Daniel Soares pregunta ¿Moda artificial?

Creatividad, pasión y desapego por las tendencias son tres factores que caracterizan a Daniel Soares, director artístico quien refleja en su trabajo la crítica hacia el artificial concepto del modelaje, dejando ver que existe una esencia mas allá de las imágenes que apreciamos en los anuncios con los que diario nos topamos…

Daniel Soares

 

¿Por qué ir en contra de los estándares de modelaje que son aceptados por gran parte de la comunidad? ¿Por qué dejar a un lado los caminos cómodamente experimentados y exitosos? estas son cuestiones resueltas por la esencia que hay detrás de observar un cuerpo estéticamente presentado en una fotografía de una campaña publicitaria, ya que él considera que el trabajo constante, cuidado por los detalles y pasión por aquello que se vive, crea la diferencia en las vidas que lo rodean.

Daniel Soares

Daniel Soares

¿Quién es? Nació en Portugal, creció en Alemania y actualmente es profesor de Miami Ad School en San Francisco. Ha sido premiado por su trabajo y éste ha sido exhibido en reconocidas galerías de arte, ¿Una pista más? Él es el artista quien usa la barra de herramientas de photoshop en los anuncios de propaganda de H&M y catálogos virtuales, pero ¿cuál es la finalidad de exponer todo esto? Es una pregunta, que no será resuelta hasta que como sociedad se vea más allá de lo que percibimos con los ojos y qué es todo eso que se encuentra detrás de la imagen de una modelo, para pasar a tener como prioridad la esencia y significado del humano que lo posee.

En 2014, Daniel Soares fue invitado por  Kesselskramer para llevar a cabo una exposición de la serie Photoshop Adbusting, como parte de The Step una exhibición que concentrándose en las sesiones de fotos para la industria de la moda revela el lado siniestro de ésta.

Daniel Soares

 

Daniel Soares

 

Ensayo acústico de The Smösh en Ensayódromo

Hace unas semanas tuvimos el gusto de grabar uno de los ensayos semanales en Ensayódromo de The Smösh. A diferencia de los ensayos regulares en los que la banda está preparando el setlist para las próximas fechas de promoción de “7 Días De Oscuridad”, en esta ocasión se aventaron un acústico bastante especial. Les compartimos el resultado de aquella velada con los jóvenes de Tampico, Matamoros y D.F.:

 

 

¿Quieren más de los The Smösh? Escuchen su nuevo sencillo “Animal sin Voluntad” y descárguenlo completamente gratis por acá cortesía de Chulavista y The Smösh.

La muestra del CCC: XL aniversario

La muestra del Centro de Capacitación Cinematográfica llega a la Cineteca Nacional del 16 al 19 de abril.
En esta ocasión reúne 24 producciones que se han terminado a lo largo del año 2014. La muestra incluye 19 cortos de ficción, 5 largometrajes y un documental. Cada una de las producciones es resultado de la formación de los estudiantes de la Licenciatura en Cinematografía.
CCC
Los largometrajes que se presentarán son:
‘El silencio  de la princesa’ de Manuel Cañibe, la ópera prima documental CCC-FOPROCINE, estrenada en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Además,  ‘Los Hámsters’ de Gil González Penilla (tesis), Mejor Ópera Prima, Guanajuato.
Los Hamsters
‘El regreso del muerto’ de Gustavo Gamou (tesis), ganador del Premio Puma México en FICUNAM.
Y los documentales realizados en el taller de tercer año, ‘Memoria oculta’ de Eva Villaseñor, Mejor Mediometraje, Festival dei Popoli, Italia y ‘Gone Missing’ de Till Cöster.
Memoria oculta
Como toda producción de los del CCC, los cortometrajes se difunden en festivales de cine nacionales e internacionales, así como en una gira por distintos estados de la República. Los cortometrajes realizados en 2014 han participado en festivales destacados como Sundance, La Habana, Plus Camerimage, Bilbao y  han recibido premios y reconocimientos en Monterrey, Sao Paulo, Biarritz y Morelia. 
Como labor de apoyo a sus alumnos el CCC presenta aproximadamente 80 películas en más de 200 eventos al año. Ello con el objetivo de acercar los las producciones de la escuela al público. Los cortos se han transmitido en televisoras públicas en el DF, Michoacán y Morelos; actualmente se pueden ver 26 cortometrajes en línea de manera gratuita: bit.ly/CortosCCC
La programación de la muestra de este año la pueden revisar aquí.

De tripas corazón

 

 

“No es nada agradable ser clavado en la cruz, abandonado,
es mucho más placentero olvidar a un amor
que no funcionó
ya que finalmente
ningún amor funciona”

– Charles Bukowski

A veces quisiera  haber  sido ese  centauro semental  y  montar

a ninfas y musas,   jugar  al  Diógenes  de barrio  en  el Zócalo,

saberme más  que ideas y huesos

y quejidos desmoronándose

en los tejidos  de una soledad  generalizada.

A  veces   quisiera  que  la  lengua

no  se  deshiciera  en  la  boca

para  no callar  sin  sentido

hacer lo que  cualquier pseudo esquizoide haría,

escribir  ridículos poemas sobre  amor  en harapos,

aunque,  pensándolo   bien

debería  escribir la  más  divina  pornografía,

toda  una  gama  de  fascículos  de lectura  para  el  baño

sólo para acumular  la  rabia del  naufragio de  los  cuerpos,

o quizá,  debería asumir que todas  las mujeres  son  de agua.

A veces quisiera  caer como  hilera de  dominó

como mi propio declive y gemido.

Fluir como  cascada, como profunda  laguna donde

se araña  la  ley de  la  gravedad.

A veces  quisiera que la  gravedad se  enseñara con   la caída

y curvatura  de unos senos.

quisiera no haber sido embaucado

con  las  historias de super mujeres,

mujeres  místicas

y aladas,

mujeres  terribles

y de  olfato  sensible,

mujeres  carnívoras

y chupacabras,

mujeres  marabunta,

mujeres  apocalípticas

e integradas,

mujeres  diosas

inmaculadas

malditas

maravillosas

mujeres…

A  veces quisiera que no  todo lo que exista

sean éstas ganas de  verte

y poder  salir  de este   congal  que  se  llama

“ojalá  el  amor  exista”

quisiera hacer  de  tripas  corazón

 y  del  corazón un papalote

y del  papalote  un  fractal.

Conociendo a: Brenda Mítchelle

He pensado que hay que hablar de los jóvenes hacedores, impulsarlos, de algún posible modo, del modo en que he pensado también que los artistas han de tener una gama de posibilidades, que les es difícil avocarse a una rama sola porque necesitan crear,  que tienen algo extraño, que son aislados, y  en fin.  Brenda Mítchelle es este tipo de ser, es un joven, digo joven porque se asume “hombre” que tiene la necesidad de escribir, producir, de dirigir, de crear, es un actor y escritor que también produce y dirige teatro y estudió una carrera profesional en mercadotecnia…

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La obligación de quien hace es también prepararse, y Mítchelle o Sir Brenda Mítchelle que es como firma lo que escribe teniéndolo claro se ha perfeccionado en instituciones distintas: Casa del Teatro, la Escuela Nacional de Arte Teatral, el Foro Shakespeare, los Estudios Churubusco con maestros como Roberto Sosa, Ron Burrus (E.U.) Silvia Ortega, Marius Biegay, Joaquín Bissner, Verónica Falcón, Rodolfo Palacios, Víctor Siañez, Bruno Bichir, Carolina Politti, Ignacio Escárcega, Richard Viqueira, Georgina Flores etc… en actuación en más de 21 talleres y cursos distintos, también tiene 6 diplomados y es egresada del Centro de Estudios para el Uso de la Voz avalada por el Instituto Mexiquense de Cultura y becada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y literatura en 2014 por currículum, ha actuado en más de 34 puestas en escena entre las que destacan: “Volupta” de Luis Santillán dirigida por Iliana Muñoz en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico, “Parkour” de Pávez Goye dirigida por Luis Santillán en La sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (INBA-CONACULTA), “ Leonora por la tarde” de Verónica Maldonado y dirigida por Julio Escartín en el Rally Teatral en la sala CCB  (INBA-CONACULTA) y “Pie sobre espalda de niño” el foro 1 de la Feria del Libro Teatral del CONACULTA, Las lecturas dramatizadas de Paso de gato en la Escuela Nacional de Arte Teatral en el Día Mundial del Teatro el Rafael Solana y “Limítrofe” dramaturgia y dirección de Ignacio Flores de la Lama en el teatro de Cámara de ARGOS CasAzul sólo por mencionar algunos. Ha actuado en más de 27 cortometrajes, el último de ellos, dirigido por Armando Rangel ganó el segundo lugar en el concurso “Democracia en corto” del Instituto Nacional Electoral y hace cineminutos y comerciales.

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Como productora ejecutiva en teatro destacan: Lizzie Borden de Lucía Leonor Enríquez dirigida por Luis Santillán en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque dentro del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporaneo del INBA- CONACULTA y “Malintzin” Dramaturgia y dirección de Luis Santillán (Mención Honorífica del Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera) en que también fue asistente de dirección en la colección de teatro alternativo del INBA-CONACULTA y el Centro Cultural del Bosque en la esmeralda y en  La Comuna en León Guanajuato.  También ha dirigido 6 puestas en escena más.

Fue generadora y guionista del programa de radio de cultura: “Desnudo Artístico” transmitido por año y medio en el 97.3 de F.M. y fue secretaria de Cultura de la Organización México Nuevo del Partido Revolucionario Institucional en Amecameca.

También estudió dramaturgia con Juan Cavestany (España), Maikel Chávez (Cuba) INBA-CONACULTA y Luis Santillán y ha escrito las obras cortas: “Hambre”, “Las alas de los cocodrilos” y el unipersonal “Conferencia sobre el medio ambiente” llevadas a escena.

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También estudió pintura con Jesús Juventino y Arturo Covarrubias ( hijo de Miguel Covarrubias) a los ocho años y su primera exposición colectiva de pintura fue justo a esa edad, también participó en la exposición colectiva “Autorretrato desde tu espejo” en la Galería Café “El tintanismo” con “Desde la sangre” en 2014.

Estudió un diplomado en Creación Literaria y fue seleccionada para la antología artesanal Brevis & cortus con “Consuelo” en Zacatecas y la revista de literatura digital “Nocturnario”, actualmente es colaboradora de esta revista “Chulavista Art House” y colaboradora intermitente de “Metropoli” capital del conocimiento…

Lo que responde ante la pregunta de la razón del “hacer” es que era una niña extraña que caminaba en el patio de la escuela sin hablar con los otros niños, que escribía desde niña y leía, que prefería eso a jugar con sus primos, que le es difícil relacionarse con los humanos y prefiere a los niños, a los animales y a los ancianos, que se vio  a los catorce al espejo y supo que fue viejo, y que es un modo de llenarse los vacíos que piensa que no se llenará nunca y de cumplir un propósito… de dar algo…

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Ozzy Osbourne regresa a México

11084243_10153265077097318_258984718900687844_nDespúes de un largo tiempo, los dioses de la música nos han escuchado, Ozzy Osbourne regresa a México el próximo 20 de agosto para presentarse en la Arena Ciudad de México en compañía de Black Label Society.

 En esta ocasión estará presentando Memoirs of a madman, su más reciente producción, la cual es una compilación realizada en octubre del 2014 que incluye  algunos de sus éxitos más importantes en su carrera como solista.

 Memoirs of a madman, CD-DVD, contiene canciones como: Crazy Train, Mama, I’m Coming Home, I Don´t Wanna Stop y No More Tears. En el DVD están los videos Lightning Strikes, Breaking all the Rules, Mr. Tinkertrain, I Don’t Want to Change the World, Let It Die, entre muchos otros.

  Zignia Live dio a conocer que la banda norteamericana de heavy metal, Black Label Society, liderada por “El Rey Vikingo de la Guitarra”, Zakk Wylde, compartirá escenario con el Principe de las Tinieblas, en la que será su tercera presentación en nuestro país.

Los boletos salen a la venta este 25 de marzo a través de Super Boletos, con precios que van de $425 a $1,825. No olviden que también se presentará en la Arena Monterrey el 18 de agosto.

Ya son 20 años sin la reina

El 31 de marzo de 1995, Selena Quintanilla Pérez, la reina del Tex-Mex, fue asesinada de un balazo en la espalda por Yolanda Saldívar, quien fuera presidenta de su club de fans, administradora de sus boutiques y amiga de la cantante. Desde entonces, la música latina no ha podido llenar ese hueco tan grande que ella dejó. A 20 años de su muerte, se le sigue recordando a través de conciertos tributo, transmisiones de Selena Live en televisión nacional, así como también la película de su biografía, Selena, protagonizada por Jennifer López (quien por cierto, despuntó a la fama después de este papel), discos recopilatorios o simplemente fans que no paran de escuchar y bailar sus canciones, sea 31 de marzo o no.

tumblr_msaveplrVI1qdoj20o1_400     ¿Cuál es el motivo del éxito y fama de Selena? Reivindicar a la mujer en un género musical que, hasta entonces, era sólo por y para varones, así como también enaltecer el nombre de México en los Estados Unidos, figuran entre las razones más fuertes que lograron que el nombre de Selena perdurara. Si bien es muy criticado que la cantante no tuviera un español muy fluido a la hora de hablar y que en sus roces con la prensa esto fuera notorio; así como también la proyección, en ella misma, de los sueños frustrados de su padre en el ámbito musical, Selena logró forjar un sentimiento de identidad que se consolidó, paradójicamente, al ella morir. Selena, entonces, se convierte en un ícono de la resistencia femenina, así como también del inmigrante mexicano en los Estados Unidos.

        De acuerdo con esta idea, viene a mi mente aquella escena de la película cuando su padre le dice: “Debemos probar a los mexicanos lo mexicanos que somos y probar a los americanos lo americanos que somos; debemos ser más mexicanos y más americanos al mismo tiempo”, y para muestra un botón: la trayectoria y legado de Selena.

        En una opinión muy personal, Selena es mi cantante favorita desde que tenía unos seis años. Desde la primera vez que vi la película basada en su vida y por herencia de mi madre y mis tías, Selena se convirtió en uno de los íconos femeninos más grandes para mí en muchos ámbitos. Saber que murió siendo tan joven y en la cúspide de su éxito pone en tela de juicio, para mí, el rumbo que tomaría su carrera, es decir, ¿hubiera mantenido esa línea?, ¿seguiría haciendo música para la gente y para traspasar fronteras?, ¿mantendría su lugar entre las mejores cantantes de música latina en Estados Unidos?, ¿hubiera ganado un segundo Grammy? No lo sabemos, lo que sí sabemos es que el título de reina se ha fortalecido, incluso 20 años después de su muerte.

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Selena Live ! from Cuby 2013 on Vimeo.

Mabe Senso. El blanco perfecto para todos los días

 

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Durante las últimas temporadas, este color ha predominado en el interiorismo europeo contemporáneo. Pon tu mente en blanco, piensa en Europa y admira la tendencia que viste los espacios arquitectónicos más vanguardistas.

El color blanco es tan relevante por su versatilidad para crear combinaciones, que va bien con todo. Io mabe retoma esta tendencia europea del diseño de interiores y la reinterpreta de forma única, para darle a tu casa un estilo moderno todos los días.

Descubre Senso, una cocina de colección, con la perfecta armonía entre diseño y funcionalidad, que llevará tu hogar a la vanguardia. Además, gracias al exclusivo acabado VetroBianco, tu espacio siempre se mantendrá impecable y en tendencia.

 

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Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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De: Salón de Belleza de Mario Bellatin en Casa Refugio

Mario Bellatin

Tuve hace poco la posibilidad de asistir a una presentación en casa Refugio, de Mario Bellatin, artista con vicios de escritor, porque lo artista no podría de ningún modo, ni él mismo, negarlo. Basta con verlo, basta con ver los movimientos de que es dueño, luego escucharlo. Pero no quiero evadirme, lo que de él y de aquella presentación quiero transmitir, porque me mueve una necesidad auténtica, porque fue una pena la escasa asistencia y porque me parece que vale muchísimo la pena el tema que a modo de consejo tocó: El desaprendizaje. Desaprenderlo todo, permitir que la pasión mueva, que de algún modo domine en el terreno de lo artístico.

 En una educación marcadamente escolástica que es la que pondera en una sociedad como esta en que vivimos, el asunto es aprender para aplicar, entonces en tanto mejor se haga eso y se pretenda que se logra, la sensación de éxito llena a los individuos. Una pena que termina en que en los concursos literarios se forman pilas de textos de una escritura misma, un lenguaje parecido, de una misma estructura, y de los temas… no hay ya necesidad de decirlo. Esto me recuerda a alguna charla en un diplomado que tomo ahora en que una maestra hablaba de la baja calidad de la poesía de unos muchachos acreedores de una pelada beca y al compañero que dijo que debía llevárnoslos para copiar el estilo y ganar la misma beca. La culpa, me parece, no es del humano que lo dijo, porque es difícil con todo el asunto burócrata salir avante y sostenerse con un estilo auténtico por poderoso que sea. Lo distinto, lo no escolástico, lo que procede de sí el conocimiento, de sí la experiencia pero del modo de traducirla, y entonces pasarla al texto, dejar que sea, porque lo que sale de las pilas aquellas, y como persona en una sociedad misma es el estilo auténtico.

 Al que no hay que soltar, a la necesidad auténtica de escribir, eso es lo diferente, los textos que valen la pena, los que prevalecerán a pesar del tiempo. Y todos tal vez hablen de esto, y sin embargo es tan común y tan corriente como la necesidad de comer todos los días.

 Mario Bellatin presentó una suerte de película, que no es película pero que fue anunciada de ese modo para la presentación, que necesita de su voz y su presencia para que sirva de algo el reproducirla. Es escritura,–dijo– todo para mí es escritura y esto es un apoyo para narrar. Que mucha gente puede decir que es cine, pero no lo es, como no es teatro, ni performance lo que hace, como no sabe definir con precisión lo que hace, pero no importa tampoco porque aquello que sí hace apoya al discurso, porque para contar, para transmitir el mensaje necesita al recurso. Que quien sepa de géneros los use como mejor le parezca. Pero que a él no le roban el sueño.

 Tenemos a un artista que se sabe artista, profundo, que vivió en la India, espiritual, honesto, con un precioso aire de inocencia. Porque ciertamente hay que conservar la inocencia, con lo difícil que es resguardarla en estos y todos los tiempos. Lo cierto es que no estoy narrando todo, es que vale la pena seguir a Bellatin, de seguir sus presentaciones y sus escritos.

Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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¿Qué pasa con el reggaetón?

Meses atrás en este mismo medio, escribí una nota que lleva por título “¿Por qué lo naco es chido?”, donde señalo, entre otras cosas, por qué lo naco es intolerable y difícil de asimilar a ojos y oídos de “la gente cool”. Esto tiene fundamento en que lo naco carece de cultura y erudición. Y, justamente, me es inevitable relacionar esta cuestión con el tema del reggaetón.

 Para empezar, ¿de dónde viene el reggaetón? Según lo que encontramos en internet, el reggaetón nace de la mezcla de varios ritmos: el reggae, el raggamuffin, el rap, el dancehall y el dembow, con diferentes variaciones a lo largo de las últimas dos décadas del siglo XX. En un principio fue llamado “reggae en español”, el cual surgió de un intercambio cultural y musical entre Panamá y Puerto Rico. No obstante, fue en el segundo país donde el reggaetón adquirió mayor popularidad y su nombre pasó de “reggae en español” a “reggaetón”, como una extensión de la palabra “reggae”; esto porque el género que estaba naciendo era concebido por sus artistas como algo grande, y como a lo grande en español se tiende a ponerle al final la sílaba –ón… pues el resto es historia. Artistas como El General y Nando Boom se mantuvieron en las listas de popularidad desde finales de los 80. Más adelante el género se extendió por todo el Caribe y el resto del continente, encabezando a través de sus letras un movimiento de identidad y resistencia hacia el imperialismo cultural producto de la presencia de Estados Unidos en América Latina.

 No obstante, es evidente que este objetivo ha cambiado mucho a lo largo de los años. Desde que el reggaetón –digamos “nuevo”– empezó a sonar en México con Daddy Yankee y su primer éxito “Gasolina” en el 2004, hasta la actualidad, queda claro que es un ritmo que las clases más bajas bailan como si de dos perros apareándose se tratara (perreo), cuyas letras hablan de calle y de mujeres como objetos sexuales. En Cuba y Guatemala está prohibido el reggaetón y muchos lo han celebrado porque es un ritmo que incomoda tanto a la vista como a los oídos; no se ve bien una mujer rozando su trasero de manera sensual en el pene de un hombre. Tampoco se ve bien que las clases marginadas de los países latinoamericanos expresen sus inconformidades e ideales a través de la música. A través del reggaetón.

  Regresando a la concepción de lo naco como una muestra de la ignorancia de algunas personas en cuanto a música y apariencia se refiere, en México es común que quien escucha reggaetón sea tachado de ignorante, delincuente y drogadicto que no sabe respetar a las mujeres. En México existe una tribu urbana que surge de la penetración de este género a principios del 2000: los reggaetoneros, quienes adoptan la estética de sus cantantes favoritos. Por lo regular viven en barrios populares, siendo Tepito la mayor referencia, lugar donde se concentran los niveles más altos de delincuencia, pobreza y violencia de la capital metropolitana. Es por ello que despectivamente se les ha llamado “chakas”, aunque ellos se sienten identificados con ese nombre: “yo soy chaka, tepiteño, me gusta el reggaetón y el perreo”.

  Y es que escuchar y bailar reggaetón no te hace un delincuente o un ignorante. He escuchado decir a varias personas que este género carece de creatividad y de sentido, al ser una mescolanza de diferentes ritmos que desemboca en letras que rompen la (¿poca?) armonía de los mismos. Realmente yo le atribuyo este rechazo, más que a otra cosa, a que se trata de una música que se oye en los barrios, que los chavos de Conalep ponen en sus fiestas mientras se dan una monita de Kool-Aid y las niñas quedan en topless. Y es que sí, como en un principio lo dije, parece que la gente tiene que nacer con un chip de intelectualidad y de cultura que, automáticamente, debe rechazar absolutamente todo lo que no demuestre que está a su nivel.

  Lo chistoso es que muchas de estas personas que rechazan profundamente el reggaetón y que son capaces de bajarse del camión si esa música está sonando, en secreto lo escuchan. Personalmente, desde que el reggaetón llegó a México, es un género que me gusta mucho. Iba en sexto de primaria cuando por primera vez lo escuché y logró ponerme a bailar, sin embargo, con el tiempo y por la presión social, claro, tuve que negar que me gustaba e incluso alguna vez lo odié. Poco a poco fui volviendo a aceptar mi gusto por él y logré sacarlo de mi lista de gustos culposos.

 ¿Gustos culposos? Nada con menos sentido que eso, porque si algo gusta, no tiene por qué dar culpa. Eso es algo que se nos ha enseñado sin parar desde que nacemos: a sentir culpa por lo que nos hace felices. Hay que poner atención en esto, gente. Ordenen sus prioridades por encima de lo que puedan pensar de ustedes.

 Para terminar, es importante aclarar que no intento cambiar la percepción de absolutamente nadie frente a este género musical, sin embargo, creo que es importante que dejemos de alzarnos el cuello frente a lo que es “diferente” a nosotros, ¿me explico?. Más de uno de los que están leyendo esta modestísima nota han perreado hasta abajo y sin piedad. Aunque tengan maestría, doctorado y les guste el jazz.

El almacén de la imagen: reflexiones en torno al arte y la historia

Recientemente comencé a trabajar dando clases en una universidad, impartiendo la materia de Arte y cultura contemporánea con la cual se pretende hacer una revisión de, como su nombre lo indica, el arte contemporáneo. El temario del plan de estudios debe iniciar desde la época del postimpresionismo, haciendo de igual manera una breve revisión del arte moderno para así pasar por fin a lo que compete, que es el arte contemporáneo, es decir, aquel que vino después de las vanguardias o que más bien parte de ellas. El reto de impartir una materia como estas radica en el hecho de que no sólo se trata de hablar sobre pintores y sus grandes obras, sino más bien de hablar de varias épocas en función del arte que se produjo durante el periodo que va de finales del siglo XIX a finales del siglo XX. El arte no debe ser estudiado de manera superficial, como si sólo se tratara de creaciones fortuitas realizadas por algún personaje con una vida anecdótica. Hablar de los padres del autor, del seno de la familia de la cual proviene, de los amigos o las relaciones amorosas que tenía, así como de su personalidad, son cuestiones apropiadas que deben conocerse para poder acercarse a una obra de arte y comprenderla más a fondo, pero no es suficiente quedarse en ese plano. El nivel de conocimiento sobre una obra es mucho más profundo, y en ese sentido puede resultar una labor titánica poder analizar un siglo de producciones artísticas en un solo semestre.

 Todo esto me llevó a reflexionar una vez más en torno al arte,  a la historia y a la imagen. Hablar de arte es invariablemente hablar de historia. Esto significa que para poder acercarse al arte es necesario contextualizar ya sea una obra, un autor o una corriente artística. Sin contexto la obra en sí misma carece de sentido. Es importante por ello, que cuando se observe una obra de arte, ya sea pintura, escultura o música, la  pensemos en función del contexto histórico en el cual se enmarca, esto es, que la pensemos como la creación de un humano influido por la sociedad de su época, por el entorno histórico en el que le tocó vivir y las condiciones en las que creó su obra.

 Uno de los primeros estudiosos de la imagen con los cuales tuve acercamiento hace casi cinco años fue el historiador inglés Peter Burke, con quien comencé a entender que la imagen tenía mucha importancia para la comprensión de la vida del pasado. De él había leído que “Las imágenes son traicioneras porque el arte tiene su propias convenciones, porque sigue una línea de desarrollo interno y al mismo tiempo reacciona frente al mundo exterior.” Tardé algunos años en entender que para analizar una imagen debía entender justamente ese “mundo exterior” del que Burke hablaba en su libro Visto o no visto. El uso de la imagen como documento histórico. Se trata sobre todo de observar las imágenes y luego estudiar el mundo frente al cual está reaccionando. De ahí que debe estudiarse el contexto histórico para comprender una obra de arte no tanto desde la forma, que claramente es importante, pero también para analizarla desde el fondo. Estudiar el arte no sólo tiene que ver con hacer una revisión de la historia política o económica de una época, sino también puede entenderse desde la historia de las ideas, desde la historia cultural o la historia de las mentalidades. Así pues, acercarse al arte o a los medios visuales del pasado sirve para ayudar a entender cómo pensaban los hombres en cierta época y en un espacio determinado.

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 Una materia que gira en torno al arte invariablemente tendrá que relacionarse con historia, sin embargo el gran reto es hacer que ambas disciplinas puedan ser provechosas y útiles para estudiantes de una carrera como Ciencias de la comunicación. ¿Cómo hacer que el arte y la historia puedan servir de algo a un egresado de dicha licenciatura y que, mejor aún, pueda llevar ese conocimiento a la práctica a la hora de ejercer su profesión? Gran pregunta que tarde un tiempo pensando. La respuesta estaba en las imágenes, debía enfocarme en las imágenes. Lo que necesitaba hacer era mostrar que las imágenes se inscriben en ciertas corrientes artísticas de cierto momento histórico y que los creadores que hacen uso de algunos medios como la fotografía y el cine indiscutiblemente se sirven de corrientes del pasado para realizar su obra.

 El ojo de pintores, escultores, fotógrafos y cineastas es un ojo bien educado, capaz de entender y hacer imágenes con el poder  de transmitir ideas y emociones. Sin embargo, para poder crear imágenes y comunicar ideas a través de ellas se necesita educar el ojo, pues a pesar de que vivimos en un mundo muy visual, también es cierto que existe un alto nivel de analfabetismo visual en nuestra sociedad. Se trata más de estudiar el arte moderno y contemporáneo desde su forma y desde su fondo con el objetivo de entrenar el ojo y la mente para saber ser observadores y creadores de imágenes. El estudio de la imagen visual, ya sea desde el arte pictórico y escultórico o desde medios como la fotografía y el cine, resultan una forma eficaz de estudiar al hombre del pasado, sino una manera de comprenderlo en el presente, y entendernos a nosotros mismos a través de este.

De teatro: Perso

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Trece octavos es el nombre que recibe un colectivo formado por algunos egresados del  Diplomado del Centro de Estudios para el Uso de la Voz del INBAL. Eso ya debería decirnos algo… Y algo bueno.

 PERSO es una creación netamente auténtica emergida de las mentes de estos chicos; lo bueno de los colectivos es que uno habla de lo que quiere hablar y no de lo impuesto en innumerables casos por el dramaturgo o por el director, productor o quien se quiera.

 Entendamos también que es un work in progress, esto evoluciona y eso en sí mismo es bueno, si bien es cierto que un trabajo no terminado no debe ser puesto en escena por considerarse una ofensa al espectador, una suerte de tomada de pelo: también es en sí mismo un acto de humildad auténtica, de entrega y de conexión con el público. Implica también bajarse del pedestal de creador impositivo y permitir el moldeo de quienes, al final de cuentas, pagan y dan su tiempo a una puesta en escena.

 La obra gira en torno a la inexplicable y humana búsqueda que marca de muchos modos la existencia, vaivenes emocionales, exilio y sufrimiento auto-impuesto. ¿Cuánto tiempo le toma a un hombre reconocer lo que busca? ¿No es lo que nos pasa a todos los encerrados en el cuerpo? La búsqueda lejana de lo que yacía de principio en el núcleo, dar la vuelta, desandar el camino, volver sobre las huellas todavía frescas, pensar que ya es tarde… y el tormento. La obra habla de un amor, pero entonces piensa uno en que todo es eso: “quiero la casa y el carro” y se entrega a cambio el tiempo (valiosísimo) y con él la salud que luego se entiende era lo preciado, y hay que recuperarla, o la familia, o los hijos. Pero todo: El amor, el idealismo, el humano y lo que sueña, lo que cree que anhela, lo que piensa necesario y el arrojarse al abismo luego  y al final siempre la respuesta en el núcleo, en el nido, en el punto de partida,  en el interior, en el inicio. Pero volver no siempre es sencillo.

 Y es esto lo lindo de este tipo de proyectos: que invitan a la reflexión, que entregan preguntas y no respuestas. Vemos a personajes melosos (con sus demonios) que se regodean en las llagas y se internan en ellas a propósito los dedos ¿Y no es eso lo que hacemos?. Es ponerse enfrente un espejo. Es toparse con las rejas.

 El espacio que los alberga es el foro “Así que pasen cinco años” del que ya había hablado en una anterior nota. Un espacio en el corazón de la condesa que ofrece intimidad y cercanía. Es una caja negra. Está a cooperación voluntaria los sábados a las 19:00 hrs hasta el 4 de abril. El recinto es por demás pequeño y hay que hacer reservación si no se quieren quedar sin lugar.

La abuela del performance: Marina Abramović

La mayoría de las personas –incluyéndome hasta hace unos años– solemos asociar al arte en automático con pintura, escultura, grabado… en otras palabras: arte de índole un poco más clásico; pero entre la tecnología y la necesidad de muchos artistas de ir más allá de un simple soporte bidimensional para poder transmitir su mensaje e incluso formar parte de la obra, surgen otro tipo de corrientes derivadas del body art como el performance y el happening, que es arte en vivo y que la fotografía y el video se encargan de documentar.

 A pesar de que este movimiento surge alrededor de los años 60, el cuestionamiento acerca de si esto es realmente arte continúa, y hay opiniones completamente divididas al respecto. En realidad yo no soy una autoridad para decir si se trata de arte o no, simplemente soy creyente de que se deben tomar en cuenta todas las vertientes que el arte ofrece y generar un criterio propio fundamentado o por el simple hecho de conocer algo más a lo convencional como espectadores que somos.

 Como en cada corriente hay representantes, y una de ellas aún hoy es considerada como una de las artistas del performance más reconocidas: se trata de  Marina Abramović, considerada además como la abuela del performance y que aún hoy en día sigue vigente en el medio.

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 Por ello en 2013 sale a la luz el documental The Artist Is Present que habla y explica un poco de su trayectoria en el medio del arte; el él, ella misma relata cómo fue su niñez con padres militares y también cómo esto influyo en sus proyectos.

 Principalmente aborda la exposición que tuvo en el MoMa (Museo de Arte Moderno de Manhattan) la cual tenía el mismo nombre que el documental. Dicha exposición fue una gran retrospectiva a toda su carrera  durante 3 meses en los que treinta artistas jóvenes recrearon sus más famosos performance y ella misma estuvo ahí sentada frente a una mesa esperando a que cualquier espectador se sentara y compartieran una mirada, (de ahí el nombre de La artista está presente) que muchas veces terminaba en lágrimas, pues ella afirma que a través de esas mirada veía y sentía mucho dolor que la gente traía consigo.

 A lo largo de esos tres meses Abramović compartió una mirada con casi un millón de personas e incluso con personalidades como James Franco, Orlando Bloom y su ex pareja sentimental y compañero de performance Ulay.

El documental fue dirigido por Matthew Akers, fue nominado a Mejor Documental en el Independent Spirit Awards 2013, integró la selección oficial del Festival de Cine de Sundance 2012 y recibió el Premio del Público al Mejor Documental, Sección Panorama, en el Festival de Cine de Berlín 2012

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Ve el documental subtitulado aqui

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De: Disertaciones infantiles de Sir Brenda Mítchelle (Literatura infantil y juvenil)


Me he replanteado lo de la literatura infantil y juvenil porque de recién tomaba una clase del género con una escritora de título bien ganado y surgió el debate de los temas prohibidos, del mejor modo de abordarlos. El lenguaje que debe ser usado… Es extraño, sigue siendo a estos tiempos un problema por muy que nos preciemos de sociedad elevada abordar temas “complejos” con la bandera de “los niños son diferentes ahora, están muy evolucionados y hay que hablarles con la verdad”.

 Luego pienso en la prodigiosa fortuna que tuve de recibir textos que marcaron de muchos modos (Todos profundos) mi infancia. Enfrentado a una familia de escasas ganas literarias, de aquellas, se sabe, más de televisión, Tuve acceso a la biblioteca de mi abuelo, casi para mi solo porque tenía sólo que compartirla con mi madre (Maravillosa mujer de mente abierta y lectora ávida). Cuando era más chiquita ella me los leía, hasta que pude hacerlo yo. Entonces niño raro yo, hacía también elecciones extrañas ya después, de tal suerte que a los ocho había ya leído ya a Poe y a Lovecraft, y tenía una colección de Andersen, Perrault y los Grimm, era amante de la Mitología Griega y de Jodorowsky. Y no juzgaba. Los leía porque me gustaban auténticamente y no por recomendaciones ensuciadas, que es una característica también infantil. Es difícil timar a un niño por muy que se piense lo contrario.

 El asunto es la formación, la mitología es hermosa y cruel en sí misma, las fábulas de Jodorowsky no necesitan ser descritas, y los álbumes ilustrados que me llegaron un poquito después fueron: “En la oscuridad” que hasta la fecha recuerdo tremendamente: es una historia que narra la vida en primera persona de una niña abandonada por la madre (acá el temor tan presente en la infancia, del abandono) que a partir de ese momento se enfrenta a un vivir sola, sin el amparo y el refugio que ofrece el núcleo, se convierte en automático en una niña de la calle y todo lo que viene después es el aterrador mundo desde los ojos de alguien aún sin las herramientas para, de algún modo, traducirlo. (El sexo, la prostitución, el homicidio, el clasicismo, las drogas) y las ilustraciones poderosísimas, simbólicas.

En la oscuridad

 

O “El Zurcidor del tiempo” qué joya para un niño, qué librito metafísico…

El zurcidor del tiempo

 O ya en la pubertad “El llano en llamas”, “Pedro Páramo”, “El pozo de la soledad” (Prohibido muchos años en algún tiempo) o “El lobo estepario”; estoy siendo específico, con ciertos libros, pero los hubo muchos, significativos todos, y entonces, pienso, y pienso que de no haber tenido la fortuna de acceder a ellos. No hubiera elegido escribir un periodiquito a los ocho que vendía a mi madre por 2 pesos en lugar de jugar, o mi preferencia a pintar, o escribir cuentitos, o no hubiera participado en un concurso a los seis años, ni participado en mi primera exposición colectiva de pintura a los ocho, ni hubiera pasado los peores y mejores tiempos de mi vida con un libro en el brazo. Hubiera sido, tal vez, muy seguramente, otro.

 Pero esa es la cosa, la elección. la formación crítica que se fomenta en los niños, cuestionarlos. Hablarles con la verdad será siempre la mejor cosa. Pienso en los libros para niños y jóvenes que hablan de la violación como un modo de prevención, de la muerte, de los temas que por supuesto les atañen. De la mano con los que los hacen soñar, porque lo uno no se pelea de modo alguno con lo otro. Porque privar a los niños de la verdad es de algún modo engañarlos, hacer niñas princesas, y fomentar lecturas que sólo los entretienen crean niños que serán adultos con pocas herramientas de análisis sin visión propia., carentes de argumentos, porque la verdad es personal.

 Hace poco, gracias a esta escritora descubrí una novela para jóvenes que se llama “nada” y me parece un libro por demás brillante, existencialista, precioso, que toca los temas más fuertes en la búsqueda del significado, simbólico, de lenguaje sencillo, poderoso.  Pienso en lo que oferta puesto en manos de un joven, en cómo me hubiera gustado haberlo leído a los trece, En las puertas que abre la literatura, y recuerdo a Hesse y lo que decía de los grandes misterios develados a través de las puertas del arte.

 Pienso en las puertas abiertas y en una sociedad incluyente de seres humanos forjados en la verdad y en el arte desde niños…

 Y pienso…

Ya nos alcanzaron las despedidas para un verdadero adiós

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Llueve y tú dices es como si las nubes
lloraran.
 Luego te cubres la boca y apresuras 
el paso. ¿Como si esas nubes escuálidas lloraran? 
Imposible. Pero entonces, ¿de dónde esa rabia, 
esa desesperación que nos ha de llevar a todos al diablo?  Roberto Bolaño

A veces quiero decirles, pero otras no. Es imposible para mí escribir sobre algo que no es real, creo que jamás escribiré fábulas, ni cuentos para niños. Por eso a veces les cuanto de qué humor anda mi emoción, pero me serena la razón y guardo en la más profundo del disco duro los escritos que describen mis últimas andanzas.

 Dejé de fumar nicotina hace ocho meses, ¿pueden creerlo? Yo no.

 Lo que antes parecía sencillo, hoy es una tormenta en cuestión de privacidad. Me siento perseguida, acusada y señalada. Los complejos familiares morales, no deberían ser una regla a cumplir. No puedo dejar que el pensamiento de un padre celoso se convierta en la norma que rija mi manera de sobrellevar los temores y los demonios.

 Dicen que cuando te drogas es porque están tratando de evadir algo, o una pista sintomática de que algo no está en orden. Puede ser verdad, o no.

 Él y yo por fin terminamos de decir adiós. Lo que comenzó como un proyecto fructífero para ambos: la despedida; al fin se culminó.

 Las despedidas por fin nos alcanzaron para un adiós.

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 Siempre pensé que cuando rompiéramos se caerían pedazos de Ana por aquí y allá, que se derramaría la aurora de mis ojos, que me sentiría miserable y todo sería terrible. Pero no, me quedé esperando a que pasara, pero no. Y se siente bien sonreír al escribirlo.

 A veces imagino cómo serán sus días, pero desisto al momento y me alejo de su recuerdo. Canto y bailo frente al espejo; contemplo mi cara, mi cuerpo tatuado, me miro bonita y pienso sólo en mí. Sonrío y sigo.

Los 20 son una segunda adolescencia


Cuando tenía 13 años recuerdo que vivía triste y angustiada por mil cosas. Que si el que me gustaba no me pelaba, que si me sentía fea, que si mis papás no me dejaban hacer nada, etcétera. Sin embargo, esa época de poner jeta para todo y estar incómoda con mi cuerpo creí haberla superado. Pero no. Actualmente estoy como a los 13. Los 13 reloaded, casi 10 años después. Y no sólo yo, muchos de mis amigos y amigas que están por terminar la licenciatura también están retornando –sin querer queriendo- a esa época, cuando My Chemical Romance estaba en el top y comprábamos la revista Grita. Siento que ambas edades son comparables por el hecho de que las sensaciones son las mismas que cuando eras un adolescente bebé frente a muchas cosas que están por cruzarse en nuestras vidas a partir de ahora. Y se pondrá peor.

         Supongo que estar en los 20 y que tu sentir evoque a la adolescencia (la primera) no es una cuestión de chavoruquez o algo por el estilo. Simplemente, el sentirse bien chavo aunque tengas 22, 23 años frente a las cosas, es muestra de la negación de la realidad, de negarnos a vivir en ella. Esto es porque sabemos a lo que nos atenemos. Evidentemente ya no es como antes que no sabías si tu acné vulgar iba a dejarte el rostro marcado o no, sino que ahora sí sabes lo que viene y te resistes a aceptarlo. No estoy hablando de que no crecimos, sino de que crecimos y estamos en un limbo entre querer crecer y no, ¿me explico?

         Esta terrible sensación puede llegar a moverte el suelo de una forma en que no esperabas. Hay varios ejemplos de ello, pero entre los que mejor ilustran esta situación están la pareja y los estudios. Es decir, tienes una relación digamos larga, estable y medianamente decente y de pronto algo dentro de tu pequeño y alcohólico ser empieza a dudar al respecto y entonces decides terminar porque empiezas a pensar que ya es mucho tiempo y el tren ya se te fue (o todavía no llega). El segundo ejemplo es cuando estás por terminar una carrera profesional que en un principio te gustaba y de pronto deja de hacerlo y sólo estás ahí porque ya te faltan pocos créditos. Por otro lado, estás a nada de que se te acaben los privilegios de ser estudiante (seguro médico, becas, biblioteca..), pero ya no quieres serlo porque estás llegando al límite del hartazgo, incluso si lograste superar la fase de odiar tu carrera. O de plano abandonas y te metes a un taller de algo súper hippie que no te dejará nada bueno al final, todo por no poder con la responsabilidad que conlleva concluir las cosas que empiezas. Es una situación desagradable porque te encuentras en la delgada línea entre ser un adulto responsable y exitoso (en cualquier rubro en el que te desempeñes), o ser un frito de veintitantos que no sabe ni lo que quiere aún

         Vivir con tus papás es algo comodísimo, pero imaginarte a los 30 viviendo aún con ellos puede ser una gran tortura porque sabes que te encuentras en un eterno círculo vicioso entre la hueva, el hartazgo y las ganas de salir de eso. Todo al mismo tiempo. Estás muy chavo para hacerte responsable pero también ya estás viejo como para no hacerlo.

         Son diversas las situaciones que te hacen sentir como todo un puberto que no puede hablarle a la chava que le gusta, o como una puberta que sufre sin porque no le han crecido los senos. Pero creo que deberíamos estar tranquilos, ya que el segundo piso está padre. Justamente esa condición de joven puede tener miles de ventajas si lo vemos detenidamente, sin embargo, de las crisis nadie se salva. Ni en la primera ni en la segunda adolescencia.

Nao Ninshiki: Imakenotebooks… No made in China

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Hace un par de semanas volví a sentir lo divertido y lúdico que es trabajar con las manos: batirse de resistol los dedos, doblar papeles exactamente por la mitad, oler el papel recién impreso… hasta había olvidado cómo se siente el corte de una navaja en la piel. -No te preocupes, a todas nos ha pasado. Más bien, ya te habías tardado- Fue lo que dijo Marce, creadora de Imakenotebooks, mientras me ponía un bandita en mi pulgar izquierdo.

 Recuerdo que conocí a Marcela Garza, comunicadora, directora y amante de las libretas, hace más o menos un año, cuando respondí a la atractiva vacante de hacedor de cuadernillos, medio o tiempo completo, con posibilidad de trabajo desde casa y bien pagado… ¡un ofertón!

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 Marcela me pareció enseguida una chica alegre, lista y directa. Tras las presentaciones convencionales de una entrevista de trabajo, la charla fue dándose muy natural. No recuerdo del todo lo dicho, pero sí lo fundamental para esbozar la impresión que me dejó.

 Estudió comunicación y le encanta el cine, de hecho, actualmente Marcela dirige comerciales mientras maneja y administra la empresa de libretas hechas a mano. Recuerdo que platicamos sobre nuestros sueños cinéfilos (sí, yo también soñaba con las palabras corte y acción); le platiqué que de hecho era el cine también es mi pasión, que tengo algunos guiones, que para eso estudio letras, para escribir mejor.

 Roto el hielo, continuamos con aquello que nos interesaba. “Todo empezó porque amo las libretas. Imakenotebooks pocketUna amiga y yo hicimos unas libretas a mano, cansadas de que no haya libretas como las queríamos. Los amigos comenzaron a pedirnos unas para ellos… la voz se corrió y ahora necesitamos gente que nos ayude para completar los pedidos”.

 En ese momento sentí mucho gusto de escuchar eso. Estaba frente mi primer acercamiento real con una emprendedora, con una idea germinante; sin duda, quería ser parte de esto. Después, Marce habló de su amor por las libretas, los libros; contamos algunas anécdotas personales; yo sobre mi cariño por las letras, ella sobre la importancia de las agendas y cuadernos en su vida.

 Hice la prueba y ella se contactaría conmigo si me quedaba con el puesto. Lamentablemente, no me quedé en esa ocasión, pero hace unas semanas recibí un correo para participar temporalmente como hacedor de libretas.

Taller imakenotebooks Aquella vez, la cita fue en un pequeño, casi mínimo, cuarto de no más de 4×4 metros cuadrados, hoy, Imakenotebooks cuenta con un taller con dos cuartos, cocina, estancia y baño. En menos de un año, esta idea, la calidad y la ideología con la que se crean las agendas y libretas, ha crecido de tal manera que el trabajo ya es constante con acuerdos logrados con otra organizaciones como ERRR-Magazine, Cultura Colectiva e incluso escuelas como la Facultad de Arquitectura de la UNAM, entre muchas otras personas, instituciones o proyectos originarios del DF, otros estado de la República y también otros países como EU, Australia e Inglaterra.

 Por supuesto, la naciente empresa tiene otros pilares, que junto con Marcela, sostienen este gran esfuerzo por empastar los sueños. Lilia, Ana y Paty son las tres expertas libreteras que producen y enseñan a los nuevos pupilos sus conocimientos, no sin buena charla, buena música (en ocasiones, un tanto culposa) y buena actitud.

 Las cuatro tienen un slogan dividido en tres partes: “Not made in china”, más que un simple lema para estas chicas, es la expresión que abraza la idea fundamental que hace brillar y crecer al proyecto. “produced one by one”, denota la importancia de la pieza, del hacedor, del rechazo por la maquinación y producción en masa. “while listening to good music”… ¿Algo más qué decir?

 Tres frases–incluidas, por supuesto en cada libreta de su autoría- mantienen firme la idea y valor de la artesanía. Hoy más que nunca existe una línea tenue que el éxito o la avaricia suelen borrar de las buenas ideas, y esta línea es constantemente repetida por estas jóvenes para que nunca se cruce el límite, para que este loable intento, con amor y pasión por el producto, nunca deje de lado al hacedor como lo más importante del producto; que el producto no pierda nunca la calidad y utilidad que debe tener.

 La idea de negocio-empresa que Imakebooks tienen rompen con los esquemas comunes de explotación y acumulación de riquezas con menos esfuerzo. Marcela sabe que los empleados no son globos para explotar, que el gusto por hacer las cosas es más valioso… y que las buenas cosas llevan su tiempo.

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 La calidad y el proceso realmente son únicos, y en mi opinión, no compiten con las exhibidas en las tiendas estilo market por dos puntos importantes: la personalización en el diseño (tú eliges el diseño, corporativo o personal, ya sea en las páginas o en portadas) y la hechura a mano, pieza por pieza, de un terminado supervisado por mujeres que usan libretas, que aman las libretas, que saben que en una de ellas apuntarás memorias, notas e ideas que cambiarán tus días para siempre… Ellas quieren que esa libreta esté hecha por sus manos, para tus manos.

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Guía: Lo que debes saber de FICUNAM 2015

 

Podríamos narrar su historia de vida en retrospectiva y encontrar constantes que se han erigido como rasgos característicos del festival, cualidades que de a poco han conformado la personalidad de uno de los encuentros cinematográficos más formales y propositivos que podamos encontrar en el cuadrante.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) es tan joven como arriesgado. En más de una ocasión ha sido descalificado por lo poco incluyente de los títulos que comprenden su programación, aunque más bien podría asumirse como evasión a la condescendencia, apelando así a la audacia del intelecto de su público, dirigiéndose a un cúmulo de espectadores que sabe capaces, competentes.

Realizadores de cosmovisiones relativamente familiarizadas con la nuestra, de origen estadounidense y francés, hasta artífices de idiosincrasias y discursos —cinematográficos, sociales, políticos— sumamente lejanos a nuestras realidades, de nacionalidades francesa, tailandesa, lituana, japonesa, kazaja y belga, han sido motivo de retrospectivas, programas especiales y su obra, objeto de profundo estudio analítico en las distintas jornadas de actividades de FICUNAM.

La riqueza de dicha pluralidad es atribuida a la directora, Eva Sangiorgi (Italia), quien también ejerce como programadora, secundada por Roger Koza (Argentina) y Sébastien Blayac (Francia). Estos tres individuos, con presencia en festivales de cine de distintas partes del mundo, poseen un extenso panorama del quehacer cinematográfico mundial que, en conjunto, alcanzan notables resultados, mismos que año con año logran la solidez en la oferta del citado certamen.

2015 es el año en que FICUNAM alcanza su primer lustro de vida y, como tal, amerita una celebración en grande. A continuación te precisamos los pormenores de lo que debes saber.

¿Cuándo?

Los días de vida del Festival en la ciudad correrán del 26 de febrero y hasta el 7 de marzo.

¿Dónde?

La lista de sedes incrementa año con año. Las salas de cabecera son las cinco ubicadas en el Centro Cultural Universitario (Miguel Covarrubias, Juan Ruiz de Alarcón, Julio Bracho, José Revueltas y Carlos Monsiváis), aunque fácilmente podrás encontrar algún spot que mejor te acomode, de acuerdo al punto de la ciudad en que te encuentres.

FICUNAM tendrá proyecciones en el Auditorio IFAL, Centro de Cultura Digital, Cine Tonalá, Casa del Lago, Cinematógrafo del Chopo, Casa del Cine, Cinépolis Diana, Cineteca Nacional, en las cuatro Fábricas de Artes y Oficios (FAROs) —Oriente, Milpa alta, Tláhuac e Indios Verdes—, así como algunas funciones especiales en espacios como el estacionamiento 4 del CCU (Autocinema), el Auditorio del Museo de Antropología, el Museo de Numismática Nacional y Plaza Loreto, en el centro de la ciudad.

Proyecciones

Durante esta quinta edición se exhibirán 137 títulos, de los cuales 4 son estrenos mundiales, 7 estrenos internacionales, 47 estrenos latinoamericanos, 45 estrenos mexicanos y 10 estrenos en la ciudad de México.

Secciones de Competencia

Competencia internacional: Se integra por directores relevantes de la cinematografía mundial. Compiten desde afianzados autores hasta cineastas en ascenso. Podrás encontrar títulos de origen brasileño, alemán, kazajo y uno representante de México.

Ahora México: Exhibe el trabajo de calidad de origen mexicano. Se proyectan estrenos mundiales de cine independiente nacional, por tanto, es un escaparate de las nuevas tendencias cinematográficas gestadas en el país.

Aciertos. Encuentro de Escuelas de Cine: Como su nombre lo indica, es un espacio dedicado a la muestra del trabajo de estudiantes de cine de Iberoamérica. Se dan cita producciones tanto de escuelas del interior del país (Universidad de Guadalajara, CCC), hasta piezas de Brasil (Universidade Federal Fluminense), Portugal (Escola Superior de Teatro e Cinema) y Argentina (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

Secciones Fuera de Competencia

Manifiesto Contemporáneo: Dedicado al trabajo de los grandes artífices activos de la cinematografía mundial. En esta ocasión se reúnen producciones de Francia, Portugal y Filipinas, entre otras coproducciones.

El Porvenir: Es un espacio dedicado a los autores en formación que, con su trabajo, construyen el “cine del futuro”. Es en donde se proyectan las apuestas más ambiciosas del Festival. Para 2015 se enlistan largometrajes de orígenes alemán, estadounidense, argentino y francés, entre otras coproducciones.

 

Retrospectivas

Sin duda una de las cartas fuertes y más atinadas del Festival a cada una de sus ediciones. En esta ocasión se tendrán cuatro, en torno a cinco realizadores.

Sergei Loznitsa: De origen ucraniano, se formó en las ciencias exactas (Matempaticas y Ciencias) antes de estudiar Cine de manera formal. Principalmente enfocado a la corriente documental y con apenas un par de largometrajes. La retrospectiva contará con 17 títulos y el realizador estará presente en diversas funciones para conversar con el público.

Raymonde Carasco y Régis Hébraud: Ella, historiadora y filósofa; él, fotógrafo y editor. Su obra destaca por el hecho de que ambos realizadores, de origen francés, llegaron a México en busca de aquel atractivo que Eisenstein y Antonin Artaud habían encontrado aquí. Dicha indagación se aterrizó dentro de un enfoque 100% antropológico, culminando en un testimonio gráfico que documenta el modo de vida, rituales y tradiciones de la cultura tarahumara. La retrospectiva contará con 19 títulos y Régis Hébraud estará presente en algunas funciones.

Carlos Mayolo: De origen colombiano, de Caliwood. Sumamente aclamado en su país aunque difícilmente reconocido fuera del mismo. Su filmografía, de corte documental, empodera la marginación social latinoamericana como motivo de curiosidad y asombro dignos de llenar las pantallas de cine de países europeos, acuñando así el término «pronomiseria». La retrospectiva contará con 10 títulos y Luis Ospina, también de origen colombiano y quien dirigiera varias películas al lado de Mayolo, estará presente en el Festival.

Ali Khamraev: Uzbeko, y citado como uno de los grandes sobrevivientes de la Nueva Ola de Cine Soviético. Su trabajo fue filmado, principalmente, en la década de los sesenta. Desde entonces y hasta ahora, ha incursionado en la comedia romántica, el melodrama, el drama realista y el político. La retrospectiva contará con ocho títulos y con la presencia del citado director.

En el marco de la quinta edición de FICUNAM habrá también funciones especiales, un programa especial de cortometrajes para niños, conferencias magistrales, mesas de discusión y presentaciones de libros.

La oferta de actividades es amplia, y realmente dista mucho de lo que puedas hallar en otro lugar. Año con año, FICUNAM refrenda su status de osadía y vanguardia al traer a la ciudad una curaduría de títulos auténticamente inéditos, con nula distribución en el país, logrando así la apertura de brechas y creación de puentes de oportunidad que más tarde comienzan a verse reflejados en la creciente pluralidad de los espacios alternativos de exhibición cinematográfica.

Sin más que la evidente y calurosa invitación a atender la cita fílmica de la Universidad, te dejamos con el cineminuto oficial.

| Para más información consulta el sitio oficial, o descarga la aplicación oficial del Festival, disponible en tiendas digitales

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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De teatro: Sepia de Luis Santillán.

 

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Comedia romántica sobre las burbujas, el jabón neutro, las fotos que con el paso del tiempo se vuelven color sepia, sobre la incómoda condición de amar en los tiempos donde trece gotas de limón ya no son tan amargas…

 

Fui a ver Sepia hace un par de días, me he quedado con una sensación extraña. El texto es bueno, es fiel al dramaturgo que lo crea, y a la creación que el texto hace a la inversa. Poético. Un poema en escena. Un personaje entrado en conflicto, pero de esos ricos. Ricos en sentido quiero decir. En potencia.

Este es un teatro un tanto distinto del que el creador acostumbra, la tendencia a llevar a las actrices a límites interesantes que se evidencía en otras puestas como: “Volupta” (El pole dance) “Malintzin” (En que la acción narrativa y los cantos se hacen a pesar de y con corsettes apretadísimos) o tal vez Lizzie Borden (En que la plástica requiere mucho movimiento) en Sepia no se hacen grandes requerimientos de histrionismo o de fisicalidad, Es más bien algo íntimo, sin mucho movimiento, propicia la cercanía al público desde otro ángulo. Desde el diálogo.

El teatro de Santillán (dramatúrgicamente) apuesta por  la reflexión, los sentimientos femeninos , la magia y también ahora se hace ver la apelación a ella, porque uno acaba, sí, preguntándose del artificio, por ejemplo,  de cómo prende y apaga las velas aquellas de que se vale en escena (que cuando tengan a bien ir, verán) no sujetas a un mecanismo. El asunto aquí es convocar. Pero una vela se rueda y uno se da cuenta de que el asunto no era así por la cara que pone la actriz, otra choca con una de ellas cuando tiene que andar hacia atrás.

Luego Sorginak que es el nombre de la compañía tiene relación con las brujas en escena, pienso en esto porque me resulta interesante el hecho: Marcela Lecuona y Lorena del Castillo son algo más cercano a princesas. Yo que de corriente no tengo problema alguno con la belleza femenina, por no considerarme una de ellas, tampoco tengo problema en reconocerla cuando la veo. Pude apreciar en todo el esplendor el modo en que sus ojos claros se iluminan y el realce que les entregan las luces, ciertamente se miran muy bien en brassiere, por supuesto que son mujeres bellas y quien no lo reconozca estará mintiendo. Son actrices, las dos egresadas del CEA. A mí no me tomen a mal nada, es la escuela de actuación de la televisora más importante de América Latina después de todo.

Uno pudiera pretender que la belleza eclipsa lo que acontece en el recinto, pero algo pasa luego, los plásticos caen. Falta de conciencia en escena. Diálogos que se tropiezan. Que se enciman. Miradas incómodas. Es extraño, porque la química que genera ser amigas fuera de la ficción debiera impedir esto, pero parecen lejanas entre ellas. A excepción de un único momento en que  hacen un juego juntas viendo hacia una pantalla, los diálogos aquí, en esta pequeña parte se naturalizan, ellas se relajan y se acomodan, pero se difumina casi de inmediato. En otro momento en que se relacionan con el público, bajan ambas. El espacio es pequeño y uno las tiene muy cerca, hacen preguntas, bien formuladas pienso, antes de que nuevamente venga el tropiezo.

Hay una dislocación constante. Una incomodidad muy presente de ambas, de algún extraño modo parece poder leerse el discurso mental que sostienen ocupado en algo fuera. Entonces los diálogos salen sueltos, arrojados, abandonados a su suerte (que termina no siendo tanta) a tropezarse contra las cosas con las que ellas se tropezarán también luego. También es un asunto de dirección esto. Se miran desamparadas. Poco dueñas.Tal vez si no se puede convivir con lo que debiera ayudar sería mejor erradicarlo para no meter a las actrices en problemas. Quizá fui en un día malo.

Hay que apostar por el teatro mexicano, teniendo en cuenta la dificultad que ofrece ser montado y luego mantenerse en cartelera. Es bien cierto que el director se mantiene vigente a veces sin la ayuda de los apoyos que otros esperan para poder montar (Luis tiene la pasión, la garra y el arrojo que ya otros quisieran para un domingo) y eso es de un alto valor teniendo en cuenta el estado de cosas en que nos encontramos. (Gracias Peña Nieto) Santillán es dramaturgo y director del denominado “Teatro culto”, esta es una apuesta: incorporar actrices formadas para la televisión y no para el teatro. Está rompiendo una línea. Hay que ofrecer un aplauso a las actrices, porque apuestan por el teatro por amor al teatro (bajo el resultado que se sirva) Habla de ganas auténticas del hacer.

Sepia está en el foro: Así que pasen cinco años, hay que llegar antes porque las funciones (para las que hay que hacer reservación) se llenan por lo regular antes del día y hay gente que ha quedado fuera. Los  lugares en que la gente llega se respetan, quien recibe tiene un maravilloso trato y no hay necesidad de pelear nada. Es un recinto que entrega intimidad y cercanía en el corazón de la Condesa. Tampoco llegar es difícil y para esperar, si se hiciera necesario hay restaurantes muy cerca. Las funciones son a las 8:30 y es a cooperación voluntaria.

 

Foro: Así que pasen cinco años. Cacahuamilpa 24 Col. Hipódromo Condesa.

Funciones: 8:30

Cooperación voluntaria

Cupo limitado: reservaciones al: 6390242

Ambas actrices tienen un blog por cierto: Mimosas para desayunar. Iniciado por Marcela Lecuona que es carismática hasta decir basta. No dejen de leerlo, que el blog es bueno y es un interesante modo de saber algo más de las actrices que serán vistas en escena.

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Especial Laika: Los Boxtrolls


Llegamos al final de este brevísimo especial, y lo hago hablando de una cinta que en su momento pasé por alto su respectivo review debido a causas de fuerza mayor. Se trata de la cinta, actualmente nominada al premio Oscar en la categoría de mejor cinta animada, Los Boxtrolls (The Boxtrolls, 2014). Esta película es amada por muchos y no tan aceptada por otros, hay quien dice que se trata del trabajo más flojo de Laika y quizá lo es en el sentido de que cuenta con una historia más sobria, tiene menos elementos de crítica social y elementos surrealistas para centrarse en una suerte de cuento infantil cuyo única función es entretener. No obstante, debo decir que me incluyo en la lista de los que disfrutaron ampliamente la película y personalmente esta es la que más disfruté y con esto no digo que sea la mejor película del estudio, simplemente son gustos diversos.

La película nos habla de un pueblo que es aterrorizado por un grupo de criaturas que se esconden en las alcantarillas y que usan cajas de todas formas, tipos y tamaños como vestimenta. Estos entes son famosos por robar cosas a los humanos, siendo un bebé el tesoro más valioso del que se tiene noticia y el motivo por el que todos odian a estos monstruos al grado de crear un grupo especial para cazarlos y eliminarlos. Todo mundo cree muerto al bebé raptado, sin embargo ignoran que el niño en realidad fue adoptado por estos seres y criado como uno de los suyos. Los años pasan y llega el momento en que Huevo (el niño) debe salir al mundo, descubriendo cuan similar es ese mundo con su persona y el lado bueno de los humanos; aunque por desgracia, también el malo.

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La historia podría recordarnos la historia de Rudyard Kipling, El Libro de la Selva, y la premisa podría ser sencilla, sin embargo se trata de una película muy bien lograda con una historia sencilla pero contada de forma muy adecuada. Tiene una carga emocional e incluso secuencias de acción que cumplen con creces, pero es el trabajo de animación el que destaca en este trabajo. La animación stop motion es una de las mas tardadas y complicadas de hacer, y esta película se luce en este estilo. Desde secuencias donde vemos a los personajes cayendo por una pendiente con una fluidez impresionante, hasta las expresiones totalmente bien logradas, esta película es una delicia para aquellos que gustan de analizar el trabajo detrás del entretenimiento.

Si tienen la oportunidad de ver la película en inglés, cabe destacar el extraordinario trabajo del actor Ben Kingsley interpretando al villano de la historia. La voz de este gran señor le da un toque de elegancia y carisma que aunado con la malignidad que le da al personaje resulta irresistible. La película fue dirigida por Graham Annable y Anthony Stacchi y está basada en la novela de Alan Snow llamada “Here Be Monsters!”.

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Como mencioné antes, es una película incomprendida e incluso minimizada en comparación con los dos titanes que la precedieron. Se trata de una propuesta más sencilla, pero sin duda hecha con cariño. El único detalle que no me parece sobresaliente, de hecho algo incomodo, es el diseño de algunos personajes (igual que con ParaNorman). El personaje de Huevo, por ejemplo, tiene un hermoso diseño cuando es un bebé y cuando crece mantiene cierto encanto, de hecho es uno de los personajes cuyo trabajo de expresión me gustó más, no obstante hay algunos cuadros donde su rostro me parece extraño, incluso deforme.

Pasando eso, considero a Los Boxtrolls como una película ampliamente recomendable, perfecta para el entretenimiento familiar y muy disfrutable si se quiere ver una excelente animación o simplemente disfrutar un cuento. No indaga mas allá de lo que ofrece como ocurrió con las dos cintas anteriores de Laika, pero es una gran opción en animación, e incluso puedo decir que no me molestaría que fuera la gran ganadora del Academy Award este año (aunque honestamente dudo que lo sea.)

¿Qué esperamos?

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Gyula Halász.

Acércate como lo intentaste hacer, ámame como pretendiste hacerlo en tus sueños, domina tu corazón como has logrado conmover el mío, sedúceme a través de tus pensamientos y ademanes, hipnotízame más de la cuenta con la voz tan varonil y seductora que posees, desprende tu miedo; si lo haces, te desharás de la cadena a la cual tanto te aferraste.

 Háblame de tus pesares, de tus desaventuras y también de tus alegrías; quiero escucharte para siempre amor mío. Cuando pienses sobre el infortunio que te corroe, te abrazaré plácidamente sin que las palabras tengan que aparecer, mis manos formarán el ángulo perfecto para consolarte cada día…¡Cariño, no temas!

 Sorprendámonos juntos, anhelemos e silencio, caminemos sin prisa, veamos hacia el horizonte, plantemos semillas de ilusión, cosechemos los mejores frutos de la esperanza, imaginemos un instante de nuestra vida juntos, transgredamos nuestras desavenencias, compongamos la melodía más inusual ( a esa que no estás acostumbrado) , plasmemos nuestro sentir con la piedra angular del sentimiento, auguremos momentos solemnes bajo el árbol que crece bajo la sombra de nuestra indecisión, utilicemos el deseo que nos envuelve por transformar nuestra individualidad, consigamos ornamentos para nuestro sitio predilecto, dejémonos llevar; yo te siento cerca, creamos de nuevo en la nobleza del humano, construyamos el inicio de lo que tanto deseamos, prometamos que esto no es un acto de vanagloria; es un suceso de reconocimiento, hagamos de lado los eufemismos.

 No juremos en vano, no pretendamos, no radicalicemos…sólo amémonos, ya no en silencio, ahora ya no basta que las miradas y las acciones jueguen y deletreen la  partida, ahora busquemos la forma para hacernos partícipes de nuestra andanza tan bohemia como tu sonrisa cuando me susurra firmemente lo que sientes. ¿De qué sirve ser tan testarudos? No simplifiques, esto es real, no necesito decírtelo, creo que lo sabes, no finjas vivir en el exilio, estás presente en cada instante. Sé que deletreas la perfidia de tu ser, pero no quieras ser víctima de tu propio engaño.

 De la casualidad y la decisión surge el réquiem de un perpetrado suceso, de lo inamovible se desprende lo incongruente y de lo falso no se puede vivir…la falsedad no forma parte de lo que nos une, de lo que nos dinamiza, de lo que nos enamora cada día más. Entonces,  así como me amas en silencio, sé que lo harás a luz del día y ya no te quedarás quieto en la noche, pensando en la sombra de mi propio ente. Las estrellas nos pertenecen, así como la infinidad de girasoles que me encargaré de plantar en nuestro jardín. Es tiempo, es ahora, no mañana…amémonos íntegramente.

Charles Bukowski bebe un pulque


El sueño apendeja, la cafeína no tanto, sangra un verbo  inactivo  sobre los enunciados  que circulan, debo  escribir  para  activar la  mezcalina  heredada, conservo la esperanza  de que beberé  mezcal dentro  de un vaso de  cristal  verde con un gusano en el fondo.

Charles  Bukowski  me invitó a una pulcata  brava desde la que  le gusta observar  Cálidas nalgas,  pidió  un curado de  3 horas 16 minutos y 30 segundos,  de corazón   se llena la vista, el vaso se  llena de  pulque, la pulquería se  llena de  gente y  la  gente se  llena  de nada, pero.

¿ Te llenaste  Bukowski con la puta que se llevó tus poemas?

¿Te llenaste cuándo  saliste a morir  y   tus imitadores  tomaron el  barco en el  naufragio de los días  que  corren como  caballos  salvajes  por las  montañas?

O la vida se  trata  de un trago  y una larguísima nota de  rechazo en estos tiempos de  escupirlo todo, en tanto o  mientras  tanto, el amor se  revuelca como un perro en el infierno, con mujeres y música de  cañerías.

Te  miré  rascarte  los sobacos  mientras observabas  al  cabrón junto  a la  barra  al que  lo que más  le  gusta  es  rascarse los huevos.  Entonces  escribiste una nota:

“Se busca  una mujer,  que  sea una maquina de  follar y  que  toque  el piano borracha”

Dulce viejo indecente, tengo que decirte que todos  queremos atravesar el fuego, que  todos  estamos  a solas con todo el mundo, que todos abrazamos  a  la  oscuridad  y   en secreto tenemos  un pájaro  azul.

Mira , Heinrich, Henry, Karl, Charles  o simplemente  Bukowski, el  realismo sucio del mundo se  incendia  como  la vieja Biblioteca pública  de Los Angeles. Termina tu curado, no  digas  nada, no  respondas, si no  te  sale  ardiendo,no lo hagas, sé  que  dirás:

No lo  intentes

Ne essayez pas

 Don´t  try.

 

 

Festival NRMAL 2015: Sexta edición


La vanguardia se hace presente el festival Nrmal desde su creación. Sin embargo, en este año  la proyección va más allá de la misma huella que éste impuso desde el principio; la promesa por crear otra perspectiva de contenido presenta un gran alcance de trascendencia. En esta sexta presentación, diversos proyectos musicales harán su aparición desde Sudamérica hasta países del viejo continente. Proyectos que van desde lo emergente hasta lo conocido, como es el caso de Bocafloja, Porter hasta lo más novedoso como es Future Islands. 

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 En esta edición se contará con la gran creatividad de festivales que participarán en conjunto con NRMAL 2015, entre los que se encuentran : All My Friends, Neutral, Epicentro, Hermoso Ruido, Bananada, Festival Miloes De Festa, Liverpool Psych Fest y Visions Festival. Sábado 28 de Febrero y Domingo 01 de Marzo serán los días en los que más de 40 artistas destacados harán su aparición en esas dos sesiones.

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 El showcase que promueve el Austin Psych Fest tiene como principio crear una expresión musical distinta a la que se acostumbra; aquí la distancia no representa el límite. Con la participación de Cave, Oxomaxoma, Holy Wave, Acidandali y Negro Leo, la variedad crece de sobremanera. Además, también la vinculación entre formación, encuentro y red se hará presente para transformar un tipo de aldea digital por medio de la formación de un circuito musical; el nombre de éste programa es NODO; con éste se buscar crear un proceso de creación por medio de una interacción distinta.

 El sabor gastronómico no faltará, Comilona es una plataforma que buscará el talento culinario del escenario del pop-up. Un concurso que traerá a grandes expertos en la materia como es el caso de Martín Vargas y Javier Plascencia. El ingenio llegará al platillo más suculento y exorbitante a la vez.

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 Sexta edición, misma sintonía de creatividad, pero que innova constantemente.NRMAL 2015 trae consigo un repertorio que atrapa al público desde el primer momento. Dentro del Line up se encuentran algunos artistas como:

Sábado 28 de Febrero:

  • Phantogram
  • Mouse on Mars
  • The Black Angels
  • Machinedrum
  • El ultimo vecino
  • Bocafloja
  • Congelador
  • Malos modales

Domingo 1 de Marzo:

  • Swans
  • Future Islands
  • Tops
  • Alive
  • Meridian Brothers
  • Baby Hitler
  • Grindi Manberg

Para consultar precios y mayor información sobre NRMAL 2015, dar clic en la página oficial.

https://www.youtube.com/watch?v=Gdv9dP-6Jmw

Rescatando al unicornio azul

Es gracioso cómo no tener inspiración para escribir nada te lleve a escribir sobre ello. Ahora mismo estoy escribiendo de cómo nada de lo que me rodea me inspira a escribir una buena nota. Miro a mi alrededor y, como pequeño objeto de inspiración encuentro a mi gata sentada, medio dormida en el regulador de energía que está junto a mi computadora, porque es un sitio caliente y además vibra un poco. Pero más allá de ello, nada. Ni siquiera el mal de amores que he venido cargando desde hace casi dos semanas me provoca la sensación de plasmar sentimientos en papel. Hay gente triste que escribe grandes obras, pero también gente triste que no es capaz de encontrar nada que sirva de punto de partida a la creación.

 Todos los que comunicamos nuestros sentimientos a través de la escritura, la música, la pintura o cualquier arte hemos padecido de crisis como estas. El mismo Silvio la padeció y, a partir de ahí, creó una de las mejores metáforas que he escuchado. Me gustaría ser así. Encontrar inspiración y crear metáforas hermosas en las cosas que me rodean. Pero también pienso que las personas comunes deberían desarrollar esa capacidad. En realidad existe, pero hay algo que no deja que aflore. Estoy empezando a suponer que la insensibilidad se ha normalizado en mí, en nosotros.

 ¿En qué momento dejamos de ver a nuestro alrededor y contemplar aunque sea las hojas de un árbol? Puede sonar absolutamente cursi y trillado, sin embargo, considero que en tiempos como estos las personas vamos caminando por la vida como zombis. Zombis que se despiertan, toman café, van al trabajo que odian, o estudian algo que no les llena el espíritu, se atoran horas en el tráfico, en el transporte público, pelean, abusan…

       Es difícil encontrar una persona que logre sensibilizarse en los detalles mínimos que servirían de escapatoria a esta realidad tan dura y quizás absurda, a mi ver. Pareciera que nosotros mismos nos tapamos los ojos y negamos esa riqueza que probablemente esté presente hasta en la hoja seca que acabo de pisar. No observamos ni escuchamos y, lo peor, estamos conscientes de ello. Considero de vital importancia, de vez en cuando, reflexionar frente a las formas en que las personas reproducimos nuestra vida. Es decir, creo que esa reproducción debería ir más allá del ámbito económico y social. Supongo que el espíritu debería también alimentarse de alguna forma, para dejar de caminar por la vida como seres insensibles que no pueden ni siquiera crear un ambiente agradable para sí mismo dentro de tantas cosas negativas que parecen rodearnos en tiempos como este.

         Sin embargo, yo seguiré tratando de observar más y escuchar más, para así tratar de crear, por ejemplo, un escrito que vaya más allá de la crítica o la queja hacia mis momentos de crisis de la inspiración.

Nacido en el burdel: la zona roja desde la perspectiva de Zana Briski

No es ningún secreto que la prostitución es el oficio más antiguo del mundo y también de los más marginados, al igual que peligroso. Muchos hombres y mujeres terminan por diversas circunstancias laborando en este rubro.

 En casi todos los países existe algo denominado Zona Roja: un sector donde se concentran comercios dedicados a la prostitución. Diversos han sido los reportajes o documentales que se han hecho acerca de estos lugares o las personas que se dedican a la industria del sexo, pero siempre es difícil que la gente se abra ante una cámara, más si se dedican a una actividad tan mal vista y aún ilegal en algunos países.

 Hablemos específicamente de Sonagachi, una Zona Roja ubicada en Calcuta, India. Se sabe abiertamente que es un área de venta de licor (ilegal, por supuesto) y sexoservidoras que adoptan el oficio generación tras generación. La mayoría de ellas son el sustento de familias numerosas que viven en condiciones insalubres y carentes de servicios básicos; pero nada de esto es visible a simple vista. Precisamente el documental Born Into  Brothels  (Nacido en los burdeles) logra entrar a lo más recóndito de Calcuta.

Born Into Brothels

 Zana Briski fotógrafa y documentalista de origen inglés  fue la encargada de realizar este documental, pero al ser foránea no la tenía fácil al tratar de adentrarse en Sonagachi así que la mejor forma que encontró para acercarse fue a través de los niños que nacieron allí y no conocen otra forma de vida que no sea la del burdel.

 No hay mejor forma de entender el entorno de alguien que verlo a través de sus ojos, o eso afirma Briski. Así fue como decidió enseñarles fotografía durante dos años a un grupo de niños de la Zona Roja. Se les proporciono todo el material como cámaras y película, tenían clases donde se les enseñó a encuadrar, a generar una composición y técnicas básicas de fotografía análoga.

Born Into Brothels

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 A lo largo de esos dos años, aparte de recopilar el testimonio verbal y fotográfico de los niños y sus familias,  Briski intento por todos los medios que los chicos tuvieran una mejor calidad de vida empezando por lograr que los aceptaran en las escuelas, pues desgraciadamente al ser procedentes de Sonagachi carecen de cualquier derecho.

 Además montó algunas exposiciones con el trabajo realizado y el dinero recaudado fue para las familias de los niños incluso logró que uno de ellos viajara a Ámsterdam para un seminario de fotografía, así de algún modo les dio la esperanza de un futuro más alentador y la posibilidad de no tener que volver al burdel.

 Born Into Brothels fue galardonado con diversos premios como el Oscar a mejor documental, en 2005, Sundance: premio otorgado por el público 2004 y National Board of Review por mejor documental 2004.

 Al término de la filmación y pese al esfuerzo de Briski por brindarles un mejor futuro a los niños, la mayoría de los que fue aceptado en escuelas regreso por voluntad propia a Calcuta y algunos otros sus padres los llevaron de vuelta y eventualmente se dedicaron a la prostitución o venta de licor.

Born Into Brothels

Born Into Brothels Subtitulado

 

El almacén de la imagen: la crítica social de Ricardo Modi

El año pasado el fotógrafo morelense Ricardo Modi inauguró su exposición Las tres Miradas, en la que intentaba mostrar la manera en la que la fotografía se compone de la mirada del fotógrafo, la mirada del retratado que se presta a una teatralización para representar una realidad sin tiempo, y la mirada del espectador que se apropia de la imagen al momento de ver la fotografía y de interpretarla desde su experiencia. Sin duda alguna, el trabajo de Modi se caracteriza por mostrar escenas ficticias cargadas de simbolismo, de espacios en los que la figura femenina siempre destaca, haciendo expresión de la belleza física y emocional de las mujeres. Las mujeres que Ricardo Modi retrata son féminas que expresan sentimientos a través de la mirada, de los gestos, del movimiento del cuerpo casi siempre delicado y sutil.

Arriba. Fotografía de Muray usada para el suplemento de Vogue en noviembre de 2012. Abajo. Ricardo Modi, Frida, 2014.
Arriba. Fotografía de Muray usada para el suplemento de Vogue en noviembre de 2012. Abajo. Ricardo Modi, Frida, 2014.

 Sin embargo, en esta ocasión apostó por más y sacó a la luz una serie, todavía sin nombre, de ocho imágenes en las que hace crítica social con el medio que mejor domina: la fotografía. Esta serie sigue la línea conceptual de “Si mi país tuviera mirada”, en la que muestra imágenes que, en palabras de Miguel Ángel Izquierdo, Subsecretario de Educación Media superior de Morelos, “[…]corresponden a esa voluntad de Modi por expresar su perspectiva del México contemporáneo, con su dolor y llanto, esta vez mediante mujeres jóvenes.” La nueva serie muestra a algunos íconos femeninos que han sido importantes en la historia y que forman parte de nuestra identidad nacional: Frida Kahlo, Josefa Ortiz de Domínguez, Sor Juana Inés de la Cruz, Rosario Castellanos, la emperatriz Carlota, la virgen de Guadalupe, María Félix y una adelita. Es interesante observar que los íconos que selecciona Modi son personajes femeninos muy fuertes que la historia ha exaltado y con las cuales se ha definido un arquetipo de la mujer mexicana luchona, esa que deja de lado a la madre abnegada y a la mujer sumisa.

 Ricardo Modi inició la serie con la fotografía del personaje de Frida Kahlo. La idea nace a partir de la emblemática fotografía icónica que el fotógrafo húngaro Nickolas Muray haría de Kahlo en 1939 y que sería usada por primera vez en la portada de un suplemento de la revista Vogue México “Frida Kahlo. Las apariencias engañan” en noviembre del 2012. Frida Kahlo es una figura emblemática en nuestro país, no sólo por haber sido esposa del muralista mexicano Diego Rivera, sino por su pintura en la que retrata su propia realidad, así como por la historia personal que constantemente impregna en su obra. La figura de Frida inspira a Ricardo Modi, no tanto por su obra en sí, sino por su pensamiento, por la forma en la que ella ve y entiende la vida. Modi se identifica con el pensamiento de Frida cuando se trata de describir y de incluir su trabajo a un género fotográfico.  Frida Kahlo alguna vez mencionó No sé si mis pinturas son o no surrealistas, pero de lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser”. Por su parte, Ricardo Modi afirma que se identifica con Frida porque a ella “La catalogaban como una surrealista cuando ella mencionaba que no lo era. A mí me pasa lo mismo que a ella. Siempre me he sentido con mucha empatía con la forma en la que ella pensaba, entonces esta foto fue una especie de autorretrato”. La Frida Kahlo que Modi retrata se adapta a la cultura de nuestra época, deja de lado el vestido tehuano y se pone una chaqueta de piel con estoperoles, un collar de picos y unas botas rojas al más puro estilo punk. Las rosas y el cabello trenzado es lo único que todavía queda de esa Frida que exaltaba lo mexicano en los años cuarenta del siglo pasado.

Ricardo Modi, Virgen de Guadalupe, 2014.
Ricardo Modi, Virgen de Guadalupe, 2014.

 En esa misma serie llamó mucho mi atención la fotografía de la Virgen de Guadalupe por dos razones principales: la primera de ella por la carga simbólica de la figura materna que la Virgen de Guadalupe representa para el pueblo mexicano. La historiadora Alicia Meyer menciona que “Para los habitantes de Nueva España, la Virgen resultó ser símbolo de luz que ilumina, que revela la verdad, manifiesta la pureza y cohesiona en su maternidad simbólica”.[1] En este sentido, Ricardo elige una figura femenina con una presencia fuerte en la cultura mexicana. La Virgen de Guadalupe, menciona Octavio Paz en El laberinto de la soledad, es madre cuyo principal objetivo es velar a los desamparados.

 La segunda razón es que la Virgen de Guadalupe de Ricardo Modi tiene poco de maternal, pues está desnuda, su figura ha sido expuesta y su cuerpo, al mismo tiempo que sus secretos, queda al descubierto. Sin embargo, esta virgen, a pesar de estar desnuda, se muestra fuerte, imponente, sin miedo a dejar de lado su parte espiritual para enseñar su parte más carnal y humana, por ello sigue rezando. Las rosas rojas aluden a la pasión y su santidad queda transgredida desde el momento en el que las flores nacen de su sexo. Al mismo tiempo, la aureola nos recuerda que la Virgen de Guadalupe sigue siendo una santa, sigue siendo un personaje iluminado. Modi habla de esta fotografía en términos de composición y menciona: “Cuando tomé la fotografía yo quería que estuviera completamente equilibrada, por eso ahí la aureola amarilla. Sin ella la atención se dirige más hacia la parte de abajo”.

Ricardo Modi, Sor Juana, 2014.
Ricardo Modi, Sor Juana, 2014.

 Sor Juana Inés de la Cruz deja atrás su pluma y la remplaza por un mangual, así como también deja su poesía barroca para aparecer como sadomasoquista. En la figura de Sor Juana, así como en la de la Virgen vemos una fuerte crítica a las instituciones religiosas. “En esta fotografía quería arriesgarme un poquito más y que fuera más controversial. Quería jugar con esta cuestión de la religión que básicamente es como una especie de máscara. Quería tomarla desde un lado más íntimo, verlo todo como un juego, como estas parejas sadomasoquistas que juegan al sumiso y al dominante.”

 Así, Ricardo Modi juega con la figura de las mujeres más representativas de la historia mexicana, en un intento de apropiarse de ellas, traerlas al presente y crear cierta actitud rebelde en ellas. El fotógrafo revive al fantasma de cada una de ellas y les muestra el presente quebradizo y doloroso de un México del cual ellas formaron parte y por el cual probablemente no sentirían aprecio. Josefa Ortiz de Domínguez regresa de la conspiración insurgente de la primera década del siglo XIX para encontrarse con un México ensangrentado, accidentado, políticamente corrupto y sufre por las penas que nos azotan a los mexicanos. La Adelita se trenza el cabello, se desnuda y desenfunda sus pistolas tatuadas porque está lista para irse a hacer la revolución virtual, en su caballo de juguete que lanza luces de colores por los ojos. La Adelita es la nueva revolucionaria de las redes sociales, pertenece a esa gran masa de mexicanos que tienen sólo la facha de revolucionarios, pero que solo se quejan y no hacen nada: activistas de Twitter. Ricardo Modi, reflexiona en torno a la política, la sociedad y la cultura de nuestros tiempos y hace esta serie con un tono irónico, pues su visión sobre el presente queda cada vez más nublada por un cúmulo de ideales que se presentan en una especie de sinsentido.

Ricardo Modi, Josefa Ortiz, 2014.
Ricardo Modi, Josefa Ortiz, 2014.
Ricardo Modi, Adelita, 2014.
Ricardo Modi, Adelita, 2014.

 

[1] Alicia Meyer, “Flor de primavera mexicana. La virgen de Guadalupe en los sermones novohispános”, pag. 177

[Poesía]: Extraños

soledadesTú y yo,
los dos,
los extraños.
Tú la extraña, yo te extraño.
Nos preguntamos sí ¿Ha sido todo?
¿El mundo es de otra forma y no  es de nuestro modo?
Nos miramos de la manera más cruel. Extrañándonos. Aunque estemos ahí. A un costado del otro, Paseándonos juntos o separados. ¿Por qué te extraño, yo el extraño, que nunca antes extrañó?
A ti , a la extraña , que nunca extraña al extraño que la extraña.
Y es que extrañarte es sentir la dulce agonía de la ausencia de nada.
Él y tú me chingaron.
Como la noche al día La luz me quitaron.
Él: el tiempo
Tú: mi vida.
Y qué es la vida sino olvidarte.
Y qué es la muerte sino quererte.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Impresiones francesas sobre: el nopal

LA TRADITIONNELLE

Une découverte a été de goûter une salade de nopal. Installée au restaurant, dans une cantina aux tables larges et partagées avec les autres clients, j’ai pu découvrir ces tranches vertes couleur poivron  en accompagnement de mon tacos.  En effet, dans un tacos on peut mettre de tout : du riz, des pommes de terre, de la viande, des haricots…et ce dérivé du cactus, le nopal. Originaire du centre aride du Mexique, le nopal s’étend en forme de palettes larges et épineuses au bas du cactus, qui peut mesurer jusqu’à 3 mètres de hauteur. Les fleurs de la plante sont également comestibles, appelées tuna. Afin de consommer le nopal, il faut lui retirer ses petites épines en coupant au ras de la palette, ce que j’ai pu constater en démonstration live au marché.

nopal y tuna     nopal paleta

Le nopal et ses fruits, le tuna. Les palettes de nopal une fois coupées du cactus.

 On peut le cuisiner frais en salade avec du fromage panela de lait de vache, grillé et recouvert d’haricots et fromage frais, cuit avec des œufs : les possibilités sont larges. Dans mon expérience, j’ai souvent goûté le nopal cuit coupé en fines tranches agrémenté de fromage et d’oignons, en accompagnement à un plat de viande. Le nopal est consommé régulièrement par tous les mexicains, et de fait représente une part importante de l’agriculture: il est cultivé dans 18 des 31 etats qui composent le Mexique.

nopal asado ensaladaUne salade de nopal fraîche: fromage panela, nopal grillé avec ses dés de tomates 

 Elevé au niveau de symbole, le nopal est utilisé dans le drapeau mexicain. Y figure l’aigle, symbole d’une divinité pré-hispanique posé sur une ribambelle  de petits nopals en fleurs. Le nopal représente ce qu’il y a de plus mexicains. De fait, il est utilisé comme proverbe:  « ser más mexicano que el nopal» soit, ‘plus mexicain qu’un nopal’, ce qui définit une personne comme 100% mexicaine.

Margaret Keane, Big Eyes y el cine de Tim Burton

MargaretKeane La historia llevada al cine de Tim Burton, comprende un periodo de la vida de la pintora Margaret Keane, conocida con varias firmas: Peggy Doris Hawins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret Mc Guirre; variables a través de los procesos de la vida de la artista. La mujer es conocida por los grandes ojos que llenan el rostro de los niños lastimosos de sus pinturas, que en algo recuerdan a la serie de pinturas de Bruno Amadio, pintor Italiano.

 La decisión de si es arte o no está y estuvo como siempre al debate. La historia aquella en que el esposo de Margaret, Walter Keane y de quien tomó el apellido como es costumbre, hizo fama y fortuna a través de los lienzos que ella cubrió en los estados de soledad más profundos, encerrada en un cuarto denso por el olor a thinner, oleos y viniles, en tanto él se regodeaba con un trabajo que no partió de sus manos ni de su capacidad creativa o devastadora, es el tema central de la película. Si bien el tema es bueno y a Burton no se le puede pedir mucho porque siempre lo da, hay un ligero ambiente festivo a lo largo de toda la película, sobreactuaciones que entregan desencanto, que la tornan de pronto en producto comercial para ser llevado a cualquier pantalla y no para entregar la historia en el nivel puro. A saber si la intención era esa. A mí francamente me sobra y me hace ruido.

 La cosa aquí es este estado que no pasa por encima de las imágenes, de la soledad desgarradora que padeció Margaret, los demonios de que fue presa, porque a medida que avanzaban los años, entregada al silencio del pacto hecho con el marido: los niños aquellos, sus hijos, su creación se tornaba más sombría. El llanto que los caracterizaba, el hambre. Hambre no como un mero acto humano sino un hambre más allá de todo, como a Frida le dolía la vida, con trazos infantiles; esto pasa un poco de largo, pero el lugar de donde procede, la pasión, la introversión excesiva que a ésta artista en particular la llevo al encierro, sola con los caballetes y los pinceles, eso me falta. Y lo otro, el asunto de destinos: ella abre una galleta justo antes de la hecatombe de popularidad que se avecina y que ciertamente se lo anticipa.

 Que si bien el otro hizo abuso de lo que denominaremos talento de la mujer con la que compartía la vida, fue de algún modo necesario para el hecho, porque de no ser por los actos por él cometidos, la obra no habría sido el fenómeno que fue, y que nadie que lo haya conocido niega. Porque el hombre ciertamente era atractivo, físico no importa, en un asunto de energía atrayente, carismático vamos, capaz de atraer atención sobre sí mismo, pero el manejo del actor en este sobresalto, con tanta energía disparada, aventada a la cámara como cubetadas de agua, lo pierde por completo.

 Entonces el asunto de la historia (real también) del juicio que determina quién verdaderamente es el autor de los “Big eyes” y el juez concede una hora para que los dos hagan un cuadro del mismo estilo, en el que él alega tener lastimado el brazo que sostiene al pincel, parece a pantalla más bien una farsa irreal. Una pena. Pero vean la película y después ya si se sirven, me cuentan. Se estrenó en Estados Unidos y España el 25 de Diciembre del 2014.

“Llamadas de Ámsterdam” Juan Villoro

Leí yo  “Llamadas de Ámsterdam” por ganas francas de tener la firma de Villoro en un libro escrito por él, es infantilismo claro, y de corriente no me fascina que me rayonéen los libros manos ajenas por muy sus creadores que sean. En todo caso no llevaba ningún otro libro de su autoría y no llevaba tampoco mucho dinero para el acto. De modo que terminé comprando un libro en el bienamado recinto del INBA porque Almadía tuvo a bien llevarlos y compré “Llamadas de Ámsterdam” que se ajustaba al presupuesto del momento.

Juan Jesús colocó la tarjeta en el teléfono y marcó el número de Nuria. Escuchó su voz en la contestadora, el tono fresco y optimista con que la conoció, aunque en el fondo sólo conocemos optimistas, ¿quién anuncia sus miserias desde el primer encuentro? No dejó mensaje.

 Narra un fragmento en la vida de Juan Jesús, de su historia con Nuria, básicamente los retazos de ésta. Propiamente una historia de desamor y desencuentros, justo como el la cataloga. En la red las reseñas que hablan de ella, la alaban de muchos modos.

 Si bien se hace evidente el oficio de escritor, está presente, que Villoro es considerado un intelectual del tiempo que nos aqueja, ésta novela en particular me suena a trabajo por encargo o falto de inspiración o de compromiso. El estilo se le nota, pero hay algo en la historia que no cuaja, que la idea es buena se me pasa por la cabeza porque lo he oído de alguien y no lo creo tan cierto. A mi me cae bien Villoro pero no pretendo que me quiera. De modo que con total libertad puedo decir que mejor se ahorren la novela.

 Aunque si piensan en no seguir el consejo, les dejo la liga en que se encuentra el escrito, publicado primero en España y luego por Almadía, que es una editorialaza eso sí.

 

¿Qué?

¿Qué ha sido de la nieve?

¿Qué de mi literario encierro?

Y el empedrado de aquel Pueblo

El lejano recuerdo de la rosa de la montaña

¿El rumor del río?

Y mis pies desnudos, helados

como rojos pececitos.

Inundados…

El jadeo en el cielo abierto

Enmarcado amor en los peñascos del tiempo

Y el eco

Y la certidumbre de un eterno

El lejano aullido

El temor a la embestida de un toro ficticio

Esperar la nieve

Esperar que pase la tormenta

Esperar, siempre esperar, esperarte

Y también lo aquello y lo incierto

Y lo falso y lo inexistente

Y lo efímero y lo que nos pervierte

Y  vienen de ti, emergen, de ti vienen

Repito: los adjetivos que nos pervierten

Porque lo mío es decirte los ojos niños

es decir el sol y los trinos

y alimentar a mis demonios

de tu carne y de tu sino…