Tatuajes geométricos: Chaim Machlev

El tatuaje geométrico es una tendencia muy fuerte desde el 2013 y la gama que hay de estos tatuajes es inmensa. Navegando en la red (para variar) vi circular unos tatuajes geométricos impresionantes, que abarcaban torsos completos o piernas completas y que, a pesar de ser geométricos, se sentían a la vista en armonía con el cuerpo que los porta, como si siempre hubieran estado ahí, comparables a las formas y líneas que dibuja el humo de un cigarro.

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 Chaim Machlev, un tatuador radicado en Berlín, es el artista detrás de estas increíbles piezas. Chaim no tuvo ninguna formación artística previa al tatuaje, de hecho es relativamente nuevo en el medio pues comenzó a trabajar en 2012 y él mismo afirma que poco le importaban los tatuajes hasta antes de trabajar en ello. Según sus propias palabras: “En algún momento todos hemos querido o queremos un tatuaje.”

 Como en todo, se tiende a clasificar y catalogar los estilos del tatuaje pero Chaim se niega totalmente a ello, pues el mismo no logra encasillarse en un estilo, por la mezcla que por sí mismo representa: un hombre fan de la electrónica a la vez totalmente espiritual, tanto así que cada que realiza un trabajo de este tipo lo convierte en todo un ritual, generando piezas que vayan acorde al cuerpo con el que está trabajando.

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 El cuerpo humano no es simétrico y hacer un dibujo simétrico en un lugar asimétrico es todo un reto, a eso sumado que lo geométrico suele chocar con lo orgánico del cuerpo humano, generando que parezcan estampas pegadas y es justamente eso lo que evita Chaim. Su trabajo se basa totalmente en la experimentación, por ello el proceso de bocetaje suele ser más largo que el mismo proceso de tatuado en sí.

 Constantemente recurre a la técnica de mano alzada o freehand, utilizando únicamente color negro pues afirma que es el color que mejor le queda a todo tipo de piel además de que es un color atemporal en algo temporal como un cuerpo humano.

Checa aquí su Instagram

 

 

 

 

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Encuentros fantásticos en la Ciudad de México

Todos y cada uno de nosotros generamos una particular relación con la ciudad; cómo la vemos, cómo la percibimos… e incluso me atrevo a decir que casi todos hemos experimentado ese amor/odio pues a pesar del ritmo ajetreado de vida, el constante tráfico, la inseguridad y demás situaciones poco agradables que aquejan a la Ciudad de México también la amamos por toda la oferta de lugares de recreación familiar, nocturna y gastronómica que ofrece; los variados escenarios que muchos han catalogado de surrealistas, como gente viajando en ropa interior en el metro, Spider-Man caminando en pleno centro histórico  o incluso ir de una delegación a otra, que aparte de ser una travesía pareciera un mundo diferente en cada una de ellas.

Tomando en cuenta todo lo anterior y, por supuesto, las vivencias personales, es como los alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (antes ENAP) del taller 202 de grabado generaron una pequeña pero sustanciosa muestra de grabado realizados tanto en metal como en madera, del entorno urbano aderezado con elementos fantásticos.

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 El pasado jueves 12 de marzo se realizó la inauguración de tal exposición la cual lleva por nombre “Encuentros Fantásticos De La Ciudad De México: Un viaje a través de las telarañas de la imaginación.” La cual estuvo bajo el cargo del profesor José Abelardo Loya Castro y tiene como sede el Centro Cultural Multidisciplinario “El Casetón” en la cual también contó con la participación musical de Orchestra Calavera.

 En la muestra podemos encontrar peces nadando por las calles, pulpos e insectos gigantes, mujeres con cabeza de cerdo o de conejo, robots pelando entre sí, dragones, astronautas, Mickey Mouse inspeccionando mujeres, medusas e incluso un niño y un ratón viendo asteroides caer, a fin de cuentas cada uno de estos grabados cuenta un historia personal.

 La exposición estará un mes abierta a todo público, y así como en “El Casetón” se está presentando estos trabajos, diversas casas de cultura están abriendo sus puertas para que artistas visuales en proceso como los de la FAD tengan la oportunidad de promover su trabajo.

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La abuela del performance: Marina Abramović

La mayoría de las personas –incluyéndome hasta hace unos años– solemos asociar al arte en automático con pintura, escultura, grabado… en otras palabras: arte de índole un poco más clásico; pero entre la tecnología y la necesidad de muchos artistas de ir más allá de un simple soporte bidimensional para poder transmitir su mensaje e incluso formar parte de la obra, surgen otro tipo de corrientes derivadas del body art como el performance y el happening, que es arte en vivo y que la fotografía y el video se encargan de documentar.

 A pesar de que este movimiento surge alrededor de los años 60, el cuestionamiento acerca de si esto es realmente arte continúa, y hay opiniones completamente divididas al respecto. En realidad yo no soy una autoridad para decir si se trata de arte o no, simplemente soy creyente de que se deben tomar en cuenta todas las vertientes que el arte ofrece y generar un criterio propio fundamentado o por el simple hecho de conocer algo más a lo convencional como espectadores que somos.

 Como en cada corriente hay representantes, y una de ellas aún hoy es considerada como una de las artistas del performance más reconocidas: se trata de  Marina Abramović, considerada además como la abuela del performance y que aún hoy en día sigue vigente en el medio.

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 Por ello en 2013 sale a la luz el documental The Artist Is Present que habla y explica un poco de su trayectoria en el medio del arte; el él, ella misma relata cómo fue su niñez con padres militares y también cómo esto influyo en sus proyectos.

 Principalmente aborda la exposición que tuvo en el MoMa (Museo de Arte Moderno de Manhattan) la cual tenía el mismo nombre que el documental. Dicha exposición fue una gran retrospectiva a toda su carrera  durante 3 meses en los que treinta artistas jóvenes recrearon sus más famosos performance y ella misma estuvo ahí sentada frente a una mesa esperando a que cualquier espectador se sentara y compartieran una mirada, (de ahí el nombre de La artista está presente) que muchas veces terminaba en lágrimas, pues ella afirma que a través de esas mirada veía y sentía mucho dolor que la gente traía consigo.

 A lo largo de esos tres meses Abramović compartió una mirada con casi un millón de personas e incluso con personalidades como James Franco, Orlando Bloom y su ex pareja sentimental y compañero de performance Ulay.

El documental fue dirigido por Matthew Akers, fue nominado a Mejor Documental en el Independent Spirit Awards 2013, integró la selección oficial del Festival de Cine de Sundance 2012 y recibió el Premio del Público al Mejor Documental, Sección Panorama, en el Festival de Cine de Berlín 2012

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Ve el documental subtitulado aqui

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GALLONEGRO: TATUAJES A LA MEDIDA


Cuando vas a hacerte un tatuaje hay varios puntos importantes a considerar que aunque suene trillado te puede salvar de un mal tatuaje e incluso de infecciones que aunque es muy bajo el porcentaje de tatuajes infectados y que muchas veces se infectan por el mal cuidado, después de realizados, no está demás considerar.

Primero que nada la higiene general del lugar llámese; área de trabajo, material esterilizado etc. Y lo segundo igualmente de suma importancia revisar el trabajo de la persona con la que piensas tatuarte para ver si realmente te gusta lo que hace y si puede llevar a cabo tu idea tal cual quieres y no olvidar que muchas veces lo barato sale caro, por lo menos en el área del tatuaje si aplica el dicho.

En los textos pasados que he hablado de tatuadores como Sasha Unisex y Jay Freestyle, son talento extranjero así que en está ocasión quiero compartirles un estudio llamado Gallonegro que aparte de ser talento nacional, tuve la oportunidad de tatuarme ahí.

Gallonegro está ubicado en Bajío #115 Roma sur México D.F. su eslogan es “Tatuajes A la Medida” y como mencioné en el artículo de Jay Freestyle hay tatuadores que realmente se esmeran en diseñar y proponerle al cliente tatuajes personalizados y es precisamente lo que hacen en Gallo, ellos no manejan catálogos. La alineación base es: Aníbal Pantoja, Dazer, Cris, Zam Guerrero y ahora cuentan también con un aprendiz; Dany Valle.

Los estilos que trabajan son realmente variados pues va del famoso efecto  acuarela, geométrico, puntillismo, tradicional, neotradicional y realismo incluso han hecho reinterpretaciones de ilustraciones como las de Audrey Kawasaki, Chiara Bautista y Alfons Mucha por mencionar algunas, además de que constantemente traen invitados a tatuar por temporadas como; Mosquito Costume (Kelly Rico), Ka’larraza y  recientemente Circe Iglesias.

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Tatuaje realizado por Aníbal Pantoja
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Zam Guerrero
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Cris
Tatuaje realizado por Dazer
Tatuaje realizado por Dazer

Ellos trabajan únicamente por cita y es común ver en su fan page gente quejándose porqué no contestan los inbox rápido o porqué no los pueden tatuar tan pronto como ellos quisieran. Sí, la espera para conseguir cita o cotización puede ser un poco larga pero en mi experiencia puedo decir que lo vale, pues es calidad y no hay nada más satisfactorio que traer un tatuaje tal cual querías o incluso mejor de lo que imaginaste.

Basta echar un vistazo a la carpeta de cada uno para ver que son profesionales y que podrían satisfacer hasta al cliente más quisquilloso y mostrando que México tiene muchísimo talento que ofrecer en el área del tatuaje.

Facebook: https://www.facebook.com/gallonegrotatuajes

Instagram: https://instagram.com/gallonegrotatuador

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Nacido en el burdel: la zona roja desde la perspectiva de Zana Briski

No es ningún secreto que la prostitución es el oficio más antiguo del mundo y también de los más marginados, al igual que peligroso. Muchos hombres y mujeres terminan por diversas circunstancias laborando en este rubro.

 En casi todos los países existe algo denominado Zona Roja: un sector donde se concentran comercios dedicados a la prostitución. Diversos han sido los reportajes o documentales que se han hecho acerca de estos lugares o las personas que se dedican a la industria del sexo, pero siempre es difícil que la gente se abra ante una cámara, más si se dedican a una actividad tan mal vista y aún ilegal en algunos países.

 Hablemos específicamente de Sonagachi, una Zona Roja ubicada en Calcuta, India. Se sabe abiertamente que es un área de venta de licor (ilegal, por supuesto) y sexoservidoras que adoptan el oficio generación tras generación. La mayoría de ellas son el sustento de familias numerosas que viven en condiciones insalubres y carentes de servicios básicos; pero nada de esto es visible a simple vista. Precisamente el documental Born Into  Brothels  (Nacido en los burdeles) logra entrar a lo más recóndito de Calcuta.

Born Into Brothels

 Zana Briski fotógrafa y documentalista de origen inglés  fue la encargada de realizar este documental, pero al ser foránea no la tenía fácil al tratar de adentrarse en Sonagachi así que la mejor forma que encontró para acercarse fue a través de los niños que nacieron allí y no conocen otra forma de vida que no sea la del burdel.

 No hay mejor forma de entender el entorno de alguien que verlo a través de sus ojos, o eso afirma Briski. Así fue como decidió enseñarles fotografía durante dos años a un grupo de niños de la Zona Roja. Se les proporciono todo el material como cámaras y película, tenían clases donde se les enseñó a encuadrar, a generar una composición y técnicas básicas de fotografía análoga.

Born Into Brothels

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 A lo largo de esos dos años, aparte de recopilar el testimonio verbal y fotográfico de los niños y sus familias,  Briski intento por todos los medios que los chicos tuvieran una mejor calidad de vida empezando por lograr que los aceptaran en las escuelas, pues desgraciadamente al ser procedentes de Sonagachi carecen de cualquier derecho.

 Además montó algunas exposiciones con el trabajo realizado y el dinero recaudado fue para las familias de los niños incluso logró que uno de ellos viajara a Ámsterdam para un seminario de fotografía, así de algún modo les dio la esperanza de un futuro más alentador y la posibilidad de no tener que volver al burdel.

 Born Into Brothels fue galardonado con diversos premios como el Oscar a mejor documental, en 2005, Sundance: premio otorgado por el público 2004 y National Board of Review por mejor documental 2004.

 Al término de la filmación y pese al esfuerzo de Briski por brindarles un mejor futuro a los niños, la mayoría de los que fue aceptado en escuelas regreso por voluntad propia a Calcuta y algunos otros sus padres los llevaron de vuelta y eventualmente se dedicaron a la prostitución o venta de licor.

Born Into Brothels

Born Into Brothels Subtitulado

 

El tiempo entre costuras

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Cuando vemos series o películas, usualmente son recomendadas de boca en boca o por qué a lo mejor vimos algún promo en internet o en la TV. Así fue como conocí “El Tiempo Entre Costuras”, un amigo me la recomendó.

 “El Tiempo Entre Costuras” es una mini serie española de 17 capítulos la cual es una adaptación de la novela homónima del mismo nombre de la escritora María Dueñas. La novela salió en 2009 y en 2012 se convirtió en un Bestseller no solo a nivel nacional sino también mundial, de ahí que saltara a la televisión en 2013 gracias a Cadena 3.

 Está serie trata de una costurera de origen madrileño llamada Sira que en un principio siguiendo al supuesto amor de su vida sale de España poco antes de la Guerra Civil Española y comienza una nueva vida en Marruecos, en un comienzo pareciera de tintes románticos el contenido, pero no se dejen engañar conforme avanza la historia se ve todas las tragedias de las que es víctima Sira y cómo, por azares del destino, termina con el corazón roto, sin poder regresar a España debido a la guerra, fundando un taller de costura en Tetuán (capital del protectorado español en Marruecos), teniendo a cuestas cargos de robo de los cuales ella no tenía ni idea, vendiendo armas de forma clandestina para poder subsistir por mencionar algunas situaciones de las que Sira será participe hasta antes de La Segunda Guerra Mundial.

El Tiempo Entre Costuras

El Tiempo Entre Costuras A la par de sus desventuras mientras zurce vestido tras vestido conocerá a personas sumamente importantes las cuales la harán parte de una red de ciudadanos encubiertos que impedirá a toda costa que España forme alianza con Alemania pues no resistiría otra guerra.

 “El Tiempo Entre Costuras” ha sido nominada a los premios británicos C21 International Drama Awards y galardonada en los Premios FyMTI (Festival y Mercado de Televisión Internacional) celebrados en la ciudad de Buenos Aires, Argentina y no es para menos pues no solo los actores son excelentes sino también la ambientación; que va desde España de los años 30, España post-guerra, Marruecos e incluso Portugal (pues en algún momento la protagonista debe viajar allá). Aunado a ello, la vestimenta de los personajes, siempre a la última moda según la época, incluyendo maletas de marcas como Louis Vuitton y los exquisitos vestidos confeccionados por Sira que intentan imitar a los grandes diseñadores como Coco Chanel.

 “El Tiempo Entre Costuras” se puede ver a través de Youtube o Netflix y creo que es una buena opción a considerar cuando se disponga de tiempo libre pues es una serie histórica que tiene; drama, moda, acción, intriga y romance.

 

Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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De Skinheads a Cara Delevingne: Nick Knight

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En la década de los 80 sale a la luz un libro fotográfico de la subcultura de los Skinheads (cabezas rapadas) y era más que nada un diario de los jóvenes que llevaban ese estilo de vida, lo realizó un estudiante de fotografía llamado Nick Knight.

 Con este libro llamó la atención del diseñador Yohji Yamamoto quien le dejó a cargo el catálogo otoño-invierno del 96 y ese sería el primero de 12 catálogos consecutivos; el resultado fue un contraste de lo oriental, acentos de colores y contraluces.

 A la par de los catálogos de Yamamoto también realizó la serie “Flora” la cual tardo tres años en concretar, pues recolectó y clasificó casi 6 millones de ejemplares de los cuales escogió solo 45 fotografías a las que sometió a una novedosa técnica de agua y altas temperaturas la cual desdibuja los contornos.

 Knight, desde sus inicios, mostró el interés por nuevas técnicas y tecnologías, en lo que a temática respecta siempre está desafiando la belleza convencional, poco a poco se fue abriendo paso en el mundo de la moda y hoy por hoy es uno de los fotógrafos más prestigiados.

 Entre las personalidades que ha retratado su cámara se encuentran Madonna, Kanye West, Kim Kardashian, Lady Gaga, Marina Abramovic, David Bowie entre otros, incluyendo campañas para grandes firmas como; Dior, Calvin Klein, Audi, Alexander McQueen y John Galliano. También realizo una sesión con la modelo Cara Delevingne llamada “Pussycat, Pussycat”, la cual fue realizada con un iPhone y publicada únicamente en la aplicación Instagram.

 

“Muy raramente consigues lo que quieres en fotografía. Siempre te gustaría llegar a más y a menudo no puedes.”

– N.K.

 Pero Knight no solo se ha dedicado a la fotografía: en 2001 fundó SHOWstudio con la finalidad de generar una nueva forma ver la moda por internet y además ha sido el pionero del Fashion Film, lo que ha hecho que la imagen en movimiento en la era digital sea más accesible a todo público, con sesiones de foto en vivo o desfiles.

 Por otra parte, ha sido catapulta para talento emergente y no solo se ve como una plataforma de moda sino como un espacio enteramente creativo para la ilustración, la palabra escrita y la fotografía. Otro de los grandes aciertos en la carrera de Knight ha sido generar polémica a través de la dirección de algunos videos musicales como el de la canción “Pagan Poetry” de la islandesa Björk en el cual aparecen escenas de sexo difusas y la cantante semidesnuda perforándose con cuerdas unidas a un vestido. No olvidemos la realización de “BLKKK SKKKN HEAD”, de Kanye West, en donde se ayuda de animación digital para conseguir un producto visualmente siniestro acompañado de lobos y vestimentas tipo Ku Klux Klan.

 Esto es solo una pequeña muestra de todo el trabajo que tiene Knight pero con ello queda claro que aunque él comenzó su carrera en la era de lo análogo se adaptó y abrió paso de la mejor forma posible.

Violencia, vandalismo y adolescencia: Kids

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El mercado adolescente es uno de los más explotados en casi en cualquier ámbito, llámese cine, moda, comida etc; pero enfocándonos específicamente en cine para adolescentes, los temas trillados y recurrentes suelen ser el amor, terror (que muchas veces son malísimas y terminan siendo de humor involuntario) o comedia. Claro que esto muchas veces se muestra en lo que oferta únicamente la cartelera de cine o la tv pero si hurgamos un poco en el cine independiente se pueden encontrar películas excepcionales de bajo presupuesto y mucho más sustanciosas.

 Entre esos caso se encuentra “Kids”, un filme independiente de origen estadounidense de 1995 del fotógrafo y director Larry Clark, que refleja la vida de un grupo de adolescentes neoyorquinos de los barrios bajos, que consumen estupefacientes, y tiene un despertar sexual temprano –en el cual no importa el peligro que puede representar no usar un preservativo– que median con un ambiente lleno de violencia y vandalismo, siendo desobligados, con una mentalidad nihilista, ufanos de ser propietarios de sus cuerpos pero no de las consecuencias.

 Todo esto es narrado a través de un lenguaje explícito al igual que las escenas que se muestran durante los 90 minutos que dura la historia o, mejor dicho, las diversas historias entrelazadas.

 Es una cinta también considerada de tipo documental o al menos esa era la estética que se le pretendió dar para hacerla ver de forma natural o poco actuada, de hecho la mayoría de los actores tuvieron su primer oportunidad de aparecer en pantalla con esta película.

 Clark estuvo escribiendo el guion durante 19 años en los cuales recopiló testimonios de adolescentes en el que incluyo parte de sus propias vivencias.

 Si bien esta historia se estrenó hace casi 20 años, realmente no está obsoleta la temática, sigue siendo una constante entre los adolescentes de hoy en día, e incluso el filme ya no se vería tan crudo ni tan rudo comparado a las situaciones que se han presentado en los últimos tiempos como la creciente violencia, los casos de SIDA en edades cada vez más tempranas, al igual que el consumo de sustancias.

 La intención de Clark nunca fue escandalizar sino mostrar una realidad que siempre ha estado ahí pero que como sociedad preferimos evadir y que aunque aquí aparezcan jóvenes de clase baja esto no es exclusivo de este estrato social.

Escena de la película Kids
Escena de la película Kids
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JOURS DE PAPIER: La sensual vida de Tania y Esteban

La vida en pareja suele ser algo complejo, que requiere mucha paciencia, amor y humor. Justamente Jours de Papier refleja esto.

 Se trata de una tira cómica completamente anecdótica de la vida en pareja de Tanía Camacho una dibujante, ilustradora y animadora y Esteban Martínez un programador, nutriólogo y chef; otros personajes recurrentes son su gatita Tita de 7 años que, como ellos mismos la describen, se la pasa echando la hueva, además de un peluche, el Señor Rodríguez que tiene personalidad propia y le gusta tocar a Esteban de formas inapropiadas.

 El humor de Jours de Papier es simple, y ha sido clave de su éxito pues los fans de esta tira se sienten identificados.

 Esta ingeniosa tira surge cuando Tania y Esteban tenían un diario en el que escribían pequeños detalles, vivencias y dibujos que a la pareja le acontecían, éste no era privado así que a uno de sus conocidos le pareció tan bueno que les sugirió que lo dieran a conocer a través de Facebook y así se ha convertido desde 2012 en una de las webcomics mexicanas más populares, entre jóvenes y no tan jóvenes, de ahí el nombre Días de Papel porque en un principio, efectivamente, la tira era en papel, por motivos de inmediatez es que todo lo hacen ahora de manera digital.

 Otra de las claves de su éxito ha sido la constancia como ellos mismos lo dicen, estar publicando de forma asidua; ahora incluso cuentan con el apoyo del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Por otra parte, cuentan con una tienda en línea, en donde pueden encontrar libros, pins, playeras, y hasta un juego de mesa.

Jours de Papier es de esos placeres simples que te harán reír y podrás pasar horas leyendo.

Ve mas tiras aquí.  o entra a la tienda en línea aquí,

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

JOURS DE PAPIER

Dos puntos

Sedúceme con tus comas, con tus caricias espaciadas, tu aliento respirable y tus atrevimientos continuos; colócame el punto y coma para cambiar las caricias por largos besos y frases susurradas boca a boca. Haz un punto y seguido para desatarte de mí y contemplar mi desnudez sobre tu cama, ahora interrumpe con guiones para soltar un halago sobre mí cuerpo y su huella en el tuyo —recorrer con la mirada el talle y el hundimiento en la cintura, el ascenso en la cadera la larga prolongación de las piernas rematadas por un pie que no resistes besar—. Embísteme sin mí rechazo y tortúrame con la altivez de tu deseo arrastrándome muy lejos (al borde del abismo entre paréntesis y sin comas por favor), ahora desenvaina tus puntos suspensivos… —maldito trío de puntos— ese espacio sin nombre no se alcanza.

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Fotografía tomada de elmanifiestodeversos.wordpress.com

 Un punto y aparte para calmar el temblor de mi cuerpo y sonreírte al tiempo que me das a beber del vino espumoso en una copa. Borro mis interrogaciones. Toda una antesala para retomar tus comas y regalarme la humedad de tu boca y la suavidad de tu respiración en mis orejas, cuello, nuca, hombros. Atacaría con puntos y comas nuevamente para buscar con tu dedo un clítoris congestionado. Pasar tu lengua entre esos labios escondidos y saborear mis secreciones —robármelas entre guiones— y atizar de nuevo en mi centro ardiente ocupándolo, sosteniendo el ascenso ¡inminente! con signos de exclamación, la eyaculación inevitable.., hasta acabar con los puntos suspensivos y vaciarte todo en mí y desplomarte extenuado, aliviado y amoroso en mi cuerpo complacido.

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Fotografía tomada de http://psiqueviva.com

 De nuevo un punto y aparte para dormir sobre mi pecho y poner punto final al entrecomillado “acto” que en este caso es un hecho amoroso sin ningún viso de actuación.Si estoy equivocada, felicito tu dominio de la puntuación. Punto final.

– Dos Puntos, Mónica Lavín

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Fotografía tomada de photoshowroom-mx.blogspot.com

Tatuajes rusos

El tatuaje es un elemento cultural que ha estado presente desde hace miles de años en diversas culturas con muy diversos significados. El cual es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas que inyectan tinta bajo la epidermis.

 Aunque sigue siendo una práctica de algún modo tabú y rechazada por dar “mala imagen”, no poder donar sangre, o no ser aceptado en algún trabajo y asociado a personas “mal vivientes”, poco a poco han ido cambiando estos prejuicos, se ha generado tal apertura que se estima que una de cada diez personas tiene al menos un tatuaje en México.

 Como en todo también hay modas; en los 90 por ejemplo, eran famosos los tatuajes tribal, actualmente los infinitos, los atrapa sueños, las aves, el lettering y los dientes de león son una constante, finalmente el límite es la imaginación del cliente y la capacidad del tatuador.

 La oferta de tatuadores es inmensa y se está generando que la piel sea un lienzo más en el que las posibilidades son casi infinitas, cabe mencionar que antes era un mercado casi exclusivo de los hombres y apenas comienza a abrir paso al talento femenino, una de ellas es Sasha Unisex una chica rusa, que se ha vuelto viral.

 Usualmente en un tatuaje se realiza primero todo el contorno y después se prosigue al relleno, Sasha además de que su trabajo carece de contornos, la mayoría de sus diseños son de tipo geométrico, son principalmente animales y flores, de colores vibrantes, a veces hechos dentro de círculos o sin fondo como se estila en el trabajo tradicional, además hace uso del estilo acuarela y si echan un vistazo a sus redes sociales se ve su trabajo del papel a la piel, el cual es realmente impresionante, estético y poco común. Está demás describir el trabajo de esta joven rusa cuando habla por si solo.

 Ve el trabajo completo de Sasha Unisex aquí.

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Alta costura y adicciones en una imagen: Heroin Chic

Recientemente me encontré con un proyecto bastante interesante, que he visto circular por diversos medios digitales tanto de arte como de moda, llamado “Downtown Divas” realizado por Loral Amir y Gigi Ben Artzi, artistas de no más de 22 años que se atrevieron a plasmar a las verdaderas “Heroin Chics” mujeres con mucho más estupefacientes y menos glamur que las de las pasarelas.

 "Downtown Divas"Esta tendencia se refiere a un look enfermizo: excesiva delgadez, caderas y clavículas huesudas, ojos vidriosos, grandes ojeras amoratadas, cabello sucio, desparpajado, piel pálida y poco o nulo maquillaje precisamente similar al de una adicta. Dicha imagen fue un modelo a seguir en los años 90, y tuvo como  portavoces a las súper modelos Kate Moss y Jamie King.

 Las modelos utilizadas por Loral y Gigi fueron prostitutas heroinómanas rusas que fueron retratadas como si se tratase de una sesión de revista de moda, las cuales vistieron prendas de alta costura de Alexander Wang, Louis Vuitton y Miu Miu.

 No solo fueron fotografiadas también fueron grabadas en un breve video en el que platicaron con ellas acerca de que hacían antes de consumir, cuáles eran sus sueños, aspiraciones e incluso quien fue el amor de su vida, mostrando que tienen los mismos deseos y sensibilidad como tú o como yo, pero que constantemente son señaladas y vistas como parias de la sociedad, a fin de cuentas no se trata de estigmatizarlas más, sino precisamente mostrarlas como los seres humanos que son y de paso criticar los estándares de la industria de la moda.

 Bien sabemos que los cánones de moda no siempre son los mejores ejemplos a seguir, sin embargo ¿qué hizo que las “Heroin Chics”  del lado glamuroso se volvieran todo un icono? El principal componente para el éxito de este look fue el cinismo con el que fueron presentados hombres y mujeres con problemas de adicciones respaldados por las grandes firmas.

Jamie King

 En gran medida debido a que el uso de heroína, cocaína o cualquier tipo de estupefaciente ya no solo era propio de la clase baja sino que fue un hábito rápidamente adoptado por la clase alta incluso considerado “chic” (de ahí el término “Heroin Chic”).

 Fue una tendencia sumamente criticada que no duro mucho por la mala imagen que vendía y por la muerte de Davide Sorrenti (novio de Jamie King) fotógrafo de moda que murió por problemas de salud agravados por el consumo de heroína y porqué la mismísima Anna Wintour (editora jefe de la edición norteamericana de la revista Vogue) dijo basta: “La ausencia de maquillaje y el pelo sucio no es lo que Leonard Lauder quiere ver” (en alusión al presidente de Esteé Lauder y anunciante de peso en la prensa de moda).

 Concluida así la etapa de las “anti-modelos” quedó al descubierto el hecho de que no importa la clase de imagen que se venda al público, sino que tanto la consume y al final el duro contraste entre el mundo de las “Heroin Chics” y las “Downtown Divas”.

Kate Moss Downtown Divas from LA on Vimeo.

¿Acaso hay predador más peligroso que el humano?

Hace unos días recordé algunas animaciones que he tenido la oportunidad de ver, y pensando precisamente en una de ellas —que fue la que más me ha gustado hasta ahora, tanto en contenido como visualmente— me pregunté: ¿acaso hay predador más peligroso que el humano? La animación de la que hablo se llama “MAN” y es de Steve Cutts, un ilustrador y animador que radica principalmente en Londres.

 Man de Steve Cutts“MAN” es la animación más popular de Cutts y, aunque es aparentemente “simple”, genera en tres minutos toda una reflexión acerca de cómo hemos hecho una serie de destrozos al planeta, contaminando y aniquilando todo a nuestro paso, lo que a consecuencia nos está matando a nosotros mismos. A eso, sumado el consumo de FastFood y productos cada vez más procesados, que a su vez generan enfermedades que hace unos años ni siquiera existían. En sí, el mensaje es claro y demoledor: la inminente amenaza que somos para nosotros mismos.

 Steve Cutts también realiza ilustraciones, pinturas e incluso esculturas, que tienen como constante el cómo coexistimos con el medio ambiente, los animales y, por supuesto, entre nosotros.

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 Otros títulos de animación, son “In The Fall” y “How Will You Die?”, la primera trata sobre si realmente estamos viviendo nuestras vidas o sólo estamos sentados frente a un escritorio llenos de preocupaciones, frustraciones y carentes de anhelos viendo nuestra vida pasar cuando está a punto de concluir; la segunda trata de cómo elegimos morir de un ataque al corazón o un derrame cerebral por el puro gusto de fumar o beber, mientras vivimos una “buena vida” clase mediera estándar, mientras que al otro lado del mundo la gente muere por hambre, por falta de medicamentos o por VIH debido a la falta de dinero para poder comprar un preservativo, esos que son tan sencillos de conseguir aquí.

 En ocasiones, Steve Cutts hace uso de personajes icónicos como Mickey Mouse y Roger Rabbit, todo con el fin de satirizar y criticar el entorno de manera constante sobre todo a la sociedad norteamericana—, con el fin de concientizar a la gente de la forma en que las grandes corporaciones han hecho lo que han querido con nosotros con el fin de enriquecerse a costa de lo que sea.

Perturbador, indecente y pornográfico: Robert Mapplethorpe

El sexo, el homoerotismo, los lirios, las orquídeas y los afroamericanos fueron la fórmula más provocativa que pudo haber conseguido el fotógrafo Robert Mapplethorpe (Nueva York 4 de noviembre de 1946 – 9 de marzo 1989) para generar justamente lo que él quería: lo impensable, lo inesperado.

Autorretrato 1980

 En un principio, Mapplethorpe no se consideraba a sí mismo fotógrafo e incluso incursionó en otras ramas del arte como la pintura y el collage, en el que ya utilizaba fotografías (las cuales no eran de su autoría); tiempo después comenzó a producir sus propias tomas con una cámara Polaroid (cámara instantánea) con la intención de complementar su trabajo, que en su mayoría estaba conformado por autorretratos. Poco después produjo la primera de una serie de retrato de su amiga Patti Smith, reconocida cantante y poetisa.

 Sus fotografías, técnicamente hablando, son exquisitas y reflejan el sumo cuidado con el que fue realizada cada sesión. De contenido excesivamente explícito, tachado de indecente, perturbador y pornográfico resultando en algo hipnotizante por los estilizados cuerpos  desnudos ahí plasmados tanto de hombres como de mujeres, simulando estatuas.

 “Pensé que si lograba trasladar aquel elemento al arte, si conseguía retener de algún modo aquella sensación, estaría haciendo algo único y exclusivamente mío.”

— R.M.

 A lo largo de su trabajo se puede observar el persistente juego del blanco y negro, que muestra el perpetuo limbo en el que vivía el chico homosexual y promiscuo de educación católica de clase media que se convirtió en uno de los más aclamados fotógrafos del siglo XX y el principal documentalista de sexo de sus tiempos, incluyendo su propia sexualidad y sus diversificaciones más escandalosas como el sadomasoquismo y el bondage, todo esto más allá de lo obsceno sino en una constante búsqueda de lo estético.

 No sólo realizaba fotografías de índole sexual sino también de flores en las que el color era un elemento partícipe; ahí destacaban la belleza y delicadeza e incluso lograba cierto erotismo y sensualidad. Trabajó en diversas ocasiones para la revista Vogue y también hizo retratos de celebridades que incluso eran influencias para él, como Andy Warhol (Artista plástico estadounidense).

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 Ante tales temáticas, las críticas y la censura por parte de las personas conservadoras de la sociedad estadounidense no se hicieron esperar, incluso la Corcoran Gallery of Art (la institución cultural privada más grande Washington D.C.) quien ya había autorizado la exposición individual de Mapplethorpe, se negó a exhibir las imágenes en sus instalaciones tras ver su contenido. Después de que la Corcoran Gallery of Art rechazara la exposición, la comunidad de artistas de Washington ofreció una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de esta institución.

 Lamentablemente Robert Mapplethorpe contrajo el virus del VIH y murió por complicaciones derivadas de SIDA a los 42 años. Aproximadamente un año antes de su muerte creó  Robert Mapplethorpe Foundation con la intención de promover a nivel mundial su patrimonio y ayudar a la lucha contra el VIH y el SIDA.

 

 

 

 

 

 

 

Trainspotting: la novela de Irvine Welsh

Cuando escuchamos la palabra Trainspotting puede que sea totalmente ajena a nosotros o que nos obligue automáticamente a recordar aquella película de 1996 dirigida por Danny Boyle, la cual muestra las aventuras y desventuras de un grupo de heroinómanos procedentes de Edimburgo: Mark Renton, Sick Boy, Spud, Francis Begbie y Tommy (Begbie solo es alcohólico y Tommy se vuelve consumidor tiempo después): seis individuos que tienen como única preocupación el saber cuándo y cómo será su siguiente dosis.

Escena de la película de Danny Boyle
Escena de la película de Danny Boyle

 Entre todas estas peripecias se ven los intentos fallidos por dejar la heroína, la depresión y síndrome de abstinencia que puede generar el “estar limpio”, lo frecuentes que son las sobredosis, el riesgo de contraer SIDA y su poco o nulo interés por llevar una vida de mejor calidad.

 En los últimos años se ha convertido en una película de culto entre jóvenes y adultos; en su momento causó escándalo la forma tan cruda en que se muestra el mundo de las adicciones y toda consecuencia que genera el pertenecer a tan nocivo gremio. A pesar de lo realista que pueda ser la película (sin dejar de lado que es una excelente adaptación que incluso fue llevada al teatro) el libro lo es aún más.

 La mente detrás de toda esta crudeza relatada en cada una de sus historias es el escritor Irvine Welsh —quien cuenta con una breve aparición en el film—, de origen escocés, al igual que sus personajes. 

Trainspotting originalmente fue lanzada en entregas semanales en la revista literaria Rebel Inc. (1991). Posteriormente, en 1993, se recopiló y publicó el libro completo. A pesar de la indignación que generó, las malas críticas y el poco éxito augurado, significó el salto a la fama del autor y que éste se hiciera de un sinnúmero de seguidores. Incluso hoy en día es novela más vendida de Welsh.

Portada del libro de Irvine Welsh
Portada del libro de Irvine Welsh

 El título hace referencia al pasatiempo de ver trenes, y a la vez es un juego de palabras para denominar el inyectarse heroína. El libro tiene un lenguaje poco rebuscado pero está lleno de modismos escoceses, que conforme avanzan los capítulos son explicados, además de que en diversas ocasiones hace alusión al fútbol (al cual Welsh y sus personajes son aficionados), la música del momento y películas o actores. Las historias son  mayormente narradas desde la perspectiva de Renton (personaje principal, que al igual que Spud o Sick Boy  aparecen en otros libros del mismo autor, como Porno, secuela de Trainspotting, y Acid House) que de todos los personajes es el más consciente de su dura realidad.

 El futuro es algo impensable y muy poco o nada va a cambiar estando en Edimburgo, en ese lado de la ciudad que no aparece en los festivales, en la capital de la desocupación, la prostitución y el SIDA. Todo esto no es narrado de forma solemne, sino a través de un humor negro y chusco con historias deliberadamente entrelazadas para atrapar al lector.

Ve la película aquí, y conoce más acerca de Irvine Welsh.

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

Escena de la película de Danny Boyle

Francia sin censura: Anouk Deville

Actualmente existe una gran cantidad de talento emergente en todas las áreas del arte, pero específicamente la fotografía es una de las ramas que más adeptos tiene, entre aficionados y fotógrafos profesionales. Esto se debe a la inmediatez que ofrece tanto para realizarla como para promocionarla gracias a las redes sociales. Lo anterior resulta específicamente con la fotografía digital, pero en lo que a fotografía análoga respecta es más largo, costoso y complejo el proceso tanto para producirla como para darla a conocer. Aún hoy en día existen fotógrafos que realizan su trabajo de forma análoga, y que en medio de la tecnología, consiguen digitalizar su material sin perder la calidad de éste, además de tener la posibilidad de añadir detalles y retoques sin tener que pasar horas en el cuarto oscuro.

 Entre ellos se encuentra Anouk Deville, una joven fotógrafa de origen francés que a pesar de su corta trayectoria en el medio del arte ya cuenta con diversas exposiciones tanto personales como colectivas en su país. Su obra basada sobre todo por el uso de blanco/negro y altos contrastes, evoca nostalgia, vacío, soledad y como ella misma lo describe: las imágenes son “crudas, duras y precisas.”

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“Poner  el propio cuerpo de vez en cuando produce que el fotógrafo se vea así mismo contra la opacidad del mundo” A.D.

 Bien podría ser considerada como una mezcla entre Nan Goldin y Robert Mapplethorpe ambos fotógrafos —, por la constante presencia de manchas de sangre, violencia, adicciones, sadomasoquismo y  transexualidad. Pero a pesar de todas estas similitudes, Anouk hace uso de otros recursos como la vejez, el abandono, los pies agrietados y una serie de autorretratos en donde expone su entorno a la vista del espectador, marcando de este modo una fuerte línea de trabajo, al que se considera como osado y sin temor a la censura. A diferencia de otros fotógrafos que fueron víctimas de esta forma de expresión, al hacer imágenes de la misma índole, Anouk ha podido ser libre de mostrar su propia visión del mundo, gracias a la apertura que permite internet en general, y no sólo en su país, sino hasta el otro lado del mundo.

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Échale un vistazo a todo el trabajo de Anouk aquí.