Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

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De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

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TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

Sexo, drogas, rock & roll: Arte y cultura de masas de México 1963-1971

Sexo, drogas, rock & roll, exposición que analiza los cambios que surgieron en la década de los sesenta dentro del arte y la cultura de México. Estos efectos son examinados principalmente en la juventud de éstos años.

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 La exposición fue curada por Daniel Garza Usabiaga y Esteban King, quienes son parte del grupo del Museo del Chopo. Esta muestra parte por los tres ejes mencionados, cada uno visto desde la perspectiva artística, la explosión de color y el ‘boom’ de drogas como el peyote, los hongos, entre otros.

 El principio del arte cinético y el arte óptico como exponentes bajo la influencia del color y los enervanates, junto al sexo, que se entrelazan por el arte que se implementaba, las esculturas, formas y colores en empleo. Así como la libertad sexual que tienen las mujeres que muestra en el cine, fotografía y pintura.

 El rock & roll,  demuestra por su parte que esa libertad y expresión conservadora, opuesta a lo que eran en la primera mitad del siglo XX, es lo que más jala a las masas jóvenes a pensar de esta manera.image (1)

 Cabe destacar, dentro del movimiento y sus vertientes, el impulso que tomó el gobierno mexicano en el 68, junto a  la respuesta dentro de los juegos olímpicos de México 68 por parte de la sociedad, que tuvo una expresión artística y efecto en el sector juvenil.

La exposición estará del 13 de marzo hasta el mes de junio de 2014.

Originally posted 2014-03-25 15:41:05. Republished by Blog Post Promoter

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

Originally posted 2015-02-25 09:00:57. Republished by Blog Post Promoter

La oscuridad invade el Museo del Chopo

El horror tiene un número y es el veintiuno: veintiún artistas que reviven la muerte, locura, maldad, lo paranormal y monstruoso a través de sus obras presentadas en la exposición Horror en el trópico, del Museo Universitario del Chopo.

 La tradición gótica reunida en la galería Helen Escobedo del Museo del Chopo exhibe obras de Daniel Guzmán, Doménico Cappello, Teresa Margolles, Renato Garza y Sofía Echeverri, entre otros, que buscan hacer visible aquello que comúnmente se mantiene reprimido y oculto.

La exposición inaugurada en septiembre estará abierta al público hasta el 5 de enero de 2015.

 El recorrido inicia con La mansión de la locura (1973), filme de Juan López Moctezuma, realizado en su mayoría cuando el Museo estaba abandonado. La película está basada en un cuento de Edgar Allan Poe y retoma la tradición clásica de lo gótico.

 Este viaje a través del horror estará disponible hasta el 5 de enero del 2015, de martes a domingo de 10:00 a 19:00. Martes y miércoles entrada libre. El costo es de $30 general y $15 universitario*.

* 50 % estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Originally posted 2014-11-07 09:00:06. Republished by Blog Post Promoter

Octavio Paz y su otro amor

Octavio Paz, el mundialmente conocido Premio Nobel de Literatura, llega al Museo del Palacio de Bellas Artes en la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte, que a través de más 220 obras que incluyen libros, esculturas, fotografía, pintura, primeas ediciones, entre otras, nos acercan al lado que muchos desconocen del escritor: su amor por el arte.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

La recopilación de estas obras proviene de 96 museos y colecciones particulares, por lo que es una oportunidad única de apreciar todas estas piezas en la ciudad. La exposición incluye audios y videos que complementan el recorrido, así como libros objeto y las primeras ediciones de las obras del poeta Mixcoac.

Foto tomada de: apolorama.com
Foto tomada de: apolorama.com

 Esculturas de la India y del mundo prehispánico, obras de Edvard Munch, Giorgio de Chirico y Edward Hopper, por mencionar sólo algunos, estarán disponibles hasta el 4 de enero del 2015 en el Palacio de Bellas Artes de martes a domingo de 10:00 a 17:30 horas. El costo de acceso es de  $45, entrada libre a estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de CONACULTA e INBA (con credencial vigente). Domingos entrada libre.

Originally posted 2014-11-10 09:00:12. Republished by Blog Post Promoter

Danza: Emergencia Coreográfica

Programa
Emergencia Coreográfica

Temporada de obras cortas de coreógrafos noveles
Sábado 2 y Domingo 3 de agosto
Teatro de la Danza

Seis coreógrafos jóvenes del país exponen su proyecto artístico este fin de semana en el Centro Cultural del Bosque (a espaldas del Auditorio Nacional) con el principal apoyo del Conaculta.

 La presentación consiste en seis coreografías, que fueron elegidas a través de una convocatoria lanzada por la institución; lo interesante es la visión de los jóvenes que, con una propuesta creativa, muestran en escena su talento.

 La duración máxima de cada coreografía es de quince minutos en el que los bailarines se valen del poder expresivo de su cuerpo, lo anterior acompañado de un diseño de iluminación, musicalización, vestuario, entre otros recursos artísticos que refuerzan el contenido. Hay pequeños descansos entre cada una, lo que permite despejar la mente para cada presentación.

 Desde una situación cómica protagonizada por las piernas de dos chicas con tacones y reforzada por la sincronía expresiva de sus manos o una representación del concepto de ergonomía a través de movimientos erráticos, que integra la relación máquina, humano y ambiente, hacen de esta emergencia una opción interesante para ver este fin de semana.

Programa
Emergecia Coreográfica

 Una Visita, Holografía de un Encierro, Atrozzozobra, Mientras Estoy Siendo, Behemoth y Obesos Soñaron Dragones son los títulos de las propuestas coreográficas que si bien nos dan una noción de lo que tratará cada una, el significado queda abierto al público.

 Dichas manifestaciones hacen pasar de momentos de divertidos a otros de hastío, lo que pudiera ser intención del autor; visualmente puede resultar atractivos que con pocos elementos  se creen ambientes óptimos, pero si gustas de la danza lo disfrutarás más.

 Bien vale la pena asistir para conocer la propuesta coreográfica que el Conaculta reconoce, así como las inquietudes de los jóvenes bailarines expresadas en escena. En general, cada coreografía posee características particulares que te pueden atrapar y hacer reflexionar sobre lo que se está tratando de decir.

Programa
Emergecia coreográfica

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siete.de.catorce: Museo Expuesto

La Sala de Colecciones Universitarias del CCUT (Centro Cultural Universitario Tlatelolco) abrirá sus puertas hasta el 26 de abril del 2015 para apreciar siete.de.catorce, la segunda fase de Museo Expuesto que contiene 121 obras, 4 preguntas, 14 curadores, 35 escritores e investigadores, 39 actividades y talleres, 43 artistas y 48 colecciones públicas y privadas.

CCU-TLATELOLCO

 Museo Expuesto se presenta en 7 exposiciones: Microcosmos, Macrocosmos, Mapas, Copias, Cajas, Impresos y Diseño, las cuales presentan objetos que van desde piezas prehispánicas hasta instalaciones de arte contemporáneo.

 Cada núcleo fue organizado por estudiantes de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM. La muestra recopila colecciones de la UNAM, otros museos y colecciones privadas.

 Recuerda que tienes hasta el 26 de abril para asistir. El costo es de $30 *50% descuento a estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS. Horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Originally posted 2014-12-16 12:56:31. Republished by Blog Post Promoter

Nai Ninshiki: Los rostros de Oleg Dou

Ogel Dou web official

“Ser electrocutado cuando yo tenía dos años de edad es la primera cosa que recuerdo.”
— 
Oleg Dou

Uno de mis primeros recuerdos es haber llorado frente a un maniquí. Aún no sé la razón, incluso no sé si exista alguna, pero desde pequeño tengo una fijación por los maniquíes. Nada inusual o raro, simplemente me fascinan por su movimiento forzado, su gesto inerte; me provocan una intensa sensación de miedo, cierto asco, pero no puedo dejar de verlos.

 El arte de Oleg Dou me retorna a los modelos inanimados y mal pintados de algún mercado, hoy borrado por completo de mi mente.

Papers & Paints

 El año 1983 vio nacer en Rusia a un joven talentoso que recibió de manos de sus padres la herramienta perfecta, que hoy día le ha convertido en artista: Photoshop. Desde los trece años, Oleg comenzó a manipular fotografías ajenas, deformando la realidad, introduciendo algo suyo en la imagen. En el 2005, ya ejerciendo su carrera como diseñador gráfico, compró su primera cámara y comenzó a realizar estos impactantes retratos.

 Justo un año después comenzó su naciente trayectoria como artista con una exposición en París. Siendo crítico, su obra puede parecer monótona y prever una cierta fórmula de retrato finamente manipulado; cambiando el fondo de color, añadiendo una lagrima, texturizando la piel; sin embargo, el mensaje va mucho más allá:

“Estoy buscando algo que bordea entre lo bello y lo repulsivo, vivos y muertos. Quiero alcanzar la sensación de presencia que se puede obtener al caminar por un maniquí de plástico … “

Toy Story Las fotos de este naciente artista son el imán que atrae esa sensación rarísima de atracción plástica posible, pero irreal, que se sabe falsa de algún modo, pero viva y que, al menos yo, no puedo decir aún frente a qué me encuentro, qué es lo que miro… una foto irreal o una pintura hiperrealista.

 Predominantemente, la obra de Dou consiste en retratos de niños (precisamente una de sus primeras series, Cubs, es la repetición fotográfica de retratos infantiles matizados) y es ahí donde recae el punto menos superficial de su arte.

 Oleg usa los rostros inertes de sus pequeños modelos como lienzo y pinta en ellos las implicaciones e imperativos que la sociedad impone a los niños, como los disfraces, como aguantar el llanto, como posar para el álbum familiar.

 

 En abril del 2012, Adobe aprovechó el gran talento de Oleg y preparó una pequeña pero concisa video entrevista. El video disponible en YouTube, nos muestra su proceso creativo y advierte que más allá de cualquier descripción, las fotografías de Oleg Dou deben vivirse y dejarse llevar por cada unos de los retratos.

 El joven artista ruso también ha incursionado en la creación de cerámica, con lo que incrementa su potencial estético. El reconocimiento de Oleg Dou es inevitable, pese a su corta edad de 31 años y al roce evidente de su arte con lo comercial, lo masificable. Sus fotografías poseen el retoque fantástico del arte, un arte que esconde su profundidad en rostros bellamente lúgrubes.

Originally posted 2014-10-27 10:17:35. Republished by Blog Post Promoter

Día Mundial del Títere en Coyoacán

El pasado domingo, me interné en coyoacán con la intensión de vivir una aventura titiritera

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Conforme me iba aproximando al centro, podía ver todo tipo de familias en los locales, vecinos disfrutando de un domingo particular. Niños por todos lados, unos tranquilos, algunos llorando, otros tantos con una pequeña marioneta en la mano. Gran diversidad de personajes saltarines de madera: pinochos voladores, orugas viviendo su etapa de mariposa (sin siquiera haberse convertido en crisalida), moviéndose con gran libertad en una frecuencia arrítmica de patrones de vuelo provenientes de la mano de los pequeños infantes.

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 El Quiosco de Coyoacán fue el espacio determinado para celebrar el día mundial del Títere, transformado en un escenario donde sólo los pedazos de trapo más valientes hacen de aquel público tan diverso, su eterno confidente.

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 Tan pronto se cierra el telón, las marionetas intentan lo inimaginable, se infiltran cual dobles agentes entre la jovial audiencia, saludándolos afectuosamente e invitándoles a revivir la dramaturgia de papel maché el próximo domingo. UNIMA (Unión Internacional de la Marioneta) estará presente nuevamente, esta vez se celebrará el Día Mundial del Teatro. Con breves escenificaciónes, abriendo una brecha transdimensional procurando la convivencia de actores tanto de carne y hueso como de tela e hilos reflejando la esencia del teatro en cada ademán, en cada maniobra.

Bazar Artesanal

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 De igual manera, celebran la recién inaugurada Feria Nacional Artesanal con un bazar de gran surtido a lo largo de 23 estados de la república. Infinidad de artesanías propias de las regiones mexicanas y su mosaico cultural se exponen en el Bazar Artesanal Mexicano de Coyoacán. Continuará hasta el 23 de marzo.

El día a día en Coyoacán

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Mimos, músicos y gigantes, algo de cada domingo en esta pintoresca delegación.

Fotografía a cargo de MariCarmen Martínez

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Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Originally posted 2014-10-13 12:37:17. Republished by Blog Post Promoter

De la exposición “Autorretrato desde tu espejo” en El Tin-tanismo

 

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La galería-café “El tin-tanismo” es una casona estilo porfirista y, sin duda, un lugar que brilla por su hospitalidad y particularidad. Ubicado en la Avenida Azcapotzalco, este recinto nombrado así por la inclinación del dueño Juan José al actor mexicano Tin Tan, es en todo, un homenaje al artista mexicano. Mantiene abiertas sus puertas de jueves a domingo al público consumidor del arte y el ambiente bohemio, y a los artistas que encuentran en este lugar, un refugio a su obra: pintores, escritores, actores, directores de escena y escultores merodean entre sus mesas pequeñas y un ambiente de intimidad

 En esta ocasión se abre a la exposición colectiva “Autorretrato desde tu espejo” una mirada a quién observa desde el ojo más crítico, el de uno mismo. Ahí, artistas se plantean e ilustran a sí mismos desde su propia óptica, imaginación y perspectiva; se muestran, se desnudan, desde el asomarse a un espejo en que sólo se muestra la realidad que ellos advierten. Por ser su visión, su universo, es esto lo que vuelve rico al hecho; decía Salvador Dalí que si un imbécil pretendiera reproducir a la perfección el cuadro de alguien más le saldría un imbécil, porque todo arte es autobiográfico, ¿habrá algo más cierto? ¿qué más autobiográfico que un autorretrato?

 La inauguración de la exposición se llevó a cabo el 28 de Agosto del 2014 en el Tin-Tanismo, aquí los artistas plásticos: Fernando Bello, Ignacio Bustos, Felipe Gaytán, Brenda Mítchelle, Mary Paz López, Humberto Luna, Thorwing Moroslew ,Manuel Quiróz, Arturo Rodríguez, Efraín Romero, Abraham Salgado, Meche Verma y Arturo Vilchis desnudaron la técnica, se expusieron a sí mismos y expusieron sus motivaciones: para Gaytán la soledad, para Mary la madre; la letra y el personaje para Mitchelle; el suicidio para Fernando, para Meche es el árbol, en una noche de tragos de la casa, buena música y tertulia.

 La exposición estará abierta al público hasta el 16 de septiembre en:

Av. Azcapotzalco 145
Col. El Recreo
Azcapotzalco, Distrito Federal
Tels.: (55) 2811 6817

 Dense una vuelta, prueben las bebidas de la casa y gocen de la hospitalidad de Juanjo y su hijo, en un lugar abierto a las posibilidades del arte y en constante cambio.

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Originally posted 2014-09-01 12:33:51. Republished by Blog Post Promoter

140 Años 104 Fotografías/104 Fotográfos

Un viaje en el tiempo. Momentos perdurados para la eternidad. Una mirada distinta a la que estamos acostumbrados. Todo esto podrá ser apreciado en la nueva exposición fotográfica 104 Años 140 Fotografías/104Fotográfos que se estará presentando en el Museo Nacional Revolución hasta el 15 de febrero de 2015.

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

 Capturada por fotógrafos mexicanos y extranjeros, profesionales y aficionados, esta recopilación nos muestra a través de 104 fotografías la lucha armada en diferentes puntos geográficos, especialmente en el periodo que va de 1910 a 1924. Con esta exposición se intenta reencontrar el orden perdido en la memoria, así como explicar el papel que jugó la fotografía en la construcción cultural que se vivió durante la revolución política.

 

Foto de: @museorevolucion
Foto de: @museorevolucion

La exposición estará disponible hasta febrero de 2015. El horario de admisión es de martes a viernes de 9:00 a 17:00 horas y sábados y domingos de 9:00 a 18:30 horas. Entrada general: $25*

*50% de descuento con credencial de estudiante, maestro e INAPAM

Originally posted 2014-11-21 09:00:30. Republished by Blog Post Promoter

Una Clepsidra sin fin

 ¿Cuántos poetas necesita un verso? ¿Cuántos versos necesita un libro? Cuántos libros nos necesitan, y lo qué se ha convertido en materia de estudio: ¿de cuántos libros necesitamos?

El pasado martes, 13 de mayo, concluyó el ciclo de presentaciones de la publicación Clepsidra. Antología poética integrada por 18 poetas tan diversos como su historia de vida, y caracterizados por su inquietud en las palabras. El sitio elegido fue el Centro Cultural de España en México, localizado en el Centro Histórico, a las 19:00 horas, y todos los minutos.

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 Clepsidra es un término femenino para referirse a un reloj de agua. También conocido como reloj de noche, la clepsidra era empleada por distintas civilizaciones en la antigüedad para medir el tiempo cuando el reloj de sol no era útil. Y así, de forma sutil e inabarcable, poesía y tiempo dialogan en este libro.

 “La poesía, en este caso, es humedad de tiempo oscuro que cada segundo cambia, sin dejar de ser agua. Flujo fonético y símil de las piezas musicales a partir de de movimientos…”

 La lectura final de este proyecto reconoció el trabajo del poeta Raúl Renán (1928), también destacado promotor cultural quien aún imparte el Taller de Poesía Experimental en el Centro de Creación Literaria del INBA Xavier Villaurrutia. Además, se hizo hincapié en el trabajo que a lo largo de tres años (2010-2013), fue sometido al rigor de una experimentación poética impredecible.

 Antonio Guillen, Marian Pipitone, Karen Naciff, Socorro Benavidez Chavez y Liz Mevil fueron algunos de los autores que compartieron con el público la lluvia, la poesía y el vino en una tarde hecha para decirse y no sólo hacerse. Lo que significó la conclusión de un proyecto para dar paso a nuevas inquietudes, así lo afirmó Fernando Ruíz, uno de los diseñadores del libro.

 Al final del acto, dos libros fueron sorteados entre los asistentes para dejar que la poesía siga su curso; sin preguntas, sin respuestas.

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Originally posted 2014-05-20 00:19:57. Republished by Blog Post Promoter

Desastre Natural: animales empaquetados

Después de años de búsqueda sobre connotaciones ambientales, científicas, sociales y pedagógicas que giran en torno a los zoológicos; Alberto Baraya, de Bogotá y Jonathan Hernández, de la Ciudad de México logran traer a su material a Casa de Lago, que es expuesto bajo el nombre Desastre Natural.

Foto de: gastv.mx
Foto de: gastv.mx

 La instalación comprende de tres salas que recrean el hábitat de diferentes animales disecados (a través de la taxidermia) para simular que están vivos y así facilitar su exposición. En el recorrido se pueden apreciar jirafas, focas, venados, entre otros, empaquetados en cajas de cartón, junto con diurex y plástico de burbujas.

Foto de: casadellago.unam.mx
Foto de: casadellago.unam.mx

 De igual forma, Casa de Lago estará presentando actividades paralelas a la exposición, en las se encuentran las siguientes conferencias:

  • Experiencias de trabajo en San Luis Río Colorado, Sonora.

Con la participación del fotógrafo Pablo Ortiz Monasterio el miércoles 19 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1

  • Alas rotas y El zoológico de Chapultepec en el siglo XXI

Con Liliana Montañez, curadora del Museo de Historia Natural y la Dra. Adriana Fernández, directora del zoológico de Chapultepec el miércoles 26 de noviembre a las 19:30 horas en la sala 1
La exposición estará hasta el 8 de febrero del 2015
*Entrada libre

Originally posted 2014-11-17 12:25:49. Republished by Blog Post Promoter

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Originally posted 2015-01-19 11:10:07. Republished by Blog Post Promoter

Ánima Estudios y Chespirito Juntos Otra Vez

 Ok, ok, dije la última vez que ya habíamos terminado con Ánima Estudio, pero ya saben que las noticias surgen de la nada y no nos queda más que informarlas. Como recordarán, en una de las partes anteriores de la animación mexicana hablé, quizá no favoreciendo demasiado, sobre la serie animada que más ha trascendido de este estudio, es decir, El Chavo (El Chavo, 2006-2013).

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 ¿Ya han tenido la oportunidad de ver la serie?, ¿les gustó? Pues sea cual sea su respuesta, parece ser que al público latinoamericano si le pareció una gran idea pasar la creación de Roberto Gómez Bolaños “Chespirito” al mundo de la animación. La serie no sólo ha trascendido más de lo que los propios productores de Ánima esperaban (7 años de producción y un aproximado de 130 episodios no está nada mal, y sobre todo en México). Debido al éxito de este concepto, el productor Roberto Gómez Fernández (hijo del genio creador de la serie original) y el estudio han decidido animar a más personajes del pequeño Shakespeare.

 Por si no han adivinado cual es el personaje que dará el gran salto en esta ocasión, se trata nada más y nada menos que del héroe “El Chapulín Colorado” (Uno de los Avengers mexicanos, si existieran). El personaje ya antes había tenido versiones animadas para la promoción de productos, así como su propia tira cómica al igual que el Chavo, sin embargo jamás se había tratado antes la posibilidad de que tuviera su propia serie. Hoy es una realidad.

 El concepto será el mismo, usar los guiones escritos por el señor Chespirito y recrearlos en animación 2D. Según informan, la producción ya está en proceso y algunos capítulos ya están listos para realizarse. Se pretende iniciar con 20 capítulos, aunque si el éxito del Chavo se repite, sin duda serán muchos más. Cabe mencionar que en un guiño de continuidad, el actor de voz Jesús Guzmán, quien interpreta al Chavo, será el encargado de interpretar al protagonista de este nuevo proyecto.

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 Y por si esto fuera poco, la producción está tan confiada en la buena aceptación que la nueva serie tendrá que incluso ya se habla de la realización de un largometraje animado en 3D de este mismo personaje. ¿Será acaso que el nombre del Chaplin de México está destinado a seguir sonando en el mundo por muchos años más?

 Por lo pronto sólo nos queda esperar el resultado final. Personalmente la idea me gusta pero temo que ocurra lo mismo que con el Chavo y la serie pierda un poco de esencia, sin embargo, opto por dar el beneficio de la duda. La serie pretende ser transmitida en el 2015 aunque no han dado una fecha exacta, será entonces cuando podremos dar nuestro punto de vista al respecto. Por lo pronto “que no panda el cunico”, tengamos fe en el talento de los animadores mexicanos y a este ambicioso proyecto “¡síganlo los buenos!”

Originally posted 2014-05-25 23:51:29. Republished by Blog Post Promoter

Museo de Arte Moderno: 50 años, 50 obras

Erigido a las afueras del pulmón más grande de la ciudad de México, el Museo de Arte Moderno se viste de gala para recibir a sus visitantes en una exposición retrospectiva que se compone de obras maestras, cuidadosamente elegidas de entre su vastísimo acervo artístico, para conmemorar sus primeros cincuenta años de vida.

 Es en una de las salas de la parte superior del recinto donde la directora del MAM, Sylvia Navarrete, da la bienvenida a los asistentes con un pequeño texto introductorio a la muestra, en el que rescata un poco del pasado del Museo, su transición para llegar a ser lo que ahora conocemos, su relevancia, históricamente hablando, y la reunión de algunas memorias.

 El Museo de Arte Moderno posee un acervo de, aproximadamente, dos mil 500 piezas, constituyendo así uno de los fondos institucionales más exhaustivos del siglo XX.

En sus numerosas exposiciones se han exhibido trabajos de 773 destacados artífices de la pintura, la escultura y la fotografía, entre otras disciplinas.

 En la muestra La colección. 50 años, 50 obras se reúnen ejemplares de pintura y escultura de 36 distintos artistas activos durante la primera mitad del siglo XX. Destacan nombres como el de Frida Kahlo y Diego Rivera, Ángel Zárraga, José Clemente Orozco, Remedios Varo y Leonora Carrington, María Izquierdo, Dr. Atl, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, entre otros.

 Además del valor estético que implica el tener grandes obras concentradas en un mismo espacio, se suma un valor histórico, puesto que un número considerable de las piezas ahora expuestas, también formaron parte de la ceremonia de inauguración del MAM, en el año de 1964. “El fiel público del MAM, el que asistió a su inauguración, el que correteaba en la infancia por sus salas y jardines, el que sigue visitando sus exposiciones y pendiente de sus actividades académicas y lúdicas, volverá a identificarse con este patrimonio que es suyo”, refiere Navarrete.

 A lo largo de la muestra se incluyen detalles de algunas de las obras para contextualizar a los visitantes, lograr una mejor comprensión y, por tanto, un mejor recibimiento.

 

La vendedora de frutas, de Olga Acosta (1951)

Fue realizada por un encargo que le realizó Fernando Gamboa —en nombre del
Instituto Nacional de Bellas artes (INBA)— a Acosta para la Exposición de Arte Antiguo y Moderno Mexicano, en el Museo de Arte Moderno de París, en 1952.
El cuadro se simboliza la diversidad y riqueza natural de México.

 

Paisaje con piña, de María Izquierdo (1953)

Izquierdo solía representar la vida cotidiana del pueblo. En este ejemplar de altos contrastes
se observa en primer plano una piña tirada y, como antítesis de esa vivacidad
el conjunto de troncos secos y desnudos, en punto de fuga.

 

Huerta del ex Convento de Guadalupe, Zacatecas, de Francisco Goitia (1940)

Goitia recurre al género del paisaje para retratar su natal Zacatecas.
La escena realista se retrata con la técnica del impresionismo.


La espina, de Raúl Anguiano (1952)

En 1949, Anguiano es convocado por Fernando Gamboa para formar parte de la expedición
a la Selva Lacandona para registrar los murales descubiertos en Bonampak en 1946.
Anguiano escribe en su diario acerca de María, su guía durante el viaje,
y de aquella ocasión en que se le clava una espina en el pie y recurre
a él para pedirle su navaja y poder sacarla.
Tres años después, pintaría este cuadro.

 

 En la parte media de la exposición, se acapara una pared entera para explicar de manera dinámica la historia del MAM en una línea del tiempo que comienza en 1921 con la mención de José Vasconcelos como primer Secretario de Instrucción Pública y la creación del Departamento de Bellas Artes, la posterior creación del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), la construcción del Museo de Arte Moderno basada en un diseño del Arquitecto Pedro Ramírez Vázquez y el inicio de su funcionamiento el 20 de septiembre de 1964; la mención de todos los Directores del MAM —desde Carmen Barreda y hasta Sylvia Navarrete— y memorias de los eventos que ha cobijado el Museo: exposiciones colectivas e individuales; de artistas nacionales e internacionales; temáticas, de alguna corriente artística en particular; de pintura, fotografía, diseño industrial, arquitectura; homenajes, retrospectivas, coloquios, filmaciones de películas y un largo etcétera.

 La exposición culmina  en una pequeña sala en la que, literalmente, se dan cita artistas y personalidades implicados, de alguna u otra manera, en la historia de este quincuagenario recinto. La estética del diseño se resolvió en blanco y negro, acaso para remontarnos un poco más al pasado, un viaje en el tiempo, como si nos hicieran parte de ese montaje en el que se encuentran. Divididos en dos secciones que simulan hileras de butacas, los invitados permanecen ahí, como mirando a los asistentes, como agradeciendo la visita a éste, uno de los patrimonios físicos artísticos más queridos y visitados de la ciudad.

 

 

 Una muestra con grandes ejemplares artísticos que provocan el despertar de esa noción nuestra de la riquísima cultura que poseemos, y que por momentos pasamos por alto. Bien vale la pena darse la oportunidad de visitarla con tiempo para empaparse del propio legado artístico y reencontrarse con este grupo de piezas célebres. Imperdible.

 El MAM mantendrá abierta al público su muestra la colección 50 años, 50 obras hasta la segunda semana de febrero.

Originally posted 2014-09-26 11:04:16. Republished by Blog Post Promoter

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Originally posted 2014-12-26 12:28:06. Republished by Blog Post Promoter

#somoscreadores convoca

 

 

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La convocatoria del proyecto #somoscreadores para conformar el catálogo más extenso de arte contemporáneo y emergente mexicano ya está abierta. Con motivo del lanzamiento del Totalmente Nuevo Chrysler 200, se invita a todos los artistas emergentes mexicanos a participar en esta iniciativa que pretende hacer una compilación de los 200 creadores más representativos de la escena artística contemporánea.

El arte y Chrysler convergen en cuatro conceptos que se han elegido por ser las constantes más importantes en el ámbito creativo como categorías para participar en el proyecto:

Diseño

Diseño y arte son dos disciplinas que se comunican frecuentemente mediante los elementos visuales que las integran: color, forma y composición. Pero si decimos que el uso artístico está más apegado a la espiritualidad y el del diseño busca ser más práctico, ¿cuál sería el punto de fusión entre los dos?

En esta categoría buscamos propuestas estéticas que deambulen en la frontera de las dos disciplinas.

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Desempeño

Con los años, se perfeccionan y desarrollan nuevas técnicas.

En esta categoría entran aquellas disciplinas del arte con más tradición como la pintura, escultura y dibujo, pero que al ser propuestas emergentes

retoman y perfeccionan dichas prácticas integrando el contexto actual.

Tecnología

La tecnología podría describirse como aquellos elementos que implementamos para adaptarnos a nuevas ideas, realidades y necesidades.

En esta categoría nos interesan aquellas soluciones creativas y artísticas que han implementado nuevas y diferentes tecnologías para su desarrollo.

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Innovación

Buscamos las propuestas artísticas más novedosas y propositivas. Aquellas que implementen nuevos recursos, integren otras realidades o que descubran formas de diálogo entre distintas técnicas, medios y temas artísticos.

Todos aquellos creadores que estén interesados en formar parte de este gran proyecto pueden consultar la convocatoria completa en http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

Originally posted 2014-09-19 22:25:24. Republished by Blog Post Promoter

Doble Negativo: De la Pintura al Objeto

“Lo que ves es lo que ves.”
Frank Stella

¿Cuántas veces hemos escuchado los términos “Minimalismo” “Arte abstracto” y “Arte Conceptual” hasta el punto en donde es difícil diferenciar uno de otro?  Si lo pensamos, tales conceptos pueden aplicarse a muchas disciplinas artísticas que van desde la arquitectura hasta la música. Y seguramente hemos oído que alguien reprueba una pieza, un cuadro o una canción, de esta forma, con tan solo una rápida mirada inquisitoria.

 A lo mejor algunas personas, relacionan estos conceptos artísticos a propuestas contemporáneas que se ven a diario en galerías, museos y básicamente en una gran porción de la producción artística actual, pero no sepan realmente cuáles fueron sus orígenes ( se remontan hace ya más de 60 años) y bajo qué preceptos construyeron sus definiciones con la intención de crear nuevas propuestas en contra de las vanguardias.

 Por otra parte, seguro que a muchos de ustedes les suenan los nombres de Robert Rauschenberg, John McCracken, Larry Bell o Jo Baer, y sepan de memoria la historia de las vanguardias en la primera mitad del siglo XX, y la importancia de éstas personas como verdaderos artistas revolucionarios que fueron en contra de lo que ya parecía ser una concepción radical del arte.

 Lo vemos en las fotografías, lo estudiamos con las infinitas lecturas que pretenden teorizar de la mejor manera posible las ideas que englobaron los trabajos de los artistas. Obviamente resulta fascinante el concepto, la idea y su manera de plantearlo.  Nos sabemos de memoria el papel que juegan los materiales industriales, la importancia de la noción del entorno físico y cómo los detalles posicionan a la mayoría de estas obras entre la pintura, la escultura y el objeto, al mismo tiempo.

 Pero parece faltar algo… La capacidad de experimentar una obra con su finalidad en el entorno y apreciar directamente cada uno de los detalles que funcionan de manera sistemática, a la vez que las sensaciones (incluso aún cuando las obras pretenden ser conceptos que nos inclinen a apreciarlas con el razonamiento) actúan directamente con las grandes dimensiones y tienen la capacidad de asombrar al espectador sólo con esa cualidad.   Porque en nada se compara ver el trabajo en vivo de Robert Mangold, con su increíble ilusión de movimiento que establecen, de manera natural, las formas geométricas, a observarlo en un libro donde la fotografía apenas si cubre una porción de la hoja. (Tal vez sea la razón por la que muchas personas no gustan de esta clase de arte y prefieren seguir admirando a los clásicos)

 Ya imaginarán que cuando me enteré de que estaba en el Tamayo la exposición Doble Negativo: de la pintura al objeto , con una selección de los artistas más significativos traídos desde el museo de arte contemporáneo de San Diego, corrí hasta el museo con una sonrisa de oreja a oreja que delataba mi tremenda emoción.

La muestra incluye una selección de los artistas más significativos de las décadas de los sesenta y setenta del siglo pasado en Estados Unidos. A partir de quince obras relacionadas con el arte conceptual, el minimalismo y la abstracción de esta época, la exposición presenta un capítulo específico de la historia del arte en el cual se transformaron la mayoría de los cánones modernos establecidos durante la primera mitad del siglo XX.

 Debo confesarles, desde ahora, que la impresión de ver esas 15 obras fue justamente la experiencia que necesitaba para entender de verdad el arte conceptual, minimalista y abstracto.  La exposición es bastante rápida y te da buen tiempo de contemplar cada una de las obras.  Mis favoritos de la muestra fueron sin duda: Composing on a Canvas de John Baldesari, que es una obra maestra de sarcasmo y humor hacia los cánones que encapsulaban el proceso de creación y composición de la pintura, antes de las vanguardias. La obra de Donald Judd que ahí se presenta es igualmente fascinante (recomendación: si no puedes ir con alguien pídele a alguna persona que se encuentre en el museo que miren en extremos opuestos de la escultura para contemplar todo el sistema visual de la obra).  Y los Nueve tablones IV de John McCracken es una obra que muestra con toda la fuerza expresiva del mundo, el protagonismo de los materiales que a su vez vuelven al espectador el principal objeto visual de la escultura, sin nombrar la belleza natural que se carga por sí sola la obra.

 Desafortunadamente cuando yo visité la exposición, la Hoja de Sala estaba ya agotada y tuve que descargarla desde mi celular antes de entrar. Se las dejamos para que nos les suceda lo mismo, ya que muchas personas entraban, veían y salían de la exposición más confundidos de lo que esperaban. Recuerden que al ser en su mayoría arte conceptual es necesario tener a la mano la explicación de la obra para comprender su orden y funcionamiento en relación con el espectador.

 La exposición estará sólo hasta el mes de Julio.  Si no estas muy familiarizado con el arte que aquí se exhibe, ésta puede ser la mejor manera de hacerlo. Y si eres de los que ya se conocen toda la teoría de estas propuestas, es obvio que sabrás lo importante de una exposición de este tipo. ¡No se la pueden perder!

Originally posted 2014-06-11 12:51:34. Republished by Blog Post Promoter

Robert du Praga: Retrofuturismo y el proyecto Beta-R

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“El arte no se aprende en ningún lugar, todos nacen con un talento y hay que saber desarrollarlo”, considera Robert du Praga, el artista gráfico que basa su obra en el Retrofuturismo, mediante diversas manifestaciones como la pintura, la escultura y el diseño para prendas, pero con la particularidad de crear piezas únicas.

El Retrofuturismo  es un conjunto de expresiones artísticas que hallan su origen en la añoranza del pasado, pero se ven influidas por la descripción de un futuro utópico, que puede suceder o no. Cuenta además con destellos de situaciones imaginarias que se produjeron antes de 1960.

Estas ideas surgen del cerebro de un adolescente que pasó varias horas frente al televisor viendo Mtv, en la época en que trasmitían la serie cómica Beavis and Butthead.

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Además de este par de personajes, el proyecto Beta-R se nutre de otras series animadas con las que el artista creció, como: Gokú y Bulma de Dragon Ball, Aralé, Wally, e incluso personajes de Los Simpson. Esto con el objetivo de que quienes contemplen su obra mantengan la nostalgia de los recuerdos de otros tiempos.

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Empezó a pintar hace 10 años, pero no con su estilo, ahora, característico, sino que inició de la observación y reproducción del grafitti. Pero sus diseños quisieron salir del papel y llegaron a las paredes, cuadros, mesas y esculturas.

Las relaciones interpersonales resultan ser muy importantes para quienes se desenvuelven en el medio artístico, refiere Du Praga, pues, explica que se mantiene en movimiento para hallar nuevos proyectos y realizar colaboraciones con marcas y galerías.

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Además del diseño gráfico también tiene participación en el Diseño Industrial, pues trabajó a la par de Luis Díaz Gordoa, artista a cargo de Vena2, una firma de arte y diseño, que incluye intervenciones murales, esculturas, impresiones de gran formato, serigrafías, dibujo a mano, para trasladar la naturaleza al diseño interior y llevar una resonancia positiva.

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Aunque no sabe que le depara el futuro, se ve pintando, sin saber en dónde, pero seguirá por la misma ruta para explotar sus talentos y vivir de ellos.

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Para ver más trabajos de Robert Du Praga puedes visitar este Tumblr.

Twitter: @Anaimponderable

Originally posted 2014-08-19 10:44:48. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Originally posted 2015-02-19 19:45:28. Republished by Blog Post Promoter

MUTEK 2014: Cuarta edición en la Ciudad de México


Vinculación digital e ingenio son los términos más precisos que corresponden al sentido que ofrece el Festival de Creatividad Digital (MUTEK) en su cuarta presentación en México. Mezcla diversas formas de innovación, para darle un sentido más amplio a las artes audiovisuales a través de la presentación de diversos talentos;encargándose de brindar la  oportunidad de conocer más acerca de su alcance como proyecto de vanguardia.

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Crédito:Residentaadvisor.net

 A través del programa Play, se ha brindado la ampliación para recibir a más talento de origen extranjero y nacional. En ese sentido, una ingeniosa manera entre el aspecto visual y sonoro, se generaliza para darle a éste proyecto una sorpresiva presentación que romperá los esquemas tradicionales.

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Crédito:8bitgeeks.com

 A/Visions y Para/Visions  son dos itinerarios que presentarán una combinación entre matemáticas y la aplicación de tecnología, de una forma muy interesante e impactante. Traerán consigo un conjunto de elementos visuales extraordinarios que se mostrarán de forma idónea con el gusto del espectador.

La edición 2014 de Mutek trae consigo una gran diversidad de propuestas multifacéticas y, por ende, espectaculares. Las fechas de presentación están confirmadas en el mes de Octubre, los días 20 al 26 del año en cuestión; teniendo como sede la Ciudad de México.

El sonypass será el boleto para poder ingresar al festival durante toda la semana, su adquisición puede ser vía Ticketmaster.Sin duda, música electrónica acompañada de arte visual serán el toque primordial, para ofrecer un evento de altura y gran precisión escénica.Dentro del line up que se confirmó, algunos de los proyectos asistentes serán los siguientes:

 

  • AXEL BOMAN

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    Crédito:Mutek.mx
  • BEN FROST
  • BOUNDARY
  • DAITO MANABE
  • DANIEL AVERY
  • DERU & EFFIXX 1979 AV DOCUMENT
  • JON HOPKINS
  • KANGDING RAY
  • LAWRENCE
  • MAOTIK & FRAKTION
  • MAX COOPER
  • ONEOHTRIX POINT NEVER FEAT. NATE BOYCE
  • PANTHA DU PRINCE & THE BELL LABORATORY
  • SIETE CATORCE

 

Originally posted 2014-09-01 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

Originally posted 2014-09-22 10:03:11. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: la fotografía de Joaquim Paiva

 La construcción de la nueva capital brasileña se inició en el año de 1956, dejando a cargo de dicha construcción al urbanista Lucio Costa, al arquitecto Oscar Niemeyer y al paisajista Roberto Burle. Es así como, de manera resumida, nace la ciudad de Brasilia.

 La creación de la nueva capital trajo consigo a un gran número de personas, tanto nacionales como extranjeras, que se instalarían ahí con el motivo de la construcción de la que sería la capital de Brasil.

 La nueva ciudad contenía ahora los principales órganos de gobierno y su arquitectura blanca, fría y solitaria mostraba un resplandor de prosperidad y orden. Pero a su vez surgían escenarios antagónicos que mostraban un lado más cálido, más colorido y mucho menos calculado: el Núcleo Bandeirante.

Joaquim Paiva, de la serie de Plan Piloto, 1970- 1988

Joaquim Paiva, de la serie de Plan Piloto, 1970- 1988

 

 

 El contraste de la ciudad de Brasilia, así como de las ciudades periféricas a ésta fue captada a través de la lente del fotógrafo brasileño Joaquim Paiva, quien llegó en 1970 a la nueva capital en su papel de diplomático. Paiva comenzó a recorrer las calles de la ciudad que lo albergaría durante años. Luego tomaría fotografías, tal vez en un intento por conocer la metrópoli y de acercarse a ese “otro” que la habitaba.

 En ese entonces, menciona el curador brasileño Evandro Salles, la ciudad se mostraba a sí misma a través de dos caras: por un lado podía encontrarse restos de una estructura arcaica, mientras que por otro lado la arquitectura nueva exhibía un tinte civilizatorio. Ambas facetas de la ciudad fueron fotografiadas por Paiva, quien recorre la nueva ciudad y muestra ese Plan Piloto frió, solitario, vacío, que expuso en blanco y negro. Edificios cuadrados que se alzan hasta el cielo, caminos bien planificados, áreas verdes en las que los árboles en línea se adecuan para crear la composición de un paisaje idóneo.

Joaquim Paiva, de la serie Plan Piloto, 1970- 1988
Joaquim Paiva, de la serie Plan Piloto, 1970- 1988

 Al mismo tiempo Paiva retrata a la gente que habita en Brasilia, captura la forma en la que los pobladores habitan la ciudad, la manera en la que ocupan los espacios. En sus fotos se puede observar a los niños jugando así como transeúntes, personas haciendo uso de las piscinas de Agua Mineral. Registra el “cotidiano urbano”, aquellos espacios a través de la belleza de la arquitectura de la nueva Ciudad.

Joaquim Paiva, de la serie Agua Mineral

Joaquim Paiva, de la serie Agua Mineral

 

 

 En contraste a las fotografías del Plan Piloto que se asemeja a una maqueta blanca, la cámara de Paiva registra las texturas, los colores de los negocios y de las casas del Núcleo Bandeirante.  Puertas, ventanas, el hogar, la familia, madera, tierra, metales oxidados; un espacio menos planeado, pero con un poco más de vida e incluso con una esencia más humana.

La banalidad como objeto primordial a ser retratado, porque incluso puede encontrarse la belleza en aquello que es fútil, cotidiano, en lo que nos rodea con el día a día.

 Así pues, la fotografía de Joaquim Paiva sirve como material que recopila la memoria de una ciudad, la historia de Brasilia a través de 40 años, tanto los cambios como las permanencias, como un registro fotográfico de la transformación de la ciudad de Brasilia.

Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.
Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.
Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.
Joaquim Paiva, Núcleo Bandeirante.

 Algunas de estas fotografías se incluyeron en su libro Fotografía instantánea. Recuerdo de Brasilia, editado por CONACULTA y el Centro de la Imagen.

 La importancia de este ejemplar radica en el hecho de que se trata de un libro de registro fotográfico de la ciudad de Brasilia, de las fotografías hechas por un fotógrafo viajero que capturo la urbe en distintos momentos. Es una muestra de que la ciudad también puede ser fuente de inspiración para los fotógrafos, tal como lo hicieran en su momento Robert Doisneau, Atget y Brassaii con sus fotografías de París.

 El libro se presentará el viernes 08 de agosto en el Museo de Arte Moderno (MAM) en punto de las 19 hrs. La entrada es libre. Vayan y conozcan un poquito más de este fotógrafo y vean la importancia que tiene su registro a modo de fuente documental.

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Originally posted 2014-07-23 09:58:41. Republished by Blog Post Promoter

Fin de semana con Panic Bazar

La moda y el diseño generalmente se han desenvuelto dentro de una industria aparentemente excluyente, es decir, se trata de un sector en donde difícilmente pueden colocarse los proyectos emergentes y las nuevas propuestas. Sin embargo, no todo queda ahí, pues dicha condición ha impulsado una búsqueda de oportunidades alternas que han favorecido el emprendimiento profesional independiente.

Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.
Tees bordadas a mano de Die. Katze. Brand.

 En la actualidad hay diversas expresiones que reafirman dicha situación: es el caso de los bazares de diseño y moda independientes, que fungen como pequeñas vitrinas que muestran un poco del talento hecho en México.  Entre la diversidad de eventos de esta índole se encuentra el Panic Bazar, que celebrará su segunda edición los próximos 22 y 23 de noviembre.

 Este proyecto nace en el 2010, con la idea de enaltecer y promover el diseño y arte nacional, como afirman sus organizadores; por ende, su objetivo principal es la conformación de espacios en donde fluyan la interacción entre expositores y asistentes, y así dar a conocer las diversas propuestas que alberga.

 Panic Bazar cuenta con casi 5 años de experiencia y reconocimiento en la zona sureste de la República, concretamente en Mérida y Cancún; a lo largo de este trayecto han contado con el apoyo y agradecimiento de más de 400 expositores distintos, y en conjunto todos continúan en crecimiento constante.

Accesorios de SON Para Ti.

 En esta ocasión, Panic Bazar contará con más de 50 diseñadores y artistas nacionales que exhibirán desde moda, artes visuales, gastronomía, artesanía, música, joyería, calzado, diseño gráfico, diseño industrial, entre muchas otras áreas. Entre las marcas que podrás encontrar están MUUK Clothes, MARIANIKA, SON Para TI, Armonía, Hola Tatumi y Die.Katze.Brand, por mencionar sólo a algunos.

 Para este evento, Panic Bazar espera contar con la presencia de jóvenes y personas en general interesadas en el mundo del arte, tendencias actuales y la moda.  La cita será en el Hotel de Cortés situado en la principal entrada al Centro Histórico de la Ciudad de México, frente a la Alameda Central y a unos pasos del Zócalo, de 11:00 am a 9:00 pm. Entrada libre.

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Joyería de Die Katze Brand
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Tatuajes temporales de Hola Tatumi.
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Originally posted 2014-11-21 19:54:28. Republished by Blog Post Promoter

El almacén de la imagen: El cuerpo en la fotografía

 El miércoles pasado se inauguró la exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, en la que se reúne la obra de varios fotógrafos que realizaron su trabajo en torno a un tema: el cuerpo.

 La exposición se alberga en Patricia Conde Galería, que se encuentra en la calle Lafontaine #73 en Polanco.  No es difícil poder encontrar el lugar, pues uno puede entrar por Presidente Masaryk, la avenida más famosa de Polanco, además de que la galería se muy visible gracias a la fachada hecha de cristales.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 Patricia Conde Galería se abrió en 2009 y surgió en una necesidad de crear un espacio especializado en fotografía contemporánea. Se trata de un lugar que abre sus puertas a proyectos sólidos e innovadores de artistas mexicanos y extranjeros con amplia y mediana trayectoria, así como también a aquellos fotógrafos emergentes. Es decir, la galería pretende ser lo más incluyente posible en el escenario de la creación fotográfica. En este sentido, el proyecto de Patricia Conde, quien funda y dirige este espacio cultural es sustancial, sobre todo por la difusión que hace de la creación artística en torno a la fotografía en nuestro país.

Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.
Vera Castillo, Patricia Conde Galería, 2014.

 La galería es pequeña, pero no por eso los espacios dentro de ella son reducidos. La exposición Revisiones IV. El cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana 2006-2013, que se exhibe en este momento, fue curada por el crítico en fotografía e historiador del arte José Antonio Rodríguez, quien además es editor de la revista Alquimia y colaborador en el blog del Centro de la Imagen.

 La idea de esta exposición era mostrar el cuerpo como representación de la historia no tanto colectiva sino individual. Revisiones IV pretende reconstruir la idea tan tradicional del cuerpo comúnmente sensual y erotizado. Las palabras de historiador salen a la luz cuando José Antonio Rodríguez afirma que esta exposición es la exhibición de una microhistoria sobre el cuerpo en la fotografía mexicana contemporánea. El cuerpo como narrativa visual, como lienzo individual que se transforma conforme pasa el tiempo, de ahí la idea de que el cuerpo es historia en tanto receptor de memorias.

Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.
Vera Castillo, Obra de Bella Limenes, 2014.

 El trabajo en torno al cuerpo reúne a doce fotógrafos con diversas propuestas. Pía Elizondo y Patricia Lagarde presentan Diario 2003- 2005, Ángela Arziniaga muestra “El génesis y las nuevas ideas. También expone Bela Limenes, Cannon Bernáldez, Rafael Galván, Kenia Nares, Humberto Ríos, Arturo Fuentes, Rodrigo Mawaad, Daniela Matute  con Oda a mi madre y Saraí Ojeda con su serie Frágil. El catálogo digital de la exposición puede ser consultado en: http://issuu.com/pcgaleria/docs/cat_rev_iv_v1.4_copia

Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.
Vera Castillo, Obra de Rafael Galván, 2014.

 Sin embargo vale mucho la pena poder asistir a la galería a ver la exposición, pues se puede apreciar mejor las fotografías, sobre todo por el tamaño de cada una de estas, la iluminación, la colocación y el acomodo que se ha hecho de cada una de las piezas.

Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.
Vera Castillo, Obra de Pia Elizondo y Patricia Legarde, 2014.

Originally posted 2014-07-30 08:34:14. Republished by Blog Post Promoter

Galería #somoscreadores

 

 

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La develación del Totalmente Nuevo Chrysler 200 sucederá dentro de una impactante exposición de arte donde cada obra presentada abordará los conceptos de diseño, desempeño, tecnología e innovación que comparten y crean puentes de diálogo con el nuevo integrante de la familia Chrysler.

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La galería #somoscreadores surge así como una plataforma de fomento, promoción y difusión de las mejores propuestas creativas contemporáneas y emergentes. En esta exposición curada por Chrysler Group, los diseñadores y Andrea Chauvet Almazán, el Totalmente Nuevo Chrysler 200 se ha convertido en motivo de inspiración de Dr. Alderete, Alonso Cartú, Monairem y Amor Muñoz, cuatro grandes artistas de la escena contemporánea en México, quienes compartirán con nosotros el próximo 18 de septiembre a través de una exposición especial, sus más ambiciosas creaciones desde diferentes perspectivas, utilizando distintos materiales y poniendo en constante diálogo diferentes disciplinas e intereses.

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De esta forma, la creatividad, las ideas y las ganas de que se hagan realidad, son las principales cualidades que describen la propuesta artística de la galería #somoscreadores en la búsqueda de la consolidación del arte mexicano.

No dudes en buscar todos los detalles en la páginas oficiales:

http://somoscreadores.chrysler.com.mx/

https://twitter.com/ChryslerMX

https://www.facebook.com/ChryslerMexico

http://instagram.com/chryslerautos

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Visita obligada anual: World Press Photo 2014

Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.
Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.

“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”

Susan Sontag.

 ¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.

 Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.

 Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?

 Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?

 En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.

 A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:

Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.

 La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.

 Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.

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El Retrato Como Herramienta Crítica – Exposición

 

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La fotografía es un medio por el cual la gente puede capturar instantes especiales y específicos, para posteriormente al verlas nuevamente puedas volver a sentir aquel momento que te causo satisfacción o admiración, te evoque recuerdos o añoranzas.

El retrato fotográfico es un género donde se conjuntan una serie de iniciativas artísticas, en las cuales se resaltan las cualidades físicas, captando la esencia del sujeto a través de sus expresiones faciales.

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En la Galería de Arte del Palacio Municipal de la ciudad de Puebla se está llevando a cabo la exposición titulada “El retrato como herramienta critica“, en la que exponen trabajos de artistas como: Dulce Pinzón, Alberto Ibáñez, Colectivo Oso, Pedro Fonseca, Miguel Pérez, Nelly César y más. Son retratos en los que se plasma la realidad de la ciudad de una forma satírica, generando una crítica específica a problemáticas como el narcotráfico, los estereotipos, la equidad de género, entre otros. Todo esto con el fin de hacer reflexionar al espectador.

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Es interesante como a pesar de la crudeza de los temas, cada artista le da un toque chusco, algo que es más atrayente al espectador, notando a esta exposición distinta, ya que cada imagen tiene una composición plástica colorida, donde cada elemento tiene un significado especifico y claro; así no tienes que estudiar tanto la imagen, al estar lo símbolos a simple vista abiertos a la interpretación, pero llevándote al mismo significado.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición que es gratuita, y estará abierta hasta el 24 de Abril, de miércoles a domingo con horario de 11:00 de la mañana a 07:30 de la tarde.  Despierta en ti, tu lado crítico, y asiste. No te arrepentirás.

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Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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Arquitectura en México 1900-2010

Desde diciembre del año pasado, en el Palacio de Cultura Banamex (o el Palacio de Iturbide) se presenta la exposición “Arquitectura en México 1900-2010” que exhibe el recorrido de 110 años por la arquitectura mexicana y su relación con el diseño, el arte y la ciudad a través del Fomento Cultural Banamex, A.C., el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes y la Fundación Aeroméxico. La exposición se alargó un mes y podrá ser disfrutada durante todo Julio para aquellos que no han podido visitarla.

“La exhibición se conforma a través de fotografías, dibujos, maquetas, mobiliario, esculturas, pinturas y planos urbanos y ofrece el panorama más amplio jamás reunido sobre arquitectura moderna de México.”

 Curada por Fernanda Canales (Ciudad de México, 1974), esta exhibición presenta el trabajo de más de 160 autores. Por medio de material inédito, obras emblemáticas y proyectos utópicos. Se estructura en orden cronológico, en 6 periodos definidos por arquitecturas distintas:

  1. Los inicios (1900-1924)
  2. Primera modernidad (1925-1939)
  3. Periodo heroico (1940-1968)
  4. Nueva monumentalidad (1969-1989)
  5. Fin de siglo (1990-1999)
  6. Primera década del siglo XXI (2000-2010)

 De esta manera el visitante tiene la impresión de percibir el cambio ideológico y estructural que ha marcado todos los proyectos arquitectónicos a través del tiempo y el cambio transitorio que experimenta la sociedad, por medio de la la valiosa información que se encuentra acompañada de cada esbozo, fotografía y objetos únicos que se exponen con una delicada autonomía; pero al mismo tiempo funcionando como proceso que engloba a toda la arquitectura mexicana.

 Como resultado de esta exposición surgió el libro que lleva su nombre, escrito por Fernanda Canales, y que plasma toda la exhaustiva investigación de la historia de la arquitectura mexicana en sus contextos sociales, artísticos, políticos y urbanos que ayudan a descifrar su papel en la identidad del mexicano, y la percepción que se tiene de ellas en el presente.  Con el apoyo de Arquine y el Fomento Cultural Banamex, el libro está publicado en 2 tomos con más de 2000 imágenes (fotografías blanco y negro y color) que acompañan la investigación.

 Está pensado para todo tipo de público que guste o este interesado en los temas que engloban al mundo de la arquitectura y su punto de unión con la cultura y la sociedad.  Es un libro bastante accesible que no requiere de un estudio erudito para su comprensión, y es una publicación indispensable para todo aquel que se interese en la identidad mexicana a través de su urbe.

https://www.youtube.com/watch?v=5d5wIsvlKiM

Lo puedes comprar desde la página de Arquine en este link o si prefieren pueden comprarlo en la tienda del museo.   Recuerden que sólo queda el mes de Julio para visitar la exposición, ¡no se la pueden perder!

 

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Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Originally posted 2015-01-15 15:25:10. Republished by Blog Post Promoter

Sin título, Sophie Calle en el Tamayo

Este fin de semana el Museo Tamayo fue sede para la proyección del documental Sophie Calle, sin título, dirigido por Victoria Clay, el cual es una road movie en la que se muestra la vida de la artista desde su paso por California, donde comenzó su carrera, el sur de Francia, donde trabaja y Camarga, lugar donde creció.

 La directora de este filme compartió tiempo con Calle, la conoce bien y muestra con cierta intimidad una parte de la vida de esta artista francesa. En el trabajo de Sophie se observa un cambio en la percepción de los otros hacia ella misma. Esto se puede apreciar en Ritual de Cumpleaños, en el que durante 13 años Sophie invitó al mismo número de invitados que su edad más uno, dejando los regalos intactos para después ser exhibidos en vitrinas.

Foto de: picnic.co
Foto de: picnic.co

 Actualmente el Museo Tamayo también muestra la instalación Cuídese mucho (Prenez soin de vous), obra que fue realizada para el pabellón francés de la Bienal de Venecia en 2007. Esta obra es inspirada en el último correo electrónico que envió su entonces pareja a Calle, donde daba por terminada su relación y finalizaba con la frase que da título a la exposición.

 Para la creación de la instalación Sophie reúne a 107 mujeres de diversas profesiones para analizar la carta que llegó a su email. El resulto es una radiografía que disecciona cada posible significado en las frases del mensaje, a través de fotografías, escritos y videos que expresan ideas sobre el amor, sexo, trabajo, dolor e intimidad.

¿Quién es Sophie Calle?

 Calle es una francesa nacida en 1953, reconocida internacionalmente por materializar sus obras en fotografías, video y textos que muestran aspectos de su vida personal planteados de manera única y compleja.

* La exposición estará hasta febrero del 2015 de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas. Admisión general $19, entrada libre a estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial vigente. *Domingo entrada libre.

 

 

Originally posted 2014-11-24 09:00:02. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Originally posted 2014-11-27 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

Aún tienes oportunidad de ir: Obsesión Infinita

Si aún no te has dado la oportunidad de ir, te quedan unos días para ver una de las exposiciones más polémicas que ha llegado a México, Obsesión Infinita de la artista Yayoi Kusama.

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Recuerda que tienes hasta el 18 de enero para disfrutar de la primera muestra retrospectiva que llega a América Latina y perderte en un mundo lleno de lunares y colores.

Con más de 100 obras creadas entre 1950 y 2013 que incluyen pinturas, esculturas, videos, intalaciones y trabajos en papel, se presenta la trayectoria artística de Kusama que va del ámbito privado a la esfera pública.

No lo olvides, la cita es el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51) de martes a domingo de  10:00 a 18:00 horas.

Originally posted 2014-12-19 08:38:53. Republished by Blog Post Promoter

Rey Kalavera: De cuando el erotismo se mezcla con lo macabro

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Desde trincheras inimaginables brota el talento que se esconde entre las calles del Distrito Federal. Con trazos y brochazos, el Rey Kalavera convierte las avenidas principales en galerías urbanas: dibuja casi por instinto y vive de ello. Ha desarrollado sus habilidades con ayuda de caricaturistas y profesionistas en la materia.

 La marca principal del artista es la calavera de un bebé que no tiene dientes y semeja una sonrisa macabra, el cráneo tiene una corona porque en el norte del país algunos sicarios y miembros de los cárteles de la droga pintaban esta figura para marcar su territorio, aunque el diseño surgió del mazo de una baraja española y significa la fortuna.

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 RK, como abrevia su “firma clandestina”, tiene un estilo encaminado a la cultura mexicana, mezclado con la muerte, la locura y la maldad con tintes de erotismo, sacado de las mujeres vampiro de las clásicas películas nacionales, incluidas las ficheras y su sensualidad, porque menciona “le gustan las chicas con rasgos latinos”.

 Es pasante de la carrera de sociología y lleva  seis años pegando afiches con tinta en las calles, y para que sea difícil removerlos usa Pega Concreto y Blanco de España. Para asegurarme que entendí bien el proceso lo acompañé a pegar uno al sur de la ciudad, muy cerca de la Cineteca Nacional y en una de las salidas del Metro Coyoacán.

 Aunque la actividad podría ser considerado como vandalismo, el artista evita dañar casas, por lo regular aplica su técnica en avenidas transitadas y en sitos concurridos como parques recreativos.

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 Actualmente, el Rey Kalavera ofrece talleres a nuevas generaciones de jóvenes para realizar pintas masivas, con el objetivo de distraerlos de las adicciones o situaciones de riesgo. Esto bajo el nombre de una organización civil que se llama Cauce Ciudadano, con 14 años de experiencia en la formación integral y la construcción de alternativas pacíficas para el desarrollo de personas resilientes.

 El organismo tiene sedes en varias localidades del país, con especial atención en Tenancingo, Tlaxcala, ya que como RK refiere, es la capital de la trata de personas.

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Originally posted 2014-08-05 09:59:01. Republished by Blog Post Promoter

Collage se escribe con Diéresis En la Efe

Pese a que la técnica del collage surgió a inicios de 1900, y pese a la complicada situación sobre quién fue su inventor —si el talentoso Picasso o el innovador y sencillo George Braque— es claro que la conjunción o mezcla, derivada de recortes y pegotes, sobre un lienzo cualquiera es una característica mucho más aplicable para los últimos años del recientemente fallecido siglo XX y los futuristas años del siglo XXI.

 Hoy todo tiene un mix, una mezcla. El collage cumple una función más que estética al ser vía de re-creación. Re-creación, repito. En un mundo donde no hay nada nuevo bajo el sol, donde ya todo se ha inventado – incluso los nuevos alcances tecnológicos lo hemos leído, visto, soñado en algún filme de Godard, página de Huxley o Wells, o en algún capitulo de los Supersónicos- la forma y el reciclaje en el arte salen a flote como un lindo puerto prometedor, un puerto que para algunos es una forma de vida.

Mademoiselle K

 A Frappa, también conocido como Diéresis En la Efe, no le importa mi entrada anterior. Él adivinó al collage sin tanto antecedente:

 “Hace ya muchos años conocí a una chica de nombre Ophelili, con ella formaría un colectivo que nunca se concretó […] Inicié con el collage poco después de que la conocí. En ese entonces no tenía ni puta idea de lo que quería hacer para pasar (aprovechar) el tiempo. Andaba leyendo acerca del DADA y la técnica del collage de Marx Ernst (recuerdo mucho que ella gustaba de pronunciar varias veces “Max Ernst, Max Ernst, Max Ernst…”).

 Se acercaba el cumpleaños de la susodicha y decidí obsequiarle algo. Obtuve de un camarada un libro de pinturas de Salvador Dalí, y pues que le doy en su madre. Fue la primera vez que le pasaba tijera a un libro. Desde ese momento descubrí mi obsesión por la tijera y todo lo que me provoca. Ese fue mi primer frappa“.

Primer tijeretismo (Realizada enteramente por objetos de otras pinturas de S. D.)

 Desde que lo recuerdo, Frappa es un bohemio apasionado que no rebasa los treinta años, amante de las mujeres, de los vinos, atacante de las injusticias, que debió haber nacido en Francia —sí adivinaste— durante los primeros años de los 1900, y más exactamente en Cuaxies al sur de la mente de Alfred Jarry, quizá en alguna barricada, a la hora pico de un verano lleno de desnudos donde mujeres y cerveza le bautizaran:

 “Fräppa surge de hojear un diccionario en francés. Nos agradó la palabra frappant, significa impresionante. Le quitamos el “nt” para que quedara en Frappa y las diéresis en la primera a (no estoy seguro) pero creo que fue por la palabra alemana fräulein (señorita). Aún no cierro ese círculo con ella; sin embargo, siempre la tendré presente pues fue la detonante de lo que haré hasta el día en que muera”.

 sin titulo (2)¿Por ella eres artista?

 “Por ella no soy “artista“. No es que deteste esa palabra o lo que signifique, pero prefiero “tijeretista“. Más bien por ella es que descubrí que existe algo en la vida con lo que no me aburro fácilmente”.

 Dije: ¡Salud! ¿Qué más podría decir?: no estábamos en un bar, ni siquiera en el mismo sitio, la charla era por Facebook, y según los “manuales de cómo hacer una entrevista” estaba desviándome sobremanera del tema, pero nada de eso importa cuando te contestan de vuelta de la misma forma.

 Sin más, no quise demorar la charla sobre su trabajo, que en lo personal, le considero de los pocos artistas —lo siento, camarada— genuinos, de aquellos que se han resignado sólo a eso que les produce un dicha enorme y lo único que notas en sus obras es el mismo esmero, sentimiento que crece y mejora, que busca su confirmación:

 “Cada composición habla de lo que vivo, no puedo deslindar mi vida de lo que producen mis manos. Es una forma de escupir lo que me pasa, tanto lo grato como lo desafortunado. Siempre he mirado y me da rabia lo que pasa alrededor (tanta violencia, tanta gente de mierda). Por ello me encerraba en mí, aunque últimamente estoy saliendo del ensimismamiento… quiero y necesito mostrar la visión de lo cotidiano, para de alguna forma hacer eco”.

3 de 5 manifestantes pal fanzine collagero con Gráfica Santiamén

 Sus creaciones tienen cierto aire renacentista. Y no sólo porque literalmente profana libros de este tipo de arte, sino por la semejanza que también se tenía en aquella época, de retratar lo invisible, llegar al punto máximo de una realidad pictórica, para descubrir que no todo lo que se ve es real, ni todo lo que falta no existe. Esos retratos desfigurados, ultrajados; cristos desmembrados, mujeres desnudas… eso, es él:

 “Me encanta la mutilación y fragmentar rostros, retirar máscaras, hurgar los adentros, picar las entrañas. Con la figura de cristo… mis conflictos con la existencia humana. El fragmentar para recomponer es mi forma de inventar mi propio mundo, quizá utópico pero uno donde me siento (no a gusto) sólo menos vulnerable.

 Tanto la pintura gótica como renacentista me encanta; los temas religiosos (los cristos con rostros llenos de sufrimiento, el desgaste de los frescos aterrizados en los libros) y el placer se incrementa al tijeretear directamente el libro. No me agrada el papel de las revistas, además de que encuentro sumo interés en profanar un libro. Algunos dicen que es falta de respeto, ¡Pero venga!, de que terminen siendo roídos por un ratón o que pasen por el fuego, mejor los convierto en composiciones frägmentarias que después puedan pasar por el fuego”.

 Entonces ¿Qué es para ti el collage? Pregunta obligada, según las reglas del buen entrevistador, pero quise hacerlo rápido pues se le estaba soltando la lengua y eso debe aprovecharse:

 “La tijera sobre el papel, los sonidos que se producen en tal acto, esa violencia sutil… es una necesidad. Tanto que me encabrona cuando me dicen que me busque un trabajo. ¡Ese es mi trabajo! Me entra mucha ansiedad cuando no tengo material que recortar y me entra aún más ansiedad porque el recortar elimina mi ansiedad por el trago…”

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 Antoine Fräppa Dubois es humano, y como tal sufre de algún punto débil, alguna manía, alguna fobia, algún trance irreparable, algún miedo infinito… las debilidades nos definen, quizás más que los aciertos, y quizás no por la perspectiva mundana y fatalista, más bien por ser éstas las marcas que una vez superadas, nada podrá detenernos:

 “Encaje o no, no dejaré de hacer lo que hago y como lo hago. Siempre a mi manera, sólo que ahora utilizando más el coco y bajando un poco el trabajar desde las entrañas. Encontrar el mentado equilibrio. Siento que es momento de dar un gran tajo, darle al collage con las dimensiones que tienen los murales que últimamente hay tantos y por doquier. Sí, sí…. mucha pintura en los muros.

 Hace falta más papel en las calles, composiciones del tamaño de un elefante. Aunque quizá me esté yendo algo bien con lo que hago, pero debo esforzarme más para ver lograr ver a mi crío Mateo. Es un decir que me va bien pues no recibo algún ingreso monetario. Los dineros los gano de donde salgan… vendiendo botellas de cerveza, armando mudanzas, etc”.

 Mateo es su hijo, al cuál no ve desde hace medio año.

Nuevo $TCKR La octava maravilla Durante mucho tiempo, ha vagado por muchos grupos, intentado unir fuerzas y conseguir espacios. Hoy es Mexicollage el colectivo donde ha encontrado un espacio propicio para desarrollarse: Es un desmadre para mí trabajar con otras personas, aunque ahora integro uno que se llama Mexicollage… y sí, en tal colectivo todos le dan con la tijera.

 Siempre he dicho que la calaña y la camada importan. También me enteré por un post en la futura red social, próxima gobernante y dueña de un país al sur de África – Dios, perdona a los inocentes— sobre el taller que impartió en el Ovnibus Roma, los pasados 5 y 6 de noviembre de este año, y por supuesto le pregunté sobre la experiencia:

 “Me encantó, es una buena forma de retroalimentación además de que una buena manera de evolucionar la obra es compartiendo (ofreciendo) lo que ya se sabe, no ser celoso de los conocimientos, mañas o atajos que se han adquirido”.

Galería en el Ovnibus

 Los talleres fueron el festejo por su cuarta exposición individual en este bien logrado recinto que alberga siempre la otra mirada citadina, de menos reflectores pero mucha labia.

 Al husmear por su perfil en las redes sociales, encontré fotos en donde encontramos al artista – sí, así le considero- completamente en desnudo. Por no quedarme con la duda, le pregunté si aquello era parte de hurgar, de picar lo más hondo de las personas, si era parte de su obra, una extensión: “No lo es, simplemente me encanta estar en pelotas”.

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 Diéresis En la Efe es un tijeretista justo en medio de la vieja escuela de Max Ernst, respecto a la forma de encontrar el verdadero fin del collage, que es, según las palabras de Frappa, la unificación de los elementos integrados; el equilibrio y relieve de una chica que se hace llamar HANDIEDAN y el parentesco con James Kerr “Scorpion Dagger” del cual adora sus gifs hilarantes, además de que también utiliza personajes y elementos pictóricos similares a los que use él.

 Sus trabajos han participado para ser portada de revistas importantes como El Fanzine y PICNIC, recibiendo reconocimiento y alcanzando los primeros lugares, además de tener varias notas en la web que hablan de su arte. Este año, El Gráfico, prensa nacional de muy baja calidad —hay que decirlo, siempre— le ha mirado y dedicado un espacio en sus páginas.

 Como lo dije al inicio, el collage me parece algo tan genuino que en ocasiones no concibo ya la forma original, ya no hay una línea entre el antes y el después, y esa imagen, pintura u objeto existen ya sólo de esa manera, fueron para ser profanados. De cualquier modo de encontrar alguna distinción, él diría: “No lo sé, de existir esa línea habrá que cortarla con tijera y re estructurarla”.

Más papel en la ciudad, más collage monumental, más frappas vendidos… tras tras tras c’est tout!

Cartel realizado con recortes de El Fa_____ne

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Originally posted 2014-11-14 12:16:47. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Proyecto Diversidad Matérica

Exposición realizada en centro cultural Futurama.
Exposición realizada en centro cultural Futurama.

El pasado fin de semana terminó la exposición “La Individualidad como Multiplicidad” en el centro de la Juventud, Arte y Cultura FUTURAMA de la colonia Lindavista, al norte de la Ciudad de México. La exposición estuvo conformada por ocho artistas plásticos mexicanos, abordando el tema de la tridimensionalidad desde diferentes disciplinas como la escultura, instalación, performance, arte-objeto; en conjunto, conforman el grupo Proyecto Diversidad Matérica. ¿De qué va el Proyecto?

Diversidad Matérica tiene como propósito difundir el trabajo artístico resultado de la investigación y la experimentación matérica, emplazadas en un proyecto de propuesta tridimensional, con el fin de compartir no sólo los elementos conceptuales y plásticos entre la población en general sino los proceso creativos y las motivaciones que llevaron a la realización de la obra, mediante charlas, mesas redondas y visitas guiadas.

 Es necesario notar la intención que tienen de compartir con el público sus procesos creativos y motivaciones, resultado de una investigación y experimentación de materiales que influyeron en su obra, ya que la gente no la tiene tan fácil cuando se enfrenta a la propuesta del artista quedando a la deriva para su interpretación. Esto no quiere decir que toda obra tenga que ser explicada, sin embargo, cuando el artista describe su proceso es posible que genere empatía con el espectador y más cuando no está inmerso en el estudio de las artes, lo que posiblemente lo agradecerá independientemente si es o no de su agrado, ya que le permitirá generar una opinión.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 ¿Quiénes son Proyecto Diversidad Matérica? Proyecto Diversidad Matérica es un colectivo de reciente creación (julio de 2014), y surgió por la necesidad de conformar un grupo de difusión y análisis a través de propuestas artísticas tridimensionales. Olivia Pinzón, Rodrigo Orduño, Ana Bernal, Israel Wood, Raúl Godínez Ramírez, Manuel González, Jorge Castillos e Ivette Ávila son egresados de Facultad de Artes y Diseño de UNAM con excepción de Manuel Gonzáles que ha estudiado artes en el interior de la república.

Nos denominamos PROYECTO porque estamos abiertos al autoanalisis, la investigación y la autoevaluación y por lo tanto al cambio, un proyecto siempre está en transformación.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

¿A qué se enfrentan como colectivo?

Consideramos que uno de los obstáculos más difíciles de sobrepasar es el propio trabajo en colectivo, es decir, llegar a consensos de todo tipo, desde ideológicos hasta organizacionales sin generar conflictos internos. Y por la parte externa, encontramos los obstáculos que permean a los espacios expositivos a nivel institucional y gubernamental y que pueden ser desde acceder a ellos hasta las limitantes o faltas de apoyo por parte de algunas instituciones.

Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Ex-integrante del Proyecto Diversidad Matérica

 La unión hace la fuerza, decían, pero la verdad es que no es algo tan sencillo ya que existen variables que influyen y propician el trabajo en equipo. Si bien es cierto que  todos los integrantes buscan un objetivo en común, no todos funcionan de la misma manera ni tienen las mis habilidades y capacidades para afrontar los retos internos y externos con los que van a lidiar. Sin embargo, a través de la organización, disposición, comunicación e intención de salir adelante, “La Individualidad como Multiplicidad”, ha dado un primer paso hacia la consolidación de Proyecto Diversidad Matérica.

Integrante del Proyecto Diversidad Matérica
Integrante del Proyecto Diversidad Matérica

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Programa Vacacional UNAMuseográfico

Si hay algo que verdaderamente disfrutamos quienes nos quedamos en la ciudad durante los períodos vacacionales, es la vida casi surreal que dejan tras de sí los desertores de la rutina urbana. Disminución de tránsito, calles vacías, lugares esperando ser visitados, y una quietud que logra que incluso le tomemos cariño al transporte público; todo esto al menos por casi tres semanas, hasta que la apabullante realidad llega a romper la burbuja.

 Y será un cliché decir que “la ciudad nunca duerme”, pero es cierto, y en una tan diversa como es la nuestra, no hay duda alguna de que encontraremos una muy nutrida lista de cosas por hacer.

 En lo que a nosotros respecta, la causa cultural, proponemos la visita de cinco recintos —todos ellos parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)— con más de una decena de exposiciones y actividades, que permanecerán en funcionamiento durante el periodo vacacional de invierno para deleite de los asistentes.

 Cabe mencionar que además de la amplia oferta cultural, habrá un periodo de entrada libre a dichos museos (del 16 de diciembre al 6 de enero). El Antiguo Colegio de San Ildefonso será el único que mantendrá su tarifa habitual.

Dirección: Sullivan 43, Col. San Rafael

 Ubicado en la zona centro de la ciudad, abre sus puertas para la visita de En hombros de gigantes, muestra dividida en dos secciones que se exhibe con un tipo de montaje que se retoma de Lina Bo Bardi, destacada arquitecta italo-brasileña. Consiste en cubos de concreto que soportan, a través de vidrio, las obras de arte de quince autores mexicanos y estadounidenses de creciente popularidad en los últimos años: Julieta Aguinaco, Alfredo Echeverría Ripstein, Taka Fernández, Alex Hubbard, Mathieu Malouf, Tania Pérez Córdova, Ricardo Rendón, San Gil, Melanie Smith, Juan Tessi, Fabiola Torres, Germán Venegas, Luis Alfonso Villalobos, Boris Viskin y Beatriz Zamora.

 

Dirección: Justo Sierra 16, Col. Centro

 En este recinto de invaluable valor histórico suele ser común encontrar más de una exposición presentada dentro de las múltiples salas ubicadas en sus tres pisos destinados al público. Actualmente podemos encontrar, además de su acervo mural siempre disponible para los visitantes, la obra del artista inglés Michael Landy, y los soviéticos Ilya y Emilia.

 Santos vivientes, por Michael Landy, se trata de una muestra en la que, literalmente, el arte cobra vida. El conjunto de ejemplares que se muestran al público consiste en esculturas inspiradas en obras de santos renacentistas, elaboradas con material de desecho y destinadas a la interacción lúdica con el espectador.

 Por otra parte, Angelología: utopía y ángeles, es una exposición poco más reflexiva que toma la figura aquella de los seres alados como contraste a la materialidad de nuestro mundo, como entes de creatividad y subjetividad, como guía y motivo de aspiración a un estado de elevación individual y colectiva. Las piezas de la instalación son ejemplares de pintura, fotografía, maquetas y arte-objeto, entre otros.

 

Dirección: Insurgentes 3000

 Caracterizado por la suma versatilidad de las exposiciones que cobija, el MUAC ofrece un abanico de seis opciones para sus visitantes en este periodo vacacional.

 De ida y vuelta. Lance Wyman: íconos urbanos muestra una colección de la obra del diseñador estadounidense como arquetipo del posicionamiento de la cultura visual en nuestros días. Ejemplifica con bocetos y fotografías la manera en que su propuesta artística ha permeado en el entorno social y cultural para convertirse en referente capaz de emitir un mensaje descifrado bajo un lenguaje totalmente propio.

 La exposición Teoría del color resulta del desenlace de una investigación acerca de la producción de arte contemporáneo durante los últimos 10 años, en la que artistas de diversas edades y nacionalidades —Sudáfrica, Alemania, Estados Unidos, México, Venezuela, Bélgica, Francia, Perú, Argentina, Brasil y España— ahondan en el tema del racismo.

 Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno, así, nombrada cual línea de canción de Calle 13, se trata de un montaje de ejemplares multidisciplinarios como escultura, video y pintura, que encapsulan el periodo actual de la actividad artística de creadores jóvenes, nacidos después de 1985. Se pretende mostrar la manera en que los artífices contemporáneos, cada cual en su entorno y realidad particulares, plasman en su obra cierta carga crítica hacia el México en el que vivimos hoy.

 Otras opciones para visitar dentro del MUAC son Pola Weiss. La TV te ve, Circulacionismo. Hito Steyerl y El derrumbe de la estatua. Hacia una crítica del arte público (1952-2014).

 

Dirección: Ricardo Flores Magón no. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco

Este espacio cultural ofrece actualmente cinco exposiciones:

 El Museo de sitio Tlatelolco recorre la historia del lugar narrada a través de cerca de 400 piezas halladas en lo que fue la ciudad prehispánica de México-Tlatelolco. Con ellas interactúan elementos gráficos, audio y videos, así como propuestas del tipo de instalaciones artísticas, espacios para la experimentación científica y elementos tecnológicos que enriquecerán la visita.

 El Memorial del 68 es un espacio simbólico que se destina a la reflexión del público sobre los sucesos vividos durante el verano de aquel año en nuestro país. Conceptos como injusticia, protesta, violencia y los derechos humanos son temáticas que nos llevan a la construcción de la memoria colectiva sobre la historia reciente México.

 Hacia los márgenes. Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposiciónes una exposición temporal que muestra imágenes capturadas por este retratista que siguen la línea temática de la propaganda política vista desde el enfoque de la corrupción, los fraudes, la ilegalidad y la violencia social durante las décadas de los 40 y 50.

 También puedes visitar Colección Stavenhagen Sietedecatorce: proyectos del programa de estudios curatoriales de la UNAM.

CCU-TLATELOLCO

 

Dirección: Dr. Atl no. 37, Col. Santa María la Ribera

 Parte de una de las colonias más entrañables de la parte norte de la ciudad, el Museo del Chopo suele ser anfitrión de eventos musicales, cinematográficos y multidisciplinarios durante todos los días del año. En esta ocasión prepara para su público la exhibición de cinco muestras distintas:

 Transcripciones parte de la obra de Salvador Elizondo, escritor mexicano que supo insertar en su literatura el cine, la fotografía y las artes visuales, dejando atrás los convencionalismos del gremio durante el siglo XX. Esta exposición reúne el trabajo de artistas mexicanos que cuestionan el lenguaje a través de su manifestación en la escritura y tiene como objetivo mostrar las maneras en que los artistas contemporáneos se han aproximado al quehacer de la escritura.

 Obra de la mexicana Georgina Bringas, Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra sostiene la hipótesis de que todo se encuentra en movimiento constante, por lo que el arte debe continuar moviéndose de la misma manera, en el plano temporal y en el espacial.  y Horror en el trópico.

 En la instalación Colaboraciones forzadas, el artista Santiago Merino presenta una intervención en la ubicada dentro del propio edificio que alberga el museo. Consiste en un monocromo hecho con vinil reflejante ubicado de manera esratégica de manera que los visitantes puedan observar, reflejada, la arquitectura original del inmueble.

 También puedes visitar Correrías sin prisa. Las nuevas aventuras de Lázlo Lózla y La Banda Sin Fin y Horror en el Trópico

 

 Sur, centro y norte. De entrada libre y con baja afluencia. Ahora sí no habrá pretextos que justifiquen el no darse una escapada a checar estas exposiciones que reúnen ejemplares de artistas de todo tipo, mucho de ellos montados en México por primera vez . Te recomendamos consultar los horarios, fechas y actividades de cada uno de los Museos.

Originally posted 2014-12-18 20:04:24. Republished by Blog Post Promoter

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Originally posted 2014-08-07 09:00:41. Republished by Blog Post Promoter

Rembrandt: 438 pinturas, grabados y esbozos en colección online

Considerado como el artista más importante de toda la historia de Holanda, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor, grabador, y dibujante excepcional, es un icono de la cultura en todo el mundo, que trasciende gracias a la sublimidad de su genio y a la originalidad, calidad y cualidad de su obra.

 Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda, y murió un 4 de Octubre de 1669 en Ámsterdam. Su obra se caracteriza por el cuidado en los detalles y por la sensibilidad y profundidad emocional que representan los géneros que cultivó a lo largo de su carrera artística: Retrato, Paisaje y Pintura Narrativa.  A Rembrandt se le recuerda, de hecho,  por sus magistrales retratos de grupo que iban desde los temas bíblicos hasta escenas que curiosamente abordaban la vida intelectual de la ciencia, de cualquier manera lo hacía, absolutamente alejado de los convencionalismos, lo cual le concebía una estética nunca antes vista en el mundo.

 “La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.”

 De igual manera sus retratos (y autorretratos) constataron una característica más de la genialidad del pintor. Ya en la actualidad, por ejemplo, su forma inusual de aproximar la luz al protagonista con su fenomenal manejo de la misma, ha ejercido innegablemente una gran influencia en la fotografía, creando el propio concepto de: “Iluminación de tipo Rembrandt” que consta en definir perfectamente las luces y las sombras en un retrato, cuidando el balance de las mismas hasta obtener una escena perfecta donde predominen las sombras en todo el rostro.

Es bien sabido que para dominar la técnica se requiere un amplio conocimiento de las bases de la iluminación actual de fotografía en interiores, y manejar perfectamente los ángulos, los planos y la composición de las escenas.

 Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos.

 Afortunadamente para nosotros, si gustamos de observar y analizar el trabajo de este gran artista, ya podremos hacerlo a través del catálogo online del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York  (con descargas completamente gratis, por supuesto).  Ya  que desde hace un tiempo atrás varias de las instituciones culturales más prestigiosas del planeta se están animando a publicar una parte de sus colecciones en Internet para que puedan ser disfrutadas por personas de todo el mundo sin necesidad de visitar físicamente las exposiciones.

 Esta vez fue el turno del increíble y asombroso MET Museum que subió alrededor de. 400.000 imágenes en alta resolución de su excepcional colección, de las cuales 438, son exclusivamente de Rembrandt.

 Así que sin más preámbulos aquí va el link ¡Disfrútenlo!

Originally posted 2014-05-26 12:32:15. Republished by Blog Post Promoter

Exposición Equilibrio mental : Tres ingenios mexicanos


Mezclan el surrealismo con los momentos y visiones de la existencia, para darle paso a la ilustración y a la pintura. Estilos diferentes, pero que expresan sentimientos antagónicos.

 Equilibrio mental fue una exposición presentada el 15 de Octubre en la Ciudad de México, con el fin de ofrecer una nueva temática en torno al significado de las emociones en el ser humano, de manera que el espectador pudiera vislumbrar en cada obra el sentido de la vida a partir del reconocimiento a sí mismo. El eje, lo constituye la reflexión y la sincronía de la existencia. La mente crea el espacio para un sinfín de pensamientos, para pasar de lo inconcebible a lo real y transformar de una idea a un trasfondo. Lo inaudito, sin duda, es lo que hace girar a este mundo que sólo se acostumbra a ver la supervivencia desde una sola forma.

 Víctor González, Clara Ruiz “Rula” y Cecilia Vázquez “Miguela”, son talentos de origen nacional que comparten estudios de diseño gráfico y que a través de su formación, lograron vincular sus obras a partir del síntoma del mundo actual, acompañado de un surrealismo anacrónico. El escenario parece ser el propio sentir del individuo. Todos los miedos terrenales se unen, para darle sentido a esta muestra de particularidades en cada una de sus pinturas. El ambiente facilitó que fuera más permisible para el público, ver a detalle cada pincelada y cada matiz y poder enfatizar el porqué de cada color y cada contorno.

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Esto fuimos, esto somos. Víctor González.

 Víctor González utiliza una técnica definida como mixta sobre lienzo, en ella plasma singulares rostros que buscan compenetrarse y adentrarse en el mundo de la expresión a través de colores brillantes con un fondo que deja entrever la profundidad de la existencia humana. Sus obras representan la importancia de la fraternidad en las relaciones interpersonales y vislumbra cómo se desenvuelven en un mundo que se desquebraja poco a poco, sin tener algún temor por no sentir absolutamente nada. Esa galaxia de emociones, es el rostro perdido entre la multitud y busca mezclarse cándidamente con los brazos de alguien que permanezca atado a la verdad del equilibro mental.

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Mate. Clara Ruiz.

 Clara Ruiz “Rula” muestra un sentido de pertenencia hacia lo que compone la vida a partir de fundamentos anacrónicos como puede ser la naturaleza y también la muerte, este esquema pronuncia al individuo como dueño de su propio destino y de sus condiciones para crearlo bajo sus mismas imposiciones. Esto se une con la magia de sus destellos. Cada pintura tiene detalles exquisitos que muestran la semejanza entre querer y poder hacer de la vida otra perspectiva diferente. Además, la vanguardia de sus puntualizaciones radica en los deseos más recónditos del ser humano. Deseos que van más allá de lo terrenal.

 Cecilia Vázquez “Miguela” ilustra de manera impactante la relación entre concepto de vida y su forma de vincularse a su entorno mismo, esto lo trata a partir de un esquema tan cuidadosamente diseñado, que resulta altamente rico en particularidades. Un ave que acompaña siempre al personaje central, toda compañía parece tener el lindo deseo de querer volar y también, de partir hacia nuevos horizontes.  Armonía y suntuosidad, podrían ser los conceptos que definen su trabajo preciso y exacto que relata a la mente como forma de creatividad e ilusión.

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Cecilia Vázquez. Técnica a tinta.
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DHQS. Víctor González.

 Los tres son jóvenes entusiastas que comparten el gusto por el arte y sus diferentes modalidades de expresión. Recrean la pintura y la ilustración a partir de una dinámica llena de singularidades, que permiten el reconocimiento del ingenio mexicano. Creatividad que merece ser reconocida y no ser olvidada como tantas veces se ha hecho. En el país hay capacidad para transformar, para crear y así se ha reflejado en esta exposición que dio pauta para expandir la voz más allá de lo que ya se conoce, y por lo tanto es de vital importancia darle énfasis a lo que sale del esquema, porque esas grandes promesas de lo que no está dentro del estereotipo, forjan nuevos lineamientos de expresión, es por eso que se invita al público a que pueda conocer más del trabajo que pertenece al talento independiente. Ellos crearon sus formas a través de su pensamiento, y esas formas se vinculan por medio del arte y muestran un compromiso ante lo que significa la pintura y la ilustración para el mundo. Este es el momento preciso en que las mentes se juntan para poder crear nuevos mecanismos de expresión, tal y como se vio en Equilibrio mental.

Originally posted 2014-10-30 09:00:09. Republished by Blog Post Promoter

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Circulacionismo en el MUAC

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Traída desde Alemania llega Hito Steyerl, la artista que presenta su exposición monográfica en el MUAC titulada Circulacionismo, la cual consta de tres de sus recientes piezas: Adorno’s Grey, Museum as Battlefield y Liquidity Inc., en las que se plantea la reconfiguración entre la imagen, historia, política y documental, que caracterizan su obra desde los años 90.

 A través de la videoinstalación y reflexión, la artista propone una manera de analizar la manera en que son producidas y consumidas las imágenes en el televisor, cine y arte contemporáneo.

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  Su trabajo incluye imágenes apropiadas o de baja calidad para permitir el cuestionamiento sobre la relación que existe entre documental, realidad y representación.

 La cita es en la sala 8 del  MUAC (Insurgentes Sur 3000). Miércoles, viernes y domingo de 10:00 a 18:00 y jueves y sábado de 10:00 a 20:00 horas hasta el 1 de marzo de 2015

 Jueves a sábado $40 público general *50% con credencial vigente a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, ISSSTE e IMSS

Miércoles y domingo %20 público general *NO APLICA DESCUENTO 2X1.

México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

Megaofrenda 2014: noviembre y las luces de regreso a casa

 Si hay algo por lo que México se caracteriza, al igual que el resto de los países que integran Latinoamérica, es por la riqueza de sus raíces, entre un sinfín de particularidades. Estos territorios, hermanados como uno solo, gozan de un legado invaluable que ha trascendido por generaciones gracias a la tradición oral, y en ese patrimonio inmaterial de ideas fantásticas y creencias populares, se guarda una parte sustancial de su cultura: mitos, cuentos y leyendas como parte inherente de la idiosincrasia reflejada, además, en el arte y artesanías propias de cada lugar.

 Ejemplo perfecto de ello es una de las fiestas más queridas y entrañables por llevarse a cabo el próximo fin de semana. Si bien su origen se remonta a las culturas prehispánicas que ocuparon el territorio mesoamericano, y su práctica tiene resonancia en algunos países de Centro y Sudamérica, es considerada oficialmente como una festividad mexicana. Reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el inicio del mes de noviembre se adorna con el misticismo de singulares visitantes.

 Aunque la médula de esta celebración se remonta a los pueblos precolombinos, lo cierto es que la leyenda como la conocemos ahora es resultado de la inclusión de algunos elementos culturales de la sociedad europea —rasgos de la religión católica, concretamente—, y del mestizaje que trajo consigo la conquista de América por parte de los españoles. Ésta cuenta que las almas de aquellos que han precisado la metamorfosis de la vida a la muerte, vuelven desde donde se encuentran y se reintegran a plano terrenal a ruego de sus seres queridos para una fugaz reunión.

 Se dice que “las almas de nuestros seres amados andan por aquí desde octubre” y, en efecto, los preparativos para esta particular cita anual se preveen desde días antes, sin embargo, de acuerdo a las celebraciones habituales, la festividad de Día de Muertos da inicio el día 1 de noviembre en conmemoración de las almas de los niños difuntos, y se extiende al día 2 para recordar a los adultos y a todos los santos. La bienvenida se resuelve entre luz, flores, alimentos, altares, pan de muerto, calaveras de azúcar y fotografías en las conocidas ofrendas usualmente montadas de manera personalizada con objetos del agrado de los individuos en cuestión.

 Desde años atrás, la Universidad Nacional Autónoma de México, Máxima Casa de Estudios, se une a esta celebración al disponer en sus instalaciones un portentoso ensamblaje comúnmente conocido como «Megaofrenda»; este año no será la excepción. Desde el jueves 30 de octubre y hasta el domingo 2 de noviembre, Ciudad Universitaria cobijará este inmenso altar para visita de propios y externos.

 Luego de dieciséis años de llevarse a cabo en la zona conocida como Las Islas, esta ocasión se trasladará al Espacio Escultórico de la UNAM. Para 2014 la ofrenda se dedicará a la artista mexicana Frida Kahlo, así como la edición anterior fue destinada a la pintora adoptada como mexicana, Remedios Varo, y la conmemoración de los 50 años de su muerte, y en 2011 a la memoria del escritor argentino Jorge Luis Borges.

 Para despertar en los asistentes mayor inquietud y empatía, esta edición de la Megaofrenda trae consigo actividades como el Paseo de las Catrinas, actividad a llevarse a cabo el día de la inauguración y para la que los participantes deberán disfrazarse como el célebre personaje de José Guadalupe Posada; además habrá convocatorias de Arte Postal, Poesía, Fotografía, Cuento y Crónica, entre otras.

 Estamos a pocos días de celebrar una de las festividades más arraigadas en nuestra cultura y de mayor identidad nacional, un festejo tan nostálgico como auténtico, respetado y anhelado también en el extranjero, y que cuyas características y adaptaciones pueden apreciarse en la muy particular manera de celebrarlo en distintos rincones de nuestro país. Mezcla de júbilo y solemnidad. Que este año, más que otros, sea objeto de reflexión y pueda conmemorarse con sumo aplomo y sensatez.

Puedes consultar más detalles de las convocatorias y las actividades de la Megaofrenda aquí.