Daniel Soares pregunta ¿Moda artificial?

Creatividad, pasión y desapego por las tendencias son tres factores que caracterizan a Daniel Soares, director artístico quien refleja en su trabajo la crítica hacia el artificial concepto del modelaje, dejando ver que existe una esencia mas allá de las imágenes que apreciamos en los anuncios con los que diario nos topamos…

Daniel Soares

 

¿Por qué ir en contra de los estándares de modelaje que son aceptados por gran parte de la comunidad? ¿Por qué dejar a un lado los caminos cómodamente experimentados y exitosos? estas son cuestiones resueltas por la esencia que hay detrás de observar un cuerpo estéticamente presentado en una fotografía de una campaña publicitaria, ya que él considera que el trabajo constante, cuidado por los detalles y pasión por aquello que se vive, crea la diferencia en las vidas que lo rodean.

Daniel Soares

Daniel Soares

¿Quién es? Nació en Portugal, creció en Alemania y actualmente es profesor de Miami Ad School en San Francisco. Ha sido premiado por su trabajo y éste ha sido exhibido en reconocidas galerías de arte, ¿Una pista más? Él es el artista quien usa la barra de herramientas de photoshop en los anuncios de propaganda de H&M y catálogos virtuales, pero ¿cuál es la finalidad de exponer todo esto? Es una pregunta, que no será resuelta hasta que como sociedad se vea más allá de lo que percibimos con los ojos y qué es todo eso que se encuentra detrás de la imagen de una modelo, para pasar a tener como prioridad la esencia y significado del humano que lo posee.

En 2014, Daniel Soares fue invitado por  Kesselskramer para llevar a cabo una exposición de la serie Photoshop Adbusting, como parte de The Step una exhibición que concentrándose en las sesiones de fotos para la industria de la moda revela el lado siniestro de ésta.

Daniel Soares

 

Daniel Soares

 

Gestar el limbo personal

“Una palabra nos libra de todo el dolor y el peso de la vida: Amor”

Sófocles

 Hay algo especial cuando  se menciona a Gaby Muñoz si el tema a tratar es técnica Clown. Quienes han visto ya su obra Perhaps, Perhaps, Quizás…, entenderán que es una de las exponentes el género más importantes de la actualidad y orgullosamente mexicana, por lo cual es de esperarse –cómo confieso es mi caso- la simple idea de verla de nuevo en otro montaje emociona y de ahí la locura de poder asistir a el Teatro Milán de Viernes a Domingo a su segunda producción, Limbo.1964973_786793311406829_8880172671767923920_n

 La paciente Greta Merengue aguarda en la cama de un hospital. Hay un problema con su corazón, es notorio, empero, el cansancio de batallar contra su propia respiración la rinde. Más ante  su búsqueda de conciliar el sueño la aparición de un extraño personaje interrumpe su  estado, podría ser su sanador. Así, el peculiar sujeto la conduce a través de su propia realidad distorsionada para localizar en el limbo de su mente a aquellos elementos que la han orillado a depender de ese espacio para estabilizar su vida. Greta está suspendida en un viaje del cual necesitaría despertar o asumir las consecuencias de la adaptación.

 Lo que Gabriela Muñoz construye en esta nueva propuesta se siente no solo personal, sino franco a través una capacidad inventiva sensacional que deja realmente estupefacto a quien se acerca. Este el punto álgido y maduro dentro de la carrera de la actriz, la coronación tras conquistar el alma y corazón de su público, ahora viene directo hacia las mentes del mismo para hacerlas volar.

 Diversos cuadros en los que la creadora transporta e hila conectores de una enfermedad que avanza con un firme y fatídico propósito se unifican para crear imágenes poéticas totalmente transgresoras, cargadas de una fuerza avasalladora en su significación, manejándose con tanta delicadez como postura que hacen ahínco a un surgimiento de autenticidad empeñada en el entendimiento colectivo.

 Esta obra se acerca a todo aquel que haya pasado por una experiencia  de desosiego, la desesperanza que puede llegar a causar el entorno se ve reflejada dentro de una lluvia de radiografías o un árbol del cual provienen soportes para caminar. El discurso planteado no solo es inteligente, sino que reclama atención plena a cada componente.

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 La autora busca retratar en cada movimiento escénico la valía y provecho para con cada uno de sus actos simples y complejos, desde respirar a compartir, agradece a la vida al tiempo que exhorta a involucrarse en ella, Muñoz elimina cualquier cuarta pared con la sutileza de su trazo firme  o un simple sonido emitido por su mudo personaje en búsqueda de transmitir un grito de guerra para disfrutar y despertar a la vida. Planea mostrarnos la desesperación de vivir flotando cuando se pueden alcanzar más cosas partiendo desde el suelo, teniendo los pies bien plantados. No sólo lo logra, provoca una experiencia sensorial y psicológica tan profunda que envuelve a toda la sala.

 Un verdadero acto de comunión, dónde el magnífico diseño de escenográfico y de iluminación que propone Ingrid SAC devela un viaje por demás fantástico, creando planos entre espacios llenos de todo y a la vez vacíos, entendiendo que la gran carga para que el mensaje se transmita recae en la siempre genial interpretación de Muñoz, quien en esta ocasión convoca al músico Ernesto García para interpretar en escena a su guía, alcanzando una mancuerna idónea.

 Sin duda un gran acierto y pieza clave será la música de Marian Ruzzi, dentro del diseño de Salvador Félix. Cada instrumento en su propio acorde entra con precisión y dirección absoluta en los sentimientos que ilustra. La música reacciona con el ritmo de la trama, toma su tiempo, evoluciona y acciona respuestas emocionales muy fuertes, vibraciones absolutas terminadas en luz, precisamente la luz que señala el camino hacia la aceptación. Dicen que la vida sin música sería un error, vivir esta puesta sin dicho elemento hubiese sido fatal.

 No puede haber más que loas hacia el trabajo en equipo que se realiza para dar alma a esta composición teatral. Dentro de este baile uno no solo se vuelve espectador, sino danzante entre la vida. La muerte y la verdad misma. Nadie sabe con certeza quien es o que busca en la vida, esta obra invita a tomar el riesgo de descubrirlo, reaccionar a pesar del dolor, transformarlo y aceptarlo, pero no dejarse abatir. Venimos al mundo a aprender y disfrutar, no a evitar hacerlo.

 Limbo es una inquietante puesta escénica que sabe generar un concepto y una experiencia a su audiencia, reflejando en el valor del boleto la calidad de la misma producción.

 Como seres humanos que somos, no podemos evitar sufrir, o ver sufrir a quien amamos, sin embargo, por más que nuestro corazón pueda desangrar debe existir la fuerza de reaccionar hacia adelante y no en retroceso. El equipo de Limbo goza de elementos que señalan la fragilidad de la humanidad junto a su fuerza interior. Impactarse y conmoverse hasta las lágrimas es lo de menos,  cuando se habla con el alma, cada palabra se llena de gloria.

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Un refugio para la vida misma

Los seres humanos preferimos reservar nuestros lados más oscuros al convivir con el resto de la sociedad. Realmente nadie es cien por ciento transparente, pues tememos que al serlo en primera instancia podamos alejar a aquellos con los que hemos buscado o querido relacionarnos. Quizás, alejarnos hasta de nosotros mismos.

 Foro Shakespeare presenta El Refugio, de Mario Rendón, dirigida por Enrique Aguilar, los sábados. La historia plantea un mundo futurista atrapado en las percepciones del pasado, dónde la sociedad ve limitadas sus opciones de libertad. Se guarda todo para poder sobrevivir, en especial la comida. Sin dejar a un lado la constante amenaza de la naturaleza por desatar un acto imprevisto que acabe con la vida de cualquiera que se exponga a la intemperie en un momento de contención, cualquiera que no esté dentro de un refugio.

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 Dentro del panorama antes descrito, un matrimonio invita a sus amigos a celebrar el cumpleaños del anfitrión. La pareja que ostenta la celebración, junto a una de las invitadas, son heterosexuales; la tercera pareja es homosexual y no es esta la única diferenciación: son los únicos que tienen hijos.  Cuando las cosas se complican, esta reunión comenzará a tener momentos de alta tensión y desenmascaramientos que denotaran los verdaderos colores en cada uno de los asistentes, haciendo de esta una fiesta de cumpleaños inolvidable.

 Bajo la dirección de Aguilar, los personajes sostienen cada postura, promesa y deseo con firmeza uno frente al otro, logrando una buena contraposición al hablar de temas que se rodean, buscan evadir y atan. Sin embargo no es una propuesta homogénea, comienza hundida en la exposición del texto, sin focos aparentes.

 Hasta la mitad de la puesta uno podría decidir que pese al buen trazo coreográfico, el ritmo que la dirección plantea hará de esta una obra detestable, más logra dar un giro de 180 grados enteramente grato. Aguilar señala el conflicto dentro de la trama haciéndolo rugir con fuerza, hace explotar el sentido del texto para aprovecha a su equipo actoral, sin embargo esto aparece muy tarde, sin haber más ganchos previos, lo cual no limita llegar a conectar con la audiencia pero sí a distraerla o desequilibrarla.

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 El texto de Rendón marca un listado de ausencias en la forma cotidiana dónde la gente ya no muere y por eso busca un refugio para existir, irónico es que cuando el sistema ha creado un modelo de vida prácticamente eterna, la exposición a la rebelión natural sea capaz de eliminar a la sociedad. Mordaz en sus posiciones dramáticas, hay una buena intención dentro del texto al idealizar que en el mundo que ofrece un cese al sufrimiento la búsqueda de la muerte se torne intrínseca y protocolaria.

 Junto a esto, la dramaturgia hila un discurso político bien aplicado, vigente; empero, la posición sobra al encontrar que hay muchos otros textos contemporáneos que caminan bajo la misma línea. Además que no pasaría absolutamente nada si fuese omitido, ya que el análisis central acerca de cómo uno cuida lo que quiere, sin darle importancia a destruir para sobrevivir o al egoísmo consciente ya es bastante interesante para trabajar.

 Si bien el resto del elenco  parece comprender el sentido de la propuesta hasta su tercer acto, son Rodrigo Magaña y  Ximena Larrañaga quienes destacan para lograr encarnar a una esposa celosa de no poder tener un hijo por vía natural y a un marido homosexual, padre de familia, harto de dar explicaciones sobre su manifestada paternidad.

 Vale la pena acercarse a El Refugio, sí, totalmente. Este montaje busca ir más lejos de lograr  hablar de equidad y tolerancia, sino de humanidad en todos sus aspectos probables. Siendo gracias a sus aciertos impactante y devastadora al grado de cuestionar eficientemente a su público sin acorralarlo. Sin duda necesita pulirse, pero vaya, ¿Qué humano no?

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Layout: Michael Landy. Santos Vivientes

Visitar una exposición de arte contemporáneo y no entender nada suele suceder muy a menudo, resultando algo aburrido o desconcertante porque algunos objetos exhibidos bien se podrían encontrar en cualquier basurero, sin embargo, en el caso de artista Michael Landy su obra adquiere significado al interactuar con el espectador y podría parecer brillante cuando se estudia su trabajo anterior a la actual exposición que presenta en la Ciudad de México.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Santos Vivientes revela un proceso de trabajo de aproximadamente tres años, cuando Landy fue designado artista asociado de la National Gallery de Londres, en donde consiguió generar una propuesta artística vinculada a la colección del recinto. Ahí descubrió una peculiar atracción con las pinturas renacentistas relacionadas con santos y mártires, de alguna manera se identificó con estas pinturas ya que en sus anteriores proyectos encontraba conexiones relacionadas con el sacrificio, el tormento, la mutilación o la renuncia de los bienes mundanos.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 Michael Landy decidió reunir las percepciones adquiridas durante los recorridos que hizo en la National Gallery con la experiencia adquirida como co-curador de la muestra Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely en la Tate Liverpool (2009), fusionando el arte renacentista con el arte cinético de Tinguely quien fuera pintor y escultor reconocido por sus esculturas cinéticas influenciadas por la vanguardia artística dadaísta de principios de siglo XX.

 Sin embargo, se puede apreciar la afinidad entre su trabajo Break Down (2001) y el santo que renunció a los bienes terrenales, San Francisco de Asís. Break Down (Desmantelamiento) se llevó acabo en lo que había sido una tienda departamental situada en Oxford Street, Londres, y consistió en desmantelar y destruir cada una de las pertenencias del artista en donde se inventarió un total de siete mil doscientos objetos, durante catorce días.

 Edgardo Bermejo Mora explica que esta exposición es como una metáfora del propio Landy, como síntesis de sus obsesiones y sus exploraciones. Santos Vivientes se observa diferente si se hace una retrospectiva del trabajo del artista, cuando se aprecia Closing Dow Sale (Venta de liquidación, 1992), Break Down (Desmantelamiento, 2001), Radical Orchidectomy for a Solid Mass in the Upper Poleo of the Left Testis (Orquidectomía radical por una masa sólida en el polo superior del teste izquierdo, 2005), Joyous Machines: Michael Landy and Jean Tinguely (Máquinas gozosas: Michael Landy and Jean Tinguely, 2005) y Art Bin (Basurero de arte, 2010).

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 También es importante destacar la relación que existe entre los recintos que ha albergado la producción de Landy. Por un lado la National Gallery designa al artista asociado y le ofrece una residencia la cual culminó con esta exposición, el resultado fue el esperado por los directores del recinto: un aproximado de un cuarto de millón de asistentes en los seis meses que estuvo expuesta y una respuesta lúdica que revitaliza la experiencia del público a la pasividad convencional que se podría esperar en este tipo de lugar.

 Por otro lado el Antiguo Colegio de San Ildefonso dota de una teatralidad a las esculturas de Landy, el espacio se prestó para crear un ambiente tétrico, de tipo calabazo que recrea la sensación de tormento, y como claustro ofrece una morada ideal para la exposición. El curador Ery Cámara explicó que fuera de faltarle el respeto a la figura religiosa, se propicia una especie de cuestionamiento interno sobre la devoción que representa para los fieles seguidores, lo que hace de la exposición un objetivo interesante de acuerdo a los fines que persigue el museo. Micheal Landy creo una pieza ex profeso para la exposición en México,  San Esteban, pensando en la gente y el lugar que albergaría su obra por lo que se evidencia su interés por el público receptor que consume su trabajo.

Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Exposición temporal del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 “Michael Landy. Santos Vivientes” no estará por muchos días más en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, localizado a un costado de la zona arqueológica Templo Mayor. La muestra ocupa 940 metros cuadrados en siete salas de exhibición y está integrada por ocho esculturas monumentales y 40 dibujos y collages realizados entre 2012 y 2014; once de éstos, inspirados en la colección de la National Gallery, de Londres, nunca antes habían sido expuestos.

 Esta propuesta artística llega por primera vez a México gracias a la colaboración de la National Gallery de Londres y el British Council, quienes unen esfuerzos con la UNAM, Conaculta y el GDF, para que el público mexicano conozca el arte del artista inglés, en el marco del Año Dual México–Reino Unido 2015.

Fuerza Kanguro: Mezcla de hardcore con ska y rap desde Cancún

Fuerza Kanguro es una banda formada en Cancún, Quintana Roo, sin embargo, sus integrantes son de otras localidades de la República Mexicana y están tocando juntos desde el 2012.

 La alineación se compone con  Chucho Arvizu, es el vocalista,  Yair García, toca el trombón, ambos de la capital; Ángel Herrera toca la batería y es originario de Mérida, Erik Hidalgo viene de Tijuana toca la guitarra  e Ivan Perez, el tapatío que toca el bajo. Todos se encontraron en Cancún  y ahí fue donde decidieron iniciar el proyecto de la banda.

 Con un proyecto musical con fuerza y letras directas, la agrupación se define en ritmos como el ska, el hardcore y el rap.

 Por el momento promocionan su primer producción discográfica titulada “Fuerza de Control”, y se presentarán en el Distrito Federal en abril, en el Tianguis Cultural “El Chopo”, y otras locaciones que aún están por confirmar, por lo cual Chucho Arvizu, el vocalista de la banda se encuentra en la capital para promover la escena en la Cuidad de México.

 Su disco debut cuenta con ocho tracks, uno cuenta con la colaboración del rapero Gorilla Killa Bone, quien radica también en Cancún. Su disco se puede descargar gratuita mediante Facebook.

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 En el siguiente enlace se pueden adquirir los productos oficiales de la banda, como playeras y el CD. https://www.kichink.com/stores/fuerzakanguro

Nao ninshiki: ¿Quieres ser un cíborg?

Hace unas semanas atrás, por calamidades que ya están escritas en la palma de mi mano (las cuales, por desgracia, ninguna bruja quiere enseñarme a leer), visité un hospital y digamos que, ahora sé porque es uno de los lugares más desagradables que existen.

 Gradualmente, y con el paso del tiempo infinitamente más largo dentro de estos edificios, es inevitable entrar en preocupaciones de índole espiritual, reflexivo, psicológico y hasta ficcional… como lamentar no haber nacido en el 3000 d. C. y solucionar los problemas de salud con un simple reseteo y un contrato en el que se lea: Este documento establece su autorización para el formateo de su corazón y cerebro electrónicos, después del cual, usted podrá seguir viviendo normalmente. Cualquier posible daño o pérdida colateral es bajo su pleno consentimiento. Firme aquí.

 Quizás, convertirse en un cíborg (un organismo parte humano, parte máquina) ayudaría a eliminar muchos males humanos, enfermedades por ahora incurables, incluso la eliminación de defectos y debilidades arrastradas por miles de milenios como la vulnerabilidad del hombre al clima o a los accidentes… qué decir de la evolución de los hospitales a modernas boutiques de prótesis, chips y trueque de células madre.

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 Pero ¿debí usar la palabra ficcional para el ejemplo? ¿de verdad implica la absolución de mi empacho de hospital y de enfermedad, el convertirme en un ciborg? Para algunos, es sólo cuestión de tiempo que estos nuevos seres sean más que una realidad, uno de ellos es el más grande defensor y pionero en investigaciones de vinculación humano robot que habita el planeta, Kevin Warwick.

 El Capitan Cyborg, así bautizado por The Register (portal londinense de noticias sobre tecnología y ciencia), ha iniciado un plan para enlazar exitosamente los organismos humanos con los mecanismos electrónicos y cibernéticos, y para ello, él ha apostado la cosa más admirable para su misión: experimentar con su propio cuerpo.

 El profesor en cibernética y robótica por la Reading University de Londres, tiene entre sus diversos e importantes reconocimientos el ser considerado una de las personas más influyentes en el curso de la humanidad, debido a los hallazgos y resultados de sus experimentos, enlistado junto a personajes como Galileo, Einstein, Curie, Nobel, Oppenheimer y Rotblat… así que ya puedes imaginar la talla de lo que a continuación te contaré.

Gallery_Image_6608 Su nombre es Proyecto Cyborg y su objetivo es responder qué sucedería si el hombre se fucionara con un ordenador. En 1998, a las 4:00 pm, en algún lugar de Gran Bretaña, un chip transmisor fue incrustado en el antebrazo de Warwick. Después de la cirugía, el científico podía controlar remotamente puertas y otros dispositivos gracias a este chip en su organismo.

 El éxito de este experimento radica en la excelente aceptación del cuerpo por aditamentos sintéticos dentro de él. Cuatro años después la segunda parte del proyecto (Project Cyborg 2.0) fue realizada nuevamente en el brazo del profesor Warwick, pero esta vez, el implante probaría la fructífera comunicación entre un ordenador y el sistema nervioso del hombre.

 El resultado: el Capítán Cyborg logró controlar una prótesis de brazo y una silla de ruedas con los impulsos recibidos y enviados al ordenador desde su brazo y viceversa. Otros datos recogidos en esta prueba fue la comunicación entre dos sistemas nerviosos de manera puramente electrónica a través de Internet (para lo cual un dispositivo similar fue injertado en la esposa de Kevin Warwick).

  Estos dos hechos probados hace 12 años, dan cuenta de lo palpable que es un futuro cercano lleno de estas interacciones cada vez más profundas. Y es a partir de estos sucesos que el camino se torna mucho más complejo.

 La tecnología siempre ha contado con dos caras de su realidad: una tan oscura que nunca se prevee el alcance negativo de su mala o inadecuada implementación; y una tan clara y brillante que nos enamora y nos rendimos ante las mieles que nos vierte en los labios.

 La bioética junto con los distintos cuestionamientos sobre la implementación y prejuicios de una posible sociedad cíborg o humanos cibernéticos, aterriza e intenta protegernos de la cara negativa de este paso evolutivo. Una aterradora pero factible idea de sometimiento, de un control interno y a distancia que superaría los terroríficos sueños de Orwell y Huxley, donde la vigilancia y coacción cuarten la libertad de los seres humanos desde los cuerpos.

 La Corporación VeriChip, subsidiaria de Applied Digital Solutions, ( compañía estadounidense) vende desde el año 2001 implantes con información del portador así como un localizador GPS. Es de suponer que esto es con el consentimiento del usuario, firmando un acuerdo como el que imaginé anteriormente; sin embargo, el asunto va más allá.

 Es inevitable no imaginar un escenario prematrix o post apocalíptico cuando estudios (especulativos, es importante aclarar) de Francisco Varela y Humberto Maturana, biólogos chilenos autores de la teoría de la autopoiesis (concepto que dicta que todo ser vivo es autónomo y capaz de producir sus propios componentes para preservar sus relaciones internas) respecto a la inteligencia sintética como los organismos cíborg, estos últimos declarados como homeostáticos (capaces de conservar estables las condiciones internas en diferentes ambientes) con la capacidad de adaptarse para sobrevivir.

 Lo anterior puede ser el mayor conflicto entre ambas partes, pues de existir divergencia de decisiones o intuiciones entre la parte humana y sintética, una desconexión u obligada conexión puede tener consecuencias inesperadas. Esto se discute después de que algunos robots modernos han desarrollado una inteligencia superior, tal como ocurrió en el año de 1999, cuando Warwick hizo el primer robot que aprendía en Internet cómo moverse en un entorno y luego le enseñó a otro robot a comportarse de la misma manera. El nuevo programa del segundo robot no fue hecho por un humano, sino por otro robot que se basó en lo que él, por sí mismo, había aprendido.

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  Otra cosa que me parece importante mencionar es el hecho simple y humano (al parecer, pues no hay otra explicación) de la discriminación por cualquier causa. Me refiero al posible costo de tales “productos”. Evidentemente, no todos podrán beneficiarse de estos implantes u órganos cibernéticos, lo que segregará quizás ya de forma irreparable y definitiva a la humanidad, ya no en pobres y ricos, sino en cíborgs y humanos simples.

sterlac 2 A pesar de estos aspectos para nada insignificantes, en la actualidad existen manifestaciones en apoyo a una evolución humana, a la consagración del hombre con la máquina. Nombres como Sterlac, un artista único y genial desde mi punto de vista, que empecinado en ser un cíborg, crea performance con brazos biónicos, orejas cibernéticas incrustadas en su antebrazo o exoesqueletos manejados por músculos de su cuerpo, con lo que busca promover la nueva era del hombre.

4701a9_863e53d641dd8be38d7f51b65dd94f14.jpg_srz_300_180_85_22_0.50_1.20_0.00_jpg_srz Hoy en día ya existe la primera institución cíborg en el mundo. Se trata de la Cyborg Foundation, creada por la bailarina y coreógrafa Moon Ribas, quién se ha implantado sensores sísmicos en las orejas; y Neil Harbisson, primer cíborg reconocido, artista y activista que tiene añadida una antena diseñada por él mismo, con la cual puede escuchar los colores, ver rayos ultravioleta y recibir Neil-Harbisson-Cyborgcualquier interacción desde otro dispositivo directamente a su cabeza. Ambos, alientan a las personas a ser cíborgs y promueven los derechos y legislaciones para ello.

 Sería útil también, echar un vistazo a las muchas películas, cuentos, novelas, fotografías y esculturas sobre todo tipo de implicaciones que acarrea el juego de ser Dios. Robots y cíborgs inundan nuestro imaginario colectivo, hoy y desde hace mucho tiempo. Tenemos desde la hermosa historia de identidad y búsqueda interior, divertida y ligera cinta coreana I’m a Cyborg, But That’s OK,  o el anime de culto Gosth in the Shell que aborda el tema de manera profunda; hasta los tristes desenlaces de Frankenstein y  el poema El Golem, del gran Borges.

 Lo primordial, al final y en mi opinión, recae en la adaptación, comprensión y equidad de la coexistencia en el planeta, cosa que el hombre, tanto en sus épocas doradas y oscuras, tanto en sus estratos bajos y altos, nunca ha conseguido, y de ahí que resulten tan factibles los peligros que traen consigo desear ser o crear una raza superior… porque de eso estamos hablando, de la llegada de un mejor ser humano.

 Quizás, el precio de ser humano es enfermar y tener hospitales, tener limitantes y cuidarlas hasta la muerte, sin segundas oportunidades, sin poder ver las ondas radiales viajando en el viento o sentir la sensación de destrozar una roca con la palma de una mano biónica… ¡Pero a quién quiero engañar!, yo quiero ser un cíborg. ¿Tú?

La gran enfermedad

¿Qué le está pasando a mi país? Está convulsionando y botando espuma por la boca.

 Todos los días al despertar, lo primero que hago es leer las noticias en mi celular. Es un hábito que no me gusta, pero que siento necesario. De antemano ya sé que serán malas noticias porque a diario pasa algo malo, más malo que el día anterior y mientras el día avanza va empeorando. Pareciera que día a día nos volvemos más resistentes al virus, a la enfermedad cuyas causas son: la indiferencia, la desigualdad y la violencia. Los síntomas a veces son inexistentes. Pueden pasar años y cuando menos se espera, la enfermedad ataca cada centímetro del cuerpo, invade los órganos vitales de nuestro país.

 Somos enfermos terminales de la desigualdad social más grave, no del mundo, sino de entre los tipos más agresivos. Nadie es compatible con nuestro tipo de sangre y quienes sí lo son, nos han dado las espalda dejándonos agonizar y prolongar más nuestro sufrimiento. La violencia pareciera ser el factor que nos hace inmunes y resistentes a la posible cura de este padecimiento que provoca miedo y una maldita parálisis que nos tira a la cama durante días, meses o a veces años. No existe vacuna.

 Nos han dicho que día con día la gran enfermedad podría empeorar, nos podría llevar al límite. La muerte nos acecha a diario de la manera más cruel. Es como si todas las muertes que suceden en el día fueran pequeños derrames cerebrales que nos dejan en estado vegetativo. Vivos pero muertos por dentro.

 Somos como aquél fumador con enfisema que sigue fumando dos cajetillas al día, como aquél alcohólico con cirrosis que bebe hasta quedar deshidratado y con vómitos.

 Nuestra sociedad está enferma. Enferma del “esto no me afecta a mí, que se chinguen los demás”, enferma de “el que no tranza no avanza”, enferma del “te violaron por puta”…

 Entre más agonizamos, más nos hemos aferrado a seguir en este mundo. Nos hemos acostumbrado a sufrir. Es por eso que recibir malas noticias día a día se ha normalizado y nos ha deshumanizado. Un humano no vive estando muerto al mismo tiempo.

MÉXICO ROTO 3

El futuro de la comunidad hispana

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La mitad de los 40 millones de inmigrantes que han llegado a los Estados Unidos desde 1965 son hispanos. Aunque la cifra siga continuando, esto no significa que la comunidad hispana gane fuerza o importancia entre la sociedad americana sino que sus países de origen no logran satisfacer las necesidades básicas de sus habitantes.

 Gracias a precarias situaciones, miles de migrantes viajan a los estados unidos en busca de una mejor vida, esta nueva esperanza solo viene a base de grandes peligros y denigraciones en un trayecto donde se pone en riesgo la vida e integridad de ellos. Pero el mayor reto que se enfrentan estos migrantes sucede solo y cuando se cruza la frontera. Ahí se pone a prueba varios modos de supervivencia como poder permanecer invisibles al llevar una vida normal y luchar contra la barrera del idioma.

 El sueño americano se ve violentado cuando los migrantes se enfrentan a varias formas de ultraje al realizar trabajos manuales mal remunerados. Aunque varios estudios demuestren que estos empleos no dañan la economía americana. Los mas afectados son los americanos con baja escolaridad, los cuales “piensan” que los labores con pago mínimo son robados por hispanos, sin embargo estos terminan ganado solo 67 centavos de dólar sobre el dólar ganado por un hombre blanco.

 Se vive con una falsa esperanza de poder llegar a una amnistía, frustrada por republicanos que creen que permitiéndola, se llegaría a terminar la esencia americana. Sin darse cuenta que el espíritu americano solo se logro a base migrantes de todo el mundo, logrando así lo que es Estados Unidos; un país multicultural.

Las puertas de Amaranta

 

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Todas estas puertas

Amaranta Caballero Prado, Fondo Editorial Tierra Adentro, México, 2008.

 

Debo decir que uno de los libros de poesía que más he disfrutado en los últimos meses es Todas estas puertas, de la escritora guanajuatense radicada en Tijuana, Amaranta Caballero Prado. El libro es un viaje autobiográfico de fractura y reencuentro, por el que puede uno transitar descubriéndose al descubrir a Amaranta.

 La introspección a la que se llega es, por momentos, como estar en la película El Angel exterminador de Luis Buñuel (sin burguesía claro), ilustra el abandono y la soledad se vuelve absoluta:

“Hay muchas cosas por emprender, soñar, escribir, dibujar, crear.

Hay vida inmersa en cada movimiento de ojos, cada letra.

Hay rigurosamente para cada quien una actividad siempre sublime.

Afuera hoy hay todo eso:

Yo no creo nada.

 

Esta casa no abre por dentro”

 Cada puerta o espacio por el que la escritora nos guía, resulta una soledad irresistible “Tengo un aquí no hay nadie, junto a la espalda”, un amor que es más bien esperanza “¿Tú me amas verdad? Es lo único que importa”, una necesidad insaciable “ enfermedad dónde nunca nada es suficiente”.

 La vida puede leerse con los pasos que dimos por distintos lugares en los que la memoria atrapó sonidos, colores y sabores que, en determinado momento, nuestro cuerpo amó con profunda sinestesia “yemas voyeur” sentimiento táctil, casi visible al leer a Amaranta ¿Cuántos lugares realmente habitamos? ¿Sólo exteriores? O bien, estamos encerrados en nuestro cuerpo como casa, palacio, templo o cuchitril, con edificaciones emocinales, sus candados y puertas de recuerdos, en las que la toma de decisiones es cruzar o no cruzar umbrales, quedarse con el dolor o salir.

“Un día tuvimos que saltar: salir del agua: salir del aire: salir de tierra: salir”.

 Todo el dolor, los recuerdos, la riqueza en el lenguaje de Amaranta, la semántica del ir de la infancia, al amor y matrimonio, todo en la misma cárcel, en el mismo estuche, cada experiencia es una habitación, cada puerta por la que podemos cruzar y ver que todo son ancias por vivir “Excesivamente. Sí quiero saber más”, después de leer Todas estas puertas, excesivamente quiero leer más.

Foto  tomada de Tierra Adentro
Amaranta Caballero Prado Foto tomada de Tierra Adentro

 Amaranta Caballero Prado nació en Guanajuato en 1973. Estudió la licenciatura en Diseño Gráfico y una maestría en Estudios Socioculturales. Además de Todas estas puertas, ha publicado Libro del Aire (Editorial De la Esquina, 2011),Okupas (Letras de Pasto Verde, 2009),  Entre las líneas de las manos (en el libro Tres tristes tigras, Conaculta, 2005), Bravísimas Bravérrimas. Aforismos (Editorial De la Esquina, 2005). Participó en el Laboratorio Fronterizo de Escritores/Writing Lab on the Border (2006), participó en el Festival de Poesía Latinoamericana LATINALE 2007 con sede en Berlín. Recibió la beca del FONCA para escritores en 2007. En 2014 participó en el Festival Subterráneo de Poesía: Los lenguajes alienígenas.  Ama la música y ama dibujar.

  ¿Quieres  saber  más  sobre  ella? Visita  su  blog  amarantacaballero.blogspot.mx

 

Hikaru Cho: Body painting bajo el realismo social


El mundo pasa por una violación hacia la integridad humana, ya sea desde sucesos tempranos hasta los que han relatado poco a poco una serie de pretensiones malintencionadas. En el arte se ha constituido una protesta inminente hacia lo que dañe o ultraje la estabilidad social. No es casual: Siglo XXI, época de los desaventurados y desamparados emocionalmente, daño hacia sí mismo y a los demás, deducción o no, la capacidad por difuminar ese sentimiento de nostalgia hacia los buenos tiempos, ha cautivado a miles de artistas en todo el globo terráqueo. Asia, continente enigmático y sutil, clarifica el sopor de la vida y la necesidad por poner un brillo hacia la mirada perdida. Joven, originaria de Tokyo, Hikaru Cho expresa su sentir ante la expresión del realismo, que detona un variado número de pormenores.

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 Hace aproximadamente dos años, la joven japonesa se integró a la campaña global de Amnistía Internacional sobre derechos sexuales y reproductivos, opinión que le permitió constituir un gran esfuerzo a su labor concerniente. En ese sentido, toma como eje central el declive hacia el respeto como tal de los derechos humanos en general, un sentir que le motiva a sincronizar el cuerpo humano como directriz para empezar la obra. La atención la amerita la masa corporal, el body painting es la técnica que demuestra una forma de compenetrar la manifestación ante la mezquindad de caos de este tiempo. Mujeres y hombres, víctimas de la opresión y del delinque perpetuo son las bases para que la inspiración llegase a Cho de una manera tan controversial y sorprendente. La vacilación aparece cuando se relaciona un rostro con grietas, y no se sabe a ciencia cierta si se está viendo una fotografía o es una sensación extraña entre la angustia y la tranquilidad del modelo en cuestión. La incredulidad juega un papel vital en la creación de la tokiota, sin embargo, precisamente ese aspecto delimita que tan reflexivo pueda ser el contraste de aseveración.

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My Body My Rights (MBMR)

 No solamente se manifestó sobre la importancia de concientizar a la humanidad ante los derechos humanos; su crítica muestra también el declive hacia el que se halla el humano por falta de su propia sintonía. De una u otra forma, la convención entre alcance y limitación va desde el prejuicio hacia la conservación del cuerpo como algo perfecto hasta la muerte en vida. Los objetos pueden ser cierres, frutas, partes de la taxonomía humana… todo tipo de detalles encarnan en la pintura con acrílico que realiza. Con apenas 21 años, logra la pulcritud de algo novedoso, destaca por su arte y también por su pensamiento que conlleva a la autodeterminación e introspección. Indudablemente el reconocimiento llega, y ha compenetrado en marcas de renombre en Japón, así como la realización de diversas colaboraciones con revistas asiáticas y hasta el diseño de formas de maquillaje para modelos en especial. La trascendencia ha sido de gran relevancia para la mujer audaz que contempla la esfera social desde la transformación; primero desde la limitante hasta la construcción de otros paradigmas.

 Sujetos a cuestionamientos y a múltiples aseveraciones día a día, los seres humanos somos la mezcla perfecta entre el deber y el hacer, y en ese tránsito, la variedad de detalles conciernen en un sentido diferente. La función cotidiana varía dependiendo del compromiso y proyecto ante el cual se pertenezca, sin embargo, la similitud entre todos radica en los modos de plasmar a la vida; ya sea desde un aspecto tan trivial como benevolente. El sentimiento de Hikaru Cho se transforma en el reclamo hacia la iniquidad misma del humano, ya sea presentada a su cuerpo, su sentir o a sus semejantes; la necesidad por ser libres, alberga la gran esperanza de la artista japonesa.

Crédito: Fotografías de la página oficial de : HIKARU CHO

Feminismo: El eufemismo de la actualidad

1394132506_744595_1394213801_album_normal-1El feminismo se convertido en una tema de conversación pero sin dejar de ser un eufemismo social. ¿Por qué es que llega a ser un tema tan agresivo y brusco? Solo llega a ofender a los que mas han dañado a nuestro género. Los hombres llegan a tomarse tan personal este término, siendo ellos los que intentan denigrar nuestros derecho fundamentales. En Living History (Simon & Schuster, 2003), Hillary Clinton relata el momento que visita Romania en 1996. En este viaje se encuentra con la devastadora crisis infantil de Sida. Todo comenzó como ella lo cuenta, cuando Ceaussescu prohibió el control natal. El gobierno contrato doctores cuyo trabajo era revisar las mujeres cada mes y asegurarse que no hayan interrumpido su embarazo. Los doctores obligaban a las mujeres a desvestirse frente a ellos y muchas veces hasta humillándolas. Todo empeoró cuando los bancos de sangre rumanos se infectaron a causa del sida, enfermando a miles de niños. Todas las mujeres hemos experimentado alguna clase de violencia a lo largo de nuestras vidas. Hemos sido tratadas con alguna clase de ofensa entre las cuales destacan la privación de algún derecho básico o maltrato físico y/o verbal.

Lo que nunca se dice es que las mujeres debemos ser más ambiciosas y enfocadas porque nunca tuvimos la oportunidad. Tuvimos que luchar por votar, para trabajar fuera de nuestras casas, por trabajar en un lugar de trabajo libre de acoso sexual, para ir a la universidad de nuestra elección, y también nos tuvimos que probar a nosotras mismas una y otra vez para recibir un poco de consideración.
– Roxane Gay

 En un país como México donde se celebran las osadías hacia las personas y modos de vivir, no es de extrañarse que en una actualidad tan avanzada aín sigamos lidiando con problemas tercermundistas de violencia de género y el consentimiento del curso de tales hechos. El problema reside en seguir permitiendo la dominación masculina sobre un género violentado y humillado.

 Aunque hayamos sido capaces de reducir varias transgresiones y estemos informados sobre el feminismo, varias mujeres siguen sufriendo de algún tipo de abuso día con día. Nos debemos de sentir ofendidas como mujeres y personas, al sentir cada ataque hacia la mujer como nuestro, por que cada mujer es una extensión de nosotras. Sin importar de nuestros antecedentes seguimos en una lucha contra el sexismo. Desde la mutilación genital en Egipto, violencia domestica en Afganistán o abusos sexuales en tierras de nadie en Chiapas, la solución no es el desprendernos nuestros semejantes, sino buscar una cierta independencia creando un pensamiento resolutivo al educar a las jóvenes y alentar a las mujeres a denunciar cualquier tipo de falta. Aumentando la sanciones judiciales hacia los criminales que atentan con percutir la entidad femenina y creando una cultura equitativa para hombres y mujeres. Hay que reconocer que ciertas actitudes misóginas son el problema de la sociedad y evidenciarlos para que los jóvenes sepan que no es normal el humillar o burlarse de una mujer por sus elecciones de sexualidad, vestimenta o modos de vida. No queda más que seguir luchando por los derechos que nos merecemos y por jamás quedarnos calladas cuando queramos ser escuchadas.

La ambigüedad del arte contemporáneo

Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.
Ceaseless Doodle, de los artistas Ö.Günyol y M.Kunt.

Acudimos a un museo bajo la premisa de que entraremos a un mundo fantástico, único e irreal en el cual seremos dominados por penetrantes emociones del cual no tendremos escapatoria. Ir a un museo actualmente significa ser participes de una obra abierta. Cuando comencé mis estudios en la facultad de artes visuales tuve serios problemas para aceptar el arte conceptual. No fue sino hasta que aprendí a entender de lo que estaba hecha la obra. Lo que Heidegger llamaba cosico, no era mas que el artista mismo. Tan solo con ponerme en la misma posición del artista de crear una obra abierta pude entender las luchas y dichas que se viven para crear y exponer lo que mas les ha costado realizar. Saber los antecedentes del artista puede ayudar a abrir el panorama y hará mas fácil digerir la obra contemporánea, pero aun más importante es saber que solo con el arte los artistas seguirán existiendo. En estos días el arte se ha convertido extremadamente personal. Podemos ver instalaciones donde los artistas le dan mas importancia al objeto mismo y el efecto e historia que ellos cuentan. Mensajes ambiguos en la obra son capaces de transformar mentes y establecer una relación entre el artista y el espectador. Algunos de ellos no logran poner importancia en la forma y función de ellas (otras más exageran).

Los artistas a menudo dependen de la manipulación de los símbolos para representar ideas y las asociaciones no siempre dependen de dichos símbolos. Si todas estas ideas y asociaciones fueran evidentes habría poca necesidad de los artistas para expresarse con ellos. En conclusión, no habría necesidad de hacer arte.

— Andres Serrano (1989)

 La materialidad de la obra expresa uno de los grandes problemas del arte contemporáneo, que es la clase de critica al que puede ser objeto. La sencillez o carencia de impresión en esta clase de obras puede abrir a la critica sin fundamentos. Es cierto que debemos deliberar nuestro propio juicio pero no por que no logremos a entender una obra signifique que estemos equivocados o en lo cierto.

 El artista contemporáneo busca el poder entablar una conversación con el fin de promover el sustento cultural de la sociedad gracias a formas, colores y valores en la obra abierta. Uno de los temas que no podemos descartar es la significancia de la obra contemporánea, esta es tan fugaz gracias a la versatilidad de ella, es decir, la manera en que se puede desinstalar y volver a rehacer el mensaje de la obra.

 Todas estas características no deben de confundirnos y hacernos añorar épocas pasadas. Hay que recibir con los brazos abiertos a la obra por que al fin y al cabo hay que pensar el arte de una manera que justifiquemos la creación artística para que contribuyan a la evolución social del país y promoción de las nuevas propuestas artísticas.

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Layout: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte

Hace poco terminó la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el artela cual tuvo una duración aproximada de cuatro meses en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La exposición fue concurrida, lo que pareciera ser una buena señal para el museo si se calcula por número de visitantes el éxito de una exposición. Fuera del número de asistentes, vale la pena ir un poco más allá de adjetivos absolutos como “bueno” o “malo”.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La exposición se realizó con motivo del centenario del nacimiento del autor y en sincronía con el decreto oficial del Gobierno Federal que estableció el año 2014 como año de Octavio Paz, lo cual hace pensar que no es casualidad debido al discurso oficial y menos cuando se recuerda al escritor como simpatizante del partido político que gobierna el país.

El público podrá entender el arte con los textos del poeta a través de diversas plataformas interactivas

 Cita textual del dossier de prensa por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que se encuentra en el archivo boletín número 1342 del mes de septiembre, descargable del sitio de Internet y que hace pecar de pretenciosa a la exposición ya que los textos de Octavio Paz no son nada sencillos así como tampoco lo es la lectura de las vanguardias artísticas con las cuales relacionaron los poemas, ensayos o reflexiones de una de las dos líneas temáticas que integraron la exposición. Con esto no se quiere decir que sean indescifrables pero sí se necesita ir previamente con un bagaje de información para participar en el diálogo que a todas luces se buscó con el guión museológico.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

E s evidente que tiene gran mérito conformar una exposición de esta envergadura y resolver su complejidad con 228 obras que provienen de 96 museos, galerías y colecciones particulares de México y varios países del mundo, aprovechando todos los espacios que ofrece el Palacio de Bellas Artes, pero ¿era necesario tanto?

 Ciertamente es valiosa la aportación que hace Octavio Paz sobre las artes visuales al escribir de manera vehemente, desde una perspectiva única, la del poeta, con esa pasión por descifrar lo humano a través de las palabras convertidas en metáforas, pero al parecer la exposición terminó siendo un laberinto de arte por aquí y por allá que se transformó en 11 núcleos temáticos yendo desde las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, su paso por la India, y un recorrido por el arte mexicano que va desde algunas culturas mesoamericanas hasta la Revolución.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 La eficacia de la estructura museológica de la exposición En esto ver aquello. Octavio Paz y el arte funcionó de tal manera que el enfoque diacrónico y sincrónico la hicieron profusa y algo desgastante lo que se evidenció en la museografía con los vinilos de textos que aparecían despegados de las paredes del museo o las incómodas posturas que se tenían que realizar para “interactuar” en algunos núcleos de la exhibición.

 Sin embargo, es fascinante cómo presentaron una línea de tiempo sobre los aspectos más importantes de la vida de Octavio Paz, a través de pedestales que sostenían pantallas touch, las cuales, al seleccionar un año, brindaban información relevante y proyectaban una fotografía en gran formato sobre el tema. Esto permitía que la lectura se reforzara con la imagen, permitiendo la interacción en el estricto sentido de la definición ya que el público no obtenía todo de un pedestal sino tenía que moverse de pedestal para avanzar cronológicamente si quería más información. El ejercicio fue de cierta manera lúdico y provocaba querer recorrer todos los pedestales; lo mejor fue la información que resultó ser muy interesante, probablemente cualquier persona que no sabe nada sobre la vida de Paz se llevó una gran sorpresa, como por ejemplo saber que estudió la licenciatura en Derecho en Ciudad Universitaria en la UNAM y la cual no terminó, o que sus ideales políticos antes de llegar a los 30 años eran de tipo comunista.

Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.
Exposición: En esto ver aquello. Octavio Paz y el Arte. Foto del Museo Palacio de Bellas Artes.

 Algo que es interesante son los play lists en Spotify de músicos como Natalia Lafurcade, entre otros, lo que invita a ir más allá de las paredes del museo y conocer un perspectiva diferente a la visual a costa de suscribirse a un servicio de música en línea que tiene su forma gratuita y de paga, aunque si no sabes lo que es Spotify, no tienes servicio de datos móviles o no cuentas con Internet se queda en una buena intención; ya sabrán los estadistas y personadas dedicadas a sacar este tipo de información si valió o no la pena esta estrategia por parte del museo.

 La exposición estuvo abierta al público del jueves 11 de septiembre de 2014 al domingo 4 de enero de 2015, el tiempo necesario para conocer un poco más del que fuera premio Nobel de Literatura en 1990.

Sensualidad, magia y sutileza : Cine a la Wong Kar-Wai


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Wong Kar-Wai.

“Hace 20 años, si en China le decías a alguien “Te quiero”, era algo vulgar, soez, era algo que se sobreentendía pero no se decía. En cambio es algo normal en Occidente, es más, es algo que debes hacer si lo sientes por una persona.”

La pequeña escena se transforma en una majestuosidad andante, entre diálogo e idea, la trama se torna compleja, diez minutos después la perfidia avanza sobre el tiempo y ya no son los mismos personajes, reencarnan en ellos una serie de personalidades que asombran (quizá) al que esté viendo cada detalle durante el lapso que corre la cinta. Yo me he quedado perpleja en todo el trabajo de Wong Kar-Wai (1958), me atreví a hacer una postura personal al respecto, ya que la vinculación entre la emoción y el sentido es meramente subjetiva, varía entre distintos tipos de percepciones, y era necesario enfatizar la reflexión que me aporta el trabajo del director chino.

 Esas películas que apremian y rompen a la vez el compacto actual –según los mecanismos de proyección- hacen que la cinta guste y llegué a extasiar en diversas formas. Pánico, dolor y un llanto tal vez, puedan ser los motores que prenden aún más los sentidos. Tan extraordinario ha sido su trabajo, que es importante mencionar que a lo largo de su trayectoria compagina la simplicidad con el trasfondo del “estar”, ejemplo de esto, es una película que logra embelesar como fue el caso de 2046 , cinta del año 2004 la cual transforma un medio entre tiempos: Pasado, presente y futuro, cuidados que van desde el manejo de la música hasta las apariciones de cada personaje. Personaje central, con pasión inaudita por el escrito, se fascina, redacta, revisa y relee, su motor el tiempo, secuela: El pasado. Deseando huir, corre a la búsqueda de lo fascinante, refleja su porvenir en el futuro… en su último escape. Representa el éxodo y la salvación al tiempo, corre, busca, encuentra un número que se graba y se repite constantemente: 2046.

2046 2004 DE WONG KAR WAI AVEC TONY LEUNG GONG LI KIMURA TAKUYA ZHANG ZIYI
Escena de “2046”
“Todo el que va a 2046 tiene la misma intención, quiere recapturar recuerdos perdidos. Porque en 2046 nada cambia nunca. Pero, nadie sabe si esto es verdad o no porque nadie ha regresado jamás.”

 Y mientras avanza la hora, enredos y confusiones aparecen; crees entender y de repente transformas la idea a lo que es, pero ése “es” se convierte en tu sentir, sólo corresponde a lo que pudiste percibir. Esa es la magia de Wong Kar Wai, te hace desplazarte por todos tus sentidos sin saber cuál va a ser el sabor final. Lo predecible no augura el recorrido de sus películas. No se prevé ni la mitad, mucho menos el desenlace.

 Deseando amar (2000) a simple vista (sólo por el título) ofrece como primera impresión, un melodrama que no pasa más allá de romanticismo peculiar de la cinematografía, sin embargo, la encrucijada aparece cuando ese mismo encabezado representa la barrera para que el amor llegue a la puerta de los protagonistas. Víctimas del engaño, del olvido y en desmedida de la soledad, se buscan implícitamente, para encontrarse dentro de lo que parece un círculo que nunca acaba, quieren deleite –no carnal– , y lo enfrentan enamorándose en cada límite. Con música de Nat King Cole, la burbuja rosa y ofuscada cobra los estragos del desasosiego.

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“Deseando amar” (2000)

 La incursión de Wong Kar-wai en el medio artístico fue en diversos guiones que realizó para algunos programas de televisión. Cabe mencionar que sus inicios en el cine no fueron algo fácil, ya que implicó un gran reto para él, y a pesar del fracaso rotundo de sus primeras cintas como fue Días salvajes (1990), siguió moldeando el estilo que lo definiría poco a poco. La sensación de seguir innovando en sus siguientes trabajos, lo definió como uno de los directores más aclamados de Oriente.

 Un hito de la modernidad como vía para generar condiciones que detonen el pasar de la vida a través de los años, es la consistencia que asombra la ficción en la que logra detonar la añoranza junto con los destellos sobre música y personificación. No es necesario ir más allá de los 30 minutos para saber que la obra es un método pulcro y blando a la vez, es un símbolo de lo distinto. Y lo diferente, promete más que lo necesario; generalmente asombra más de la cuenta. La sensualidad es otro componente elemental del director, que forma una línea indivisible entre lo sólido y obsecuente, un apartado que hace de la exquisitez, el siniestro final.

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

Kids: The movie

El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
Escena de la película Kids

Deseos culturales para año nuevo

Me permitiré hacer una excepción a la regla cultural que de corriente sigo, para hablar de un inicio, que por fuerza será para bien. He escuchado a muchos seres humanos referirse al año que terminó de recién como de los peores que han sufrido en sus flacas o gordas vidas, y es que la afectación ciertamente no ha sido sólo a nivel individual, por fuerza proviene de algo más fuerte y grande, sea que una desencadene a la otra o viceversa, a niveles mucho más poderosos se han sucedido eventos que han desestabilizado al país, Una suerte de campo mórfico para contextualizarnos.

 Entonces escribo esto para desear (como si no tuviéramos bastante de eso) salud, dinero, paz, pero  más bien para desearnos cultura y sensibilidad por respuesta y compañía inherente, porque tengo aún la convicción –que espero jamás perder– de que las respuestas en éste portento se encuentran, que un buen artista es primero un buen ser humano. Que la necesidad de la integralidad tal vez nunca alcanzada concede al humano lo que en verdad requiere, y entonces se ocupa en lo que en verdad debe, y deja de estar ejerciendo presión en el ajeno, en establecer comparaciones vacías de sentido que no le nutren ni le alimentan.

 La cultura merecedora del título nos permite ocuparnos de la naturaleza, la sensibiilidad que permite auténticamente preocuparse por el que lo necesita, llorar frente a un cuadro, ante una obra de arte, ante una montaña y la paz que provee, ante el mar y su inmensidad, esto lo necesitamos. Hacer buenas elecciones, subirse a un escenario y ganarse el derecho, elegir proyectos por el bien que conceden, la moral que rescatan, el amor de que proveen, la reflexión necesaria, la ruptura, la barrera quebrantada. Tal vez cambiar los libros de superación personal, de películas con carteleras llenas, sagas,  por la sensibilidad de Galdós, de Saramago, de Víctor Hugo, por la poesía con apertura, la televisión por la literatura, por las pinturas de una buena exposición, ponerse a dieta saludable de buena cultura, como todo es comida pues, pero es mejor la ensalada nutricia que la gorda de chicharrón, elegir la cultura que alimenta y dota. Cambiar el teatro comercial por el culto, la revista por el cuento de valor.

 Eso deseo, les deseo y me deseo,  para hacer de éste un mundo mejor…

El año del racismo latente

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Crédito: “Producciones y Milagros Agrupación Feminista”

No hay que encender la TV para ver cómo el racismo sigue imperando en la sociedad, solo hay que entrar a Facebook para ver el ultimo “meme” que denigra a la comunidad indígena mexicana. Es bien sabido que los mexicanos tendemos a usar el humor como excusa para lidiar con fracasos o situaciones negativas en general, pero este ultimo trend social abre el paso a preguntarse si los mexicanos de verdad hacen menos a el punto de referencia de la sociedad mexicana.

 México es un país prejuiciado gracias a los extremos sociales, dividido siempre entre dos contrastes sea pobre o rico, desigualdad e impunidad. Las clases sociales marcan la diferencia entre los problemas que imperan en la actualidad. Ayotzinapa es el mejor ejemplo, ¿Qué diferencia hacen unos muertos? No podríamos llamarle un comienzo, las cifras de muertos seguirán aumentando con el paso de los meses. Se buscará nuestro silencio, pero estamos cansados de permanecer callados. Este problema no es mas que una situación racial.

 La segregación racial es un problema de todos el cual nos ataca por igual. Las diferencias raciales en nuestro país se miden por el nivel o la falta de educación, así como en materia de dinero y alimentación. ¿Por qué el color de piel o lenguas nos causan tanta aversión? Es muy sencillo, pues éstas nos unen a un pasado tormentoso de carencias y humillaciones.

 Esta clase de racismo mexicano esta estereotipado por las palabras lástima y pobreza. Lo único que nos separa de los mexicanos en cuestión es la falta de respeto hacia la individualidad mexicana. ¿Como nos atrevemos a separarnos de nuestra misma sangre?

 Hay que ponernos a pensar sobre el daño que nos estamos haciendo como sociedad a nosotros mismos. Estamos tan obstinados en buscar un cambio sin darnos cuenta que somos así de iguales que las mismas autoridades que nos tratan de pisotear y hundir. No nos tratemos de desprender de nuestros hermanos, estamos juntos en esta lucha por la imparcialidad mexicana.

Nunca entenderás a una persona hasta que consideres las cosas desde su punto de vista… Hasta que te metas dentro de su piel y camines con ella.
– Harper Lee, Para matar a un ruiseñor

La sensibilidad e irreverencia de Arthur Rimbaud


La poesía francesa de Arthur Rimbaud (1854-1891), instantáneamente transporta a un mundo de melancolía, a un paisaje fuera de órbita, que va más allá del sentimiento humano. No se le podría afirmar como una emoción que altere negativamente los sentidos, tampoco algo que sea en un término de mera benevolencia. El desaire y la hostilidad eminente del siglo XIX, tocaba la puerta de los más sensibles y con pocas veneraciones hacia lo que sólo se adecua de año a año; a esta clase de personas, inteligentes, brillantes, con un apego hacia la humanidad misma, pertenecía el poeta francés. Con una gran pasión y contrato hacia lo inadmisible, apareció la exquisita lírica de su extensa obra.

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“El nuevo año ha consumido ya la luz del primer día;

luz tan agradable para los niños, tanto tiempo esperada y tan pronto olvidada,

y,envuelto en sueño y risa, el niño adormecido ha callado…

Está acostado en su cuna de plumas; y el sonajero ruidoso calla,junto a él, en el suelo.”

-Fragmento“El ángel y el niño”

  Paul Demeny (poeta destacado de aquélla época) fue su gran inspiración, formando en el joven Rimbaud una pieza de artilugios sobre letras y expresiones que le permitían ir más allá de lo que se veía en la creación literaria parisina. Fue el eco de la rebelión y de la subversión ante quien no aceptaba sus acciones de libertad. Un lapso de tiempo que se desplumaba por una actitud pueril, que no permitía que el talento de un ingenio se llegará a percibir con la magia que destilaba en cada poema.

 Presa de lo difícil , del hecho controversial, trató de salir airoso, alejándose en primera instancia, de sus raíces primarias y luego del círculo intelectual francés. Víctima de una infancia precaria -emocionalmente hablando-, buscó el hueco sobre la prosa desde muy pequeño, el arreglo hacia su dolor se plagó de instantes llenos de sensatez y hostilidad también.

“En la horca negra bailan, amable manco.

Bailan los paladines,

los descarnados danzarines del diablo;

danzan que danzan sin fin

los esqueletos de Saladín.

¡Monseñor Belzebú tira de la corbata de sus títeres negros, que al cielo gesticulan,

y al darles en la frente un buen zapatillazo

les obliga a bailar ritmos de Villancico”

-Fragmento “El baile de los ahorcados”

 El invierno fue una estación del año decisiva en el francés, ya que en 1870 el Colegio de Charleville (al cual había asistido) se convirtió en un hospital militar, lo cual ocasionó un extraño sentimiento en el joven de 16 años, que regresaba después de una fuga; razón de esta fue la horrible voluptuosidad social a la que se veía sujeto.El regreso le provocó una oleada de sensibilidad mayor, y su desarrollo en la poesía se enalteció conforme se separaba más de la burguesía. Desde sus escritos, se notaba un cierto resentimiento hacia la clase que manipulaba constantemente el trabajo de los artistas; los que se salían de dicha área, no eran bien aceptados, como lo fue para él, ya que desde el principio se le trató de desprestigiar.

“Mi triste corazón babea en la popa,

mi corazón está lleno de tabaco de hebra:

Ellos le arrojan chorros de sopa,

mi triste corazón babea en la popa:

Ante las chirigotas de la tropa

que suelta una risotada general,

mi triste corazón babea en la popa,

¡Mi corazón lleno de tabaco de hierba!

¡Itifálicos y sorcheros

sus incultos lo han pervertido!”

– Fragmento de “Cartas del vidente, primera: El corazón atormentado.”

 Un gran aventurero de la vida y la muerte, incidentes que van desde lo ocurrido con Paul Verlaine (que atentó contra su vida) hasta la unión en el ejército colonial holandés. “Las iluminaciones” y “Una temporada en el infierno” han sido de sus máximos escritos que han permitido que el legado de Rimbaud prevalezca hasta el presente siglo.Llena de suspenso, melodrama y caos, su obra aparece como la rebeldía de una flor que se negaba a marchitar, como un lobo que se aferraba al frío de la temporada, como un depredador sobre la mejor víctima y con el enorme amor hacia los desafíos que se presentaban.

Las complicaciones de ir creciendo: ¿Extrañas la niñez?


Con mente, espíritu e ímpetu caminas los primeros años de tu vida, con más apego y destreza. Poco a poco, la monotonía va embargando el cuerpo, las esperanzas y el pensamiento;  te quedas  despoblado de un sentimiento que en realidad te pertenezca. Pasas por el sendero de las cruces, de las piedras …te resbalas, caes, tal vez lloras y quisieras quedarte ahí para olvidar la aflicción que se te ha impuesto implícitamente. Ya no es el tiempo donde jugabas e ibas a la escuela con el ardor de conocer y disfrutar sin esperar nada a cambio, estabas dispuesto a entregar más no a recibir. Escuchabas como la gente peleaba, lloraba y se preocupaba, a ti nada de eso te quitaba el sueño, sólo querías consolar la desesperación de los que te rodeaban, querías dar amor, del puro y noble que se extingue conforme creces y poco a poco se evapora con la mente.

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 Te preguntaban con frecuencia: ¿Qué quieres ser de grande? Y tú no pensabas mucho la respuesta y decías cosas como bombero, policía, carpintero, bailarina, actriz, ama de casa sin tomar en cuenta si ese oficio o profesión te generaría recursos económicos a largo plazo o si podrías vivir cómodamente, la respuesta estaba cargada de sentimiento y simplicidad a la vez, a lo cual los grandes sólo reían y se quedaban viendo. Los adultos eran tan extraños para ti ¿Recuerdas?

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 Si tus padres te regañaban, parecía que el enojo sólo aparecía en un lapso instantáneo, después estabas como si nada, platicabas con ellos sobre cómo te había ido en la escuela y la próxima pijamada que Juanito iba a preparar en su casa, llegaba la noche y jugabas lotería con tu hermano mayor, mientras que tu mamá preparaba hot cakes (creo que eran tus favoritos). Siempre que terminabas de comer decías: “Te quedó muy rica la comida, mami” y tu madre sonreía tiernamente. La vida era serena y tranquila, excepto cuando la junta de padres de familia llegaba y la amonestación sobre una mala calificación o conducta indebida ameritaba el regaño del tutor; y si la falla fue muy alta, tal vez el castigo hacía su aparición, sin embargo, a los dos días se levantaba y salías como si nunca hubieras visto el sol…¡Eras tan dramático! Así como eras, te amabas, sin importar que tan flaco o gordo estuvieses.

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 Veías el día desde una perspectiva más amable; tu preocupación cotidiana más abrupta era la tarea. Sólo esperabas que no fuera de la materia que más detestabas, ya que querías pasarla bien por la tarde con tus amigos, sin tener que pensar en la maqueta que te dejarían para el siguiente día. ¡Era terrible! Sólo querías jugar a las muñecas,a la casita o echarte un cascarita.¿Por qué no entendían que las complejidades del mundo no te quitaban el sueño? Bueno, al menos entendías que hacer lo que te dejaban tus maestros, era tu mayor obligación.

 De esa manera vas adoptando patrones y compromisos que te complican poco a poco la existencia, ya no era nada más la tarea, ahora te preocupabas por gustarle al chico o chica que te llamaba la atención, empiezas a compararte con los demás, y crees que no le gustarás debido a tu falta de seguridad, piensas que seguramente esa persona busca algo más, y ese algo no eres tú.Pierdes la ilusión, y ahora empiezas a divagar. Tremendo problema, te has enamorado.

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 Ahora, quieres dinero; esos artilugios te han embobado, quieres parecer grande como cuando veías a tus hermanos, vives esa etapa que se carga de cosas que te eran desconocidas pero que adoptas rápidamente. ¿Cómo conseguirás recursos monetarios? Tienes que estudiar arduamente para conseguir un mejor trabajo,(eso te dijeron)  y estudias como enfermo y ahora llega otra gran preocupación: Conseguir empleo. Y ya son obligaciones tras obligaciones. Pareces ser dueño de tus ideales, aunque de cierta forma, sabes que no te pertenecen, han sido arraigadas con el paso del tiempo. Todo fuera tan fácil como ser niño.¿No extrañas esos momentos?

Tarkovsky y la paradoja de la imagen


Siempre he pensado que un escritor se desnuda al escribir, simplemente pone toda su alma en la obra escrita.

“La creación artística exige una verdadera entrega de sí mismo”

-Tarkovsky, Esculpir en el tiempo, 1992.

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 Está ahí expuesto, ya sea para dejar una evidencia de su mera existencia o expresar su lucha interna, o algo, cual sea su razón, él o ella misma se ha exhibido para la interpretación. Cualquier obra, tanto escrita o cinematográfica está abierta a la interpretación. Una vez leí como Tarkovsky declaraba que ningún crítico jamás entendió (¿enteramente?) El Espejo. Y siempre se me viene a la mente como el artista se pone su traje de indescifrable cuando nos revela todo o casi nada, y me llego a preguntar sobre la mimesis, la esencia del arte. ¿Qué tan auténtico puede llegar ser la obra creada? ¿Qué tan personal puede ser en relación a la diégesis? El Espejo es el trabajo más personal de Tarkovsky, contada de manera no lineal, consta de recuerdos principales de su niñez y después de su vida adulta, narrado por su padre a base de poemas escritos por éste y actuado por su madre.

 La poética dramática cumple el soporte con el que se cuenta la historia, es esencialmente subjetiva al reflejar las intangibles emociones por medio de sonidos o efectos de luz, sentimientos, sensaciones, emociones y pasiones expresadas sin decir nada gracias a la imagen, el cine contemplativo en su máxima expresión. Pero también objetiva al ser Tarkovsky, el personaje principal de la obra, aunque esté oculto gracias a las actuaciones. Entonces, ¿Que parte del mensaje no se recibió?, en mi opinión, Tarkovsky habla sobre lo que el sintió en el exacto momento en que sucedieron tales sucesos, de ahí en adelante llegamos a interpretar parte del mensaje. ¿Qué nos quería contar Tarkovsky? No podría contestarle, sería imposible, en primer lugar porque no cuento con los mismos antecedentes geográficos y culturales que él. En esculpir el tiempo, sus compatriotas fueron los más “cercanos” en haber recibido el mensaje. Se cerró el triángulo de Buhler.images (11)

 Cuando hablé sobre la trama de El espejo, de una manera externa declaré aspectos fundamentales, ni siquiera consideré discutir sobre la misma subjetividad de la película. Mi película favorita de Tarkovsky es Stalker, en mi opinión habla del hombre y su adicción a un lugar donde se cumplen los sueños y los más oscuros deseos, debido a la horrible situación en la que vive hace que este hombre quiera estar en la zona en vez de enfrentar su propia realidad, me atrevería a comparar la zona como una ensoñación, según creo, estas dos entidades tienen similitud en sus características. Pero volvemos a lo mismo, cada lectura de cualquier ente, pieza, objeto, obra está demandando una reflexión profunda.

 La función de la imagen recae en la función del arte; el arte está ahí para inspirar al cual dependerá del momento cultural en el que se viva. El arte contemporáneo vive para la reinterpretación. ¿Cuál es el mensaje? ¿Es necesario que haya una simbiosis entre el interpretar “exitosamente” el contenido y haber experimentado el placer estético?

 Si no se dice todo sobre un objeto de una sola vez, siempre existe la posibilidad de añadir algo con las propias reflexiones.

-Tarkovsky, Esculpir en el tiempo, 1992.

Cada detalle del texto artístico adquiere más de un significado y más de una posible interpretación, debido a que está inserto en diferentes sistemas de relaciones. Por ello el texto artístico posee una sobre significación que se advierte más fácilmente como una perdida, al no poder traducirlo cuando se tras codifica a un texto no artístico. Esto se debe a que, entre un texto literario (artístico) que ofrece dos o más planos, y un texto no literario que ofrece un solo plano, no puede darse una correspondencia univoca, luego no puede realizarse la transcodificación. Por esta misma razón, la interpretación del texto literario es plural. Hay una serie de interpretaciones posibles y admisibles debido a que nuevos códigos, de nuevas conciencias lectoras, revelan en el texto estratos semánticos. (Lotman, 1984)

La reestructuración de los nuevos géneros cinematográficos

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Conforme fui creciendo, casi involuntariamente he tenido una visión malinchista hacia el cine mexicano, no porque genuinamente crea en ello sino gracias a los comentarios negativos y a la aversión de la escena mexicana del cine por una afinidad de gente a mi alrededor.

 Lamentablemente ha llegado a ser cierto, el cine mexicano carece de una imagen atractiva para muchos, debido a la constante tosquedad, vulgaridad y desfachatez que aparecen en él. A veces me pregunto si la falta no la tuvieron los mismos artistas contemporáneos (1982-2002) sino la generación mexicana educada por medio de una formación católica acostumbradas a un cine mas amable. Pero el arte es una reproducción de la realidad y la época de oro mexicano fue solamente una repetición cómica de la pobreza mexicana con figuras jocosas que hacían olvidar las penas que la misma audiencia vivía al momento de ver aquellas películas.

 En aquella época, el cine mexicano repetía la situación de pobreza e injusticias. Aun así, el publico tenia una gran variedad fílmica a escoger en los matinés y salas de cine gracias a los dramas y comedias con personalidades tales como Marga López o Mario Moreno Cantinflas. Se podía dar el lujo de ver otros géneros sin herir el mercado nacional.

 Con la llegada del nuevo milenio (Nueva era del cine mexicano) cineastas decidieron relatar la realidad mexicana sin tapujos. Registrando escenarios que se asemejaban a la situación critica de la delincuencia y criminalidad que embargaba la sociedad. Los mexicanos se evitaron ver el cine mexicano y prefirieron consumir el cine americano, al evitar escenas sexuales explícitas, lenguaje obsceno o situaciones violentas gráficas. Gracias al éxito de mexicanos en el extranjero, llegó a las escuelas de cine una nueva camada de estudiantes mexicanos que pronto harían que proliferarían el cáncer del cine mexicano.

 Al imitar géneros europeos, estudiantes trabajan el genero contemplativo donde la forma es la materia principal para contar una historia, dejando de lado al guion que fuera el cimiento de la obra cinematográfica. El cine mexicano deja de financiarse por los grandes estudios y comienza a financiarse por los mismos autores con la escasa ayuda del IMCINE o FIDECINE. Durante el 2013 el IMCINE solo otorga 9% y 20% en fondos para proyectos mexicanos los porcentajes se basan en las 1283 solicitudes para la producción de cortometrajes, de los cuales solo se llegaron a financiar 161 de ellos. De las 179 solicitudes para los largometrajes, solo 23 proyectos se llegaron a financiar. 249 millones espectadores asistieron a las salas nacionales en 2013, de los cuales 30.1 millones vieron películas mexicanas.

 Estas cifras alarmantes solo deben de concientizarnos, la audiencia mexicana no toma enserio el trabajo de los nuevos cineastas a causa de ciertos proyectos pretenciosos. No hay que confundir la simpleza con el arte contemporáneo. Debemos de tomar en serio el arte de hacer cine y dejar de utilizar la cámara como un recurso sino como una herramienta para la elaboración de nuevos esquemas. El cine mexicano debe de tener una reestructuración. Los maestros deben de empezar a enseñar a los estudiantes a tomar géneros del pasado, y así invitar a los estudiantes a formar una voz propia, y tomarse en serio el arte de registrar con el fin de contar historias que inspiren a una audiencia mexicana que necesita de un cambio social.

 La era digital nos alcanzó pero no hay que olvidar que debemos de hacer valer el tiempo que se dedica para hacer cine. Hay que tener una responsabilidad en el campo cinematográfico, y filmar dignamente con valor y respeto a este arte.

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

No hay alcohol suficiente para matarnos todos de una buena vez

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Ya se viene Navidad y yo sin novio. No lo digo en tono de lamento, que quede claro.

 No sé si es por el cliché o porque baja la temperatura y mi cerebro genera menos serotonina, pero sí empiezo a odiar todo a final de año. Si usted anda contento por favor abandone la lectura, porque hoy amanecí de mal humor y no diré nada positivo.

 Y qué si despotrico lo mucho que me cagan las fechas navideñas, porque mi familia no hace ni fiesta y para colmo no puedo salir porque son fechas para compartir con los lazos sanguíneos. Me molesta muchísimo desear felices fiestas cuando no me nace. Lo único que me gusta es comprar y comprar, eso sí. Creo que es la única utilidad razonable, tener abrigos nuevos y justificar la peda de las posadas por la llegada del niño Jebús.

 Qué lástima que la reciente victoria del América no me alcance para desafanarme del resto de la información y entonces yo, pueda andar tuiteando y publicando: #odiamemás.

 Ya que empecé me iré de filo en desgajar las cosas que odié de todo este año que –gracias al niñito Jesús– ya se va a terminar. Me molesta  estar al día de las noticias nacionales e internacionales y que cada vez mi razonamiento alcance sólo para llegar a la desesperanza, al hastío. A la indiferencia nunca, creo que ese es el problema. Ojalá me importara menos la injusticia social y las artimañas de la clase política. Ojalá.

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Entonces pienso:

No hay esperanza, no hay amor.

No hay credibilidad a los medios, ni a las personas.

No hay fe.

No hay redención.

No hay riqueza para los vulnerables.

No hay felicidad para los padres que buscan a sus hijos, asesinados por policías.

No hay congruencia en la juventud.

No hay trabajos justos y bien remunerados.

No hay tolerancia.

No hay drogas que alcancen para abandonas las temáticas actuales y sus asperezas.

No hay alcohol suficiente para matarnos a todos de una buena vez.

Fotos: Paco Macilla

 

Ver arder (y no meter las manos al fuego), un cortometraje realizado desde la coyuntura nacional

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“La noche del 26 de septiembre del 2014, tras la emboscada en la ciudad de Iguala, Guerrero: hay seis muertos, 25 lesionados, 43 desaparecidos. La madrugada del 27 nos agarró dormidos…”

Con estas palabras da inicio Ver arder (y no meter las manos al fuego), cortometraje realizado por el colectivo Red de redes en colaboración con otros artistas. Tuve la oportunidad de charlar con Santiago Concheiro, uno de los miembros de dicho colectivo acerca del proyecto y de la creación de este cortometraje.

 En el marco de la coyuntura por la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, surge la idea de generar un espacio de discusión política permanente y profunda a partir de todos los problemas que agobian a México. A través de distintas comisiones nutridas por compañeros de diferentes escuelas y espacios, se crea Red de redes. Precisamente dentro de estas comisiones, existe una dedicada específicamente a lo audiovisual (comisión de medios). Es así como a partir del análisis de la coyuntura y de los planteamientos que giran alrededor de esta, Red de redes se dispuso a realizar un video que apelara a lo humano y proyectara un mensaje político claro, es decir, una postura que respondiera a la pregunta: ¿qué sigue? (después de Ayotzinapa), asumiéndose los compañeros como sujetos activos en el proceso histórico en el que se vive, según Santiago.

 El cortometraje estaba programado para salir a la luz el pasado 20 de noviembre, día en que se realizaron diferentes movilizaciones en solidaridad con el caso Ayotzinapa, sin embargo, cabe destacar que fue presentada una primera versión durante la toma político-cultural de la Cineteca Nacional. Posteriormente se le realizaron arreglos y, a partir del viernes 28 de noviembre ha circulado por las redes sociales.

 La técnica usada en Ver arder… es óleo sobre vidrio. Desde que inicia podemos ver una serie de imágenes en stop motion, las cuales se mueven cual pinceladas mientras se escucha una voz en off. Para lograr transmitir este mensaje desde la técnica del óleo sobre vidrio, Red de redes realizó una convocatoria a los artistas que pudieran colaborar en las recursos plásticos, así como también para la musicalización. La creación del guión fue a partir de diferentes textos escritos por los miembros de dicho colectivo. Así pues, Ver arder… es un collage de ideas y textos que, de manera simbólica permiten expresar esta postura política de la cual se habló al principio a través de la creación. Simbólicamente, el cortometraje representa la toma de los recursos audiovisuales como un medio más de expresión del descontento frente a la violencia en la que el país se ha visto envuelto.

 Ver arder… señala la urgencia de no olvidar, de estimular la memoria a partir de los eventos que nos apremian y no dejar que “la efímera coyuntura”, como proclama esa voz en off, nos permita olvidar. La conciencia no debería desarrollarse sólo cuando los muertos sean nuestros, la indiferencia también nos vuelve cómplices. “Hacer de la rabia actos” es uno de los mensajes más importantes dentro de este cortometraje. Ayozinapa sólo es la punta del iceberg que ha hecho a los mexicanos abrir los ojos, tal cual se nos muestra al final del cortometraje cuando aparecen varios pares de ojos abriéndose uno por uno a la realidad.

Soledad bajo el Expresionismo : 151 años del nacimiento de Edvard Munch


Edvard Munch (1863-1944)

12 de Diciembre de 1863, día en que Edvard Munch nace bajo la lupa de una familia rígida  y con semblante duro. El expresionismo noruego se graba a finales del siglo XIX bajo los trazos de un nuevo icono. Quebró los límites de pensamiento del siglo pasado. Dramatismo, singularidad y un nuevo relieve para alcanzar la inspiración, fueron las pautas que permitieron a Munch esquematizar el descontento que prevalecía en él como ser individual, sin pensar que su legado iba a prevalecer desde aquéllos años donde la frialdad del mundo parecía pertenecer a la naturaleza tangente del hombre.

 La muerte fue el gran emblema de sus obras, suceso que le acechó a muy temprana edad. Esto se encuentra claramente en la obra “El funeral” (1896), donde la escena resulta desoladora y trágica, sólo falta ver que el único rostro que se vislumbra tiene el semblante caído y desvalido, las demás caras se encuentran perdidas bajo el regazo de la tristeza. La melancolía cobraba vida en el mundo del noruego que penetró sobre los dolores más sublimes del ser humano –desde la depresión hasta la esquizofrenia-. Cinco años y la muerte de su madre fue el elemento sustancial para tener una expresión visceral sobre el deceso de los seres queridos; el núcleo familiar parecía ser el complemento para desarrollar su ansiedad por retratar la conmoción del sentir humano; porque dolor y felicidad se yuxtaponen a cada momento.

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“El funeral” (1896)

 “Atardecer en el paseo Karl Johann “ (1892) muestra la singularidad del sentir del pintor. Se enfrentaba a los desaires de una sociedad que tal vez no le comprendía, y por lo tanto, no podían descubrir la magia de su pintura. Un desaire y decepción amorosa, fue la pauta que lo sumergió en una melancolía fortuita, que culminó en la soledad misma. Oslo no parecía ser su sitio preferido, por eso, la vida la pretendía más allá de lo terrenal. En su manifiesto de 1889 de “Saint Cloud” destaca lo más importante de su desenvolvimiento como artista. Las palabras se nutren de sinceridad y vocación hacia la vida misma; letras que conmueven el alma:

“  […] Ya no se deben pintar interiores con hombres leyendo y mujeres cosiendo. Deben ser pinturas sobre seres humanos reales que respiran, sufren, sienten y aman. Me siento obligado- sería fácil- a pintar una serie de estos cuadros: En ellos es preciso entender lo sagrado. La carne y la sangre tomarían forma, los colores cobrarían vida.

Hubo un intervalo. La música paró. Me sentí un poco triste. Recordé cómo muchas veces había tenido pensamientos similares y que, una vez había acabado la pintura ellos habían sacudido su cabeza y sonreído. De nuevo me encontré en el Boulevard des Italiens”

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“Atardecer en el paseo Karl Johann” (1892)

 Asgardstrand fue el sitio que desató la descripción y paradoja envuelta en Munch. Víctima del olvido, presa del dolor, corre para dibujar lo que se encuentra fuera de la mente fría. Todos son sentimientos, lo que pasa es que la sociedad olvida, percibe y olvida, recuerda y parece olvidar. Es un intento, porque la experiencia recorre cada porción del cuerpo. París fue su sitio de formación, pero Oslo vivía en cada uno de sus detalles. Recordaba su legado a través de las vivencias en aquél lugar tan antagónico. Sombrío y lleno de reflexiones, Munch caminaba por los senderos del camino para seguir descubriendo el pilar del signo de catástrofe humana. Sin saberlo, fue uno de los pioneros para indagar sobre los fantasmas más secretos del hombre.

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“Separación” (1894)

 Cuarto oscuro, penetrante con la sombra de la luna, con el resplandor de esta como única fuente de luz en una habitación es el escenario de su obra de 1890 “Noche en Saint Cloud”. Muestra de la soledad en la que el pintor yacía a cada momento. Presencia de la muerte en sincronía con la existencia, reflejo de la bruma de París sobre sus ojos. Sinónimo de anacronismo y de emblema del tumulto de su corazón.

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“Noche en Saint Cloud” (1890)

 El andar del humano entre las distintas facetas del laberinto, es una de las más quebrantables frustraciones del caminar. La obsolescencia del pasar del tiempo, del lapso entre la adolescencia y la vejez,  del vaivén de experiencias, anacronismos y puntualizaciones que manifiestan al individuo como fuente de declaración sobre los pies y las manos más arrugadas. El viaje no cesa y la sombra de los ayeres acompaña durante la travesía; esto se plasma en su obra “La danza de la vida” (1900), descripción que muestra el proceso de retrospectiva sobre el consuelo y el apetito por desear que los años no corriesen.

LA DANZA DE LA VIDA
“La danza de la vida” (1900)

 Tres años atrás y en 1897, Munch declaró a la pasión que corroe el alma en una pintura cargada de azul y de sincronía entre dos seres. Mediatizada por lo sublime, lo espectral y lo concerniente a la fascinación por ser partícipe de las diversas fuentes de amor. El título es corto, pero que origina el preludio de armonizar la concepción y la importancia del anhelo por ser amado; una necesidad natural del hombre, su nombre “El beso”. No es una cuestión ajena al desenvolvimiento fraterno, es la expresión misma del desacato hacia la formalidad. Un beso se conduele, ya sea en un afán frívolo/compromiso o en una situación de muestra de afecto.

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Fotografía de Edvard Munch (1908)

En 1892, en la exposición que tuvo como sede Berlín, la sociedad espantada y sin un sentido crítico, sólo se dispuso a alarmarse en cuanto a la obra del noruego, por lo cual el rumor corrió y se trató de desprestigiar el trabajo de Edvard Munch durante mucho tiempo. Consideraban arte a lo cotidiano, más no a la obra que presentaba elementos fuera de orden. El orden como eje maestro de la década del siglo XIX y XX, persona que no congeniara en ese patrón, simplemente se le tachaba de mezquino y sin un uso correcto de lo que el arte representaba para la clase. ¿Cuál clase? La privilegiada.

 A partir de ese año, el pintor se dedica a dibujar cuestiones más notorias hacia el delinquir humano. Presionado porque su arte era mal visto, las obras más emblemáticas fueron:”En manos (1893), Retrato de Dagny Juel del mismo año, La tormenta (1893) y  quizá la más reconocida “El grito”.

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“Retrato de Dagny Juel” (1893)
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“El grito” (1893)

 Soledad, frustración y un sentimiento de aniquilamiento recorría cada trama de Munch, conquistando el mundo de los incongruentes de una manera sutil y perfecta. Entre la enfermedad mental, consoló su mundo de sentimientos y corazones que le permitieron conocer la cruda verdad del hombre. 1944, año en que tal vez su añoranza hacia la muerte lo hizo dejar este mundo tan preocupado por cosas de suma extravagancia; la sensibilidad no era parte de la gente.

El Principito llegará a la pantalla grande en animación 3D para 2015

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Sólo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible a los ojos.

El actor Leonardo DiCaprio fue el encargado de la producción de la película de El Principito, la famosa obra del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry. Será exhibida en 2015, con formato de animación 3D.

 La adaptación animada fue dirigida por Mark Osborne y contará con la participación de actores como Rachel McAdams, Mackenzie Foy, James Franco, Jeff Bridges, Marion Cotillard y Benicio del Toro en la parte del doblaje de voces.

 “Le Petit Price”, como se llama la cinta en francés, se estrenará en octubre de 2015 en Francia.

Entre mil estrellas, te encontré a ti; la sonrisa que siempre brilla en mi corazón.

Aquí el tráiler que adelanta un poco de lo que se verá el próximo año.

 De la novela traducida a más de 250 idiomas y dialectos, en 1974 se realizó otra adaptación al cine con letras de canciones y guión del estadounidense Alan Jay Lerner y música del compositor Frederick Loewe.

¿A las cuántas despedidas me alcanza para un adiós?

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No es un don nacer con las ideas desordenadas, uno tiene que luchar años completos para ordenarlas y reinventarlas. No es glorioso amanecer luego de un tsunami de drogas y alcohol. Lo que sí es glorioso es el consomé y el refresco de cola que te rescatan de la resaca.

 No me enorgullece decir que no sólo mis ideas están desordenadas, también las emociones y lo sé al ver el caos de mi habitación. O eso dicen los que saben. Lo entiendo porque no me ajusta el tiempo. No me alcanza, o no lo sé administrar.

 Este fin de semana festejé el cumpleaños de mi primo, y si no hubiera sido eso, hubiera encontrado otro evento para destruir el cuerpo, siempre hay amistades dispuestas a emborracharse el fin de semana.

 Pasé dos días sin tocar el suelo. Qué puedo decir si en otro estado y escuchando música todo se hace más ligero. Pareciera que si uno se aleja de todo lo que es real e importante el resto de la semana se alcanza la plenitud.

 No es placentero ser olvidado, pero sí lo es olvidar. Pasé dos días completos sin decir tu nombre, ni hablar de ti. Me complace anunciar que ante tus desprecios, aunque no soy inmune, sí he generado tolerancia. Oírte decir que no hay amor y que sí lo hay está enfermo, pues ya no me desborda en lagrimas y eso ya es mucho decir.

 Ya no beso otras bocas, porque no son tus labios. No me gustan otras vergas, porque espero la tuya. Yo sé que vendrás, te irás y luego se repetirá. No me importa que ya que no me quieras a tu lado, porque sé que me amas. Aunque no quieras, aunque yo no pueda ni negarlo. Llegará el día que a los dos nos alcance el olvido. Aquí, olvido para dar y regalar. Para refrendar una herida, para querernos felices. Para darnos un poco de dignidad y dejar que cada uno esparza sus tentáculos y fieras por otros rumbos.

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 Si habremos de separarnos dolerá, pero sé que ese momento no ha llegado. Te siento aquí, y aunque tus palabras escupan desprecio, tus brazos y el calor de tu pecho me piden a gritos que vaya a tu habitación a ver series japonesas, empiernados. Y yo iré y me quedaré. Saludaré con amor a tu familia y me llevarás a casa, sin decirles que no somos novios. Sin aclarar que “nos estamos separando”, porque daremos la impresión de amarnos como adolescentes, como en abril,  como siempre y como nunca. Adiós, mi amor. Te escribo pronto.

Fotos: Nadha.

Una anti-Barbie muy real

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Ya han pasado 55 años desde que Barbie salió al mercado, años que han acompañado a generaciones de niñas a la hora de jugar, años en los cuales el estereotipo de cómo debe ser una mujer se ha mantenido constantemente.

013 Desde la aparición de Bild Lilli Doll, la antecesora no muy famosa de Barbie, la figura femenina ha sido la misma: chicas rubias, altas, delgadas y bonitas. Sin embargo, cada día se cuestionan más los estereotipos y roles que deben seguir las mujeres para encajar en el molde de mujer perfecta, no sólo a partir de esta muñeca, también a través de la televisión y revistas de moda.
Como bien dirían las abuelas… los tiempos han cambiado y con ellos también el cómo se ven ahora las mujeres dentro de la sociedad. Aceptar las normas establecidas desde hace años es cada vez más difícil, así como es difícil creer que las mujeres no deban tener imperfecciones o sencillamente ser diferentes, únicas.

Pero para suerte de muchos y dolor de cabeza de otros llego Lammily, una muñeca creada a principios de este año por Nickolay Lamm, un diseñador que cansado de esta vieja escuela perfeccionista e irreal creó una Barbie normal.

 Lammily rompe por completo el estilo puro de Barbie, es más baja de estatura, sus proporciones corporales se asemejan al cuerpo real de una joven de 19 años, pero sobre todo, incluye estampillas para personalizar cada muñeca a manera de agregarle celulitis, rasguños, moretones, cicatrices, estrías, acné, entre otras cosas, todo esto para hacerla más real.

 El recibimiento para Lammily fue mejor de lo que se esperaba, en la preventa las ventas alcanzaron los 220.000 dólares, y los niños quedaron muy satisfechos con ella, prueba de ello es este video, el cual muestra como Lammily es identificada como una persona real, que puede ser una hermana, tía, profesora, etc.



Reflexión en torno a “Los Nadies” de Eduardo Galeano


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Crédito: Fragmentos de vida.

¿Sabes quiénes son los nadies? ¿Por qué son llamados de esa forma? Los nadies son aquellos a quienes los burgueses han olvidado, los que tratan de salir del calabozo en el que la sociedad los ha inmiscuido y cercado, ellos son el retrato de un corazón blando y casto, sin titubeo alguno, que entregan su vida para dar paso a la creencia de un nuevo orden de inclusión, donde ellos puedan ayudar a los incoherentes en una ardua reflexión.

 Los incongruentes son esos que desprestigian la labor social, los que se esconden bajo el dinero para olvidar todo lo que han propiciado… los que venden patrias por privatizar a diestra y siniestra lo que con tanto esmero trabaja el pueblo día a día; ellos (los incoherentes) deberían de ser los nadies, porque en realidad tienen el deseo de hacer pedazos cada retrato de una nación que sufre.

 Esos que se atreven a llamar “nadies” a los que de verdad han cosechado frutos y esperanzas para un mundo tan frío y ambivalente, deberían mejor de callarse antes de señalar al que de verdad planta semillas en todos los jardines del país, ya que llegan solamente a pisar lo que con tanto esfuerzo se trató de nutrir y hacer crecer. Reciben ese nombre los nadies, porque los egoístas (los verdaderos nadies) piensan que el mundo debe de no temblar ante lo que pase y seguir su rumbo, les aterra pensar que el cambio está cerca. ¿A quién le aterra ese cambio? A los privilegiados, a los que explotan, a los que matan y aniquilan sueños en todos los sitios de un país consternado y sumiso. La subordinación es el alimento principal de los que corrompen y sustentan su beneficio propio, a costa de la benevolencia de los castigados, de los desprestigiados… de esos que se les niega entrar a un hotel de lujo sólo por no cumplir el protocolo de vestimenta. ¿Qué garantizan unos zapatos de marca? Seguramente, la falta de criterio y un gran grado de estupidez humana, que se convierte en heces fecales que deambulan en cada uno de sus corazones –si es que tienen aún–.

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Crédito: Blog Surrealista.

 Sobrevaloran un mundo de ostentosidad, celebran la hipocresía, construyen mansiones para ir a derrochar el dinero que trabajaron los nadies, porque a ellos nada les costó; o fue herencia o fue explotación, no hay otra explicación sensata al respecto. Residenciales de ensueños…corazones muertos en vida, automóviles fuera de órbita…soledad que rompe motores, bolsos de pieles…botox en todo el cuerpo; todo tiene un porqué para los que se atreven a llamar nadies a los que labran la tierra, pensando que el fruto será hermoso. Porque las manzanas que los portentosos comen es gracias a que el oficio lo sabe desarrollar el que ama la vida, no el que ve signos de pesos en todas las cosas habidas y por haber.

 ¡Pobretones los ricos! ¡Ricos los pobres! Gran dilema. Los burgueses con desdichados y fríos, soledad es su vía y su muerte es el dinero. Los ricos paradójicamente son los nadies, con un gran corazón y sabiduría para ver la vida, ellos son gratamente nutridos por el alba, y son los dueños de las esperanzas de este frívolo planeta… los nadies son ricos, más millonarios que Carlos Slim y Bill Gates. Los que prenden chispan y colores al panorama, merecen una alegría infinita, ya que no criminalizan, no acusan..sólo viven para luchar y constatar que no todo se ha desquebrajado como los poderosos quieren hacernos saber. Dejen de mentir señores acaudalados, el dinero brilla para ustedes, a nosotros (los nadies) no nos importa, es más, nos vale un sorbete si siguen acumulando. La mente y el corazón se pudre de tanto codiciar… anoten.

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Crédito:Fotolog.

 Cara con la belleza de la aceptación y de la creación; los que poseen este tipo de rostro son los que hacen de la naturaleza su vínculo primario, mientras que si la nariz, los labios y los pómulos se ven fuera de contexto, seguramente fueron víctimas los que esperan con ansiedad, el hacer cambios para poder pertenecer a los que todo el tiempo se burlan de los nadies. ¡Qué horror! ¿Tener que ser miembro de los burgueses a costa de tu libertad humana?  Ése podría ser el gran error que de muchos que sólo piensan en la faramalla y en la altura de unos zapatos que muchas de las veces no son ni del color que les gusta. Mercenarios del sueño del nadie, pero conversadores de la gran obviedad del mundo: La perdición. 

 ¿Quiénes son ellos para llamar a los nadies de esa manera? Son los burgueses los que exprimen el último limón del huerto, para deleitarse con sus manjares, mientras que el desdichado espera a que comparta tan sólo una cuarta parte de medio limón; eso nunca sucede, y es cuando más fuerte tiene que trabajar el oprimido, de lo contrario, se le despide y sin prestación.

 Miseria en el corazón, dinero en la mente y los bolsillos, marcas y presunciones de aquí para allá, revistas que presumen del chico más codiciado entre la oligarquía… ¡Qué flojera! ¿Eso es el mundo? Para el 80% tal vez, para el otro 20% la vida se expresa con colores que muestren el legado de la historia y la formación de cada estrella, esa es la existencia. Todos nos vamos, el dinero se queda, el corazón también tiene que partir. Los nadies se tranquilizan porque amaron con todo el poder, los otros, no se sabe, porque vivieron de la pretensión misma.

Las calles se teñirán de rojo

“Benditos sean los nuevos padres de la patria, por permitirnos purgar y purificar nuestras almas. Benditos sean los Estados Unidos, una nación renacida”

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Imagina vivir en un país en donde los crímenes, violencia y desempleo estén en los números más bajos registrados históricamente. ¿Te atreverías a vivir en un país que brinde oportunidades a todos sus habitantes a cambio de una noche en la que es legal asesinar, robar y cualquier otro crimen?

 Este es el argumento de The Purge, una película que nos muestra una sociedad que se ha ido adaptando a través de los años a una nueva manera de vivir. Bajo la dirección de James DeMonaco, este filme retrata la vida de los Sandin, una familia común y corriente que se enfrentará a su peor pesadilla en la purga anual del año 2022.

 Las únicas reglas durante la Purga es que los funcionarios del gobierno de “ranking 10 o superior” deben permanecer ilesos y el uso de las armas por encima de “Clase 4” (por ejemplo, armas de destrucción masiva) están prohibidas.

 purga-louisvilleTras el estreno de esta película en 2013 y su segunda parte, The Purge: Anarchy, pareciera que la realidad superó la ficción, ya que el pasado 15 de agosto de 2014, en el estado de Louisville, Kentucky, comenzaron los rumores sobre llevar a cabo una purga real que comenzaría el viernes 15 de agosto a las 20:30 horas concluyendo al día siguiente a las 6:00 de la mañana.

 Obviamente las autoridades tomaron estas amenazas de manera alarmante, mientras también se preparaban para lo peor. Este llamado de violencia colectiva desató el pánico entre los habitantes, mismos que en la noche de ese día no paraban de llamar al departamento de policías reportando que escuchaban balazos y explosiones fuera de sus hogares.

 Imagina qué pasaría si en verdad se llevara a cabo una purga. ¿Los indices de violencia en verdad bajarían? ¿Purgar el alma una vez al año sería la solución a un sinfín de conflictos sociales? ¿Qué pasaría si se llevará a cabo en México?

 

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

Sweatshop: moda barata de la muerte

Muchas veces, al observar la etiqueta de la sudadera que acabas de comprar en Forever 21 o cualquier tienda de ropa cuya marca sea reconocida a nivel mundial, además de las instrucciones de cuidado y la talla, encontramos el “Made in Vietnam”, “Made in Camboya” o cualquier país asiático que quizá ni nos pase por la mente que existe. Pero ¿alguna vez haz pensado quién estuvo detrás de la máquina de coser que hizo cada una de las costuras de esa sudadera tan padre que traes puesta? O, ya yéndonos muy al extremo, ¿cuánto ganó por ello? ¿cuántas horas trabajó? ¿le pagaron siquiera? Es bastante conocido que en los países de economía periférica (subdesarrollados) las condiciones laborales sean precarias y los salarios estén por debajo de las necesidades básicas del trabajador, sobre todo en industrias como la textil. Sin embargo, el tema se presta a una reflexión más allá de estas condiciones.

 En abril del presente año, el periódico noruego Aftenposten creó un reality show donde tres blogueros de moda de ese mismo país Anniken Jørgensen, Frida Ottesen y Jens Ludvig Hambro Dysand— viajarían al sudeste asiático por un mes, específicamente a Camboya, para conocer las condiciones laborales de quienes se encargan de coser la ropa que cada temporada está en los aparadores de tiendas como H&M. De este reallity salió una serie de 5 capítulos, titulada Sweatshop dead cheap fashion, los cuales, a modo de documental, muestran las condiciones laborales y de vida de los trabajadores. Los jóvenes tendrán que conocer las condiciones por ellos mismos, es decir, tendrán que sentarse por 12 horas frente a una máquina de coser y vivir con el equivalente a 3 dólares diarios para pagar el alquiler, la comida y la vestimenta. Cabe señalar que Sweatshop es una expresión inglesa utilizada para señalar a los talleres de explotación laboral (maquilas) que normalmente presentan condiciones precarias y salarios de miseria en los países tercermundistas, sobre todo asiáticos.

 Es muy importante señalar tres cosas de dicho documental. La primera sería el hecho de que estos tres jóvenes, provenientes de un país de primer mundo, pertenecen a la clase que tiene la capacidad de gastar hasta 600 euros al mes sólo en ropa. Ludvig, al principio del documental señala que compra mucha ropa y al final suele no usarla. Así que, desde aquí, podemos explicarnos en qué contexto se está desarrollando dicho documental y qué pretende reflejar en quien lo vea. La segunda cosa que llama la atención al mirar Sweatshop es el choque cultural entre el primer mundo y el tercero. Pensar Noruega y Camboya en un mismo plano parece difícil, sin embargo, en este caso podemos observar cómo se reconoce la otredad de los habitantes de Camboya conforme los jóvenes van conociendo sus condiciones de vida y la manera en que sobreviven. Y en un tercer plano, la forma en que los jóvenes visitantes tratan de entender la manera de vivir de quienes trabajan en las maquilas: dormir en un departamento de 50 dólares al mes con un sueldo de 3 dólares al día y comprar comida y enseres con ese salario. No debemos olvidar el hecho de que ellos se acercan a conocer las historias de algunos de los trabajadores y eso les impacta mucho, hasta el punto de remover las fibras más sensibles de su conciencia y sus corazones.

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 Este documental también señala las demandas reales de los trabajadores de la industria textil en Camboya. La lucha que actualmente llevan a cabo gira en torno a percibir un mejor salario: 160 dólares, lo cual les permitiría mejorar sus condiciones de vida, por ejemplo acceder a una mejor alimentación para no morir por no poder satisfacer las necesidades más básicas. Sin embargo esta lucha se ha visto truncada por amenazas de muerte y represión pero aún así persiste.

 Sweatshop intenta hacer conciencia respecto a nuestros hábitos de consumo. Actualmente es muy común ver que algunas empresas independientes tratan de fomentar un consumo de moda “sustentable”. Incluso empresas importantes de moda han puesto atención en el modo de producción de sus prendas y qué tanto afecta al medio ambiente. Sin embargo se presta muy poca atención a quienes se encargan de unir cada una de las piezas de una blusa, una chamarra. Se cuestiona muy poco el hecho de que quizás el valor de un solo abrigo de esos podría cubrir el gasto mensual de una familia de trabajadores de la industria textil.

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 Pensando nuevamente en las preguntas formuladas al principio de esta nota, Sweatshop hace mucho hincapié en este asunto. Es normal que a los jóvenes participantes del reallity les impacte mucho la pesada jornada laboral que a veces los trabajadores la completan incluso sin haber comido. Y es que la reproducción del capital va más allá de las condiciones de explotación: las conciencias también son explotadas a favor del mismo sin importar la clase social.