En una hora dividida en ocho movimientos, Ziporyn nos deja en claro por qué es uno de los exponentes más importantes de la música contemporánea.

Evan Ziporyn
Evan Ziporyn

 Evan Ziporyn -que además de compositor es clarinetista- es ciertamente un creador posmodernista. Desde la música académica hasta el rock, pasando por lo oriental, este gran artista es capaz de moldear sus materiales musicales de maneras inusitadas.

 En Shadowbang, Ziporyn nos demuestra que hoy en día la música popular y la música “culta” en realidad ya no están tan peleadas. Como buen exponente del totalismo musical, utiliza recursos de la música culta (como la variación constante de su material, la instrumentación y el uso de ritmos extremadamente complejos) así como de la popular (el uso de instrumentos como la guitarra eléctrica, el bajo y la batería; el uso de patrones de repetición; y la selección de una armonía hasta cierto punto reducida).

 Un muy buen ejemplo es el quinto movimiento, “Meditasi – Pesta Raksasa”, donde se pueden escuchar al mismo a las percusiones y al contrabajo realizando un patrón rítmico con tintes jazzeros, a una guitarra eléctrica coloreando el espacio con ruidos provenientes de rasgar las cuerdas con las uñas, a una segunda guitarra y un clarinete cantando melodías fragmentadas y a la voz gritando y gimiendo a su propio tempo (es decir, a una velocidad y ritmo distintos de los demás instrumentos).

Bang on a Can All-Stars
Bang on a Can All-Stars

  Si quieren saber más acerca del movimiento totalista, un género musical con una libertad sin precedentes, pueden leer este artículo.

Es importante mencionar también la influencia oriental en Shadowbang. Ziporyn estudió un tiempo en Bali (una pequeña isla de Indonesia), donde aprendió gamelán y tuvo contacto con la vida musical de ese lugar (para conocer lo que es vean este maravilloso video). En el material, esto resulta patente en el uso de polirritmias complejísimas (cuando un instrumento lleva un ritmo que se contrapone al de otro instrumento, creando un efecto como de “disonancias rítmicas”), los colores (son característicos los timbres metálicos), la temática (los textos fueron extraídos de una historia del Ramayana) y, sobre todo, el uso de cantos influenciados por la tradición balinesa. El proveedor de dichos cantos es ni más ni menos que el famoso titiritero balinés I Wayan Wija, un maestro del teatro de sombras que es toda una celebridad en su país de origen. I Wayan Wija nos cuenta una historia extraída de los textos sagrados del hinduismo, mezclando la prosa con el canto en un alarde de comicidad y frescura.

Teatro de sombras balinés
Teatro de sombras balinés

 No queda más que insistir en que escuchen este maravilloso disco, que se puede conseguir fácilmente en iTunes Store o en Amazon.

En una época donde la música contemporánea se encuentra en total desconexión con el público, este tipo de piezas buscan tender un puente entre el artista y el espectador y, la verdad, lo hacen de una manera formidable.