Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

Originally posted 2012-12-13 22:38:15. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

En Junio, Distrito Presenta

Después de Distrito Era, Distrito Animal, Distrito Ritual, y varias otras fiestas que nos han dejado un conjunto de recuerdos muy especiales, Distrito Global regresa este 2014 al circuito de fiestas y propuestas culturales de la Ciudad de México con Distrito Presenta, un festejo con el sello de la casa donde podremos disfrutar de una de los mejores propuestas de música electrónica contemporánea, compartiendo escenario con grandes exponentes de la escena nacional.

Como siempre, Distrito Global propone su evento en un lugar extraordinario. El Centro Cultural México Contemporáneo, simplemente fascinante, promete generar un ambiente perfecto para esta noche especial.

Entre las bandas invitadas:

Com Truise es una de las múltiples facetas del productor y DJ neoyorquino Seth Haley, un amante de los sintetizadores cuyo aprecio por la ciencia ficción ha tomado forma en una muy particular propuesta musical. Por alrededor de una década, este mastermind de los sintetizadores se ha encargado de explorar la música a través de diferentes seudónimos y personajes, pero es a través de su alter-ego Com Truise que ha logrado trascender en la escena internacional de música electrónica. El artista evoca así un entorno galáctico que, como sus otros trabajos, perfectamente podría ser el soundtrack de alguna película de ciencia ficción, y de la cual formaremos parte el próximo 6 de junio en Distrito Presenta.

Originario de Michoacán, Anti Gravity es desde hace algunos años residente de la Ciudad de México, este moderno narrador de historias musicales es una de las joyas nacionales de la música electrónica y a quien vale la pena prestar oídos.

Com Truise

Con una propuesta vanguardista de una limpieza sonora inigualable en la escena mexicana, este DJ es un creador de experiencias sonoras que ha podido apreciarse principalmente en el circuito hasta cierto punto underground. En esta ocasión, será uno de los encargados de ponernos en la atmósfera abriendo el escenario para Com Truise y estrenando además, una sofisticada escenografía para sus próximos shows.

AntiGravity es colaborador de Aztek Electronic Music, sello independiente mediante el cual editara hace un par de meses el EP Rōnin, trabajo inspirado en los samurai sin amo del Japón feudal en el que se incluyen además, versiones especiales de Blanco Son, Nahuatl Jaguar y Ohuican.

Para cerrar la noche, Rubinskee, proyecto de Moisés Iván Riestra, productor y músico considerado una de las principales referencias del house nacional hoy en día.

Después de más de un año sin publicar producciones propias, Rubinskee regresa a la escena nacionalcon un poderoso EP a punto de salir del horno, titulado Pressure Points. Apenas hemos podidoescuchar un preview de su nuevo material en Soundcloud, pero esta probada es suficiente para entenderuna propuesta musical muy sofisticada, que sin duda, tendrá eco en la escena nacional.

Distrito Presenta será la primera ocasión en que podremos escuchar su nuevo material completo en vivo. Además, el productor estará celebrando el reciente nacimiento de su propio sello responsable de su próximo lanzamiento), el cual comparte con sus compatriotas Neon Rider y Love Bites, así como con el canadiense Mike Khayata.

COMPRA DE BOLETOS

22:00hrs

$250

Red de amigos de Distrito Global

Online: http://distritoglobal.ticketleap.com/comtruise/

Pizzerías Cancino

+ Cancino – Glorieta de la Cibeles #13 Col. Roma

+ Havre – Havre #64 Col. Juárez

+ Cancino –Rafæl Rebollar #95 Col. San Miguel Chapultepec

Originally posted 2014-05-29 02:16:24. Republished by Blog Post Promoter

Albert Hammond Jr. en el Plaza Condesa

Por: Eddy López

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A las 9:15 pm del pasado Viernes 21 de marzo, en el Plaza Condesa de la Ciudad de México, se presentó Albert Hammond Jr., dando uno  de los conciertos más íntimos y agradables al haya tenido la oportunidad de asistir.

 La velada comenzó con la presentación de Rey Pila, (banda mexicana que comparte sello discográfico con Hammond, Jr.), que interpretó temas provenientes de su disco homónimo, así como de su Ep Alexander y que como bonus, nos adelantó un tema de su próxima placa musical para así,  dar paso al acto principal.

 Después de un breve arreglo del escenario, los gritos y aplausos se hicieron presentes en el inmueble de la Condesa cuando Albert apareció enfundado en unos pantalones rojos y una chaqueta con el característico Rottweiler, portada de su Ep AHJ.

Captura de pantalla 2014-03-24 a la(s) 23.28.32

 Tras saludar a la audiencia y pedir que bajarán la intensidad de la luz, en parte por molestarle (y en parte por ser “sexier”), el guitarrista comenzó los acordes de “Lisa” y con ellos 80 minutos de un show que emanó carisma californiano, mezclado con el estilo de NYC, combinación que dio como resultado un espectáculo digno de repetirse, pues la entrega del músico provocaba que el  público se volcara en gritos, que a su vez, emocionaban al intérprete.

 El setlist de la noche estuvo compuesto por temas provenientes de sus tres entregas, siendo las más coreadas los sencillos: “In Transit”, “Back to The 101”, “Hard To Live In The City”, “Victory At Monterrey”, “Everyone Gets A Star” y “Strange Tidings”. Pero sin duda alguna, el momento de la noche se lo llevó la parte final del concierto, cuando después de interpretar un cover de The Misfits, Albert nos deleito tocando solo con su guitarra, sin necesitar un espectáculo de luces o una banda entera (quienes a propósito tocan excelentemente).

 En su estado primitivo, fue capaz de transmitir toda la pasión que tiene por la música en los temas “Call An Ambulance” y “Blue Skies”; para después despedirse y volver con el clásico encore, aunque fuese sólo una canción, y finalmente despedirse del público mexicano, entregado como siempre, al que le prometió volver pronto.

 Si se tuviese que describir el concierto de Albert en una palabra, esta sería: Fantástico.

 Lo Bueno: La entrega de los músicos, tanto de Rey Pila como Albert Hammond, Jr. y su banda fue de lo mejor, se nota que son grupos que disfrutan de dar conciertos y entregarse a su audiencia.

 Lo Malo: Hubo ocasiones en que la calidad musical sobrepasaba la calidad del audio ocasionando imperfecciones a los sonidos.

Originally posted 2014-03-25 00:04:21. Republished by Blog Post Promoter

Cuexcomate: el volcán

El sol parece que se coloca más alto y baña de luz aquel lugar profundo y cercado. De niña acompañaba a su padre junto con su hermano a comprar al mercado lo necesario para que su abuela hiciera la comida del día, siempre miró asombrada al cúmulo de greda que se encuentra en esas calles tranquilas y limpias, con frecuencia le preguntaba a su padre ¿qué es eso? Y él con elegancia contestaba: el volcán más pequeño del mundo, el Cuexcomate.

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Medidas curiosas que lo hacen único, medidas acompañadas de historias que han visto desfilar los habitantes:

  • Elevación: 13 metros
  • Diámetro al nivel del suelo: 8 metros
  • Diámetro exterior base: 23 metros
  • Peso: 40 toneladas
  • Metros sobre el nivel del mar: 2,150
  • Primera efusión de agua caliente: 1064
  • Última efusión conocida: 166

Su nombre proviene del náhuatl cuexcómatl y significa olla de barro o lugar para guardar.

Ella aun visita a sus abuelos, no pierde la oportunidad de guardarse un momento en el Cuexcomate, unas escaleras en forma de caracol son la vía para descender lentamente al interior del volcán, estando dentro, vegetación abundante lo adorna y unas luces resaltan el agua sulfurada que proviene del Popocatepetl. La ubicación exacta es la 2 poniente y 3 norte de la colonia La Libertad, en Puebla.

 cuexcomate La historia ha ido de boca en boca, se dice que el Cuexcomate se formó por brote de agua sulfhídrica a través de la salida de agua, consecuencia de la erupción del Popocatépetl en el año de 1064, se rumora que antiguamente los cadáveres de los suicidas en Puebla eran arrojados en el cráter, porque no merecían ser velados ni sepultados; por esa misma época los habitantes circunvecinos eran llamados hijos del ombligo del diablo. Una leyenda cuenta que de los túneles que atraviesan la ciudad, uno de ellos cruza desde el Cerro de Loreto al Cerro de San Juan (Colonia La Paz) y de ahí baja hasta el Cuexcomate, cruzando después, por debajo del río Atoyac para finalizar en las pirámides de Cholula.

En un lugar tan pequeño, con pocos habitantes, está el lugar más curioso donde se puede caminar con seguridad, pero sobre todo es un lugar para pensar y observar una pequeña maravilla que parece desdeñada por los ojos que no solo miran y no saben observar.

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Originally posted 2013-10-15 15:22:45. Republished by Blog Post Promoter

Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

Originally posted 2013-02-20 19:28:47. Republished by Blog Post Promoter

The XX: Coexist

Por: Rodrigo Palomino

@palogriffy

 

El año 2009 estuvo plagado de álbumes debut de talentosas bandas, algunas de las cuales tuvieron la suerte de no quedarse en tener simples one hit wonders, y que pueden llegar de oscilar desde el un alternativo muy festivo, hasta el folk y otros géneros eclécticos. Entre ellas están Mumford & Sons y Florence + The Machine, entre muchas otras. Sin embargo, un grupo que sin duda destacó, y logró llegar a un número impresionante de fervientes seguidores, es The XX.

Esta banda originaria de Londres, enamoró a la audiencia por completo con una fórmula relativamente sencilla, pero absolutamente funcional. Suaves melodías, ligeros beats electrónicos y guitarras hipnotizantes, son los elementos que suelen conformar sus canciones; junto con letras con las cuales es fácil identificarse, al provocar el recordar momentos muy personales (como todas sus canciones).

Desde hace unos 2 meses aproximadamente, The XX sorprendió con “Angels”, el primer sencillo de lo que sería su nueva producción, Coexist. Dicho track cuenta con la firma representativa y fácilmente reconocible de la banda, sin embargo contiene tintes un poco más pesados. Ahora se puede escuchar en su totalidad el disco (Coexist), el cual promete no desilusionar.

El disco sigue con el sonido presentado por The XX en su álbum homónimo, pero introduce algunos beats más bailables. Dentro de lo que cabe, los Londinenses hacen evidente en Coexist la influencia de músicos como Burial y Sade. Dicho álbum contiene también un sonido más melancólico y un tono más bien oscuro; pero las letras, como en el álbum anterior, siguen con la misma temática de amor/desamor. Al parecer, en algunas pistas the XX cambió la fuerte presencia de la tarola por el clap y, en sí, en algunas canciones utilizan una base rítmica que se acerca peligrosamente al house, mientras que en otras se dan el lujo de experimentar con otro tipo de ritmos.

Coexist abre con “Angels”, sencillo que ya prácticamente sabemos de memoria, no pierde el estilo The XX a pesar de llevar unas percusiones que llegan a estar en primer plano. Ésta parece ayudar al escucha para sumergirse en este mundo de Coexist, en el cual se acelera el ritmo y se vuelve más y más bailable in crescendo, como en el caso de “Chained” y “Sunset”, tan sólo para después colapsar en el sonido de melodías como “Unfold”, “Swept Away” y “Our Song”. Vale la pena ponerse los audífonos y perderse en las deleitables armonías, y ritmos que obligan a un suave cabeceo, que esta banda Londinense presenta.

Tracklist de Coexist:

01 Angels
02 Chained
03 Fiction
04 Try
05 Reunion
06 Sunset
07 Missing
08 Tides
09 Unfold
10 Swept Away
11 Our Song

Los dejamos con el vídeo de “Chained” y el stream para escuchar el álbum entero:

http://www.youtube.com/watch?v=DD7IwXWfDW4

Sin duda uno de los discos que seguramente figurará en las listas de fin de año en la crítica musical:

Originally posted 2012-09-07 16:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

chavos

“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

san ciprian

 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

helados

Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

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Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

Jam de escritura en México

Si te gustan la literatura y la música, definitivamente no te puedes perder esta edición de Jam de Escritura que se llevará a cabo este 21 de noviembre en el Museo Tamayo.

Foto de: masaryk.tv
Foto de: masaryk.tv

 En esta ocasión se contará con la presencia del escritor Jorge F. Hernández, el trazo de Alejandro Magallanes y la musicalización en manos de DJ Uriel Waizel, coordinados por el artista visual Nómada.

 Jam de Escritura es un proyecto creado por Adrián Haidukoski y producido por Tai La Bella Damsky en el cual no hay espacio para la lectura en vivo, sino para la escritura, que junto con la música improvisada cada obra se vuelve única e irrepetible. Es importante recordar que el público forma parte de la creación literaria y visual de cada una de las historias, para que con el autor, obtengan una nueva experiencia de artes visuales.

 En esta ocasión la marca de libretas Moleskine está organizando el evento, por lo que dentro de las actividades coordinadas por la productora Damsky se repartirán algunas libretas entre los asistentes.

 En las ediciones de Jam, México ha contado con la participación de escritores como Juan Villoro, Alejandro Almazan, Mónica Lavín, Xavier Velasco, Tryno Maldonado y Alberto Ruy Sánches, entre otros.

 Recuerda que la cita es este 21 de noviembre a las 19:00 horas en el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51). *Confirma tu asistencia escribiendo a jamdeescrituramx@gmail.com

 

Originally posted 2014-11-21 09:00:35. Republished by Blog Post Promoter

¡QUEREMOS CONOCERTE!

¿Qué es Ensayódromo?

Un día, la idea llegó a Chulavista Art House A.C. En teoría, un Ensayódromo sería un espacio acondicionado profesionalmente en el cual las bandas y solistas pudieran ensayar, grabar el audio de su sesión y tener su material en vídeo gracias al streaming. Para ello se contemplaba contar con ingenieros de sonido listos para auxiliar a los proyectos musicales y contribuir a que su sesión fuera increíble. Todo esto a un precio accesible para la comunidad.111

Después de un año arduo de trabajo, el sueño se materializó. Chulavista Art House A.C.  y Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo Universidad, ubicado en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4. Todos los proyectos musicales tienen un lugar en la primera sala de ensayo del proyecto.

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Con el primer Ensayódromo de la Ciudad, llega un movimiento en pro de los músicos del país, el cual tiene como premisa la recuperación de espacios públicos para generar más y mejor infraestructura artística. Creemos que, a la par, podemos aumentar los esfuerzos de difusión del talento artístico. Queremos que la población logre una vinculación con lo que sucede  musicalmente en su contexto.

Es por ello que los invitamos a sumarse a la causa. También agradecemos el apoyo de medios y proyectos amigos comprometidos con la escena artística  nacional como lo son: Distrito Global, Joyride Magazine México, Revista Literaria Infame y Concierto Cable.

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El costo de recuperación de Ensayódromo Universidad es de $150.00 pesos por hora. Para celebrar que el espacio esta listo para ti, regístrate en ensayodromo.chulavista.mx . Además del 23 de junio al 4 de julio te damos dos horas gratis con la grabación en audio de tu sesión incluida, ¿qué esperas…? Cualquier duda, puedes llamar al 36039228.

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Y a ti, ¿en dónde te gustaría tener un ensayódromo?

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Daniel Gómez Nates, una vida dedicada a la difusión del Teatro panameño

Daniel Gómez Nates nació en Ciudad de Panamá el 25 de Junio de 1964. Su infancia se desarrolló protegida por el yugo matriarcal, fue el único unicornio varón alzado firmemente entre una familia grande, entre una tolvanera de luciérnagas conformada por 5 tías, 5 hermanas, en uno de los barrios populares de la periferia, en el barrio de Santana para ser exactos, en una vecindad comunal llena de gente folklórica y espontánea. Mientras su padre, albañil, cimentaba nuevos muros blancos y nuevos techos perfectos; él y su madre, creativa y libertaria, atendían a las distintas radionovelas transmitidas por las emisoras de radio panameñas en esa época.

Es durante el cuarto año de primaria cuando tiene su primer acercamiento formal con el teatro, y es también ese día cuando elige el camino que su vida tomaría. Lobo go home, de Rogelio Sinán, es el carnaval escénico que lo haría interesarse definitivamente en las bellas artes. Con sus entradas y salidas de actores en escena, con sus vestuarios alegóricos, sus cantos y su escenografía desconstruida que ambientaba la obra de manera límpida y tranquila sobre la recuperación del Canal de Panamá. Sin embargo, es hasta el 15 de Febrero de 1981 cuando comienza su carrera de actor de manera concreta presentando El Crédito, una obra de teatro popular panameña de Juan Rivera Saavedra, con el grupo teatral del colegio donde demuestra sus aptitudes en escena. Hace su aparición primera en el teatro justo en el momento donde este arte escénico comienza a volverse novedad en Panamá.

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Iván García reabre la Escuela Nacional de Teatro y recibe una invitación de inscripción por parte de Roberto Mckay, Jorge Castro, José Ávila, entre otros, donde se inscribe y recibe su primer formación actoral formal y se enfila a la fama.

El teatro de barrio es llevado del brazo como un anciano al intentar cruzar la calle, o como infante sin más de tres idas al sanitario, de la mano de Daniel, para terminar en las grandes salas de un teatro adecuado y espacioso, presentarse ahí sin pena, con honor y con elegancia. Donde además es su primer trabajo de dirección teatral, pues, el director original, debe volar a Guatemala para participar en un torneo de ajedrez.

Su formación continúa en Costa Rica, debido a su perspicacia, consigue en 15 días exactos los datos necesarios y la plata justa para viajar y establecerse en la ciudad de Heredia. Es aceptado sin problemas en la Universidad Nacional del Heredia donde toma clases con Luis Carlos Vázquez, uno de los maestros fundamentales en su carrera artística. Permanece ahí hasta finales de 1990 y vuelve antes de las fiestas navideñas a su patria para retomar la acción artística y desarrollar el teatro en Panamá de inmediato, en los primeros meses de 1991.

Sus primeras presentaciones en Panamá fueron Prohibido hablar de sexo en esta casa, obra original del autor, Jardín de Otoño de la argentina Diana Raznovich, y Mi marido tiene otro. Continúa con producciones entre amigos, al hacer teatro de sala con el Grupo Tragaluz, en él se exponían grandes obras clásicas como Edipo Rey, Romeo y Julieta, las tragedias griegas, entre otras. Así mismo, promovió el auge del teatro al bajar los precios de las entradas, de este modo, todos podían ser usuarios tanto de las obras clásicas, como del movimiento de la época, despertando así el interés en él.

A lo largo de su carrera como productor, director de teatro y actor ha recibido distintas clases de galardones como el Premio Crispín Ovalle, el Premio Nacional de Teatro, por su trayectoria, y muchas más preseas como mejor director, obra del año, obra escrita, obra de teatro infantil, de los cuales la mayoría las ha recibido más de un par de veces y no ha cesado de conseguir desde hace ya 16 años al hilo. Actualmente funge como docente de teatro en la Universidad de Panamá y funcionario de desarrollo social.

– Daniel, un par de preguntas, tal vez, incisivas. ¿En qué se diferencia tu trabajo del de los demás directores, productores y actores actualmente en Panamá? ¿El teatro, hoy por hoy, es el que pone el pan en casa o lo hace una ocupación aparte?

– Creo que mi trabajo se diferencia de todos los demás en que yo he sabido usar los cambios violentos, los giros de 360 grados que ha dado la economía y la política en el país a lo largo de los años. Yo vaticiné con mis obras la vuelta de la democracia, me anticipé a la historia dando pasos de gigante y ahora los veo a todos desde lo lejos, desde el horizonte que se les ofrece como paisaje y al que caminan sin darse cuenta que a cada paso que doy me llevo a cuestas amontonado en mi equipaje. Y bueno, por la otra parte sí, el teatro da de comer, no te ofrece una vida de lujos y riquezas, eso es algo que el artista debe saber, sin embargo te mantiene con una vida tranquila y sin escasez de ninguna índole. Es un trabajo permanente y arduo. Al momento, en este año, presenté 7 obras como director y actor y produje otras 4 con otra empresa de teatro del país.

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– Como última pregunta, ¿De qué manera echas a andar la pesada maquinaria del teatro en Panamá? ¿Cómo lo promueves desde tu puesto y cuál es tu aportación?

– Pues nada, mira, esta es una carrera no de velocidad sino de resistencia. Deja de hablar y haz, ese es mi lema, el hablar te quita el tiempo, tienes que accionar. El teatro panameño vive un momento en el que debe establecerse. Ha sido un trabajo arduo a lo largo de los años, lo único que necesita ahora es consolidarse. Ahora, por la parte de mi aporte al teatro panameño puedo decir sin exageraciones que el 90% de los actores actuales han sido capacitados por mi empresa y obviamente por mí, de eso sí que puedo jactarme. Conjugo las visiones del teatro como artista y como empresario. Además de que trabajo con jóvenes de riesgo social y busco, por medio del teatro y la actuación, rescatarlos de la línea roja que pisan. Se trabaja, en mi empresa y aquí como funcionario de desarrollo social, combatir la transmisión del VIH, la violencia familiar y el machismo que se presentan regularmente en el interior. Ese es todo mi trabajo, eso es lo que yo hago.

Originally posted 2013-06-18 18:32:23. Republished by Blog Post Promoter

Slash ft. Myles Kennedy & The Conspiratos en México

slash2-e1421190080882Este 19 de enero se inicia la venta de boletos para un conciertazo: Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses regresa a México el próximo 25 de marzo al Pepsi Center WTC, en compañía de Myles Kennedy & The Conspirators, para presentar su más reciente producción discográfica “World On Fire”, álbum lanzado el pasado agosto.

 Con 17 pistas, World On Fire, es un álbum cargado de rock n’ roll, en el que participó Myles Kennedy, quien también fue el vocalista del disco anterior, Apocalyptic Love, el bajista Todd Kerns, Frank Sidoris en la guitarra y Brent Fitz como baterista.

 Yo no sé qué vamos a hacer con tanto concierto y poco dinero. Compra tus boletos aquí y no dejes pasar esta oportunidad de ver a uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

 El tour por México incluye a Guadalajara y Monterrey, presentándose el 26 de marzo en Teatro Estudio Cavaret y el 28 de marzo en Auditorio Banamex, respectivamente.

Originally posted 2015-01-20 11:59:06. Republished by Blog Post Promoter

Los Guanábana: sonido poblano con sabor a Jamaica

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Corría el año 2002 cuando la Ciudad de Puebla vio nacer a una banda que actualmente es considerada, por algunos gustosos de estos ritmos, como una de las mejores bandas de música jamaiquina en nuestro país: Los Guanábana.

Con tan sólo tres discos (Hearbeats, Welcome to Reality y Salvajes) y algunos demos, Los Guanábana se han posicionado dentro del gusto de la gente. Con influencias como la música caribeña, el reggae roots (en su mayoría), pero también estilos como el dub, y el ska-jazz, su repertorio se compone de temas instrumentales que tienen como base la batería y el bajo, y dan rienda suelta a una poderosa sección de vientos, sin dejar de lado la guitarra y los teclados.

En sus inicios, Los Guanábana tocaban en pequeños lugares y foros de su natal Puebla y de algunos estados vecinos, como el Foro Alicia de la Ciudad de México, pero con el tiempo han recorrido el país presentándose en importantes festivales culturales, entre ellos el Festival Internacional de Puebla y el Festival Ollin Kan, también han alternado con bandas internacionales de renombre como The Skatalites y la New York Ska-Jazz Ensemble. Incluso, algunos músicos internacionales -como el legenadario músico y productor neoyorquino Victor Rice- han realizado versiones de sus temas.

Pues ya saben, la recomendación de hoy son los poblanos de Los Guanábana, una banda mexicana que sabe cómo darle un buen uso a sus instrumentos, y que tal vez no lleguen a ser tan conocidos como uno quisiera pues, lamentablemente, aún se juzga el género musical antes que la calidad de la música.

 

Originally posted 2013-11-21 15:05:09. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Originally posted 2014-09-05 14:45:57. Republished by Blog Post Promoter

Descubre #Ensayódromo Universidad

El sábado 31 de mayo, el sueño se materializó. Después de un año arduo de trabajo, Chulavista Art House A.C. junto a Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo, la primera sala de ensayo profesionalmente acondicionada que busca apoyar a las bandas emergentes de la Ciudad de México.

Jean Loup
Jean Loup en Ensayódromo Universidad

Para celebrarlo, se contó con la presentación de bandas sobresalientes en la escena local, con el rock pop de  Lundem, el indie rock  Jean Loup y el punk de  O Tortuga. Triciclo Circos Band y sus 9 integrantes también estrenaron la sala acústicamente diseñada para no molestar a los vecinos de la unidad en la cual se encuentra ubicada.

Triciclo
Triciclo Circus Band

Ni la lluvia ni los inconvenientes que se tuvieron durante el streaming lograron que los ánimos decayeran. Tormentas fue la banda encargada de cerrar el día con su rock negro, una combinación de punk con metal que nos dejaron con ganas de seguirles la pista.

Tormentas
Tormentas contagiaron la energía con su rock negro.

Con el primer #Ensayódromo llegan muchos retos que superar. Se busca  ser la primera sala de ensayo con streaming permanente que permita grabar los ensayos de las bandas, así como desarrollar sesiones con bandas nacionales e internacionales que apoyen la difusión de las nuevas propuestas de todos los géneros- Y no solo eso, Chulavista Art House La Revista realizará entrevistas de los sonidos que lleguen al Ensayódromo, para difundirlo con ayuda de nuestros amigos de Joyride Magazine México, Distrito Global, Revista Infame, entre otros.

O Tortuga
O Tortuga

Recuerda que el movimiento #Ensayódromo busca generar más de estos espacios. El rock es un deporte, es cultura y es una forma de trasformar y atacar los problemas a los que se enfrenta la población juvenil de nuestro contexto. Por ello agradecemos la valiosa participación del Consejo Internacional de Derechos Humanos para que este programa se extienda y pueda beneficiar a la sociedad mexicana.

Por esto y más, no te pierdas las sesiones que tendremos para ti en el nuevo canal de You Tube exclusivo para Ensayódromo así como las actividades que Chulavista Art House A.C. llevará acabo para seguir apoyando a las bandas emergentes.

Y lo más importante, a partir del 9 de junio podrás disfrutar de la experiencia #Ensayódromo Universidad. Este se encuentra en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4.

Puedes empezar a reservar al 36039228 en un horario de 9:00 am a 6:00 pm.

Las sorpresas siguen, no te las pierdas.

Fotos por Viko Zárate.

Originally posted 2014-06-03 15:07:50. Republished by Blog Post Promoter

Discodeine: psicodelia para bailar.

Por:  Lalo Cruz 

@Lalo_Croix 

Desde finales de la década de los 80, Francia se ha caracterizado por sus aportaciones en la escena electrónica , partiendo con Laurent Garnier, Daft Punk, Cassius o Justice, por mencionar algunos. Discodeine se une estos creadores proponiendo un sonido fresco para sacarle brillo a la pista de baile.

discodeine

El dúo conformado por los productores Pentile (Benjamín Morando) y Pilooski (Cédric Marszewski), iniciaron su proyecto gracias a su gusto mutuo por la música y las películas de ciencia ficción en el 2007. Cuatro años después lanzaron  su primer álbum  de larga duración donde se incluyeron temas con Jarvis Cocker, Baxter Dury y Matías Aguayo.

Este año regresan con “Aydin”, tema en el que colabora Kevin Parker de Tame Impala con su singular voz. La canción se caracteriza por tener  beats relajantes y cuerdas al estilo árabe,  sin olvidar un poderoso bajeo que acompaña sus tenues notas de piano. Su EP ya está a la venta y también incluye los remixes de Jeremy Greenspan, Timothy J. Fairplay  y Para One.

Aunque no existe el nombre ni la fecha de lanzamiento de su próximo material, Aydin se muestra como una fuerte carta de presentación. Ahora solo queda esperar  las sorpresas que tienen para este año las mentes bizarras de Discodeine.

Originally posted 2013-07-29 07:00:13. Republished by Blog Post Promoter

“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

Originally posted 2014-08-28 14:44:01. Republished by Blog Post Promoter

Keith & Tex en el Reggae Hit the Town

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El próximo mes de Febrero, el dúo jamaicano estará visitando la Ciudad de México para deleitar al público chilango con sus éxitos clásicos.

La dupla formada en la década de los 60’s por Keith Rowe y Texas Dixon visitará la ciudad en el marco del evento Reggae Hit the Town, el cual (por cierto) ya ha contado con otros cantantes clásicos de la isla como Roy Panton &amp, Yvonne Harris, BB Seaton, Greg Lee -vocalista de la banda californiana Hepcat- y algunos pinchadiscos de diversas partes del mundo.

Keith & Tex iniciaron sus actividades a  mediados de los 60’s, en el contexto de lo que se ha considerado como la época dorada de la música jamaicana, en la que los cantantes de la isla estaban en su pleno apogeo y surgieron las leyendas más importantes de la música de Jamaica.

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Por diversas situaciones, el dúo ha estado en inactividad por varios años, llegando a tener algunas reuniones esporádicas. El próximo mes de Febrero podremos verlos una vez más sobre los escenarios, y esta vez en uno de nuestro país.

Ya saben, si quieren revivir la esencia de la música jamaicana con un dúo clásico, entonces este es un evento imperdible.

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La ultima carta de Betania Lopez

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El pasado 21 de febrero por fin salió a la luz “La Ultima Carta”, nuevo álbum de la chilena Betania López; en el cual, con un sonido fresco y alegre, la cantante chilena nos cuenta historias de la vida cotidiana.

 Este álbum cuenta con una base ska y rocksteady, pero con una sutil mezcla de pop y sonidos latinoamericanos, que dan como resultado una mezcla muy agradable para el oído que a cualquier seguidor del ska le gustará. Pero sobre todo para aquellas personas que no están familiarizadas con este ritmo, les resultara un disco muy digerible y fácil de escuchar

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 Betania López incursionó en el ska en el 2010 cuando saco un pequeño E.P. titulado “En las calles de mi tierra”, si bien desde algunos años antes ya estaba dentro de la música, su sonido estaba más enfocado hacia el reggae y el hip-hop.

 Aquí está la opción musical de este fin de semana, esta vez Betania López directamente desde Chile con una propuesta musical bastante interesante y esperemos que ahora que está promocionando su disco, no se olvide de México y realice algunas presentación en tierra azteca para poderla disfrutar al máximo.

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La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

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Nuevas experiencias musicales: Naked City

 

El día de hoy me gustaría hablar de un disco que aunque no es tan reciente, mantiene su vigencia gracias a una manufactura impecable. Estoy hablando del disco Naked City (1989), el primer lanzamiento discográfico de la absurdamente ecléctica Naked City. Esta banda, formada por el compositor, saxofonista a improvisador neoyorkino John Zorn, fue pensada como un taller compositivo para probar los límites musicales de un ensamble tradicional de rock/jazz. Y qué, ¿sí probó los límites? Les toca a ustedes decidirlo después de escucharlos, aunque en mi opinión, con 7 discos grabados, Naked City de verdad es uno de los experimentos musicales más interesantes e innovadores que se pueden encontrar.

John Zorn
John Zorn

 John Zorn juntó a unas verdaderas bestias, como lo son Bill Frisell, Fred Frith, Wayne Horvitz y Joey Baron, y les compuso algunas de las rolas más esquizofrénicas que se han hecho jamás. Y esta locura Zorniana no sólo funciona en lo micro (cada una de las rolas), sino también en lo macro: el disco en su totalidad tiene múltiples personalidades, bipolaridad e incluso algunos ataques psicóticos.

 La línea dramática que se traza a lo largo de esta producción es una sumamente extraña pero fácil de discernir. Comenzamos con una dosis de rock n’ roll (Batman), latin jazz (Latin Quarter), un cover de The Sicilian Clan de Ennio Morricone y el tema de La Pantera Rosa: A Shot in The Dark, de Herny Mancini. Es decir, el disco comienza en la falda de la montaña, con algunas rolas que en general son bastante accesibles. Esto no significa que no tengo sus ligeros “twists”.

Naked City
Naked City

 Por ejemplo, el tributo a Ennio Morricone toma la rola original que está en un común 4/4 y la convierte en un juego de polimetrías: el bajo y la batería se mueven en el compás de 4/4, pero el motivo principal (que encontramos a lo largo de prácticamente toda la pieza), fluctúa entre un 3/4 y un 4/4: aquél para darnos la sensación de que hay algo “chueco” en la música, y el segundo cuando hay mucha densidad melódica y es preferible no entorpecer el avance rítmico. Si quieren comparar ustedes mismos la diferencia aquí les dejo las dos versiones: Ennio Morricone vs. John Zorn.

 A Shot in The Dark tiene también por supuesto el ingrediente Zorniano: la rola no comienza inmediatamente, sino que tiene una introducción de free jazz sumamente enigmática. Después de haber establecido un hábitat de desorden absoluto, el bajo entra con el riff principal y los demás le siguen, arribando al fin a la muy conocida pieza.

 Después de Reanimator -una rola que se divide en dos partes: una rápida à la free jazz y otra lenta más bien misteriosa- y Snagglepuss -una rola típica del universo Zorniano: múltiples cambios totalmente impredecibles que nos llevan por una variedad inmensa de estilos y estados anímicos- vamos llegando a la cima de la montaña, donde la influencia Grindcore de John Zorn comienza a ser predominante. La primera rola completamente en este estilo es Igneous Ejaculation, una explosión de distorsión y gritos que dura tan sólo 24 segundos (una característica esencial del estilo Grindcore, que si quieren saber a qué suena, entre aquí).

Bill Frisell
Bill Frisell

 Aquí comienza la parte media del disco, donde todas las canciones duran menos de un minuto (Hammerhead tiene una vida de solamente 11 segundos) y son puro clímax. Podemos vislumbrar muy claramente otra de las grandes influencias que permean la música de John Zorn: las caricaturas. A lo largo de las piezas, la voz sólo tiene dos funciones: gritar violentamente o agitarse incontrolablemente al estilo del queridísimo Demonio de Tazmania.

Fred Frith
Fred Frith

 A partir de Chinatown (otro cover más, esta vez del soundtrack homónimo compuesto por Jerry Goldsmith), empezamos el descenso de la montaña, y no porque la calidad o el interés disminuyan, sino solamente porque la intensidad de las rolas es cada vez menor y volvemos a encontrarnos con estilos más amables. N.Y. Flat Top Box, por ejemplo, mezcla rock n’ roll Western con música para caricaturas.

 Antes de llegar al final, hacemos una parada en una versión surf del tema de James Bond (originalmente compuesto por John Barry), con algunas inflexiones de jazz de Cabaret. La última rola, Inside Straight, es la manera de despedirse presumiendo a los maravillosos músicos que componen Naked City. En una pieza con muchísimo groove y un walking bass delicioso, los instrumentos melódicos solean sin parar, dialogando entre ellos con una soltura que sólo los maestros improvisadores pueden tener.

 Si esto no les basta para tener curiosidad sobre cómo suena disco, entonces no sé qué más haga falta. Todos los discos de esta increíble banda son excelentes, pero a decir verdad, éste resulta el más accesible (así que ya pueden imaginarse la locura de los demás). Lo recomiendo muchísimo para los amantes de la música en general, que no se preocupan por elegir estilos favoritos o condenar a otros: en una sola rola de John Zorn, podrán escuchar más variedad que en todo un día de escuchar una estación de radio.

Originally posted 2014-06-08 01:18:39. Republished by Blog Post Promoter

KINOKI 2013: Desde el cuarto infierno

Por Julio César Reyes

Creado en el 2004 por alumnos de la Universidad Iberoamericana, el KINOKI Festival Internacional de Cine Universitario, toma su nombre del movimiento que surge en Eurasia hacia 1922 con un hombre llamado Dziga Vertov quien propuso los conceptos de la Kino Pravda (cine-verdad) y Kino Glaz (cine-ojo) que buscan expresar una verdad más profunda percibida por el ojo humano a través del séptimo arte.

KINOKI surgió debido a la ausencia de espacios de exhibición para trabajos cinematográficos. Promueve a cineastas emergentes y talentos nuevos de otras escuelas y países que han incursionado en este arte. Aquí interactúan muchos cineastas mexicanos del futuro.

Dentro de la instalaciones de la Universidad Iberoamericana y como parte de KINOKI 2013, el pasado jueves se proyectaron en el sótano 4 del estacionamiento dos cintas ad hoc a esta época del año por su temática dominada por el género del terror.

Los espectadores asistentes disfrutaron de Martyrs (2008), protagonizada por Morjona Alaoui y Mylène Jamponoï; durante una noche en Francia a principios de los años 70, Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es descubierta al borde de la carretera. Casi catatónica, no se acuerda de nada, los policías encuentran rápidamente el lugar donde estuvo encerrada, un matadero abandonado; Lucie no lleva ningún rastro de abusos sexuales, lo que refuerza el carácter misterioso del caso. Hospitalizada, reaprende a vivir a pesar de las pesadillas donde aparece una mujer torturada y forja una amistad con Ana, otra niña a cargo de la institución después de haber sufrido abusos en su familia.  Quince años más tarde, en una casa de campo, aparece Lucie, con fusil en mano, disparando a toda la familia.

Para la segunda función presentaron The Evil Dead (1981) un clásico del terror.  Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

Alrededor de las 10 de la noche finalizó la proyección, los asistentes se mostraban satisfechos por estas cintas que muestran una perspectiva  más arriesgada en este género cinematográfico

Originally posted 2012-10-28 21:00:46. Republished by Blog Post Promoter

La violencia en el arte: Cansei de Ser Sexy (segunda parte)

 

crédito: tumblr.com

Hacia una absorción de la violencia.

La violencia, si bien es una forma de representación y percepción del individuo, involucra un marco totalmente significativo que cargará al discurso con los sentimientos y /o emociones que hace que el video, imagen o situación sea violenta o no; es decir, la percepción de violencia en un video será totalmente significada por el individuo.

 La creatividad es de gran ayuda para este tipo de discursos. ¿Cómo se quiere representar la violencia? Bien, las formas del cómo afectarán el discurso final. Por ejemplo, existen videos (además del que acabamos de presentar) donde la violencia es mostrada lineal, cruda, cruel y de forma explicita; sin embargo hay otros discursos donde la violencia puede ser presentada, o no y ahorita vamos a ver por qué, de una manera singular, dando un giro a esta forma de percepción de lo que consideramos violento o carente de violencia.

 El ejemplo de este tipo de propuestas es del grupo Cansei de Ser Sexy, o mejor conocidos como CSS. Grupo brasileño que en el 2003 comenzaron en este mundo de música, aveces cruel, aveces chidoliro.

 Las distintas propuestas musicales de CSS siempre fueron experimentales: moda, arte abstracto y música con toques electro-ochenteros. Todo su éxito se debió a las ideas experimentales que el grupo brasileño llevaban bajo la manga.

 El video: “Alala” es el single del año 2006 en el cual, muestra un pelea en una fiesta de cumpleaños. Los acontecimientos mostrados en el videoclip están siendo expuestos de una manera peculiar y poco común en los videoclips de música: el video se está reproduciendo al revés.

 ¿Cuál es la intención de este video? ¿Mostrar violencia o absorberla? Lo más fácil es mostrar cómo de una acción bastante tonta se crea un efecto dominó que provoca que haya una pelea entre los invitados de la fiesta. Cuando se analiza bien el video es totalmente lo contrario. Sí, en efecto la intención del director es  ver que por una cosa insignificante se provocó una pelea masiva, sin embargo el objetivo del video es “quitar” la violencia del discurso y presentar una propuesta de un video no violento, que quizá fuera una forma satirizada de algún cliché músical, donde los videos son censurados debido a su alto contenido  agresivo  además de incitar al desastre.

 Al momento de que la violencia está siendo “quitada” el director infiere que ya no se está mostrando más, por lo tanto la violencia desaparece y también desaparece el juicio mediático de “un video violento”.

 La yuxtaposición de las canciones con el video siempre ha sido muy común en la música.  M.I.A. y CSS podrán tener canciones que no necesariamente hablen de violencia o que hablen de lo contrario a lo violento. Sus videos, como es el caso de estos dos, serán totalmente violentos o considerados violentos. ¿Quién hace la violencia? ¿El artista o el fan?

Originally posted 2014-08-20 11:29:33. Republished by Blog Post Promoter

Inauguran Memoria, por Daniel Hidalgo

 

Como adelantamos, ayer fue inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación sonora y visual MEMORIA, de Daniel Hidalgo Valdés. Nos dimos una vuelta por el lugar y platicamos con el autor acerca de esta obra interactiva que despertó la curiosidad de los asistentes, les dejamos el video.

 

 

Originally posted 2012-11-16 18:02:24. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Originally posted 2014-08-29 11:40:28. Republished by Blog Post Promoter

La fusión perfecta de Goose

Por Sus

@SusBouvier

En la era de la información acelerada, las escenas locales siguen siendo el principal semillero de talento musical. Este es el caso de Goose, tres chicos originarios de Kortrijk, Bélgica, que desde 2000 se han dedicado a elaborar un efectivo maridaje entre el rock y la electrónica.

Un contacto importante de la banda con la escena internacional se dio con su participación en el disco de remixes de Tron Legacy : R3J3CT3D, en donde remixean a Daft Punk en “The Son Of Flynn”. El resultado fue un  corte que se convirtió en uno de los favoritos del ex representante del dúo francés y propietario de Ed Banger Records, Busy P.

Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe, y Bert Libeert iniciaron como una banda de covers en el verano de 2000. En 2006 editaron Bring It On, un álbum con muchas influencias de bandas como Depeche Mode que generó una buena crítica por parte de los medios especializados europeos, lo que los llevó a ganar en los TMF Awards 2007 (Bélgica) como mejor grupo alterativo. Algunas canciones del LP tendrían proyección en Europa, tal es el caso de “Black Gloves”, remixeada mas tarde por The Bloody Beetroots.

Su segundo material de estudio fue presentado en 2o1o, bajo el título Synrise, y obtuvo opiniones mixtas del público y la crítica. Este LP contaría con la participación de Peaches en las voces y con el arte del diseñador Storm Thorgerson, famoso por realizar las portadas de Pink Floyd.

Este año presentan su tercera producción. La primera impresión es que se trata de música exclusivamente electrónica. Sin embargo, al poner atención es evidente la sutil combinación que realizan, con una base sólida de bajo y batería que sobresale a lo largo del materialPor los diez tracks que componen Control Control Control, Goose descansa de lo instrumental para centrarse en la fusión que se ha convertido en su sello característico. Todo esto acompañado de la peculiar voz de Mickael.

De este álbum se desprende el sencillo “Control”, cuya video fue dirigido por Pierre Debusschere.

Para escuchar más de Goose, da click aquí.

 

Originally posted 2012-10-30 18:00:39. Republished by Blog Post Promoter

Holy Other en el arranque del Mutek

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Este lunes en la noche arrancó el MUTEK.MX con el concierto de Holy Other en el Centro Cultural Estela de Luz.

A las 20:00 horas el lugar lucía repleto. Tras una breve demora, el productor inglés saltó al escenario sin mayor preámbulo que un anuncio en el que pedía al público no tomar fotografías ni grabar video.

El británico subió a tocar sin cubrirse la cara, como suele hacerlo. Como pasos de mastodonte, los primeros bajos comenzaron a sonar. Poco a poco se iban incorporando las capas de música una sobre la otra hasta llenar el lugar, cuya acústica lució.

Con el oficio de un maestro titiritero controlaba los sonidos que iban y venían y rebotaban en el recinto abierto. Cuerdas, vientos, voces pronunciando palabras a medias. Movía las manos con destreza por su secuenciador y lanzaba sonidos que parecían omnipresentes.

Los visuales que acompañaban la música eran discretos y se vieron opacados por los juegos de luz del joven monumento, inaugurado a principios de año. Parte del público permaneció sentado y una parte se puso de pie. Los barandales del monumento, al igual que las gradas, terminaron por llenarse.

Al terminar su set, el tímido músico bajó del escenario y desapareció sin hacer un gesto ni una seña.

Por respeto a la petición del artista, se publica una fotografía del escenario unos instantes previos al inicio del concierto.

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Pueden escuchar la música de Holy Other en su perfil en SoundCloud 

Originally posted 2012-10-02 10:10:01. Republished by Blog Post Promoter

Editorial Cascajo: fragmentos de piedra y de otras cosas que se quiebran

Nota: Lo siguiente es el resultado del despedazamiento de una nota posible, sobre una editorial que no vende libros.

Cuentos de ultratumba2

La idea de una editorial trae consigo las imágenes de tinta, letra, página, forros, autores, prologuistas, derechos de autor, etcétera. Tal vez, en esta lista, haga falta la parte más genuina de todas: la necesidad de otorgarle voz propia en los textos, por mera y simple intención de apropiación y de construir una charla… porque sí y porque hay cosas que deben ser dichas.

 Editorial Cascajo es un proyecto conformado por Andrés García Riley o Andrés García, como le gusta que le digan, como todo buen estudiante de artes plásticas que forma su alter ego—; Gabino Rodríguez Lines, actor, director y poeta duranguense enriquecido por una serie de filmes y festivales donde ha participado en solitario o con su colectivo Lagartijas tiradas al sol, de esencia teatral, con el que ha viajado por muchos rincones del orbe; y Juan Leduc Riley, quien de niño soñaba con ser conchero, hoy es un fotógrafo, diseñador, locutor e investigador iconográfico.

 Con esta mezcla de vidas, y añadiendo una actitud desenfadada y consciente de esta necesidad de gritar e inventar la realidad, los editores afirman que quieren ser millonarios, no sin antes agradecer a los autores de los textos, los mismos textos que despedazarán sin permiso de nadie… ¿Por qué? ¿Y por qué no? Así se lee en la página oficial de la editorial:

“La seña de identidad de una editorial son sus elecciones. Nosotros hacemos “covers” libérrimos de textos que otros editores han puesto en nuestras manos. A ellos y especialmente a los escritores les damos las gracias. Cascajo es una editorial con fines de lucro y esperamos pronto, ser millonarios. No hemos pedido, ni pediremos, permiso a los autores o a las editoriales. Tomamos robados, sus textos para compartirlos, destruirlos, a nuestra manera.”

 Cascajo no vende libros, vende voz, vende charlas sin consentimientos, para nadie en especial, para todos en realidad. Invitan a leer sin ojos, sin pensar. Ellos se encargan de todo por unos cuantos minutos, si les prestas tus oídos, ellos ponen el resto:

“Cascajo es una editorial que produce audio. Textos leídos y elaborados para ser escuchados. Un guiño a la tradición oral y otro a la tecnología. Un afán por retomar la acción de alguien contando algo a otra persona, una invitación a compartir un tiempo con nosotros y con otros, sin necesidad de fijar la mirada en una pantalla. Escuchar, presentir y pensar.”

ultratumba El experimento editorial esta ideado en colecciones, colecciones que subirán a su cuenta de Soundcloud, y dividirán en episodios o tracks, según la extensión del relato. Cuentos de ultratumba es la primera de estas series, conformada por crónicas latinoamericanas contemporáneas que literalmente te adentrarán a la cueva de los bajos instintos, las perversiones, los crímenes eternos de nuestra humanidad.

 

acapulco kids Para estos primeros tomos, la crónica resulta perfecta, casi hipnótica… levantando el polvo de un pasado muy reciente, removiendo arena con los pies húmedos en la playa, esperando la cita con un Acapulco Kid, dispuesto a todo por casi nada; sentirse Como perros secuestrados, moribundos, abandonados a una suerte que no es suya, que no es humana; y terminar experimentando, de sílaba en sílaba, un acontecimiento imposible y te escuches decir, Yo, violada.

 

como perros Algo imperceptible en primera instancia es la insinuación crítica y serena de los relatos. Esta peculiaridad impregna cierto aire de irrealidad, de ojos en todas partes, de ambos lados en la narración. La búsqueda de la ficción en la realidad y la no distinción entre estas partes es la finalidad de su proyecto, lo que lleva a la inevitable pregunta ¿Hasta dónde termina el relato, dónde pone la piedra la ficción en lo que se escucha? ¿Qué no es así la vida?:

 

“A nosotros nos interesa la manera en que la ficción se filtra en estas crónicas, nos interesa la imposibilidad de conciliar proyecto-relato-verdad. Nos interesa la pregunta ¿debemos creer que todo lo que nos cuentan es verdad? Y también nos interesa nuestra respuesta: es irrelevante.”

 La crítica al periodismo es clara, y de manera genuina los textos bailan entre lo subjetivo, entre las distintas voces y contextos; los relatos no marcan ningún camino, no juzgan, y saben que no deben creerse todo lo que dicen.

 En su web oficial anuncian ya de sus siguientes colecciones: A todos se les nombró príncipes (cuentos para niñas), Cuando tú me digas (entrevistas), Mañana cuando amanezca (cartas), las cuales yo, por lo pronto, ya ansío leer (escuchar).

 Los tres jóvenes nos invitan a leer sin libro. Ellos se han percatado que para ser escuchados no hace falta esa lista editorial anterior, que las cosas inaplazables llegarán, que las ganas de charlar harán voz dirán, y aunque lo dicho no sea suyo, iniciarán su relato… y para eso, el cascajo es suficiente.

Originally posted 2014-10-31 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

MEMORIA: instalación visual y sonora

 

Este jueves 15 de noviembre será inaugurada en el Centro de Cultura Digital Estela de Luz la instalación visual y sonora Memoria, de Daniel Hidalgo Valdés.

Se trata de una pieza interactiva que permite al espectador emitir sonidos que generan una representación visual lumínica. Estos sonidos y su respectiva representación gráfica sufren los efectos de la reverberación al grado en que se reducen a ecos y estelas del sonido original.

La obra pretende hacer un paralelismo entre entre la memoria humana y la reverberación, desde la perspectiva de que ambos conceptos son evocaciones del pasado que con el tiempo se ven distorsionadas y reducidas, de manera que el resultado final es sólo un vestigio del hecho original. En palabras del autor, es “una metáfora sonora de la memoria humana, algoritmos que generan una pieza cuya organización es equivalente a los procesos de la memoria del ser humano”.

La idea es que el espectador sea testigo de la forma en que ambos, recuerdos y reverberación, se degradan hasta transformarse en silencio y olvido.

Daniel Hidalgo Valdés es miembro de la Sociedad Nacional de Creadores de Arte y ha trabajado como compositor y productor de música y sonido en películas y series mexicanas como 2033 y Los Minondo.

El evento comenzará a partir de de las 19:00 horas en el recinto, ubicado en Paseo de la Reforma.

 

Originally posted 2012-11-14 18:00:52. Republished by Blog Post Promoter

De la fantasía a la realidad: El Mesón de los 3 Magos

Una de las historias que ha sido compañera de generaciones una vez más cobra vida y llega a deleitar el paladar del mundo Muggle. Así es, el mundo mágico de Harry Potter está entre nosotros, esta ocasión en El Mesón de los 3 Magos, la nueva propuesta gastronómica que a través de exquisitos platillos nos invita a revivir la historia de aquel niño que logró vencer al mal.

Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 ¿Qué tan común es pasar de la fantasía a la realidad? Las pociones, hechizos y encantamientos ya no sólo forman parte de una de las sagas más exitosas de todos los tiempos, han cobrado vida y llegaron al Distrito Federal.

 El Mesón de los 3 Magos es un proyecto creado por la familia Calles, enfocado en crear un espacio agradable para chicos y grandes retomando la magia que en algún momento pensamos se quedaría en las páginas escritas por J. K. Rowling.

Pizzerola de durazno. Foto de Jessica Fernández
Pizzerola de durazno. Foto: Jessica Fernández

 Cerveza de mantequilla, poción multijugos, jugo de calabaza, ranas embrujadas, alas de Snitch y poción de amor son sólo algunas de las delicias que los comensales podrán disfrutar en esta nueva aventura culinaria que ha llegado.

Foto de Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández
Foto: Jessica Fernández

 Tras seis meses de planeación, la familia Calles logró convertir su sueño en realidad. Con productos de alta calidad y comida hecha por la madre y el hijo mayor, la que antes era su casa ahora forma parte de la historia del mundialmente conocido mago Harry Potter.

 El Mesón de los 3 Magos está seccionado en cuatro partes. En la primera se incluye todo lo relacionado con el juego de Quidditch, seguido de una sala que simula “La Orden del Fénix”, con el árbol genealógico de la familia Black en la pared, otra donde se recrea el castillo de Hogwarts y la última que incluye cuadros de todos los personajes así como un listón en el cual se podrán poner deseos que dejen cada uno de los visitantes.

Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández
Cerveza de mantequilla. Foto: Jessica Fernández

 Además de ser un lugar dedicado a satisfacer el paladar, El Mesón de los 3 Magos venderá productos oficiales como varitas mágicas, capas y bufandas, entre otros. Cabe destacar que éste es el segundo lugar en la Ciudad de México que ha sacado al mundo mágico de los libros y la pantalla, sin embargo, El Mesón de los 3 Magos no busca competir, al contrario, su servicio es diferente, así como la elaboración de los productos.

 Con precios accesibles y la idea de abrir otras sucursales en un futuro, el lugar estará abierto de lunes a viernes de 12:00 a 22:00 horas y sábados y domingos de 10:00 a 22:00 horas, ubicado en Andorra #16 Col. María del Carmen, en la delegación Benito Juárez (a 7 cuadras del metro Nativitas).

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Originally posted 2014-11-10 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

El color de sus ojos, su peor enemigo

Ya han pasado 46 años y el experimento “ojos azules – ojos cafés” de Jane Elliott sigue siendo teniendo vigencia. Es un claro ejemplo de racismo y desigualdad, cosa que en pleno siglo XXI sigue causando ruido.

 Todo comenzó como un ejercicio para mostrar a los niños los efectos de la discriminación que ha existido en el mundo por siglos, haciéndoles ver a qué se enfrentan las personas allá afuera, donde no tienen elección y tienen que aprender a vivir con el rechazo de los demás.

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 La primera vez fue en abril de 1968 en una escuela primario de Iowa, en donde los niños que integraban su clase fueron divididos por el color de sus ojos, azules y cafés. En el primer día, los niños de ojos azules eran privilegiados, los más inteligentes y mejores personas, mientras que los de ojos cafés no tenían tiempo extra en el recreo, eran personas malas y con un grado de inteligencia inferior.

 Tras tener un grupo de alumnos amables y cariñosos, todo se tornó gris y comenzaron las burlas, peleas e insultos entre los mismos, la razón: el color de sus ojos indicaba que tipo de personas eran y como debían ser tratados.

 Al día siguiente, la profesora Jane dijo que ese día los papeles se habían invertido y que ahora, los niños de ojos cafés iban a gozar de los privilegios que el día anterior habían tenido sus otros compañeros. Este pequeño, pero significativo cambio, mostró como los niños que ahora eran “superiores” eran más rápidos al contestar sus ejercicios y obtenían mejores calificaciones.

Foto de: humansymphonyfoundation.org
Foto de: humansymphonyfoundation.org

  La discriminación racial y clasista no debe sernos ajena, cuántas veces no hemos escuchado en la calle a las personas hacer menos a otras por su condición social o rasgos, tachándolos de indios, nacos o nopaleros, y por qué no aceptar que nosotros en alguna ocasión también lo hemos hecho.

 El experimento de Elliott es conocido internacionalmente, incluso el programa Frontline de la PBS realizó un documental llamado Una clase dividida, en el cual se hace una reunión después de 14 años, con los alumnos que fueron parte del experimento para saber cuál fue el impacto que tuvo en su vida y si en verdad les sirvió.

Para ver las otras partes del documental da click aquí

Aunque han pasado muchos años y el experimento de la profesora Jane probó su punto, ella continua empleándolo con sus alumnos. En este video se aprecia claramente como su ejercicio puede ser demasiado para algunos, llevándolos a rechazar lo que ella plantea e incluso a irse.

Originally posted 2014-11-24 12:45:15. Republished by Blog Post Promoter

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

A LA ESPERA DE MONTERREY CITY FEST EN SU PRIMERA EDICIÓN

Es el festival que promete darle un gran salto a lo que se acostumbra presentar y un toque especial a lo que se ha visto en demás espectáculos. Bandas como Travis, Of Montreal y Porter formarán parte de éste renombrado y tan aclamado festival, en donde se presentarán varios estilos de música que proporcionarán el sello distintivo al evento.website3-03

 Las fechas están contempladas los primeros días del mes de septiembre, específicamente 5, 6 y 7 con sede en Parque Acero Fundidora en la ciudad de Monterrey. Sin duda muestra un gran esquema para ofrecer, ya que el dinamismo y sincronía de diversos estilos se conjugarán en un solo evento que mostrará una perspectiva diferente e impactante.

 Lo anterior marca la pauta para abrir paso a nuevas bandas musicales o que no se hayan inmersas de gran forma en el mundo de la música, por lo cual surge una expectativa sumamente importante para brindarle al espectador un buen rato entre música y compañía.

 Estilos como el indie pop, afrobeat, rap, rock y un poco de house darán paso al talento multifacético que existe en torno a la tonalidad musical que le dará color al gran espectáculo. La promesa por pasar un rato ameno y agradable, parece cumplirse con el simple hecho de dar a conocer al público en general las bandas que tocarán durante esos días.

 Cabe mencionar que el lugar estará distribuido en tres escenarios, el primero será el Nico Stage, el segundo el Tato Stage y por último MCF Theater; distribuido también a través de un horario preciso que menciona banda y hora exacta de presentación.

ACCESO
Crédito: Página oficial Mty City Festival.

 La cobertura musical no solamente marca el paso al ámbito extranjero, sino también bandas nacionales formarán parte de éste gran proyecto. La temática abarca todo tipo de género, pasando desde lo más sobrio hasta lo más underground, el espectador podrá tener el placer de discernir entre lo que más le agrada y lo que no. Eso es lo que se ofrece, tener la posibilidad de escoger entre las diversas propuestas musicales que harán su aparición.

 Además, cuenta con un accesible sistema de precios que va desde $399.00 a casi $2,000.00 (dependiendo del día y de las bandas que se presenten) también se ofrece la posibilidad de adquirir boletos por todos los días que perdure el festival.

 Sin duda, el contenido muestra una gran variedad de música y estilo que le dará al público la posibilidad de asistir y quedarse con un buen sabor de boca.

 La lista de bandas asistentes que confirmaron son las siguientes:

    • Clubz

      Monterrey City Festival_642x388_337
      Crédito:Somosidolos.com
    • Dannic
    • Ezekiel
    • Hardwell
    • Porter
    • 60 Tigres
    • Azealia Banks
    • Bone Thugs-N-Harmony
    • Charli XCX
    • Def Leppard
    • Deftones
    • Goldroom (dj set)
    • Husky
    • Little Jesus
    • Miniature Tigers
    • Mother

      images
      Crédito:Rockandradio.net
    • of Montreal
    • Plastic Plates
    • Poolside (live)
    • Reputante
    • The Mud Howlers
    • The Pizza Underground
    • The Magician
    • Vicentico
    • Wooden Wisdom
    • Bomba Estéreo
    • Los Cafres
    • La Mala Rodríguez
    • Siddhartha
    • Caloncho
    • Morenito de Fuego
    • Zeta Bossio

Originally posted 2014-08-22 13:01:47. Republished by Blog Post Promoter

Katachi de Shugo Tokumaru, Stop Motion dirigido por Kijek/Adamski

Katachi de Shugo Tokumaru fue realizado con más de 2000 siluetas de PVC, stop motion realizado por el dúo de la animación polaca, Katarzyna/Adamski

Se necesitaron alrededor de 2000 siluetas de PVC para la realización de este video en Stop Motion que promociona el sencillo “Katachi”, en español “forma”, del compositor y cantante japonés, Shugo Tokumaru.

El video fue dirigido por el dúo de la animación polaca, Katarzyna Kijek y Przemystaw Adamski, utilizando una cortadora programada con la que generaron más de 2000 siluetas para lograr esta composición de colores donde el espacio en dos dimensiones se apodera de la escena al ritmo de la armonía de Tokumaru.

Portada del álbum

“Katachi” pertenece al último álbum de Tokumaru, In focus? (2012) Un álbum de música pop que no cae en una mera serie de melodías pegajosas, pues mezcla elementos de música electrónica y folklor oriental para reforzar su identidad en el panorama global.

Aquí la manera de cómo hicieron el video:

Originally posted 2013-06-19 20:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Diez años de reventar nuestros oídos: De-Loused In The Comatorium

Por Fher Díaz  @artificialradio

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En el año 2003 se suscitaron muchos acontecimientos en la escena del rock; desde la aparición del esperado segundo álbum de The Strokes titulado  “Room on Fire”, hasta la trágica muerte de los 3 miembros de la banda punk rock Explodind Hearts; pero en ese año ninguno de estos acontecimientos hizo cimbrar esta escena musical tanto como el álbum debut de una banda proveniente de El Paso,Texas, los cuales con un atasque instrumental de guitarras desgarrantes, bajos poderosos, convulsionantes percusiones, violentos tonos de sintetizadores y una voz tan chillante como perturbadora, daban un fuerte punterazo a los oídos deseosos de música nueva.

The Mars Volta era la banda, y De-Loused In The Comatorium el título de la pieza,excitante, poderosa, anárquica e hiriente según la calificaban varias revistas especializadas, aunque, en el 2002 los liderados por Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala habían sacado el Tremulant EP, obra que sería un epílogo de su delirante discografía cargada de historias y simbolismos.

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En De-Loused… canción por canción nos cuenta una historia (basada en hechos reales), de la cual un personaje llamado Cerpin Taxt es el protagonista, quien trata de suicidarse con una sobredosis de morfina; todo el álbum es un caos, desde “Son Et Lumiere”, pasando por “Inertiatic Esp” (que relata el agónico efecto de la morfina en el cuerpo de Cerpin), “Beyond the anthills of the dawning of this plague, Said I’ve lost my way” reza Cicatriz ESP, hasta el agónico final del protagonista en “Televators”, una canción emblemática de los Mars Volta; cabe destacar que en algunas rolas se muestran influencias de ritmos latinos además de drásticos cambios de tempo, progresividad y las antes mencionadas reminiscencias instrumentales que a la postre serían características básicas en sus trabajos futuros.

Hace exactamente 10 años The+Mars+Volta+TMV hacía su presentación al mundo; hoy los Mars Volta están disueltos, Omar Rodríguez-López lidera su nueva banda llamada Bosnian Rainbows, mientras que Cedric Bixler-Zavala hace lo mismo con Zavalaz,pero el daño ya está hecho, ningún otro álbum ha hecho que nuestros oídos estallen cuan granadas de fragmentación, ni ninguna otra banda nos ha provocado experimentar un viaje tan ácido y escabroso a la vez (a menos que hablemos de Pink Floyd); son 10 años de que se inició un capítulo de una novela llamada The Mars Volta, una intensa y muy extraña novela…

Originally posted 2013-07-04 20:16:54. Republished by Blog Post Promoter

Art Deco Weekend

Para los amantes del Art Deco, del próximo 18 al 20 de enero del presente año se llevará a cabo el Art Deco Weekend en su edición 36º en la ciudad de Miami. El Art Deco Weekend será un fin de semana lleno de eventos, entre ellos conciertos, fashion show, desfiles, exposición de muebles, antigüedades y piezas de diseño así como un festival de cine; todo en torno al Art Deco


Los principales músicos serán Doug Wimbish, uno de los mejores bajistas del mundo, Christian Howes y el grupo Suénalo.

En cuanto a los fashion show los estudiantes de la Miami International University en conjunto con la marca de ropa Bettie Page serán los responsables de deleitar a los asistentes.

La sede será el recinto de Miami Design Preservation League, ubicado en 1001 Ocean Drive, Miami Beach, Fl 33139

Para el Festival de Cine Art Deco se llevarán a cabo las proyecciones de “Some Like It Hot” (“Una Eva y dos Adanes”), “The Artist” (“El Artista”), “The Great Gatsby” (“El gran Gatsby” versión 1949) y “Midnight in Paris” (“Medianoche en París”). La sede para dichas proyecciones será el Lummus Park en el que se podrá disfrutar del cine al aire libre y hasta acompañarlo con un picnic.

Para más información sobre los artistas y horarios pueden consultar el sitio aquí.

Originally posted 2013-01-07 17:40:52. Republished by Blog Post Promoter

¡Bernard Adamus está de vuelta!

 

Por: Knuxx

@knuxxvomica

 Bernard Adamus es de esos músicos que se reconocen de inmediato. Sus canciones que combinan elementos de géneros tan opuestos como el blues, country, hip-hop y folk,tienen la capacidad de encapsular al escucha en pequeños escenarios, al captar toda su atención, y envolverlo totalmente en sus notas.Este artista originario de Francia lanzó su primer material en 2009, llamado Brun (La couleur de l’amour), en el que al experimentar de un modo totalmente libre y espontáneo, captó inmediatamente la atención de los principales medios de su país al ganar premios tan importantes como el Prix Artisti pour la meilleure interprétation en 2009 y el Prix Félix-Leclerc de la chanson en 2011, entre varios más que reconocieron su talento como compositor, multi-instrumentista e intérprete.Acto seguido, Adamus fue invitado a participar en festivales icónicos como el FrancoFolies de Montréal, cuyo objetivo es estimular y promover la lengua francesa a través de la música de distitntos talentos locales y extranjeros para así posicionarse en poco tiempo al tener ya un estilo definido totalmente fresco.Después de una larga espera, finalmente Bernard ha anunciado el lanzamiento de su próximo material el próximo 25 de septiembre llamado Nº2 del que a continuación les presentamos el tracklist.
Nº2
1. Les obliques
2. Entre ici pis chez vous
3. Fulton road
4. Ouais ben (mescaline version)
5. Arrange-toi avec ça
6. 2176
7. Ouais ben
8. Le scotch goûte le vent
9. Les p’tits mardis
10. Le problème
11. La diligence
12. Les chemins du douteLa carta de presentación es: “Arrange-toi avec ça”, una canción que al igual que la portada del disco, invita a formar parte de un delicioso break del mundo.

 

 

En su página pueden preordenar el disco y ¿por qué no? también volver a escuchar algunos temas que ya son favoritos.

http://bernardadamus.bandcamp.com

 

Originally posted 2012-08-27 16:30:56. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Apología a la animalidad del hombre. El trabajo de Porkus Crampy

Porkus CrampyLa supremacía de la idea del hombre sobre la naturaleza ha llevado a reflexionar sobre el tema a través del lenguaje visual más antiguo que existe en las artes visuales: el dibujo. Más allá de plasmar los paisajes o bodegones con naturaleza muerta, Antonio Muñoz, se propone hacer una introspección de la naturaleza y el comportamiento del hombre.

Mi obra está influenciada directamente de cosas que me nutrieron visualmente en la infancia, fábulas, mitologías como la griega y egipcia, esquemas en libros y cuentos.

 La negación de la naturaleza a través de la idea de progreso y superioridad del hombre difundida ampliamente a principios del siglo XX se descalabró con los horrores y destrucción de las guerras. La naturaleza humana rompe los paradigmas del ideal del hombre construidos a través de la política, la religión y la moral.

 Porkus Crampy, como se hace llamar Antonio Muñoz, pertenece a una ola de jóvenes que replantea dialogar por medio del dibujo sobre la animalidad del hombre como una metáfora que propicie una impresión inmediata a través de la vista.

En gran parte es un viaje introspectivo y personal de mis emociones, plasmo metáforas visuales que generen alguna emoción inmediata, dolor, tristeza, ternura, tensión y felicidad.

Porkus Crampy Más que una tendencia con respecto a los temas representados, se vislumbra una necesidad de vincularse con la naturaleza desde la propia naturaleza del hombre. El autoconocimiento de la existencia a través de la razón pareciera ser que nos aleja de la genialidad y grandeza que se manifiestan a través de nuestros instintos.

 Nietzsche, en su obra “Más allá del bien y del mal”, ya había hecho un análisis profundo sobre lo que se podría considerar la animalidad del hombre reflejado en su propio comportamiento, cuando criticó el sustento de la moralidad de los pensadores de su época en dicha obra, adelantándose abismalmente a su época.

 Sin embargo, Porkus lo hace por medio de una apología visual que seduce la vista y se enriquece con el dibujo; es un lenguaje básico que no necesita una estructuración de palabras dotadas de significados y conceptos, sino que son los trazos y matices los que dan significado al corazón.

Es una mezcla de la naturaleza con el comportamiento del hombre, una oda a la animalidad del ser humano que intenta apartarla de sí mismo y se encuentra en una trampa de plumas y escamas.

Porkus Crampy

 En su proceso se ha valido de símbolos que refuerzan su idea y connotan un significado mayor al de la sola figuración. Es un proceso que ha trabajado desde el 2009, cuando empezó a colaborar en la primeras ediciones de Arte por Correo, hasta experimentar con la animación en el 2013 con el cortometraje animado de IMCINE, “El Trompetista”.

Hago uso de símbolos religiosos y propios de ilustración científica para darle ese toque de obra vieja, de épocas que no viví pero que arrastramos constantemente, un vínculo del pasado, de lo que siempre ha existido como la naturaleza y lo transitorio como las emociones.

Porkus Crampy

 Su trabajo ha formado parte de diferentes exhibiciones colectivas en Cuernavaca, Puebla, Oaxaca, la Ciudad de México y Barcelona, donde intervino una calavera de barro artesanal para las ediciones 00 y 01 del proyecto “Itzmin”.

 El horizonte profesional de Porkus se está ampliando entre el dibujo, la animación y la música, por lo que aún hay mucho por experimentar y trabajo por realizar; así que no hay que perderle la pista a su trabajo.

Porkus Crampy

Originally posted 2014-09-11 10:08:22. Republished by Blog Post Promoter

T. Mills por primera vez en México

El rapero Travis Tatum Mills, mejor conocido por su nombre artístico T. Mills, visitará por primera vez la Ciudad de México para ofrecer un show el 26 de noviembre en el José Cuervo Salón. El veinteañero originario de RiversideCalifornia,  presentará temas de “Ready, Fire, Aim!” (2010) , su material debut de larga duración, y de sus EP’s posteriores.

T Mills

 La música de Mills esta influenciada por una variedad de géneros: va del punk y el hip hop al  R&B y el pop.

 Les compartimos “All I Wanna Do”, el más reciente sencillo de este músico estadounidense que también da nombre a su ultimo EP:

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Fecha: 26 de noviembre

Hora: Por confirmar

Lugar: José Cuervo Salón

Precio: General de pie $500.00 / Balcón $600.00

Redes sociales del artista:

Facebook

Sitio web

Originally posted 2014-09-26 09:20:58. Republished by Blog Post Promoter

De músicos y músicas… Gitanos: el pueblo ambulante

 

Cantó despacio la guitarra  y la muchacha despertó,  el violín también abrió los ojos y luego tarareó, la muchacha escuchaba y el tono moduló, luego el contrabajo, sin trabajo se integró y entonces un clarinete, contento también se unió. La muchacha cogió un pandero y su padre el acordeón. Los que no tenían instrumento aplaudieron, el ritmo se aceleró, la muchacha bailaba y su hermano sacó el cimbalón. ¡Pero qué fiesta señores! ¡El abuelo ya despertó! Entona su canto gitano y el resto lo siguió. Festejan la vida ahora, festejan la canción.

El pueblo gitano tiene una historia de camino largo y ajetreado, de paisajes infinitos, cambios imprevistos y mucha improvisación de los días y de la vida. Su origen es la India. Cuenta la historia que un rey hindú pidió que llevaran a su corte músicos. Entonces enviaron a 10’000 músicos de ambos sexos que no solo tocaban, sino que cantaban y bailaban. Pero el rey no solo les pidió que lo entretuvieran, quiso usarlos como esclavos y que se dedicaran a la agricultura. Los músicos se negaron y el rey los desterró.

Fue entonces que se enfrentaron al dolor de ser despojados de casa, de no tener a donde ir, la incertidumbre de no saber qué pasará mañana, las emociones encontradas. Después vino la adaptación a una vida sin un rumbo fijo, la supervivencia nómada. Definitivamente se adaptaron muy bien a la situación, se volvieron una gran familia, tenían sus propias reglas y vivían libres de la tiranía de los gobernantes, poco a poco desarrollaron raíces ambulantes, y como desde el inicio su dedicación era el arte, nunca dejaron de enriquecer su cultura. Bien dicen por ahí, en España sobre todo, que el cante y el baile lo llevan en la sangre.

La música en el pueblo gitano refleja su forma de vida y su ideología. A partir de que se fueron de su tierra originaria, un grupo de gitanos pasó por Afganistán, Bizancio, Armenia, Grecia, Serbia, Alemania y Francia; recogiendo costumbres y modificando su lengua materna; aprendiendo formas musicales y fusionándolas con las propias. En el siglo XV llegaron a España, donde ya vivía otro grupo de gitanos que llegaron desde el siglo X y que dieron origen al flamenco. Los gitanos que llegaron después eran ya muy distintos y su música era otra, incluso, aunque el ritmo tenía la misma estructura de doce pulsos, la acentuación y el fraseo variaba de una tradición a otra.

Durante siglos, esta gente ha sido víctima de maltrato, a donde van los ven mal, los han discriminado por su forma de vida y los han obligado a seguirse moviendo. Los llamaron Gitanos o Gypsies en inglés, porque pensaban que venían de Egipto. Muchos pensaron que eran asesinos y que por eso no tenían casas, que eran ladrones y violadores, que sus hijos eran criados para ser criminales, los miraban sucios, vestidos con ropas viejas y les temían. Nunca se detuvieron a ver que el corazón del gitano es más fuerte que un roble y más noble que los mismos reyes. Los gitanos no pretendían invadir, ni dejar a su paso el mismo dolor que venían arrastrando, su dolor era suyo, y consigo se lo llevaban a otro lado cuando ya no eran más bienvenidos. Sin embargo nunca le cerraron las puertas a quienes quisieran huir de su vida cotidiana, y muchos de plano se iban con ellos a viajar. Por eso la gente creía que eran secuestradores y los perseguían. Los odiaban. Pero ellos nunca perdieron el sentido del humor y la alegría de estar vivos y de poder hacer música y danza, juntos. Taraf de Haidouks, Esma Redzepova, Urs Karpatz y Saban Bjramovic son algunos ejemplos de esta música.

Cantó la tabla, cantó la guitarra, cantó la trompeta y el clarinete, cantó el violín el acordeón; los niños ya dormían y de pronto, la dama cantó.

Originally posted 2014-01-24 12:17:12. Republished by Blog Post Promoter

Los Ginger Ninjas y la Revolución Agradable

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Los Ginger Ninjas, Rodando México es un documental de Sergio Morkin que relata el recorrido en bicicleta a través de México que una banda californiana de rock folclórico realizó para difundir un mensaje ecológico. Como muestra de repudio al abuso en la extracción de recursos del planeta, la electricidad de sus tocadas también es generada con la energía de bicicletas fijas pedaleadas en vivo. La cinta fue proyectada ayer en Cinemex Plaza Insurgentes como parte del festival de documentales DocsDF.

El grupo, que también cargó en sus bicicletas sus instrumentos y bocinas, es liderado por Kipchoge Spencer, un músico y activista que se ha dedicado durante años a predicar el evangelio de lo que él llama “La Revolución Agradable” -una cosmovisión que pone el énfasis en disfrutar la vida y cuidar el planeta. Además del mensaje anti automovilístico, la idea de transportarse en bicicleta parte de la intención de disfrutar el viaje, saborear el proceso de llegar de un lugar a otro.

La película transita entre momentos conmovedores, chuscos y todos los intermedios. Sutilmente pasa de imágenes que muestran a los miembros entregados en esfuerzo a trepar en bici las montañas del territorio mexicano a escenas vergonzosamente graciosas como cuando Kipchoge confronta a los automovilistas de la Ciudad de México que simplemente no se enteran de que la ciclovía está hecha para que circulen por ella las bicicletas, como resultaría obvio.

Durante el viaje los personajes se dispersan, se marchan y regresan. La película no pretende mostrarlos como héroes ascetas sino como seres humanos falibles y vulnerables. En ese intento incluye las tensiones entre las relaciones de unos con otros, sobre todo la relación amorosa entre Spencer y Eco, una cantante argentina que es coautora de gran parte de las canciones de los Ginger Ninjas. Uno de los mejores momentos es cuando Eco abandona a la banda justo antes de la tocada en el Zócalo del DF y Kipchoge, nostálgico, hace un triste esfuerzo por cubrir su parte cantando como mujer en español.

En parte por su lenguaje lleno de términos esotéricos como “vibras” y “energía”, resulta tentador tachar a estos aventureros de gringos forevers. Este es el tipo de personas que hacen ceremonias en las que queman cabezas de burro de papel al marcharse para “cortar el vínculo con el grupo”. Por momentos sus expresiones suenan extrañamente religiosas, como cuando hablan de “ambientes pesados” y “guerra espiritual”. En el fondo, es difícil no sentir empatía por la valentía y corazón que muestran al realizar un viaje tan pesado y mantener una sonrisa en sus rostros al tocar para los curiosos mexicanos que intrigados acuden a sus presentaciones. En medio de su foreverismo, han tomado las riendas de sus vidas para difundir un mensaje positivo y relevante. Hay algo en su ingenuidad que inspira admiración.

No se trata de intelectuales que atesoran verdades sublimes, sino de gente común y corriente con mucho valor. Quizá es ahí donde yace la importancia del documental, el mensaje de fondo es que cualquiera puede hacer algo para transformar su vida y la de los que lo rodean.

Sergio Morkin conversó al final de la función con los espectadores y confesó que al igual que los personajes él mismo sufrió una transformación durante el viaje, al explorar la libertad y la vida desde el carril de baja velocidad.  Relató también su frustración al descubrir que por mucho tiempo a Kipchoge no le pareció el resultado final ya que en su opinión incluía demasiadas escenas de sus altercados con Eco. El director argentino considera que la historia de amor era fundamental para infundir intimidad y humanidad a la película y sostenerla durante su hora y media de duración.

Los Ginger Ninjas, Rodando México se presentará de nuevo hoy a las 22:15 en Cinemas Lumiere Reforma y concluirá su ciclo con otras funciones el sábado y el domingo en Jaima Parque México y el MUNAL, respectivamente.

 

Originally posted 2012-11-15 16:00:04. Republished by Blog Post Promoter

Crónica: FIL Zócalo 2012 parte 2

Por Hernán Flores

[Miércoles 24 de Octubre 2012]

 

3:00 p.m. Me arde la piel. Otra vez no debí haber comido tantos tacos de canasta. El calor es insoportable. A pesar de todo estoy seguro de que será un día increíble, veamos qué más puede ofrecerme esta feria, seguro habrá mucho de qué hablar, musitaba para mi interior tranquilamente mientras el vagón andaba por el subterráneo y veía como un niño se admiraba de unos nuevos anuncios luminosos incrustados en un buen tramo del trayecto entre una estación y otra. Maravilloso. Sin darme cuenta habíamos llegado a nuestro destino y estaba listo para ir a la carga.

3:30 p.m. Como lo había predicho días antes, “Macondo” me permitiría escuchar cosas fabulosas. A mi llegada curiosa y algo apresurada escuché un contrabajo y un teclado que armonizaban la plancha del Zócalo al ritmo de música de cabaret. Una música oscura y llamativa daba brincos y abría las piernas como una prostituta ofreciéndonos su olor y su sexo sin límites. Terminó la primer canción y quedé maravillado, tenía un sonido parecido a The Dresden Dolls pero con esa peculiaridad que tienen todas las bandas argentinas, un carisma difícil de apreciar. Tocaron un par más de temas fabulosos en los que ora tocaban el chelo ora el contrabajo, ora un tambor grande ora una pequeña lata de frijoles. “Lo nuestro es la noche, estamos en un ambiente extraño” dijo la vocalista despreocupadamente. Como si no nos hubiéramos dado cuenta de sus maquillajes semiteatrales y algo escalofriantes de mimos y payasos de circo sobre ruedas. Vinieron desde la Plata, Argentina, para darle un toque más de diversidad a nuestra feria. En ese instante me enamoré del escenario, la música iba perfecto con todos los detalles. Palacio Nacional estaba parado justo detrás de él como un hombre avaro vestido de traje. Qué impositivo puede ser un uniforme o un traje, como dicen por ahí, le da autoridad a cualquiera.

4:00 p.m. Me detuve a llorar desconsoladamente a orillas del Fondo de Cultura, sin importarme la vergüenza que sentía, sin importarme nada ni nadie más que yo mismo. Mis lágrimas suavizaron mi corazón de acero y éste se volvió lentamente un erizo al que ahora nadie puede acercarse. Las gotas de mi llanto rociaron el pasto donde crecieron flores nuevas y desconocidas. Nueva flora pobló mis dedos y mis manos. Floreció nueva poesía. En pocas palabras, agregué uno más a la lista de engaños, daños. Fue uno terrible e irreparable. Sin embargo, para mi sorpresa y buena fortuna me encontré a mis amigos los poetas vagando por ahí. Confeccionamos un credo de desprecio e ira, de intestinos y saliva que escupimos sin parar durante un rato en su contra. Me puse de pie y todos acordaron cancelar sus planes (uno ver a su chica y el otro ir a la escuela) para irnos a beber cerveza.

4:30 p.m. Llegó Héctor. Héctor Hernández Montecinos. El poeta chileno, no un simple poeta chileno, si es que cualquiera de ellos puede ser un poeta cualquiera. El autor de La Divina Revelación. El poeta del cosmos. Llegó Héctor y las cosas poco a poco fueron yendo a mejor. Recibí un mensaje suyo diciéndome que ya estaba en el asta donde horas antes habíamos acordado vernos y caminé a su encuentro. Sus gafas oscuras reflejaron el sol sobre mi piel que aun ardía por mi visita a Acapulco y lo primero que hizo al verme fue darme un largo y fuerte abrazo. Un abrazo como ningún otro, era un abrazo cósmico. Toda la fuerza del cosmos estaba concentrada ahí y con él me cobijaba. Me dio un par de palmadas y dijo “Hola, Hernán, ¿damos una vuelta y vemos algunos libros?”

5:00 p.m. Dimos varias vueltas a la feria, anduvimos desde Tusquets hasta Acantilado y Anagrama, pasamos por Siglo XXI hasta que finalmente llegamos a la Editorial 2.0.1.2. la editorial de Yaxkin, el poeta que no sólo es poeta, sino también poema. La editorial que en exclusiva edita y publica a David Meza, una de las promesas más grandes de la poesía contemporánea, también amigo nuestro. Aún con el corazón carbonizado decidí no perder más el tiempo y eché un vistazo a todo lo que había sobre la mesa para poder recuperar las horas perdidas en el día y escribir acerca de la editorial. Y bueno, descubrí que cada tiraje, o al menos muchos de ellos, estaban hechos a manos y además estaban numerados. También vi el póster del Festival Subterráneo de Poesía, el cual daría inicio el Domingo comenzando con lecturas en la pirámide de Tenayuca, después el Lunes con lecturas y encuentro de poetas latinoamericanos en la “Hostería La Bota” para seguir así también el martes, pero ésta vez en el CCH Sur hasta terminar el Domingo siguiente con un campamento poético. Una cosa de poetas: una cosa hermosa. Pues vamos por esas chelas, ¿no? Los escuché decir con insistencia. Vamos pues, les dije, sin imaginarme siquiera cómo terminaría todo esto.

7:00 p.m. Quedaron rezagados algunos poetas en el camino intentando encontrar algo valioso entre los puestos. Debemos irnos ya, que si no, no llegamos – le dije a todos con intención de movilizarnos lo más rápido posible. Habíamos acordado ir a la presentación del poemario más reciente de uno de los amigos de Héctor. Espero no sea demasiado tarde, quiero tener algo de qué hablar para éste día perdido y miserable.

7:30 p.m. Llegamos a la exposición, pero ya había terminado. No escuchamos más que un par de palabras del final, sin embargo con aplausos pagamos nuestra deuda, nuestro retraso. Ordenamos una ronda más para todos los poetas sin pensar en el precio. Ir a ese lugar, después de todo, no fue una pérdida de tiempo, también pude recuperar algo del trabajo sin hacer durante la tarde. Nos encontramos a un par de cuenta cuentos y un poeta, todos guatemaltecos, que habían venido por la invitación que les fue hecha por los organizadores de la FIL para dar pequeñas sesiones de cuentos leídos en voz alta para los pequeños que habían asistido a la feria. Me contaron que habían tenido un grupo lindísimo de niños que jugueteaban y parecían sentir amor, incluso tal vez pasión, por los cuentos. Que partían al día siguiente a mediodía con una gran sonrisa, que se les había tratado muy bien en la feria. Y ahí fue cuando me di cuenta de todo, sería una noche más para ser un detective salvaje y no pensaba dejarla ir. “Espero mañana no estar muy podrido, mañana sí tengo que trabajar”.

 

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¡Festival NRMAL en el DF!

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Para todos los amantes del indie: ya está confirmado, el próximo 28 de febrero y 1 de marzo llega la sexta edición del Festival NRMAL al Deportivo Lomas Altas de la Ciudad de México con un line-up liderado por la leyenda del art-rock y del IDM experimental: Swans y Mouse on Mars.

 Con casi 50 actos y proyectos en vivo, este Festival logrará, al igual que en años anteriores, traer bandas que de otra manera sería imposible ver en México como Phantogram, de EE.UU.; Chancha Vía Circuito, de Argentina; Dorian and The Dawn Riders, de Francia; El Último Vecino, de España; HTRK, de Australia; Boogarins, de Brazil; Gudrun Gut, de Alemania; entre otros.

Swans
Swans
Mouse On Mars
Mouse On Mars

¿Festival NRMAL?

Su origen radica en 2010, tras enfocar el proyecto en presentar música fresca, positiva y por qué no, con un toque arriesgado. En cada una de sus ediciones  este festival se transforma en el punto de encuentro de audiencias ávidas de diversos sonidos, experiencias extraordinarias y la cercanía entre todos los participantes.

 A pesar de que en esta ocasión el Festival no se realizará en Monterrey (lugar donde nació) sigue en pie mantener el espíritu que ha caracterizado y llevado a este evento a ser uno de los más importantes a nivel nacional de música independiente global.

 En esta sexta edición, Festival NRMAL llega con dos propuestas de programación nuevas: NODO, una plataforma de colaboración para la música y #CocinaCentral de Comilona, espacio dedicado a la creatividad gastronómica.

NODO

Este programa se desarrollara la semana previa al Festival, del 23 al 27 de febrero, para detonar una serie de agentes creativos y profesionales de la música. NODO se nutre de actividades que fomentan compartir ideas para así poder crear una red orgánica, creativa y sólida.  Se integra por tres módulos: formación, encuentro  y red, que, mediante charlas, talleres y plataformas buscan generar vínculos entre agentes en activo interesados en desarrollar su proyecto.

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Para no dejar con el estoma vacío a ninguno de los asistentes, la zona de comida del Festival se transforma en #CocinaCentral, misma que en esta ocasión trae una alineación de chefs, mixólogos y gastronomía pop-up que compartirán métodos y aproximaciones de la cocina mientras los llevan a la práctica.

 Para ponerle más sabor, Comilona, en colaboración con BC Creativa, harán duelos entre los diferentes chefs, mismos que podrán ganar el trofeo Comilona a través del voto de los comensales que serán los jueces.

 Entre los encargados de la cocina se encuentran los chefs Javier Plasencia, Martín Vargas, Diego Isunza, y los mixólogos Ana Mena, Carlos Soto y Joseph Mortera; todos reconocidos a nivel nacional.

Su primera vez

En alianza con Festival NRMAL, el Austin Psych Fest, creado en 2008 por el sello The Reverberation Apreciation Society, llega por primera vez a México buscando promover y crear un nuevo espacio para la expresión musical y artística. Para eso el jueves 26 de febrero, en el foro IndieRocks!, trae un showcase que integra  bandas de estilo psych como Cave, Oxomaxoma, Holy Wave, Acidandali y Negro Leo.

 De igual forma el Festival Sugar Mountain junto con el sello Siberia Records traen dos proyectos que se volvieron favoritos: la banda No Zu y el cantautor Kirin J. Callinan. En esta edición de NRMAL presentarán el regreso de Kirin y la primera vez de la agrupación HTRK en México.

Para que no pierdas ningún detalle, da click aquí. 

Cave
Cave
Oxomaxoma
Oxomaxoma
HTRK
HTRK

Originally posted 2014-11-24 09:00:46. Republished by Blog Post Promoter

¡Xochitl: la danza folklórica es su afición! #MegaOfrenda2013

 

“¡Aprecien lo que tenemos en México!”

Eso es lo que nos recomienda la joven de 21 años, Xochitl Cuéllar Leyva, quien desde los cuatro años se dedica a bailar. Sin embargo, fue hasta los 11 años que descubrió la danza folklórica y quedó completamente enamorada. Fue con el tiempo que llegó a la Escuela de Ballet Folklórico María Hernández, donde se graduó en ésta disciplina.

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Cuando baila, ella defiende sus orígenes y puede compartir su amor por la cultura mexicana.

A lo largo de su carrera artística, se ha presentado en diversos foros, incluyendo una gira a Oaxaca, una de las experiencias recordadas por ella con más cariño. Le emociona ver la reacción de la gente, aquellos espectadores cautivados que al fin de sus representaciones siempre claman: ¡Otra!

 

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Ahora, son más de 10 vestidos tradicionales los que conserva de presentaciones pasadas, y en su afán de preservar estos bailables, se dedica a la Gestión Cultural. Desea que recordemos aquellas primeras coreografías de Amalia Hernández, llenas de espíritu y más fieles al estilo tradicional que las nuevas versiones acompañadas de técnica del ballet europeo.

 

 

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Xochitl, del nahuatl flor, es su nombre; y la danza folkórica mexicana, su afición.

No la pierdas el día Miércoles 30 de octubre, a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda Unam 2013.

Originally posted 2013-10-28 16:56:08. Republished by Blog Post Promoter

Russkaja: ritmos mezclados directamente de Viena

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Para iniciar el año como se debe y con toda la potencia necesaria, la primera recomendación de este 2014 es Russkaja, una banda originaria de Viena. Russkaja actualmente se encuentra promocionando su más reciente material, un E.P. titulado Barada, el cual contiene covers de canciones que, musicalmente hablando, parecieran no tener que ver con el grupo, pero al ser una banda influenciada por infinidad de ritmos seria erróneo así pensarlo.

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Barada  es un E.P. en el cual podemos encontrar covers de Daft Punk, Katy Perry o Avicii, transformados al clásico estilo de Russkaja, que consiste en realizar toda una mezcolanza de ritmos procedentes de varias partes del mundo con ritmos balcánicos y aquellos que forman parte de la música folklórica rusa, obteniendo con ello una música llena de potencia y que pondrá a bailar a cualquiera.

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Guitarristas en la #Megaofrenda

Cuerdas GuitarraLa pasión de muchos, la realidad de unos cuantos. Tener una guitarra en las manos y hacer música, transmitir sensaciones a otras personas a través del sonido. “Una pasión que me vino desde pequeño, donde de repente me ví rasgando las cuerdas y pensando que ese podría ser el camino”, nos cuenta Daniel, uno de los integrantes de este trío de guitarristas. “No sé con precisión, solo sé que es algo que disfruto hacer (tocar)”.

David y Manuel, también estudiantes de la Escuela Nacional de Música e integrantes del trío de guitarras, nos relatan una historia similar. “No hay una historia definida, llega el instrumento a tus manos y es como parte de tí. De repente, lo único que quieres hacer es tocar”. Llegar a la Nacional de Música como un reto personal: ¿cuántas personas logran entrar? Menos de las que quisieran. Ellos tres, contando con esta oportunidad, han decidido salir de ahí para darse a conocer, que el mundo los escuche y sepa que están aquí. guit

Llevar la música de concierto al gran público, hacer partícipe a la mayoría del deleite de unos cuantos. En esta oportunidad, Daniel, Manuel y David participarán dentro de la Megaofrenda UNAM 2013, espacio donde se unirán a otros artistas para celebrar una de las fechas más relevantes de México: el Día de Muertos. Su repertorio, basado en obras de Manuel María Ponce y Leo Brower, será el pretexto para hermanar a las personas que asistan a escucharlos.

Originally posted 2013-10-28 20:07:30. Republished by Blog Post Promoter

La Música e Imagen Del Tiempo Unicelular

 

Unicellular Time es una colaboración entre el compositor Enrique Mendoza y la VJ y artista visual Sandra Real, también conocida como Chana MX. La intención de esta pareja de artistas mexicanos es crear una experiencia audiovisual que transmita el transcurrir del tiempo desde la perspectiva de organismos unicelulares.

Para esto, y con la ayuda de María Teresa Quintero, parasitóloga de la UNAM, videograbaron una serie de observaciones a través del microscopio de organismos como miracidios y nematodos. El material, de acuerdo a Mendoza, reveló que el paso del tiempo puede ser muy relativo cuando no se tiene una referencia -como, por ejemplo, la posición del Sol para determinar nuestros días. Así como en las escalas mayores, como las de los astros y planetas, el tiempo parece transcurrir de manera diferente, en las escalas más pequeñas sucede algo similar.

Actualmente, el dúo se encuentra preparando el acto en vivo, el cual presentarán durante el Live Performers Meeting 2013, a celebrarse en la Ciudad de México del 24 al 26 de enero del próximo año. La idea es combinar el material grabado previamente con observaciones microscópicas en vivo y  la música de Mendoza, quien utiliza el software LiSa para crear y moldear los samples para el proyecto.

Real y Mendoza ya han colaborado previamente en DEREGRESO, una presentación en vivo que mostraba imágenes de un proceso de fluoroscopía que permite visualizar fluídos internos del cuerpo humano mediante la aplicación de pequeñas dosis de radiación. Unicellular Time es la continuación de ese proyecto.

 

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