Tras aquel aullido…

Temo el aullido del atardecer cuando despierte

Porque duerme. Ciertamente está dormido

Y sé que canta. Entre el sueño se remueve y canta

Y va llorando un llanto antiguo

Vendrá el silencio. Yo sé. Tras aquel aullido

Y se teñirá de rojo

y con él el campo todo

Y los árboles y aquel río

Y aquella iglesia de piedra

Y las casas hechas de la tierra

Y las rocas tiernas

Y sangrará con el atardecer el trino

Y con él el ave que le ha producido

Y aquel a quien ya no he visto

Y aquel a quien ya no espero

Y aquella borrosa imagen de aquel niño

Que pudo haber sido nuestro

Pero que no fue

que no ha existido…

De: Salón de Belleza de Mario Bellatin en Casa Refugio

Mario Bellatin

Tuve hace poco la posibilidad de asistir a una presentación en casa Refugio, de Mario Bellatin, artista con vicios de escritor, porque lo artista no podría de ningún modo, ni él mismo, negarlo. Basta con verlo, basta con ver los movimientos de que es dueño, luego escucharlo. Pero no quiero evadirme, lo que de él y de aquella presentación quiero transmitir, porque me mueve una necesidad auténtica, porque fue una pena la escasa asistencia y porque me parece que vale muchísimo la pena el tema que a modo de consejo tocó: El desaprendizaje. Desaprenderlo todo, permitir que la pasión mueva, que de algún modo domine en el terreno de lo artístico.

 En una educación marcadamente escolástica que es la que pondera en una sociedad como esta en que vivimos, el asunto es aprender para aplicar, entonces en tanto mejor se haga eso y se pretenda que se logra, la sensación de éxito llena a los individuos. Una pena que termina en que en los concursos literarios se forman pilas de textos de una escritura misma, un lenguaje parecido, de una misma estructura, y de los temas… no hay ya necesidad de decirlo. Esto me recuerda a alguna charla en un diplomado que tomo ahora en que una maestra hablaba de la baja calidad de la poesía de unos muchachos acreedores de una pelada beca y al compañero que dijo que debía llevárnoslos para copiar el estilo y ganar la misma beca. La culpa, me parece, no es del humano que lo dijo, porque es difícil con todo el asunto burócrata salir avante y sostenerse con un estilo auténtico por poderoso que sea. Lo distinto, lo no escolástico, lo que procede de sí el conocimiento, de sí la experiencia pero del modo de traducirla, y entonces pasarla al texto, dejar que sea, porque lo que sale de las pilas aquellas, y como persona en una sociedad misma es el estilo auténtico.

 Al que no hay que soltar, a la necesidad auténtica de escribir, eso es lo diferente, los textos que valen la pena, los que prevalecerán a pesar del tiempo. Y todos tal vez hablen de esto, y sin embargo es tan común y tan corriente como la necesidad de comer todos los días.

 Mario Bellatin presentó una suerte de película, que no es película pero que fue anunciada de ese modo para la presentación, que necesita de su voz y su presencia para que sirva de algo el reproducirla. Es escritura,–dijo– todo para mí es escritura y esto es un apoyo para narrar. Que mucha gente puede decir que es cine, pero no lo es, como no es teatro, ni performance lo que hace, como no sabe definir con precisión lo que hace, pero no importa tampoco porque aquello que sí hace apoya al discurso, porque para contar, para transmitir el mensaje necesita al recurso. Que quien sepa de géneros los use como mejor le parezca. Pero que a él no le roban el sueño.

 Tenemos a un artista que se sabe artista, profundo, que vivió en la India, espiritual, honesto, con un precioso aire de inocencia. Porque ciertamente hay que conservar la inocencia, con lo difícil que es resguardarla en estos y todos los tiempos. Lo cierto es que no estoy narrando todo, es que vale la pena seguir a Bellatin, de seguir sus presentaciones y sus escritos.

De teatro: Perso

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Trece octavos es el nombre que recibe un colectivo formado por algunos egresados del  Diplomado del Centro de Estudios para el Uso de la Voz del INBAL. Eso ya debería decirnos algo… Y algo bueno.

 PERSO es una creación netamente auténtica emergida de las mentes de estos chicos; lo bueno de los colectivos es que uno habla de lo que quiere hablar y no de lo impuesto en innumerables casos por el dramaturgo o por el director, productor o quien se quiera.

 Entendamos también que es un work in progress, esto evoluciona y eso en sí mismo es bueno, si bien es cierto que un trabajo no terminado no debe ser puesto en escena por considerarse una ofensa al espectador, una suerte de tomada de pelo: también es en sí mismo un acto de humildad auténtica, de entrega y de conexión con el público. Implica también bajarse del pedestal de creador impositivo y permitir el moldeo de quienes, al final de cuentas, pagan y dan su tiempo a una puesta en escena.

 La obra gira en torno a la inexplicable y humana búsqueda que marca de muchos modos la existencia, vaivenes emocionales, exilio y sufrimiento auto-impuesto. ¿Cuánto tiempo le toma a un hombre reconocer lo que busca? ¿No es lo que nos pasa a todos los encerrados en el cuerpo? La búsqueda lejana de lo que yacía de principio en el núcleo, dar la vuelta, desandar el camino, volver sobre las huellas todavía frescas, pensar que ya es tarde… y el tormento. La obra habla de un amor, pero entonces piensa uno en que todo es eso: “quiero la casa y el carro” y se entrega a cambio el tiempo (valiosísimo) y con él la salud que luego se entiende era lo preciado, y hay que recuperarla, o la familia, o los hijos. Pero todo: El amor, el idealismo, el humano y lo que sueña, lo que cree que anhela, lo que piensa necesario y el arrojarse al abismo luego  y al final siempre la respuesta en el núcleo, en el nido, en el punto de partida,  en el interior, en el inicio. Pero volver no siempre es sencillo.

 Y es esto lo lindo de este tipo de proyectos: que invitan a la reflexión, que entregan preguntas y no respuestas. Vemos a personajes melosos (con sus demonios) que se regodean en las llagas y se internan en ellas a propósito los dedos ¿Y no es eso lo que hacemos?. Es ponerse enfrente un espejo. Es toparse con las rejas.

 El espacio que los alberga es el foro “Así que pasen cinco años” del que ya había hablado en una anterior nota. Un espacio en el corazón de la condesa que ofrece intimidad y cercanía. Es una caja negra. Está a cooperación voluntaria los sábados a las 19:00 hrs hasta el 4 de abril. El recinto es por demás pequeño y hay que hacer reservación si no se quieren quedar sin lugar.

De: Disertaciones infantiles de Sir Brenda Mítchelle (Literatura infantil y juvenil)


Me he replanteado lo de la literatura infantil y juvenil porque de recién tomaba una clase del género con una escritora de título bien ganado y surgió el debate de los temas prohibidos, del mejor modo de abordarlos. El lenguaje que debe ser usado… Es extraño, sigue siendo a estos tiempos un problema por muy que nos preciemos de sociedad elevada abordar temas “complejos” con la bandera de “los niños son diferentes ahora, están muy evolucionados y hay que hablarles con la verdad”.

 Luego pienso en la prodigiosa fortuna que tuve de recibir textos que marcaron de muchos modos (Todos profundos) mi infancia. Enfrentado a una familia de escasas ganas literarias, de aquellas, se sabe, más de televisión, Tuve acceso a la biblioteca de mi abuelo, casi para mi solo porque tenía sólo que compartirla con mi madre (Maravillosa mujer de mente abierta y lectora ávida). Cuando era más chiquita ella me los leía, hasta que pude hacerlo yo. Entonces niño raro yo, hacía también elecciones extrañas ya después, de tal suerte que a los ocho había ya leído ya a Poe y a Lovecraft, y tenía una colección de Andersen, Perrault y los Grimm, era amante de la Mitología Griega y de Jodorowsky. Y no juzgaba. Los leía porque me gustaban auténticamente y no por recomendaciones ensuciadas, que es una característica también infantil. Es difícil timar a un niño por muy que se piense lo contrario.

 El asunto es la formación, la mitología es hermosa y cruel en sí misma, las fábulas de Jodorowsky no necesitan ser descritas, y los álbumes ilustrados que me llegaron un poquito después fueron: “En la oscuridad” que hasta la fecha recuerdo tremendamente: es una historia que narra la vida en primera persona de una niña abandonada por la madre (acá el temor tan presente en la infancia, del abandono) que a partir de ese momento se enfrenta a un vivir sola, sin el amparo y el refugio que ofrece el núcleo, se convierte en automático en una niña de la calle y todo lo que viene después es el aterrador mundo desde los ojos de alguien aún sin las herramientas para, de algún modo, traducirlo. (El sexo, la prostitución, el homicidio, el clasicismo, las drogas) y las ilustraciones poderosísimas, simbólicas.

En la oscuridad

 

O “El Zurcidor del tiempo” qué joya para un niño, qué librito metafísico…

El zurcidor del tiempo

 O ya en la pubertad “El llano en llamas”, “Pedro Páramo”, “El pozo de la soledad” (Prohibido muchos años en algún tiempo) o “El lobo estepario”; estoy siendo específico, con ciertos libros, pero los hubo muchos, significativos todos, y entonces, pienso, y pienso que de no haber tenido la fortuna de acceder a ellos. No hubiera elegido escribir un periodiquito a los ocho que vendía a mi madre por 2 pesos en lugar de jugar, o mi preferencia a pintar, o escribir cuentitos, o no hubiera participado en un concurso a los seis años, ni participado en mi primera exposición colectiva de pintura a los ocho, ni hubiera pasado los peores y mejores tiempos de mi vida con un libro en el brazo. Hubiera sido, tal vez, muy seguramente, otro.

 Pero esa es la cosa, la elección. la formación crítica que se fomenta en los niños, cuestionarlos. Hablarles con la verdad será siempre la mejor cosa. Pienso en los libros para niños y jóvenes que hablan de la violación como un modo de prevención, de la muerte, de los temas que por supuesto les atañen. De la mano con los que los hacen soñar, porque lo uno no se pelea de modo alguno con lo otro. Porque privar a los niños de la verdad es de algún modo engañarlos, hacer niñas princesas, y fomentar lecturas que sólo los entretienen crean niños que serán adultos con pocas herramientas de análisis sin visión propia., carentes de argumentos, porque la verdad es personal.

 Hace poco, gracias a esta escritora descubrí una novela para jóvenes que se llama “nada” y me parece un libro por demás brillante, existencialista, precioso, que toca los temas más fuertes en la búsqueda del significado, simbólico, de lenguaje sencillo, poderoso.  Pienso en lo que oferta puesto en manos de un joven, en cómo me hubiera gustado haberlo leído a los trece, En las puertas que abre la literatura, y recuerdo a Hesse y lo que decía de los grandes misterios develados a través de las puertas del arte.

 Pienso en las puertas abiertas y en una sociedad incluyente de seres humanos forjados en la verdad y en el arte desde niños…

 Y pienso…

De teatro: Sepia de Luis Santillán.

 

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Comedia romántica sobre las burbujas, el jabón neutro, las fotos que con el paso del tiempo se vuelven color sepia, sobre la incómoda condición de amar en los tiempos donde trece gotas de limón ya no son tan amargas…

 

Fui a ver Sepia hace un par de días, me he quedado con una sensación extraña. El texto es bueno, es fiel al dramaturgo que lo crea, y a la creación que el texto hace a la inversa. Poético. Un poema en escena. Un personaje entrado en conflicto, pero de esos ricos. Ricos en sentido quiero decir. En potencia.

Este es un teatro un tanto distinto del que el creador acostumbra, la tendencia a llevar a las actrices a límites interesantes que se evidencía en otras puestas como: “Volupta” (El pole dance) “Malintzin” (En que la acción narrativa y los cantos se hacen a pesar de y con corsettes apretadísimos) o tal vez Lizzie Borden (En que la plástica requiere mucho movimiento) en Sepia no se hacen grandes requerimientos de histrionismo o de fisicalidad, Es más bien algo íntimo, sin mucho movimiento, propicia la cercanía al público desde otro ángulo. Desde el diálogo.

El teatro de Santillán (dramatúrgicamente) apuesta por  la reflexión, los sentimientos femeninos , la magia y también ahora se hace ver la apelación a ella, porque uno acaba, sí, preguntándose del artificio, por ejemplo,  de cómo prende y apaga las velas aquellas de que se vale en escena (que cuando tengan a bien ir, verán) no sujetas a un mecanismo. El asunto aquí es convocar. Pero una vela se rueda y uno se da cuenta de que el asunto no era así por la cara que pone la actriz, otra choca con una de ellas cuando tiene que andar hacia atrás.

Luego Sorginak que es el nombre de la compañía tiene relación con las brujas en escena, pienso en esto porque me resulta interesante el hecho: Marcela Lecuona y Lorena del Castillo son algo más cercano a princesas. Yo que de corriente no tengo problema alguno con la belleza femenina, por no considerarme una de ellas, tampoco tengo problema en reconocerla cuando la veo. Pude apreciar en todo el esplendor el modo en que sus ojos claros se iluminan y el realce que les entregan las luces, ciertamente se miran muy bien en brassiere, por supuesto que son mujeres bellas y quien no lo reconozca estará mintiendo. Son actrices, las dos egresadas del CEA. A mí no me tomen a mal nada, es la escuela de actuación de la televisora más importante de América Latina después de todo.

Uno pudiera pretender que la belleza eclipsa lo que acontece en el recinto, pero algo pasa luego, los plásticos caen. Falta de conciencia en escena. Diálogos que se tropiezan. Que se enciman. Miradas incómodas. Es extraño, porque la química que genera ser amigas fuera de la ficción debiera impedir esto, pero parecen lejanas entre ellas. A excepción de un único momento en que  hacen un juego juntas viendo hacia una pantalla, los diálogos aquí, en esta pequeña parte se naturalizan, ellas se relajan y se acomodan, pero se difumina casi de inmediato. En otro momento en que se relacionan con el público, bajan ambas. El espacio es pequeño y uno las tiene muy cerca, hacen preguntas, bien formuladas pienso, antes de que nuevamente venga el tropiezo.

Hay una dislocación constante. Una incomodidad muy presente de ambas, de algún extraño modo parece poder leerse el discurso mental que sostienen ocupado en algo fuera. Entonces los diálogos salen sueltos, arrojados, abandonados a su suerte (que termina no siendo tanta) a tropezarse contra las cosas con las que ellas se tropezarán también luego. También es un asunto de dirección esto. Se miran desamparadas. Poco dueñas.Tal vez si no se puede convivir con lo que debiera ayudar sería mejor erradicarlo para no meter a las actrices en problemas. Quizá fui en un día malo.

Hay que apostar por el teatro mexicano, teniendo en cuenta la dificultad que ofrece ser montado y luego mantenerse en cartelera. Es bien cierto que el director se mantiene vigente a veces sin la ayuda de los apoyos que otros esperan para poder montar (Luis tiene la pasión, la garra y el arrojo que ya otros quisieran para un domingo) y eso es de un alto valor teniendo en cuenta el estado de cosas en que nos encontramos. (Gracias Peña Nieto) Santillán es dramaturgo y director del denominado “Teatro culto”, esta es una apuesta: incorporar actrices formadas para la televisión y no para el teatro. Está rompiendo una línea. Hay que ofrecer un aplauso a las actrices, porque apuestan por el teatro por amor al teatro (bajo el resultado que se sirva) Habla de ganas auténticas del hacer.

Sepia está en el foro: Así que pasen cinco años, hay que llegar antes porque las funciones (para las que hay que hacer reservación) se llenan por lo regular antes del día y hay gente que ha quedado fuera. Los  lugares en que la gente llega se respetan, quien recibe tiene un maravilloso trato y no hay necesidad de pelear nada. Es un recinto que entrega intimidad y cercanía en el corazón de la Condesa. Tampoco llegar es difícil y para esperar, si se hiciera necesario hay restaurantes muy cerca. Las funciones son a las 8:30 y es a cooperación voluntaria.

 

Foro: Así que pasen cinco años. Cacahuamilpa 24 Col. Hipódromo Condesa.

Funciones: 8:30

Cooperación voluntaria

Cupo limitado: reservaciones al: 6390242

Ambas actrices tienen un blog por cierto: Mimosas para desayunar. Iniciado por Marcela Lecuona que es carismática hasta decir basta. No dejen de leerlo, que el blog es bueno y es un interesante modo de saber algo más de las actrices que serán vistas en escena.

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Margaret Keane, Big Eyes y el cine de Tim Burton

MargaretKeane La historia llevada al cine de Tim Burton, comprende un periodo de la vida de la pintora Margaret Keane, conocida con varias firmas: Peggy Doris Hawins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret Mc Guirre; variables a través de los procesos de la vida de la artista. La mujer es conocida por los grandes ojos que llenan el rostro de los niños lastimosos de sus pinturas, que en algo recuerdan a la serie de pinturas de Bruno Amadio, pintor Italiano.

 La decisión de si es arte o no está y estuvo como siempre al debate. La historia aquella en que el esposo de Margaret, Walter Keane y de quien tomó el apellido como es costumbre, hizo fama y fortuna a través de los lienzos que ella cubrió en los estados de soledad más profundos, encerrada en un cuarto denso por el olor a thinner, oleos y viniles, en tanto él se regodeaba con un trabajo que no partió de sus manos ni de su capacidad creativa o devastadora, es el tema central de la película. Si bien el tema es bueno y a Burton no se le puede pedir mucho porque siempre lo da, hay un ligero ambiente festivo a lo largo de toda la película, sobreactuaciones que entregan desencanto, que la tornan de pronto en producto comercial para ser llevado a cualquier pantalla y no para entregar la historia en el nivel puro. A saber si la intención era esa. A mí francamente me sobra y me hace ruido.

 La cosa aquí es este estado que no pasa por encima de las imágenes, de la soledad desgarradora que padeció Margaret, los demonios de que fue presa, porque a medida que avanzaban los años, entregada al silencio del pacto hecho con el marido: los niños aquellos, sus hijos, su creación se tornaba más sombría. El llanto que los caracterizaba, el hambre. Hambre no como un mero acto humano sino un hambre más allá de todo, como a Frida le dolía la vida, con trazos infantiles; esto pasa un poco de largo, pero el lugar de donde procede, la pasión, la introversión excesiva que a ésta artista en particular la llevo al encierro, sola con los caballetes y los pinceles, eso me falta. Y lo otro, el asunto de destinos: ella abre una galleta justo antes de la hecatombe de popularidad que se avecina y que ciertamente se lo anticipa.

 Que si bien el otro hizo abuso de lo que denominaremos talento de la mujer con la que compartía la vida, fue de algún modo necesario para el hecho, porque de no ser por los actos por él cometidos, la obra no habría sido el fenómeno que fue, y que nadie que lo haya conocido niega. Porque el hombre ciertamente era atractivo, físico no importa, en un asunto de energía atrayente, carismático vamos, capaz de atraer atención sobre sí mismo, pero el manejo del actor en este sobresalto, con tanta energía disparada, aventada a la cámara como cubetadas de agua, lo pierde por completo.

 Entonces el asunto de la historia (real también) del juicio que determina quién verdaderamente es el autor de los “Big eyes” y el juez concede una hora para que los dos hagan un cuadro del mismo estilo, en el que él alega tener lastimado el brazo que sostiene al pincel, parece a pantalla más bien una farsa irreal. Una pena. Pero vean la película y después ya si se sirven, me cuentan. Se estrenó en Estados Unidos y España el 25 de Diciembre del 2014.

“Llamadas de Ámsterdam” Juan Villoro

Leí yo  “Llamadas de Ámsterdam” por ganas francas de tener la firma de Villoro en un libro escrito por él, es infantilismo claro, y de corriente no me fascina que me rayonéen los libros manos ajenas por muy sus creadores que sean. En todo caso no llevaba ningún otro libro de su autoría y no llevaba tampoco mucho dinero para el acto. De modo que terminé comprando un libro en el bienamado recinto del INBA porque Almadía tuvo a bien llevarlos y compré “Llamadas de Ámsterdam” que se ajustaba al presupuesto del momento.

Juan Jesús colocó la tarjeta en el teléfono y marcó el número de Nuria. Escuchó su voz en la contestadora, el tono fresco y optimista con que la conoció, aunque en el fondo sólo conocemos optimistas, ¿quién anuncia sus miserias desde el primer encuentro? No dejó mensaje.

 Narra un fragmento en la vida de Juan Jesús, de su historia con Nuria, básicamente los retazos de ésta. Propiamente una historia de desamor y desencuentros, justo como el la cataloga. En la red las reseñas que hablan de ella, la alaban de muchos modos.

 Si bien se hace evidente el oficio de escritor, está presente, que Villoro es considerado un intelectual del tiempo que nos aqueja, ésta novela en particular me suena a trabajo por encargo o falto de inspiración o de compromiso. El estilo se le nota, pero hay algo en la historia que no cuaja, que la idea es buena se me pasa por la cabeza porque lo he oído de alguien y no lo creo tan cierto. A mi me cae bien Villoro pero no pretendo que me quiera. De modo que con total libertad puedo decir que mejor se ahorren la novela.

 Aunque si piensan en no seguir el consejo, les dejo la liga en que se encuentra el escrito, publicado primero en España y luego por Almadía, que es una editorialaza eso sí.

 

¿Qué?

¿Qué ha sido de la nieve?

¿Qué de mi literario encierro?

Y el empedrado de aquel Pueblo

El lejano recuerdo de la rosa de la montaña

¿El rumor del río?

Y mis pies desnudos, helados

como rojos pececitos.

Inundados…

El jadeo en el cielo abierto

Enmarcado amor en los peñascos del tiempo

Y el eco

Y la certidumbre de un eterno

El lejano aullido

El temor a la embestida de un toro ficticio

Esperar la nieve

Esperar que pase la tormenta

Esperar, siempre esperar, esperarte

Y también lo aquello y lo incierto

Y lo falso y lo inexistente

Y lo efímero y lo que nos pervierte

Y  vienen de ti, emergen, de ti vienen

Repito: los adjetivos que nos pervierten

Porque lo mío es decirte los ojos niños

es decir el sol y los trinos

y alimentar a mis demonios

de tu carne y de tu sino…

 

 

De: “La teoría del todo”, la historia de Stephen Hawking

La película está basada en un fragmento de la vida de Stephen Hawking, físico, teórico, astrofísico, cosmólogo y divulgador científico británico, quien, por mayor referencia ha ascendido a la categoría en que se hallan Darwin e Isaac Newton por los aportes hechos a la humanidad; el fragmento elegido es el que va desde el tiempo en que estudia en Cambridge, siguiendo la línea paterna, un tanto antes de diagnosticársele la Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA) que se acompaña de la pérdida del control neuromuscular y que por cierto, lo define. Porque si no lo ubican de nombre y aportación, sí por la innumerable cantidad de sátiras que de su persona se han hecho. 

“La inteligencia es la capacidad de adaptarse al cambio”

Stephen-Hawking

 A Hawking lo encarna Eddie Redmayne, el actor que por cierto, interpretó malamente a Marius en “Los miserables”, una tristeza de película aquella, por cierto, pero expresamente él, se lleva aquí los aplausos, está de diez, sea por la referencia de un ente vivo y específico, al que se tiene posibilidad de estudiar en movimiento, y expresiones o por lo que se ofrezca, pero de verdad que es un deleite, la frustración en la mirada, la viveza con que es capaz de emitir emociones apenas con el movimiento facial, la corporalidad exacta. Entonces uno es testigo de su relación con Jane Wilde, quien por cierto es el motor importante que le permite continuar en el camino elegido y tal vez por destino trazado. 

“La historia completa de la ciencia, ha sido la comprensión gradual de que los eventos no ocurren de manera azarosa, sino que reflejan un cierto orden subyacente, que puede o no ser de inspiración divina”

 Yo sé que de corriente, he tenido la tendencia a llamar “portentos” a varios entes de quienes he escrito en la revista, pero si no lo pensara no los hubiera elegido, entonces lo diré de Hawking, quien es un auténtico portento de la física, es una ironía; bien visto, es interesantísimo el hecho de que alguien que estudia y teoriza las leyes de la física, se mantenga atado a una silla de ruedas por una enfermedad que bien pudiera catalogarse de divina, una mente en movimiento constante, privilegiada, encerrada en un cuerpo que no le permite avanzar a libre voluntad, que lo hace dependiente en un elevadísimo porcentaje, ¿Qué será no poder sentarse a escribir, a leer un libro o la simpleza de irse a la cama después de un día de trabajo, cargar a sus hijos? 

 Entonces recuerdo a Beethoven y la carta que escribió en que se preguntaba porqué aquel ser lo había privado de la capacidad auditiva, precisamente a él que amaba y vivía por la música, y no a otros  seres inferiores que lo desperdiciaban, al Borges y la perdida de capacidad visual, a Dalí al final de sus días con parkinson que no le permitía pintar…

 Sólo por referencia, en el 2007 se desveló una estuatua de Stephen Hawking, en el Centre of Theoretical Cosmology de Cambridge, el edificio del Museo de Ciencia Stephen W. Hawking en San Salvador, el Stephen Hawking building en cambridge y el Stephen Hawking Centre en el Instituto Perimeter de Física Teórica en Canada. más las medallas: Eddington, Hufhes, Albert Einstein, Franklin, la de la Real Sociedad Astronómica y varios premios por supuesto. Hawking postuló la singularidad, una sola teoría que explicara el origen del universo entero, y todo lo que en él acontece, el todo, en una formula, y a los agujeros negros que son capaces de emitir radiación, evaporarse y desaparecer. Amparado por la teoría del Big Bang, a partir de un origen de temperaturas elevadísimas, el universo emerge y se expande, se expande, hasta alcanzar el acomodo que tiene hoy día, y que por cierto, sigue en lo mismo, que explica otras teorías como la incomunicación que sufrimos con otras galaxias a las que no se llega por la continuación del movimiento, así, a medida que avanzamos hacia ellas, éstas se alejan…

 Entonces… como la película fue un pretexto para hablar de Hawing, terminemos con ella: se estrenará el 16 de enero del 2015, la dirige James Marsh, actúan: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Harry Lloyd y otros, y es de Gran Bretaña. Valdrá toda la pena verla, y entrarse en el mundo del portentoso cosmólogo.

La crónica como expansión del universo: Juan Villoro en el Villaurrutia

El pasado lunes 12 de enero de 2015, el Centro de Creación literaria Xavier Villaurrutia abrió puertas para recibir a Juan Villoro, aclamado escritor de actualidad, invitado por Josefina Estrada, cronista y narradora mexicana, para presentar el libro “Hay vida en la tierra” y hablar en términos generales del lado que lo identifica como cronista.

 Josefina Estrada imparte la materia de crónica al Diplomado en Creación Literaria, que tiene como parte importante del calendario de actividades el acercamiento de los escritores en ciernes con los de prestigio; entonces Estrada, que no escatima ni como cronista ni como maestra y que no es egoísta, echó la casa por la ventana y tuvo a bien llevar al escritor, no en una clase privada acorde al plan, sino como propuesta abierta al público y a prensa.

 La predicción hecha un mes antes, ante el conocimiento del arribo del escritor fue: “Se va a abarrotar” Y ciertamente, se abarrotó. Personas por todas partes, cámaras y Almadía con “Conferencia sobre la lluvia”, “Llamadas desde Amsterdam” “¿Hay vida en la tierra?” y demás listos para irse con alguien.

 La charla por demás amena, corrió entre anécdotas en que se recordó a Ibargüengoitia y a Scherer en complicidad con el público, en que se podía ver a un Villoro dueño de sí mismo y de los relatos contados, afianzado del pasado del que se sirve para explicarse, de lenguaje fluido y voz firme, cuando se le ve, uno entiende el hipnotismo que ha ejercido en incontables personas.

 Entonces habló de la necesidad de traer a cuento las pequeñas cosas de la existencia que finalmente son las que la constituyen, lo que pudiera pasar desapercibido, las pelusas en el ombligo, el calcetín que casi de modo inevitable se pierde en lo que bien podría ser un universo paralelo de calcetines perdidos, el México de los calcetines siempre viudos y esto recuerda a un poema de Cortázar:

Por grande que sea el mundo 
hay los recortes de uñas, las pelusas,                                                                                                               los sobres fatigados, las pestañas que caen.                                                                                               ¿Adonde van las nieblas, la borra del café,                                                                                       los almanaques de otro tiempo?”

 De la posibilidad de comparación, de mundos aparentes que no se tocan y sin embargo lo hacen, establecer relaciones entre lo que en apariencia no se reconcilia y nosotros que vivimos en un mundo por demás surrealista. En la necesidad del cronista de no moverse por el mundo sin gana ni asombro, sino con la mente activa, con la imaginación presente a un universo en expansión constante.

Deseos culturales para año nuevo

Me permitiré hacer una excepción a la regla cultural que de corriente sigo, para hablar de un inicio, que por fuerza será para bien. He escuchado a muchos seres humanos referirse al año que terminó de recién como de los peores que han sufrido en sus flacas o gordas vidas, y es que la afectación ciertamente no ha sido sólo a nivel individual, por fuerza proviene de algo más fuerte y grande, sea que una desencadene a la otra o viceversa, a niveles mucho más poderosos se han sucedido eventos que han desestabilizado al país, Una suerte de campo mórfico para contextualizarnos.

 Entonces escribo esto para desear (como si no tuviéramos bastante de eso) salud, dinero, paz, pero  más bien para desearnos cultura y sensibilidad por respuesta y compañía inherente, porque tengo aún la convicción –que espero jamás perder– de que las respuestas en éste portento se encuentran, que un buen artista es primero un buen ser humano. Que la necesidad de la integralidad tal vez nunca alcanzada concede al humano lo que en verdad requiere, y entonces se ocupa en lo que en verdad debe, y deja de estar ejerciendo presión en el ajeno, en establecer comparaciones vacías de sentido que no le nutren ni le alimentan.

 La cultura merecedora del título nos permite ocuparnos de la naturaleza, la sensibiilidad que permite auténticamente preocuparse por el que lo necesita, llorar frente a un cuadro, ante una obra de arte, ante una montaña y la paz que provee, ante el mar y su inmensidad, esto lo necesitamos. Hacer buenas elecciones, subirse a un escenario y ganarse el derecho, elegir proyectos por el bien que conceden, la moral que rescatan, el amor de que proveen, la reflexión necesaria, la ruptura, la barrera quebrantada. Tal vez cambiar los libros de superación personal, de películas con carteleras llenas, sagas,  por la sensibilidad de Galdós, de Saramago, de Víctor Hugo, por la poesía con apertura, la televisión por la literatura, por las pinturas de una buena exposición, ponerse a dieta saludable de buena cultura, como todo es comida pues, pero es mejor la ensalada nutricia que la gorda de chicharrón, elegir la cultura que alimenta y dota. Cambiar el teatro comercial por el culto, la revista por el cuento de valor.

 Eso deseo, les deseo y me deseo,  para hacer de éste un mundo mejor…

Todo lo humano me es ajeno

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 TODO LO HUMANO ME ES AJENO

 

Sus charlas,

sus miedos,

sus rituales de apareamiento,

los santos de que son presa sin argumentos

El vaivén de palabras repetidas, hechas, recortadas,

hilvanadas, sucias, desgastadas,

sus construcciones, sus murallas…

                                                         no las entiendo

Lo humano y la cadena y el matrimonio, la oficina, la mortaja y la caja

en que girones de piel por egoísmo guardan.

para no dar su carne inservible a los perros,

 a las fieras, a los que se quedan

para alimentarlos, para del hambre pretender salvarlos

desde un ojo lejano los veo.

Les temo.

No les entiendo

la renuncia a la libertad

por la piel del árbol muerto el trueque de su libertad

 

 

De: Sangre en la comisura de tus labios (Teatro)

 

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Sangre en la comisura de los labios apuesta por los espacios alternativos y toca a la azotea del círculo teatral albergarla. En lo personal tengo preferencia por el riesgo que trae consigo el apartarse de la comodidad que conceden la cámara negra, y la butaquería; ahora que el riesgo no es total puesto que sucede dentro de un recinto teatral, y aún no deja de agradecerse, porque uno llega a otra realidad, a otra dimensión en que la posibilidad se entrega desde la carga del espacio. La obra, por cierto, inaugura el espacio de “El círculo Teatral”, denominado: Teatro de azotea. Bien por ellos.

 Uno transita de una realidad a otra a medida que se suben unas escaleras y se llega a un descanso, otras escaleras y un cuarto con una puerta de madera desvencijada, adentro, el olor a alcohol es fortísimo, el olor aquel que llena las fosas nasales invita de un modo muy efectivo a sentir de otro modo el espacio, a tratar de interpretarlo, traducirlo, acostumbrarse a él. Ubicar las botellas de las que procede, como si algo hubiera ya pasado ahí antes, algo que no vimos. Que refuerza la expectativa.

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 Un hombre sale de bañarse, se acicala, se viste, parece que espera que algo llegue, o tal vez que  teme el arribo, al cabo de un rato efectivamente llega alguien más y  lo que se presencia es una carga, un suceso condenado a repetirse, cosas que salieron mal, decisiones erradas, un estancamiento. La metáfora de Arturo Honorio  (dramaturgia y dirección) funciona aún teniendo en cuenta que es una fórmula  ya muy  hecha y probada en teatro. Lo de la repetición del suceso, digo…

 Las actuaciones: Monicca Gómez, Damián Cordero* y Jaime López* (*Alternando).  Los actores apuestan por la naturalidad (suficiente), la actriz llora bien eso sí, por si tenían pendiente. La asistencia de dirección y de producción va a cargo de Gerardo Vázquez (topo) a quien no le dudamos un segundo la eficiencia ya antes bien comprobada, se respetan los códigos de ficción y el rompimiento resulta efectivo, efectivamente rompe y concede un descanso de tanto lo mismo dicho de modos distintos y en posiciones diferentes y cada vez más arriesgadas.

 La obra vale la pena, vale la pena presenciar el riesgo, la apuesta. Es cooperación voluntaria, y Honorio por cierto, es becario del programa de estímulo a la creación y desarrollo artístico de Tamaulipas. Hay que tener en cuenta, si se hace el arribo en automóvil, no  olvidar el pago del parquímetro, para no tener que lidiar con la araña y pagos innecesarios (aunque el parquímetro ya lo sea en sí mismo). El círculo teatral tiene una cafetería en que tranquilamente se puede esperar el inicio de función  con café o comida y está bastante bien ubicado. La  selección de puestas de “El círculo…” es altamente efectiva y uno no sale arrepentido de la asistencia.

No se la pierdan…

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Con mis garras una vela (poesía Sir Brenda Mítchelle)

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Estoy caminando en el desierto

Piso sangre, cráneos, cuerpos

Danzo desnuda entre las dunas del desierto

forjadas con los huesos de nuestros muertos

¿Dónde hay luz? Una estera

Escucho el llanto del Dios Tláloc a lo lejos

Se crean ríos, se forman lagos

Océanos y mares de sangre y llanto

árboles gruesos de venas rojas crecen

sus raíces no dan tregua, se adhieren a la tierra

entre un viento carmesí iracundos se mecen

y entregan frutos azufrosos

tuve la visión de un mundo en llamas

en que Huitzilopochtli gobernaba

de monstruos que rezan a santos amorfos

De ojos inyectados, henchidos, rojos

se arrastran, reptan, entre ellos se comen

Gobiernan sierpes, lobos, leones

Sudo, me remuevo, me parece que despierto

Elevo los brazos a aquello que los humanos llaman cielo

cobijo con mis garras la luz de una vela

y pido por nosotros

          ruego por la paz

una luz

una escalera…

 

De: Doménikos Theotokópoulos, El Greco

el_greco19 Doménikos Theotokópoulos fue un pintor manierista, que para mejores referencias, era un término utilizado para referirse a la imitación de la maniera  de los maestros del Alto renacimiento y después como una reacción contra el ideal de belleza clasicista en lo formal y lo conceptual, un arte intelectualizado y elitista. Es de mencionarse que el estilo fue catalogado de extravagante, decadente y degenerativo cuya elegancia no fue apreciada sino hasta el siglo XX, asunto que afectó por supuesto el arte y la posición  de El Greco en la historia del arte a quien  hasta apenas hace 100 años se le reconoció como uno de los grandes artistas de la civilización occidental. Antes de esto era catalogado de artista excéntrico y marginal.

 Entonces “El Greco” es el apodo por el que mejor se le conoce a Theotokópoulos, por haber nacido en Grecia, para ser más específicos en Creta, en la localidad de Candía en 1541 lugar en que vivió hasta los 26 años. La familia (de la que se sabe poco) perteneció se dice casi con toda certeza a la colonia católica de Candía. Siguiendo con las probabilidades se formó en el taller de Juan Gripiotis pintor, y se le relaciona con Georgios Klontzas. Trabajó Domenikos bajo las dos posibilidades de la pintura cretense: “Alla greca” y “alla latina”.

 Cuando Candía  ya no le alcanzaba para vivir, con necesidad de expandirse, parte a la ciudad de los Canales, se le atribuye una estancia con Tiziano, y se piensa lógico que el hombre se preparara en los más prestigiosos talleres del momento.

 Theotokopoulos alcanzó una bien valorada posición entre los pintores de la época en aquella parte del mundo, y para 1563 era ya nombrado “maistro”. Si se hace necesario y para referencia siendo artista, es claro, cumple con las características del augurio de la grandeza: buena educación, espíritu inquieto, grandes ambiciones y altas aspiraciones.

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 Los 37 años que vivió en Toledo transformaron profundamente su estilo y tal vez lo que aconteció fue una fundición de todo lo antes vivido entregando como resultado un estilo propio, original, dramático y maduro, de acá vienen los ropajes blanquísimos, cabezas pequeñas y el alargamiento de los cuerpos, luz intensa.

 Sus últimos quince años llevó la abstracción hasta límites insospechados. La intensidad se marca claramente cada vez más hacia sus últimas obras. Siendo religiosas las pinturas adquirieron un fuerte impacto espiritual, en escenarios casi teatrales.

La pintura […] es moderadora de todo lo que se ve, y si yo pudiera expresar con palabras lo que es el ver del pintor, la vista parecería como una cosa extraña por lo mucho que concierne a muchas facultades. Pero la pintura, por ser tan universal, se hace especulativa.

 En su evolución fue alargando las figuras haciéndolas más sinuosas buscando posturas retorcidas y complejas.

 Sus retratos son menores que las pinturas religiosas, era capaz de representar los rasgos y todavía más allá, de representar su carácter. Las posibilidades de que se sirvió le entregan un lugar entre los retratistas de alto rango, siendo éstos: Tiziano y Rembrandt.

 La formación del Greco fue compleja, y hay razones para pensar que lo que hizo en los talleres fue de algún modo absorber lo que mejor le parecía como artista. Los tres focos culturales (muy distintos entre sí) que marcaron su obra fueron: La primera formación bizantina, la segunda Veneciana (en especial de Tiziano) de donde aprendió el óleo y la estancia en Roma de donde conoce la obra de Miguel Ángel y el manierismo que fue como ya dijimos el estilo vital que lo caracterizó.

 La obra del Greco está compuesta por grandes lienzos para retablos, cuadros de devoción para instituciones religiosas y retratos. La característica más puntual del arte del Greco son las figuras alargadísimas (más bellas que las naturales según sus escritos) iluminadas por sí mismas, delgadas, fantasmales, expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores en contrastes. La forma ondulante de la llama del fuego para representar la belleza,

 Otra de sus características es la ausencia de naturaleza muerta. No hay profundidad ni paisaje, habitualmente eran aislados por nubes. Las figuras son centrales y el espacio en que se pintan, reducido fuera de sus formas. El sol no brilla, el empleo de la luz que parte de las figuras o una que reflejan no visible hace palpable el antinaturalismo, y la tendencia a la abstracción.

Detalle del San Pedro de la Capilla Oballe (1610-13).

 El poeta Théophile Gautier en su libro sobre su célebre viaje a España formuló su revisión del arte del Greco y también lo tildó como la gran mayoría de extravagante y loco con una connotación positiva y no denigrante. Manet le entregó elogios también Paul Lefort, en su influyente historia de la pintura escribió:

«El Greco no era un loco ni el desaforado extravagante que se pensaba. Era un colorista audaz y entusiasta, probablemente demasiado dado a extrañas yuxtaposiciones y tonos fuera de lo corriente que, sumando osadías, finalmente consiguió primero subordinar y luego sacrificar todo en su búsqueda de efectos. A pesar de sus errores, al Greco solamente puede considerársele como un gran pintor».

 Los comentarios escritos por El Greco  descubiertos hace poco han demostrado que el pintor era un intelectual inmerso en la teoría del siglo XVI En Italia.

 En sus últimos años el Doménikos decoró la Capilla Ovalle, El hospital de Tavera y pintó su Laocoonte y murió a los 73 años, el 7 de abril de 1614. Ya se sentía tocado por la muerte tiempo antes y concedió un poder para que su hijo testara en su nombre a quien dejó como heredero universa. Los restos del Greco reposan en la Iglesia de Santo Domindo el Antiguo.

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

“Fábulas pánicas”, de Alejandro Jodorowsky

Recientemente hablaba acerca de “Cuentos mágicos y del intramundo” del autor chileno, Alejandro Jodorowsky, y de su afán repetitivo; me vino entonces la irrenunciable idea de escribir de las fábulas pánicas por referencia, porque sin duda son de lo mejor del creador, sin poner al título telas de juicio. Son las fábulas pánicas de lo mejor que ha hecho y ahora objeto de culto en la era del internet del que tan difícilmente nos desprendemos.

 gragrofesLas fábulas pánicas fueron elaboradas por Jodorowsky para El Heraldo, siendo él quien pidió a Luis Spota –que en aquellos tiempos era director del suplemento cultural del periódico– un espacio para lanzar una serie de fábulas bajo un modelo del que conocía bien el potencial. Así, el proyecto que en principio abarcaría sólo tres meses, de tanto portento, se extendió seis años y medio, abarcando esto el periodo de  1967 a 1973. Las fábulas siguen la premisa planteada posteriormente por Jodorowsky de “arte para sanar”. En un principio eran una sólo suerte de denuncia social.

 La relación que guardan con ilustraciones que permanecen en la mente, lenguajes simbólicos bien orientados, diálogos simples, moralejas precisas, historias iniciáticas hacen de las aclamadas “fábulas pánicas” un auténtico objeto de culto. Contienen un universo hermoso que desde la inteligencia enseñan, digo que lo conocí de muy niño y que eran mi libro infntil y hasta este día de mi existencia de cuando en cuando les encuentro relación con hechos de la vida que van aconteciendo, sin lugar a dudas son intensamente profundas y por favor, altamente recomendadas para niños

 En su gran mayoría encontramos al maestro y al aprendiz, Jodorowsky de principio era éste último y a medida que avanza, se transforma y cambia como ser humano  pasa gradualmente en el papel, a ocupar el  lado del maestro. Al respecto, el creador dijo que la gente comenzó a reconocerlo como tal y el sólo tuvo que asumirse, aunque se consideraría un aprendiz eterno, sólo que ahora era más un aprendiz secreto.

 También es interesante el hecho de que Jodorowsky se interna en la obra que crea, como Jehová que crea un mundo y en forma del Cristo, se interna en él y se recrea en la experiencia.

 Las 342 fábulas pánicas fueron recogidas por Grijalbo y publicadas en una edición más o menos buena a la que se le desprenden las hojas y en la que algunas letras no se hacen visibles por el color recargadísimo de los fondos, pero es fácil de adquirir en librerías grandes y corre con la ventaja de tenerlas todas.

 Sin duda hay que permitir la entrada a éste universo creado por Jodorowsky porque de él se puede salir todo, menos indiferente…

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“La noche caníbal” Luis Jorge Boone

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Luis Jorge Boone, nació en Monclova Coahuila en 1977 y es de aquellos llamados “Escritores del desierto”; ciertamente, en el libro de cuentos el desierto se lee, se siente como alguna suerte de fantasma que habita y pasea en su tejido, como también se siente la poesía, y es que ambos hermosos portentos son irrenunciables.

 La inclinación a la poesía es clara, y me atrevo a arrojar la teoría de que una haya dado origen a la otra, de que el desierto haya generado en el escritor la necesidad de la poesía aún sin él saberlo, siendo aún pequeño, y es que Coahuila en ésta región es un lugar sin libros suficientes, éste es un autor de nacimiento, de búsqueda, de origen, sin artificios…

Ha escrito los libros de poesía: Legión (2003), Galería de armas rotas (2004), Traducción a lengua extraña (2007, Premio Nacional de Poesía Joven Elías Nandino) y Novela (2008, Premio Nacional de Poesía Joven Francisco Cervantes).

Siendo La noche del caníbal el primer libro de cuentos que el autor escribió, y con el que obtuvo el premio nacional de cuento Inés Arredondo 2005 y lo forman:

  • Siempre habrá alguien detrás de ti
  • El invierno en Devonshire
  • laberintos circulares
  • Oblivion
  • Telarañas
  • Mandrágula
  • La noche caníbal.

 En todos los cuentos lo humano es perfectamente visible y no sólo abordado en lo superficial, ciertamente parece hablarnos de una necesidad de entender al humano y de una sensibilidad interesante para traerlo al frente. También son interesantes las historias que entretejen la realidad corriente con una otra, submundos, encrucijadas, fantasmas, miedos…

 Da gusto pues, tener posibilidad de leer algo no sólo con característica de calidad sino con alma y profundidad. Hay que leer a Boone, sin duda alguna es un libro que no hay que perderse, lo hallan en “Letras mexicanas” en el Fondo de cultura económica.

“Cuentos mágicos y del intramundo” Jodorowsky

 

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Alejandro Jodorowsky Prullansky (Iquique, Chile 17 de Febrero de 1929) es más de lo que en la actualidad se espera de un artista. Como escritor ha abarcado novela, dramaturgia, poesía, ensayo, cuento y guión, también es director de teatro y cine, conductor, actor, mimo, escultor, pintor, escenógrafo, ilustrador, historietista, dibujante, tarotista, psicoterapeuta y creador de la psicomagia.

 Fueron sus padres: Jaime Jodorowsky Groismann y Sara Felicidad Prullansky Arcavi. De sus primeros años y de relación con estos se desprende la historia de infancia, que con algunas adaptaciones propias del género, hemos visto en “Memorias de un niño bombero” en Tres cuentos mágicos (para niños mutantes), Siruela, 2009; que también incluye “Loie del cielo” y “La increíble Mosca humana”, la habíamos conocido antes en el libro: La danza de la realidad, memorias, Siruela, 2001 de la que se desprende la película: “La danza de la realidad” (La Danse de la réalité, Francia-Chile, 2013).

 He de decir que me entró una suerte de decepción cuando leí “Cuentos mágicos y del intramundo” siendo sobretodo un best sellar. Encontré la repetición de anteriores textos de Jodorowsky de los libros antes mencionados; en uno tal cual y en otro modificado por amplitud, disminuído, dicho sea de paso. Al final del libro hay microrrelatos, varios que hemos encontrado en las tan aclamadas fábulas pánicas,  Textos e imágenes extremadamente valiosos y que ahora en internet son objeto de culto. Al respecto de ellas, Jodorowsky ciertamente dijo que al principio las temáticas eran un tanto agrestes, fueron modificándose a medida que él también se modificaba, por eso en ellas se encuentra la transición del alumno al maestro, siendo éste Jodorowsky, Que como Jehová crea un mundo y luego se interna en él como Jesucristo, como el maestro, el transmisor.

 Yo que, dicho sea también de paso, crecí desde niño con sus fábulas pánicas, y que desde los cuatro años tengo una profunda relación con ellas por mi madre, tornándose en mi “libro infantil” más recurrido, y habiendo recorrido parte de la extensísima obra de un creador fuera de éste mundo, por pensamiento, obra y acto, argumento que no hay necesidad de recurrir al libro, y que desde luego lo mejor para conocer su interior, serán “La danza de la realidad” y las irreemplazables fábulas pánicas, que ofrecen desde un lugar mejor posicionado, más amplio y vasto, la obra del portentoso creador.

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Poesía: significado y retrospectiva

Poesía es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran juntarse, y que forman algo así como un misterio.
— Federico García Lorca

La poesía, es, por tomar definición, una manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra y hay qué aclarar que no necesariamente reposa en el verso.

Precisiones:

  • Según los griegos puede haber tres tipos de poesía: Lírica, dramática y narrativa.
  • Antiguamente en Grecia el concepto abarcaba a la narrativa actual.
  • El término “poiesis” significaba “hacer” en un sentido técnico y en realidad, se refería a trabajos artesanales de todo tipo.
  • El creador, el artesano, hacedor, legislador, poeta, autor etcétera era llamado “poietés” el generador de algo que antes del paso por  su mano creadora era inexistente. En literatura entonces, era el arte creativo que utilizaba el lenguaje.

Es menester decir, que la poesía  no era creada para ser leída, sino representada.

Al contacto del amor todo el mundo se vuelve poeta.
— Platón

En la República, Platón establece tres tipos de “poesía”: Poesía imitativa, no imitativa y épica. El teatro es poesía imitativa, lo propio era no imitativo y lo restante: Poesía épica. En la Grecia antigua todo se componía en verso.

 Pasa algo interesante con Platón y es que siendo él peta, consideraba también a la poesía como la forma más elevada del arte, es en este libro (La República) que postula la necesidad del destierro de los poetas de una metrópoli moderna; aparentemente y dados los antecedentes, no se refería a todos los poetas, sino a los practicantes de la mimesis fantastiké, las apariencias, los encargados de reproducir fantasías, los hacedores, de la ficción, de lo fantástico.

 Lo que hay que recordar es que Platón consideraba que ésta realidad era una copia de las ideas, por tanto, éste tipo específico de poeta, era un ejecutante de la copia de una copia. Estas personas, luego, no son filósofos sino meros ejecutantes con posibilidades de persuadir al pueblo a seguir sus teorías no instruídas.

Erotismo y poesía: el primero es una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del lenguaje.
—  Octavio Paz

 La poesía se consideraba como una realidad espiritual más allá del arte,  la calidad de lo poético trasciende a la lengua y al lenguaje. De acuerdo con la Poética de Aristóteles, es el género en que el autor expresa sentimientos y visiones personales.

 La poesía actual se se relaciona con su capacidad de síntesis y de asociación y para ésto, se vale de la metáfora, que es diferente de la imagen, que se acerca a la nueva realidad mediante significados que refieren un sentido estricto y a la vez uno distinto, a diferencia de la metáfora que es la correlación entre dos símiles, según muchos una clara muestra de inteligencia y sensibilidad puras.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.
— Octavio Paz

 El lenguaje escrito en forma de poesía fue encontrado en el Antiguo Egipto en jeroglíficos, 25 años antes de Cristo. Son cantos de labor y religiosos. El poema de Gilgamesh, fue escrito con caracteres cuneiformes y sobre tablas de arcilla, 2000 años antes de Cristo. La Iliada y la odisea de ocho siglos antes de la era Cristin, Los veda del hinduísmo del siglo iii a.C.

 La poesía de Roma se basó en Grecia. La primera obra maestra de la literatura latina es “La Eneida” de Virgilio,también valdrán Propercio, Ovidio y Cátulo.

Si la poesía no nace espontáneamente como la hoja de un árbol, es mejor que no nazca de ningún modo.
— John Keats.

 Alguien hace poco me recordaba la cita de un libro para jóvenes poetas, y era justo lo que arriba se menciona, que no hay que angustiarse para escribir poesía por lo que no se conoce del mundo, todo lo del mundo se lleva dentro, un grano de arena, la sal del mar, el viento, es cuestión de encontrarlo y permitirlo salir.

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Mudanza

  ameca Desde la cocina veo cómo las cosas que me han acompañado atraviesan entre otras manos las puertas de la casa de mi abuela. Tengo ocho años. Hace dos que vivo aquí. Hay figuras oscurecidas al fondo, por la luz de las dos de la tarde que entra por la puerta, son mi primo y mi tía. Estoy llorando. Aún no sé lo que me espera pero lo adivino, y siento desde ya la ausencia de otra figura que me ha cobijado: la de mi abuela materna.

 Antes… en una anterior mudanza perdí los brazos de mi tío y hoy me toca perderla a ella. Digo que adivino porque de lo único de lo que tengo certeza es de que me voy a un lugar casi desconocido, a una casa hecha de tierra, enorme, con pasillos largos y un tapanco que me aterra, en aquella casa la luz es bajita; los árboles arañan las piedras incrustadas entre la tierra y parecen garras, afuera, para internarse en ella, hay que cruzar algo que llaman “huerta” hay árboles frutales, enormes y el pasto verde, vivo, alto y delgado que parece ocultar todo el tiempo algo.

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 Las paredes de fuera son también hechas de tierra y en algunas partes se está cayendo. Esta era la casa de algunos fines de semana de mi familia; allá vive un hombre antiguo que la cuida, que se llama Luis, que cuando llegamos “hace como que barre”, el hombre no habla mucho y cuando deja escapar palabras apenas, el olor a alcohol nos llega hasta donde estamos. En aquella casa nunca hay qué comer, me imagino que me espera el hambre, el frio porque lo he sentido, porque allá los volcanes se ven desde el jardín de la casa bañados en nieve blanca. Vamos a estar solas, otra vez, voy a vivir con la mujer que hoy me arranca de los brazos de su madre, la mujer a la que solamente llamo María.

De: Little Ashes. Dalí, Lorca y Buñuel.

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 Vemos a un joven recién desempacado con ropas a la antigua usanza ante la incrédula mirada de los otros estudiantes. Es un joven que da trazas de tímido, de inseguro. Una pintura cubista en el cuarto que servía de alojamiento a un genio en potencia, encargado de su construcción. Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech es la respuesta a la pregunta de otro joven por su nombre; quien lo pregunta es Luis Buñuel, llama a todos y presenta a un estudiante: Federico García Lorca. A partir de aquí empieza el viaje.

 Robert Pattinson interpreta a Salvador Dalí, de un modo extraño. Parece no del todo dueño del carácter del intrigante personaje y sin embargo va bien resuelto. Los otros dos son Javier Beltrán y Matthew McNulty.

 La película Little ashes dirigida por Paul Morrison nos adentra en el mundo de tres mentes por demás brillantes: un cineasta, un escritor y un artista plástico. Luis Buñuel, Federico García Lorca y Salvador Dalí. Sus inicios en la Residencia para estudiantes de Madrid, el amor no consumado entre el escritor y el pintor y la rivalidad amorosa entre Buñuel y Lorca por la disputa de la atención del potencial genio.

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 Hay escenas que no pueden ser dejadas de lado, y especial cuidado del director en traer la casa de Dalí y todos los referentes que conocemos de la historia. A medida que avanza la película conocemos también a Gala “Galushka” a quien el mismo Dalí nombró como su alma gemela—, el cambio radical que el pintor sufre en el nido de las creencias y las aspiraciones; la separación de Lorca y las referencias a “Un perro andaluz” (cortometraje surrealista hecho por Buñuel y Dalí), y acá vemos a Lorca, el andaluz por cierto. “¿De dónde exactamente soy?”. El amor del poeta a su pueblo y sus tradiciones, el ascenso de su carrera a la que no se presta especial tiempo y la muerte de Lorca a manos de la horrible guerra Civil Española.

 Es difícil encontrar la película en México, tontamente la encargué a Estados Unidos y si lo digo es para que no hagan lo mismo. En internet la hallan, y vale toda la pena verla. Las actuaciones de McNulty y Beltrán son por demás acertadas y qué mejor que ser testigos de una película que habla de seres por demás representativos de una época, para la historia.

cenniciat El título “Little Ashes” viene de una carta que escribió Lorca a su bienamado amigo Dalí y de la que a continuación reproducimos el fragmento:

“Acuérdate de mi cuando estés en la playa y sobretodo cuando pintes las crepitantes y únicas cenicitas ¡Ay mis cenicitas!  Pon mi nombre en el cuadro para que mi nombre sirva para algo en el mundo y dame un abrazo que bien lo necesita tú Federico”

 La película es Hispano-Británica y fue estrenada  el 7 de octubre de 2008.

 Dalí en alguna ocasión:

Él era homosexual, todos lo sabían, y estaba locamente enamorado de mi… Intentó follarme dos veces… Yo estaba muy molesto porque no era homosexual, y no estaba interesado en ceder. Además, duele. Así que no me aportó nada. (…)

 Las cartas hacen evidente una relación más allá de la llana amistad y es de acá de donde la guionista toma carne para la historia. No pierdan la oportunidad de verla.

Acá va el trailer:

 

 

De: Teatro. Lizzie Borden

 

Lizzie Borden un hacha tomó…

Quizá la característica más puntual del teatro de Luis Santillán como director sea la apuesta por montajes fuera de los esquemas más convencionales, es decir, que en él los movimientos narran la historia desde un lugar distinto, desde el significado. Es difícil encontrarle movimientos “naturales”, pues existe una fisicalidad en donde las acciones parten de una premisa identificada y muy “a propósito”. Pareciera entonces, que nada en el proceso de creación queda al azar o a la propuesta actoral, sino que es resguardado por un hacedor de teatro muy dueño del universo ficcional y sus códigos, como sea que fueren. Sus obras suceden bajo las alas de un creador paternalista que se involucra en todos los niveles del fenómeno escénico.

 Hablemos ahora de su más reciente puesta, Lizzie Borden, que es lo que nos trae a cuento. La historia escrita por Lucía Leonor Enríquez (paso de Gato #28) recrea lo sucedido el 4 de Agosto de 1892 en el número 92 de Second Street Massachussets fecha en que Andrew Borden y su esposa son encontrados en su casa, muertos: 11 golpes en la cara, uno ojo sale de su cuenca, una nariz es arrancada, el rostro ya no es rostro, hay 19 heridas y un hacha sin mango. Un vestido que se quema. Una sospechosa. Lizzie Andrew Borden, la parricida más famosa de la historia del crimen aún ante el suceso plagado de dudas, condenada no por la justicia, sino por un pueblo que no olvida. “Es un texto difícil de montar”, dice Santillán a la pregunta por la elección del mismo. “En la historia no hay un protagonista ni personajes, sino voces, la voz de un pueblo” y es lo que gusta de su hacer, la mira a lo dejado de lado por otros por representar alguna suerte de dificultad.

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“Andrew Borden”

 Santillán, dueño de una plástica específica, de alguna suerte de ojo de pintor, nos presenta a lo  largo de la puesta cuadros bien logrados que se valen de sombrillas para narrar, estas sirven de acompañamientos musicales, soportes, una boca, vestidos, lo necesario pues, siendo las sombrillas lo único que se utiliza en una propuesta en la que “todo significa” y debe “ayudar a contar”  donde lo que no presta servicio a la escena “no sirve” y es desechado: Una  propuesta basada en la “actoralidad”.

 El diseño de vestuario recuerda un poco a Abdicación y Malintzin, faldas cortas y negras, suertes de corsettes para delinear la figura, maquillajes recargados que si bien visualmente funcionan, y venden, parecen no ser necesarios para el tipo de teatro por el que apuesta, diálogos de calidad, códigos de ficción respetados, y buena dirección. A saber, vayan ustedes.

 El lugar que la alberga es interesante en sí mismo, la apuesta aquí también es eficiente. El Museo Británico Americano, ubicado en artículo 123, es una iglesia de arquitectura neogótica inglesa, también la primera iglesia anglicana en México, una iglesia envejecida que si no fuera por la oferta cultural parecería abandonada. Estos lugares siempre se agradecen, ofrecen un remanso de paz entre la urbe al que uno no puede permanecer ajeno, ejecutan un cambio en el estado anímico y el público entra con una disposición distinta al recinto, a presenciar el fenómeno escénico.

 Es una puesta en escena que vale la pena presenciar, que no hay que perderse. Como dato: antes Lizzie Borden, dirigida por Santillán, formó parte del Ciclo de Teatro Latinoamericano Contemporáneo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque y ahora llega al Centro de la Ciudad, si bien Artículo 123 a esa altura y hora no da trazas de segura, en realidad aseguro que hay nada que temer, el Museo está a unas cuantas cuadras del metro y metrobús Juárez en esquina con Bucarelli, no hay pretexto.

 La obra se presentará hasta el 11 de diciembre de 2014, los jueves a las 8:00 p.m. Costo del boleto: $150. El Museo Británico Americano está ubicado en la calle Artículo 123 #134.

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“Era mi abuela” Brenda Mítchelle

Cuando el cuerpo estaba todavía en la casa paciente a la llegada de los servicios vi llegar a Juan con un cuchillo entre los dedos. Se me volcó el estómago ¿Quieres ver que tenía adentro?—. No sé, no pude moverme. Y se le acercó, y tomó la orilla de la falda con las yemas y la subió. Y bajó las pantaletas. No sé, no pude hablar, pero vi lo que tenía entre las piernas… Era mi abuela, la que me cuidó siempre, la que me enseñó lo importante de las hojas, de sus tallos, de sus mariposas y sus gusanos, la que me enseñó a hacer trenzas y a compartir el pan. Y me asomé entre sus piernas muertas –Tócala, mete tus dedos—. No sé, no podía sentirme. Ándale, así le hace tu padre a mi mamá—, a mi mamá… Metí mis dedos en mi abuela… Mi abuela. La viva. La que olía a tierra recién lavada. Al campo… una humedad casi extinta, el frío… —Mételos más adentro, mételos y ahora sácalos, mételos, sácalos los metí y los saqué más fuerte… mi abuela, calientita cuando me abrazaba, la que me llevaba el pan hasta la boca. Juan empezó a cortarla en la pierna con el cuchillo. —Cierra lo ojos, ahora bájate los pantalones— lo obedecí, con la otra mano adentro de mi abuela, de mi abuelita… De pronto tú en la puerta. Y Juan ya no estaba….

Neblina…

De: Pita Amor, poetisa mexicana.

Mis pensamientos son muy taciturnos

 Mis sueños de pecado son nocturnos

Soy histérica, loca, desquiciada;

pero a la eternidad ya sentenciada.

Pita Amor decía en una entrevista a Ofelia Medina que las nueve musas asistieron a su bautismo y la coronaron poeta. Cuando ésta le solicitó definirse, Amor respondió: “¿Cómo puedes definir a las cataratas del niágara?¿Cómo puedes definir las hemorragias de sangre? Pita Amor no se puede definir, Pita Amor es infinita, como el universo, no tiene principio ni tiene fin… Yo cada instante, cada momento de mi pulso, cada átomo de tiempo que pasa soy diferente”.

 Pita Amor, hija de Emmanuel Amor Subervielle y Carolina Schmicltlein García, creció en Abraham González 66. Séptima hija. Actriz y modelo de pintores en juventud de entre los que recordamos, por grandes a Raúl Anguiano, Diego Rivera y Raúl Anguiano. Entrañable de Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Juan Rulfo, Alfonso Reyes y Elena Garro entre otros.

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 Tenía por costumbre no utilizar ropa interior ni medias y salir abrazada de un abrigo de Mink sin nada que la cubriera debajo, según sus amigos; tal vez entendamos algo de la personalidad de la poetisa si la relacionamos con genios de la talla de Salvador Dalí, dotado de una excentricidad implacable, de María Félix, diva del cine mexicano, y los mencionados arriba.

 Pita Amor tenía un poder especial para convocar a sus muertos, para traer al universo a sus versos. Fue apadrinada de Alfonso Reyes, quien se refirió sobre ella usando palabras como las siguientes:

 “(…) y nada de comparaciones odiosas, aquí se trata de un caso mitológico”.

 Mujer dueña de sí misma, de vida intensa, de amores pasionales y personalidad extravagante, mucho de ella podemos rescatarlo teniendo en cuenta la pérdida de un hijo, el único. Al ponerlo bajo la custodia de su hermana mayor, el niño se ahoga en una pileta contando un año con meses. La crisis no se hace esperar, la poetisa se derrumba, y se aleja del mundo entero al que entregó su pluma, y de lo que ella misma fuera.

 Reaparece en los setenta, renovada, rehecha, otra. Recita poesía mexicana de Sor Juana hasta Pita Amor, el recital es un éxito y vuelve a las entrevistas para televisión

 La nombrada undécima musa, muere en el 2000 presa de los demonios en su recinto de carne, de la postración de dos años en cama, la rescata la muerte.

Dios, invención admirable,
hecha de ansiedad humana
y de esencia arcana,
que se vuelve impenetrable.
¿Por qué no eres tú palpable
para el soberbio que vio?
¿Por qué me dices que no
cuando te pido que vengas?
Dios mío, no te detengas,
¿o quieres que vaya yo?

(Décimas a Dios)

Acta de nacimiento (2006)

Eres las líneas que obligaron a la renuncia de una hoja a un fin menos artificioso, un Dalí, libreto, guión, libro, libro, poema, libreto, una canción,  todo aquello que eres más de lo que en la hoja se adivina.

 Eres el acomodo de las palabras que en orden al sonido que te conjura forman, que arrastra hasta sí tu material figura. Tu nombre cayendo de otros labios es alguna suerte de correa de perro, de cadena,  de atadura ¿Dónde me encuentro si me pierdo a mí mismo? ¿Dónde me encuentro? ¿Me encuentro a la mitad de la media noche en la Colonia del Valle hace 24 años? Cuando no sé de mí ¿llego con un mapa entre las manos al 15 del mes de julio?

 Muertos en la hoja inventada de tu vida, se conjuran: Abuela Paterna: Consuelo Mendoza Mendoza, Abuelo materno: muerto. Abuelo paterno: todos muertos.

 Al Toro que derramó el semen que me dio origen y a quien nunca veo: Nombre del Padre: José Soberanes  ¿Lo encuentro asomándome a la ventana del juzgado 23 delegación 06? ¿Con qué pregunta encuentro las respuestas?  ¿Con qué palabras me dirijo a él? Entonces le digo: Se dio por terminado el acto y firman la presente para constancia los que en ella intervinieron y saben hacerlo. ¿ Saben hacerlo? ¿Doy fe? El invento de lo que eres, reducido al invento que es la tinta dormida formando el invento de las palabras enterradas sobre lo que alguien en un lugar lejos de éste llamó papel. Dice femenino ésta hoja en contra de mi certeza de ser hombre. No soy. No fui … y una huella vieja, una huella de 18 años. Tiempo que yo no tengo.

 Es triste que una huella sea lo único a medias vivo atrapado en el papel muerto que pretende hablar de mi vida en este infierno

De: 36 situaciones dramáticas Polti (II)

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Siguiendo con la situaciones dramáticas de Georges Polti cuya primera parte se enlistó en mi publicación anterior tan recurridas en las telenovelas, entre las cuales la Biblia (libro por demás dramático) ha hecho uso indiscriinado: en el presente texto presento las últimas 16.

 20.- AUTO-SACRIFICIO POR UN IDEAL:

Elementos: el héroe; el ideal.

Casos: sacrificio de la vida por el cumplimiento de la propia palabra; sacrificio de la vida por bienestar de un pueblo, de una nación; sacrificio de la vida por piedad filial; sacrificio de la vida por sostener la creencia religiosa; amor y vida sacrificados por la fe religiosa; amor y vida sacrificados por un ideal, por una causa noble; el amor sacrificado en aras de los intereses del Estado; sacrificio de la situación económica brillante en aras del deber; el ideal del honor sacrificado al ideal de la fe.

 21.- AUTO-SACRIFICIO POR LOS PARIENTES:

Elementos: el héroe; el o los parientes por los que el héroe se sacrifica.

Casos: la vida sacrificada para salvar la de un pariente o persona amada; la vida sacrificada por la felicidad de un pariente o persona amada; la ambición sacrificada por la felicidad de los padres, o del padre solamente; amor sacrificado para evitar pena a los padres; sacrificio de la vida, el bienestar o el amor por la felicidad de la persona amada; sacrificio ocasionado por la vigencia de leyes injustas; la vida y sacrificados por la vida de un padre, una madre o una persona amada; la decencia y el pudor sacrificados por la vida de un pariente o la persona amada.

 22.- TODOS SACRIFICADOS POR UNA PASIÓN:

Elementos: el enamorado; el objeto de la pasión fatal; la persona sacrificada.

Casos: los votos religiosos de castidad, rotos por una pasión fatal; un voto de pureza que se rompe; el futuro arruinado definitivamente por una pasión; el poder arruinado por una pasión; la ruina de la mente, de la salud y de la vida; la pasión conseguida al precio de la vida ; la ruina de la fortuna , de vidas y honores por una pasión; tentaciones que destruyen el sentido del deber, de la piedad y de la fe; destrucción del honor, de la fortuna y de la vida por el vicio erótico; el mismo resultado anterior producido por cualquier otro vicio).

 23.- NECESIDAD DE SACRIFICAR PERSONAS AMADAS:

Elementos: el héroe; la víctima amada; la necesidad de sacrificio).

Casos: deber de sacrificar a una hija por una promesa o un voto hecho a la divinidad; deber de sacrificar a los benefactores o personas amadas en aras de la fe; deber de sacrificar a un hijo, sin que los demás lo sepan, obedeciendo a la terrible presión de hacerlo ; bajo las mismas circunstancias, deber de sacrificar al esposo; deber de sacrificar a un yerno por interés público ; deber de sacrificar a un yerno en bien de la reputación; deber de combatir a un cuñado en aras del  interés público; el deber de combatir a un amigo.

 24.- RIVALIDAD ENTRE SUPERIOR E INFERIOR:

Elementos: el rival que es superior; el rival inferior; el objetivo.

Casos: rivalidades masculinas en general -por una mujer amada, por interese, por cuestiones políticas, etc.; rivalidad entre un mortal y un “inmortal”; rivalidad entre dos divinidades de poder desigual (una divinidad tiene mayor poder que la otra); rivalidad entre un mago un hombre común y corriente; rivalidad entre el conquistador y sus conquistados o dominados; rivalidad entre un rey y uno de sus nobles, inferior a él; rivalidad entre un poderoso y un advenedizo o pobre diablo; rivalidad entre el rico y el pobre; rivalidad entre un hombre honorable o que se le considera como tal y otro, de quien se sospecha con respecto a su conducta y comportamiento; rivalidad entre dos que son casi iguales; rivalidad de dos que son iguales, pero uno de los cuales cometió un adulterio en el pasado; rivalidad entre un hombre que es amado y otro que no tiene el derecho de amar; rivalidad entre dos sucesivos esposos de una divorciada; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidades femeninas: entre una bruja y una mujer común y corriente; rivalidad entre un conquistador y su prisionero; rivalidad entre una reina y uno de sus esclavos; rivalidad entre una gran dama y su sirviente; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; rivalidad entre una gran dama y dos mujeres de posición humilde; una doble rivalidad (A ama a B, el que ama a C, quien a su vez ama a D); rivalidades orientales; rivalidad entre dos esposas.

 25.- ADULTERIO:

Elementos: un esposo o esposa traicionados; los dos adúlteros.

Casos: una amante traicionada, traicionada por una mujer más joven que ella; la esposa traicionada; el esposo traicionado; una esposa traicionada por una mujer casada; esposa traicionada por una mujer más joven que ella, la que, además, no ama al traidor; una esposa envidiada por una joven que está enamorada de su esposo; rivalidad entre una esposa que es dominante y tiránica y una amante que es complaciente y dulce; rivalidad entre una esposa toda generosidad y una muchacha vehemente y apasionada; la esposa que sacrifica a su esposo tiránico y dominante por un amante complaciente; el esposo, dado por muerto, es olvidado por el amante de su esposa; un marido corriente sacrificado por un amante simpático; un marido noble y bueno traicionado por un rival de calidad inferior a la del esposo; marido traicionado por un rival grotesco; marido traicionado por una esposa perversa, que prefiere a un amante despreciable; esposo traicionado por su mujer, que da la preferencia a un rival inferior en todo a su marido; venganza de un marido traicionado; el marido es perseguido por un rival rechazado por la esposa.

 26.- CRÍMENES DE AMOR:

Elementos: el amante; la persona amada por él.

Casos: una madre enamorada de su propio hijo un caso repugnante y que no debe utilizarse en una transmisión radiofónica decente; una mujer enamorada de su hijastro; el hijastro y la mujer enamorados uno del otro; mujer que es amante al mismo tiempo del padre y el hijo, y ambos (padre e hijo) aceptan la situación; un hombre se convierte en amante de su cuñada.

 27.- DESCUBRIMIENTO DE LA DESHONRA DE LA PERSONA AMADA:

Elementos: el que descubre la deshonra; la persona culpable de esa deshonra.

Casos: descubrimiento de la deshonra de una madre; descubrimiento de la deshonra del padre; descubrimiento de la deshonra de una hija; descubrimiento de la deshonra de toda la familia por el prometido de una de las hijas; descubrimiento del marido recién casado de que su esposa fue violada antes de su matrimonio; descubrimiento, por el marido, de que su esposa cometió ana falta antes del matrimonio con él; descubrimiento por el amante de que la mujer, que fue antes una prostituta, ha vuelto a su vida de mujer de la calle; descubrimiento por el padre de que su hijo es un asesino; deber de castigar a un hijo que es un traidor a la patria; deber de condenar a un hijo de acuerdo con una ley creada, formulada y hecha aprobar por su propio padre; deber de castigar a un hermano que es un asesino; deber de castigar a la propia madre para vengar al padre.

 28.- OBSTÁCULOS DE AMOR:

Elementos: dos que se aman; el obstáculo.

Casos: matrimonio impedido por desigualdad de rango; la desigualdad de fortuna como impedimento para el matrimonio; el matrimonio impedido por enemigos o rivales de la novia o del novio; matrimonio impedido porque ella es una divorciada; el mismo caso, pero complicado con un matrimonio imaginario; una “unión libre” impedida por la oposición de los padres; matrimonio impedido por desigualdad de caracteres; matrimonio impedido por los padres de la novia porque el novio lleva mala vida.

 29.- UN ENEMIGO AMADO:

Elementos: el enemigo amado; la persona que lo ama; el que odia a ese enemigo amado.

Casos: el novio es odiado por los parientes de la novia; el novio es perseguido por los hermanos de la novia; el novio es odiado por la familia de la novia; el novio es hijo del hombre odiado por el padre de la novia; el novio asesinó al padre de su novia; el novio asesinó a un hermano de la novia; el amante es el asesino del esposo de la mujer que lo ama; el novio es hijo del hombre que asesinó al padre de la novia.

 30.- AMBICIÓN:

Elementos: una persona ambiciosa; el objeto codiciado; un adversario.

Casos: la ambición de un hombre contenida por un pariente; por un hermano; rebelión ambiciosa contra el poder establecido y legal; ambición que produce crimen sobre el crimen; ambición parricida; ambición que lleva a la ruina de la familia; ambición que hace que el padre sacrifique a los hijos, a la madre, a las hijas, a los parientes, a los amigos.

 31.- CONFLICTO CON DIOS:

Elementos: un mortal; Dios, el inmortal.

Casos: lucha contra dios; lucha contra los que creen en Dios; controversia con Dios; castigo que cae sobre un mortal por despreciar a Dios; castigo por mostrarse soberbio ante Dios; rivalidad con Dios.

 32.- CELOS EQUIVOCADOS O ERRÓNEOS:

Elementos: el celoso; la persona por la que está celoso; el supuesto rival; la causa o autor del error.

Casos: los celos erróneos se originan en la mente misma del celoso; los celos equivocados son originados por un cambio fatal; cambio en el modo de ser de la persona de la que se tienen celos; cambio de situación de esa misma persona sobre la que caen los celos equivocados ella mejora súbitamente de posición económica y social sin ayuda del que siente celos por ella, aunque equívocos, etc; celos equívocos en un amor que es exclusivamente platónico; celos equívocos y bajos, rastreros, originados por rumores malévolos; celos sugeridos por un traidor, impulsado por el odio; el traidor es impulsado por propio interés en provocar los celos equívocos; el mismo caso anterior en que el villano es impulsado por sus propios celos y su propio interés; celos equívocos recíprocos entre marido y mujer provocados por un rival; celos sugeridos al marido por una ;mujer enamorada de él; celos sugeridos al esposo por un pretendiente rechazado; celos sugeridos a la esposa por un rival despechado; celos sugeridos a un amante feliz por el marido traicionado.

 33.- JUICIOS ERRÓNEOS:

Elementos: el equivocado; la víctima del error, la causa o autor del error; la persona verdaderamente culpable.

Casos: falsa sospecha cuando la fe se hace indispensable; falsas sospechas de una amante; falsas sospechas originadas por una actitud mal entendida de la persona amada; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente para salvar a un amigo; el inocente tenía, en realidad, una intención aviesa, pero solo la intención, sin llegar al acto; caso en que un inocente, por las sospechas que caen sobre él, llega a creerse realmente culpable sin serlo; un testigo de un crimen, por interés en la persona amada, deja que las sospechas caigan sobre un inocente; la falsa acusación se deja caer intencionalmente sobre un enemigo inocente; el juicio erróneo es provocado por un enemigo; el error es dirigido sobre el inocente por su propio hermano; la falsa sospecha es arrojada por el verdadero culpable sobre un enemigo; falsas sospechas arrojadas sobre un rival inocente; falsas sospechas arrojadas sobre un inocente porque se rehusó a ser cómplice de un crimen o una intriga; falsas sospechas provocadas por una amante abandonada y dejadas caer sobre el amante que se negó a seguir siéndolo al saber que era casada, no queriendo engañar al marido; lucha del inocente para rehabilitarse ante la sociedad de un error judicial provocado intencionalmente.

 34.- REMORDIMIENTO:

Elementos: el culpable; la víctima.

Casos: remordimiento por un crimen no conocido, que se mantiene en secreto; remordimiento por un parricidio; remordimiento por un homicidio; remordimiento por el asesinato de marido y mujer; remordimiento por un pecado de amor.

 35.- RECUPERACIÓN DE UNA PERSONA PERDIDA:

Elementos: el perdido; el que lo encuentra.

Casos: hijo perdido encontrado casualmente; padre perdido encontrado por la madre; hija extraviada encontrada por su hermano; madre perdida que es encontrada por uno de sus hijos o hijas.

 36.- PÉRDIDA DE PERSONAS AMADAS:

Elementos: la parienta o pariente que es asesinada; otro pariente como simple espectador; un verdugo.

Casos: se presencia el asesinato de un pariente o persona amada sin poder evitarlo; la desdicha que cae sobre una familia al través de secreto profesional; presentimiento de la muerte de una persona amada; conocimiento de la muerte de una persona amada; reacción salvaje, por desesperación, al tener conocimiento de una persona amada

De: Georges Polti. Situaciones dramáticas

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La razón de la repetición constante en películas, novelas y teatro de situaciones es  resultado de lo escaso de las situaciones dramaticas humanas y formulas preestablecidas, termina en que nos preguntamos si nuestros afanes de complejidad en la gama humana quedan en eso, en pretensiones.
 Traemos pues, 19 de las 36 situaciones dramáticas de Polti, de Gozzi (1720-1806) en principio de cuentas, dramaturgo que aseveraba, toda la posibilidad se reducía a 36 situaciones dramáticas, en literatura, teatro, y en la vida claro. 36 tramas posibles. La lista aquella se perdió y Goethe, a quien sabemos por el Fausto trató de descifrarlas, aparentemente sin buenos frutos tiempo después.
 Es entonces que Polti, tras cansados análisis de la literatura clásica, inventaría las escasas situaciones, es de la mezcla de estas de donde todo procede, entonces nos explicamos de este modo el ligero dejo de familiaridad entre todo lo que vemos y leemos.

 01 SUPLICA (Elementos: uno que persigue; uno que suplica; una autoridad de dudosas decisiones).

 02 RESCATE. (Elementos: uno que amenaza; un desdichado; uno que rescata.

 03 EL CRIMEN PERSEGUIDO POR VENGANZA (No por la autoridad) (Elementos: un criminal y uno que toma venganza de él).

 04 VENGANZA DE PARIENTES SOBRE PARIENTES (Elementos: pariente culpable; pariente vengador; recuerdo de la víctima, pariente de ambos.

 05 PERSECUCIÓN (Elementos: el que huye y quien lo persigue para castigarlo).

 06 DESASTRE ((Elementos: un poderoso que conquista y uno victorioso) (Casos como el “Enrique VI” y “Ricardo II”, de Shakespeare. Y, fuera de autoridades y reyes, casos de grandes hombres caídos en desgracia, traicionados, sumidos en el desastre, tales como Colón, de Lesseps -Vizconde Fernando María de Lesseps, constructor del Canal Suez e iniciador de la construcción del Canal Panamá; condenado junto con su hijo a multa y prisión y caído en desgracia después de sus dos grandes obras, una terminada y otra iniciada y respaldada por él-; dentro de este rubro o clasificación: “Desastre”, caben los accidentes marinos, aéreos o terrestres; un ciclón, un terremoto, Etc.; y así, Polti cita en este rubro la obra “Tierra de Espanto”, de Lorde y Morel, 1907, en la que se describe una catástrofe de la Naturaleza. Como se ve, este rubro y muchos otros, abarcan demasiados sucesos, y así es fácil reducir todo a 36 y dramáticas. Porque podría diferenciarse el desastre de un reino o de un hombre del desastre de un fenómeno de la Naturaleza, y llamar al primero desastre y al segundo catástrofe, y entonces ya serían 37 situaciones y no 36. Como se observa, la calificación es un tanto convencional y elástica).

 07 VICTIMAS DE LA CRUELDAD O LA DESGRACIA. (Elementos: un desdichado, un amo una desgracia) (Casos: el inocente víctima de la intriga o la ambición, o de la intriga ambiciosa; el inocente despojado precisamente por quienes tenían el deber de protegerlo y cuidarlo; el poderoso que es desposeído y arruinado; el favorito que de pronto se ve desterrado y olvidado; el dedicado a quien se quita su última esperanza, Etc.)

 08 REBELIÓN (Elementos: el tirano y el conspirador). (Casos: La conspiración de un solo individuo; la conspiración de varios; la rebelión de uno que arrastra a otros; la rebelión de muchos, simultáneamente).

 09 EMPRESAS ATREVIDAS (Elementos: un líder audaz y valiente; un objetivo; un adversario). (Casos: la preparación para la guerra, una guerra difícil; la guerra misma; uno de los combates de la guerra; expediciones peligrosas; empresa difícil y atrevida para apoderarse de la mujer amada, Etc.)

 10 SECUESTRO. (Elementos: el raptor; el raptado o raptada; la autoridad o policía). (Casos: el rapto de una mujer a la fuerza, de una mujer que no ama a su raptor, el rapto de una mujer que si ama a su raptor y consiente en ser reptada; la liberación de una mujer raptada sin dar muerte a su raptor; el caso anterior pero con la muerte del raptor; rescate de un amigo cautivo o secuestrado; rescate de un niño secuestrado; el rescate de un alma que se encuentra en el error religioso).

 11 ENIGMA (Elementos: el problema a resolver, el investigador o interrogador y el policía o autoridad. (Casos: búsqueda de una persona que tiene que ser encontrada bajo pena de muerte si no se la halla; un problema difícil que tiene que ser resuelto bajo pena de muerte si no lo resuelve el enviado a resolverlo; el mismo caso en el que el problema es propuesto por una mujer ambiciosa; todas las novelas policíacas en general, ya que todas llevan como elemento primordial un enigma).

 12 LOGRO O CONSECUCIÓN (Elementos: uno que pide y su adversario que niega, para que surja el conflicto; o bien, un árbitro más o menos arbitrario dado su poder y las partes oponentes a ese arbitro). (Caos: esfuerzos por lograr un objetivo por medio de la fuerza; el caso anterior, pero por medios persuasivos; la elocuencia frente a la severidad de un árbitro, de una persona que tiene que resolver el caso, derrotado por esa elocuencia de su oponente).

 13 ENEMISTAD DE PARIENTES (Elementos: un pariente malévolo, villano; un pariente odiado por ese pariente y al que éste odia también). (Casos: odio entre hermanos; un solo hermano odiado por todos los hermanos suyos; odio entre parientes por intereses; odio entre padre e hijo; odio de la hija por su padre; odio del abuelo; por el nieto; odio del padrastro por el hijastro; odio de la madrastra por la hijastra; odio que llega al infanticidio).

 14 RIVALIDAD ENTRE PARIENTES (Elementos: El rubro anterior se refiere principalmente al ODIO entre parientes. Este rubro se relaciona esencialmente con la RIVALIDAD entre parientes). (Elementos: el pariente preferido, consentido, querido; el pariente rechazado, eliminado, el objetivo a conseguir). (Casos: rivalidad maliciosa o malévola de un hermano por un pariente; rivalidad malévola o maliciosa de dos hermanos por otro pariente; rivalidad entre dos hermanos con adulterio por parte de uno de ellos; rivalidades entre hermanas; rivalidad entre padre e hijo por una mujer soltera; el caso anterior pero por una mujer casada; rivalidad entre padre e hijo por la esposa del padre, de la que está enamorado el hijo; rivalidad entre madre e hija; rivalidad entre primos; rivalidad entre amigos muy íntimos, no parientes). (Ignoramos por qué incluye Polti esta última rivalidad, que no se refiere a parientes. Volvemos a la “elasticidad” de esta clasificación, pero creemos que es necesario y hasta útil que el escritor la conozca).

 15 ADULTERIO HOMICIDA. (Elementos: los dos adúlteros; el esposo o la esposa traicionados). (Casos: asesinato del esposo por el amante de su mujer; asesinato de un amante que se confía -caso Sansón y Dalila; asesinato de la esposa por su propio amante).

 16 LOCURA (Elementos: el loco o la loca y su víctima o víctimas. (Casos: un pariente asesinado por el loco durante uno de sus ataques de locura; un amante asesinado durante el ataque de locura del desequilibrado mental; asesinato o graves lesiones de una persona a la que el loco no odia; la desdicha que cae sobre el infeliz loco…; … una persona solo por el miedo de heredar la locura de su padre o madre -como en L’Etau, “El Torno” de André Sardou, 1909).

 17 IMPRUDENCIA FATAL. (Elementos: el imprudente; la víctima de la imprudencia o el objeto u objetivo perdido por imprudencia). (Casos: la imprudencia es la causa de la desdicha del imprudente mismo; la imprudencia es causa del deshonor, de la deshonra del imprudente; la curiosidad es la causa de la desdicha del imprudente; pérdida de la persona amada por imprudencia; la imprudencia como causa de la muerte o deshonra de otros; la imprudencia como causa de muerte de un pariente; la curiosidad imprudente como causa de la muerte de varios parientes;).

 18 CRÍMENES INVOLUNTARIOS DE AMOR (Elementos: el amante o enamorada y el que hace una sorpresiva e inesperada revelación, intensamente trágica o dramática). (Casos: descubrimiento súbito e inesperado, intensamente trágico y patético, que se le hace a una persona al revelarle que, sin saberlo, se ha casado con su propia madre; descubrimiento de que una persona se ha casado con su propia hermana; descubrimiento de que un hombre tiene como amante a su hermana; el mismo caso anterior, en el que el crimen que se comete ha sido villanamente planeado por una tercera persona; el sujeto que está a punto de tomar como amante a su propia hermana; el sujeto que se encuentra a punto de violar a una muchacha sin saber que es su hija; el sujeto que se encuentra a punto de cometer adulterio, sin saberlo).

 19 ASESINATO DE UN PARIENTE NO RECONOCIDO (Elementos: (El asesino y la victima no reconocida). (Casos: el sujeto esta a punto de asesinar a su propia hija sin saber que lo es, por el supuesto mandato de una falsa divinidad u oráculo, o instigado por un perverso; asesinatos políticos por necesidad; asesinatos por rivalidades en amores; asesinato por odio que profesa el enamorado o amante por la hija a la que no ha reconocido; el sujeto está a punto de asesinar a su hijo sin saber que lo es; a punto de asesinar a su propio hijo al que no ha reconocido, pero impulsado por instigaciones maquiavélicas; asesinato de parientes no reconocidos; a punto de asesinar a un hermano no reconocido por el asesino; asesinato de una madre no reconocida; un padre es asesinado por su hijo que no lo reconoce o que no lo conoce, pero debido instigaciones o intrigas maquiavélicas; un abuelo asesinado por su nieto que no lo reconoce, por venganza y siendo instigado por un villano o perverso que desea la muerte de ese abuelo y no quiere matarlo él mismo para no comprometerse; asesinato involuntario; un padrastro asesinado involuntariamente; asesinato involuntario de la mujer amada; a punto de asesinar al enamorado no reconocido. “El Monstruo Azul”, de Gozzi) fracaso para rescatar a un hijo no reconocido).

 No deja de resultar intrigante me parece, uno no se aguanta las ganas de desmitificar, de la ofensa que resulta sabernos tan básicos, tan escasos, la sensación de volver a las pocas letras del alfabeto que nos componen la gama del lenguaje. A saber si se hará en el próximo tiempo.

De: Juan Rulfo

 

para revista

Estoy desde hace mucho convencido de que este portentoso escritor nacido en Jalisco el 16 de mayo de 1917, bajo el nombre de Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno, es el mejor escritor del siglo XX que dio México de muchos modos. Rulfo escribió desde el alma, desde la muerte, desde lo desconocido, y desde un conjunto de elementos desconocidos por ser de vida, personales, desde la elección antes del nacimiento y sea quizá, que en alguna entrevista nos habló de ser visitado por otros seres en la noche. En el libro “Juan Rulfo. Del páramo a la esperanza” se nos refiere un Rulfo que en la noche era un conversador maravilloso, inyectado de energías distintas de las del día, escribía de noche, era otro.

 Entre ciertos escritores se reconocen estilos, se reconoce el dictado de los muertos, y Pedro Páramo viene de un lugar otro, desde un lado distinto, poderoso. Gabriel García Márquez decía al respecto que era imposible pedir a Juan algo más, porque todo lo que podía dar estaba ya concentrado en la novela, no hay más, el lenguaje del pueblo que es poesía pura nos arranca de este mundo para llegar a Comala, a la boca del infierno, llenos de murmullos, de voces, del sopor y las hebras del sueño.

 La reputación del escritor procede de El llano en llamas (1953), de diecisiete relatos que fueron la preparación para Pedro Páramo publicada en 1955, parteaguas de la literatura mexicana que marca el fin de la Novela Revolucionaria.

 El ganador del Premio Príncipe de Asturias fue huérfano de padre a los siete años, a los once fallece su madre. después vivió con su abuela y más tarde en el orfanatorio Luis Silva en Guadalajara. en 1933 intenta ingresar a la Universidad de Guadalajara pero opta por ir a la ciudad de México por encontrarse ésta en Huelga. Asistió de oyente al Colegio de San Ildefonso. En 1934 comenzó a colaborar en “América” revista literaria. En 1939 comenzó a publicar los cuentos que dieron paso  “El llano en llamas” en revistas literarias.

 En 1946 se dedicó a la labor fotográfica, trabajó para Goodrich-Euzkadi como agente viajero. En 1947 se casó con Clara, Clara Angelina Aparicio Reyes, con quien procreó 4 hijos.  De 1954 a 1957 fue colaborador de la Comisión del Papaloapan y editor en el Instituto Nacional Indigenista en la Ciudad de México.

 En 1930 participó en la revista México. En 1945, publicó, para la revista Pan en Guadalajara los cuentos: La vida no es muy seria en sus cosasNos han dado la tierra así como enMacario. Establecido en la Ciudad de México en 1946 se publicó el cuento Macario en la revista América. En 1948, se publicó La cuesta de las comadres y en 1950 Talpa y El Llano en llamas. En 1951 la revista América publicó el cuento ¡Diles que no me maten! y en 1953 el Fondo de Cultura Económica integró El Llano en llamas (al que pertenece el cuentoNos han dado la tierra) en la colección Letras Mexicanas. En 1955 se publicó Pedro Páramo.

 Entre 1956 y 1958 escribió su segunda novela “El gallo de oro”, que no fue publicada sino hasta 1980.

 Después de esta etapa, Rulfo abandonó la escritura, justificó el abandono con la muerte del tío Celerino quién le platicaba todo, fue con él que Rulfo recorrió muchos pueblos.

 La primera idea de Pedro Páramo fue gestada antes de Rulfo cumplir los 30 años, en dos cartas de 1947 dirigidas a Clara se refiere a la novela bajo el nombre de “Una estrella junto a la luna” diciendo que le daba algún trabajo, cambia el nombre a “Los murmullos” y gracias a una beca del Centro Mexicano de Escritores la concluye entre 1953 y 1954. Tres revistas publican adelantos de la novela y en el 55 aparece como libro en una edición de dos mil ejemplares, de los que fueron vendidos mil, y el resto regalados.

 La estructura innovadora fuera de los esquemas del XIX desorienta a los lectores haciéndolos reaccionar con desconcierto.

Al respecto del Páramo, Borges dijo:

Pedro Páramo es una de las mejores novelas de las literaturas de lengua hispánica, y aun de toda la literatura.

Contrario a Arreola, quien se cuenta, dijo a Rulfo que dejara la novela, que “eso” nunca iba a ser publicado.

Y esto García Márquez:

… Álvaro Mutis subió a grandes zancadas los siete pisos de mi casa con un paquete de libros, separó del montón el más pequeño y corto, y me dijo muerto de risa: ¡Lea esa vaina, carajo, para que aprenda! Era Pedro Páramo. Aquella noche no pude dormir mientras no terminé la segunda lectura. Nunca, desde la noche tremenda en que leí la Metamorfosisde Kafka en una lúgubre pensión de estudiantes de Bogotá —casi diez años atrás— había sufrido una conmoción semejante.

 Esta maravilla murió el 7 de enero de 1986, pero de esto no daremos más detalles. Juan Rulfo está vivo y se le siente sus fotografías, en el acomodo de letras que conforman las cartas a Clara, sus cuentos, guiones y dos novelas. Pero sí cierro con lo dicho después por Arreola: “no puedo creerlo; no puedo decir que esté muerto. Él no ha muerto; ha nacido con todos los que amamos la literatura”

De: Rondas con los ornitorrincos de la crónica

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Leía un texto de Juan Villoro que cayó a mis manos, básicamente de disertaciones sobre la crónica, me resultó interesantísimo y decido entonces traerlo a colación. Al respecto del nombre que Alfonso Reyes concede al ensayo: “El centauro de los géneros” decide  Villloro nombrar a ésta “El ornitorrinco de la prosa”. Nos habla de las necesidades que de los otros géneros tiene, resumiendo en sus palabras:

De la novela, la condición subjetiva; del reportaje, los datos inmodificables; del cuento, el sentido dramático en espacio corto; de la entrevista, los diálogos y del teatro moderno, la forma de montarlos, del teatro grecolatino, la polifonía de testigos; del ensayo, la posibilidad de argumentar; de la autobiografía, el tono memorioso y la reelaboración en primera persona.

 Precisa que las influencias que sufre pueden ser llevadas a más y que justo en el equilibrio de no caer en uno con más fuerza que en todos los otros radica su existencia.

 Enfrenta la necesidad del uso de la imparcialidad y de la ficción para (cosa rara) entregar credibilidad al texto y por supuesto, ganas de continuar sobre las letras que le conforman, entonces si el texto fuera pura y llanamente el hecho, lo llamado la verdad aunque se sabe imposible por ser relativa, pero digamos pues, lo más apegado posible sin especulaciones, inclinaciones, aproximaciones, juicios de valor emitido, etcétera, no resultaría interesante, ni entretenida, al final el objetivo no se cumple, requiere del elemento.

 Entonces luego, existiendo la diferencia a tiempos  remotos entre los escritores y los periodistas, es decir con los que romancean con la verdad y con los que romancean con la otra verdad que nace de lo no verificable, de la posibilidad, creen los  unos  y los otros que se está mejor del otro lado, entonces así, escritores terminan escribiendo para periódicos por tener un cheque que les permita seguir con la narrativa. Se cuenta una anécdota en que el escritor que llega a su recién adquirido empleo como periodista y ve a la máquina de escribir como una suerte de pequeño ataúd donde quedarán sepultados sus ímpetus de escritor novato, y los otros por el prestigio, por lo que no se atreverán (en la mayoría de los casos) a tocar.

 Luego está la otra idea, de que los periodistas son, en realidad escritores frustrados, que no habiendo nacido con talento, ni con posibilidad de desarrollar, pese a los intentos la habilidad necesaria para la narrativa, terminan de periodistas escribiendo hechos crudos, sin la necesidad de desarrollar desde la imaginación y creatividad la trama, que es sencillamente, en sus casos, arrojada por la vida.

 En uno u otro caso se dice que no se debe servir a dos amos, y que la una sepulta la creatividad para la otra o que la otra genera imposibilidad para la primera, la verdad, claro, es relativa, es todo escribir al final, es la posibilidad de regodearse y de cruzar con habilidad y no con imprudencia y temeridad por las distintas posibilidades, ¿Que tal un escritor “todo terreno”?.

 

Las alas de los cocodrilos (Obra corta)

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A: Necesito entender.

B: Hay cosas que no se pueden entender.

A: ¿Cómo podría yo saber eso?

B: Todo pasó muy rápido… pobre mía.

A: Tan absurdo.

B: Tan como todo.

A: Tengo sed.

B: Hambre…

A: Quiero sentir dolor…

B: Estás mal, siempre has estado mal, me enfermas.

A: No puedes hacer nada.

B: Sencillamente no puedo hacer… algo, nada.

A: Mi hijo está llorando.

B: Nunca lo tuviste.

A: La neblina.

B: A veces me das lástima.

A: Tú por lo menos puedes sentir lástima.

B: También piedad, asco, repulsión…

A: Quiero ser cantante.

B: ¡Cantas horrible!

A: No es cierto (canta).

B: Cállate, hay neblina otra vez, la despertaste.

A: Ya no importa, nunca ha importado, es como antes el aire.

B: Esto somos ahora, también somos neblina.

A: Siempre te odié.

B: Nunca te entendí.

A: Quería aplastarte.

B: Tonta… mi destrucción fue la tuya.

A: ¿Cómo iba yo a saber eso?

B: Eres una estúpida.

A: Me quiero ir.

B: No puedes, ya es tarde, casi llega el alba.

A: Tengo miedo.

B: No tiembles, siempre fuiste muy miedosa…

A: La sangre en el río.

B: No hubo río, ni siquiera agua.

A: Me estás lastimando, suéltame ¿Qué haces? ¡No te atrevas! ¡Por favor!

(silencio muy largo)

B: Se apagó mi cigarro.

A: Me duele…

B: Señor, ¿ me prestaría fuego por favor?… gracias.

A: Veo mi sangre correr, es como un río, pero ya no me duele…

B.- Confundir tu piel, con el frío del metal…

A.- Cállate.

B: Soy un microbio con alas en una jaula.

A: Nunca fuiste otra cosa.

B: Siempre me ha gustado revolcarme desnudo en la hierba.

A: Perdóname mamita.

B: Perdóname Lucía.

A: Me cortaron el alma, pero no sangró solamente se fue, fue a lamerse las heridas, a echarles sal

B: Además cocinas mal.

A: Las arañas me caminan por la piel, a veces escucho las telarañas, me hablan, se me meten en las venas…

B: Me gustabas.

A: No debiste acercarte a mi, yo estaba bien, le echaste cloro a mi hipotálamo, siempre te creiste capaz, muy libre, no eras más que un microbio en una jaula, pero no la veías… porque eres miope… no más que un pobre microbio miope encerrado en una jaula grande de latón oxidado.

B: ¿Tú que sabes?

A: Me das lástima.

B: ¡Cállate!

A: Estúpido (se ríe), crees que tienes el poder.

B: Lo tengo.

A: Tienes la nada… vacuo, nunca me tuviste, no te tienes… la neblina no te pertenece, pobre. Me vomitaría en ti…

B: Yo te amaba.

A: Señor… me prestaría fuego por favor?… gracias.

B: “Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano,como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrarlo todo para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer…”

A: Eso ni siquera es tuyo, no posees sonidos, ni aroma, ni tacto…

B: Perdóname.

A: Es tarde, ya casi llega el alba.

B: Tengo miedo.

A: Perdí mis alas…

B: No, no fue tu culpa… las eché al excusado y jalé la cadena, debí decirte.

A: No importa.

B: ¿Escuchas?

A: ¿Qué cosa?

B: Ruido… deben ser policías.

A : Ni siquiera existimos.

B: A veces si, cuando queremos.

A: Nunca queremos al mismo tiempo…

B: Ya no hay tiempo.

A: Siempre me han gustado las alas de los cocodrilos… son tan blancas.

B: siempre tan ridícula, entiende, los cocodrilos no tienen alas…

A: Está  bien…

A: En noticia… la noche de ayer se encontraron los cuerpos sin vida de un hombre y una mujer, al parecer los vecinos reportaron el llanto de un bebé hijo de la joven pareja, el pequeño pasó cuatro días sin tomar alimento, los médicos dicen que es un milagro de vida, la policía por otro lado declaró que al parecer el joven asesinó a la chica tasajeando todo el cuerpo, para después suicidarse (interferencia).

B: Así es Camila, que alegría (se ríen) en otras noticias ayer nació un cocodrilo , tiene unas alas enormes y muy blancas, los abogados dicen que está en perfectas condiciones, muy sanito y que ha respondido muy bien a…

 

 

 

De: Consejos para cuentistas

 

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El cuento es, dicho (y sostenido) por escritores el género más complicado de todos en cuanto a narrativa se refiere, me he servido pues, traer algunos consejos para quien adquiere recién el oficio o bien, para quien lo tenga ya adquirido y quiera de esto hacer un recorrido rápido para refrescar lo aprendido.

 A diferencia de la novela, en que se permite hacer gala de la extensión para clarear relaciones entre los personajes , entretejer, y permitirse insertar tramas e historias de estos y entre estos; el cuento por característica de brevedad requiere de la síntesis, de la claridad, de la genialidad.

 Uno de los grandes del cuento: Horacio Quiroga ( Salto, Uruguay, 31 de diciembre de 1878- Buenos Aires, Argentina, 19 de febrero de 1937)  cuentista, dramaturgo y poeta uruguayo, denominado maestro del cuento latinoamericano, nos ofrece estos consejos para el perfecto cuentista:

I.- Cree en un maestro —Poe, Maupassant, Kipling, Chejov— como en Dios mismo.

II.- Cree que su arte es una cima inaccesible. No sueñes en domarla. Cuando puedas hacerlo, lo conseguirás sin saberlo tú mismo.

III.-Resiste cuanto puedas a la imitación, pero imita si el influjo es demasiado fuerte. Más que ninguna otra cosa, el desarrollo de la personalidad es una larga paciencia.

IV.-Ten fe ciega no en tu capacidad para el triunfo, sino en el ardor con que lo deseas. Ama a tu arte como a tu novia, dándole todo tu corazón.

V.-No empieces a escribir sin saber desde la primera palabra adónde vas. En un cuento bien logrado, las tres primeras líneas tienen casi la importancia de las tres últimas.

VI.-Si quieres expresar con exactitud esta circunstancia: “Desde el río soplaba el viento frío”, no hay en lengua humana más palabras que las apuntadas para expresarla. Una vez dueño de tus palabras, no te preocupes de observar si son entre sí consonantes o asonantes.

VII.- No adjetives sin necesidad. Inútiles serán cuantas colas de color adhieras a un sustantivo débil. Si hallas el que es preciso, él solo tendrá un color incomparable. Pero hay que hallarlo.

VIII.- Toma a tus personajes de la mano y llévalos firmemente hasta el final, sin ver otra cosa que el camino que les trazaste. No te distraigas viendo tú lo que ellos pueden o no les importa ver. No abuses del lector. Un cuento es una novela depurada de ripios. Ten esto por una verdad absoluta, aunque no lo sea.

IX.-No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir, y evócala luego. Si eres capaz entonces de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino.

X.- No pienses en tus amigos al escribir, ni en la impresión que hará tu historia. Cuenta como si tu relato no tuviera interés más que para el pequeño ambiente de tus personajes, de los que pudiste haber sido uno. No de otro modo se obtiene la vida del cuento.

 Dicho sea de paso: el talento aunado a la técnica nos confiere posibilidades portentosas de calidad, sea que se haga caso omiso o no, que se siga al pie de la letra o no, que se tome o se ignore, de la experiencia por ser experiencia debiera tomarse cuenta.

 

De: Teatro. Verónica Maldonado

Un buen artista es antes un buen ser humano: Verónica Maldonado, dramaturga, actriz, profesora, guionista y directora de teatro egresada de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad Nacional Autónoma de México cabalmente cumple con la regla. Es una mujer fuerte con un corazón que desde fuera se siente y al que ni ella misma es capaz de obstruir, se le asoma por los ojos, se le escapa por la pluma, es, poniendo claridad, una mujer a la que dan ganas de querer.

 Es esto importante, porque sabido es que “todo arte es autobiográfico”, no ya en un sentido estricto y corriente, sino en el modo en que todo lo que uno es, todo lo que uno conoce, prueba, lee, escucha y todo lo que no, inevitablemente es colocado en las acciones como en una vitrolera,  para un artista las acciones, los frutos, son el arte que crea y le recrea, que forja  y viceversa; este corazón de Verónica se siente en el alma de sus textos y en sus puestas en escena.

 Es creadora y no sencilla ejecutante, como toda alma con afanes de libertad y portentosas necesidades de entregar, de crear y de ganar terreno en la expresión pero sobretodo de “darse” a lo que se sirva prestarle el oído, el corazón y la razón, ella es una artista diversificada, porque no puede ser de otro modo, ha ganado premios de instituciones convocantes diversas: SEP, UNIVERSITAS, TV UNAM, IMCINE, INBA, Gobierno de Yucatán entre otros en las áreas de dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Nos habla esto por fuerza de una creadora sin egoísmos, que explora en sí misma y en los territorios de fuera buscando terreno para alojar la semilla de su arte.

 Entre sus obras más recientes se encuentran: Segiz o la historia del príncipe dormido (Est. Aguascalientes, 2009), Máquina 30000 (Est.Tlaxcala, 2010) Las batallas en el desierto, (Est. México D.F. 2012) De cómo el épico negrito y el valiente monsieur epicé evitaron otra guerra de los pasteles(Est. Puebla, 2012) Tutoriales (Est. México D.F, 2012), Looper (Est, México D.F., 2012) Rojos puntos de vista(Paso de Gato, Antología) y Un teatro Xico (Est, Tlaxcala 2013).

 Verónica es también docente y ha impartido talleres de dramaturgia, presentación de proyectos y escritura creativa, en el programa Arte por todas partes del Instituto de Cultura de la Ciudad de México, PADID, Centro Nacional de las Artes, INBA-ENAT y para IDARTES, Bogotá, Colombia.

 En teatro infantil ha escrito las obras: “El Yeitotol ” (Corunda-Conaculta,colección “el mejor teatro para niños”, CONACULTA- SEP “Hacia un país de lectores”), El viaje de Ulises ( Encuentro Iberoamericano de danza y teatro para niños, Colombia 2013). y  Valentina y la sombra del diablo (Editorial Paso de Gato), esta última ha ganado el Primer lugar del I Festival de teatro de títeres para adultos, Perú (2012) Y Mejor texto dramático, Festival de teatro da Rua, Brasil (2013). Además de múltiples representaciones montada por distintas compañías de teatro en diversos escenarios de la República Mexicana.

 “Valentina y la sombra del diablo” que habla de los secretos que duelen y que no tienen derecho de permanecer como tales, a los que hay que soplarles el polvo del encierro, de lo que lastima, de lo que no debe permanecer en el encierro  ahora bajo la dirección de Verónica, está en una breve temporada en el Foro de las Artes, en el Centro Nacional de las Artes, los días: 4,5, 11 y 12 de Octubre  a las 13:30 Hrs. Entrada General $80 pesos. Hay que verla, apoyar al teatro en México con mensaje, con discurso, con magia y metáfora que salva.

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De: Angelología. Utopía y ángeles en San Ildefonso

Desde hace años la humanidad se ha creado historias de encuentros y fe ciega acerca de estos seres buenos, buenísimos con alas en la espalda, desde el ángel caído Lucifer (que siendo sensato, sin la capacidad de hacer o pensar en mal, no hallo la relación a la osadía por desobediencia, por ser característica humana y exclusiva de los altos mandos) hasta el ángel de la guarda al que los niños suplican no ser desamparados ni de noche ni de día, y que se mantiene además en moda constante. Es este el tema de la exposición de los artistas Ilya y Emilia Kabakov, una pareja de rusos considerados entre los 10 mejores artistas del mundo, que decidieron unir esfuerzos artísticos por llevar al ángel caído a distintos rincones del planeta y que llega con 41 obras entre 1994 y 2010 al museo de San Ildefonso  en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

 Es menester considerar que los artistas no consideran a los ángeles en exclusiva como seres con alas por naturaleza; nos regalan, de hecho una serie de pasos para alcanzar un ideal de bondad si es que se tiene alguna inclinación al mal, consistente en fabricar unas alas propias con correas de cuero, colocarlas durante una cantidad específica de minutos sobre la espalda, cada cierto tiempo y por último resguardarlas en un mueble con espejo. Hay ángeles que son humanos con la disposición de hacer el bien, ofrecen Ilya y Emilia. Los hay y es así en una exposición con base en metáforas aladas que nos encontramos con Ernesto Bejarano, trabajador del museo de San Ildefonso, sin duda un humano con portentosos vicios angélicos, de esos que faltan, a los  que debiéramos como individuos y como humanidad aspirar, el dar sin esperar.

 Nos habla Ernesto, al respecto de la exposición, de la necesidad de los artistas de buscar otra vía a los problemas vividos en Rusia en aquel tiempo, al final, como bien nos decía Hermman Hesse, se encuentra la condenación en lo que se busca con tanto ahínco, lo que parece una bendición, lo que da trazas de bondad, de paz, termina en cárcel, en muerte, en declive, en el ángel muerto que encontramos en uno de los patios del museo.

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 Para llegar a tener contacto con el ángel o con los ángeles hay que construir una escalera, que nos eleve muy por encima del mundo, del dinero, de las necesidades de fama y de aplastar al otro para llegar, lejos del dar esperando algo en respuesta, de necesidades innecesarias e impuestas, del pensar si el otro lo merece y atreverse a juzgar, a decidir, lejos de la guerra,  hay que trepar la escalera y padecer hambre, padecer frío, hay que estar en crisis, caído, solo, los ángeles aparecen cuando el humano que ha llegado hasta el final de la escalera no puede ya, tal vez a punto de morir, verá al ser, al ideal y quizá encontrará además su fin. Después de los afanes, el viaje a Ítaca quizá, quizá termine en la caída, en la destrucción.

 Hay una forma de saber si es ángel uno o no dicen los artistas de la instalación total y tiene todo que ver con todo, puede uno ponerse las alas ya antes mencionadas y previamente construidas, arrojarse desde una superficie elevada y ver si las alas le salvan del destino fatídico al último momento, si no, el final es claro y muy referido, la muerte.

 En otra de las salas, en la segunda parte de la exposición encontramos unas alas de ángel, dispuestas sobre una silla, frente a un escritorio, hay una cama de fondo y anaqueles de libros. Lo que quieran decir los artistas lo dirán a cada quien, como siempre pasa con el arte, pero me parece que quizá sea que es esa la verdadera bondad, los verdaderos ángeles se hacen (o se deshacen) luchando por el conocimiento, la libertad, la sabiduría, la bondad, la ayuda a los otros, permitamos pues que los demás conozcan a los ángeles a través de nosotros en tiempos de crisis, es esta la utopía, es esta la verdadera angelología, hay que ser ángeles para los otros para conocer nosotros a los ángeles, dejando de rezar por una aparición, siéndolo nosotros, levantándonos, trepando esa escalera aunque el final del camino peldaño a peldaño hacia la bondad sea la bien merecida caída.

 La exposición consistente en instalación, pintura, arte objeto, impresiones en tela y maquetas, permanecerá hasta el  11 de enero del 2015. en Justo Sierra 16 Centro Histórico, el ya muy conocido y querido Museo de San Ildefonso, ubicado en las cercanías de Metro Zócalo o Allende, en el Centro de la Ciudad de México.

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De: Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech

Pienso con toda la honestidad de que soy dueño, que resulta necesario en menesteres de biografías artísticas traer a Salvador Dalí al caso, siempre, y es que sea que guste o no, sin duda alguna genera, mueve, permite y hace salir, hace salir sí. Sin duda un genio recargado en la pintura. La obra del artista con vicios de pintor tiene un vasto territorio de expansión, que nos permite gozar de “Un chien andalou” con Buñuel de 1929, de “Destino” con Walt Disney, de su letra y de la escultura, de su paso por la escenografía, por el grabado, su influencia a Lorca y una portentosa cantidad de universos pictóricos.

 Dalí vio luz un 11 de Mayo de 1904, nueve meses después que su hermano muriera, y de aquí parte una de las poderosas crisis de Dalí, creyéndose la copia del muerto, remarcado por los padres que frente a la tumba, nombraron a Salvador su reencarnación.

 En 1916 cruza camino con la pintura contemporánea en Cadaqués, de aquí su padre lo manda con Juan Nuñez a estudiar pintura. En 1919 Dalí, contando 14 años participa en una exposición colectiva en el teatro municipal de Figueras y en Barcelona, en este último recibe el premio” Rector de la universidad”. Al mismo año en el bachillerato, él y sus amigos editan la revista cultural mensual de pintura Studium.

 A los 16 años recibe el golpe de la muerte de su madre por cáncer de útero, refiriéndose a ella como el ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de su alma.  Su padre contrae entonces matrimonio con una de las hermanas de la madre, hecho altamente reprochado por Dalí.

 En 1922 se guarda en la Residencia de Estudiantes de Madrid un Dalí vestido de Dandi que genera controversia casi de inmediato, recordamos la melena, las medias y polainas de una época pasada, en este tiempo Dalí iba por el cubismo, admirador ferviente como era de Pablo Picasso, muchísimos años antes de declarar que las dos peores cosas que podían pasarle a un ser humano en la vida, eran ser Picasso y no ser Salvador Dalí, sin terminar de comprender seguramente las bases de la corriente, es aquí donde conoce a Federico García Lorca y a Luis Buñuel, y a este tiempo de la vida de Dalí, me autorizo recomendar la película “Little ashes”, que va escencialmente de su entrada a la residencia, a la muerte de Lorca, su eterno amigo.

 En 1924 ilustra por vez primera un libro de poesía de un compañero de la residencia y se presume, rechaza las propuestas amorosas de García Lorca, es expulsado en 1926 antes de los exámenes finales argumentando la imposibilidad de ser valorado por personajes tan carentes, conoce a Picasso en 1926 quien sabía ya de él por Miró, Dalí absorbía corrientes y estilos, buscando y más bien encontrando un estilo particular que lo vuelve reconocible, se adueña del bigote aparentemente imitando a Velázquez, creando al personaje.

 En agosto de 1929 conoce a la muy odiada Gala, compañera de toda su vida, 11 años más grande, casada allá con Paul Éluard. Dalí entra de lleno y a puertas abiertas al surrealismo, años más tarde Dalí diría al ser expulsado que el era el surrealismo.

 Dalí es los cristales de la galería que rompió en la quinta avenida, es el retrato del sagrado corazón en que escribió “En ocasiones escupo sobre el retrato de mi madre para entretenerme”; es las crisis, es Lorca muerto  y la culpa de no haberse quedado con él o insistido, de haberlo dejado para morir en la guerra civil española, es el traje de buzo en que se apareció, es el surrealismo, es “la persistencia de la memoria” de 1931. Es la novela que escribió en 1944, es el desheredado del padre, es las hormigas y los relojes blandos, es el hedonista, es el narcisismo, es el egocentrismo, Es el logo de chupa chups del 69, es el marketing, el personaje, es la muerte de Gala que lo dejó solo en su torre nombrada como ella, es los 84 años a los que murió, es el parkinson que no lo dejaba pintar, es el paro cardiaco, es su cadáver trasladado a la torre Galatea, es su tumba bajo la cúpula geodésica en su museo de Figueres, es la túnica con la inicial, es la residencia incendiada de Pubol, Dalí es su obra. Su legado. El arte crea a los artistas y no ellos la hacen, Dalí es todos sus cuadros, y sus creaciones.