Mi amor y mis discos (Parte II)

Tardé muchísimo en escribir de nuevo en este bonito sitio, la razón: la escuela me tenía atado de manos y disfruté mis últimos días como universitario quemando pestañas y batallando con los cientos de trabajos por entregar; si usted, estimadísimo lector, sufrió o está por sufrir estas penurias, se lo recomiendo, pues al final es muy gratificante.

 Tras esta pequeña justificación les escribo como el hombre libre que al fin soy para seguirles contando sobre los discos de mi adoración. La mayoría de ellos son discos de rock’n’roll, porque sí, el rock’n’roll es un género demasiado amplio y en él caben los dulces subgéneros que nos hacen soñar y querer morir por la música. Lou Reed lo refrendó con estas bellas palabras:

 “Las personas mueren por muchas razones ¿Por qué no la música? ¿No es lo suficientemente hermosa? ¿No morirías por algo hermoso?”

 Es así como continúo con esta noble causa que es la difusión de historias y de placeres que me provocan estos dulces musicales pues siempre he pensado que muchas personas están dispuestas a ser artistas, a subir a un escenario y hacer sentir a personas como yo, tú, el, ella y nosotros, emociones que de otro modo no podríamos adquirir por nuestra cuenta.

 Sin ánimo alguno de menoscabar la labor del artista, muchas personas desean subir a ese escenario pero pocos están dispuestos a quedarse en las butacas y es el público el que hace grandes a aquellas mentes y a su trabajo. Somos nosotros quienes admiramos los discos, que cantamos las canciones, que bailamos sin cesar. Somos quienes sueñan con ellos.

 Sin más preámbulos y romanticismos inútiles seguiré con mi humilde relato.

New York DollsNew York Dolls 

New York Dolls
New York Dolls

 Dentro de mi gloriosa etapa de post-pubertad y pre-adolescencia en el bachillerato, solía escuchar mucho punk rock, en especial tenía un apego a Ramones y al punk argento que germinó por dicha banda. Agrupaciones como 2 minutos, Attaque 77, Los Violadores, Expulsados y Flema eran mi caballo de batalla hasta que empecé a conocer a más inadaptados que tenían un amplio bagaje cultural en lo que a punk rock se refiere.

 Los chicos de las gafas oscuras y chamarras de piel, me enseñaron todo lo que debía conocer del punk rock, desde la amplia historia sobre el género hasta las últimas oleadas que hablaban con una  visión más política y contestataria (y hasta anárquica). Dentro de la gama de enseñanzas se encontraba esta seminal banda del género (New York Dolls junto con The Stooges). Un buen día me prestaron el disco debút de New York Dolls y les puedo decir que desde ese momento supe que el rock’n’roll sería mi escudo hasta el día en que muriera.

 Los tipos tenían tantos cojones y seguridad en sí mismos, que combinaban el look transexual (esto pasó antes de la popularidad del glam rock) con alaridos de rock clásico y con esto seguían pateando los traseros de hasta los más rudos e incautos. Es indescriptible la influencia de New York Dolls dentro de la música, así como de sus talentosos integrantes. Este disco cambió mucho las cosas en la escena y en mi vida. Trash, Looking for a Kiss, el espléndido cover de Bo Diddley “Pills”, Jet Boy y Lonely Planet Boy son de las canciones más emblemáticas de uno de los grupos más subvaluados de la historia, espero de corazón que lo escuchen en algún momento.

 Y como dato cultural, el vocalista y frontman de The Smiths, Morrissey, era (y es) fanático a morir de los Dolls, a tal punto de liderar un club de fans, obviamente esto fue antes de formar parte de la banda originada en  Manchester.

Iggy &The Stooges/ Raw Power

Raw Power
Raw Power

Si hay una anécdota que me enorgullece y que jamás me cansaré de contar cada vez que se me presenta la oportunidad es cuando vi en vivo a Iggy Pop & The Stooges, lo cual, por sí mismo es todo un acontecimiento (o al menos para mí lo es) y un golpe de suerte pues ya nadie podrá verlos con su alineación original debido a la lamentable muerte Scott Asheton en marzo del año en curso. Bueno, la anécdota no termina ahí sino que hay un detalle de suma importancia que hace más relevante a la historia y es que por un momento en los saltos de Iggy, el pantalón sufrió una accidental (o al menos pienso que lo fue) caída, dejando al descubierto su miembro viril.

 ¡Le vi el pene a Iggy Pop! Qué risas.

 Cuando escuché por primera vez el majestuoso Raw Power, la vida cobraba un sentido diferente; para todo solía decir cosas como “¿Metallica? Escucha Raw Pöwer, cariño.” y así era con cualquier banda que se decía pesada o cercanamente heavy. Lo hacía y me arrepiento por mi nivel de cretinismo pero sigue siendo verdad.

 Escuchar Raw Power es lo más cercano que puedes estar del infierno porque sólo el mismísimo señor tenebroso puede escuchar el sonido de The Stooges sin temor a perder la razón o la audición. Himnos como “Search and Destroy”, “Penetration”, “Shake Appeal” y mi favorita “Gimme Danger” forman un álbum difícil de olvidar y aún más difícil de imitar.

The Jam/ In The City 

In The City
In The City

The Jam es esa banda que goza de brindar una amplia gama de emociones cuando es escuchada. Puedes escucharla cuando vas al supermercado y sólo piensas en tirar todos los frascos de mostaza de una patada o cuando quieres quedarte en casa en un día lluvioso y terrible; es decir, para todo tipo de humor.

 The Jam me acercó al género mod, género que se encuentra actualmente en peligro de extinción pero que amenaza con volver. Los chicos bien vestidos, con mandíbulas trabadas y pupilas relucientes surgieron como contestación a los rockers; en ellos se veía una chispa inigualable por revivir al baile soul como medio de vida y de diversión.

 No ahondaré mucho en el resurgimiento del soul y northern soul así como la relación que tiene el mod con los skinheads. Eso se los dejo de tarea,  sólo los invitaré a escuchar esta joya en cada momento que les sea posible.

¡Todos somos niños en la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil!

Cada año, el Centro Nacional de las Artes (Cenart) es el anfitrión de la edición número 34 de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil como parte de la ardua y noble tarea de fomento al hábito de la lectura para la población infantil y juvenil de México.

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 Este año la FILIJ cuenta con poco más de 300 fondos editoriales, enriqueciendo la variedad de títulos literarios que van desde enciclopedias hasta textos científicos pasando por libros de poesía y de ciencia ficción. La FILIJ reúne a algunas de las casas editoriales más importantes tanto en el rubro educativo como en la literatura recreativa para chicos y no tan chicos, además de contar con eventos exclusivos de presentación editorial y talleres para seguir nutriendo la creatividad infantil.

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 Pero la Feria no sólo es compra-venta de libros sino que posee una amplia gama de eventos culturales y artísticos para el disfrute de los asistentes. Teatro, danza y música se conjugan para la enorme celebración de la juventud mexicana que año con año nos sorprende con la calidad y cantidad de presentaciones para introducirnos al mundo de las bellas artes de una manera didáctica y divertida. La música es uno de los grandes atractivos de la ceremonia, esta edición cuenta con la participación de músicos y cantantes como Polka Madre, Patita de Perro, Yucatán A Go Gó, Luis Pescetti, Triciclo Circus Band y demás bandas sorpresa.

 La FILIJ está posicionada como uno de los eventos más importantes de su tipo en América Latina. Para su aniversario número 34 se ha presentado la nueva sala de lectura interactiva, la cual, pretende acercar aún más a las personas con los medios digitales y ofrecer un mejor entendimiento mediante métodos interactivos e intuitivos con el fin de facilitar el acercamiento a un tema determinado.

 El magno evento se llevará acabo del 7 al 17 de noviembre en las instalaciones del Cenart (Río Churubusco, esq. Calzada de Tlalpan. Colonia Country Club) con acceso totalmente libre a todas las actividades y talleres. Si nunca has asistido a esta Feria es bueno que tomes en cuenta los 35,000 metros cuadrados de recorrido, las 2,748 actividades y los 350 fondos editoriales para que te des una idea de la magnitud de la FILIJ y no lo pienses dos veces antes de asistir.

Para consultar el programa completo en PDF haz click aquí

Mi amor y mis discos (Parte I)

Una vez mi padre me dio una de las lecciones más importantes de la vida: yo tenía unos 10 años cuando fuimos por un helado a la plaza; mi papá me hablaba de cuando él era joven y entonces recalcó “si hay algo que nunca te hará olvidar a las personas que más quieres, ese algo son dos cosas: su aroma y los discos.”

 Pude ver sus ojos con unas cuantas lágrimas atrapadas cuando me platicó de su mejor amigo quién vivía en Chicago, quien un día regreso a México por última vez para nunca volver,  prácticamente desapareció y nadie volvió a saber de él; en ese viaje le regaló algunos discos que no llegaban aquí. El primer disco que se le vino a la mente fue el Hunky Dory de David Bowie mientras tarareaba la canción de Queen Bitch. Creo que fue desde ese día que comencé a identificar algún disco o canción con personas; le pongo rostro y tiempo a cada tema, entonces las melodías me recuerdan a cada etapa de mi vida hasta ahora, cuando comprendí que la música es mi vida y que la gente cambia de todos los modos posibles pero las canciones permanecen eternas.

 Y entonces me acuerdo de cuando era niño y me subía a un banco, agarraba una cuchara o un tenedor (evidentemente no me dejaban tomar los cuchillos) y usándolo como batuta, ponía manos a la obra dirigiendo a la orquesta; obviamente no sabía ni un corno de música clásica y sigo sin saberlo, lo que me gustaba era ver a mis padres fascinados al verme intentar dirigir una orquesta invisible. Todos serios que vamos a empezar, los vientos por allá, de éste lado las cuerdas, las percusiones atrás, el arpa por acá, todos juntos. Qué risas.

 Con estos recuerdos difusos pero imborrables es como supe que la música me iba a acompañar de por vida ya que desde edad temprana coleccioné imágenes y melodías que me recordaban desde los veranos más memorables de la niñez hasta la primera vez que se me rompió el corazón (¡Oh, el patetismo!).

 En esta primer parte, me gustaría compartir algunos discos que son parte de mí, disculpen si esto no tiene algún fin informativo de relevancia, pero igual y ustedes pensarán en los suyos, entonces todo tendrá sentido.

Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio/ El Circo

Portada de “El Circo” de Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio

 Para mí, la mejor banda de México. Aunque mi copia del álbum titulado “El Circo” no era propiamente un disco sino un cassette que heredé de mi madre, lo escuchaba casi todos los días en el transcurso de mi casa a la escuela y viceversa. El tráfico me ponía nervioso y sólo cantaba el coro del tema Toño: “Toca la trompeta, suena en toda la ciudad” y las ansías se iban, así, por arte de magia. Maldita Vecindad fue de los primeros álbumes que obtuve y de los primeros que fueron presas de mi obsesión; mis gritos a todo pulmón al corear: “Pata de perro por aquí, pata de perro por allá” significaron uno de los primeros acercamientos que tuve con la escena  “Rock en tu idioma” o “Rock en ñ” términos que sinceramente odio.

 Michael Jackson/Thriller

¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?
¿Hay algo más que decir que no se ha dicho del Rey del Pop?

 Algo en mí murió el día que escuché de las acusaciones que se le hacían a Michael Jackson y el supuesto abuso de menores. El disco Thriller fue un regalo de Navidad y mi primer disco en idioma anglosajón, en la portada se mostraba a un joven moreno con un traje blanco impecable, recostado sobre uno de sus costados, una imagen limpia y pulcra que evoca totalmente a los ochenta, la imagen de Jackson en ese entonces no tenía nada que ver con la portada del disco y francamente para mí, sigue siendo un misterio el porqué del cambio de su color de piel

 Thriller fue uno de los discos que me ayudaron a aprender la lengua de Shakespeare, bueno, eso y las mil horas que pasé estudiando inglés en el colegio; para muchos (y para mí también) el opus magnum de Jackson, temas como “Billy Jean”, “Beat It” “Thriller”, vaya, todo el disco es perfección.

Red Hot Chili Peppers/ Californication

Portada de "Californication" un disco clave para quienes crecimos en los noventa.
Portada de “Californication” , un disco clave para quienes crecimos en los noventa.

 Mi primer beso fue escuchando Californication, he ahí mi amor por este disco, pues mi primer beso no fue nada perfecto; la perfección se queda corta con la experiencia. Desde los 6 años me inscribieron a Tae-Kwon-Do para liberar mi energía “excedente” pues tras varias sesiones psicológicas se me diagnosticó con hiperactividad.

 Yo tenía unos 12 años cuando realicé mi primer viaje con la escuela de Tae-Kwon-Do a la que pertenecía, íbamos a un torneo en Colima y mis acercamientos reales con el sexo opuesto se dieron precisamente en ese ambiente ya que iba a un colegio de varones. Mientras íbamos por la carretera me acerqué a la chica que me gustaba desde hace tiempo y le puse los audífonos de mi walkman, sonaba Scar Tissue, entonces me acerqué a sus oídos para lograr escuchar lo que ella estaba escuchando y ella pensó que me acercaba para darle un beso y entonces pasó así, sin querer y nada más.

Hasta aquí he presentado tres discos que han sido parte de mí. En la segunda parte les presentaré más materiales que me han acompañado como fieles compañeros e incansables cómplices.

 

The Weather Underground: Cuando David casi derroca a Goliat

En semanas pasadas y aún más, en meses pasados, he puesto en marcha una operación casi exhaustiva viendo documentales de todo tipo; bandas extintas con hambre de tocar la gloria una vez más, de dictaduras militares, de mamíferos marinos (mis favoritos), documentales históricos y uno que otro de alienígenas y supuestos seres extraterrestres que rayan en la paranoia e histeria colectiva. Ver documentales se ha vuelto para mí, una tarea que representa algo menos que un ritual de fin de semana. Hace una semana vi un documental que me cautivó en exceso, “The Weather Underground” estrenado en 2002 y dirigido por Sam Green y Bill Siegel.
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 Bien, el contexto en el que se desenvuelve no es tan ajeno a cualquier otro filme en este formato donde el tema va un poco con la década de los sesenta, Mick Jagger en sus buenos años, los movimientos hippies, la revolución sexual y el explosivo consumo del LSD como detonante cultural de la generación que atestiguó al verano del amor.

 El giro en la historia es que realmente no trata de un grupo hippie que soñaba con el poder de las flores sobre los ataques bélicos, ni con la expansión de la mente por medio del uso de ácido lisérgico. La historia retrata fielmente el surgimiento de un grupo clandestino llamado The Weatherman, un grupo que en verdad empezó a atentar contra el poder de Washington a cargo de Richard Nixon.

Flower power won’t stop the fascist power

-Black Mask

 The Weatherman fue una especie de colectivo conformado en su mayoría por chicos que probablemente nunca sufrieron la discriminación racial como el popular Black Panther Party o los movimientos chicanos en Los Ángeles, ni siquiera de algún tipo de agresión en su contra pues en gran medida se trataba de jóvenes provenientes de familias blancas adineradas y que por alguna u otra razón creyeron que la revolución estaba a la vuelta de la esquina.

Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.
Tommie Smith y John Carlos haciendo un saludo al poder negro durante los juegos olímpicos de México en 1968.

 Los hechos sucedidos en Vietnam, movilizaron a gran parte del movimiento estudiantil californiano, la ESD (Estudiantes por una Sociedad Democrática) se ponía al frente con el anteriormente mencionado Black Panther Party. Las movilizaciones en el entorno internacional estaban explotando una a una, por ejemplo, del mayo francés surgió la corriente situacionista con su frontman Guy Debord quien promovía los cánones de dicha corriente en su obra “La Sociedad del Espectáculo”: la modernidad está plagada por el dominio del espectáculo, la vida debe de permanecer en un estado artístico completo y constante.

 La crítica de Debord (quien para muchos fue el ideólogo del mayo francés y un digno heredero de la tradición marxista) hacía la sociedad, se encontraba con un capitalismo en auge, un nivel de vida nunca antes visto desde el estallido de la Segunda Guerra Mundial y anteriormente de la depresión económica durante la década de los treinta que afectó a Estados Unidos principalmente y en un segundo plano al resto del mundo occidental; las inspiraciones del movimiento situacionista conjunto con la corriente dadaísta y surrealista, llegaron a diversos grupos de acción o de guerrilla urbana a nivel global, ejemplo de esto son los grupos Black Mask y Up Against The Wall Motherfuckers además de la clara influencia sobre el mítico fanzine inglés King Mob Echo.

Propaganda de Black Mask: "Todo lo que necesitas es dinamita"
Propaganda de Black Mask: “Todo lo que necesitas es dinamita”

 The Weatherman, bajo el lema “Traigamos la guerra a casa” proponía que la guerra debía de combatirse en adelante contra la apatía de la clase blanca americana, quienes eran calificados como conformistas e indiferentes, a un punto en el que éstos estaban dispuestos a llevarse la vida de inocentes ideando el estallido de una bomba durante un evento de las fuerzas armadas, atentado que fracasó y que hizo estallar la bomba mientras ésta se preparaba matando a miembros activos de éste grupo.

Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street
Up Against The Wall Motherfuckers: Wall Street is War Street

Tras la disolución de The Black Panther Party y el asesinato de George Jackson, líder y co-fundador de Black Guerrilla Family, The Weatherman se ocultó en el anonimato del underground resurgiendo como un movimiento renovado autodenominado “The Weather Underground”, haciendo casi imposible que las autoridades del FBI pudieran rastrear su ubicación así como sus centros de operación. Tras diversos operativos clandestinos y atentados a la seguridad pública, el nuevo grupo comenzó a ser considerado como enemigo público.

Fragmento de King Mob Echo No.2
Fragmento de King Mob Echo No.2

 Las acciones emprendidas por The Weather Underground causaron revuelo en la sociedad americana a pesar de que las explosiones de bombas colocadas en edificios públicos y oficinas gubernamentales no causaron ningún daño ni baja humana. Las múltiples acciones emprendidas por este grupo dispuesto a derrocar al gobierno de los Estados Unidos y a causar reacciones en la sociedad americana tuvieron un cierto grado de éxito, el cual se comenzó a desvanecer por la falta de objetivos claros (la guerra de Vietnam había acabado) y por los constantes choques internos entre grupos extremistas.

 Finalmente los miembros del grupo optaron por la disolución, el tiempo al final no les dio razón alguna al ver que la lujuria revolucionaria los había abandonado y el anonimato los había distanciado de su familia, muchos decidieron entregarse, algunos corrieron con suerte de no ser encarcelados y otros están pagando una cadena perpetua.

The Weather Underground es un must see para los amantes de la historia estadounidense contemporánea y para quienes estudian los movimientos sociales del siglo XX, definitivamente todos los movimientos que se dieron en el último tercio del siglo pasado han marcado y seguirán marcando tendencia en el ideario estudiantil y en el desenvolvimiento de la contracultura mundial.

La canción en el campo de batalla

América Latina es un pueblo lleno de colores, de gente cálida y lugares increíbles, es una tierra dotada de vastos recursos naturales, de abundancia y diversidad gastronómica, de paisajes y flores. Por otro lado, nuestra América es un territorio plagado de injusticia, corrupción y malos manejos, de desaparecidos, de asesinados, de crisis y de pobreza.

 En esta burda descripción de la frontera cultural latinoamericana, sobran las razones para mencionar a los luchadores sociales, presos políticos y cantores incansables, quienes en la música encontraron un campo fértil para sembrar la disidencia y la conciencia; tanto artistas latinoamericanos como angloparlantes, han tenido un papel histórico realizando la misión incansable de difundir su mensaje para lograr hacer conciencia. La música jamás debe estar desvinculada en su compromiso con los pueblos.

Woody Guthrie con una insignia en su guitarra "Esta máquina mata a los fascistas"
Woody Guthrie con una insignia en su guitarra que pone “Esta máquina mata a los fascistas”

 Décadas atrás, cuando los estados sureños de la Unión Americana no reconocían los derechos civiles de la población negra, las voces y la música de los cantores (según Facundo Cabral “cantante es el que puede, cantor es el que debe”)  fluían a través de los ritmos soul y jazz. Nina Simone llegó a reconocer que “Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra”.

 La música empezó a hacer una diferencia en la conciencia colectiva, los músicos que no eran sonados en la radio generaron una mejor propaganda; la censura sólo incita a desear más lo prohibido. Las canciones protesta se fueron ligando más al activismo político y al llamado anti-guerra, la música invitaba a reflexionar sobre los sucesos sociales, actúaba como informante alejado de la mass media.

 En América Latina también surgió la canción protesta como resultado de los múltiples sucesos que históricamente hemos sufrido en estas latitudes, uno de los casos de represión hacía este tipo de intérpretes más representativos es el de Víctor Jara, asesinado en el hasta entonces llamado Estadio Chile, hoy llamado Estadio Víctor Jara. Cantantes como Violeta Parra, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Ruben Bládes y Silvio Rodríguez, hoy siguen siendo figuras en estos modos de interpretación.

Cerca de la revolución, 
el pueblo pide sangre, 
cerca de la revolución, 
yo estoy cantando esta canción, 
que alguna vez fue hambre.

Cerca de la revolución, CHARLY GARCÍA.

 La música de protesta aún sigue guardada en el pensamiento latinoamericano porque las razones de ésta siguen existiendo; lo que sufrió Sudamérica durante las dictaduras militares de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay sigue pasando aún hoy en nuestro país durante la guerra sucia que ha durado al menos cuatro décadas en una suerte de anacronismo cruel.

 Las desapariciones de estudiantes normalistas de Ayotzinapa sólo es un recuerdo constante que en una supuesta democracia eso no se puede permitir jamás, el clamor de justicia sigue  latente en la canción protesta, una canción que por su naturaleza fundamental nunca debió de haber sido.

Anoche escuché varias explosiones, tiros de escopeta y de revólver, carros acelerados, frenos, gritos, eco de botas en la calle, Toques de puerta. Quejas. Por Dioses. Platos rotos, estaban dando la telenovela, por eso nadie miró pa’ fuera. Desapariciones,

-RUBÉN BLADES.

Do the Right Thing, un film de Spike Lee

“Elvis fue un héroe para muchos pero para mí no significó una mierda” es tal vez una de las frases más poderosas en la historia de la música.

 ¿Por qué?

 Public Enemy lanzaría la clásica canción hip hop “Fight the Power” en 1989. El mensaje era claro: tenemos héroes que hablan por nosotros, su libertad no nos ha dado más que opresión, discriminación y esclavismo, nuestra música ha sido saqueada y hoy reclamamos nuestro lugar en la misma  historia de Estados Unidos. En efecto, los héroes del movimiento por los derechos civiles y principales portavoces del poder negro  habían contribuido a detener el acoso y segregación racial en Estados Unidos, gente como Rosa Parks,  Stokely Carmichael, Angela Davis, Martin Luther King y Malcolm X,  han sido personajes que han trascendido en las largas y violentas luchas para detener la segregación racial.

Stokely Carmichael, férreo activista en la lucha por los derechos civiles
Stokely Carmichael, férreo activista en la lucha por los derechos civiles.

Periodista- ¿Regresarías a los Estados Unidos con la posibilidad de que te lleven a la cárcel?

Stokely Carmichael-Yo nací en la cárcel

 Desde el sueño de Martin Luther King hasta las acciones de Malcolm X, la lucha por el reconocimiento de los derechos civiles de las comunidades negras en Estados Unidos estaban rindiendo frutos, uno de esos frutos quedó plasmada en el filme inmortal de Spike Lee:  Do the Right Thing.  La relevancia de esta película es variada y profunda;  los peores disturbios raciales que se han desatado desde el asesinato de Martin Luther King y de Rodney King hasta los recientes sucesos en Missouri han planteado más respuestas qué preguntas, la pregunta que siempre sale a relucir es: ¿Cuánto vale una vida negra?

 Do the Right Thing habla de la historia de Mookie (Spike Lee), un joven que reside en el barrio de Bedford-Styvesant en Brooklyn;  Mookie trata de ganarse la vida como empleado de la pizzería Sal’s Famous Pizza propiedad de un familia italiana conformada por Sal (Danny Aiello), Vito (Richard Edson) y Pino (John Turturro). El pintoresco paisaje urbano de Bed Stuy está compuesto por diversos personajes que para bien o para mal, poseen ese orgullo negro que les heredaron sus antepasados.

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 La vida en un barrio representativo de Brooklyn como Bed Stuy crea desde situaciones hilarantes hasta el más intenso drama. Do the Right Thing refleja exactamente (o al menos eso pienso) lo que sería vivir en un barrio humilde, las relaciones entre sus habitantes son amenas aunque no por eso menos tensas, los prejuicios se hallan a la orden del día, prejuicios que aún hoy no se ven detenidos ante los supuestos avances en materia del combate al racismo (esto lo vemos frecuentemente en el fútbol, por ejemplo)

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Radio Raheem luciendo sus anillos Love & Hate.

 Let me tell you the story of Right Hand, Left Hand. It’s a tale of good and evil.

Hate: it was with this hand that Cane iced his brother.

Love: these five fingers, they go straight to the soul of man.

The right hand: the hand of love.

The story of life is this: static.

One hand is always fighting the other hand, and the left hand is kicking much ass.

I mean, it looks like the right hand, Love, is finished.

But hold on, stop the presses, the right hand is coming back.

Yeah, he got the left hand on the ropes, now, that’s right.

Oh, it’s a devastating right and Hate is hurt, he’s down.

Left-Hand Hate KOed by Love.

 Do the Right Thing trata de retratar la vida en el barrio con múltiples contrastes, la estética es impecable y es por esto mismo es que fue incluida en 1999 como parte del acervo de la National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

Del éxtasis a la agonía: la Ciudad de México

En septiembre algunas personas se visten de charros, mariachis y chinas poblanas para conmemorar la Independencia y para celebrar el patriotismo que tanto nos han infundido a lo largo de nuestras vidas como estudiantes mexicanos; no pretendo dar un discurso nacionalista, ni exaltar los valores patrios o engrandecer a los mártires que nos han dado “libertad” desde el siglo XIX hasta la fecha, la cosa simplemente no va por ahí. De lo que me gustaría hablar es del otro México que se esconde en la ciudad, un México que como lo relata Pablo Neruda en sus memorias: “México, con su nopal y su serpiente; México florido y espinudo, seco y huracanado, violento de dibujo y de color, violento de erupción y creación”.

En la conquista no hubo ni vencedores ni vencidos, fue únicamente el doloroso nacimiento de la nueva nación mestiza que ahora es México

 Desde la caída de México-Tenochtitlan en 1521, la ciudad ha pasado por dolorosas transformaciones a través de seis siglos de historia. Lo que solía ser un gran lago fue alcanzado por la modernización y sustituido por las enormes tuberías subterráneas, por las extensas vialidades y por las monumentales obras de infraestructura consolidadas durante las distintas etapas presidenciales. La cultura pronto sufrió las mismas transformaciones; el auge de los muralistas mexicanos y sus vínculos con las clases populares, fue cambiando el rumbo hacía un arte más estéril, lejano a la vieja estrechez con el sector obrero y campesino, los cuales también fueron mutando a las enraizadas redes del corporativismo y sindicalismo mexicano que aún hoy reinan dentro de las relaciones de poder mexicanas.

Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.
Retrato de la burguesía de David Alfaro Siqueiros.

 Los pocos espacios que quedaban para disfrutar la vida citadina también se fueron corrompiendo. La expansión y la apertura del mercado, comenzó a desplazar la producción y el consumo de productos tradicionales tales como el pulque, bebida que sufrió un gran desprestigio ante las leyendas de la supuesta elaboración sin ninguna medida de sanidad, leyendas que hoy han sido superadas a pesar de las fuertes campañas en contra de la bebida milenaria.

La antigua pulquería
La antigua pulquería

 Los grandes centros de educación superior (Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional) también han tenido cambios significativos tanto en sus instalaciones como en el perfil del estudiante. Las movilizaciones de 1968 y 1971 con los respectivos actos de represión cometidos durante los sexenios de Gustavo Díaz Ordaz y Luis Echeverría, marcaron el fin del estudiante contestatario para ser sólo un recuerdo dentro del ideario estudiantil, en el cual, la penetración distorsionada de la idea de competitividad ha venido ganando un espacio importante. Hoy ya no somos compañeros sino competidores.

Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México
Tanque frente a Palacio Nacional en el Centro Histórico de la Ciudad de México

 En la Ciudad de México hoy existe mayor desigualdad que antes. Aquí conviven los basureros junto con los grandes centros comerciales, el lujo con el pauperismo y la miseria, las risas y el llanto se funden en uno solo. Hoy regresamos al paisaje de “Los Olvidados” de Buñuel o a la Comala de Juan Rulfo:

-¿ Y por qué se ve esto tan triste?

-Son los tiempos, señor.

24 Hour Party People: La guerra de guerrillas estilo Mánchester

Durante la década de los ochenta, los sonidos del punk inglés se fueron apagando lentamente hasta terminar en cenizas, Inglaterra, gloriosa de los siglos XVII y XIX se alejó cada vez más de la historia; la hegemonía del capitalismo cambiaba de bando tras los gloriosos años de la industria inglesa.

 La Inglaterra que lideraba Margaret Thatcher fue caracterizada por la apertura comercial, las largas jornadas de huelga entre los mayores sindicatos, la privatización de bienes y servicios públicos y por la guerra de las Malvinas como la cereza del pastel. Resulta interesante que en el punto más crítico del declive inglés, haya surgido un movimiento importantísimo para la música en una ciudad que fuera clave en el desarrollo de la Revolución Industrial a finales del siglo XIX: Mánchester. 

Afiche de promoción de la película.
Afiche de promoción de la película.

 24 Hour Party People es un largometraje dirigido por Michael Winterbottom, lanzada en el año 2002 y titulada así por la canción homónima de los Happy Mondays, una de las bandas británicas más representativas de la movida mancuniana.

How old are you? Are you old enough?
Should you be in here watching that?
And how old are you? Are you owning up?
Should you be in here with?

24 HOUR PARTY PEOPLE, The Happy Mondays

 Mánchester fue testigo de una oleada de bandas que transformó por completo la escena musical durante dos décadas (1970-1990) y es cuando surge el movimiento conocido como “Madchester“.

 En la película se narran las aventuras y desventuras del autor intelectual de la movida, Tony Wilson, un presentador de Granada TV, que pondría en práctica su sueño de abrir un bar al estilo CBGB’s con la música alternativa que sonaba en ese entonces. Tony es un personaje complicado, un tanto ególatra que gusta de los altos placeres del arte y de la libertad creativa.

 Tony comienza el sueño con la apertura de “The Factory“, un club nocturno en donde da cabida a nuevas bandas con el fin de promover la escena musical que se estaba gestando, la escalada al éxito de bandas como Joy Division o A Certain Ratio (mucho más Joy Division) comienza por darle un nombre a “The Factory” para desembocar en la creación de un sello discográfico con el mismo nombre.

 Tras el rotundo éxito de Joy Division y su inevitable gira por Estados Unidos, Factory Records comenzaba por ganar espacios de popularidad entre los fanáticos, el sonido nuevo que algunos llaman “New Wave” se presentaba así mismo como el heredero del punk rock de los setenta con un tinte apocalítico que reflejaba la realidad de la Gran Bretaña en ese momento. La suerte inicial detendría su inercia tras la muerte de Ian Curtis en 1980, al cual Tony califica como “El equivalente musical del Ché Guevara”, la banda seguiría adelante bajo el nombre de New Order, una clara alusión a las promesas de la posguerra acerca del nuevo orden mundial.

Impresionante fotograma del vídeo "Atmosphere", un tributo a Ian Curtis
Impresionante fotograma del vídeo “Atmosphere”, un tributo a Ian Curtis

 New Order se encontraba despegando con una clara promesa artística y experimental, las canciones combinaban ritmos electrónicos y tonadas pop, lo que más tarde definiría el rumbo de la música sobre todo hacia otra vertiente que establecería los estándares de la música rave. La aparición de bandas como Happy Mondays, The Stone Roses, The Smiths y The Charlatans UK le darían forma a la nueva oleada y a la misma estética del movimiento.

 La cultura rave pronto comenzaría en el segundo recinto diseñado por Tony, “The Hacienda” un lugar en el que la fiesta y los excesos formaban parte del paisaje cotidiano, contaminado por el tráfico de estupefacientes y violencia, lo que finalmente terminaría por cavar la tumba del rave como se conocía en un principio.

 Esta historia llena de los delirios de Tony Wilson, resulta casi como un documental de una de las escenas que más ha trascendido en la cultura pop. La gente comenzó a aplaudir al medio y dejó de lado al artista, lo que significó un paso revolucionario de la música techno y demás géneros afines.

Modern Clix: El último (anti) héroe del rock argentino

El pasado 4 de septiembre murió uno de los pilares del rock argentino y de la música latinoamericana en general, Gustavo Cerati, quien fuese líder de la legendaria banda Soda Stereo además de una trayectoria impecable en su andar en solitario. Su partida junto con la de Luis Alberto Spinetta en 2012 son de los golpes más duros que ha soportado la música argenta desde la muerte de Luca Prodan, el frontman de Sumo, y en este ir y venir de la tragedia y el recuerdo, es imposible dejar de pensar en los músicos que han dejado una huella imborrable dentro de la historia; en esta ocasión hablaré de uno de los discos más influyentes de la música latina: Clics Modernos de Charly García.

Charly y Spinetta.
Charly y Spinetta.

 El temperamental e impredecible Charly ha sido una fuente prolífica de controversia y genialidad, la música de García ha atravesado las fronteras generacionales desde la década de los setenta, cuando comienza su etapa en Sui Generis, para posteriormente consagrarse en Serú Girán y finalmente seguir su andar como solista; Modern Clix o Clics Modernos es el segundo material de ésta última etapa tras Pubis angelical/ Yendo de la cama al living. El albúm Clics Modernos cumple 31 años el próximo mes de noviembre, un trabajo que es sin ninguna duda uno de los más innovadores de su tiempo y de nuestro tiempo.

 Clics Modernos fue grabado en los Electric Lady Studios en Nueva York durante 1983. El álbum coincide con la pujante influencia de los sintetizadores y la música electro en el entorno internacional, aspectos que quedarían impresos en la versión final del disco y que colocarían a Charly como uno de los primeros artistas sudamericanos en adoptar nuevas tendencias fuera de la formas más tradicionales de hacer música.

 Las canciones no sólo nos muestran este sesgo innovador que es presente en muchos trabajos de Charly, sino que también contienen un alto nivel contestatario hacia las presiones vividas en Argentina durante la ocupación militar en la presidencia por parte de Jorge Rafael Videla y los estragos que ésta ocupación provocó tras las desapariciones masivas de personas disidentes a este gobierno.

Los amigos del barrio pueden desaparecer, 
los cantores de radio pueden desaparecer. 
Los que están en los diarios pueden desaparecer, 
la persona que amas puede desaparecer.

LOS DINOSAURIOS, Charly García.

 El fuerte contenido de las letras hacia la dictadura militar pasó desapercibida pues la dictadura se encontraba languideciendo para darle paso a la recuperación de la democracia en el mismo año de lanzamiento del álbum. La fuerza del disco no sólo se centra en estos dos aspectos, la experimentación de ritmos desde el tango hasta la música electrónica forman una amalgama que solo podía salir bien bajo la batuta del genio abigarrado de Charly García.

 El alto nivel de reclamos hacia lo convencional se hace explícito en temas como “No soy un extraño” con una temática LGBT o en la crítica hacia el abuso policial en “Nos siguen pegando abajo”

Desprejuiciados son los que vendrán, 
y los que están ya no me importan más 
los carceleros de la humanidad 
no me atraparán, 
dos veces con la misma red.

NO SOY UN EXTRAÑO, Charly García.

 El disco se encuentra en el segundo puesto dentro del ranking de la Rolling Stone que reúne a los mejores trabajos del rock argentino y es reconocido como uno de los discos más influyentes de la música en castellano, es un trabajo que nadie debe dejar pasar de largo.

¿Qué fue de MTV?

A finales de la década de los noventa y principios de la primer década del siglo XXI, había un canal que transmitía música, mucha música y una que otra caricatura como Daria, Ren & Stimpy y Beavis & Butthead (aunque estos son más viejos). Ese canal era Music Television Channel (MTV) en su versión latinoamericana (MTVLA), una ventana para los chicos que afortunadamente podían contar con televisión de paga y en él veían lo más nuevo en la música pues el vídeo era lo que se encontraba en boga, además de que existía una tremenda preocupación en cuanto a la estética de las bandas y la congruencia con sus respectivos estilos, las cuales, se plasmaban en cada vídeo, ofreciendo un producto cada vez más artístico y detallado con el fin de conocer mejor a los artistas.

 Son hermosos ruidos,
que salen de las tiendas,
atraviesan a la gente y les mueven los pies,
baterías marchantes,
guitarras afiladas,
voces escépticas,
que cantan de política.

We Are Sudamerican Rockers, LOS PRISIONEROS.

 MTV Latinoamérica comenzó sus transmisiones el 1 de octubre de 1993, el primer vídeo que apareció en las pantallas latinoamericanas fue We Are Sudamerican Rockers de Los Prisioneros, el mensaje hasta ese momento era claro: los sudamericanos y latinoamericanos en general, no tenemos nada que pedirles a los músicos anglosajones de los países centrales como diría Raúl Prebisch. Hay rock también en los países periféricos, tenemos nuestros bailes y los bailamos muy bien; esto es algo del tercer mundo, ellos no lo entenderían.

 Al pasar de los años se dio una especie de boom latinoamericano que relataba los puntos de vista desde el subdesarrollo, la música contenía un mensaje propio que hablaba de pobreza, de la eterna lucha política, de nuestras tradiciones y de un sentimiento común entre la periferia latinoamericana. Las explosiones se fueron gestando desde distintos frentes y en distintos países, artistas como el eterno Charly García, Los Aterciopelados, Los Prisioneros, Bersuit Vergarabat, Illya Kuryaki & The Valderramas, Control Machete, El Gran Silencio y Molotov, entre otros.

 Las canciones contestatarias fueron también un rasgo común entre estos artistas, basta con escuchar  Sr. Cobranza realizado por Bersuit y Gimme The Power de Molotov para entender el hartazgo que desde los pueblos se transmitía a la música, ese rencor y ganas de hablar de los jóvenes latinoamericanos por la herencia de crisis económica y de gobiernos que fallaron (por ejemplo, el caso mexicano en 1994-1995 y la crisis argentina del “corralito” en el 2001).

 El canal MTV Latinoamérica fue un hito en la música y la televisión porque había logrado lanzar a todo este grupo de artistas hacia todo el continente, la música entonces fue mucho más fácil de escuchar y fue mucho más sencillo familiarizarse con el sentimiento propio de “Nuestra América” como diría el gran poeta José Martí. El rock latino había logrado cruzar las fronteras geográficas y se había enfrascado en la gran frontera cultural.

 Pero no todo es miel sobre hojuelas. De hace un tiempo para acá, MTV fue fragmentando y comprimiendo cada vez más los espacios destinados a los videoclips, con la llegada de Internet y de YouTube, los vídeos se fueron desplazando en el mundo del marketing para darle cabida a los reality shows. MTV dejó a un lado la música para comenzar una nueva era que renueva el concepto de basura televisiva, las entregas de premios a los talentos latinoamericanos conocidas como “Los Premios MTV Latinoamérica” dejaron de existir, lo que es un ejemplo de lo mucho que se ha abandonado la idea que le da nombre a esta cadena televisiva en especial a nuestra rota y herida región.

 Beck se los dirá mucho mejor que yo.

The Moldy Peaches, más que un One Hit Wonder

 The Moldy Peaches fue una banda indie incluida en el subgénero anti-folk, formada por Adam Green y Kimya Dawson; la banda estuvo activa desde el año de 1999 hasta 2004 y sólo un año del 2007 al 2008, con tres grabaciones EP, un disco en vivo y sólo un álbum oficial, lograron marcar un hito cultural para la música independiente.

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 Todos recordarán la canción de “Anyone Else But You”, canción que apareció en el soundtrack de la película Juno, estrenada en 2007; una canción de amor bastante cursi y sincera, con una tonada pegajosa y melosa, pero los Moldy Peaches son mucho más que esa canción y aunque sólo lograron tener un álbum de estudio,  créanme que ese álbum es oro puro.

 El álbum homónimo, vio la luz el 11 de septiembre del 2001 conteniendo 19 canciones; entre las que podemos encontrar temáticas que difieren una de la otra en cuanto a contenido, formando matices extremos, un ejemplo de esto es la canción antes mencionada (Anyone Else But You) y otras como Who’s Got The Crack? y Downloading Porn With Davo, la música es una mezcla explosiva que pocas veces podemos ver en algún artista o grupo musical.

The Moldy Peaches (2000)
The Moldy Peaches (2000)

 Y es que el álbum lo tiene absolutamente todo, desde canciones extremadamente tiernas como “Jorge Regula” y “Nothing Came Out”,  con un alto contenido sexual explícito como “Steak For Chicken” , hasta canciones de rap con “On Top”, de rock’n’roll con “NYC’s Like a Graveyard” y de referencias a drogas como la antes mencionada Who’s Got The Crack? También covereada por The Libertines.

 The Moldy Peaches se separa en 2004 dejando uno de los mejores discos del primer decenio del siglo XXI. Adam Green seguiría su carrera como solista teniendo un considerable éxito con su primer disco “Garfield”, Kimya Dawson se iría por el mismo camino lanzando un disco de música para niños titulado “I’m Sorry That Sometimes I’m Mean”, en vísperas del estreno de “Juno” y del enorme éxito de éste filme, Moldy Peaches se reúne para hacer pequeños shows con fines promocionales de la película.

 Actualmente Adam Green cuenta con ocho álbumes en su carrera como solista y Kimya Dawson con siete álbumes en solitario y tres más con tres proyectos diferentes, “Antic Ants”, “The Bundles” y “The Uncluded”. Sin duda The Moldy Peaches fue una gran banda, que dejó un legado enorme en los subgéneros Lo-Fi y Anti-Folk.

Room 237: El resplandor y el genio de Stanley Kubrick

El resplandor es una película de Stanley Kubrick estrenada en 1980, basada en la obra homónima de Stephen King publicada en 1977 . Hasta acá todo va bien, una gran adaptación de un libro excelente, pero por mucho, la película de Stanley Kubrick supera en demasía al libro a tal nivel que empecé a obsesionarme con esto, sobre todo después de ver el recomendadísimo documental Room 237 de Rodney Ascher, mi obsesión después de ver el documental creció a tal punto, que empecé a formularme la idea de usar un gorrito de aluminio.

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 Y es que yo sabía que Kubrick fue un director de lo más peculiar, famoso por guardar los detalles en sus obras cinematográficas y por su excelente gusto musical en las adaptaciones, también famoso por rasguñar la misantropía en cuanto a sus habilidades sociales, pero sobre todo por ser una mente brillante en el gremio. A todo esto, les contaré el por qué de mi obsesión y por qué El Resplandor simplemente es una de las mejores películas de terror y suspenso que se han hecho.

 Bueno, como ya mencioné, siempre fui fanático de la cinta, la actuación de Jack Nicholson en particular creo que ha sido, junto con The One Flew Over The Cukoo’s Nest, una de sus mejores actuaciones y eso es mucho decir;  siguiendo la trama de ésta película, los personajes sombríos que van apareciendo a lo largo del filme, así como  las escenas superpuestas y las múltiples referencias al exterminio de las tribus nativo-americanas, del supuesto falso alunizaje del Apolo 11 y del Holocausto, hacen que al mirar esta cinta se recurra a un constante stop’n’go para evitar perder algún detalle significativo que nos haga creer que de hecho Stanley quería que viéramos más allá de la cinta.

 Como sabemos, el argumento principal es acerca de un hombre que va a vivir con su familia a un famoso hotel durante una temporada con el fin de cuidar las instalaciones, al parecer dicho hotel posee un pasado obscuro, pues Grady, el hombre que se encargó anteriormente de realizar la misma tarea, había matado a su esposa y a sus dos hijas con una hacha; Jack Torrance, que es el protagonista del terrorífico film, sucumbe ante los fantasmas que resguarda el majestuoso recinto y termina por intentar matar a su esposa Wendy y a su hijo Dany, quien posee la habilidad de comunicarse por telequinesis y de ver más allá de lo aparente, cualidad que es mencionada en la película como “El Resplandor”.

"Come and play with us, Danny. Forever... and ever... and ever.”
“Come and play with us, Danny. Forever… and ever… and ever.”

  La historia “oculta” (o al menos una aproximación a ella) es contada en Room 237, dividiendo y analizando algunas de las escenas más emblemáticas de la película, sólo ahí nos damos cuenta del genio de Stanley, el planteamiento de los locutores, gira en torno a los mensajes subliminales que quedan implícitos en la cinta, añadiendo aspectos de la vida del propio Kubrick y de su acercamiento al oscuro arte del marketing, poniendo énfasis en ciertos puntos clave como lo son los mensajes del alunizaje y de la constante lejanía que guardaba la cinta con respecto a la obra literaria.

Necesitamos a Joe Strummer más que nunca

Recuerdo la primera vez que escuché a The Clash en la radiograbadora que tenía en mi cuarto; mi primo, que es al menos 8 años mayor que yo, traía sus grabaciones en cassette de las canciones que lograba captar en la radio (en ese entonces existía Radioactivo 98.5 FM), escuchábamos casi todos los días el mismo cassete y jugabamos Super Nintendo todo el verano; Illya Kuryaki & The Valderramas, Jamiroquai, Rage Against The Machine y Plastilina Mosh eran el pan diario (me llegué a aprender un montón de canciones) y entre esas canciones estaba Spanish Bombs, una pieza que me causaba mucha risa por la pésima pronunciación en español, sobre todo en los coros: “Spanish bombs, yo te cuero infinito, yo te cuero ¡Oh mi coradón!” Que risas.

 Lo que yo no sabía, era que esa canción que me causaba tanta risa, era parte de una obra maestra de la música, lo que tampoco sabía, era que esa banda llegaría a ser mi favorita (aún hoy) y lo que menos sabía, era que la letra de esa canción hablaba de la guerra civil española, del asesinato de Federico García Lorca y de la resistencia republicana en Andalucía.

 ¿Muchos datos en una sola canción, eh?

 Si el punk nació en Nueva York, The Clash lo perfeccionó en Inglaterra; la cosa ya no se trataba de una tonada alocada que hablaba de oler pegamento, esta vez era muy diferente. La cuestión social se filtró en la música, se convirtió en mensaje contestatario, se transformó en conciencia y rebeldía, un mensaje sumamente letrado (por así decirlo) basta con escuchar “The card cheat” del London Calling para entender lo lejos que estaba The Clash con respecto a sus equivalentes neoyorquinos.

“From the Hundred Year War to the Crimea,
With a lance and a musket and a Roman spear,
To all of the men who have stood with no fear,
In the service of the King”

 La música de The Clash estaba lejos de todo y de todos, menos de la gente, canciones como “Carrer Oportunities”, “White Riot” y “1977” son testimonio de ello y detrás de todo este puñado de canciones se encontraba el genio de The Clash: Joe Strummer.

joe strummer by joe dilworth

 Joe tuvo una vida realmente curiosa; hijo de diplomáticos ingleses nacido en Turquía, educado bajo estrictos cánones de la alta educación inglesa cuando era niño para más tarde pasar a ser un estudiante de arte en el Newport College of Art, rubro en el cual fracasó al “ir muy lejos” en su carrera (hizo un collage de tampones usados y por eso fue expulsado de la escuela de arte).

  La decisión de Joe de formar una banda siempre estuvo latente en su pensamiento, tuvo una banda llamada The 101’ers, la cual fue medianamente famosa en los barrios industriales de Inglaterra, pero no sería hasta que conoció a Mick Jones, Paul Simonon Keith Levene y Terry Chimes con quienes formaría The Clash; más tarde se irían Keith Levene y Terry Chimes, para después admitir a Topper Headon y así conformar a “la única banda que importa” en palabras de su disquera CBS Records.

Portada del álbum London Calling.  ¿Acaso es necesario decirlo?
Portada del álbum London Calling.
¿Acaso es necesario decirlo?

 Joe se tomó muy en serio su papel de vocalista y líder de la banda, adoptando un papel totalmente contrario a sus principios como estudiante de arte y como miembro de The 101’ers, desconociendo casi todo su pasado “hippie” e inventando un nuevo personaje que es el que hoy conocemos como Strummer, Joe Strummer (Sí, así como Bond, James Bond).

 The clash tuvo un enorme éxito por lo antes mencionado, las canciones no eran nada parecido a lo que se estaba escuchando en el momento, nada parecido al nihilismo de Sex Pistols que era la otra banda inglesa que “competía” por la hegemonía musical en Inglaterra; las canciones de The clash sonaban a reggae, sonaban a ska, al viejo rock’n’roll, al dub, a fusión de ritmos caribeños, pero sobre todo sonaban a originalidad.

 Tras el enorme éxito de la banda, las confrontaciones no se hicieron esperar, Mick Jones, pieza clave de la banda, partiría de ésta, Topper Headon fue echado por su adicción a las drogas, dejando sólo a Paul y a Joe como integrantes de la alineación original; la banda termina en 1986. Todo lo bueno se termina por acabar.

 Después de esto, Joe participaría en muchos proyectos musicales y cinematográficos, aparecería en el filme de Mystery Train de Jim Jarmusch y participaría en bandas como The Latino Rockabilly War y Joe Strummer & The Mescaleros, banda en la que participó hasta el año de su muerte en 2002.

Mystery Train
Mystery Train

 El título de esta publicación es un diálogo que se alcanza a escuchar en el documental Joe Strummer: The Future is Unwritten de Julien Temple, estrenado en 2007. El 21 de agosto de 2014 (que es cuando fue escrito este post) conmemoramos el cumpleaños de Joe como lo que fue: predicador, caudillo del punk rock, cantante, guitarrista, autor de canciones emblemáticas y de la voz que difícilmente dejará de sonar.

El futuro no está escrito (1952-2002)

Daniel Johnston: La joya perdida del Lo-Fi

 Daniel Johnston es un cantautor, músico y artista estadounidense con una amplia trayectoria y con un legado impecable dentro del subgénero musical llamado Lo-Fi (Baja fidelidad) y esto es, porque el propio Daniel diseñaba las portadas de sus grabaciones, que en su mayoría eran cassettes grabados por él mismo.

Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi
Las grabaciones de Daniel al estilo Lo-Fi

  El genio de Johnston comienza a aparecer desde una edad muy temprana, las revistas cómic y los Beatles forman parte de sus influencias más profundas, las cuales, se ven a menudo en la música y en el trabajo gráfico de Daniel; sus canciones están  llenas de inocencia, de amor no correspondido, de tiras cómicas de Gasparín (su héroe) y sus frustraciones al sufrir un transtorno mental, mostrando temas relacionados a la lucha contra el diablo que de hecho le dan nombre al documental biográfico titulado “The Devil and Daniel Johnston”

 En el documental “The Devil and Daniel Johnston” se muestra esa faceta de Daniel antes y después de su enfermedad, la genialidad de este artista que se fue transformando en una lucha contra él mismo, como el caso del doctor Jekyll y el señor Hyde han hecho del autor un personaje algo peculiar.

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Capitán América al estilo Johnston

 En este remolino de emociones, Johnston logra un trabajo brillante, a menudo elogiado por músicos de gran calibre como Beck, Mercury Rev, T.V. On The Radio, Flaming Lips, Bright Eyes quienes realizaron en 2004 un disco tributo a Daniel titulado “The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered” y hasta el propio Kurt Cobain vestía a menudo playeras con la portada del primer disco de su primer disco “Hi, How are you?”

Kurt Cobain y Flea
Kurt Cobain y Flea

The best things in life are truly free,
Singing birds and laughing bees,
“You’ve got me wrong”, says he.
“The sun don’t shine in your TV”

The Story of An Artist, DANIEL JOHNSTON.

 En la obra de Daniel, podemos encontrar la búsqueda del amor de su amada Laurie, nos recuerda al Quijote en pos de su Dulcinea, nos recuerdan a los suspiros de Pedro Páramo por Susana; y es que es muy difícil encontrar en estos tiempos tan híbridos (como diría Rockdrigo) a artistas que logren lo que Daniel imprime en cada una de sus canciones.

 En la actualidad Daniel sigue haciendo giras, de hecho vino a México a principios de este año, la voz ya se le escucha cansada y los movimientos de sus manos al cantar dan un poco de miedo, pero lo importante es que nos sigue recordando a un niño, a un niño genio que fuma muchísimo.

¡Mi vida fue salvada por el rock’n’roll!

El título de esta publicación, lleva el título de una canción escrita por uno de los últimos héroes de la música: Lou Reed.

 Aunque llevemos cerca de un año sin Lou, aún hay quienes lo recordamos por el legado que dejó detrás de cada uno de sus pasos; en esta ocasión, haremos una pequeña semblanza del trabajo de Lou Reed con Velvet Underground.

 Todos los que hayan visto Trainspotting, recordarán la escena en la que Mark Renton se hunde en una alfombra y comienza a sonar Perfect Day.

Just a perfect day
Problems all left alone
Weekenders on our own
It’s such fun

 La verdad es que Perfect Day no es una canción feliz sino todo lo contrario, habla de lo difícil que es dejar la adicción a la heroína y poder pasar un día normal con alguien haciendo las cosas más comunes; bailar para no llorar.tumblr_mzb6l52pFL1r8jc8go2_1280

 Lou Reed fue un revolucionario en muchos aspectos, las letras de sus canciones eran algo totalmente diferente a lo común de la época; mientras sonaban las canciones de  The Beatles como I wanna hold your hand, Velvet Underground cantaba sobre fetiches sexuales en Venus in Furs y sobre la compra-venta de drogas en I’m Waiting for the Man.

 No sólo la música estaba evolucionando a otro nivel, sino que también fue cambiando la apariencia de los espectáculos, dándole un toque psicodélico cargado de audiovisuales, que hacían que la música fuera hacía un rumbo totalmente diferente en cuanto a la percepción visual. Velvet Underground podría considerarse como la versión americana de lo que Pink Floyd estaba haciendo en Gran Bretaña, realizando espectáculos artísticos como el Exploding Plastic Inevitable de la mano del reconocido artista pop Andy Warhol.

Exploding Plastic Inevitable
Exploding Plastic Inevitable

 Tras la era de Andy Warhol como el principal benefactor de la banda, Velvet Underground liderada por Lou Reed y John Cale, comenzó a tomar un camino diferente, el sonido se fue volviendo cada vez más ruidoso y con temáticas mucho más maduras que son reconocibles en White Light/White Heat y The Velvet Underground (sin John Cale) para llegar así a su opus magnum: Loaded.

 Loaded es uno de los mejores discos de la historia, sin ninguna duda. Con himnos como Oh! Sweet Nuthin, I Found a Reason, Rock & Roll y New Age, Velvet Underground se consolida como una banda de culto, como una banda sin mucho éxito comercial pero con una de las principales influencias de la música que vino después, de las tendencias vanguardistas y de lo que después se llamaría Punk y New Wave.

 Con Loaded, Velvet Underground se despedía con las pistolas humeantes, este fue el último disco de la banda con su alineación original, tras esto, se queda grabado un legado en la historia de la música. Lou Reed seguiría una carrera por su cuenta, su disco más exitoso fue Transformer, con el clásico Walk on the Wild Side, Vicious y Perfect Day.

 Lou Reed sin duda fue un personaje célebre, su aportación a la música es inigualable, el rock’n’roll no pudo haber sido lo mismo sin él, por eso y por muchas otras cosas más, el rock’n’roll salvó mi vida y la de Lou.

Testimonio de Lou Reed en el libro Please Kill Me de Legs McNeil y Gillian McCain (1996)
Testimonio de Lou Reed en el libro Please Kill Me de Legs McNeil y Gillian McCain (1996)

 

 

Rompepistas de Kiko Amat

 Rompepistas es el título de la tercer novela del escritor catalán Kiko Amat, caracterizado por su estilo único de narrar la vida de sus personajes y acercarnos a lo más íntimo de las relaciones humanas en sus etapas más duras; es decir, en la adolescencia.

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 La “trilogía de la adolescencia” (como llaman algunos medios a la triada de sus primeras tres obras) se compone de las primeras dos novelas “El día que me vaya no se lo diré a nadie” y “Cosas que hacen BUM” ambas con la editorial Anagrama. La idea central de Rompepistas gira entorno a lo doloroso de las responsabilidades y al tedio en general que produce la pregunta: ¿Y ahora qué haré de mi vida?

“…esto es Todos Contra Todos pero nosotros estamos juntos,
es lo único que tenemos.
Las canciones y a nosotros mismos.”

Rompepistas, KIKO AMAT.

 Cuando tenemos diecisiete años y lo podemos todo, no existe el “no”, no existe el “quizás”, nos subimos a la moto aunque no haya casco porque hay valor, y cuando vas a 180 kph,  te caes en un bache. Lo que no te mata, tarda más tiempo en matarte.

 Rompepistas es la historia de un palurdo de diecisiete años quién se hace llamar así mismo por ese nombre, enfrentando a lo que todos los que nos decimos seres humanos hemos enfrentado en algún momento, nos caemos de la moto y dejamos la cara en el pavimento, sufrimos de disciplina inmoral en el instituto, de amores adolescentes asentados en una frágil base de promesas falsas y de intensas peleas maritales en el hogar.

Y me gustaría redimir las promesas rotas de mi madre, pero bastante tengo con las mías.
Y me doy cuenta, allí, de que quiero a mi madre, de alguna manera.

 Afortunadamente, el siglo XX trajo consigo uno de los mejores inventos que alguien con una guitarra nos pudo regalar: el rock’n’roll, nuestro único sostén para combatir, o al menos intentar ponerse de pie ante la masacre que la vida nos tenía guardada pacientemente y que un día nos quiebra y nos parte la frente.

 Rompepistas sólo tiene la música, sólo se tiene a él mismo, a él mismo y a su tatuaje axiomático, a su banda “Las duelistas”, a su amigo Carnaval, a la pandilla de inadaptados autonombrados Los skinheads por la paz, a su antiguo amor,  Clareana y a un pueblo ubicado en el extrarradio barcelonés, lejos de la policía y más lejos de Dios.

 Nuestro (anti)héroe con botas (a lo skinhead) camina por el sendero a la cirrosis, tropezando y cayendo, cayendo y riendo, siempre riendo, porque las sonrisas nadie las quita ni con una tonelada de detergente en polvo, rasgando cuerdas de guitarras estridentes en un pueblo que poco entiende de punk, que poco sabe de The Clash y que poco soporta a lo diferente y a las desenfrenadas borracheras de los chicos con botas, bolsillos vacíos y cojones llenos.

Los débiles, los humillados, los pisoteados, un día se levantan y dicen Se Acabó.

 Kiko Amat no solo nos cuenta la historia de un chico que bailaba para no llorar, nos cuenta la importancia de la música en cada etapa de nuestras vidas, nos invita a no olvidar de dónde venimos, a nunca arrugarnos ni de miedo ni de viejos, como diría el psicotrópico Aldous Huxley “El secreto de la genialidad es el de conservar el espíritu del niño hasta la vejez, lo cual quiere decir nunca perder el entusiasmo.”

 Si les apetece leer las obras de este autor, les sugiero que lo hagan sin pensarlo pero antes debo hacer una advertencia; tendrán que estar listos a una infinidad de referencias bibliográficas y musicales que forman un estilo de rompecabezas que nos ayudará a comprender mejor a los personajes y a sus sentimientos, eso sin duda, es el estilo único de Kiko.

NY77: El año más frío en el infierno (Segunda parte: Punk)

En esta segunda parte, revisaremos a uno de los movimientos más importantes de la década de los setenta y de la segunda mitad del siglo XX, no sólo por la repercusión en la historia de la música rock’n’roll, sino porque le dio voz a toda una generación en diversas partes del mundo, destacando al Reino Unido y por supuesto, a Nueva York.

 El nacimiento del punk en Nueva York (¡Sostengo firmemente que el punk nació en Nueva York!) es un reflejo de lo paupérrima que podía ser la vida en la gran metrópoli. Las crudas letras y las melodías basadas en 3 acordes, llegaron a ser la bandera que ondeó en 1977, anunciando la muerte del movimiento hippie y con él, el virtuosismo instrumental de los ídolos musicales.

“Flower power won’t stop fascist power” Black Mask

 La cultura del Do It Yourself (DIY) pronto se abrió paso como la rabia furiosa, infectando a paso veloz a los jóvenes que vieron la puerta cerrada en sus narices, esparciendo su idea por todo el mundo. Si no te han dado la oportunidad, ¡Tómala tú!

La, mi, sol. Ahora haz una banda
La, mi, sol. Ahora haz una banda

 La cultura del DIY también invadió la forma de hacer música, la era de grupos pioneros en la escena alternativa como The Velvet Underground e Iggy Pop & The Stooges había mostrado el mapa del campo de batalla, después de eso nada podía ser igual, nada debía ser igual.

 Las letras de grupos como Television, New York Dolls, Patti Smith, Ramones, Blondie, Dead Boys y The Dictators, ofrecen un testimonio vivo de lo mucho que se alejaban de lo “convencional”, incluyendo dentro de sus temáticas al abuso de drogas, la situación de calle y la falta de pertenencia a una clase social, al sexo (en especial al transgénero), al arte continuo y la poesía maldita. 

 Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos, cantaba Patti Smith; desafiando la estética de la mujer en su tiempo, convirtiéndose en una especie de ser andrógino.

“Dentro de mil años ya no habrá hombres ni mujeres, solo personas”  Mark Renton, Trainspotting (1996)

 Es obvio que la música estaba dando un paso adelante en cuanto al contenido, las letras, la forma de ver el mundo y el futuro que éste ofrecía. El movimiento neoyorquino inspiró en gran medida a la gran oleada punk inglesa, grupos como Sex Pistols, The Clash y The Damned fueron directa o indirectamente influenciados por las bandas neoyorquinas.

CBGB’s OMFUG

EL CBGB’s (Country, Bluegrass and Blues) OMFUG (Other Music For Uplifting Gormandizers) fue el hogar para una generación huérfana, el gran foro que en verdad escuchó las nuevas propuestas, el lugar que vio crecer a tantas bandas y que recibió a miles de fanáticos. Muchos dicen que el punk ha muerto, no sé si esto sea verdad pero lo que si sé es que hoy este lugar está cerrado, pese a la historia y al gran legado que dejó en la música.

CBGB (1973-2006)
CBGB (1973-2006)

 El año pasado se rindió un tributo al mítico bar y al dueño de éste (Hilly Kristal) con la película titulada “CBGB”, que narra las dificultades de empezar desde cero con una idea que no parecía muy prometedora como es la de instalar un bar con música en vivo.

 Las bandas que comenzaron amaron inmediatamente el lugar, pues lo consideraban un sitio ideal para soportar a la naciente escena, las visitas usuales de famosos artistas y fanáticos, lo convirtió en el bar underground por excelencia, estatus que conservó hasta su cierre en 2006.

 Con el cierre del CBGB’s, resulta imposible evitar sentirse nostálgico y un poco sentimental por una era en la que todo era más difícil que hoy; una era en la que la destrucción era realmente creativa y en la que la simplicidad jugaba un papel fundamental en la forma de expresarse.

 La ciudad de Nueva York ya no es la misma que en 1977, hoy la ciudad ha pasado a otra fase, hoy el glamour y el derroche se apoderaron de la ciudad. La ciudad sigue sin dormir, pero las paredes se encuentran más vacías que antes.

RAMONES
RAMONES

NY77: El año más frío en el infierno (Primera parte: Hip Hop)

NY77: The coolest year in hell (o NY77: El año más frío en el infierno, en su traducción al castellano) es un documental dirigido por Henry Corra que recoge los testimonios directos e indirectos de los testigos y sobrevivientes de un año lleno de convulsiones y, sin duda, de un gran año para la música y las artes. Las voces de figuras como Gloria Gaynor, Al Goldstein, Hilly Kristal y Tommy Ramone, entre otros, logran que este documental sea una fiel testificación del boom cultural en Nueva York dentro de esta etapa tan peculiar.

 Hoy la ciudad de Nueva York es mundialmente conocida como la ciudad que nunca duerme, la gran manzana; ciudad cosmopolita de luces eternas, capital de los centros financieros más apabullantes, hogar de artistas y diseñadores de alta alcurnia, lugar donde conviven la opulencia y la pobreza.

 Si alguna vez escucharon a alguien decir la típica frase que se encuentra arraigada en el ideario popular mexicano “Estados Unidos no tiene cultura alguna”, es probable que ese alguien no haya oído de la cultura del consumo y Nueva York está en el centro, al menos hoy.

 ¿Siempre fue así?

 Tal vez. Pero también hubo un año que parecía ser el impulso de la destrucción creativa. En realidad el término no es mío, es un término que ha aparecido en distintos tipos de literatura desde Bakunin quien sostiene que “la pasión por la destrucción es una pasión creadora” hasta Joseph Schumpeter quien subraya a la creación destructiva como un elemento esencial de la dinámica capitalista. En fin, dejemos la anarquía y la esquizofrenia a los brokers de Wall Street.

 En el año de 1977, Nueva York parecía ser una Constantinopla moderna en caída libre. La tormenta perfecta se gestaba desde la psicosis colectiva que provocaban los homicidios perpetrados por el asesino serial llamado “El hijo de Sam”, las ondas de calor, la inminente bancarrota financiera, el apagón de 24 horas; la suciedad y la furia.

Sin luces,  sin comida,  pero con toneladas de licor.
Sin luces,
sin comida,
pero con toneladas de licor

 The Bronx, Manhattan, Queens, Brooklyn, Harlem, los conocidos distritos de Nueva York aparecieron dentro de la caótica gran manzana como un territorio fértil para jóvenes que buscaban una identidad y para quienes vieron a las oportunidades pasar de largo; hablaré de dos movimientos culturales especialmente icónicos para el último tercio del siglo XX en Estados Unidos: el hip-hop y el punk.

 El apagón

En la noche del 13 de julio de 1977 la ciudad de Nueva York sufrió un memorable apagón que comenzó en el Bronx siguiendo por Manhattan, Queens, Brooklyn y Staten Island, la ciudad comenzó a volverse loca, los actos vandálicos asediaron la ciudad entera; cristales rotos, balazos, incendios y enfrentamientos con la policía.

¡Apagón!
¡Apagón!

“Los comunards quemaron el Museo Louvre: el acto artístico más radical del siglo XIX…”-King Mob.

 Sin intentar defender alguna u otra posición con respecto al vandalismo, el apagón fue testigo de la peor cara de Nueva York, aunque también mostró una ventaja para los DJ’s en ascenso; la explosión cultural del hip hop fue en gran medida avivada por el robo masivo de equipos de audio, muchos de los cuales se encontraban inalcanzables para gente que se hallaba haciendo música en esos momentos: los llamados sound system. Los sound system se encontraban en un campo de batalla continuo, las peleas entre DJ’s se hallaban en medio de la escena hip hop; el que tenía mejor equipo ganaba las contiendas, fama y reputación. A veces el fin justifica los medios, depende de qué fin y de qué medios, por supuesto.

Incendio tras apagón.
Incendio tras apagón.

 La necesidad de pertenecer conjunta con la marginación, se vuelven una semilla, que bien dirigida, puede llevar consigo grandes cambios que resultan en un fenómeno—millonario en estos días—como el hip hop. La gente (sobre todo del Bronx), sólo contaba con la música para combatir con los grandes males que toda gran ciudad sufre. Un ejemplo de esto es el de  Afrika Bambatta & The Zulu Nation, conocido como “el padrino del Hip Hop”, quién a través de la música, trató de integrar a chicos con problemas de pandillas y adicciones con el fin de canalizar el talento de los barrios marginales convirtiéndolo en expresiones artísticas.

 La música, el baile y el graffiti, conformaron la triada perfecta para la cultura hip hop. El DJ, el break dance y el arte callejero tuvieron un auge sin precedentes en el sur del Bronx, surgiendo como una alternativa a la emergente escena punk y a la música disco, que estaba ganando terreno en la escena musical neoyorquina y con ella, la revolución sexual, un fruto directo de la década de los sesenta.