De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

La magia de El Cascanueces vuelve al Auditorio Nacional

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En esta temporada navideña, El Cascanueces llega a la Ciudad de México del 18 al 21 de diciembre para presentar su 34 temporada en el Auditorio Nacional, en la cual participarán más de 70 bailarines, 80 músicos, 50 niños y jóvenes y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, dirigida por Juan Carlos Lomónaco.

 En esta ocasión, el elenco incluirá a los cinco primeros bailarines de la Compañía Nacional de Danza: Agustina Galizzi, Ana Elisa Mena, Mayuko Nihei, Blanca Ríos y Erick Rodríguez, así como Elisa Ramos, la primera solista egresada de la Escuela Nacional De Danza Clásica y Contemporánea del INBA, quien alternará con Mahaimiti Acosta en el papel de Clara.

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El Cascanueces es un cuento escrito por Hoffmann en 1816 y compuestos por el gran Tchaikovsky, que cuenta la historia de los hermanos, Clara y Fritz. El día de navidad el padrino de Clara, Drosselmayer, le regala  tres cajas con tres regalos diferentes: Un Arlequín, una Colombina y un gran Cascanueces. Su hermano, celoso, rompe el Cascanueces. El sobrino de Drosselmayer repara el juguete y se lo entrega a la niña. Durante la noche ella se levanta a ver el Cascanueces, lo abraza y entonces…todo crece y crea vida a su alrededor, llevándola a un mundo mágico.

 El Cascanueces está a cargo de la Compañía Nacional de Danza del INBA y se ha convertido en una de las representaciones de ballet más importantes del mundo, ya que brinda a chicos y grandes la oportunidad de acercarse a la danza  y apreciar el trabajo de los bailarines.


Los precios van de $230 a $550, compra tus boletos en Ticketmaster

Promociones: jueves de 2 x 1 y viernes paquete familiar, (4 boletos a precio de 3)

Del futurismo a lo inaudito: Space Age Pop, música de 1960

 


No es género nuevo, tampoco vislumbra el matiz de la antigüedad. Es una mezcla distinta, que al escucharla, parece relacionar muchos géneros musicales que sólo te llevan a la siguiente pregunta: ¿Qué tipo de música es? ¿de qué género se trata? Y así es como nos trasladamos a la época de 1960 con un conjunto de percusiones y sonidos que se oían desde un elevador de las tiendas departamentales hasta en las fiestas de aquéllos días, se trata de Space Age Pop; relacionado con tipos de música actuales como el lounge, algunos hasta le han relacionado con el A go go.

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Crédito:Portada LP de Harry Breuer & his Quintet

 Llena de matices de jazz, funk, samba, bossanova y hasta con influencia de las big band al estilo Tommy Dorsey, esa música tan exótica transformó a toda una época donde los cócteles se convirtieron en reuniones cotidianas, donde se encontraban todos los asistentes en un rato ameno lleno de un espíritu de música, que sólo invocaba a bailar con pasos cortos. Peinados voluptuosos, la onda retro del momento, accesorios que daban cuenta del impacto de sus detalles… época que brilló tanto por sus espectaculares sonidos. Futurista y underground, así se presentaba su compostura.

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Crédito: Portada de LP
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Crédito: Juan García Esquivel

 Por muy bizarro que resultará el sonido, penetró en la cinematografía de los años setenta. ¿Quién no recuerda las películas de Mauricio Garcés? Un ejemplo es que las cintas que protagonizó este actor mexicano, se llenaban de melodías que quedan grabadas en la mente y pasan de un simple tarareo, a buscar de qué tipo de música se está hablando, así como de sus exponentes más célebres. En este caso, Juan García Esquivel, funge como el arreglista mexicano más notable de esta época musical. Su singularidad impactó en todos los ámbitos de la cultura y logró adentrarse en los lugares más rimbombantes del país. Esto llevó consigo una constante y precipitada transformación, ya que se pasó de ser música aclamada por la mayoría y 40 años después, su desaparición histórica parece contrarrestar su importancia.

 Dentro de su legado, hay un tipificación de géneros, entre los que destacan el Jet set pop y música de cóctel. Sus precursores conjuntan una serie de tipos derivados del jazz, es por eso que Les Baxter dio suma importancia al Space Age Pop para desplegar de mejor forma el sonido tan particular de esa música que no era ni jazz ni lounge, pero que sin duda, logró posicionarse como de lo que más se escuchaba de 1960 a 1975 aproximadamente.

 A partir de su peculiaridad, se posicionó como requerimiento para el séptimo arte de esa década tan cargada de cultura; desde el minimalismo hasta lo retro. No es un presagio, decir que ha revivido de una u otra forma a partir del siglo XXI. Un  piano bar en cada esquina –contexto 1960–, uno de diez deambula en la soledad de la Ciudad de México. De una u otra forma, su inherencia al espectáculo refirma su exquisitez.

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Crédito: Club de 1960,tipificación.

 Un timbal, un delicado eco de piano  y el sonido misterioso de una trompeta deambula la resonancia sensual del Space Age Pop. Sir Julian, Jean Pierre Mirouze, Guy Warren, Arthur Lyman, entre otros, son miembros de una identidad que engalanaba a todo el boom de la década donde todo se mezclaba. Su legado podría decirse que es tan fino, que no sólo forma parte de una cultura como tal; conjunta las características de una moda que se formó desde Estados Unidos hasta el sitio más complejo de Europa.

 Así que si cruzas por un lugar donde la tonada permanece en tu mente por mucho tiempo, además de vislumbrar matices de percusiones; ya sabrás de qué música se trata. El repertorio es extenso, aunque en estos tiempos es difícil encontrar el material tan voluminoso que había, aún hay forma de poder escuchar unas cuántas melodías que te transportarán a la escena retro de 1960-1970. Ese misticismo marcó una época de vanguardia, que estima en su composición todos los géneros más extravagantes, que van desde lo más bohemio y elegante hasta lo más modesto.

 

 

Una vida bailando: Gloria Contreras celebra sus 80 años

Gloria Contreras, bailarina y coreógrafa mexicana, quiere festejar su cumpleaños contigo, es por eso que este sábado 15 y domingo 16 de noviembre se estará presentando el espectáculo Gloria Contreras: 80 años. Vivir para danzar en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario.

Foto de: gloriacontreras.com
Foto de: gloriacontreras.com

 En compañía de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata, Gloria estará celebrando ocho décadas de una historia que comenzó cuando era niña y que hasta a la fecha sigue dando de qué hablar. Prueba de ello es Alas para Malala, una de las últimas piezas que aborda temas como derechos humanos y libertad de expresión.

Foto de: tcunam.org
Foto de: tcunam.org

 Danzón, de Arturo Márquez; Concierto en re, de Johann Sebastián Bach; Adagio k. 622, de Amadeus Mozart y el Huapango, de José Pablo Moncayo serán sólo algunas de las interpretaciones que se llevarán a cabo en este evento organizado por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

 Durante su carrera artística, Gloria ha recibido alrededor de 40 premios, en los que destacan el Premio Universidad Nacional en 1995, la Medalla de Oro en el Festival Mundial de Folklore de Guadalajara en 1972 y el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 2005, entre otros.

 La cita es este sábado 15 de noviembre a las 19:00 horas y el domingo 16 de noviembre con dos horarios, 12:30 y 18:00 horas en la Sala Miguel Covarrubias del CCU (Insurgentes Sur 3000). El costo general es de $60*

*50% de descuento con credencial vigente de la UNAM, Prepa Sí, INAPAM y Jubilados del ISSSTE e IMSS

Imagen de: danza.unam.mx
Imagen de: danza.unam.mx

 

La era de las Big Bands : entre la lucha clasista


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Count Basie & Ethel Waters (1943).

“Si tocas una melodía de jazz y las personas no mueven los pies, no la toques más.”

— Count Basie.

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Baile típico en 1950.

 A partir del año de 1930 se presentaron grandes cambios sociales a escala internacional, sucesos de gran impacto histórico como fue la Segunda Guerra Mundial presidiéndola  la Gran Depresión de 1929 y posteriormente la Guerra Civil Española. En ese sentido, la transformación socioeconómica se presentó en todos los países, independientemente de su grado de desarrollo, y dicha modificación también centró sus bases en el contexto cultural, básicamente en la música.

 El glamour y el cliché de las grandes orquestas (big bands) transformaron a la escena musical para brindar al mundo una serie de notas que permitirían ser el legado de géneros actuales como es el rhythm & blues,  acid jazz, lounge, música de elevador, con presencia en los años 50, conocida también como a go go-soul y el mismo jazz contemporáneo. El ritmo meloso que corrompe su  formalidad al minuto, permitía adiestrar al oído de una manera que permitía que el baile surgiera entre los asistentes de una manera cómoda. Los trajes impecablemente cuidados en tonalidades claras y los peinados con bucles espectaculares aparecían en los bailes de salón de todo el mundo; aunque en un principio la sede fue Europa Occidental y América del Norte. El ritmo del swing invadió los espacios burgueses de los países con una fuerte concentración de capital; la periferia no formó parte de este movimiento.

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Lester Young.

 Una fuerte contradicción se vislumbra entre su origen y desarrollo, ya que fue un movimiento que tuvo sus raíces en comunidades en condición de pobreza –específicamente en Florida, Estados Unidos. El jazz fue el elemento que permitió la creación de la big band, el sonido dependía de este tipo musical que se oponía al régimen más acomodado, sin embargo a partir del año de 1935 el escenario en el que se desenvolvió la música de las grandes orquestas, pasó a ser cultura en su mayoría de pertenencia burguesa. En ese período las orquestas comandadas por Bing Crosby, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Artie Shaw, Benny Goodman, Brian Setzer y Dave Holland le pusieron énfasis a este gran género musical que tendría un gran legado hasta nuestros días. De esa trascendencia musical, se desprenden tipos de música con un sonido muy peculiar como el bebop, el hard bop y el cool, además del más conocido: el swing.

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Glenn Miller & Orchestra.

 Las big bands contaban con precisos arreglos musicales que le permitían distinguirse entre la clasificación presente del jazz clásico. Se distinguían por el sonido de clarinetes, trompetas, trombones  y saxofón barítono. Sin duda, la magia de las big bands permitió que la música se transformará de manera que involucrara una serie de géneros pertinentes para el progreso de la escena clásica del jazz, y esto se ha visto reflejado en el jazz contemporáneo.

 Históricamente, tienen una gran contribución cultural; sin embargo también enfrentaron un grave y complejo proceso social en el que se encontraba la discriminación hacia una raza que luchó por sus derechos durante mucho tiempo. Esto trajo consigo que la clase dominante, tuviera a su poder el simple hecho de poder escuchar ese tipo de música y bailarlo, de manera que la raza afroamericana no tenía cabida en la participación, es decir ni para asistir a los eventos de baile ni para poder participar como arreglista de sonido. A su vez, esto radicalizaba el sentido de pertenencia de este inigualable sonido hacia la clase con más poderío económico, de manera que las grandes potencias adquirían en mayor medida ese sentido de dominación hacia las clases bajas; contradicción que imperó durante la mayor parte de su desenvolvimiento.

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Lester Young.

 A partir  de 1935, grupos como Lester Young y otras bandas de origen afroamericano, adquirieron mayor importancia y participación en la escena de las big bands. Comenzaron a adquirir reconocimiento en diversas localidades de Nueva York y posteriormente pasaron a ser parte de la historia cultural de aquellos tiempos. No es de extrañarse que el gran apogeo se alcanzará en estos años , donde se apreció en gran medida el sentimiento cultural a partir de 1940.

En 1950, año en que todavía permeaba el racismo en América del Norte, se seguía desenvolviendo el jazz a través de las big bands en los barrios más populares de los condados periféricos, de manera que se iba extendiendo poco a poco en los países menos desarrollados. La leyenda en torno a un tipo de música de tinte burgués parecía haberse quedado en el olvido, y se abría la puerta a un tipo que ya no asumía una postura clasista.

 De esa forma, se promovió la big band como un elemento emergente sobre la música de ese tiempo que presentó grandes momentos antagónicos ante el escenario tan lúgubre en la sociedad que aceptaba todo por hecho y no por reflexión. Música creada en un principio para la clase acaudalada, y que posteriormente se convirtió en la diversión de toda una sociedad que no estaba consciente en el significado de pertenencia e identidad, hasta que se neutralizó un poco la diferencia entre clase y raza.

Amor en medio del bosque: Sueño de una noche de verano

Con luces tenues y movimientos armónicos da inicio aquella obra escrita escrita alrededor de 1595, “Sueño de una noche de verano” que se presentará este viernes 7, sábado 8 y domingo 9 de noviembre en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario en punto de las 19:00 horas.

 Con la coreografía de James Kelly y música de Felix Mendelssohn, la puesta en escena contará con la participación de más de 100 artistas en los que destacan bailarines como Elisa Ramos y Quetzalcóatl Becerra, además de coreógrafos, iluminadores y vestuaristas.

 En esta ocasión la Compañía Nacional de Danza del INBA trae la coreografía de ballet de esta obra como homenaje del 450 aniversario del natalicio del dramaturgo inglés William Shakespeare. A pesar de que ésta ha sido inspiración para diversas adaptaciones alrededor el mundo, James Kelly comentó para el INBA que su pieza  trata de ser fiel a la historia original de Shakespeare al utilizar un lenguaje clásico y neoclásico.

 Cabe destacar que la participación de James Kelly en México ha sido importante: ha presentado diversas coreografías como Secretos, Para ser tú, Sinfonía para nueve hombres, Debo curarme de ti y Tiempo fuera.

 La cita es en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario (Insurgentes sur 3000), el costo de acceso es de $80.00, con 50% de descuento con credencial vigente UNAM, Prepa Si, INAPAM y Jubilados ISSSTE e IMSS.

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El flamenco: Historia de una lucha social


 

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Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

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La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

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Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

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Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

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De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Layout: Yonke… Viaje a No Land

Deshuesadero de bailes inconexos es una era incomprensible.

 En el marco del 80 aniversario de la culminación de su construcción, el Palacio de Bellas Artes presentó anoche en punto de las 20:30 horas el montaje coreográfico Yonke…viaje a No land, de Producciones La Lágrima, compañía que dirige Adriana Castaños.

Yonke... viaje a No land en Bellas Artes, obtenida de su perfil de Facebook
Yonke… viaje a No land en Bellas Artes, obtenida de su perfil de Facebook

 En el evento se reconoció a la maestra Castaños con la Medalla Bellas Artes por su destacada trayectoria artística de 30 años, en la Sala Principal del Palacio de mármol, importante reconocimiento otorgado por la institución.

 El INBA considera a la coreógrafa Adriana Castaños como un referente de la danza mexicana, la identifica por la contundencia de sus imágenes, su humor y teatralidad demostradas anoche en el escenario.

 Yonke… viaje a No land rompió los estereotipos con que se mira el escenario de un palacio clásico para dar paso de manera contundente a la danza contemporánea a través de una estructura poco convencional, movimientos coreográficos que se apoderaron de todo el escenario para apreciar distintas perspectivas visuales de un movimiento gracias a la ubicación estratégica de los bailarines, los mismos que capturaron pasos populares para vincularse e identificarse con el más ajeno, muchas veces con un toque de humor y teatralidad.

 Este “deshuesadero” a veces tedioso y en ocasiones dicharachero cumple su cometido al dejar un sabor de boca  indefinido, o aludiendo a su descripción, inconexo, debido a los cortes entre las coreografías, por medio de diálogos y movimientos distintos al acto anterior.

 Jessica Félix, Emanuel Pacheco, Marco Ochoa, Alejandra López, Dariana Sánchez, Benjamín Lozano, Jorge Motel, Kenia Noriega, Rodolfo Nevarez y Nataly Peña son los intérpretes que se encargaron de representar esta era incomprensible que se propuso en Yonke…, robando al espectador sonrisas y risas pero también su atención, como cuando el seguidor de luz les otorgaba a los intérpretes el momento de ser protagonistas.

Cover de Producciones La Lágrima obtenida de Facebook
Cover de Producciones La Lágrima obtenida de Facebook

 Característico de la danza contemporánea, este montaje coreográfico contó con la participación del destacado escenógrafo Alejandro Luna —quien también realizó el diseño de iluminación—, y de Isaac Peña en el diseño sonoro.

 Es  interesante la exploración artística que plantea Producciones La Lágrima, pues deja un testimonio de gran calidad, trabajo y compromiso profesional no solo en este montaje coreográfico sino como sello característico y firma personal de la compañía, recordemos Hello, entre otras.

Adriana Castaños, imagén por cortesía de INBA
Adriana Castaños, imagén por cortesía de INBA

 Adriana Castaños expresó su agradecimiento por el reconocimiento y dijo que no sólo era un reconocimiento para ella sino para todos los que están en el medio, y para la gente con quien ha compartido profesionalmente, pues es un trabajo en colectivo, enfatizando estas últimas palabras.

 Son 17 ½ años que cumplió Producciones La Lagrima, concordando con la celebración del 80 aniversario del Palacio de Bellas Artes haciendo de la noche del pasado jueves una fiesta memorable tanto para la compañía como para la institución y sus asistentes.

Layout: Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-19673

Imágen de la exposción

MUAC, salas: 4, 5, 6, 7, 8 y 9

La exposición evidencia lo sucedido con el arte en México una vez  agotado el memorable Muralismo, a través de la perspectiva de diversas disciplinas que cuestionaron lo establecido para exaltar los nuevos valores de la época según la mirada de los jóvenes artistas.

 El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) tiene programado concluir la exposición temporal Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos de México 1952-1967 el  31 de agosto del año en curso, con la cuál, durante más de 4 meses se ha exhibido una perspectiva sobre el quehacer artístico de las artes visuales, el teatro, la danza, la literatura, los impresos relacionados con el arte, la arquitectura y el cine en un período de prosperidad para el país.

 En el transcurso de poco más de una década se pueden apreciar las transformaciones que se vivieron y lo importantes que fueron, teniendo como antecedente la publicación del libro El Laberinto de la Soledad del escritor Octavio Paz, y lo que se conoce como la generación de la Ruptura como consecuencia de los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura.

Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.
Símbolo de tres momentos importantes en la historia de México. Obtenida del catálogo de la exposición.

 José Luis Cuevas,  Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Alejandro Jodorowsky, Rufino Tamayo, Luis Buñuel, Archivaldo Burns, Carlos Mérida, Gunther Gerzso, Pedro Fiedeberg, Vicente Rojo, Manuel Álvarez Bravo, entre otros, dejan testimonio sobre sus inquietudes a través de su propuesta artística para ser agrupados y generar vínculos no declarados en esa época pero evidenciados como objeto de estudio en esta exposición.

 La gran variedad de pinturas, esculturas, fotografías, grabaciones de representaciones teatrales, documentales, entre otras manifestaciones de arte, sugieren una museografía audaz, sin embargo esta llega a ser rígida y disminuida por el acervo que conforma la exposición.

 El discurso museográfico pareciera torpe si ponemos como ejemplo las pantallas táctiles que carecen de funcionalidad pues aparecen pestañas que no van con el contenido, imágenes que no se sabe si son fijas o se va reproducir un video, la navegación de los interactivos es confusa e incluso en las cédulas que acompañan la pantalla, hay un error ortográfico.

 Además de una nula propuesta para el público que tiene distintos tipos de aprendizajes o con discapacidad física visual, para escuchar, no servicio de sillas para los que no pueden moverse o caminar convencionalmente, compensándose lo anterior, al parecer, con una serie de recorridos exclusivos de no más de 25 personas por alguno de los curadores de la exposición.

 Las piezas que conforman la exhibición son diversas y variadas pero tienen en común la experimentación, ubicándolas como audaces, críticas y lúdicas, aunque también se pueden considerar grotescas para el público que no esta inmerso en el tema como es el caso de la pieza Efímero de Alejandro Jodorowsky que aborda el tema del cuerpo y sus limitaciones a través del registro en video de su intervención en tiempo real con la propuesta en escena Efímero Pánico, realmente perturbadora.

 Algunos datos duros son:

  • 2 mil metros cuadrados del MUAC  distribuidos en 6 salas para esta exposición.
  • 380 obras presentadas de 74 artistas.
  • 6 núcleos curatoriales que conforman las problemáticas y líneas de investigación:1.  Borramientos

    2. Imaginarios

    3. Nuevos Circuitos

    4. Modernizaciones

    5. Yuxtaposiciones

    6. Corporalidades

  • 3 años de investigación que inició en un seminario en el Posgrado en Historia del Arte de la UNAM, entre alumnos e investigadores de diversas disciplinas; cabe destacar que en la disciplina de diseño no fue considerada.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.
Gráfica de los años cincuenta que representa el imaginario de la época. Obtenida del catálogo de la exposición.

Danza: Emergencia Coreográfica

Programa
Emergencia Coreográfica

Temporada de obras cortas de coreógrafos noveles
Sábado 2 y Domingo 3 de agosto
Teatro de la Danza

Seis coreógrafos jóvenes del país exponen su proyecto artístico este fin de semana en el Centro Cultural del Bosque (a espaldas del Auditorio Nacional) con el principal apoyo del Conaculta.

 La presentación consiste en seis coreografías, que fueron elegidas a través de una convocatoria lanzada por la institución; lo interesante es la visión de los jóvenes que, con una propuesta creativa, muestran en escena su talento.

 La duración máxima de cada coreografía es de quince minutos en el que los bailarines se valen del poder expresivo de su cuerpo, lo anterior acompañado de un diseño de iluminación, musicalización, vestuario, entre otros recursos artísticos que refuerzan el contenido. Hay pequeños descansos entre cada una, lo que permite despejar la mente para cada presentación.

 Desde una situación cómica protagonizada por las piernas de dos chicas con tacones y reforzada por la sincronía expresiva de sus manos o una representación del concepto de ergonomía a través de movimientos erráticos, que integra la relación máquina, humano y ambiente, hacen de esta emergencia una opción interesante para ver este fin de semana.

Programa
Emergecia Coreográfica

 Una Visita, Holografía de un Encierro, Atrozzozobra, Mientras Estoy Siendo, Behemoth y Obesos Soñaron Dragones son los títulos de las propuestas coreográficas que si bien nos dan una noción de lo que tratará cada una, el significado queda abierto al público.

 Dichas manifestaciones hacen pasar de momentos de divertidos a otros de hastío, lo que pudiera ser intención del autor; visualmente puede resultar atractivos que con pocos elementos  se creen ambientes óptimos, pero si gustas de la danza lo disfrutarás más.

 Bien vale la pena asistir para conocer la propuesta coreográfica que el Conaculta reconoce, así como las inquietudes de los jóvenes bailarines expresadas en escena. En general, cada coreografía posee características particulares que te pueden atrapar y hacer reflexionar sobre lo que se está tratando de decir.

Programa
Emergecia coreográfica

Discordia Elementarium Natura = interdisciplina

En el afán de innovar, se ha recurrido a la fusión de propuestas, estilos, géneros, recursos…”el espectáculo de la multidisciplina”.

La revista digital Hoja de Arena presenta la cuarta edición del Ciclo Interdisciplinario Discordia Elemetarium Natura (DEN) todos los sábados de este mes, mayo, en el Foro Shakespeare. Aún con dos sábados disponibles para  asistir y formarse una opinión, les contaré mi experiencia del sábado 10 de mayo.

Androna

Androma

 Sólo una luz constante de figuras cambiantes fija la atención del público al centro del escenario. Expectantes desde las bancas acolchonadas del Foro Shakespeare, acostumbran sus pupilas a la persistente oscuridad. Las siluetas al frente van cobrando forma. ¿Qué pensar con respecto a un contrabajo sin cuerdas, un instrumentista sin arco y una bailarina sin pista de fondo en una puesta en escena…?

 En esta adaptada caja negra, los pequeños ruidos ignorados de nuestra cotidianidad son los protagonistas. Pasos, rasguños en la tela, el contacto entre cuerpos animados e inanimados, la amplificación de pequeños roces son una propuesta visual y auditiva bajo el trabajo creativo de Androna. David Sánchez y Columba Zabala comparten la necesidad de encontrar un diálogo en la Androna (espacio entre construcciones) de distintas disciplinas y demuestran una búsqueda cada vez más sólida (y erótica) en sus presentaciones.

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 Más iluminada la sala, entran a escena David Sanchez y Tobías Delius en el saxofón con un giro de mayor sonoridad. Éste invitado muestra gran maestría en el dominio del saxofón y la improvisación “freejazzera”, de alguna forma proyecta el sonido con todo el cuerpo: silba, grita, gesticula. Siendo la emoción encarnada, la reacción del auditorio era inminente. Luego de la presentación pasada, en que aguzar los sentidos era necesario para intimar con la escenificación, Delius irrumpe la calma con un gemido de metal cuya desesperación es comparable con el llanto del alterado infante de la primera fila. Luego de la risa, el llanto y el intermedio, Liminar ocupa el lugar al frente.

Liminar

Esta agrupación musical mexicana se ha dedicado a interpretar “música nueva”. En esta ocasión se concentraron en un programa de música alemana. De un tiempo para acá, se han dedicado a imitar los sonidos de la vida cotidiana. Tal pareciera que al sentarte en las butacas de un auditorio (diseñados cada vez más en un formato “hogareño” y acogedor) te encuentras en la sala de tu casa, donde el ruido circuncidante es algo de todos los días. Entonces se podría argumentar “¿por qué querría escuchar una composición tan caótica cuando busco escapar de la tensión auditiva, del estrés de la ciudad?” Trafico, la entrada de escuelas, la salida del trabajo, un embotellamiento…cierto, sin embargo, escuchando este tipo de composiciones, convierten el caos en algo lúdico, no deja de ser una búsqueda y vale la pena experimentarlo antes de formarse una opinión.

LIMINAR
Programa:
Carola Bauckholt – Luftwurzeln
Niklas Seidl – After after
Gordon Kampe – Sieben Weisse Bilder
Alberto Bernal – ¿Cómo desequilibrar las presiones que se corresponden por una y otra parte de la membrana?

DSC01725 La última pieza que fue interpretada por ellos (la de Alberto Bernal) es particularmente interesante. Carece de compás, se marca el ritmo musical a partir del pulso natural de la lectura “Tímpano” de Jacques Derrida. en un principio, imitan el sonido los huesecillos contra la membrana timpánica usando pequeños martillos y lo que aparenta ser un molcajete blanco. poco a poco se sutituye primero por fragmentos de lectura, luego instrumentales, ambos con marcados matices que van en crescendo al silencio interrumpido. A punto de concluir, son pancartas con trozos de letras, palabras, las que alzan y desechan, siempre manteniendo el pulso; llegando al clímax y fin de la obra en la que los músicos forman una frase completa:

“Diremos desde este momento que lo que aquí resiste es lo impensado, lo reprimido, lo rechazado de la música”

… y las pancartas salen volando. Y caen con delicadeza.

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Naff Chusma

 

pantalla

 Se aproxima la media noche. Salen a receso tan sólo para regresar y ver el cierre de semejante velada experimental. Un par de pantallas cuelgan al centro aparentando ser un cubo digital. Abajo, tres músicos dominan los sintetizadores creando un ambiente de goce. Arriba el cuarto a cargo del proyector.

 El cubo muestra la transformación del sonido en imágenes, ondas que parecieran cruzar el límite de la pantalla y oscilar hasta topar con los cuerpos atentos de aquellos expectantes de lo ajeno.

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Menta Movement

Baile y música electrónica en perfecta sincronía. La noche avanza junto con el fin de la velada experimental. Meta Movement hace un gran cierre con su propuesta “fractura inequívoca”. Este próximo sábado, ellos abren; así que tendrán otra oportunidad de conocerlos

La búsqueda del arte en lo cotidiano…hay mil maneras, habrá que conocerlas.

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Fotografía, MariCarmen Martínez

La magia de la Samba camino al mundial

En atención a las notas publicadas anteriormente acerca de Brasil, este gran país que será sede mundialista próximamente, me da  gusto de presentarles uno de los géneros más apreciables y distinguibles de todo el mundo. Claramente estamos hablando de la Samba, acción que muestra fuerza, ritmo y presencia en todos los carnavales celebrados.

samba Con un baile que denota belleza y sensualidad de quién lo ejecuta con la certeza absoluta, la samba se ha convertido en uno de los iconos   de este país, pero ¿de dónde surgió este género?, ¿Cómo se debe bailar?, ¿Qué grupos de samba existen?

 Originaria de Angola  y traída a Brasil por esclavos, logró obtener un recibimiento grato por la gente que residía del estado de Bahía, el género se perfecciono en técnica y fue introducido a finales del siglo XIX en unos de los estados rodeados de hermoso folclor, Río de Janeiro.  En un principio, el ritmo tuvo el propósito de ser utilizado para rituales, con fusión en sonidos  Candombeé y aporte del catolicismo y del yoruba.  Al paso de los años, el desenfreno y goce que provocaba practicar la danza de este ritmo, se le concedió el honor de engalanar la presencia en carnavales.

 Fueron creadas las escuelas de Samba, cada una elige un tema a representar, utilizando el baile y la imagen como forma de comunicación a la audiencia, estos temas, se relacionan con algún aspecto histórico obteniendo al espectador un fuerte mensaje de reflexión.

 Originalmente un baile con intenciones de ejecutarse sin pareja, el paso de los años lo convirtieron en un baile de salón. Los pasos básicos es el movimiento de la pelvis hacia adelante y atrás, acompañado de un movimiento lateral de cadera.

Tatiana_Pagung_Drum_section_Queen

 Los subgéneros son extensos, entre los más llamativos se encuentra la “Samba-cançâo”, este se distingue por ser lento a comparación de la samba de carnaval, el origen de este baile se debe a la canción considerada como la primera pista creada para el género“Pelo Telefone”, realizada en el año de 1917 por Donga y Mauro Almeida.

 Otra de las divisiones más disfrutables es la “Samba Reggae”, fusionado por dos ritmos y con un mensaje hacia la unión de los pueblos en Latinoamérica, su digno representante de este género es Gilberto Gil. Por último y muy importante, se encuentra la “Samba Rock”,  subgénero del rock combinando los ritmos “do-woop”, jazz y soul.

 Uno de los ritmos mejor destacables de la samba es “Samba-Enredo”, que es ejecutado por vocalistas masculinos, en su mayoría, acompañados por el cavaquinho y una batería acelerada con tintes de bazucada. Los representantes más distinguidos son Martinho da Vila, Neguinho da Baija Flor y Jamelão.

 El género es bastante jocoso de apreciar, uno de los cometidos de este baile se funda en la unión y la libertad de expresión, para todos los habitantes del pueblo, los géneros son extensos, dándonos un panorama de lo que vamos a poder presenciar en este mundial.

Gloria Contreras, una bailarina excepcional

“Bailarina, maestra, coreógrafa y promotora de la danza”

Esto y más es Gloria Contreras, alguna vez llamada “fenómeno del ballet mexicano”.

Gloria Contreras

 A pesar de tener una trayectoria internacional muy interesante, le costó trabajo echar a andar sus proyectos. Hace exactamente 40 años, regresó a México y fundó el Taller Coreográfico de la UNAM, es en esta etapa de su vida que se ve el trabajo de tantos años reflejado en los bailarines de su taller legendario, como en sus más de 170 coreografías reconocidas y reinterpretadas en otros países. Un trabajo creativo importante, ahora retribuido a manera de un gran homenaje por sus 80 años en las instalaciones del Centro Nacional de las Artes éste sábado a las 13:30 horas.

Cartel homenaje Gloria Contreras

 Si quieres darte una idea, checa este video grabado en el ensayo que tuvieron en la Ollin Yolitztli. La Bella Durmiente de Tchaikovsky, con una coreografía jamás antes vista. Éste sábado podemos esperar grandes cosas, pues rara vez vemos a músicos y bailarines respirando el mismo ambiente y fluir hacia un mismo sitio. Gloria es de la idea de que la mejor forma de bailar es con la música en vivo, ¿qué mejor forma de homenajearla, sino es con  el baile amenizado por una orquesta (como lo será en este caso la Orquesta Juvenil Carlos Chavez bajo la batuta de García Barrios)?

“Cómo se une el que toca con el que baila…es vivir la danza”

                                    Gloria Contreras

 

 

 La expectativa por esta próxima vivencia, se respira dentro de cada uno de los integrantes de esta gran puesta en escena. “Más allá de montar nuevas coreografías, revivirlas es todo un reto”, nos comenta María O´Reilly, bailarina del taller, quien señala sobre su trabajo el cuanto le  costó retomar una vieja coreografía, de la cual además, se contaba poca información documental.

taller coreografico unam
María O´Reilly, Carla Robledo y Fernanda Gonzales Morales en el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura

Además de los estrenos, podremos ver un viejo favorito: El Huapango de Moncayo. No te lo puedes perder, aquí un video para animarte aún más a vivir ésta experiencia.

El lago de los Cisnes

 Memorable es la historia de la princesa Odette, transformada en cisne a manos del brujo Von Rothbart. El devenir pasional entre el príncipe y Odette ha sido representado a través de un sinnúmero de formas distintas, forma parte del repertorio base de grandes compañías de danza a lo largo del mundo.  Julius Reisinger montó la coreografía largamente utilizada, para su primera presentación en el teatro Bolshoi. Cada giro lleno de elegancia, cada vigoroso aleteo de los brazos es lo que por años nos ha llevado a ovacionar al entrañable personaje de Odette y las virtuosas bailarinas que la encarnan.

 El lago de los cisnes, una historia de amor y entrega cuya musicalización es el más puro conducto narrativo. Piotr Ilich Tchaikovsky fue uno de “Los Cinco” rusos más reconocidos, ciertamente de los románticos más expresivos y el compositor de este icónico ballet. Tchaikovsky se caracteriza por la fuerza que imprime en los momentos climáticos de sus obras con una orquestación envolvente que de sólo escucharlo estremece. Creces con la música y mueres con la cadencia final. Por sí solo, el ballet es tocado por orquestas sinfónicas alrededor del mundo, demostrando su magnificencia y echando a volar la imaginación de los escuchas entre cisnes y venturas del amor.

ballet-el-lago-de-los-cisnes

 Respecto a la historia, se cree tiene sus bases en el cuento alemán “Der Geraubte Schleier”, aunque algunos no dejan de buscar raíces en la cultura rusa.

Der geraubte Schleier
Der geraubte Schleier
   
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 “Die Tradition sagt nichts davon, ob das Eheglück des zärtlichen Paares         unverrückt fortgedauert habe, da sich in der Folge Winter und Frühling            begegneten; oder ob nach dem gewöhnlichen Laufe der Natur bei dem       Kampfe zweier entgegengesetzten Jahreszeiten, lieblicher Sonnenschein mit                        Sturm und Schneegestöber abwechselten.”

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Der Geraubte Schleier-Musäus, Johann Karl August

 

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comienza temporada 38 del lago de los cisnes en chapultepec

La Compañía Nacional de Danza ofrecerá 19 funciones para esta temporada del 27 de marzo al 13 de abril a las 8:00pm y del 16 al 20 de abril a las 8:30pm en la Isleta del lago menor del bosque de Chapultepec.

 Este año la CND celebra su 51 aniversario, llenarán de luces led el escenario y construirán un castillo de 16 metros de alto para la escenografía y una pantalla de agua de 17 metros con proyecciones que ambientan la puesta en escena. Entre las prometedoras mejoras en el audio y el juego pirotécnico que tienen preparado, esta temporada tiene muy buen augurio.

 Prepárense para una experiencia única de 70 minutos, con Luis Zamorano como el príncipe, Lorena Kesseler como el cisne blanco y Elisa Ramos como el cisne negro y no dejen la diversión a expensas del clima, ¡lleven su paraguas!

APOIDEA, breve ópera hexagonal

Estamos a mitad del Festival del Centro Histórico, donde todo tipo de expresiones artísticas latinoamericanas se dan a conocer. Conoce más de cerca las actividades que ofrecen, pues ciertamente hay una gama interesante. En lo personal, un evento que disfruté mucho fue la ópera infantil: APOIDEA.

APOIDEA
Catalina Pereda, mezzosoprano

 Tomando como base que Apoidea es el nombre científico que se le atribuye a las abejas, podrán imaginarse el tema de ésta ópera tan peculiar. Nos cuentan de principio a fin la historia de una abeja reina, el cómo debe matar a sus hermanas para ser coronada, ser fecundada y finalmente tener descendencia a partir de la cual se renueva el ciclo. Una “condena de miel” ante la cual no tiene escapatoria: la tragedia de una reina camuflada por la idolatría de su reino y la tradición.

Coronación APOIDEA
Carlos Brown, Alejandro Camacho, Leonardo Ortizgris y Catalina Pereda

 Con una puesta en escena muy original, este sábado 16 y domingo 17, se presentaron en la plaza de Santo Domingo. Entre el público había gran variedad de niños que disfrutaban de aquella mezcla de colores, humor, música en vivo y buenas coreografías que se alzaban frente a sus ojos.

 Abeja reina

 Satisfactorio, puedo aseverar, es el resultado de esta sinergia tan particular en la dirección creativa: Germán Panarisi como escritor y Jose Miguel Delgado (Jomi Delgado) como compositor y director. Juntos dieron vida a la trama, pintándola de tonos tricolores que nos remontan a México, pues originalmente fue escrita para celebrar el bicentenario de la Independencia mexicana en República Checa.

“Finalmente llegaba la hora de componer la música. Pensé que, ya que la obra se interpretaría en un país tan lejano y distinto, sería interesante evocar a México con la música.”

Jomi Delgado

Danzón Nupcial
Danzón nupcial

  Uno de los momentos más amenos dentro de la función, es cuando los zánganos fecundan a la abeja, a través de un baile en la sección del danzón nupcial. La reina baila con destreza y juega con los pretendientes dando como resultado un baile enérgico y divertido.

ensamble apoidea

El Ensamble Apoidea te sumerge exitósamente en este pequeño mundo hexagonal. Con Vincent Touzet en la flauta, Pablo Ramírez en el clarinete, Haroldo de León en el violín, Natalia Pérez Turner en el violonchelo, César Castellanos en la guitarra y Mauricio Castaño en las percusiones, la música es realmente ilustrativa y en ocasiones, hasta cómica.

abeja fecundada

 La puesta en escena a cargo de Jesusa Rodríguez; vestuario, Mariana Gandía; coreografía (danzón) Diego Vázquez; asistente de producción, Benjamín Macías; ingeniero de sonido, Carlos Barraza; y el diseño de poster, Rossana Rodríguez.

apoidea dando a luz

Los mantendremos al tanto de próximas fechas en que se presentarán de nuevo.

Apoidea, una gran experiencia escénica que vale la pena conocer.

¨Danzón Nupcial¨ de Jomi Delgado

Fotografía a cargo de MariCarmen Martínez

MEMORIAS DEL #AMORENBAHIDORÁ

El pasado 15 de febrero tuvimos la oportunidad de celebrar el amor y la amistad en el Carnaval de Bahidorá, cortesía de Axe Peace. Miles de jóvenes dejaron huella del espíritu pacifico, participando en múltiples actividades con el toque #AxePeaceBahidorá.

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Fuimos testigos de que el amor llega del cielo y usa paracaídas para repartir su mensaje, a veces se refresca en las tranquilas aguas del río bahidorano y suele encargarse de reunir a los enamorados al pie de un árbol del amor, para compartir las imágenes más memorables en pareja.

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Con un #Besoporlapaz, abrazos y caricias, la música sedujo los oídos de estos peregrinos del amor que se dieron cita para disfrutar de sensualidad,el sol,la naturaleza y sobre todo de una experiencia pacifica.

#AmorenBahidorá
https://twitter.com/Axemexico

https://facebook.com/AxeMexico

Sin lugar a dudas, el Carnaval de Bahidorá será siempre un lugar para contemplar con nuestro corazón, podremos voltear al cielo y admirar las palmeras más grandes que se vean en México y nadar con nuestro espíritu libre en el río fresco pero cálido, que abrigará nuestra alma siempre, deseándonos que regresemos a compartir momentos inolvidables con la naturaleza mágica del lugar.

Amor y Paz.

Por: Bryan Erick Valdés

La Danza Visual de Patricia Marín

Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena
Patricia Marín en Cartografìa Especializada de Jaime Camarena

Bailarina, coreógrafa y comunicadora visual: Patricia Marín tiene el paquete completo.

Como bailarina es as del control, toma el movimiento igual que un piloto experimentado en una curva peligrosa: con temple y sangre fría. El suyo es un cuerpo bien afinado, responde a los estímulos mínimos, recuerda al de un animal preparado para la caza: los músculos activos, la mirada aguzada, esqueleto y nervios en coordinación para un ataque certero. En el currículum de Patricia están Danza Libre Universitaria, Ángulo Alterno, Tierra Independiente y Apoc Apoc, compañía de la que es miembro actualmente.

 

Malas Costumbres de Patricia Marín

Multidimensional, igual que su danza, Marín fusiona su formación como diseñadora con su carrera de bailarina en su proyecto Danza Visual -una pequeña compañía productora-. En Danza Visual se crean carteles, páginas web, libros y videos de promoción para compañías y grupos, pero, principalmente, nacen nuevas coreografías y video-danzas.

 

Tal vez por sus conocimientos en diseño, Marín tiene ya desde ahora un sello que la caracteriza. Sus coreografías están bien redondeadas y le han llevado a ganar premios y becas. Por ejemplo, con su coreografía “Tres Cuartos”, en 2010, ganó el Opera Prima –que se especializa en el estreno de obras de coreógrafos jóvenes–. Su última propuesta Puño de Tierra, que cumple su segundo ciclo de representaciones este diciembre, recibió el apoyo de EPRODANZA para su realización.

Para Puño de Tierra, Patricia encuentra inspiración en el tema de la muerte y el duelo, un tema bien cercano a ella pues dedica la obra a la memoria de su padre. Al sonido de una voz que narra lo que sucede, cuando se forma una cicatriz, varios bailarines, entre ellos la misma Patricia, bailan interactuando con un personaje blanco enmascarado. La obra se presenta a la par de Todos tenemos algo de Marín, con temática y estilo totalmente diferentes que dejan saborear la versatilidad de Patricia.

 

Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara
Edisel Cruz en Puño de Tierra Fotografìa de Hector Lara

No te pierdas de la Danza Visual de Patricia Marín. Ven a ver Puño de Tierra, que se presentará el próximo viernes 6, sábado 7 y domingo 8 de Diciembre a las 20:30 en el foro alternativo LaCantera. Los pases de entrada pueden conseguirse en el teléfono 55 66 54 44 o consulta el sitio de LaCantera en Facebook.

Cómo encontrar al animal de aire o Instructivo para ver danza

Disclaimer.

Cualquier obra de arte debe experimentarse sin instrucciones, como quien sube a la montaña rusa listo para la adrenalina o como quien está dispuesto a sorprenderse con una receta nueva; el asunto es estar abiertos a la sorpresa y la experiencia.La_Mort_du_Cygne_06

Siga las siguientes instrucciones a discreción, deséchelas si le son del todo innecesarias.

  • Recuerde que la  danza se siente. Lugar común, pero no falso. La danza es un arte contagioso y suscitador; seguro recuerda cómo de niño bailaba al ritmo de cualquier música. Vaya, sin vergüenza alguna, a sentir la danza, a verse afectado por ella, a vivirla un rato como un niño.
  • Vea cuerpos. En la danza, el cuerpo se vuelve transmisor de significado. Los cuerpos dicen, hablan, están confiados –o no– en lo que su musculatura, sus huesos, piel, dientes y ojos pueden expresar. Los cuerpos que hacen danza hablan por todos lados. Vaya, véalos.
  • Revise la calidad de conexión. Cuando se ve danza, pasa algo entre el público y los que bailan: se crea una conexión. Los que bailan se saben vistos, los que miran se sienten aludidos en sus propios cuerpos. La danza conecta a los seres de formas poderosas y electrificantes. Ríndase a esta conexión.
  • No haga la tarea. Olvídese del análisis, olvídese de la reseña escolar, de encontrar el tema principalMexican_dance_girl_2010, el protagonista y el narrador; deje que la pieza le hable, afine el oído y la vista, y póngase listo para absorberlo todo. Las cosas cobrarán sentido por otros caminos, la sabiduría de la danza viene de otros lados.
  • No se olvide de la 3ra dimensión. La danza se hace en el espacio; los cuerpos lo atraviesan, lo recortan, lo modifican, lo hacen denso o leve, lo cargan de significado, lo anulan o lo rompen. Como un chapuzón al mar, regocíjese en el espacio renovado que se forma cuando se hace una danza, mírelo como si no fuera transparente, escúchelo como si pudiera hablar.
  • Nunca vaya solo. Después de pasar unos minutos u horas escuchando, viendo y disfrutando danza probablemente pasarán dos cosas. Uno, se sentirá emocionado y querrá compartir con alguien sus impresiones sobre la función. Dos, y más importante, probablemente le quede una sensación de haberlo entendido todo y no haber entendido nada a la vez. No se preocupe, es normal, tal vez tenga ganas de llorar o de reír, o se sienta molesto o festivo, tal vez se le suelte la lengua o decida usted mismo ir a bailar. Vaya con alguien para cualquier eventualidad.

Conclusión: ver danza es estar listo para presenciar una transformación de lo común y corriente. El cuerpo del diario se transforma en el escenario en un mensajero de significado; el espacio por el que se transita cada día se dinamiza, se vuelve canal y fondo; la música adquiere otras resonancias. A veces, la lógica no tiene cabida, probablemente porque la danza despierta un saber instintivo, nos recuerda que se puede entender con el cuerpo. La danza podría compararse con una huella en el camino húmedo: podemos imaginar cómo era el animal que la dejó, pero no lo vemos, se vuelve un animal de aire que nos trae recuerdos y saberes de muchas cosas.

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Contact Improvisation: la danza del ahora

El primer encuentro con una sesión de improvisación de contacto puede propiciar extrañeza. La visión que ofrece no es para menos: bailarines ruedan por el suelo, parejas, tríos y cuartetos parecen engarzarse en complejos agarres y soportes; grupos aquí y allá se forman y desaparecen; bailarines parecen equilibrarse precariamente sobre espaldas y caderas de bailarinas; hay quienes sólo parecen mirar, y otros se unen a ciertos grupos para volver a salir.  A primera vista, pareciera que se trata de un gran caos en el que todo mundo hace lo que quiere y baila “a lo loco”; sin embargo, la improvisación de contacto es un estilo de danza que responde a premisas bien claras y a una estructura sólida.

 

jam de improvisación
jam de improvisación.

 El coreógrafo norteamericano Steve Paxton presentó en 1972 una serie de danzas en la galería John Weber en Nueva York. Con estas danzas, que realizó gracias a la exploración con otros bailarines, comenzó la improvisación de contacto. Paxton tuvo un acercamiento previo con el Haikido y agregó principios de éste a su danza.

 La improvisación de contacto tiene como premisa principal, como su nombre lo dice, la creación de movimiento por medio de las reacciones que genera el contacto con otro u otros cuerpos. Los cuerpos crean realciones dinámicas al compartir pesos y puntos de apoyo y aprovechan el momentum, la gravedad y la inercia para moverse orgánicamente. Gracias a esto se crean secuencias de movimiento “fáciles” ya que no es necesaria ninguna proeza de fuerza para elevar a los otros participantes.

 

 La improvisación de contacto se trata, además, de honrar el ahora, de abandonarse a los impulsos y permitir el movimiento desde la espontáneidad. Para lograr esta libertad el improvisador debe aprender a liberarse de tensiones musculares y evitar la necesidad de crear movimiento a voluntad; debe, en cambio, comprometerse a experimentar una fluidez natural de movimiento.

 

 Aunque la improvisación de contacto, o simplemente “contact”, es una técnica que se usa para crear material que después será usado en la escena, la facilidad con que pueden aprenderse sus principios la hace accesible para todo tipo de personas. En algunos lugares se ha vuelto una danza social, ya que propicia el conocimiento del otro desde una perspectiva más abierta, se ha utilizado para trabajar con personas con capacidades diferentes, con niños, con ancianos y grupos vulnerables. Mucha gente improvisa por diversión o porque impulsa su desarrollo personal.

 Para hacer “contact” es necesario asistir a jams, sesiones de improvisación, que ocurren periódicamente y en lo que se explican los principios que rigen su práctica para después aplicarlos en el jam y con los demás participantes.

 Si quieres participar en un jam de improvisación de contacto visita:

 

http://facebook.com/proyectosdeimprovisacion

¡Xochitl: la danza folklórica es su afición! #MegaOfrenda2013

 

“¡Aprecien lo que tenemos en México!”

Eso es lo que nos recomienda la joven de 21 años, Xochitl Cuéllar Leyva, quien desde los cuatro años se dedica a bailar. Sin embargo, fue hasta los 11 años que descubrió la danza folklórica y quedó completamente enamorada. Fue con el tiempo que llegó a la Escuela de Ballet Folklórico María Hernández, donde se graduó en ésta disciplina.

veracruz ranchero

 

Cuando baila, ella defiende sus orígenes y puede compartir su amor por la cultura mexicana.

A lo largo de su carrera artística, se ha presentado en diversos foros, incluyendo una gira a Oaxaca, una de las experiencias recordadas por ella con más cariño. Le emociona ver la reacción de la gente, aquellos espectadores cautivados que al fin de sus representaciones siempre claman: ¡Otra!

 

veracruz

 

 

Ahora, son más de 10 vestidos tradicionales los que conserva de presentaciones pasadas, y en su afán de preservar estos bailables, se dedica a la Gestión Cultural. Desea que recordemos aquellas primeras coreografías de Amalia Hernández, llenas de espíritu y más fieles al estilo tradicional que las nuevas versiones acompañadas de técnica del ballet europeo.

 

 

yucatan

 

 

Xochitl, del nahuatl flor, es su nombre; y la danza folkórica mexicana, su afición.

No la pierdas el día Miércoles 30 de octubre, a las 12:00 de la tarde en el Foro KIN de la Mega Ofrenda Unam 2013.

#MegaOfrenda ¿Quiénes son Romina y Julián? Conócelos en esta puesta en escena

Todos tenemos una historia romántica para contar. Es por ello que te invitamos a conocer la historia de Romina y Julián, dos chicos en busca del amor, dos personalidades contrastantes. Por un lado Romina, decidida, segura y fuerte; por otro lado Julián que, aunque tímido y depresivo, es un soñador. Descubre el sinuoso camino al que se tendrán que enfrentar para encontrarse, descubrirse y amarse.

Con siete bailarines y cuatro músicos en vivo, la obra es interpretada a través de ballet contemporáneo y música mexicana en versiones nuevas y originales, acerca del amor y lo difícil que puede llegar a ser una relación, rescatando lo bello y siempre triunfal que es dicho sentimiento.

romina y julian tres
Halide Manoath e Iván Velasco protagonizan la puesta en escena

Romina y Julian es realizada por la compañía artística “Circinus Art Project”, formada por jóvenes talentos (músicos, actores, intérpretes) llenos de pasión y compromiso. En entrevista Julio Raygosa, director musical y Gizela Fuebar, directora artistíca nos narrar las razones por las cuales decidieron poner en marcha “Romina y Julian”:

“Realizamos esta puesta en escena, primero que nada por amor y difusión al arte. Todos tenemos formación artística, desde pequeños, ya sea en canto, algunos en danza y otros en actuación, para nosotros el teatro es afición y pasión, con la obra buscamos reflejar el amor verdadero además de profesionalizarnos y consolidarnos dentro del medio. Como sabemos en nuestro país no existe una cultura teatral, consideramos que se debe a la falta de difusión, la cual ya muchos sabemos, y por medio de Chulavista Art House pretendemos darnos a conocer”

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Entrega y pasión en “Romina y Julián”

 

rominados
Talento a flor de piel

“Somos jóvenes y talentos emergentes que hemos captado en diferentes lugares, porque el talento existe. El caso de nuestro violinista, el cual conocimos en el metro del DF, y por supuesto lo invitamos a participar por su forma exquisita de tocar, o nuestro chelista que conocimos en una cafetería y no dudamos en invitarlo”.

Chulavista Art House se complace en invitarlos a la producción teatral “Romina y Julián”, una excelente opción para disfrutar y regalarte una carga de emoción acompañada de sentimientos a flor de piel, la cual se presentará en la tradicional Mega Ofrenda de la Unam el día Sábado 2 de Noviembre en el Foro KIN, ubicado a lado de la Torre de Rectoría.

Y si por alguna razón no puedes asistir, no dudes en acudir a su presentación del día 29 de Noviembre en el Foro Cultural Lenin, ubicado en Mérida #88, esquina Tabasco, en la colonia Roma.

 

Chulavista en la Megaofrenda UNAM 2013

Como cada año, la Universidad Nacional Autónoma de México presentará dentro de las Islas de Ciudad Universitaria su Megaofrenda 2013; este año será dedicada a los cincuenta años que cumple la pintora Remedios Varo de su fallecimiento.

megaofrenda-unam-dia-de-muertos

La intención de organizar este magno evento, como se ha venido realizando desde hace dieciséis años, es mantener vivas las tradiciones de nuestro país, que es reconocido a nivel mundial por conmemorar a sus muertos de forma festiva y colocando altares donde se les recuerda y ofrece alimentos que fueran disfrutados en vida.

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Como  ha sido la tradición durante todo este tiempo, cientos de alumnos, profesores y otros invitados (incluyendo escuelas, facultades e institutos) serán los encargados de colocar ofrendas dentro de las Islas donde, además, se contará con diversas muestras artísticas que incluyen música, danza, teatro y más. Este año, Chulavista Art House La Revista contará con un espacio para participar dentro de dichas festividades.

Danza, teatro y música, las propuestas de Art House son talentos emergentes que buscan su difusión.


Conócelos y disfruta de su trabajo.

Breakdance: un baile en el aire

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El breakdance, también conocido como breaking, b-boying o b-girling, es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura hip hop surgido en las comunidades latinoamericanas y afroamericanas de Nueva York a comienzos de los años 70.

 El breakdance se compone en esencia del body popping, que es imitar los movimiento hidráulicos de un robot; el locking, que es un baile controlado donde se agita el cuerpo súbitamente volviendo a la posición original y el breaking (b-boying) que consiste en girar en el piso sin control.

 

1377583_10153301706575434_1114355618_nMario Á. Reyes Juárez, orgullosamente Poblano, además de ser Licenciado en Diseño Multimedia es Profesor de Breakdance o Bboying en un Instituto Municipal de la Juventud. También ha estudiado artes plásticas, danza moderna y clásica entre otras. Ahora Mario tiene 19 años bailando breakdance que fue lo que realmente le impactó a muy temprana edad.

En cuanto al diseño fueron muchas cosas las que lo guiaron hacia su otra pasión: diseñar es parte de su vida. El arte del graffiti fue una de sus primeras etapas en sus últimos años de primaria, pasando a tomar diferentes clases de arte durante la preparatoria, exponiéndose a muchas más disciplinas como la pintura, fotografía, escultura, cerámica, joyería y diseño gráfico.

 

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Las primeras figuras inspiradoras de Mario fueron Michael Jackson, Bruce Lee y James Brown. “Mi inspiración han sido mi familia, amigos, el mundo, las caídas, el dolor, los momentos felices, lo insignificante, los sueños, la curiosidad  y más…La inspiración nace a veces de la nada, pero cuando no, pues hay que hacer que nazca. “

Mario ha participado en eventos en el extranjero, ya que forma parte de un grupo de breakdance llamado The Floor Spiders Crew. Un grupo que como tal contribuyo y aún todavía sigue contribuyendo a la cultura del Hip hop.

 

 

Conoce más sobre Mario en https://www.facebook.com/marj.designs

 

 

 

 

 

 

 

Flor Garfias “la danza ha sido mi juego desde la infancia”

 

Flor Garfias es una joven bailarina, coreógrafa, y maestra. Egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, becaria del fonca (2009- 20010), integrante de la compañía Camerino 4, directora del proyecto Moving House, y más recientemente, finalista del reality Opera Prima el Colectivo. Como intérprete se caracteriza por sus movimientos de una fluidez líquida y una expresividad sin aspavientos que atraviesa las cosas de un sólo golpe. Como coreógrafa, las piezas de Flor tienen el sello de la exhuberancia, el escenario se ve inundado de “props” y otros elementos que invitan al espectador a zambullirse de lleno el universo que se desarrolla en la escena. En su imaginario, las naranjas, las flores, las lámparas, los velos, pueblan los lienzos sobre los que el bailarin ha de dibujar su danza. En esta entrevista Flor platica con nosotros sobre su experiencia como intérprete y coreógrafa y sobre su camino para adquirir el lenguaje de la danza.

¿Por qué danza Flor, por qué no pintura o música o cine? ¿La elegiste o te eligió?

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Saudade

“Sí, fue una elección, pero más bien fue darme cuenta que era una necesidad. Siempre, desde muy pequeña, he sido muy hiperactiva, hice que mis papás me llevaran a hacer actividades, diferentes tipos de danza, de lo que pudiera. No me la pasaba bien jugando sola y comencé a descubrir que a través del cuerpo y de la danza, de bailar, moverme, podía disfrutar muchas cosas y sentirme bien. Lo elegí porque es un lenguaje universal. No es nada más hacer un paso sino mostrar desde muy profundo lo que quieres expresar y de verdad plasmarlo y ser honesto. El cuerpo es una herramienta súper honesta y orgánica. Tu ves en la calle a la gente que va en su rollo y sólo de verla sabes qué esta pasando con esa persona, su cuerpo es honesto. Por eso es que elegí la danza; es la manera más honesta de presentarse frente a un público. Porque esta (el cuerpo) es tu herramienta, tu extensión puede ser la voz o un instrumento, que es muy hermoso, pero en este caso mi instrumento más cercano era yo misma, y creo que me ha funcionado, ha sido un gran regalo, haber descubierto, y haber elegido esto.”

¿Por qué crees que la danza es un lenguaje universal? ¿De verdad es accesible para todos?

“Todo el mundo puede bailar, la gente disfruta bailar y puede entender otras cosas en su cuerpo y expresarse ante los demás. Todos los seres sensibles en la Tierra se mueven por esa necesidad de expresar, incluso los árboles en el viento, los animales cuando se sienten tristes o contentos, los peces, qué se yo, es muy natural verlo. Y nosotros como personas y como individuos que tenemos la capacidad de comunicarnos, de razonar y de compartir también, claro que todos podemos bailar. Justamente, la danza es un lenguaje que a donde quiera que vayas, aunque no sepas hablar chino, la vas a entender. Se trata de la verdadera conexión, lo que uno mismo puede hacer con el movimiento, hasta qué punto se puede abrir para relacionarse con los demás.”

 

¿Cuál fue tu camino para adquirir este lenguaje de la danza? ¿Nos puedes contar los “higlights” de tu proceso y carrera?

“Empecé haciendo diferentes tipos de danza, desde hawaiano hasta danza popular mexicana. Una amiga me hizo ir a buscar en el Taller Coreográfico de la UNAM clases de danza. Cuando me preguntaron si yo sabía de danza dije que sí, pero yo no sabía que se referían al ballet. Me pusieron en segundo grado, yo estaba tremendamente emocionada del Taller, de que iba a poder tomar clases ahí. Sin embargo, por dificultades económicas, mi mamá me dijo que no iba a ser posible. La desilusión que tuve no sé qué tan grande haya sido que la coordinadora, Socorro Bastida, una gran maestra y un pilar mío, que me dijo “vente así” y me becó. Obviamente se me salieron las lágrimas. Cuando empecé a tomar mis clases se dieron cuenta que no sabía nada. Hablaron conmigo y me dijeron que tenía capacidad y lo que necesitaba era una nivelación. Hice un intensivo de 6 meses de ballet, era un regalo para mí hacer eso. Además, la coordinadora me regalaba boletos para ir al Taller Coeográfico con mi familia, era increíble para mí.”

“Después intenté hacer examen a la Academia de la Danza Mexicana, pero no me quedé. Al año siguiente hice examen al CNA a la escuela de danza Clásica y Contemporánea y tampoco me quedé. Yo salí tremendamente decepcionada, ya era mi segunda decepción y dije “ya chao”. Una amiga me dijo que fuera con la coordinadora y pidera hacer examen para la escuela de contemporáneo. Yo no sabía que era contemporáneo, me dijeron “es como el ballet pero les tocan los tambores y bailan descalzas”. Eso me pareció muy diiveRtido. Hicimos examen mi amiga y yo y nos quedamos. Entramos directamente al propedéutico y fue fantástico poque terminando el examen ya estaba el propedéutico y me divertí muchisimo.

Después, llega un punto crítico en mi carrera, pues no teníamos el apoyo psicológico para entender los procesos de la adolescencia, que al cuerpo le salieran protuberancias era malo, no había nadie que nos dijera “este es el tránsito que están pasando y tienen que comer así y vivir así”.  Tuve problemas de desórdenes alimenticios, estuve en el hospital y decidí que ya quería olividar por completo la danza por ese daño tan fuerte que había sentido. Yo ya no quería hacer examen para pasar de año, pero mis amigas me impulsaron a seguir, me apoyaron y me dijeron “no te caigas”.  Y bueno, a final de cuentas terminé la escuela, que la verdad el CNA fue lo mejor que me ha pasado, sin estas experiencias, sin esas herramientas no estaría donde estoy ahora, y bueno, haber trabajado con A Poc A Poc durante 2 años y medio y después empezar con Camerino 4 y llevar ya 5 o 6 años es otro rollo. He descubierto en cada espacio mi manera muy personal de transmitir la danza, de transmitir mi movimiento.”

¿Desde cuándo comenzaste a coreografíar?

“Desde antes de salir de la escuela yo empecé a dar clases, y esto de dar clases y de mostrar y montar coreografías, de expresar todas esas loqueras que tengo, en movimiento, eso ha sido desde siempre. Mis papás tienen videos, de las fiestas de Navidad, de las reuniones, todas esas cosas familiares y Flor siempre estaba obsecionada con alguna música . Me ponía a disfrazar a mis primos y hacíamos un espectáculo para la familia.  Siempre he tenido ese detonate, extraño y loco de crear, de tener a la mano la múisca, algo que me inspire y gente que me sigue en mi loquera y yo me divierto, esos han sido mis juegos desde la infancia.”

Cuando comenzaste a coreografíar, ¿qué fue lo primero tuyo que viste en escena? ¿Cómo se ha desarrollado tu faceta de coreógrafa?

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Retrato en Blanco

“La primera cosa mía que yo vi en escena fue en un colectivo. Fue en el 2006 con mi mejor amiga y dos chicos de Danza Libre Universitaria, hicimos Como Marionetas. Esa obra llegó al Palacio de Bellas Artes, verla ahí, y que además tuviera el apoyo de grandes directores -Cuauhtemoc Nájera estuvo apoyándonos, nos daba clases y nos corrigío super bien- fue para mi una gran sopresa. Es una obra que me gusta mucho, habla sobre la represión social que hay del hombre hacia la mujer, no se trata solo del machismo sino que al hombre le dicen “tu tienes que llevarla, y comprarle flores”, es toda una obligación que le cargan, y a ella la ponen como si fuera una maleta cuando todos somos seres independientes. Me gustó mucho verlo en escenario y aún me sigo emocionando muchísimo.

Besos de Agua fue un solo que monté a la directora de Danza UNAM en ese tiempo, expresaba un aparte de mí, y era como verme desde afuera,  fue muy extraño, porque yo le monté a ella desde una idea que ella tenía y una sensación que yo tenía. Plasmar el movimiento y verlo desde afuera, fue muy rico.

La última creación, las novias (Retrato en Blanco), esta gran desesperada novia, es una locura, me quedé con las ganas de hacer más. Me conflictúa mucho la falta de tiempo, se pueden hacer cosas bien bonitas que también se pueden esfumar.”

En los trabajos que he visto tuyos siempre usas objetos, “props” ¿ Por qué lo haces? ¿Qué te ofrecen como coreógrafa?

“Me gusta que el cuerpo esté afectado por los objetos en cuanto significan algo diferente. Por ejemplo, una flor no es solo una flor, me interesa cómo se maneja una flor, qué sentido tiene una flor en ese momento. Con objetos puedes abordar otras escencias. Por ejemplo un ramo se vuelve una colección de tus vivencias. La resigificación de todos los objetos, cómo se vive adentro, si tu logras esa magia, crear que ese objeto sea lo que tu sientes, esa resignificación que ese objeto tiene, se ve, se transmite. Me gusta arriesgarme a meter muchas cosas en la escena.”

“El otro día veía Vaccum y me sorprendía cuántos elementos había en escena: vestuario, agua, flores, lámparas, mamparas, músicos, video, una cantidad impresionante de información. Una danza sencilla sin objetos es algo que yo integro cuenado bailo, pero una forma de crear para mí, es utilizar elementos. Con las novias (Retrato en Blanco) teníamos a la novia que se quitaba el velo, la imposición, el “tienes que ser así”. Las mujeres somos la base y el sustento de las famiias, somos la tierra, ver eso detrás de un vestido de novia, y ver que está loca y viene desde no sé dónde; son imágenes para mi, me encanta. Que cada quien se quede con lo que pueda. A mí no me cabe solamente decirlo en palabras, es eso, creo. Con las palabras no puedo descifrar tanto, es mi proceso.”

Flor Garfias se presenta este Viernes y Sábado 18 y 19 en el Foro alternativo LaCantera con la obra Caperucita Wolf,  con Camerino 4 que dirige Magdalena Brezzo y compartiendo el escenario con Yuridia Ortega. La cita es a las 8:30 pm. Boletos y más información en http://www.lacanteraestudiodedanza.blogspot.mx/

Blacka Di Danca en México

Desde Brooklyn N.Y llega Blacka Di Danca, uno de los dancehall dancers más populares en la actualidad. Se presenta el próximo 19 de octubre en el Club Atlántico. República de Uruguay #84, piso 3 esquina con 5 de febrero, a dos cuadras del Zócalo.

Inicio: 9 PM

Costo: $50.00

Evento para mayores de 18 años con IFE.

 

Los nuevos rostros de la danza

La danza ha evolucionado, ya no es la misma danza ritual que se bailaba en los albores de la humanidad ni es la silenciosa danza de concierto donde el simple tac,tac de las zapatillas de punta era demasiado ruido. La danza se ha nutrido de otras artes y se ha transformado y reinventado. Es más, la danza se ha revelado, ha dejado de ser muda, la música ya no es imprescindible, el uso del espacio ya no es el mismo, la danza de nuestros tiempos tiene otro rostro.

Veronique Doineseau de Jerome BelPor ejemplo:  el coreógrafo francés Jerome Bel ha creado reveladoras y conmovedoras coreografías en las que a veces no se baila, a veces se hace uso del silencio y otras de la voz. Bel ha explorado lo que tienen que decir los intérpretes; los miedos y las luchas que ocurren detrás del telón. Al llevar al escenario esta experiencia viva, la danza adquiere un aspecto más humano y el “hechizo” que ocurre en el escenario se desvanece, no para revelarnos costuras y clavos, sino para crear un universo más cercano más conmovedor y a veces más dichoso.

La coreógrafa contemporánea Marie Chouinard hace uso de elementos como tubos, arneses, muletas y bastones para modificar el cuerpo de sus bailarines. Extiende el cuerpo, lo amplía, lo caricaturiza, lo tortura, lo sublima. Además, utiliza tecnología de sonido para usar la voz de los bailarines para generar su propia música.

En México es posible experimentar este tipo de danza que “se sale de la línea al colorear”; sin embargo, a veces como espectadores nos sorprendemos pues esperamos la danza de antes, esa que es muda y que está doblegada a la música. La danza es siempre sorpresa, es impulso, y como tal responde a la variedad de emociones y mensajes que tiene el ser humano. Sobre todo, la danza es libertad y como tal no tiene límites.

Mira a Jerome Bel y Marie Chouinard