Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Aún tienes oportunidad de ir: Obsesión Infinita

Si aún no te has dado la oportunidad de ir, te quedan unos días para ver una de las exposiciones más polémicas que ha llegado a México, Obsesión Infinita de la artista Yayoi Kusama.

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Recuerda que tienes hasta el 18 de enero para disfrutar de la primera muestra retrospectiva que llega a América Latina y perderte en un mundo lleno de lunares y colores.

Con más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013 que incluyen pinturas, esculturas, videos, intalaciones y trabajos en papel, se presenta la trayectoria artística de Kusama que va del ámbito privado a la esfera pública.

No lo olvides, la cita es el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51) de martes a domingo de  10:00 a 18:00 horas.

Programa Vacacional UNAMuseográfico

Si hay algo que verdaderamente disfrutamos quienes nos quedamos en la ciudad durante los períodos vacacionales, es la vida casi surreal que dejan tras de sí los desertores de la rutina urbana. Disminución de tránsito, calles vacías, lugares esperando ser visitados, y una quietud que logra que incluso le tomemos cariño al transporte público; todo esto al menos por casi tres semanas, hasta que la apabullante realidad llega a romper la burbuja.

 Y será un cliché decir que “la ciudad nunca duerme”, pero es cierto, y en una tan diversa como es la nuestra, no hay duda alguna de que encontraremos una muy nutrida lista de cosas por hacer.

 En lo que a nosotros respecta, la causa cultural, proponemos la visita de cinco recintos —todos ellos parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)— con más de una decena de exposiciones y actividades, que permanecerán en funcionamiento durante el periodo vacacional de invierno para deleite de los asistentes.

 Cabe mencionar que además de la amplia oferta cultural, habrá un periodo de entrada libre a dichos museos (del 16 de diciembre al 6 de enero). El Antiguo Colegio de San Ildefonso será el único que mantendrá su tarifa habitual.

Dirección: Sullivan 43, Col. San Rafael

 Ubicado en la zona centro de la ciudad, abre sus puertas para la visita de En hombros de gigantes, muestra dividida en dos secciones que se exhibe con un tipo de montaje que se retoma de Lina Bo Bardi, destacada arquitecta italo-brasileña. Consiste en cubos de concreto que soportan, a través de vidrio, las obras de arte de quince autores mexicanos y estadounidenses de creciente popularidad en los últimos años: Julieta Aguinaco, Alfredo Echeverría Ripstein, Taka Fernández, Alex Hubbard, Mathieu Malouf, Tania Pérez Córdova, Ricardo Rendón, San Gil, Melanie Smith, Juan Tessi, Fabiola Torres, Germán Venegas, Luis Alfonso Villalobos, Boris Viskin y Beatriz Zamora.

 

Dirección: Justo Sierra 16, Col. Centro

 En este recinto de invaluable valor histórico suele ser común encontrar más de una exposición presentada dentro de las múltiples salas ubicadas en sus tres pisos destinados al público. Actualmente podemos encontrar, además de su acervo mural siempre disponible para los visitantes, la obra del artista inglés Michael Landy, y los soviéticos Ilya y Emilia.

 Santos vivientes, por Michael Landy, se trata de una muestra en la que, literalmente, el arte cobra vida. El conjunto de ejemplares que se muestran al público consiste en esculturas inspiradas en obras de santos renacentistas, elaboradas con material de desecho y destinadas a la interacción lúdica con el espectador.

 Por otra parte, Angelología: utopía y ángeles, es una exposición poco más reflexiva que toma la figura aquella de los seres alados como contraste a la materialidad de nuestro mundo, como entes de creatividad y subjetividad, como guía y motivo de aspiración a un estado de elevación individual y colectiva. Las piezas de la instalación son ejemplares de pintura, fotografía, maquetas y arte-objeto, entre otros.

 

Dirección: Insurgentes 3000

 Caracterizado por la suma versatilidad de las exposiciones que cobija, el MUAC ofrece un abanico de seis opciones para sus visitantes en este periodo vacacional.

 De ida y vuelta. Lance Wyman: íconos urbanos muestra una colección de la obra del diseñador estadounidense como arquetipo del posicionamiento de la cultura visual en nuestros días. Ejemplifica con bocetos y fotografías la manera en que su propuesta artística ha permeado en el entorno social y cultural para convertirse en referente capaz de emitir un mensaje descifrado bajo un lenguaje totalmente propio.

 La exposición Teoría del color resulta del desenlace de una investigación acerca de la producción de arte contemporáneo durante los últimos 10 años, en la que artistas de diversas edades y nacionalidades —Sudáfrica, Alemania, Estados Unidos, México, Venezuela, Bélgica, Francia, Perú, Argentina, Brasil y España— ahondan en el tema del racismo.

 Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno, así, nombrada cual línea de canción de Calle 13, se trata de un montaje de ejemplares multidisciplinarios como escultura, video y pintura, que encapsulan el periodo actual de la actividad artística de creadores jóvenes, nacidos después de 1985. Se pretende mostrar la manera en que los artífices contemporáneos, cada cual en su entorno y realidad particulares, plasman en su obra cierta carga crítica hacia el México en el que vivimos hoy.

 Otras opciones para visitar dentro del MUAC son Pola Weiss. La TV te ve, Circulacionismo. Hito Steyerl y El derrumbe de la estatua. Hacia una crítica del arte público (1952-2014).

 

Dirección: Ricardo Flores Magón no. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco

Este espacio cultural ofrece actualmente cinco exposiciones:

 El Museo de sitio Tlatelolco recorre la historia del lugar narrada a través de cerca de 400 piezas halladas en lo que fue la ciudad prehispánica de México-Tlatelolco. Con ellas interactúan elementos gráficos, audio y videos, así como propuestas del tipo de instalaciones artísticas, espacios para la experimentación científica y elementos tecnológicos que enriquecerán la visita.

 El Memorial del 68 es un espacio simbólico que se destina a la reflexión del público sobre los sucesos vividos durante el verano de aquel año en nuestro país. Conceptos como injusticia, protesta, violencia y los derechos humanos son temáticas que nos llevan a la construcción de la memoria colectiva sobre la historia reciente México.

 Hacia los márgenes. Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposiciónes una exposición temporal que muestra imágenes capturadas por este retratista que siguen la línea temática de la propaganda política vista desde el enfoque de la corrupción, los fraudes, la ilegalidad y la violencia social durante las décadas de los 40 y 50.

 También puedes visitar Colección Stavenhagen Sietedecatorce: proyectos del programa de estudios curatoriales de la UNAM.

CCU-TLATELOLCO

 

Dirección: Dr. Atl no. 37, Col. Santa María la Ribera

 Parte de una de las colonias más entrañables de la parte norte de la ciudad, el Museo del Chopo suele ser anfitrión de eventos musicales, cinematográficos y multidisciplinarios durante todos los días del año. En esta ocasión prepara para su público la exhibición de cinco muestras distintas:

 Transcripciones parte de la obra de Salvador Elizondo, escritor mexicano que supo insertar en su literatura el cine, la fotografía y las artes visuales, dejando atrás los convencionalismos del gremio durante el siglo XX. Esta exposición reúne el trabajo de artistas mexicanos que cuestionan el lenguaje a través de su manifestación en la escritura y tiene como objetivo mostrar las maneras en que los artistas contemporáneos se han aproximado al quehacer de la escritura.

 Obra de la mexicana Georgina Bringas, Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra sostiene la hipótesis de que todo se encuentra en movimiento constante, por lo que el arte debe continuar moviéndose de la misma manera, en el plano temporal y en el espacial.  y Horror en el trópico.

 En la instalación Colaboraciones forzadas, el artista Santiago Merino presenta una intervención en la ubicada dentro del propio edificio que alberga el museo. Consiste en un monocromo hecho con vinil reflejante ubicado de manera esratégica de manera que los visitantes puedan observar, reflejada, la arquitectura original del inmueble.

 También puedes visitar Correrías sin prisa. Las nuevas aventuras de Lázlo Lózla y La Banda Sin Fin y Horror en el Trópico

 

 Sur, centro y norte. De entrada libre y con baja afluencia. Ahora sí no habrá pretextos que justifiquen el no darse una escapada a checar estas exposiciones que reúnen ejemplares de artistas de todo tipo, mucho de ellos montados en México por primera vez . Te recomendamos consultar los horarios, fechas y actividades de cada uno de los Museos.

siete.de.catorce: Museo Expuesto

La Sala de Colecciones Universitarias del CCUT (Centro Cultural Universitario Tlatelolco) abrirá sus puertas hasta el 26 de abril del 2015 para apreciar siete.de.catorce, la segunda fase de Museo Expuesto que contiene 121 obras, 4 preguntas, 14 curadores, 35 escritores e investigadores, 39 actividades y talleres, 43 artistas y 48 colecciones públicas y privadas.

CCU-TLATELOLCO

 Museo Expuesto se presenta en 7 exposiciones: Microcosmos, Macrocosmos, Mapas, Copias, Cajas, Impresos y Diseño, las cuales presentan objetos que van desde piezas prehispánicas hasta instalaciones de arte contemporáneo.

 Cada núcleo fue organizado por estudiantes de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM. La muestra recopila colecciones de la UNAM, otros museos y colecciones privadas.

 Recuerda que tienes hasta el 26 de abril para asistir. El costo es de $30 *50% descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS. Horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Circulacionismo en el MUAC

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Traída desde Alemania llega Hito Steyerl, la artista que presenta su exposición monográfica en el MUAC titulada Circulacionismo, la cual consta de tres de sus recientes piezas: Adorno’s Grey, Museum as Battlefield y Liquidity Inc., en las que se plantea la reconfiguración entre la imagen, historia, política y documental, que caracterizan su obra desde los años 90.

 A través de la videoinstalación y reflexión, la artista propone una manera de analizar la manera en que son producidas y consumidas las imágenes en el televisor, cine y arte contemporáneo.

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  Su trabajo incluye imágenes apropiadas o de baja calidad para permitir el cuestionamiento sobre la relación que existe entre documental, realidad y representación.

 La cita es en la sala 8 del  MUAC (Insurgentes Sur 3000). Miércoles, viernes y domingo de 10:00 a 18:00 y jueves y sábado de 10:00 a 20:00 horas hasta el 1 de marzo de 2015

 Jueves a sábado $40 público general *50% con credencial vigente a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS

Miércoles y domingo %20 público general *NO APLICA DESCUENTO 2X1.

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Sin título, Sophie Calle en el Tamayo

Este fin de semana el Museo Tamayo fue sede para la proyección del documental Sophie Calle, sin título, dirigido por Victoria Clay, el cual es una road movie en la que se muestra la vida de la artista desde su paso por California, donde comenzó su carrera, el sur de Francia, donde trabaja y Camarga, lugar donde creció.

 La directora de este filme compartió tiempo con Calle, la conoce bien y muestra con cierta intimidad una parte de la vida de esta artista francesa. En el trabajo de Sophie se observa un cambio en la percepción de los otros hacia ella misma. Esto se puede apreciar en Ritual de Cumpleaños, en el que durante 13 años Sophie invitó al mismo número de invitados que su edad más uno, dejando los regalos intactos para después ser exhibidos en vitrinas.

Foto de: picnic.co
Foto de: picnic.co

 Actualmente el Museo Tamayo también muestra la instalación Cuídese mucho (Prenez soin de vous), obra que fue realizada para el pabellón francés de la Bienal de Venecia en 2007. Esta obra es inspirada en el último correo electrónico que envió su entonces pareja a Calle, donde daba por terminada su relación y finalizaba con la frase que da título a la exposición.

 Para la creación de la instalación Sophie reúne a 107 mujeres de diversas profesiones para analizar la carta que llegó a su email. El resulto es una radiografía que disecciona cada posible significado en las frases del mensaje, a través de fotografías, escritos y videos que expresan ideas sobre el amor, sexo, trabajo, dolor e intimidad.

¿Quién es Sophie Calle?

 Calle es una francesa nacida en 1953, reconocida internacionalmente por materializar sus obras en fotografías, video y textos que muestran aspectos de su vida personal planteados de manera única y compleja.

* La exposición estará hasta febrero del 2015 de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. Admisión general $19, entrada libre a estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial vigente. *Domingo entrada libre.

 

 

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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140 Años 104 Fotografías/104 Fotográfos

Un viaje en el tiempo. Momentos perdurados para la eternidad. Una mirada distinta a la que estamos acostumbrados. Todo esto podrá ser apreciado en la nueva exposición fotográfica 104 Años 140 Fotografías/104Fotográfos que se estará presentando en el Museo Nacional Revolución hasta el 15 de febrero de 2015.

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

 Capturada por fotógrafos mexicanos y extranjeros, profesionales y aficionados, esta recopilación nos muestra a través de 104 fotografías la lucha armada en diferentes puntos geográficos, especialmente en el periodo que va de 1910 a 1924. Con esta exposición se intenta reencontrar el orden perdido en la memoria, así como explicar el papel que jugó la fotografía en la construcción cultural que se vivió durante la revolución política.

 

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

La exposición estará disponible hasta febrero de 2015. El horario de admisión es de martes a viernes de 9:00 a 17:00 horas y sábados y domingos de 9:00 a 18:30 horas. Entrada general: $25*

*50% de descuento con credencial de estudiante, maestro e INAPAM

Desastre Natural: animales empaquetados

Después de años de búsqueda sobre connotaciones ambientales, científicas, sociales y pedagógicas que giran en torno a los zoológicos; Alberto Baraya, de Bogotá y Jonathan Hernández, de la Ciudad de México logran traer a su material a Casa de Lago, que es expuesto bajo el nombre Desastre Natural.

Foto de: gastv.mx
Foto de: gastv.mx

 La instalación comprende de tres salas que recrean el hábitat de diferentes animales disecados (a través de la taxidermia) para simular que están vivos y así facilitar su exposición. En el recorrido se pueden apreciar jirafas, focas, venados, entre otros, empaquetados en cajas de cartón, junto con diurex y plástico de burbujas.

Foto de: casadellago.unam.mx
Foto de: casadellago.unam.mx

 De igual forma, Casa de Lago estará presentando actividades paralelas a la exposición, en las se encuentran las siguientes conferencias:

  • Experiencias de trabajo en San Luis Río Colorado, Sonora.

Con la participación del fotógrafo Pablo Ortiz Monasterio el miércoles 19 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1

  • Alas rotas y El zoológico de Chapultepec en el siglo XXI

Con Liliana Montañez, curadora del Museo de Historia Natural y la Dra. Adriana Fernández, directora del zoológico de Chapultepec el miércoles 26 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1
La exposición estará hasta el 8 de febrero del 2015
*Entrada libre

Collage se escribe con Diéresis En la Efe

Pese a que la técnica del collage surgió a inicios de 1900, y pese a la complicada situación sobre quién fue su inventor —si el talentoso Picasso o el innovador y sencillo George Braque— es claro que la conjunción o mezcla, derivada de recortes y pegotes, sobre un lienzo cualquiera es una característica mucho más aplicable para los últimos años del recientemente fallecido siglo XX y los futuristas años del siglo XXI.

 Hoy todo tiene un mix, una mezcla. El collage cumple una función más que estética al ser vía de re-creación. Re-creación, repito. En un mundo donde no hay nada nuevo bajo el sol, donde ya todo se ha inventado – incluso los nuevos alcances tecnológicos lo hemos leído, visto, soñado en algún filme de Godard, página de Huxley o Wells, o en algún capitulo de los Supersónicos- la forma y el reciclaje en el arte salen a flote como un lindo puerto prometedor, un puerto que para algunos es una forma de vida.

Mademoiselle K

 A Frappa, también conocido como Diéresis En la Efe, no le importa mi entrada anterior. Él adivinó al collage sin tanto antecedente:

 “Hace ya muchos años conocí a una chica de nombre Ophelili, con ella formaría un colectivo que nunca se concretó […] Inicié con el collage poco después de que la conocí. En ese entonces no tenía ni puta idea de lo que quería hacer para pasar (aprovechar) el tiempo. Andaba leyendo acerca del DADA y la técnica del collage de Marx Ernst (recuerdo mucho que ella gustaba de pronunciar varias veces “Max Ernst, Max Ernst, Max Ernst…”).

 Se acercaba el cumpleaños de la susodicha y decidí obsequiarle algo. Obtuve de un camarada un libro de pinturas de Salvador Dalí, y pues que le doy en su madre. Fue la primera vez que le pasaba tijera a un libro. Desde ese momento descubrí mi obsesión por la tijera y todo lo que me provoca. Ese fue mi primer frappa“.

Primer tijeretismo (Realizada enteramente por objetos de otras pinturas de S. D.)

 Desde que lo recuerdo, Frappa es un bohemio apasionado que no rebasa los treinta años, amante de las mujeres, de los vinos, atacante de las injusticias, que debió haber nacido en Francia —sí adivinaste— durante los primeros años de los 1900, y más exactamente en Cuaxies al sur de la mente de Alfred Jarry, quizá en alguna barricada, a la hora pico de un verano lleno de desnudos donde mujeres y cerveza le bautizaran:

 “Fräppa surge de hojear un diccionario en francés. Nos agradó la palabra frappant, significa impresionante. Le quitamos el “nt” para que quedara en Frappa y las diéresis en la primera a (no estoy seguro) pero creo que fue por la palabra alemana fräulein (señorita). Aún no cierro ese círculo con ella; sin embargo, siempre la tendré presente pues fue la detonante de lo que haré hasta el día en que muera”.

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 “Por ella no soy “artista“. No es que deteste esa palabra o lo que signifique, pero prefiero “tijeretista“. Más bien por ella es que descubrí que existe algo en la vida con lo que no me aburro fácilmente”.

 Dije: ¡Salud! ¿Qué más podría decir?: no estábamos en un bar, ni siquiera en el mismo sitio, la charla era por Facebook, y según los “manuales de cómo hacer una entrevista” estaba desviándome sobremanera del tema, pero nada de eso importa cuando te contestan de vuelta de la misma forma.

 Sin más, no quise demorar la charla sobre su trabajo, que en lo personal, le considero de los pocos artistas —lo siento, camarada— genuinos, de aquellos que se han resignado sólo a eso que les produce un dicha enorme y lo único que notas en sus obras es el mismo esmero, sentimiento que crece y mejora, que busca su confirmación:

 “Cada composición habla de lo que vivo, no puedo deslindar mi vida de lo que producen mis manos. Es una forma de escupir lo que me pasa, tanto lo grato como lo desafortunado. Siempre he mirado y me da rabia lo que pasa alrededor (tanta violencia, tanta gente de mierda). Por ello me encerraba en mí, aunque últimamente estoy saliendo del ensimismamiento… quiero y necesito mostrar la visión de lo cotidiano, para de alguna forma hacer eco”.

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 Sus creaciones tienen cierto aire renacentista. Y no sólo porque literalmente profana libros de este tipo de arte, sino por la semejanza que también se tenía en aquella época, de retratar lo invisible, llegar al punto máximo de una realidad pictórica, para descubrir que no todo lo que se ve es real, ni todo lo que falta no existe. Esos retratos desfigurados, ultrajados; cristos desmembrados, mujeres desnudas… eso, es él:

 “Me encanta la mutilación y fragmentar rostros, retirar máscaras, hurgar los adentros, picar las entrañas. Con la figura de cristo… mis conflictos con la existencia humana. El fragmentar para recomponer es mi forma de inventar mi propio mundo, quizá utópico pero uno donde me siento (no a gusto) sólo menos vulnerable.

 Tanto la pintura gótica como renacentista me encanta; los temas religiosos (los cristos con rostros llenos de sufrimiento, el desgaste de los frescos aterrizados en los libros) y el placer se incrementa al tijeretear directamente el libro. No me agrada el papel de las revistas, además de que encuentro sumo interés en profanar un libro. Algunos dicen que es falta de respeto, ¡Pero venga!, de que terminen siendo roídos por un ratón o que pasen por el fuego, mejor los convierto en composiciones frägmentarias que después puedan pasar por el fuego”.

 Entonces ¿Qué es para ti el collage? Pregunta obligada, según las reglas del buen entrevistador, pero quise hacerlo rápido pues se le estaba soltando la lengua y eso debe aprovecharse:

 “La tijera sobre el papel, los sonidos que se producen en tal acto, esa violencia sutil… es una necesidad. Tanto que me encabrona cuando me dicen que me busque un trabajo. ¡Ese es mi trabajo! Me entra mucha ansiedad cuando no tengo material que recortar y me entra aún más ansiedad porque el recortar elimina mi ansiedad por el trago…”

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 Antoine Fräppa Dubois es humano, y como tal sufre de algún punto débil, alguna manía, alguna fobia, algún trance irreparable, algún miedo infinito… las debilidades nos definen, quizás más que los aciertos, y quizás no por la perspectiva mundana y fatalista, más bien por ser éstas las marcas que una vez superadas, nada podrá detenernos:

 “Encaje o no, no dejaré de hacer lo que hago y como lo hago. Siempre a mi manera, sólo que ahora utilizando más el coco y bajando un poco el trabajar desde las entrañas. Encontrar el mentado equilibrio. Siento que es momento de dar un gran tajo, darle al collage con las dimensiones que tienen los murales que últimamente hay tantos y por doquier. Sí, sí…. mucha pintura en los muros.

 Hace falta más papel en las calles, composiciones del tamaño de un elefante. Aunque quizá me esté yendo algo bien con lo que hago, pero debo esforzarme más para ver lograr ver a mi crío Mateo. Es un decir que me va bien pues no recibo algún ingreso monetario. Los dineros los gano de donde salgan… vendiendo botellas de cerveza, armando mudanzas, etc”.

 Mateo es su hijo, al cuál no ve desde hace medio año.

Nuevo $TCKR La octava maravilla Durante mucho tiempo, ha vagado por muchos grupos, intentado unir fuerzas y conseguir espacios. Hoy es Mexicollage el colectivo donde ha encontrado un espacio propicio para desarrollarse: Es un desmadre para mí trabajar con otras personas, aunque ahora integro uno que se llama Mexicollage… y sí, en tal colectivo todos le dan con la tijera.

 Siempre he dicho que la calaña y la camada importan. También me enteré por un post en la futura red social, próxima gobernante y dueña de un país al sur de África – Dios, perdona a los inocentes— sobre el taller que impartió en el Ovnibus Roma, los pasados 5 y 6 de noviembre de este año, y por supuesto le pregunté sobre la experiencia:

 “Me encantó, es una buena forma de retroalimentación además de que una buena manera de evolucionar la obra es compartiendo (ofreciendo) lo que ya se sabe, no ser celoso de los conocimientos, mañas o atajos que se han adquirido”.

Galería en el Ovnibus

 Los talleres fueron el festejo por su cuarta exposición individual en este bien logrado recinto que alberga siempre la otra mirada citadina, de menos reflectores pero mucha labia.

 Al husmear por su perfil en las redes sociales, encontré fotos en donde encontramos al artista – sí, así le considero- completamente en desnudo. Por no quedarme con la duda, le pregunté si aquello era parte de hurgar, de picar lo más hondo de las personas, si era parte de su obra, una extensión: “No lo es, simplemente me encanta estar en pelotas”.

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 Diéresis En la Efe es un tijeretista justo en medio de la vieja escuela de Max Ernst, respecto a la forma de encontrar el verdadero fin del collage, que es, según las palabras de Frappa, la unificación de los elementos integrados; el equilibrio y relieve de una chica que se hace llamar HANDIEDAN y el parentesco con James Kerr “Scorpion Dagger” del cual adora sus gifs hilarantes, además de que también utiliza personajes y elementos pictóricos similares a los que use él.

 Sus trabajos han participado para ser portada de revistas importantes como El Fanzine y PICNIC, recibiendo reconocimiento y alcanzando los primeros lugares, además de tener varias notas en la web que hablan de su arte. Este año, El Gráfico, prensa nacional de muy baja calidad —hay que decirlo, siempre— le ha mirado y dedicado un espacio en sus páginas.

 Como lo dije al inicio, el collage me parece algo tan genuino que en ocasiones no concibo ya la forma original, ya no hay una línea entre el antes y el después, y esa imagen, pintura u objeto existen ya sólo de esa manera, fueron para ser profanados. De cualquier modo de encontrar alguna distinción, él diría: “No lo sé, de existir esa línea habrá que cortarla con tijera y re estructurarla”.

Más papel en la ciudad, más collage monumental, más frappas vendidos… tras tras tras c’est tout!

Cartel realizado con recortes de El Fa_____ne

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México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

La oscuridad invade el Museo del Chopo

El horror tiene un número y es el veintiuno: veintiún artistas que reviven la muerte, locura, maldad, lo paranormal y monstruoso a través de sus obras presentadas en la exposición Horror en el trópico, del Museo Universitario del Chopo.

 La tradición gótica reunida en la galería Helen Escobedo del Museo del Chopo exhibe obras de Daniel Guzmán, Doménico Cappello, Teresa Margolles, Renato Garza y Sofía Echeverri, entre otros, que buscan hacer visible aquello que comúnmente se mantiene reprimido y oculto.

La exposición inaugurada en septiembre estará abierta al público hasta el 5 de enero de 2015.

 El recorrido inicia con La mansión de la locura (1973), filme de Juan López Moctezuma, realizado en su mayoría cuando el Museo estaba abandonado. La película está basada en un cuento de Edgar Allan Poe y retoma la tradición clásica de lo gótico.

 Este viaje a través del horror estará disponible hasta el 5 de enero del 2015, de martes a domingo de 10:00 a 19:00. Martes y miércoles entrada libre. El costo es de $30 general y $15 universitario*.

* 50 % estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Layout: Proyecto Diversidad Matérica

Exposición realizada en centro cultural Futurama.
Exposición realizada en centro cultural Futurama.

El pasado fin de semana terminó la exposición “La Individualidad como Multiplicidad” en el centro de la Juventud, Arte y Cultura FUTURAMA de la colonia Lindavista, al norte de la Ciudad de México. La exposición estuvo conformada por ocho artistas plásticos mexicanos, abordando el tema de la tridimensionalidad desde diferentes disciplinas como la escultura, instalación, performance, arte-objeto; en conjunto, conforman el grupo Proyecto Diversidad Matérica. ¿De qué va el Proyecto?

Diversidad Matérica tiene como propósito difundir el trabajo artístico resultado de la investigación y la experimentación matérica, emplazadas en un proyecto de propuesta tridimensional, con el fin de compartir no sólo los elementos conceptuales y plásticos entre la población en general sino los proceso creativos y las motivaciones que llevaron a la realización de la obra, mediante charlas, mesas redondas y visitas guiadas.

 Es necesario notar la intención que tienen de compartir con el público sus procesos creativos y motivaciones, resultado de una investigación y experimentación de materiales que influyeron en su obra, ya que la gente no la tiene tan fácil cuando se enfrenta a la propuesta del artista quedando a la deriva para su interpretación. Esto no quiere decir que toda obra tenga que ser explicada, sin embargo, cuando el artista describe su proceso es posible que genere empatía con el espectador y más cuando no está inmerso en el estudio de las artes, lo que posiblemente lo agradecerá independientemente si es o no de su agrado, ya que le permitirá generar una opinión.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 ¿Quiénes son Proyecto Diversidad Matérica? Proyecto Diversidad Matérica es un colectivo de reciente creación (julio de 2014), y surgió por la necesidad de conformar un grupo de difusión y análisis a través de propuestas artísticas tridimensionales. Olivia Pinzón, Rodrigo Orduño, Ana Bernal, Israel Wood, Raúl Godínez Ramírez, Manuel González, Jorge Castillos e Ivette Ávila son egresados de Facultad de Artes y Diseño de UNAM con excepción de Manuel Gonzáles que ha estudiado artes en el interior de la república.

Nos denominamos PROYECTO porque estamos abiertos al autoanalisis, la investigación y la autoevaluación y por lo tanto al cambio, un proyecto siempre está en transformación.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

¿A qué se enfrentan como colectivo?

Consideramos que uno de los obstáculos más difíciles de sobrepasar es el propio trabajo en colectivo, es decir, llegar a consensos de todo tipo, desde ideológicos hasta organizacionales sin generar conflictos internos. Y por la parte externa, encontramos los obstáculos que permean a los espacios expositivos a nivel institucional y gubernamental y que pueden ser desde acceder a ellos hasta las limitantes o faltas de apoyo por parte de algunas instituciones.

Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 La unión hace la fuerza, decían, pero la verdad es que no es algo tan sencillo ya que existen variables que influyen y propician el trabajo en equipo. Si bien es cierto que  todos los integrantes buscan un objetivo en común, no todos funcionan de la misma manera ni tienen las mis habilidades y capacidades para afrontar los retos internos y externos con los que van a lidiar. Sin embargo, a través de la organización, disposición, comunicación e intención de salir adelante, “La Individualidad como Multiplicidad”, ha dado un primer paso hacia la consolidación de Proyecto Diversidad Matérica.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Megaofrenda 2014: noviembre y las luces de regreso a casa

 Si hay algo por lo que México se caracteriza, al igual que el resto de los países que integran Latinoamérica, es por la riqueza de sus raíces, entre un sinfín de particularidades. Estos territorios, hermanados como uno solo, gozan de un legado invaluable que ha trascendido por generaciones gracias a la tradición oral, y en ese patrimonio inmaterial de ideas fantásticas y creencias populares, se guarda una parte sustancial de su cultura: mitos, cuentos y leyendas como parte inherente de la idiosincrasia reflejada, además, en el arte y artesanías propias de cada lugar.

 Ejemplo perfecto de ello es una de las fiestas más queridas y entrañables por llevarse a cabo el próximo fin de semana. Si bien su origen se remonta a las culturas prehispánicas que ocuparon el territorio mesoamericano, y su práctica tiene resonancia en algunos países de Centro y Sudamérica, es considerada oficialmente como una festividad mexicana. Reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el inicio del mes de noviembre se adorna con el misticismo de singulares visitantes.

 Aunque la médula de esta celebración se remonta a los pueblos precolombinos, lo cierto es que la leyenda como la conocemos ahora es resultado de la inclusión de algunos elementos culturales de la sociedad europea —rasgos de la religión católica, concretamente—, y del mestizaje que trajo consigo la conquista de América por parte de los españoles. Ésta cuenta que las almas de aquellos que han precisado la metamorfosis de la vida a la muerte, vuelven desde donde se encuentran y se reintegran a plano terrenal a ruego de sus seres queridos para una fugaz reunión.

 Se dice que “las almas de nuestros seres amados andan por aquí desde octubre” y, en efecto, los preparativos para esta particular cita anual se preveen desde días antes, sin embargo, de acuerdo a las celebraciones habituales, la festividad de Día de Muertos da inicio el día 1 de noviembre en conmemoración de las almas de los niños difuntos, y se extiende al día 2 para recordar a los adultos y a todos los santos. La bienvenida se resuelve entre luz, flores, alimentos, altares, pan de muerto, calaveras de azúcar y fotografías en las conocidas ofrendas usualmente montadas de manera personalizada con objetos del agrado de los individuos en cuestión.

 Desde años atrás, la Universidad Nacional Autónoma de México, Máxima Casa de Estudios, se une a esta celebración al disponer en sus instalaciones un portentoso ensamblaje comúnmente conocido como «Megaofrenda»; este año no será la excepción. Desde el jueves 30 de octubre y hasta el domingo 2 de noviembre, Ciudad Universitaria cobijará este inmenso altar para visita de propios y externos.

 Luego de dieciséis años de llevarse a cabo en la zona conocida como Las Islas, esta ocasión se trasladará al Espacio Escultórico de la UNAM. Para 2014 la ofrenda se dedicará a la artista mexicana Frida Kahlo, así como la edición anterior fue destinada a la pintora adoptada como mexicana, Remedios Varo, y la conmemoración de los 50 años de su muerte, y en 2011 a la memoria del escritor argentino Jorge Luis Borges.

 Para despertar en los asistentes mayor inquietud y empatía, esta edición de la Megaofrenda trae consigo actividades como el Paseo de las Catrinas, actividad a llevarse a cabo el día de la inauguración y para la que los participantes deberán disfrazarse como el célebre personaje de José Guadalupe Posada; además habrá convocatorias de Arte Postal, Poesía, Fotografía, Cuento y Crónica, entre otras.

 Estamos a pocos días de celebrar una de las festividades más arraigadas en nuestra cultura y de mayor identidad nacional, un festejo tan nostálgico como auténtico, respetado y anhelado también en el extranjero, y que cuyas características y adaptaciones pueden apreciarse en la muy particular manera de celebrarlo en distintos rincones de nuestro país. Mezcla de júbilo y solemnidad. Que este año, más que otros, sea objeto de reflexión y pueda conmemorarse con sumo aplomo y sensatez.

Puedes consultar más detalles de las convocatorias y las actividades de la Megaofrenda aquí.

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

El almacén de la imagen: lo grotesco en la fotografía de Witkin

Este fin de semana, la ciudad de Cuernavaca será sede de la primera edición del Festival Grotesco: jornada de cultura horrible, en el que disciplinas como la literatura, la música, el cine y la gráfica convergen en un mismo género: el horror.

 El horror está asociado al sentimiento de miedo  causado por aquello que es desconocido, por un ser que transgrede los parámetros de la normalidad, de lo natural, de lo conocido y aceptado, aquello que nos parece monstruoso. En este punto hace su entrada triunfal lo grotesco, es decir, todo eso que es extraño, que está fuera del orden y que puede ser grosero. La conexión está en el hecho de que aquello que nos parece grotesco puede resultarnos de igual modo horroroso.

Joel Peter Witkin, Leda.
Joel Peter Witkin, Leda.

 Por ello mismo, y en un intento por unirme a la celebración del Festival Grotesco, he decidido dedicar este texto a un fotógrafo que, a pesar de que aun no ha sido encasillado en algún género con el que se pueda definir su trabajo, desenvuelve la temática de su obra en torno a lo grotesco y al horror que éste nos produce: Joel Peter Witkin.

 Este fotógrafo neoyorkino, nacido en 1939, define perfectamente lo grotesco a través de la captura de imágenes, pues normalmente sus fotos se desenvuelven en temas que retoman la transgresión de las normas en torno al erotismo, a la belleza y a aquello que consideramos “normal”. Peter Witkin retrata a personas deformes, enanos, hermafroditas, transexuales, así como también expone parafilias tales como la necrofilia y zoofilia. La muerte también aparece como un tema en la obra de este fotógrafo.

Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.
Joel Peter Witkin, The kiss, 1982. Se dice que Witkin tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para poder realizar esta fotografía, pues no fue fácil acceder al depósito de cadáveres de la Ciudad de México. La fotografía muestra un cadaver diseccionado por la mitad que Witkin uso para crear la escena del beso.

 El hecho de que Peter Witkin retrate temas transgresores hace que su fotografía sea, en cierto modo, horrible. Por supuesto que no se trata de encontrar lo horrible en la estética fotográfica de Witkin, sino más bien de encontrar lo horrible en aquello que nos produce su obra al momento de observarla. En ese mismo sentido, podría definirse el trabajo del fotógrafo como algo grotesco.

  En el número 30 de la revista Luna Córnea, el crítico de la fotografía estadounidense A. Douglas Coleman define lo grotesco como aquello relacionado a las conductas inapropiadas, a lo desagradable y extraño. La fotografía  se muestra grotesca, según menciona, cuando hay una violación intencional del artista por sobre las leyes naturales, es decir, cuando aparecen conductas que son divergentes de la norma.

 La teatralización de las escenas es importante a la hora de buscar transmitir la sensación de miedo y rechazo que produce lo grotesco. Vemos desnudos, en su mayoría femeninos, o que parten de lo femenino (pose, vestuario, escenografía) para descubrir incoherencia al momento de encontrar el elemento masculino en quienes pensábamos mujeres. Los penes flácidos se muestran ante la lente del fotógrafo, vemos enanos disfrazados de personajes circenses, así como también aparecen personas con gestos serios o gestos que expresan miedo.

 La belleza femenina es transgredida con los cuerpos obesos y flácidos de las mujeres tumbadas mostrando su desnudez que nos recuerdan a las Venus del Renacimiento. Y es que el canon de belleza establecido se puede transgredir fácilmente con cuerpos voluptuosos, grandes y flácidos pues, en palabras de Coleman, hemos sido entrenados para ver desde la perspectiva del arte del Renacimiento, pues una cultura como la occidental, adicta a la razón y al método científico, basa su imaginería en fotografías confiables y precisas.

 La zoofilia también se hace presente en algunas fotografías. En ellas aparece una mujer desnuda tocándole el miembro a un caballo que ha sido dispuesto en la posición perfecta, por medio de arneses, para penetrarla. Por otra parte está la fotografía del hombre que simula ser mujer y que se encuentra a punto de ser penetrado por un perro. En definitiva Joel Peter Witkin hace visible lo grotesco en el erotismo, lo grotesco que resultan los cuerpos deformes, la diversidad de preferencias sexuales, las personas transgénero, el propio cuerpo en su desnudez, los cadáveres y otros elementos que se salen de la norma y que por lo mismo horrorizan.

 El horror puede encontrarse en el arte fotográfico, pero también puede encontrarse belleza en lo inusual, en aquello que nos causa repulsión, en la aceptación de los desordenes ocultos y mundanos. Demos paso a lo anormal, abramos las puertas de nuestra mente a las disciplinas que nos explican y nos muestran lo extraño, lo que, parafraseando al literato alemán Wolfgan Kayser, invoca y somete los aspectos demoníacos del mundo.

Joel Peter Witkin
Joel Peter Witkin
Peter Witkin, Sanatorium.
Peter Witkin, Sanatorium.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.
Joel Peter Witkin, Hombre sin cabeza, 1993.

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Museo de Arte Moderno: 50 años, 50 obras

Erigido a las afueras del pulmón más grande de la ciudad de México, el Museo de Arte Moderno se viste de gala para recibir a sus visitantes en una exposición retrospectiva que se compone de obras maestras, cuidadosamente elegidas de entre su vastísimo acervo artístico, para conmemorar sus primeros cincuenta años de vida.

 Es en una de las salas de la parte superior del recinto donde la directora del MAM, Sylvia Navarrete, da la bienvenida a los asistentes con un pequeño texto introductorio a la muestra, en el que rescata un poco del pasado del Museo, su transición para llegar a ser lo que ahora conocemos, su relevancia, históricamente hablando, y la reunión de algunas memorias.

 El Museo de Arte Moderno posee un acervo de, aproximadamente, dos mil 500 piezas, constituyendo así uno de los fondos institucionales más exhaustivos del siglo XX.

En sus numerosas exposiciones se han exhibido trabajos de 773 destacados artífices de la pintura, la escultura y la fotografía, entre otras disciplinas.

 En la muestra La colección. 50 años, 50 obras se reúnen ejemplares de pintura y escultura de 36 distintos artistas activos durante la primera mitad del siglo XX. Destacan nombres como el de Frida Kahlo y Diego Rivera, Ángel Zárraga, José Clemente Orozco, Remedios Varo y Leonora Carrington, María Izquierdo, Dr. Atl, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, entre otros.

 Además del valor estético que implica el tener grandes obras concentradas en un mismo espacio, se suma un valor histórico, puesto que un número considerable de las piezas ahora expuestas, también formaron parte de la ceremonia de inauguración del MAM, en el año de 1964. “El fiel público del MAM, el que asistió a su inauguración, el que correteaba en la infancia por sus salas y jardines, el que sigue visitando sus exposiciones y pendiente de sus actividades académicas y lúdicas, volverá a identificarse con este patrimonio que es suyo”, refiere Navarrete.

 A lo largo de la muestra se incluyen detalles de algunas de las obras para contextualizar a los visitantes, lograr una mejor comprensión y, por tanto, un mejor recibimiento.

 

La vendedora de frutas, de Olga Acosta (1951)

Fue realizada por un encargo que le realizó Fernando Gamboa —en nombre del
Instituto Nacional de Bellas artes (INBA)— a Acosta para la Exposición de Arte Antiguo y Moderno Mexicano, en el Museo de Arte Moderno de París, en 1952.
El cuadro se simboliza la diversidad y riqueza natural de México.

 

Paisaje con piña, de María Izquierdo (1953)

Izquierdo solía representar la vida cotidiana del pueblo. En este ejemplar de altos contrastes
se observa en primer plano una piña tirada y, como antítesis de esa vivacidad
el conjunto de troncos secos y desnudos, en punto de fuga.

 

Huerta del ex Convento de Guadalupe, Zacatecas, de Francisco Goitia (1940)

Goitia recurre al género del paisaje para retratar su natal Zacatecas.
La escena realista se retrata con la técnica del impresionismo.


La espina, de Raúl Anguiano (1952)

En 1949, Anguiano es convocado por Fernando Gamboa para formar parte de la expedición
a la Selva Lacandona para registrar los murales descubiertos en Bonampak en 1946.
Anguiano escribe en su diario acerca de María, su guía durante el viaje,
y de aquella ocasión en que se le clava una espina en el pie y recurre
a él para pedirle su navaja y poder sacarla.
Tres años después, pintaría este cuadro.

 

 En la parte media de la exposición, se acapara una pared entera para explicar de manera dinámica la historia del MAM en una línea del tiempo que comienza en 1921 con la mención de José Vasconcelos como primer Secretario de Instrucción Pública y la creación del Departamento de Bellas Artes, la posterior creación del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), la construcción del Museo de Arte Moderno basada en un diseño del Arquitecto Pedro Ramírez Vázquez y el inicio de su funcionamiento el 20 de septiembre de 1964; la mención de todos los Directores del MAM —desde Carmen Barreda y hasta Sylvia Navarrete— y memorias de los eventos que ha cobijado el Museo: exposiciones colectivas e individuales; de artistas nacionales e internacionales; temáticas, de alguna corriente artística en particular; de pintura, fotografía, diseño industrial, arquitectura; homenajes, retrospectivas, coloquios, filmaciones de películas y un largo etcétera.

 La exposición culmina  en una pequeña sala en la que, literalmente, se dan cita artistas y personalidades implicados, de alguna u otra manera, en la historia de este quincuagenario recinto. La estética del diseño se resolvió en blanco y negro, acaso para remontarnos un poco más al pasado, un viaje en el tiempo, como si nos hicieran parte de ese montaje en el que se encuentran. Divididos en dos secciones que simulan hileras de butacas, los invitados permanecen ahí, como mirando a los asistentes, como agradeciendo la visita a éste, uno de los patrimonios físicos artísticos más queridos y visitados de la ciudad.

 

 

 Una muestra con grandes ejemplares artísticos que provocan el despertar de esa noción nuestra de la riquísima cultura que poseemos, y que por momentos pasamos por alto. Bien vale la pena darse la oportunidad de visitarla con tiempo para empaparse del propio legado artístico y reencontrarse con este grupo de piezas célebres. Imperdible.

 El MAM mantendrá abierta al público su muestra la colección 50 años, 50 obras hasta la segunda semana de febrero.

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

#somoscreadores convoca

 

 

22.SOMO_CREADORES_NUESTRA_CREACION

La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

Galería #somoscreadores

 

 

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La develación del Totalmente Nuevo Chrysler 200 sucederá dentro de una impactante exposición de arte donde cada obra presentada abordará los conceptos de diseño, desempeño, tecnología e innovación que comparten y crean puentes de diálogo con el nuevo integrante de la familia Chrysler.

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La galería #somoscreadores surge así como una plataforma de fomento, promoción y difusión de las mejores propuestas creativas contemporáneas y emergentes. En esta exposición curada por Chrysler Group, los diseñadores y Andrea Chauvet Almazán, el Totalmente Nuevo Chrysler 200 se ha convertido en motivo de inspiración de Dr. Alderete, Alonso Cartú, Monairem y Amor Muñoz, cuatro grandes artistas de la escena contemporánea en México, quienes compartirán con nosotros el próximo 18 de septiembre a través de una exposición especial, sus más ambiciosas creaciones desde diferentes perspectivas, utilizando distintos materiales y poniendo en constante diálogo diferentes disciplinas e intereses.

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De esta forma, la creatividad, las ideas y las ganas de que se hagan realidad, son las principales cualidades que describen la propuesta artística de la galería #somoscreadores en la búsqueda de la consolidación del arte mexicano.

No dudes en buscar todos los detalles en la páginas oficiales:

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

#somoscreadores: cuatro ejes, cuatro artistas invitados

El Totalmente Nuevo Chrysler 200 ha sido la inspiración de Dr. Alderete, Cartú, Monairem y Amor Muñoz, los cuatro talentosos artistas que han creado especialmente para el proyecto #somoscreadores obras centradas en los cuatro ejes principales que dieron lugar a esta pieza automotriz:

Dr. Alderete y su particular gráfica abordan el concepto de diseño a través de un homenaje al visionario diseñador automotriz Virgil Exner para remarcar este eje como un factor que, a lo largo de la historia, ha distinguido a Chrysler en la industria automotriz.

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Alonso Cartú, cuya escultura elaborada principalmente con cerámica representa el esfuerzo y el trabajo de 200 manos creadoras, evoca el concepto del desempeño como una fuerza vital en el proceso de creación.

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La interesante propuesta de Monairem donde tiene lugar la experimentación audiovisual, reflexiona acerca de la tecnología y la interactividad que ésta detona en el público como un nuevo paradigma en donde todos pueden convertirse en creadores de sus propias experiencias.

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Y finalmente, Amor Muñoz, que con su pieza demuestra que no existen límites para vivir nuevas experiencias, trabaja con el concepto de innovación mediante una instalación sonora y textil que busca envolver al individuo en una atmósfera industrial para invitarlo a reflexionar sobre la fuerza de trabajo y los sistemas de producción.

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Así, en la exposición especial que tendrá lugar el 18 de septiembre, las diferentes perspectivas de estos cuatro ejes se encontrarán para iniciar un diálogo entre disciplinas e intereses y que recopilará los 200 trabajos de los mejores artistas emergentes nacionales.

Consulta toda la información de #somoscreadores a través de sus medios oficiales:

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos