Guía: Lo que debes saber de FICUNAM 2015

 

Podríamos narrar su historia de vida en retrospectiva y encontrar constantes que se han erigido como rasgos característicos del festival, cualidades que de a poco han conformado la personalidad de uno de los encuentros cinematográficos más formales y propositivos que podamos encontrar en el cuadrante.

El Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) es tan joven como arriesgado. En más de una ocasión ha sido descalificado por lo poco incluyente de los títulos que comprenden su programación, aunque más bien podría asumirse como evasión a la condescendencia, apelando así a la audacia del intelecto de su público, dirigiéndose a un cúmulo de espectadores que sabe capaces, competentes.

Realizadores de cosmovisiones relativamente familiarizadas con la nuestra, de origen estadounidense y francés, hasta artífices de idiosincrasias y discursos —cinematográficos, sociales, políticos— sumamente lejanos a nuestras realidades, de nacionalidades francesa, tailandesa, lituana, japonesa, kazaja y belga, han sido motivo de retrospectivas, programas especiales y su obra, objeto de profundo estudio analítico en las distintas jornadas de actividades de FICUNAM.

La riqueza de dicha pluralidad es atribuida a la directora, Eva Sangiorgi (Italia), quien también ejerce como programadora, secundada por Roger Koza (Argentina) y Sébastien Blayac (Francia). Estos tres individuos, con presencia en festivales de cine de distintas partes del mundo, poseen un extenso panorama del quehacer cinematográfico mundial que, en conjunto, alcanzan notables resultados, mismos que año con año logran la solidez en la oferta del citado certamen.

2015 es el año en que FICUNAM alcanza su primer lustro de vida y, como tal, amerita una celebración en grande. A continuación te precisamos los pormenores de lo que debes saber.

¿Cuándo?

Los días de vida del Festival en la ciudad correrán del 26 de febrero y hasta el 7 de marzo.

¿Dónde?

La lista de sedes incrementa año con año. Las salas de cabecera son las cinco ubicadas en el Centro Cultural Universitario (Miguel Covarrubias, Juan Ruiz de Alarcón, Julio Bracho, José Revueltas y Carlos Monsiváis), aunque fácilmente podrás encontrar algún spot que mejor te acomode, de acuerdo al punto de la ciudad en que te encuentres.

FICUNAM tendrá proyecciones en el Auditorio IFAL, Centro de Cultura Digital, Cine Tonalá, Casa del Lago, Cinematógrafo del Chopo, Casa del Cine, Cinépolis Diana, Cineteca Nacional, en las cuatro Fábricas de Artes y Oficios (FAROs) —Oriente, Milpa alta, Tláhuac e Indios Verdes—, así como algunas funciones especiales en espacios como el estacionamiento 4 del CCU (Autocinema), el Auditorio del Museo de Antropología, el Museo de Numismática Nacional y Plaza Loreto, en el centro de la ciudad.

Proyecciones

Durante esta quinta edición se exhibirán 137 títulos, de los cuales 4 son estrenos mundiales, 7 estrenos internacionales, 47 estrenos latinoamericanos, 45 estrenos mexicanos y 10 estrenos en la ciudad de México.

Secciones de Competencia

Competencia internacional: Se integra por directores relevantes de la cinematografía mundial. Compiten desde afianzados autores hasta cineastas en ascenso. Podrás encontrar títulos de origen brasileño, alemán, kazajo y uno representante de México.

Ahora México: Exhibe el trabajo de calidad de origen mexicano. Se proyectan estrenos mundiales de cine independiente nacional, por tanto, es un escaparate de las nuevas tendencias cinematográficas gestadas en el país.

Aciertos. Encuentro de Escuelas de Cine: Como su nombre lo indica, es un espacio dedicado a la muestra del trabajo de estudiantes de cine de Iberoamérica. Se dan cita producciones tanto de escuelas del interior del país (Universidad de Guadalajara, CCC), hasta piezas de Brasil (Universidade Federal Fluminense), Portugal (Escola Superior de Teatro e Cinema) y Argentina (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica).

Secciones Fuera de Competencia

Manifiesto Contemporáneo: Dedicado al trabajo de los grandes artífices activos de la cinematografía mundial. En esta ocasión se reúnen producciones de Francia, Portugal y Filipinas, entre otras coproducciones.

El Porvenir: Es un espacio dedicado a los autores en formación que, con su trabajo, construyen el “cine del futuro”. Es en donde se proyectan las apuestas más ambiciosas del Festival. Para 2015 se enlistan largometrajes de orígenes alemán, estadounidense, argentino y francés, entre otras coproducciones.

 

Retrospectivas

Sin duda una de las cartas fuertes y más atinadas del Festival a cada una de sus ediciones. En esta ocasión se tendrán cuatro, en torno a cinco realizadores.

Sergei Loznitsa: De origen ucraniano, se formó en las ciencias exactas (Matempaticas y Ciencias) antes de estudiar Cine de manera formal. Principalmente enfocado a la corriente documental y con apenas un par de largometrajes. La retrospectiva contará con 17 títulos y el realizador estará presente en diversas funciones para conversar con el público.

Raymonde Carasco y Régis Hébraud: Ella, historiadora y filósofa; él, fotógrafo y editor. Su obra destaca por el hecho de que ambos realizadores, de origen francés, llegaron a México en busca de aquel atractivo que Eisenstein y Antonin Artaud habían encontrado aquí. Dicha indagación se aterrizó dentro de un enfoque 100% antropológico, culminando en un testimonio gráfico que documenta el modo de vida, rituales y tradiciones de la cultura tarahumara. La retrospectiva contará con 19 títulos y Régis Hébraud estará presente en algunas funciones.

Carlos Mayolo: De origen colombiano, de Caliwood. Sumamente aclamado en su país aunque difícilmente reconocido fuera del mismo. Su filmografía, de corte documental, empodera la marginación social latinoamericana como motivo de curiosidad y asombro dignos de llenar las pantallas de cine de países europeos, acuñando así el término «pronomiseria». La retrospectiva contará con 10 títulos y Luis Ospina, también de origen colombiano y quien dirigiera varias películas al lado de Mayolo, estará presente en el Festival.

Ali Khamraev: Uzbeko, y citado como uno de los grandes sobrevivientes de la Nueva Ola de Cine Soviético. Su trabajo fue filmado, principalmente, en la década de los sesenta. Desde entonces y hasta ahora, ha incursionado en la comedia romántica, el melodrama, el drama realista y el político. La retrospectiva contará con ocho títulos y con la presencia del citado director.

En el marco de la quinta edición de FICUNAM habrá también funciones especiales, un programa especial de cortometrajes para niños, conferencias magistrales, mesas de discusión y presentaciones de libros.

La oferta de actividades es amplia, y realmente dista mucho de lo que puedas hallar en otro lugar. Año con año, FICUNAM refrenda su status de osadía y vanguardia al traer a la ciudad una curaduría de títulos auténticamente inéditos, con nula distribución en el país, logrando así la apertura de brechas y creación de puentes de oportunidad que más tarde comienzan a verse reflejados en la creciente pluralidad de los espacios alternativos de exhibición cinematográfica.

Sin más que la evidente y calurosa invitación a atender la cita fílmica de la Universidad, te dejamos con el cineminuto oficial.

| Para más información consulta el sitio oficial, o descarga la aplicación oficial del Festival, disponible en tiendas digitales

#Oh10 : Ambulante 2015

El pasado lunes 19 de enero, luego de una conferencia de prensa, se dio a conocer la programación completa de la próxima edición de Ambulante, la conocida gira de documentales.

 La imagen de este año, por demás minimalista en colores naranja, blanco y negro, está acompañada de la leyenda #Oh10, esto con intención de aludir al asombro, la temática elegida como hilo conductor para el cúmulo de producciones previstas a proyectarse en varias sedes de distintos estados del interior de la república, además del primer circuito destinado a recintos ubicados en el DF.

 Celebrando su décima edición en este 2015, Ambulante reúne 140 títulos —78 largometrajes y 62 cortometrajes—, provenientes de 27 países, que estarán divididos en las distintas secciones propias del festín fílmico.

 

  • Reflector

    10943204_10205298483238656_1841954697_n

Son películas que han sido aclamadas por audiencia y críticos a su paso por diferentes festivales de todo el mundo, lo que las vuelve más atractivas y de interés general. Entre su selección se encuentran Jodorowsky’s Dune (dir. Frank Pavich), documental sobre la película que el realizador chileno nunca terminó; The Salt of the Earth (dir. Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado), presentada en el 12º Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y nominada al premio Oscar como Mejor documental, además de Is the man who is tall happy?: An animated conversation with Noam Chomsky, último trabajo de Michel Gondry.

 

  • Pulsos


Sección que agrupa lo más reciente de la producción documental en México. En esta ocasión se incluyen, entre otros, El Palacio (dir. Nicolás Pereda) presentado en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su edición de 2014, además de Ausencias (dir. Tatiana Huezo), de la joven realizadora salvadoreña que sería reconocida con el Ariel a Mejor Largometraje Documental por El lugar más pequeño, su ópera prima.

 

  • Observatorio


Resulta un abanico de nuevas perspectivas al conjuntar documentales de vanguardia de distintos rincones del mundo. En esta edición estará compuesta por trabajos de Polonia, Suecia, Estados Unidos, Dinamarca, Finlandia, Países Bajos, Bélgica y Chile.

 

  • Dictator’s Cut


Se enfoca en temáticas como los derechos humanos, la libertad de expresión y distintas problemáticas vinculadas a la censura. Incluye un documental mexicano, una producción sudamericana presentada en colaboración con DocsDF, además de Citizenfour (dir. Laura Poitras), pieza también nominada a Mejor documental para la próxima entrega de los premios Oscar. Además, Demonstration / Manifestación (dir. Victor Kossakovsky), será la película inaugural de la gira en la Ciudad de México.

 

  • Injerto


Se trata de 4 programas diferentes: Proyecciones, Arquitecturas, Ópticas y Ánimos.
Cada uno de ellos se conforma de distintos cortometrajes que, en conjunto, implican «un diálogo entre el arte contemporáneo y el cine». Se incluyen producciones del Reino Unido, Bélgica, Alemania, México y Estados Unidos.

 

  • Sonidero


Quizá de las secciones más queridas por lo digerible de su contenido. Conjunta producciones relacionadas con el entorno musical. #Oh15 incluye documentales de Björk, Pulp, Daniel Johnston, Juan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, entre otros.

 

  • Ambulantito


Son producciones —en su mayoría animaciones— destinadas al público infantil y adolescente. El típico “para jóvenes y no tan jóvenes” que incluye a quienes no somos tan pequeños pero sí entusiastas de este tipo de trabajos. Se divide en tres programas de distinta temática, además de incluir The Dam Keeper (El guardián de la presa, dir. Robert Kondo, Dice Tsutsumi), producción estadounidense de 2013 nominada en los premios Oscar como Mejor Cortometraje Animado.

 

  • Enfoque


Dividido en seis programas —Ritual y Cine-trance, Mirar lo invisible, Autoetnografías, El Sexto Sentido, Umbrales Sensoriales, y El tren de las Experiencias—, enlista documentales relacionados con la etnografía y la antropología.

 

  • Retrospectiva


Este año, Ambulante destaca el trabajo de Agnès Varda mediante una retrospectiva a su obra fílmica. Cineasta clave de la llamada Nueva Ola Francesa (Nouvelle Vague) que ha experimentado con todo tipo de géneros, convirtiendo el quehacer cinematográfico en un trabajo artesanal. Esta retrospectiva, a la que bien vale la pena echarle un ojo, se conformará de diez programas distintos.

 

  • Imperdibles


Tal cual. Eventos especiales que incluyen lanchas en el Bosque de Chapultepec, rodadas en bici, funciones al aire libre o danza. Ciclos y maratones, mesas redondas y clases magistrales. Proyecciones de documentales ya conocidos y consentidos del público —Pina (dir. Wim Wenders), Searching for Sugar Man (dir. Malik Bendjelloul), Exit through the gift shop (dir. Banksy), entre otros—. Intervenciones de arte urbano y talleres. El cine interrelacionado con distintas disciplinas para lograr un ambiente más incluyente.

***

 Ambulante estará activo en el Distrito Federal desde el 29 de enero y hasta el 12 de febrero, en una larguísima lista de sedes divididas en cuatro circuitos que abarcan a lo largo y ancho la ciudad para, posteriormente, continuar con la gira que llegará a Guerrero, Morelos y Puebla en febrero; Veracruz, Zacatecas, Coahuila y Michoacán en marzo; y Chiapas, Jalisco, Baja California y Oaxaca en abril; además de las paradas especiales con piezas de su programación como parte del Festival Vive Latino y Cumbre Tajín.

 Estamos a poquitos días del inicio del primer festival de cine de 2015 y no puedes dejar pasar la oportunidad de deleitarte con su amplia oferta de contenido audiovisual. Te dejamos con el tráiler de Ambulante, Gira de Documentales 2015.

Para más información, puedes consultar el sitio oficial del Festival.

Ambulante en Vive Latino 2015

Hace unas semanas se dio a conocer el cartel completo del festival Vive Latino para su edición número 16, próxima a llevarse a cabo en 2015. Decenas de bandas distribuidas en los tres días de duración de este evento, del 13 al 15 de marzo.

 Sin embargo, aunque el hecho de que se reúnan proyectos nacionales e internacionales es, como tal, la meta primordial y el objeto de la realización de un evento de esta magnitud, se convierte también en motivo de congregación de distintos círculos y disciplinas que convergen en la misma línea temática: la música.

 Ejemplo de ello es el trabajo en conjunto que Vive Latino ha desarrollado con Ambulante, evento cinematográfico enfocado de lleno a la difusión de material documental, cuyas proyecciones circulan a lo largo de distintas sedes en todo el país durante meses. Ambulante hace una parada especial dentro de un espacio que poco a poco se ha ido incrementando y consolidado durante su participación activa en el marco de este Festival.

 La llamada Carpa Ambulante es considerada ya parte de la tradición del Vive Latino, y ofrece una distinguida lista de títulos particularmente dirigidos a los amantes del mundo de la música, público asiduo que también ha forjado en sus proyecciones dentro y fuera de los días que dura el festival. A continuación te presentamos la selección que esta gira de documentales ha destinado para proyectarse en los tres días del Vive Latino:

 

20 000 Days on Earth (20 000 días en la Tierra)

Dir.: Iain Forsythy y Jane Pollard

Es una producción de 2014 que retrata un poco de la vida cotidiana del músico australiano e ícono contemporáneo Nick Cave. Es etiquetado como docu-drama puesto que, pese a tratarse de un documental, se combina con una ficción cuya particularidad es que fluye sin guion alguno, por lo que el producto final resulta poco más provocador al crear del propio Cave un personaje en sí mismo. Se muestran parte de sus procesos creativos y hay apariciones de figuras importantes en la vida del artista, como Kylie Minogue, quien fuera pareja del también actor.

 

A Band Called Death (Una banda llamada Death)

Dir.: Jeff Howlett y Mark Covino

En uno de los pósters que promociona este documental, se lee: “Before there was punk, there was a band called Death” (“antes de que hubiera punk, hubo una banda llamada Death”). Situado en la década de 1970, narra la historia de una banda llamada así, Death, conformada por tres hermanos adolescentes que lograron grabar un single y hacer algunas presentaciones, pero debido al auge de la música disco en aquella época, su proyecto padeció el (des)atino de adelantarse a su tiempo, y se disolvió antes de lograr grabar un álbum. Death recibe hasta ahora la atención y reconocimiento que no le fueron concedidos antes, y es nombrada como la verdadera banda pionera del género.

 

Björk: Biophilia Live (Björk: Biophilia en vivo)

Dir.: Peter Strickland y Nick Fenton

En poco más de hora y media de duración se registra uno de los recitales que tuvo lugar en Londres y que fue parte del tour que trajo consigo la última entrega discográfica de Björk llamada precisamente, Biophilia, en 2011. Queda de manifiesto la sublime esencia de la descomunal artista islandesa, y hace al público parte de la atmósfera que crea sobre el escenario, con estrafalarios vestuarios, armioniosos juegos de luces y aquella inconfundible voz de fondo.

 

The Devil and Daniel Johnston (El diablo y Daniel Johnston)

Dir.: Jeff Feuerzeig

La vida de Daniel Johnston, artista maníaco-depresivo, parece destinada a las caídas y los tropiezos. Esto, a la par de su padecimiento de bipolaridad, es en gran parte responsable del talento que el estadounidense ha desarrollado desde joven, participando activamente en el cine y la música, además del dibujo. Un retrato de Johnston que muestra cómo la locura puede ser perfecta compañera de la lucidez creativa. Una suerte de alterego, tal y como lo sugiere el propio título de este documental, en circulación desde 2005.

 

 Everything Will Change (Todo va a cambiar)

Dir.: Justin Mitchell

¿Quién no habrá escuchado aquella memorable canción llamada Such Great Heights? Parte del álbum Give Up, de The Postal Service y firmado bajo el sello discográfico Sub Pop. Pese a la popularidad adquirida, esa fue la primer y única placa que materializó el grupo integrado por Benjamin Gibbard (Death Cab for Cutie), Jimmy Tamborello (Dntel) y Jenny Lewis. La mayoría de sus nuevos fans nunca pudieron verlos en vivo por lo que, para celebrar la primera década de vida del mencionado álbum, la disquera lanzó una versión extendida y la banda se reunió para salir de gira alrededor del mundo. Este documental muestra entrevistas íntimas y material de archivo tras bambalinas.

 

For Those About to Rock: The Story of Rodrigo and Gabriela

Dir.: Alejandro Franco

Este documental, dirigido por uno de los periodistas musicales actuales más reconocidos, cuenta el ascenso del dúo de músicos independientes. Es la historia de Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero, mexicanos que a temprana edad decidieron tomar el riesgo de perseguir sus sueños y vivir haciendo lo que más aman: música. Un inspirador y extenso viaje que les ha llevado a tocar desde en hoteles y restaurantes, hasta en algunos de los escenarios y festivales más importantes del mundo.

 

Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky (¿Es feliz el hombre que es alto?: una conversación animada con Noam Chomsky)

Dir.: Michel Gondry

“Un filme, un documental, una conversación”. La más reciente producción de Michel Gondry presenta una serie de entrevistas con el lingüista y filósofo Noam Chomsky. Es un documental animado que, con la ayuda de alucinantes y coloridos dibujos —creados por el propio realizador francés—, construye un retrato de Chomsky como profesor eminente y como hombre común. Una conversación hasta cierto punto compleja, donde la creatividad y la imaginación sirven para suavizar el rigor intelectual.

 

Last Days Here (Últimos días aquí)

Dir.: Don Argott y Demian Fenton

Bobby Liebling lleva 36 años definiendo qué es el hardrock a través de su banda Pentagram. Momentos de autodestrucción, conflictos entre sus miembros e infructíferos acuerdos con disqueras parecen haber condenado a la banda a la oscuridad musical. Después de pasar décadas escondido en el sótano de sus padres, por fin la música de Bobby es descubierta por la escena underground del heavy metal. Con la ayuda de Sean “Pellet” Pelletier, su amigo y manager, Bobby lucha por vencer a sus demonios.

 

Living Stars

Dir.: Mariano Cohn y Gastón Duprat

En Buenos Aires, Argentina, se documenta a decenas de personas reales, de todas las edades e identificadas con su nombre y profesión, bailando en espacios cotidianos de la ciudad sudamericana. Los dos realizadores de esta producción viajaron con su cámara al hogar de diversas personas, y les pidieron que escogieran una canción y la bailaran durante el tiempo que durara. Secretarias, administradores, instructores de judo, dentistas, estudiantes y niños bailan frente a la cámara, dando como resultado un documental poco convencional y sin diálogos.

 

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets (Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados)

Dir.: Florian Habicht

Estrenado en México en el marco de la pasada edición del Festival de Cine de Guanajuato, el documental de la banda liderada por Jarvis Cocker cuenta la historia detrás de una de las presentaciones de la agrupación que tuvo lugar en Sheffield, en 2012. Este lugar que, junto con la banda es “uno mismo”, según el propio Cocker. En este material audiovisual se incluyen entrevistas a los fans en espera del mencionado recital, además de pequeños gestos que precisan con dedicación la esencia PULP.

 

Serrat y Sabina: el símbolo y el cuate

Dir.: Francesc Relea

La historia da incio junto al mar y continúa en un viaje sigue a los dos artistas, cómplices y amigos, a la par de Dos pájaron contraatacan (un tipo de “secuela” de la gira Dos pájaros de un tiro, que tuviera lugar previamente, en 2007), gira que desarrollaron en conjunto ambos artistas, en 2012. “Serrat es el símbolo. Viaja por América Latina desde hace 45 años. Además de la huella que dejó en su exilio mexicano, en Argentina y Chile sigue vivo el recuerdo de su compromiso contra los regímenes militares (…) Sabina es el cuate: el amigo, el colega, el cómplice para los mexicanos”

 

Supermensch: The Legend of Shep Gordon (Supermensch: la leyenda de Shep Gordon)

Dir.: Mike Myers.

Mike Myers aborda la carrera de un íntimo conocedor de Hollywood, el talent manager Shep Gordon. Tras aparecerse y adentrarse en el mundo del entretenimiento, Gordon hace amistad con Janis Joplin, Jim Morrison y Jimi Hendrix, y fue manager de Alice Cooper, Blondie, Luther Vandross, Teddy Pendergrass y Pink Floyd… por nueve días. El documental acecha la transformación de dicho personaje desde su época de hedonismo en la década de los 60, hasta el practicante religioso que se ha convertido ahora.

 

We Don’t Care About Music Anyway (De cualquier forma la música no nos interesa)

Dir.: Cédric Dupire y Gaspard Kuentz

Desde un  tornamesas, pasando por innovación musical desde una laptop y a través del robo o sampleo de música clásica, la escena avant-garde musical de Tokio confronta música y ruido, sonido e imagen, realidad y representación, documental y ficción. Esta producción muestra cómo más allá de la música y de su interpretación, el futuro y modo de existir de una ciudad, y de su sociedad en sí, está en su movimiento.

Ambulante, que en ediciones anteriores del Vive Latino ha agasajado a sus consumidores visuales con joyas como Blur: No Distance Left To Run y The Libertines: There Are No Innocent Bystanders en 2012, The Chemical Brothers: Don’t Think y Searching for Sugar Man en 2013, y Peaches Does Herself y The Punk Singer, deja altas expectativas tras revelar su selección para 2015. Ya, que llegue marzo.

 

| Para más información, consulta:

Ambulante

Vive Latino

Programa Vacacional UNAMuseográfico

Si hay algo que verdaderamente disfrutamos quienes nos quedamos en la ciudad durante los períodos vacacionales, es la vida casi surreal que dejan tras de sí los desertores de la rutina urbana. Disminución de tránsito, calles vacías, lugares esperando ser visitados, y una quietud que logra que incluso le tomemos cariño al transporte público; todo esto al menos por casi tres semanas, hasta que la apabullante realidad llega a romper la burbuja.

 Y será un cliché decir que “la ciudad nunca duerme”, pero es cierto, y en una tan diversa como es la nuestra, no hay duda alguna de que encontraremos una muy nutrida lista de cosas por hacer.

 En lo que a nosotros respecta, la causa cultural, proponemos la visita de cinco recintos —todos ellos parte de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)— con más de una decena de exposiciones y actividades, que permanecerán en funcionamiento durante el periodo vacacional de invierno para deleite de los asistentes.

 Cabe mencionar que además de la amplia oferta cultural, habrá un periodo de entrada libre a dichos museos (del 16 de diciembre al 6 de enero). El Antiguo Colegio de San Ildefonso será el único que mantendrá su tarifa habitual.

Dirección: Sullivan 43, Col. San Rafael

 Ubicado en la zona centro de la ciudad, abre sus puertas para la visita de En hombros de gigantes, muestra dividida en dos secciones que se exhibe con un tipo de montaje que se retoma de Lina Bo Bardi, destacada arquitecta italo-brasileña. Consiste en cubos de concreto que soportan, a través de vidrio, las obras de arte de quince autores mexicanos y estadounidenses de creciente popularidad en los últimos años: Julieta Aguinaco, Alfredo Echeverría Ripstein, Taka Fernández, Alex Hubbard, Mathieu Malouf, Tania Pérez Córdova, Ricardo Rendón, San Gil, Melanie Smith, Juan Tessi, Fabiola Torres, Germán Venegas, Luis Alfonso Villalobos, Boris Viskin y Beatriz Zamora.

 

Dirección: Justo Sierra 16, Col. Centro

 En este recinto de invaluable valor histórico suele ser común encontrar más de una exposición presentada dentro de las múltiples salas ubicadas en sus tres pisos destinados al público. Actualmente podemos encontrar, además de su acervo mural siempre disponible para los visitantes, la obra del artista inglés Michael Landy, y los soviéticos Ilya y Emilia.

 Santos vivientes, por Michael Landy, se trata de una muestra en la que, literalmente, el arte cobra vida. El conjunto de ejemplares que se muestran al público consiste en esculturas inspiradas en obras de santos renacentistas, elaboradas con material de desecho y destinadas a la interacción lúdica con el espectador.

 Por otra parte, Angelología: utopía y ángeles, es una exposición poco más reflexiva que toma la figura aquella de los seres alados como contraste a la materialidad de nuestro mundo, como entes de creatividad y subjetividad, como guía y motivo de aspiración a un estado de elevación individual y colectiva. Las piezas de la instalación son ejemplares de pintura, fotografía, maquetas y arte-objeto, entre otros.

 

Dirección: Insurgentes 3000

 Caracterizado por la suma versatilidad de las exposiciones que cobija, el MUAC ofrece un abanico de seis opciones para sus visitantes en este periodo vacacional.

 De ida y vuelta. Lance Wyman: íconos urbanos muestra una colección de la obra del diseñador estadounidense como arquetipo del posicionamiento de la cultura visual en nuestros días. Ejemplifica con bocetos y fotografías la manera en que su propuesta artística ha permeado en el entorno social y cultural para convertirse en referente capaz de emitir un mensaje descifrado bajo un lenguaje totalmente propio.

 La exposición Teoría del color resulta del desenlace de una investigación acerca de la producción de arte contemporáneo durante los últimos 10 años, en la que artistas de diversas edades y nacionalidades —Sudáfrica, Alemania, Estados Unidos, México, Venezuela, Bélgica, Francia, Perú, Argentina, Brasil y España— ahondan en el tema del racismo.

 Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno, así, nombrada cual línea de canción de Calle 13, se trata de un montaje de ejemplares multidisciplinarios como escultura, video y pintura, que encapsulan el periodo actual de la actividad artística de creadores jóvenes, nacidos después de 1985. Se pretende mostrar la manera en que los artífices contemporáneos, cada cual en su entorno y realidad particulares, plasman en su obra cierta carga crítica hacia el México en el que vivimos hoy.

 Otras opciones para visitar dentro del MUAC son Pola Weiss. La TV te ve, Circulacionismo. Hito Steyerl y El derrumbe de la estatua. Hacia una crítica del arte público (1952-2014).

 

Dirección: Ricardo Flores Magón no. 1, Col. Nonoalco Tlatelolco

Este espacio cultural ofrece actualmente cinco exposiciones:

 El Museo de sitio Tlatelolco recorre la historia del lugar narrada a través de cerca de 400 piezas halladas en lo que fue la ciudad prehispánica de México-Tlatelolco. Con ellas interactúan elementos gráficos, audio y videos, así como propuestas del tipo de instalaciones artísticas, espacios para la experimentación científica y elementos tecnológicos que enriquecerán la visita.

 El Memorial del 68 es un espacio simbólico que se destina a la reflexión del público sobre los sucesos vividos durante el verano de aquel año en nuestro país. Conceptos como injusticia, protesta, violencia y los derechos humanos son temáticas que nos llevan a la construcción de la memoria colectiva sobre la historia reciente México.

 Hacia los márgenes. Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposiciónes una exposición temporal que muestra imágenes capturadas por este retratista que siguen la línea temática de la propaganda política vista desde el enfoque de la corrupción, los fraudes, la ilegalidad y la violencia social durante las décadas de los 40 y 50.

 También puedes visitar Colección Stavenhagen Sietedecatorce: proyectos del programa de estudios curatoriales de la UNAM.

CCU-TLATELOLCO

 

Dirección: Dr. Atl no. 37, Col. Santa María la Ribera

 Parte de una de las colonias más entrañables de la parte norte de la ciudad, el Museo del Chopo suele ser anfitrión de eventos musicales, cinematográficos y multidisciplinarios durante todos los días del año. En esta ocasión prepara para su público la exhibición de cinco muestras distintas:

 Transcripciones parte de la obra de Salvador Elizondo, escritor mexicano que supo insertar en su literatura el cine, la fotografía y las artes visuales, dejando atrás los convencionalismos del gremio durante el siglo XX. Esta exposición reúne el trabajo de artistas mexicanos que cuestionan el lenguaje a través de su manifestación en la escritura y tiene como objetivo mostrar las maneras en que los artistas contemporáneos se han aproximado al quehacer de la escritura.

 Obra de la mexicana Georgina Bringas, Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra sostiene la hipótesis de que todo se encuentra en movimiento constante, por lo que el arte debe continuar moviéndose de la misma manera, en el plano temporal y en el espacial.  y Horror en el trópico.

 En la instalación Colaboraciones forzadas, el artista Santiago Merino presenta una intervención en la ubicada dentro del propio edificio que alberga el museo. Consiste en un monocromo hecho con vinil reflejante ubicado de manera esratégica de manera que los visitantes puedan observar, reflejada, la arquitectura original del inmueble.

 También puedes visitar Correrías sin prisa. Las nuevas aventuras de Lázlo Lózla y La Banda Sin Fin y Horror en el Trópico

 

 Sur, centro y norte. De entrada libre y con baja afluencia. Ahora sí no habrá pretextos que justifiquen el no darse una escapada a checar estas exposiciones que reúnen ejemplares de artistas de todo tipo, mucho de ellos montados en México por primera vez . Te recomendamos consultar los horarios, fechas y actividades de cada uno de los Museos.

MAHO: el arte de florecer

La inspiración, como sucede muchas veces, apareció de la nada. A finales de octubre de 2013, el escultor botánico de origen japonés Azumo Makoto vino a México en el marco de las actividades del Abierto Mexicano de Diseño. Además de impartir un taller, realizaría la instalación de un conjunto de esculturas florales gigantescas situado en la Alameda Central. Ella presenció la elaboración de dicho montaje sin imaginar que ése sería motivo de un entusiasmo tal, que le llevaría a comenzar una etapa nueva, espontánea, imprevisible y llena de satisfacciones.

 «Algo vibró en mí» es como lo explica María, y fue así que en las flores vislumbró la motivación que no buscaba, pero acogió como empuje de crecimiento a nivel personal y profesional. Como si se tratara de un arranque incontenible que de pronto despertó, María abandonó lo que tenía seguro en aquel entonces y se aventuró de lleno a emprender ese inquietante viaje de pétalos y sépalos, con destino incierto.

 Su visión, determinada pero aún poco orientada, la orilló a comenzar una especie de bitácora herbolaria diaria en noviembre de ese mismo año, apenas unas semanas después de aquella eclosión producida por Makoto. «En ese momento me sentí muy plena, y dije “creo que  esto es lo que quiero sentir por un buen rato”». Compró decenas de plantas, de todos los tipos y colores, adaptó una terraza  como hogar temporal de esa flora y sólo así, y acompañándose de libros, cuadernos y manuales, comenzó a aprender de manera autodidacta de ese universo natural, totalmente ajeno a ella hasta entonces.

 María tenía como experiencia previa la iniciativa de una pequeña empresa personal en venta de productos, Sandía, y, aunque continuaba en busca de solidificar este nuevo proyecto, sabía que quería dirigirlo hacia un rumbo distinto. «Más que querer un negocio como tal, me gustaba mucho la idea de ser la intermediaria en historias. Las flores eran como ser parte de una pareja, de algo; es ser parte de un momento en particular, y eso no se vende como mercancía. Cuando intentaba aterrizarlo, llegué a ese punto de entender que más allá de que fuera por solvencia económica o porque fuera algo mío, yo quería hacer feliz a otras personas. Sí, que reconocieran mi trabajo, pero que estuvieran contentos con algo que yo pudiera crear».

 Es allí que radica la esencia tan particular de lo que, al comenzar en su etapa temprana bajo el nombre de El Jardín de María, evolucionaría a la actual MAHO, esta pequeña firma de diseños florales al mando de María José Constantino, que está cumpliendo su primer año de vida. Ella, con preparación artística profesional en la actuación, involucra en este quehacer manual la pasión y sensibilidad que sólo se queda tras años en contacto directo con las artes.

«Cuando estoy por preparar algún pedido, yo lo veo como dibujándose imaginariamente, así como sucede con cada acorde o nota dentro de la música.
Y es que toda la música es bonita, y a mí todas las flores me parecen bonitas,
pero imagino las formas y colores que puedan gustarle a cada persona»

comenta María, la florista y feliz creadora de MAHO,
manera con la que se nombra como carta de presentación.

 

 Durante este primer año de trabajo activo de la firma, las flores de María se han esparcido en distintos tipos de eventos y dejado a su paso numerosas anécdotas para dichosa remembranza de la joven dueña y emprendedora. Eventos comunitarios, delegacionales y empresariales, participación con firmas discográficas, en fiestas anuales como las correspondientes al 14 de febrero o 10 de mayo, y cómplice en todo tipo de historias de amor —desde el encargo de un chico argentino para su novia en México, hasta la accidentada historia del ramo de novia que debió viajar del DF a Monterrey y de allí a su destino final, Cancún—, MAHO busca involucrarse, de lleno y de la manera más íntima posible, en cada suceso de que se hace partícipe.

 10 de diciembre es la fecha en que la flora de este jardín se engalana para celebrar a lo grande su primer aniversario, y MAHO sigue cultivando lo que sólo podría resultar de un trabajo constante, dedicado y adicionado con amor, que, en palabras de María, es la fuerza más grande e impetuosa que puede haber para dar rumbo a todo alrededor.

 Culmina el primer calendario de muchos en la vida de este mágico proyecto, con la certeza de un futuro próspero, nutrido por la dedicación de la batuta de María, pero en gran parte forjado por la convicción de sus compradores y de los seguidores amantes de la naturaleza que perciben el inequívoco cariño y empeño depositados en cada ejemplar expedido por MAHO

 

| Para ser parte de la experiencia MAHO, visita:

Facebook

Twitter

Instagram

Kichink

Amor, duda y clown: Perhaps, Perhaps… Quizás

Cuando el público comienza a ingresar al recinto, ella se encuentra ya en el escenario, como escondida, dentro de un pequeño refugio traslúcido que sólo permite entreverla junto a la tenue y cálida luz que emana una lámpara, mientras escribe y juguetea al comer fresas.

 Un sillón, un buró, un perchero, una mesa y un par de sillas. Montañas de papeles que acompañan el blanco de su atuendo, un vestido de novia, y el plato de frutos rojos.

 Es Greta, y un poco de su historia se explica al público, a manera de preludio, en un material visual silente que combina secuencias de video y cortinillas de texto. Se le mira soñadora y romántica, curiosa por conocer el amor. «… Su dolor era tan suave y discreto que sólo algunos alcanzaban a escuchar», se lee en las líneas del último cuadro.

 Perhaps, Perhaps… Quizás es un espectáculo teatral con algunas particularidades que le vuelven diferente en comparación con lo que usualmente puede encontrarse en cartelera. Se trata de una representación de estilo clown, y la protagonista, más allá de retomar sólo el rasgo característico del maquillaje que distingue esta corriente, se sirve de distintas técnicas de esta variación teatral, como la ausencia de lenguaje verbal, para desarrollar este montaje.

 En el cine, salvo que se trate de un hecho intencional, provocativo o estudiado por parte del director, los actores no suelen mirar directo a la cámara, o hablar dirigiéndose directamente a ella. En el teatro, usualmente, sucede lo mismo. Nos encontramos con escenas y pasajes hechos y aprendidos, actores que interpretan el rol que les toca, que dan voz a las líneas que leyeron en el libreto a cada ensayo, y que saben lo que sucederá al cuadro siguiente.

 Este caso es distinto, puesto que se explota en grande lo vivencial del arte teatral. Se disuelve por completo la llamada cuarta pared y se da uso pleno a la improvisación para que la actriz entre en contacto directo con los espectadores y les haga parte de su pieza; la soltura del desarrollo de la trama recae, en gran parte, en los presentes, por lo que lejos de ser simples espectadores, se convierten en actantes.

 Gabriela Muñoz es quien da vida a Greta, y es también la creadora —dirección, autoría y escenografía— de todo lo que conforma Perhaps, Perhaps… Quizás. Es quien presenta su testimonio de vida, temas universales que logran ser abordados a la perfección aún sin el uso del habla: amor —el propio y en pareja—, espera, ilusión, desencuentros, conexión y desentendimiento.

 Es la figura principal que lleva de la mano a la audiencia por distintas emociones a lo largo de apenas una hora de duración de cada representación. El público se vuelve menos tímido a medida que Greta se deja conocer, canta con ella, baila, ríe y se conmueve. Cada elemento, en suma, hace de cada función una experiencia distinta y auténtica.

 Lo que inició como una muestra improvisada de no más de siete minutos de duración, es lo que podemos ver actualmente como un producto final y sólido. Perhaps, Perhaps… Quizás es el resultado de años de gestación del proyecto de Muñoz, y que, hasta 2014 ha hecho un recorrido por países como España, Inglaterra, Brasil, Suecia y Estados Unidos.

 Al interior de México ha visitado foros de los estados de Yucatán, Querétaro, Puebla, Chiapas y San Luis Potosí. En la ciudad, ha sido acogida por espacios como Cine Tonalá, Sala Chopin, el Centro Cultural del Bosque y el Teatro Milán.

 Muñoz regresó recientemente a los escenarios como parte del Festival Internacional de la Risa, una serie de eventos de temática cómica, en la que trabajó junto a exponentes del clown tanto de México, como de Argentina, Uruguay, El Salvador y Estados Unidos. Once figuras presentando cerca de quince actos fue lo que conformó la Gala de Payasos el pasado 2 de diciembre, evento entrañable que logró combinar la risa y el clown, con títeres, danza, malabares, equilibrismo e incluso beatboxing, contagiando al público de la ingenuidad y capacidad de asombro poco a poco olvidados en estos tiempos.

 Ahora Perhaps, Perhaps… Quizás vuelve a un nuevo recinto para desarrollarse dentro de un ambiente distinto a los foros acostumbrados, y que seguramente le dará matices insólitos. Nada menos que MONO Bar será la residencia de Greta durante los miércoles y jueves del mes de diciembre. Para consultar más información, te dejamos las redes sociales del lugar.

«Long live the Clowns!».

 

Gabriela Muñoz: Twitter

MONO: Twitter | Facebook

NYFCC Awards 2014, o de posibles predicciones a los Premios Oscar 2015

Luego de la consumación de distintos festivales cinematográficos a lo largo y ancho del mundo, y durante todo el año, los últimos meses de éste se resumen a una especie de trance reflexivo que arroja como resultado el anuncio de la posible agrupación de cintas contendientes a la estatuilla de oro en sus numerosas categorías. Los premios Oscar: de dudosas tendencias, entendido cada vez menos como un galardón de prestigio, pero sin duda alguna una de las condecoraciones más afamadas.

 La lista definitiva —acordada por la propia Academia estadounidense, conformada por cerca de seis mil miembros entre actores, directores, productores, cinematógrafos y demás figuras de la industria— se da a conocer de manera pública en una ceremonia especial, para posteriormente llevar a cabo la respectiva premiación, evento magno de Hollywood, desarrollada en el marco de la popularmente conocida «Temporada de premios».

 Recientemente tuvo lugar la edición 2014 de la entrega de los New York Film Critics Circle (NYFCC, por sus siglas en inglés), ceremonia a cargo de la asociación estadounidense, fundada en 1935, que, debido a su proximidad a la mencionada ceremonia de los premios Oscar —a llevarse a cabo en la segunda mitad del mes de febrero de 2015—, y puesto que se desarrolló en el mismo país norteamericano, los resultados de dicha entrega aparecen como predicciones muy acertadas para la ceremonia de los Oscar.

En resumen:

 La ambiciosa Boyhood —distribuida en español como Momentos de una vida, cuyo rodaje se extendió por cerca de doce años, fue la acreedora al galardón a Mejor Película, al igual que su director, Richard Linklater, artífice de la trilogía compuesta por Before Sunrise (1995), Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013), fue premiado como Mejor Director.

Ethan Hawke participó de manera muy activa en todo el trabajo que implicó Boyhood, cinta de la que también es actor, interpretando el papel del padre del protagonista. La dupla Hawke-Linklater resulta infalible luego de la trilogía de mencionada anteriormente, con Ethan en el rol masculino principal.

 El premio a Mejor Actriz fue para Marion Cotillard por su participación en dos cintas: The Immigrant, largometraje en el que actúa junto a Joaquin Phoenix, y Two Days, One Night, producción belga de 2014, parte de la selección de Cannes y cinta incluida en la 57 Muestra Internacional de la Cineteca. Por su parte Timothy Spall como protagonista de la biopic del pintor inglés Joseph Mallord William Turner, fue galardonado como Mejor Actor.

 Ida, la sobresaliente cinta polaca dirigida por Pawel Pawlikowski, presentada en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato y también parte de la más reciente Muestra de la Cineteca, recibió el reconocimiento como Mejor Película Extranjera.

 La carismática cinta protagonizada por los curiosos juguetes de tez amarilla, The Lego Movie, fue premiada como Mejor Película Animada; mientras que el estéticamente intachable estilo del cine de Wes Anderson se hizo del premio de Mejor Guión por la cinta The Grand Budapest Hotel.

 Todos los anteriores son títulos ya conocidos, vistos por millones y aún en circulación para disfrute de otros tantos; los actores son figuras consolidadas, e incluso queridas por el público seguidor. Luego de la complaciente edición de 2014 a cargo del Círculo de Críticos Neoyorkino no queda más que aguardar la pasividad del fin de año en espera de las noticias que traiga consigo el inicio de 2015 en cuanto a materia cinematográfica se refiera. Pongámonos cómodos y vayamos preparando las palomitas.

Wajdi Mouawad en México

Pudiera ser pretenciosa la aseveración de decir que cualquier persona que se da a la tarea de crear un genuino acercamiento con el teatro habría de encontrarse, más tarde que temprano, con —al menos— una obra de este autor, pero nada más lejos de la verdad al señalarle como una de las figuras más grandes e influyentes de la escena contemporánea mundial.

 De infancia en Beirut, adolescencia en París y adultez en Montreal, “libanés de nacimiento, francés de pensamiento y canadiense por su teatro”, es como él mismo se precisa. En su obra se entrevén guiños autobiográficos que definen de manera general los argumentos principales de sus textos. La niñez como cuchillo clavado en la garganta, las vidas ensombrecidas por los conflictos civiles bélicos, la inminente certeza de la muerte, el miedo a la pérdida, la búsqueda incansable de los orígenes de la existencia, los fantasmas siempre presentes, los árboles con sus raíces y sus ramas, la memoria, los sueños y el espíritu.

 Nacido en 1968, Wajdi Mouawad se gradúa de la Escuela Nacional de Teatro de Canadá en 1991 para comenzar su desempeño profesional en las artes. Encabeza dos compañías teatrales —Au carré de l’hypoténuse en París, y Abé carré cé carré en Montreal— y cuenta con una vasta experiencia en las tablas como escritor, actor y director de distintos montajes. De entre sus títulos, destaca la tetralogía La sangre de las promesas  (Le sang des promesses), compuesta por Bosques (Forêts), Litoral (Littoral), Incendios (Incendies) y Cielos (Ciels); además de Alphonse, Pacamambo y Sedientos (Assoiffés), entre otras.

 Su nombre se disparó en la escena mundial desde hace aproximadamente diez años, ha sido traducido a más de quince idiomas; acreedor de diversos galardones, llevado a escena en muchísimos países, incluyendo México, e incluso adaptado a la pantalla grande.

Escena extraída de Incendies (traducida al español como La mujer que cantaba). Es la adaptación cinematográfica de la obra del mismo nombre, escrita por Wajdi Mouawad. El filme fue dirigido por el canadiense Denis Villeneuve y le valdría la nominación a Mejor película extranjera en los premios Oscar de 2011.

 El trabajo en conjunto de Humberto Pérez Mortera como traductor de su obra y de Hugo Arrevillaga Serrano como mano maestra para la dirección de los montajes —además de elencos medianamente fijos con actores como Karina Gidi, Arcelia Ramírez, Pedro Mira, Guillermo Villegas, Sonia Franco, Tomás Rojas, Rebeca Trejo y Adrián Vázquez, entre otros—, es la manera en que Mouawad ha sido materializado en teatros mexicanos desde años atrás.

Acompañada de Alejandra Chacón como parte del elenco, en la imagen, Karina Gidi, quien da vida a Nawal, personaje principal de la obra Incendios. Basada en el texto de Wajdi Mouawad y dirigida por Hugo Arrevillaga.

 Hugo practicó una lectura en voz alta de Wilfrid, el personaje principal de Litoral, y sintió la necesidad de montarlo. El resto es historia: desde entonces, muchos son los foros que han visto pasar la obra de este prolífico dramaturgo, y aún mayor el público que, de alguna u otra manera, se ha dejado estremecer por ella.

 

El arte es un tigre dientes de sable, hambriento, que entra sin tocar a la casa. Intente calmarlo. Sólo habrá dos opciones: o él lo devora, o usted lo mata. Ser artista en esta época, en lo que a mí concierne, es aceptar dejarse devorar para volverse en el vientre del tigre, el tigre.

Wajdi Mouawad

 

 Noviembre es el mes elegido para que Wajdi Mouawad visite México por primera vez con motivo de presentar su obra Solos (Seuls) con dos únicas funciones los días 22 y 23 en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, pero hay más actividades como parte de su itinerario a realizar en la ciudad que se extienden por prácticamente las últimas dos semanas del mes en curso:

  • Charla alrededor de la novela Ánima, de Wajdi Mouawad. Modera: Agnès Mérat
    Cuándo: Jueves 20 de noviembre, 19:30 horas
    Dónde: IFAL, Casa de Francia (Havre 15, colonia Juárez)
    *Entrada libre

 

 

  • Taller de Creadores con Wajdi Mouawad
    Cuándo: del 25 al 27 de noviembre, de 11:30 a 15:00 horas
    Dónde: Foro Shakespeare (Zamora 7, colonia Condesa)
    *Más detalles aquí.

 

  • Ventanas. Adaptación libre de la obra Seuls, de Wajdi Mouawad, por Hugo Arrevillaga, seguido por un diálogo de Arcelia Ramírez con Wajdi Mouawad.
    Montaje con la Generación 2010-2014 del Centro Universitario de Teatro (CUT)
    Cuándo: Jueves 27 de noviembre, 17:00 horas
    Dónde: Caja Negra del CUT
    *Entrada libre, cupo limitado

 

 Los apasionados del teatro podrán ratificarlo, y los neófitos entusiastas de las tablas quedarán bajo advertencia: el acercamiento a la obra de este dramaturgo franco-libanés es un viaje revelador, incansable, fecundo y placenteramente desgarrador. Extendemos la invitación a los lectores a atender los eventos mencionados, mientras tanto, compartimos un fragmento de la nueva novela del autor que llevará por nombre Anima. Cortesía de Excélsior, puedes echarle un vistazo aquí.

El encanto detrás de un Pelo Malo

Todo transcurre en Venezuela. Marta es una mujer que debe emplearse —bajo las circunstancias que se presenten, por difíciles que éstas resulten—, para mantener a sus dos hijos: un bebé de apenas unos meses, y un pequeño de nombre Junior. El resto del filme nos adentra en el muy particular universo de él.

 Este peculiar personaje de apenas nueve años se hace acompañar de su vecina en las andanzas aventuradas del vivir diario. Comparten algunos juegos, gustos y secretos en la complicidad de los ratos de ocio. Ambos deben tomarse unas fotografías para el colegio: ella aspira a hacerlo con un peinado, vestido y tacones altos, imitando a las misses que aparecen en la televisión, en los concursos de belleza; él, por su parte, desea solamente alaciarse el cabello y vestirse como un cantante.

 El inocente y empecinado afán en cambiar su apariencia física rebasa sus propios límites, al punto de permanecer largos ratos en el baño de casa, frente al espejo y con peine en mano, probando facilitar el proceso con los más extraños brebajes empleados como tratamientos capilares, todo esto a escondidas de su madre, quien conoce ya este comportamiento de Junior y le provoca un profundo rechazo hacia él.

 Junior conoce a su abuela, la madre de su padre —quien fallece de tiempo atrás, dejando viuda a Marta—, y comienza a crear un vínculo especial con ella; ella, amorosa cómplice que descubre en Junior mucho más de lo que su propia madre podría comprender y aceptar, y quien habrá de convertirse en un escape para su tirana realidad.

 Pelo Malo es el tercer largometraje dirigido por Mariana Rondón —precedido por A la media noche y media, de 1999, y Postales de Leningrado, película de 2007 de corte autobiográfico—, cineasta venezolana que también se ha desempeñado como productora y guionista de éste y otros filmes. De la mano de Marité Ugás y con el apoyo de la casa productora Sudaca Films, logra esta cinta en 2013, que ha circulado ya por distintos países y festivales, convirtiéndose a su paso en objeto de debate y polémica.

 Aunque con un motivo argumentativo aparentemente sencillo, como el aspecto del cabello del personaje principal, lo cierto es que la cinta involucra temas mucho más complejos. Atina a una certera descripción del entorno citadino venezolano, a ratos equiparable con el de la ciudad de México —y pudiera afirmarse que con muchas de las ciudades latinoamericanas—, bombardeado por los medios de comunicación masiva, la violencia —de distintos tipos, a diferentes niveles y escalas— adoptada casi como modo de vida, la difícil situación económica, la política, inclusive algo de religión; esto, enmarcado además con la discriminación, la intolerancia y la falta de empatía hacia la homosexualidad.

 Recientemente Mariana Rondón estuvo en México para presentar su más reciente producción en funciones especiales dentro de espacios como Cineteca Nacional y Cinépolis Diana. Previo a la proyección en la Cineteca se declaró feliz de estar en nuestro país presentando el filme, y honrada de hacerlo en un recinto como ése; posteriormente, ya concluida la película, se abrió un espacio de Q&A entre los asistentes y la realizadora.

 Explicó el porqué de centrarse en el tema de los concursos de belleza, tan enraizado en su patria —”allá las niñas aspiran a ser misses, y los hombres, militares”, explica—, además de bromear con el motivo del «pelo malo» —”en Venezuela, la segunda industria más importante, solamente seguida por la petrolera, es la del alaciado de cabello”—. Habló acerca de las aristas que el público encuentra en la trama de Pelo Malo; que a su paso por diferentes países, las distintas audiencias le han visto y recibido de maneras opuestas, y han enfocado su atención en distintos puntos para debatir en torno a múltiples temas que han ido desde la diversidad sexual, a la política y hasta el racismo.

 Ahondó también en la manera en que trabajó con sus actores —digna de destacar la plausible interpretación de Samantha Castillo como Marta, la enternecedora manera de Samuel Lange para dar vida a Junior y la chispa sin igual que Nelly Ramos entrega a la peculiar abuela—, con quienes el proceso de preproducción para trabajar el desarrollo de sus personajes fue de cerca de tres meses, logrando así un ambiente de familiaridad y confianza entre cada elemento del cast, y que, menciona, nunca habían trabajado en cine antes de esta película.

 

A mí no me interesa robarme la vida de un actor; me interesa
construir, con un actor, un personaje.

Mariana Rondón

 

 Hace algunas semanas formó parte del circuito de proyecciones realizado en el marco de MICGénero en su edición de 2014, ahora, la multipremiada Pelo Malo —parte de la selección oficial de festivales como el Toronto International Film Festival, y el Festival de San Sebastián en sus ediciones de 2013, además de situarse como una de las favoritas para representar a Venezuela en la próxima entrega de los Premios Oscar dentro de la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa— regresa a México por un periodo breve gracias a la distribución de Circo 2.12 en algunos recintos de la ciudad como complejos Cinépolis, Cineteca Nacional y Cine Tonalá.

 Te dejamos con material de Sudaca Films que muestra un poco de lo que sucedió durante del rodaje, y con el tráiler oficial de la película.

 

 

| Para más información, puedes consultar el sitio oficial de Pelo Malo.

¿Ser o no ser? Un Shakespeare más buena onda

Texto y fotografías por Karla Ricalde.

 

A propósito del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare y la conmemoración de dicho acontecimiento como parte de la edición de 2014 del Festival Internacional Cervantino, me cuestionaba acerca de lo que hay alrededor de él y su obra. Es la figura más destacada de las letras inglesas y uno de los más grandes íconos de la literatura universal; con certeza, el autor de cuya obra existen más adaptaciones que de cualquier otro —aunque en muchas ocasiones, aceptémoslo, ese shakespearianismo resulte sumamente pretencioso—, de trascendencia innegable y citado por miles de dramaturgos y escritores como principal influencia y eje inspiracional… pero, ¿acaso todo ese emperifollamiento no provoca que le concibamos como un autor sumamente complejo y casi inalcanzable?

 En su libro Por qué leer los clásicos, Italo Calvino señala algunas de las cualidades que debe tener una obra para considerarse, justamente, un clásico: que son textos a los que tarde o temprano se vuelve; “esos libros de los cuales se suele oír decir ‘Estoy releyendo…’, y nunca ‘Estoy leyendo…'”; que a cada revisita cobran un sentido distinto ante los ojos de los lectores porque “nunca terminan de decir lo que tienen que decir”; que cuanto más se cree conocerlos, más nuevos resultan.

 Eso, cuando se tiene experiencia previa de la obra, pero cuando no, cuando se trata del primer encuentro con cierto libro o cierto autor, Calvino habla de esperar, de darse tiempo para dejar hablar a las letras y entrar en contacto directo con ellas para conocerles personalmente, bajo las condiciones, y de la forma adecuada para cada individuo. De ser cautelosos al descubrir los clásicos, nuestros clásicos.

 Ahora, al tomar en cuenta lo anterior, se comprueba el porqué de la vastedad y solidez del alcance de su legado y se dejan a un lado los cuestionamientos porque, sí, William Shakespeare el más grande de los clásicos.

 Si se hablara de su obra situada en el teatro, al cerrar los ojos, como en automático, la imaginación crearía visiones de actores con atuendos de la época victoriana: tacones de gruesas hebillas,  cuellos altos y mangas abultadas para ellos; y encaje, seda, sombreros y sombrillas para ellas. Tal vez un lenguaje rebuscado, o tramas tan engorrosas que terminarían por adentrar al público en un inminente letargo…

 ¿Y si los personajes de sus obras cobraran vida a través de distintos objetos? ¿Y si se narraran las más grandes obras al estilo en que se detalla el más breve y fresco relato? ¿Y si se incorporan a su narrativa elementos que le simplifiquen, referencias actuales que nos aproximen a aquel prolífico escritor nacido hace siglos?

 Adrián Vázquez encuentra la fórmula precisa para dejar a William Shakespeare al alcance de todos. Como escritor, director y actor del montaje Algo de un tal Shakespeare, nos lleva por un conciso y sagaz recorrido por cuatro de las principales obras del dramaturgo inglés: Romeo y Julieta, Macbeth, Titus Andronicus y  La Tempestad.

 Es de una mesa de cocina de donde nace todo: silencio y apenas una tenue iluminación, unos cuantos sartenes, algunos otros utensilios del arte culinario, y una buena cantidad de frutas y verduras que, más adelante, se convertirán en cada uno de los personajes de los textos a representar. El vestuario de los actores es tan poco convencional como la escenografía misma: prendas de mezclilla y en color negro, y botas, rodilleras y cascos como accesorios.

 Acompañado de la actuación de Sara Pinet, este trabajo de Adrián Vázquez no sólo abarca los aspectos primordiales de los textos clásicos referidos, sino que también brinda datos biográficos del escritor y relata parte de la historia mundial para contextualizar más a fondo la ideología de Shakespeare, esto, mezclado con temas actuales —hacer alusión a la serie televisiva Game of Thrones mientras se hace una retrospectiva por el pasado de Inglaterra, o traer a colación la situación política de México en medio del relato de Romeo y Julieta, por ejemplo— y ambientado con efectos de sonido extraídos de algún videojuego, para una digna adaptación acorde al público meta.

 Lejos de trivializar la obra de Shakespeare o reducirla a insultantes simplezas, Adrián Vázquez se empeña en extender una espléndida invitación a jóvenes y adolescentes para acercarse a conocer a uno de los más grandes exponentes de las artes, y resuelve este propósito entre bromas, una que otra palabra altisonante, y un dinamismo excepcional en escena que deja el espacio vuelto, literalmente, un campo de batalla.

 El entendimiento personal y profesional entre los dos histriones es evidente, y queda enteramente plasmado sobre las tablas. Dos de las figuras actorales más destacadas y consolidadas de la escena nacional. Pinet y Vázquez: ambos tan audaces, ambos tan capaces, ambos con un trabajo tan envolvente y logrando una armonía sumamente mágica y natural que terminan por hacernos parte de su juego desde la primera llamada.

 Como el apresurado resumen de una pequeña y muy poco ortodoxa clase de Literatura con algo de Historia, pero además aderezado con un agudo sentido del humor, Algo de un tal Shakespeare es un trabajo honesto e innovador. Es alocado, es arriesgado. Es creatividad, movimiento, acción, congruencia y autenticidad. Una propuesta como pocas, y una amena y certera aproximación a éste, uno de los más grandes monstruos literarios.

 Además de este montaje, Vázquez se ubica con dos obras más dentro de la cartelera teatral actual de la ciudad: con el unipersonal El hijo de mi padre en el Centro Cultural del Bosque, dirigido y actuado por él mismo; y con Wenses y Lala en el Teatro La Capilla, con un texto también de su autoría y donde actúa al lado de Teté Espinoza.

 Algo de un tal Shakespeare se encuentra en temporada en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, desde el 23 de septiembre y hasta el 16 de diciembre.

Adrián Vázquez: autor, director y actor de Algo de un tal Shakespeare.

| Para más información, ingresa aquí.

De cómo se vivió la Megaofrenda 2014

Fotografías por: Belen Kemchs.

Aunque los honores tomaron formas distintas en los inmuebles universitarios, dentro y fuera de la meca auriazul, la unificación de todo ello se concretó en la ceremonia de bienvenida a las almas que dio inicio en Ciudad Universidad con ensamblajes tempranos desde el día jueves por parte de las Facultades, Preparatorias y entidades institucionales que tuvieron presencia en la tradicional Megaofrenda.

 Esta decimosexta edición del Festival Universitario de Día de Muertos se anunció dedicada a la memoria, vida y obra de una de las más grandes figuras mexicanas, una de las más homenajeadas y por demás incorporadas en la cultura pop. Mujer que, si bien es genuinamente admirada como la artista, feminista y luchadora social que fue, es correcto también admitir la masificación de su imagen —en ocasiones tan obscenamente banalizada, vacua y falta de esencia real—, y su posicionamiento como ícono irrefutable de la industria cultural. Originaria justamente del sur de la ciudad, el 2014 es de Frida Kahlo.

En memoria de la artista mexicana, a 60 años de su muerte.

 Y es que fue diferente. Se trataba de la Megaofrenda y quedaba aquella idea de ver el conocido montaje en las dimensiones acostumbradas: área extensa, abierta, presta y a la orden de sus asistentes, como en años anteriores. El recinto dispuesto para este año fue el Espacio Escultórico de la UNAM que equivalía, por su naturaleza, a estéticas distintas y, aunque podía simbolizar el realce positivo de algunos elementos visuales, resultaba también un sitio menos adaptable y, sobre todo, sumamente reducido para la cantidad de visitantes que acudirían durante los cuatro días de duración.

 Pareciera que el fin de semana que duraría el montaje se dividiría en dos: las primeras tarde-noches se sentirían dedicadas a quienes habitan dicha casa, al estudiantado universitario que sabe hacer de ésta una digna festividad de tradición anual; y las últimas serían para los foráneos, para visitantes poco más lejanos de ese círculo que se dan cita al recinto en un ambiente familiar, muchas veces incluso acompañados con niños. El día domingo resultaba perfecto si ésta última era la intención de los asistentes.

 Aquella tarde los cientos de espectadores padecieron (padecimos) en grande la desorganización del evento. Con la ubicación del nuevo sitio que cobijaba el objeto de la visita, el acceso se dificultaba; ya no eran unos cuantos pasos desde la penúltima parada de la línea de metro más cercana, ahora la llegada se extendía casi a mitad de la ruta 3 del transporte interno de la Universidad.

 Las cuatro de la tarde y escasas unidades que pudieran darse abasto con el extenso aforo en espera de ser trasladado. Se advertía incluso desde ese punto que era “poco probable” que quienes recién llegaban, pudieran accesar al Espacio Escultórico —pese a que, aunque la previsión quedaba a consideración de los visitantes, no se especificó con antelación acerca de las filas ni tiempo de espera que tendría que cumplir el público antes de ingresar—. “El acceso será hasta las cinco de la tarde, pero tomando en cuenta a la gente que ya se encuentra formada, es muy poco probable que puedan entrar”, se dijo, cuando aún restaban cerca de dos horas para que concluyera el acceso al público, según la información oficial emitida inicialmente.

 Luego de la travesía pesarosamente concurrida, se conseguía ingresar, finalmente, a apreciar el montaje amurallado por aquellas imponentes piezas arquitectónicas que guardan en sí una soberbia conjunción ecológico-artística, cada una de ellas utilizada para evocar de distintas maneras los ejes temáticos del evento. La distribución de las ofrendas fue a lo largo del angosto corredor que se extiende por el perímetro del recinto aludido. Y sí, ya dentro se deja un poco de lo que pudiera haberse sentido desagradable hasta antes de ingresar. El ambiente es otro, la atmósfera cambia y se contagia el sentir común de compartir, allí, el tiempo y espacio.

 Colores por doquier. Los ojos de Frida en medio de la instalación, omnipresentes, y un “Viva la vida” dando la bienvenida y enmarcando el espacio. Rostros, papel, disfraces que aludían a la artista homenajeada, rehiletes, el color inconfundible de los pétalos del cempasúchil, calaveras y catrinas, réplicas de cuadros y toda clase de motivos en los más de cien altares que conformaron la Megaofrenda. Considerando lo que ha sucedido las últimas semanas en nuestro país, en algunos altares también se rindió tributo a los normalistas desaparecidos, un grito de vida dedicado a ellos, con espacios que incluían sillas en sus montajes, pupitres que parecían esperar ser ocupados, y frases como “Nos faltan 43”.

Viva la vida.

Al fondo del montaje, la ilustración de una Frida cegada y amordazada, en cuyas ataduras se distinguen leyendas como “Aquí en mi tierra, todos los días son de muertos”, “Tlatelolco”, “Atenco”, “Acteal”, “Wirikuta”, “Narcogobierno”, entre otras.

 

 La visita anual obligada a tierra universitaria concluye con el característico frío de la época, al caer la noche. En resumen, se vivió en un evento con poco menos del espíritu que se ha enaltecido en ediciones anteriores, con poco menos libertad y, valdría la pena rescatar, poco menos del libertinaje —al menos en las inmediaciones de lo que respecta en concreto a la Megaofrenda— por parte de los asistentes, propios y ajenos, que muchas veces desvían la intención original de este evento, aunque aún con el ambiente creado por los propios espectadores y el misticismo inherente de las festividades en cuestión.

 El ritual termina, las luces se apagan y las almas de los visitantes se despiden. Nos reencontraremos en noviembre próximo.

#IlustradoresConAyotzinapa: a un mes del siniestro

Se ha cumplido un mes ya. Poco más de treinta días transcurridos desde aquél en que comenzó a correr la noticia de la atrocidad que para algunos —acaso los crédulos, ingenuos— parecía algo falaz, bárbaros actos inhumanos que simplemente no figuraban en la idea de realidad que se concebía.

 Menuda realidad… Que con este hecho vino a destaparse lo legítima y brutal que es para los desventurados, carentes de oportunidades para hacerse escuchar, de armas para defenderse, y de medios para hacer justicia a todos los futuros amordazados, los caminos coartados, los anhelos arrebatados. Víctimas, mártires del terror, la cobardía, la miseria y la repulsión de la misma especie. Esos desventurados que fueron seis, son 43 y la cifra se agrava a cada día que pasa.

 Continúa siendo estremecedor tocar el tema. ¿Qué tan vago es referirse a ellos con la palabra «desaparecidos»? ¿Es todo esto una suerte de sinécdoque que se sitúa ante nosotros a manera de reality check? ¿Ya despertamos? ¿Y qué con el repudio que despiertan estos reprobables sucesos hacia la pesadilla que han hecho los dirigentes de nuestro país con él? ¿Qué remedo de autoridades tenemos? ¿Qué se hace con la indignidad y la humillación como el sentir común de una nación entera? Por si eso no fuera suficiente, ¿qué se hará con la desaprobación categórica hacia tal infamia por parte de países, intelectuales y ciudadanos del mundo que no dejan solidarizarse?

 Hay muchas preguntas que se formulan al instante y pocas respuestas que puedan sosegar la urgencia de resolverlas. Tampoco es fácil encontrar soluciones para llevar a la práctica ante incidentes que se detonan como consecuencia de un truculento trasfondo del que incluso hay temor por conocer. Potenciar la lucha o apaciguar la resignación, es el dilema. Aunque el incalculable compendio de muestras de apoyo y fraternidad que se han hecho a las familias de los 43 normalistas de Iguala resulte, sin lugar a dudas, un empuje inequívoco a no darse por vencido. Que la unión hace la fuerza, lo sabemos.

 Recientemente comenzó a aparecer por las redes la leyenda #IlustradoresConAyotzinapa. Este proyecto nació de Valeria Gallo con la intención de humanizar las cifras y dar rostros a los desaparecidos puesto que, señala, puede tratarse de algún conocido o familiar cercano, y cualquiera de nosotros podría verse envuelto en la vulnerabilidad de las circunstancias. Invitó a colaborar a Margarita Sada y otros colegas, se fueron esparciendo los resultados y a apenas pocos días de haber arrancado, ha sido acogido de manera satisfactoria entre la comunidad artística aludida con más de 200 aportaciones a la causa, y contando.

"Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista".
“Yo, Valeria Gallo, busco a Benjamín Ascencio Bautista”.

 

"Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández".
“Yo, Margarita Sada, busco a Carlos Lorenzo Hernández”.

 La sensibilización que trae consigo el arte es, en ocasiones, difícil de expresarse con palabras. Como al ver un cuadro o una fotografía, es casi imposible traducir a la oralidad la cantidad de emociones que despierta y de ideas que evoca.

 Sucede justamente así. Es sobrecogedor cómo miles de voces claman aún por Saúl Bruno García, por Leonel Castro Abarca, por Cutberto Ortiz Ramos y por Alexander Mora Venancio.  Cómo personas que ni siquiera conocían a Carlos Iván Martínez Villareal o a Doriam González Parral exigen que se les regrese con vida a sus familias. Vivos se los llevaron y vivos los queremos.

 Porque para la reparación de esa realidad mencionada, no bastarán cientos de noches más que reflejen cambios significativos y poco podrá revertirse a como antes era. Porque a veces hace falta creer. Porque el mínimo gesto del prójimo, la empatía y el brindar apoyo sin que se pida, puede traer consigo una resonancia inconmensurable, como el aleteo de una mariposa. Porque son más de 43. Porque no es sólo México, es cada persona del globo que se solidariza con ellos. Porque ¿quién dijo que todo está perdido?

| Galería completa de #IlustradoresConAyotzinapa

"Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz".
“Yo, Choper Nawers, busco a Jhosivani Guerrero de la Cruz”.

 

"Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos".
“Yo, Daniel Nieto, busco a Cutberto Ortiz Ramos”.

 

"Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza".
“Yo, Bea Ortiz, busco a Jorge Aníbal Cruz Mendoza”.

 

"Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Eugenia V. Cano, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Levhita, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero".
“Yo, Charles Boguer, busco a Giovanni Galindes Guerrero”.

 

"Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin".
“Yo, Kosme Katlipoca, busca a Julio César López Patolzin”.

 

"Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández".
“Yo, Omar Martínez, busco a Abel García Hernández”.

 

"Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral".
“Yo, Genrus, busco a Doriam González Parral”.

 

"Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo".
“Yo, Hugo Castillo Rivera, busco a Israel Jacinto Lugardo”.

 

"Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina".
“Yo, Jorge Penné, busco a Marco Antonio Gómez Molina”.

 

"Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres".
“Yo, Alejandra Saavedra, busco a José Luis Luna Torres”.

 

"Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos".
“Yo, Juan Carlos Jiménez, busco a los 43 estudiantes desaparecidos”.

 

Megaofrenda 2014: noviembre y las luces de regreso a casa

 Si hay algo por lo que México se caracteriza, al igual que el resto de los países que integran Latinoamérica, es por la riqueza de sus raíces, entre un sinfín de particularidades. Estos territorios, hermanados como uno solo, gozan de un legado invaluable que ha trascendido por generaciones gracias a la tradición oral, y en ese patrimonio inmaterial de ideas fantásticas y creencias populares, se guarda una parte sustancial de su cultura: mitos, cuentos y leyendas como parte inherente de la idiosincrasia reflejada, además, en el arte y artesanías propias de cada lugar.

 Ejemplo perfecto de ello es una de las fiestas más queridas y entrañables por llevarse a cabo el próximo fin de semana. Si bien su origen se remonta a las culturas prehispánicas que ocuparon el territorio mesoamericano, y su práctica tiene resonancia en algunos países de Centro y Sudamérica, es considerada oficialmente como una festividad mexicana. Reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el inicio del mes de noviembre se adorna con el misticismo de singulares visitantes.

 Aunque la médula de esta celebración se remonta a los pueblos precolombinos, lo cierto es que la leyenda como la conocemos ahora es resultado de la inclusión de algunos elementos culturales de la sociedad europea —rasgos de la religión católica, concretamente—, y del mestizaje que trajo consigo la conquista de América por parte de los españoles. Ésta cuenta que las almas de aquellos que han precisado la metamorfosis de la vida a la muerte, vuelven desde donde se encuentran y se reintegran a plano terrenal a ruego de sus seres queridos para una fugaz reunión.

 Se dice que “las almas de nuestros seres amados andan por aquí desde octubre” y, en efecto, los preparativos para esta particular cita anual se preveen desde días antes, sin embargo, de acuerdo a las celebraciones habituales, la festividad de Día de Muertos da inicio el día 1 de noviembre en conmemoración de las almas de los niños difuntos, y se extiende al día 2 para recordar a los adultos y a todos los santos. La bienvenida se resuelve entre luz, flores, alimentos, altares, pan de muerto, calaveras de azúcar y fotografías en las conocidas ofrendas usualmente montadas de manera personalizada con objetos del agrado de los individuos en cuestión.

 Desde años atrás, la Universidad Nacional Autónoma de México, Máxima Casa de Estudios, se une a esta celebración al disponer en sus instalaciones un portentoso ensamblaje comúnmente conocido como «Megaofrenda»; este año no será la excepción. Desde el jueves 30 de octubre y hasta el domingo 2 de noviembre, Ciudad Universitaria cobijará este inmenso altar para visita de propios y externos.

 Luego de dieciséis años de llevarse a cabo en la zona conocida como Las Islas, esta ocasión se trasladará al Espacio Escultórico de la UNAM. Para 2014 la ofrenda se dedicará a la artista mexicana Frida Kahlo, así como la edición anterior fue destinada a la pintora adoptada como mexicana, Remedios Varo, y la conmemoración de los 50 años de su muerte, y en 2011 a la memoria del escritor argentino Jorge Luis Borges.

 Para despertar en los asistentes mayor inquietud y empatía, esta edición de la Megaofrenda trae consigo actividades como el Paseo de las Catrinas, actividad a llevarse a cabo el día de la inauguración y para la que los participantes deberán disfrazarse como el célebre personaje de José Guadalupe Posada; además habrá convocatorias de Arte Postal, Poesía, Fotografía, Cuento y Crónica, entre otras.

 Estamos a pocos días de celebrar una de las festividades más arraigadas en nuestra cultura y de mayor identidad nacional, un festejo tan nostálgico como auténtico, respetado y anhelado también en el extranjero, y que cuyas características y adaptaciones pueden apreciarse en la muy particular manera de celebrarlo en distintos rincones de nuestro país. Mezcla de júbilo y solemnidad. Que este año, más que otros, sea objeto de reflexión y pueda conmemorarse con sumo aplomo y sensatez.

Puedes consultar más detalles de las convocatorias y las actividades de la Megaofrenda aquí.

A diez años de la capicúa de Fernando Eimbcke

temporada-de-patos1

Son apenas las once de la mañana cuando su madre lo deja solo en el departamento con unas cuantas advertencias, especificaciones y encargos como despedida. Flama se queda con Juan Pablo (“Moko”) para concretar el ritual semanal de videojuegos, Coca-Cola y toda la comida chatarra que asalten de la cocina. Es domingo.

 En el departamento 803 del edificio Niños Héroes de la Unidad Habitacional Nonoalco Tlatelolco se conjuntan en placentera armonía el ocio de los dos amigos y la dicha de satisfacerlo, sin padres cerca y con la única preocupación de elegir de qué sabor será la pizza que están por encargar.

 Suena el timbre y aparece un tercer personaje a cuadro, Rita, una vecina que pide a Flama utilizar el horno de su cocina para preparar un pastel; la posterior llamada a la cadena TelePizza y la escabrosa llegada de su repartidor trae consigo a Ulises, el sujeto que completaría este cuarteto de ordinarias pero al mismo tiempo peculiares figuras.

 Dos “niños” que se niegan como tales, con inquietudes un tanto disfrazadas de indiferencia, en busca de la personalidad propia y con curiosidades expresas. Una linda aunque acomplejada adolescente necesitada de atención y compañía. Un hombre que ha pasado por una gran cantidad de empleos sin sentirse satisfecho de sí mismo y viviendo al día bajo el eco absurdo del slogan de la empresa para la que presta sus servicios.

pat

 

 En Temporada de Patos se observa el desarrollo de la relación entre estos sujetos que, por alguna u otra razón, por accidente o casualidad, se ven obligados a convivir durante toda una tarde. Con algunos imprevistos ajenos a ellos mismos, esos lazos personales que comienzan a formarse parecen ser acelerados por las circunstancias que confluyen dentro del departamento que les cobija, como si éste les empujara de poco al desnudo emocional, al desahogo y a buscar en la otredad la comprensión que necesitan.

 Lo que podría parecer una línea argumentativa vaga y un tanto banal, deriva en un plano totalmente íntimo, en un retrato profundo de cada uno de los personajes que nos hace entender sus porqués. Moko, Flama, Rita y Ulises hacen de esa tarde singular e irrepetible, un afectuoso círculo de confianza, un descanso a sus vidas para coexistir en ese entorno vuelto una especie de caja de secretos que habrán de dejar unas cuantas horas después para nunca volver y, en cambio, enfrentarse al hastío y el desasosiego que les espera al cruzar la puerta hacia el corredor.

{erh

 Además de lograr un genuino y melancólico retrato en blanco y negro de la ciudad de México en que se rescatan locaciones como la Torre Insignia, los edificios de Tlatelolco en planos abiertos, y la belleza de la poesía visual que implica la estaticidad de un objeto cualquiera, en la cinta se incluyen también detalles que aluden de lleno a la manera habitual en que nos relacionamos, muy propias de nuestra cultura y convivencia coloquial, como poseer moneditas de la suerte en las que se depositan las más grandes esperanzas, el deslindarse de alguna acción con el simple hecho de ser el primero en decir la palabra safo, o aquel juego de intentar adivinar el color del caramelo al momento de morderlo.

"Somos cuatro, como los Beatles", dice Rita en esta escena de la cinta con encuadre en contrapicada, haciendo referencia a la famosa fotografía del cuarteto inglés.
“Somos cuatro, como los Beatles”, dice Rita en esta escena de la cinta con encuadre en contrapicada, haciendo referencia a la famosa fotografía del cuarteto inglés.

 

 Fernando Eimbcke aborda temas como la identidad sexual, los problemas en casa, la relación con los padres y la insatisfacción de la vida que se lleva —entre algunos otros—, en esta entrega de 2004 y ópera prima del mexicano. Escrita y dirigida por el propio realizador, Temporada de Patos celebró el pasado 22 de octubre los primeros diez años de su lanzamiento.

 Las condiciones de esta fiesta de aniversario resultaron un tanto románticas. Diez años atrás, la película se estrenó en México en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en una sala abarrotada de espectadores y hoy, en 2014, es ese mismo evento el que le rinde los debidos homenajes. Desde el mes de mayo se especulaba acerca de lo que se haría con respecto a la cinta a razón de su aniversario —que incluía, por ejemplo, la remasterización del filme—; se hablaba de la inserción de éste como parte del programa de actividades de algún Festival de cine de México y, finalmente, es durante la doceava edición del FICM, inaugurada el 17 de octubre y por clausurarse el día 26, que se han llevado a cabo proyecciones especiales —con salas llenas, nuevamente— para engrandecer la celebración.

 Estos “jóvenes entusiastas con deseos de superarse” embonan como un muy atinado testimonio atemporal de la juventud que, como los patos, buscan emigrar a lugares mejores, aguas nuevas y climas más cálidos. Es digna de rescatarse una cita de la película, un pequeño fragmento en el que Ulises instruye a sus compañeros en la dinámica del vuelo de los patos —en V, explica, para unir fuerzas con el vuelo compartido y sacar adelante a la bandada de aves— al mismo tiempo que los cuatro observan el cuadro colgado en la sala de la casa de Flama, firmado de 1991, acaso como el leitmotiv de este discurso cinematográfico y a manera de metáfora del recién creado vínculo entre ellos.

4bba5ff1c79cbpatos_aclucine

 

 Luego de su estreno, la cinta fue reconocida con múltiples galardones en los Premios Ariel, en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara e incluso en los Premios MTV de México en categorías como Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Ópera Prima, Mejor Fotografía (por Alexis Zabé) y Mejor Música compuesta para Cine (trabajada en alianza entre Alejandro Rosso —Plastilina Mosh— y el trío musical Liquits). Luego de esta primera gran entrega, el trabajo de Eimbcke continuaría con filmes como Lake Tahoe de 2008 y Club Sándwich en 2013, además de sumar en su obra ejemplares de cortometrajes y videos musicales para proyectos como los propios Plastilina Mosh, Jumbo y Molotov.

 Temporada de Patos es una obra amena y ligera, aunque no por eso vacía, que atrapa poco a poco al espectador en la trama que se entreteje de cuatro extremos para converger en estado de común entendimiento, trama dentro de la que inevitablemente termina por identificarse de alguna u otra manera; ese domingo de inicialmente imperceptible, pero creciente autoreconocimiento que lleva de las risas a melancolía.

Los actores Enrique Arreola (Ulises), Daniel Miranda (Flama), Danny Perea (Rita) y Diego Cataño (Moko), volvieron recientemente a Tlatelolco para recordar aquel cuarteto de 2004

A continuación, el tema principal de la película a cargo de Natalia Lafourcade, entonces acompañada de La Forquetina.

 

Mariana, Milton y la veleidosa fascinación adolescente

Entre pop, rock, folk, dance, punk, jazz, grunge, además de la decena de subgéneros que pudieran derivarse de cada uno de los géneros que conocemos… Sí, vivimos inmersos en un exorbitante y complaciente mundo musical en el que difícilmente habremos de habitar sin tener algún álbum o canción que persista en nuestra cabeza como repiqueteo constante. Bienaventurados sean los melómanos.

 Discos que habremos escuchado hasta el cansancio; canciones que se traducen en personas, momentos y etapas muy específicas de cada individuo; vaya, que hasta los llamados gustos culposos son un deleite total a los oídos de quien (secretamente) los guarda en lo más profundo de la biblioteca musical.

 Uno de los mencionados repiqueteos constantes de quien escribe y que ahora comparte, es una agrupación originaria de Chile. No es novedad hablar de aquella refrescante oleada de proyectos de exportación andina que se ha extendido por Iberoamérica e invadido cada país que recorren con su música de encantadora ligereza, calidad y notable versatilidad, que va desde proyectos como Alex y Daniel, Astro, Cólera Jet y Prehistöricos, hasta nombres mucho más conocidos como Gepe, Francisca Valenzuela y Javiera Mena. México ha sido un habitual consumidor de esa música chilena que desde hace algunos años se exporta en cantidades considerables, al mismo tiempo que nosotros, como público, nos hemos posicionado también como uno de los favoritos de los prolíficos sudamericanos.

 El proyecto en cuestión es, de hecho, un dueto. Dënver: Hombre y mujer, él y ella, que llevan dos emes por iniciales en sus nombres: Mariana Montenegro y Milton Mahan. El proyecto que toma su nombre del libro On the Road, de Jack Kerouac, ha plasmado su sonido clasificado como indie pop en tres álbumes de larga duración y tres EP’s a lo largo de su periodo de actividad que va desde 2004 a la fecha.

 “La gente que viaja equipada, en realidad nunca se va de su casa”: Totoral, de 2008, con un sonido sumamente dulce y con voces sutiles, delicadas y en tonos ligeramente agudos —que habrían de convertirse en una de las peculiaridades distintivas de su música—, entregó singles como Los últimos veranos, Paraíso de menta y Miedo a toparme contigo, ésta última, pieza musical aún rescatada en los gran parte de los setlist de sus presentaciones.

 “Si te gustan los planetas, yo te los llevo a tu puerta […] Y si quieres suicidarte, yo podría dispararte, y también acompañarte al infierno, a cualquier parte… “. Con la salida al mercado de Música, gramática, gimnasia a finales de 2010 —coproducido por el mismo Mahan— es que se catapulta exponencialmente el éxito de la banda, y es durante la extensa promoción de este álbum, que el dúo chileno llega a escenarios mucho más grandes de los que acostumbraba. Como parte de la edición número trece del Festival Vive Latino, Dënver llega a México a presentar su segunda placa discográfica de la que se desprenden tracks como Diane Keaton, Olas gigantes, Cartagena y En medio de una fiesta.

 “Quizás acabamos en un bar […] Tal vez podríamos quedar en ir a la piscina fiscal, juntarnos un día para armar…”. Su tercer álbum llegó en 2013 para hacerse de críticas positivas por parte de los medios acerca de la consolidación de su sonido, y con un cálido y previsible recibimiento por parte de los acérrimos fans que les seguían desde el inicio y los se juntaron al camino. En contraparte, el dúo emitió un comunicado en el que, inesperadamente, anunciaba su separación. Aún después de dicha notificación, Dënver se presentó unas cuantas ocasiones más, entre ellas, en el D.F., y terminaron desistiendo a la ruptura del grupo argumentando que se trataba de diferencias que, finalmente, supieron resolver.

 El álbum titulado Fuera de Campo cuenta con la participación de Cristóbal Briceño, parte de la agrupación Ases Falsos, también de procedencia chilena, y es enteramente producido por Milton Mahan. Se desprende el primer single de nombre Revista de gimnasia, cuyo video fue dirigido por Bernardo Quesney y fue premiado como el Mejor Video Chileno de 2013.

 El pasado domingo dieron a conocer el video del segundo corte del álbum. De la pista número 3, Profundidad de campo, es nuevamente dirigido por Quesney y, además de ameno, resume a gran escala mucho de lo que el concepto de esta banda implica. En el video se perciben reminiscencias a los años ’70, se crea esa ilusión de que se les mira a través de un televisor con imágenes de baja calidad, fondeado con música disco y mientras participan en el programa ficticio ‘Tocando las Estrellas’; eso sin mencionar la fantástica química entre Mariana y Milton, evidente hasta en la pequeña coreografía de baile que se ve en el video —que, bien vale mencionar, replican en cada uno de sus actos en vivo—. Hay, además, una divertida referencia a cierto filme de Brian de Palma.

 A propósito de su reciente visita a México, apenas durante la semana pasada, Dënver en su última presentación en el D.F. antes del viaje de vuelta a Chile.

Mariana Montenegro
Mariana Montenegro
DSC_2737
Milton Mahan

 Además de posicionarse como una de las bandas más populares de Latinoamérica, el dueto de Montenegro y Mahan es responsable del sello discográfico Precordillera, firma que cobija proyectos amigos, como la más reciente producción de Prehistöricos.

 Dënver es un dueto joven que crea música también para jóvenes con temática de fiesta en sus propias palabras—, sintetizada en un pop ameno de letras con algo de coquetería y melodías contagiosas que cobran vida cuando se les echa un vistazo en vivo. No es la banda revelación del año, ni es nuevo hablar de estos dos chicos ya posicionados en el radar musical de miles de oyentes, pero sí es un proyecto sin prejuicios, desinhibido y una propuesta que aún promete bastante, y por la que bien valdría la pena dejarse seducir.

La escencia de la esencia: Chanel N° 5

Hay ciertos elementos de los que no se puede hablar sin hacer mención de algunos otros; que se vinculan, amalgamados, como complementos, y el lazo que asocia ambas concepciones provoca que no imaginemos una idea sin la otra. Algo parecido fue lo que logró la diva del cine hollywoodense Marilyn Monroe con nada menos que una fragancia, al apropiarse de ella y convertirla en una especie de sello personal.

Existe una entrevista a la actriz de la que se extrae un célebre fragmento en que se le cuestiona acerca de lo que usa para dormir. Haya sido real o no, espontáneo o planeado, es esa la manera en cómo se realza la leyenda de Chanel N° 5, la primera fragancia de la firma de modas parisina. Esta anécdota es incluso referida —aunque medianamente adaptada— en la cinta británica de 2011, My week with Marilyn.

marilyn quote chanel
“Ya sabes, me hicieron preguntas […] por ejemplo: ‘¿Qué usas para ir a la cama? ¿La parte de arriba de la pijama? ¿La de abajo? ¿Un camisón?’. Entonces dije ‘Chanel No° 5’, porque es la verdad… Y no quiero decir ‘desnuda’, ¡pero es la verdad!”.

¿Y cuál es la historia detrás de esta reconocida y cotizada esencia?

Todo sucedió durante la estancia de la famosa diseñadora Coco Chanel en Italia, emigrada allí en busca de afligir la amargura que traería consigo la muerte de Arthur Edward «Boy» Capel —ocurrida en un accidente automovilístico a finales de 1919—, gran amor de la modista y el responsable de financiar sus primeras tiendas. En ese país conocería al Gran Duque Dimitri y adoptaría su gusto por los perfumes.

Con el claro statement de que la personalidad de una mujer se refleja en la apariencia, en la manera de hablar, vestir, caminar, y en todo lo que voluntaria pero sobre todo involuntariamente se transmite, Chanel se da a la tarea de encontrar un perfume que se ajuste a su persona y modo de vida. Tras una búsqueda fallida decide, sin más, crear uno propio, recurriendo a la ayuda de Ernest Beaux, quien elaboraría una fragancia totalmente nueva y desigual a la oferta de la época no sólo por la destilación aromática, sino también por detalles como el recipiente en sí mismo. En los años ’20 se acostumbraba la estética barroca así que, en contraste, el frasquito del perfume se diseñó sin ornamentos, bajo un concepto sencillo pero elegante, en cristal y con una pequeña etiqueta rectangular.

Chanel-No5-1

«Cristal delicado, caro y exquisito». En la botella de la fragancia Chanel N° 5 se distingue la influencia del sofisticado gusto de Capel en Coco. Se cree que Chanel introdujo rasgos muy particulares al diseño —las líneas biseladas, como ejemplo— para intentar replicar el decantador de whisky de Capel, a manera de honrar su memoria.

El perfume recibió su nombre debido a que Beaux preparó los distintos resultados de su experimentación aromática en recipientes con etiquetas numeradas a manera de muestras para el olfato de la artífice francesa, y fue la quinta, aquella en la que se percibían las sutiles esencias de jazmín, rosa y vainilla, la que más agradó a los dos implicados.

La firma Chanel estaba en bancarrota en aquellos años como consecuencia de las recientes guerras, y fueron tres las alternativas que lograron sacar adelante a la casa de modas: la inserción del concepto del uso de trajes sastres y pantalones en las mujeres, el little black dress —básico de la moda hasta hoy día— y el perfume.

Al igual que la conmoción que causó Coco Chanel en el mundo de la moda, la fragancia se hizo objeto de deseo total. En un inicio, la maniobra de distribución del producto fue regalar algunos frascos, además de provocar a los desprevenidos mediante el esparcimiento de la fragancia en lugares concurridos y establecimientos relacionados con la moda para despertar curiosidad; el efecto fue tal, que llegó un punto en el que la producción no lograba abastecer la demanda

Cerca de 1921 es cuando Chanel N° 5 se posiciona no sólo como un ejemplar anhelado por el público femenino, sino también como símbolo de elegancia, lujo, distinción; de modernidad, y —acaso lo más importante— de la ruptura de esquemas tradicionales al ser parte de una casa de modas dirigida por una mujer empoderada. Nombrado como “el perfume del siglo”, es a partir de 1924 que el popular producto comienza a distribuirse fuera de territorio europeo.  Desde entonces, y con variaciones mínimas respecto a la mezcla original de extractos, el perfume se sigue vendiendo en todo el mundo.

coco-chanel-w

Pudiera pensarse que está de sobra el intentar reforzar un producto de esta talla en el mercado, con un estatus por demás establecido; sin embargo, al pasar de los años continúa haciéndose presente mediante la truculenta pero irresistible maquinaria de la publicidad. Aquí una breve cronología:

Ejemplar publicitario de 1921
Ejemplar publicitario de 1921, año debut del producto en el mercado
Ejemplar publicitario de 1940
Ejemplar publicitario de 1940
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Suzy Parker en 1957. Rostro insigne de Chanel y cercana amiga a la misma Coco.
Ejemplar publicitario de 1968
Ejemplar publicitario de 1968
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Catherine Deneuve, actriz francesa, en 1975
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Carole Bouquet, actriz francesa, en 1997
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005
Nicole Kidman, actriz australiana, en 2005

El spot publicitario fue dirigido por Baz Luhrmann, quien también dirigiera a Kidman en la cinta Moulin Rouge (2001)

http://www.youtube.com/watch?v=a_GVRC8IPjA

2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)
2009 y Audrey Tautou, actriz francesa que diera vida a la modista parisina en el filme Coco avant Chanel (Coco antes de Chanel, de Anne Fontaine)

El spot publicitario fue realizado por Jean-Pierre Jeunet, director que trabajó anteriormente con Tautou en la cinta Amélie (2001)

Para 2011 se opta por resquebrajar completamente la impecable tradición de décadas atrás acerca de que el rostro de Chanel cobrara vida gracias a bellas mujeres. El primer y único actor en ser la imagen de la firma francesa ha sido Brad Pitt, bajo el lema de campaña “Inevitable“, y con resultados inesperados y recibidos de manera espléndida.

2013 es el año en que se retoma a Marilyn Monroe como figura de la campaña, recopilando imágenes y grabaciones de la estrella, fresca y encantadora, además de agregar el fragmento de la grabación original de 1960, mencionada anteriormente. Forever Marilyn, un deleite.

http://www.youtube.com/watch?v=HBH0jqyPDCg

Recientemente, Chanel dio a conocer su nueva campaña. La imagen de 2014 es la modelo brasileña Gisele Bündchen. En este spot, nuevamente dirigido por Luhrmann, se reversiona la famosa pieza musical que cierra la cinta de 1978, Grease, llamada ‘You’re the one that I want’como si dichas palabras fueras dedicadas a la fragancia misma, evidentemente. Este fue el resultado.

Pese a su fallecimiento a inicios de 1971, la diseñadora francesa continúa presente hasta nuestros días como figura trascendental en el mundo del moda y como ícono del siglo XX.

Sencillez y delicadeza; lujo, finura y exquisitez: Gabrielle Bonheur Chanel, Coco.

A veinte años de los Tiempos Violentos

“Me sé de memoria un pasaje que va bastante bien para esta ocasión:

La senda del justo está bloqueada por todos lados por las inequidades del egoísta y la tiranía del malvado. Bendito aquél que por caridad y buena voluntad es pastor del débil en las sombras, pues él guarda a su hermano y encuentra a niños perdidos. Y yo destruiré con gran venganza y con furiosa ira a aquellos que intenten envenenar y destruir a mis hermanos. Y sabrán que mi nombre es El Señor cuando desate mi venganza sobre ustedes”.

 Las fuentes varían en la fecha exacta de su estreno, puesto que antes de su aparición comercial circuló por distintos festivales —el debut fue, de hecho, en mayo de 1994 en el Festival de Cannes— pero de acuerdo al día de su estreno en la cartelera estadounidense es hoy, 14 de octubre, que se cumplen veinte años de una de las cintas más emblemáticas de la década de los ‘90.

 Como la quinta entrega de su filmografía, Quentin Tarantino realiza Pulp Fiction en 1993, que es la recopilación de tres guiones que el estadounidense habría escrito de joven para desarrollarlos como tres distintos largometrajes. Tiempos Violentos, como fue traducida para su distribución en Latinoamérica, fue recibida con grandes expectativas luego del éxito obtenido con Reservoir Dogs (1992), cinta de la que también fuera director, además de guionista y actor. Por cierto, existía una cuarta historia que planeaba incluirse como parte del mismo filme, una que trataba de los atropellos de un robo frustrado de joyas. Esta pieza se trabajo de manera independiente a los otros tres relatos y fue la que fungió de soporte a la realización de Perros de Reserva, precisamente.

 Es aventurado hablar de un filme de este calibre, además de imposible señalar algo que no se haya dicho ya —para bien y para mal— acerca de esta pieza ícono de Tarantino. Homenajeando al cine de clase B y de bajo presupuesto, es una cinta que hace distintas referencias a la cultura pop, que incluye entre sus diálogos y escenas algunos guiños a la misma cinematografía y que, luego de envejecer de la mejor manera y a veinte años de distancia, también ha sido merecedora de algunos otros.

Sandy Olsson y Danny Zuko, en Grease (1978). Debajo, el mismo Travolta como Vincent Vega acompañado de Mia Wallace.

 

Comparación de fotogramas que sugieren una suerte de homenaje a Pulp Fiction de parte de la aclamada serie televisiva Breaking Bad

  Vincent Vega y Jules Winnfield, únicos. Ezequiel 25:17 recitado al pie de la letra como mantra. Cuadros y líneas memorables que han permeado a través de los años como quotes inconfundibles. “Does he look like a bitch?”, una Royale de queso —como les llaman en Ámsterdam, por aquello del sistema métrico—, papas de McDonald’s con mayonesa, y el baile de Mia Wallace en Jack Rabbits Slim’s en loop infinito…

 Nombrada así con base en el término real del vocablo pulp, con algunas de las características fundamentales del cine noir de los años ’40 como particularidades de su realización, aunque clasificada como neo-noir por su cinismo y el abordaje de entornos actuales, Pulp Fiction es varias historias unidas en una misma línea temporal, humor negro e ironía vertidas en la violencia que se extrapola en el relato visual.

“Revista o libro de contenido escabroso que suele imprimirse en papel mal acabado”, indica la descripción.

 El elenco final sufrió algunos cambios respecto al que se planeaba originalmente. El papel de Mia Wallace había sido pensado para Isabella Rossellini, la estrella del cine ochentero Molly Ringwald, Halle Berry, Meg Ryan y Michelle Pfeiffer —esta última, la favorita de Tarantino—; fue ofrecido a Thurman, quien lo rechazó, para tiempo después reconsiderar dicha negativa y finalmente  convertirse en LA Mia Wallace definitiva.

 Vincent Vega fue un personaje que tuvo que ser reescrito y para el que se consideraron nombres como Daniel Day-Lewis, Mel Gibson y Liam Neeson, luego del interés manifiesto por parte de los propios actores, aunque es el director quien se inclina por John Travolta.

 Jules Winnfield es interpretado por Samuel L. Jackson luego de que el actor se ganara de lleno el reconocimiento de Tarantino durante el casting de Reservoir Dogs. Por su parte, para Butch se buscaba el perfil de figuras como Mickey Rourke o Sylvester Stallone, pero es Bruce Willis quien interpretará al personaje adaptándose, además, al bajo presupuesto de este filme y aceptando recibir un sueldo bajo por su participación en él.

 Finalmente, con un cast de primera que incluye figuras como las citadas anteriormente —algunos de estos nombres, constantes partícipes de su filmografía— Tarantino logra consolidar un crew sólido para personificar a cada uno de los individuos que conforman la que ahora se encumbra en las primeras posiciones de numerosos conteos que enlistan las mejores películas de los ’90.

 

26_May_2014_13_28_02_2

 

 Pulp Fiction fue galardonada en la misma ceremonia de su estreno, en el Festival de Cannes, con la Palma de Oro. Acreedora a siete nominaciones para los Premios Oscar de ese año incluyendo las categorías más importantes como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor por John Travolta, Mejor Actor de Reparto por Samuel L. Jackson y Mejor Actriz de Reparto por Uma Thurman; y ganadora del Oscar a Mejor guión original. Reconocida también en las nominaciones a los Globos de Oro y Premios BAFTA de 1994.

 Luego de ella, vendrían entregas como Jackie Brown en 1997, Kill Bill en sus dos volúmenes (2003 y 2004, respectivamente), Inglorious Basterds en 2009 y la más reciente Django Unchained de 2012, todas de la autoría de Quentin Tarantino, piezas con diversos reconocimientos del gremio y que refrendan el perfectamente definido estilo de este cineasta, adorador de la violencia y la sangre, aunque sin lograr igualar el impacto de este filme.

 Rechazo hacia su trabajo por gran parte del público cinéfilo y admiración por parte de otro tanto, lo cierto es que el legado de esta cinta es innegable: se convirtió en una película de culto, un clásico contemporáneo y un infaltable en la memoria cinematográfico de las masas.

 Siempre un deleite revisitar ejemplares como el ahora homenajeado por sus primeros veinte años de vida. Rindamos los honores correspondientes subiendo el volumen a esta pieza musical, un shot de adrenalina a los oídos. Larga vida a los Tiempos Violentos.

giphy-21

 

Inicia el Festival Internacional Cervantino 2014

Durante la noche anterior tuvo lugar la ceremonia con que se dio inicio a la que bien podría considerarse la fiesta cultural más grande que cobija este país. Durante casi todo un mes, el estado de Guanajuato recibe a millares de visitantes, entre nacionales e internacionales, que buscan atender la amplia oferta de actividades de distintas disciplinas que se desarrollan entre sus más grandes y ostentosos recintos, calles, callejones y plazas públicas. Sí, el Festival Internacional Cervantino está aquí.

 El emblemático Teatro Juárez fue la sede de dicha gala, en la que se dieron cita personalidades como el presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), Rafael Tovar y de Teresa, y Miguel Márquez Márquez, gobernador del estado de Guanajuato para, a su vez, dar la bienvenida al Príncipe de Japón, Akishino, y a su esposa Kiko, quienes hicieron los honores de inaugurar la participación de su patria, país invitado de honor, dentro del programa de actividades de esta edición número 42 del Festival.

 Además de hacer notar los 400 años que se cumplen de la relación comercial y diplomática entre Japón y México, el Príncipe Akishino se mostró entusiasmado con su visita a tierra azteca y enalteció el lugar del Cervantino a nivel mundial, calificando la actual participación del Estado oriental en el FIC como uno de los acontecimientos más relevantes entre ambas naciones.

 

Es muy conocida la cultura de Japón a través de su cine, su literatura, sus artes visuales, su música y, sobre todo, a través de esa forma peculiar del ser colectivo japonés

– Rafael Tovar y de Teresa.

La noche culminó con la presentación del grupo Tokyo Dageki Dan, ensamble japonés fundado por Jin-ichi Hiranuma en 1995 que consiste en un grupo de percusiones que toman como instrumento principal el taiko, un tipo de tambor japonés, y que entre la cadencia y el ritmo de sus vibraciones, remontan a la festividad tradicional y a las melodías legendarias del folclor y de la cultura de su pueblo. Este evento tuvo lugar en la Alhóndiga de Granaditas, uno de los espacios clave dentro de las locaciones del Festival y recinto anfitrión de gran parte de los eventos gratuitos al público en el marco del período cervantino.

 

 La velada inaugural pudo ser captada por la audiencia desde distintos canales comunicativos como lo fueron dos señales de stream desde el propio portal del Festival, además de la transmisión radiofónica mediante Radio Educación y la estación de la Universidad de Guanajuato, y su televisación en tiempo real a través de la señal de Canal 22, TVUNAM, y señales locales de los estados de Guanajuato, Chihuahua, Durango y Querétaro.

 Nada menos que cuatro décadas son las que respaldan la indiscutible calidad de esta celebración a la cultura y las artes posicionada como la más importante de México y América Latina, celebrada en una ciudad de particular encanto, belleza y valor, declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad y reconocida como la Capital Cervantina de América.

Con un vasto y diverso programa de actividades, y con la intención de extenderse mucho más allá de los límites físicos de la ciudad guanajuatense, el Festival Internacional Cervantino ha dado inicio de manera oficial y estará activo hasta el día 26 de octubre. Desglosaremos algunos de los actos más relevantes de la jornada cervantina, pero puedes consultar la programación completa aquí.

“El arte como único bálsamo frente a la barbarie”: Jorge Volpi

Por la tarde del 8 de octubre tuvo lugar una protesta en las calles de la ciudad de México, una más. Bajo la tesitura del caos citadino en el que vivimos, una manifestación como ésta es, para muchos, el equivalente a revueltas de saldo incierto, precaución de posibles represalias y contingencias responsables de alteraciones en la rutina, de tráfico y de bloqueos viales.

 “Esos que se quejan de que la ciudad está hecha un caos deberían de ver que el país está peor”, leía.

 La movilización de la ciudad de México derivó en movilizaciones paralelas en Mérida, Chiapas, Veracruz, Chihuahua, Quintana Roo, Guerrero e incluso en otros países como Bolivia, Honduras y Alemania, en donde también se condenan y repudian las atrocidades que toleramos a diario: secuestrados en libertad, coartados de razones, imposibilitados de soluciones y con el deber de aceptar la trivialización de la violencia como el modo de vida que se nos quiere inducir.

 Es motivo de regocijo un poco de sensatez en medio de la indolencia. Anoche, durante la ceremonia con la que se daba por inaugurada la edición 42 del Festival Internacional Cervantino en el estado de Guanajuato, no todo fue formal y solemne. No se tuvieron ojos ciegos ni oídos sordos al panorama real en el que nos encontramos, y no la imagen del México Mágico que se maquilla para la diplomacia.

 Guanajuato se unió también al llamado de justicia. Luego de que durante esa tarde las calles principales de la ciudad capital del estado se llenaran de manifestantes en busca de respuestas y exigiendo el esclarecimiento de los hechos, el escritor Jorge Volpi, director del Festival, pareció solidarizarse al movimiento y dedicó algunas palabras concretamente a este hecho. Equiparó los siniestros incidentes de Ayotzinapa con algunos otros incidentes de la misma índole en otros lugares del mundo, manifestando también la opinión de que sólo el arte es capaz de sensibilizar al ser humano.

 Pero cuál es el paso siguiente a esa sensibilización, es la pregunta. “Tenemos que admitir que seguimos siendo salvajes”, señaló. “Bastaría enterarnos de las tragedias que cimbran a Siria o a Irak, o más cerca de nosotros, de los asesinatos de los jóvenes normalistas de Ayotzinapa, en Iguala, para perder cualquier confianza en el género humano”.

 No es un gritar por gritar, y marchar sin sentido. No son sólo pancartas con unas cuantas líneas escritas, ni cánticos vacíos al unísono. Es un susurro agonizante pero sólido y consistente. Es un clamor de suplicio. Es incertidumbre, desesperación, impotencia y rabia. Es esquivar la resignación y buscar la concepción utópica de la justicia consagrada. Es México, que no perdona ni olvida. Y la lucha sigue.

 

Pero entonces la sangre fue escondida
detrás de las raíces, fue lavada
y negada
(fue tan lejos), la lluvia del Sur la borró 
de la tierra
(tan lejos fue), el salitre la devoró en la
pampa:
y la muerte del pueblo fue como siempre
ha sido:
como si no muriera nadie, nada,
como si fueran piedras las que caen
sobre la tierra, o agua sobre el agua.

De Norte a Sur, adonde trituraron
o quemaron los muertos,
fueron en las tinieblas sepultados,
o en la noche quemados en silencio,
acumulados en un pique
o escupidos al mar sus huesos:
nadie sabe dónde están ahora,
no tienen tumba, están dispersos
en las raíces de la patria
sus martirizados dedos:
sus fusilados corazones:
la sonrisa de los chilenos:
los valerosos de la pampa:
los capitanes del silencio.

Nadie sabe dónde enterraron
los asesinos estos cuerpos,
pero ellos saldrán de la tierra
a cobrar la sangre caída
en la resurrección del pueblo.

En medio de la Plaza fue este crimen.

No escondió el matorral la sangre
pura
del pueblo, ni la tragó la arena de la
pampa.

Nadie escondió este crimen.

Este crimen fue en medio de la Patria.

– Pablo Neruda

 

 

BzeaiecCEAEuwkgBN

 

 

México en Francia: Festival Viva Mexico 2014

Anteriormente hemos dedicado ya algunos espacios para hablar acerca del lugar del que se ha hecho la cinematografía mexicana a su paso por distintos países y circulando por diferentes festivales del globo, con el único fin de dar a conocer de primera mano el papel real que está jugando México al percatarse bajo miradas curiosas que le perciben como una potencial generadora prolífica de la industria, y no sólo escuchar de ello a ecos de otras voces.

 Son ciertas producciones, ciertos directores, ciertos galardones. Exposición mexicana pequeña aunque constante, aquí y allá. Pero, lejos de lo que se había hecho hasta ahora, en Francia se concibe un proyecto equivalente a lo que el Tour de Cine Francés es en México. Es decir, un circuito ambicioso, enfocado y mejor estructurado que tiene la intención de abarcar exclusivamente la obra, los personajes y lo referente a creaciones mexicanas. Nace, así, el Festival Viva Mexico, Rencontres Cinématografiques que desde hoy, 7 de octubre y hasta el día 14, celebra su segunda edición en la capital francesa.

 En estos encuentros cinematográficos creados con el propósito de fomentar un acercamiento directo a la productividad fílmica mexicana, se proyectarán cintas como Guten Tag, Ramón (dir. Jorge Ramírez Suárez, 2013), González (dir. Christian Días Pardo, 2013), y Güeros (dir. Alonso Ruizpalacios, 2014), de las que hemos hecho menciones previas, así como la recientemente erigida como epítome de la cinematografía mexicana y monstruo de la taquilla nacional, No se aceptan devoluciones (dir. Eugenio Derbéz, 2013).

 Asimismo, se incluye la última cinta del realizador mexicano Fernando Eimbcke, Club Sándwich (2012), presentada en la edición de 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia y parte de la 55 Muestra Internacional de la Cineteca; y Las Búsquedas (dir. Jorge Luis Valle, 2013) —el también director de Workers (2013)— cinta protagonizada por Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez y Gabino Rodríguez,  galardonada en distintos festivales de México (Monterrey, Riviera Maya), y parte de la programación del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) en su pasada edición de 2014.

 Cine Niño es un apartado especial de la programación en el que se incluirán proyecciones de cortometrajes dirigidos hacia el público infantil, principalmente de animación, para familiarizar a los niños desde temprana edad con otro tipo de cine al que pudieran ya conocer. Otro de los ejes principales dentro del programa de actividades será el Homenaje a María Félix, diva del cine mexicano que radicó en Francia durante mucho tiempo y figura de quien en este 2014 se celebran cien años de su natalicio.

 Viva Mexico ha tenido logros mucho mayores, como lo son algunos encuentros culturales que han culminado en acuerdos con productoras de Quebec y Corea para futuras exhibiciones de cintas mexicanas en aquellas locaciones. (Y estamos hablando, apenas, de su segunda edición…).

 Es difícil aquella concepción de cómo, sabiéndonos procreadores de talentos, se recibe y se da mucha más atención del y al extranjero, que de y a los propios compatriotas. Este paralelo al Tour de Cine Francés es una muestra más de ello, pero también del posicionamiento constante que tiene México dentro del séptimo arte, de esa butaca que le ha sido otorgada y que bien ha sabido preservar gracias a la creciente cifra de filmes que cumplen con ciertas expectativas —o que incluso sorprenden al rebasar las mismas—, así como de la suma atención que recibe de parte de otros países, incluso líderes de la industria. Quizás, así, nos demos cuenta de que ya va siendo tiempo de que aprendamos a consumir lo propio.

 A continuación puedes disfrutar del teaser completo de Viva Mexico, y dar un vistazo a su programa completo de actividades en su sitio oficial.

Sitio oficial Viva Mexico |

La añoranza hilvanada: Punto de Cruz

 Bésame, bésame mucho, como si fuera esta noche la última vez. El tarareo constante. Bésame mucho, que tengo miedo a tenerte, perderte después. La misma canción.  Piensa que tal vez mañana, estaré muy lejos, muy lejos de ti…

 Rebeca es abuela de Sebastián, un (no tan) niño de trece años que queda a su cargo luego de que el padre del pequeño hubiera emigrado a Estados Unidos, y la madre le abandonara.

 Sebastián se apresura a terminar las tareas escolares porque su único afán es salir a jugar fútbol con sus amigos por la tarde. Rebeca prefiere convencerlo de quedarse a cenar juntos, de lavar los trastes y de leer la Biblia con ella porque “algo bueno debe aprender”. Él, pese a su edad —y terquedad— sobrelleva a diario los caprichos de la edad de ella, sus anticuadas creencias, historias repetidas en infinidad de ocasiones e incluso soporta los castigos a la vieja usanza que en ocasiones le son otorgados.

 Condescendencia. Se ocupa en tener en orden su ropa, los trastes de la cocina limpios, administrar correctamente las medicinas a ella, complacer sus voluntades aun cuando parecen desvaríos de los años. Es un desacuerdo constante que se detona por el choque de las costumbres, del modo de vida, de las ideas y concepciones entre el mundo real y la ilusión de lo que fue.

 ¿Realmente llega a ser abrumador el hastío de la rutina? El contagioso desánimo escondido en el día a día, el hábito soporífero, el fastidio de la repetición mecánica de los actos y, en este caso, el manotazo o el jalón de orejas aparentemente oportunos, junto de ti, que anteceden a cualquier muestra de curiosidad, a cualquier cosquillita que desde dentro te empuje a salir del molde. Porque a los trece años nadie piensa en leer la Biblia, ni en querer ser como Job; nadie disimula el bostezo inmediato al escuchar las palabras “es que cuando yo tenía tu edad…”. No se cree en las brujas que chupan el alma, ni en los males del pueblo. A esa edad hay inquietud, valentía y alboroto ante todo; crecen las agallas, a veces a la mala, y se comienza a ser consciente de esa sensación nueva que traen las ganas de querer comerse el mundo. No está el mañana, la ansiedad de vivir es del hoy.

 Pero viene la reflexión al encontrarse en un espejo ajeno y, con ello, el ineludible ejercicio personal de preguntarnos si a la edad actual, hoy, pudiéramos volver atrás a aquellos días y comprender un poco de lo que ahora sabemos para cambiarlo. Premisa abordada en muchas ocasiones, de diversas maneras, y dilema por el que más de uno ha pasado. Hacer o no hacer. Evitar o no. Irse o quedarse. Decir o no decir, incluso. “Y si te digo que te quiero, ¿ya no te mueres?”. Regresar a aquellos regaños que terminan por resultar poco menos insoportables a la distancia, el suéter protector, calientito como un abrazo suyo, y el tarareo, ése, el mismo de siempre.

 Texto que nació como proyecto de un taller de la Royal Court International Playwrights en México hace diez años a manos de Francisco Reyes y que crecía apenas a voz de una lectura dramatizada, es lo que ahora vemos convertido en una sólida pieza teatral conformada por tres capítulos. Punto de Cruz es su nombre, y es protagonizada por la entrañable actriz Concepción Márquez, y por un joven y prometedor Armando Durán quienes, bajo la siempre admirable dirección de Hugo Arrevillaga trabajaron previamente esta pieza durante poco más de dos meses.

 El dinamismo del montaje es manifiesto, como cualidad recurrente del quehacer escénico de Arrevillaga, quien es por demás una de las figuras mejor consolidadas de la dramaturgia contemporánea nacional. Las ocasionales intervenciones en tercera persona del relato como preámbulo de los episodios invita a los presentes a conocer y empaparse de la historia; la escenografía juega un papel clave en ello con una plataforma-escenario construido con piezas de madera que se presta al imaginativo del público, y que permite que las cerca de setenta personas que conforman el aforo se sientan íntimamente involucradas al acontecimiento histriónico.

 El montaje es un relato muy breve en comparación con su intensidad. Es una enternecedora historia que se teje de esa madeja de reminiscencias color azul turquesa. Una caricia al recuerdo y un consuelo al alma. Amor, memoria, legado.

 

ñewif

 

 Punto de Cruz debuta en la cartelera teatral y, aunque precipitado, no parece lejano apostar por que sea su primera temporada de muchas. Se presenta en el Teatro Benito Juárez, parte del circuito de Teatros de la Ciudad de México, los días martes y miércoles a las 20:00 hrs. hasta el 29 de octubre.

Leer la Historia: FILAH

Es uno de los museos de ley, sobre todo en la etapa escolar temprana, y recurrente de repasos posteriores al pasar de los años. La presentación del acto de los voladores de Papantla en una tarde de domingo, o la venta de artefactos de temática precolombina a las afueras del recinto son parte del ritual de visita.

 (Me uno, además, al cuantioso número de adoradores de aquella maravillosa caída de agua en el medio de su patio).

 El imponente Museo Nacional de Antropología abre sus puertas para mostrar mucho más que las colecciones prehispánicas que ya conocemos. Además de esta colección de reliquias que llenan cada una de las salas en que se divide, han desfilado por su explanada algunas muestras itinerantes. Actualmente, y como parte del festejo por los 50 años de vida que el Museo cumple en este 2014, se encuentra expuesta —por primera vez en México— una colección de obras de autoría del artista chino Ai Weiwei. Inspiradas en el zodiaco que forma parte de la idiosincrasia de aquel país nipón, las doce piezas de bronce que conforman la colección, han circulado por ciudades de todo el mundo.

La exhibición de estas piezas en el MNA tiene, justamente,
el propósito de incrementar el interés en el público joven, que
goza de 
la alternativa de acercarse a la cultura por mero placer
y no 
necesariamente obligado por los deberes escolares.

Inaugurada en el mes de julio, estará disponible para el público hasta finales del año.

 

 A la par de esta muestra, el MNA cobija también en sus adentros a otro tipo de invitados. Nada menos que 70 casas editoriales, 96 presentaciones de libros con temas que van de etnografía, historia y arqueología, actividades culturales, recitales musicales, foros académicos, conferencias, coloquios, y el invitado de honor que es el estado de Michoacán. Todo esto es lo que conforma la XXVI edición de la Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia (FILAH).

 En conjunto con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), el MNA incluye en el marco de esta Feria eventos académicos como el VII Encuentro de Lenguas en Peligro; Voces Infantiles de los pueblos indígenas; el IV Encuentro del Libro intercultural y en Lenguas Indígenas, con el fin de fomentar la lectura y la escritura, el consumo y la producción de la escritura indígena nacional, y el X Coloquio de las Africanías para revisar la afrodescendencia y la diversidad cultural, huella que ha dejado el continente negro.

 Habrá también un ciclo de cine con proyecciones de documentales a razón de los 50 años de la Fonoteca del INAH, además de las presentaciones musicales del Grupo P’urhembe, Grupo Pelaxilla —de música regional oaxaqueña—, Grupo Gabán —música tradicional michoacana— y del trovador igualmente oriundo de Michoacán, el estado invitado de honor, Joaquín Pantoja.

 

 El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA) es también pilar de este evento y aportará al listado de actividades algunas con enfoque al público infantil como talleres de elaboración de piezas prehispánicas, bordado de camisetas, así como la inserción a la Feria del Programa Alas y Raíces que sumará una serie de eventos de cuentacuentos.

 Disponible al público hasta el próximo domingo 5 de octubre, la visita a la XXVI Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia (FILAH) es de entrada gratuita.

 Puedes consultar el programa completo aquí.

 

Museo de Arte Moderno: 50 años, 50 obras

Erigido a las afueras del pulmón más grande de la ciudad de México, el Museo de Arte Moderno se viste de gala para recibir a sus visitantes en una exposición retrospectiva que se compone de obras maestras, cuidadosamente elegidas de entre su vastísimo acervo artístico, para conmemorar sus primeros cincuenta años de vida.

 Es en una de las salas de la parte superior del recinto donde la directora del MAM, Sylvia Navarrete, da la bienvenida a los asistentes con un pequeño texto introductorio a la muestra, en el que rescata un poco del pasado del Museo, su transición para llegar a ser lo que ahora conocemos, su relevancia, históricamente hablando, y la reunión de algunas memorias.

 El Museo de Arte Moderno posee un acervo de, aproximadamente, dos mil 500 piezas, constituyendo así uno de los fondos institucionales más exhaustivos del siglo XX.

En sus numerosas exposiciones se han exhibido trabajos de 773 destacados artífices de la pintura, la escultura y la fotografía, entre otras disciplinas.

 En la muestra La colección. 50 años, 50 obras se reúnen ejemplares de pintura y escultura de 36 distintos artistas activos durante la primera mitad del siglo XX. Destacan nombres como el de Frida Kahlo y Diego Rivera, Ángel Zárraga, José Clemente Orozco, Remedios Varo y Leonora Carrington, María Izquierdo, Dr. Atl, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, entre otros.

 Además del valor estético que implica el tener grandes obras concentradas en un mismo espacio, se suma un valor histórico, puesto que un número considerable de las piezas ahora expuestas, también formaron parte de la ceremonia de inauguración del MAM, en el año de 1964. “El fiel público del MAM, el que asistió a su inauguración, el que correteaba en la infancia por sus salas y jardines, el que sigue visitando sus exposiciones y pendiente de sus actividades académicas y lúdicas, volverá a identificarse con este patrimonio que es suyo”, refiere Navarrete.

 A lo largo de la muestra se incluyen detalles de algunas de las obras para contextualizar a los visitantes, lograr una mejor comprensión y, por tanto, un mejor recibimiento.

 

La vendedora de frutas, de Olga Acosta (1951)

Fue realizada por un encargo que le realizó Fernando Gamboa —en nombre del
Instituto Nacional de Bellas artes (INBA)— a Acosta para la Exposición de Arte Antiguo y Moderno Mexicano, en el Museo de Arte Moderno de París, en 1952.
El cuadro se simboliza la diversidad y riqueza natural de México.

 

Paisaje con piña, de María Izquierdo (1953)

Izquierdo solía representar la vida cotidiana del pueblo. En este ejemplar de altos contrastes
se observa en primer plano una piña tirada y, como antítesis de esa vivacidad
el conjunto de troncos secos y desnudos, en punto de fuga.

 

Huerta del ex Convento de Guadalupe, Zacatecas, de Francisco Goitia (1940)

Goitia recurre al género del paisaje para retratar su natal Zacatecas.
La escena realista se retrata con la técnica del impresionismo.


La espina, de Raúl Anguiano (1952)

En 1949, Anguiano es convocado por Fernando Gamboa para formar parte de la expedición
a la Selva Lacandona para registrar los murales descubiertos en Bonampak en 1946.
Anguiano escribe en su diario acerca de María, su guía durante el viaje,
y de aquella ocasión en que se le clava una espina en el pie y recurre
a él para pedirle su navaja y poder sacarla.
Tres años después, pintaría este cuadro.

 

 En la parte media de la exposición, se acapara una pared entera para explicar de manera dinámica la historia del MAM en una línea del tiempo que comienza en 1921 con la mención de José Vasconcelos como primer Secretario de Instrucción Pública y la creación del Departamento de Bellas Artes, la posterior creación del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), la construcción del Museo de Arte Moderno basada en un diseño del Arquitecto Pedro Ramírez Vázquez y el inicio de su funcionamiento el 20 de septiembre de 1964; la mención de todos los Directores del MAM —desde Carmen Barreda y hasta Sylvia Navarrete— y memorias de los eventos que ha cobijado el Museo: exposiciones colectivas e individuales; de artistas nacionales e internacionales; temáticas, de alguna corriente artística en particular; de pintura, fotografía, diseño industrial, arquitectura; homenajes, retrospectivas, coloquios, filmaciones de películas y un largo etcétera.

 La exposición culmina  en una pequeña sala en la que, literalmente, se dan cita artistas y personalidades implicados, de alguna u otra manera, en la historia de este quincuagenario recinto. La estética del diseño se resolvió en blanco y negro, acaso para remontarnos un poco más al pasado, un viaje en el tiempo, como si nos hicieran parte de ese montaje en el que se encuentran. Divididos en dos secciones que simulan hileras de butacas, los invitados permanecen ahí, como mirando a los asistentes, como agradeciendo la visita a éste, uno de los patrimonios físicos artísticos más queridos y visitados de la ciudad.

 

 

 Una muestra con grandes ejemplares artísticos que provocan el despertar de esa noción nuestra de la riquísima cultura que poseemos, y que por momentos pasamos por alto. Bien vale la pena darse la oportunidad de visitarla con tiempo para empaparse del propio legado artístico y reencontrarse con este grupo de piezas célebres. Imperdible.

 El MAM mantendrá abierta al público su muestra la colección 50 años, 50 obras hasta la segunda semana de febrero.

México en el Reino Unido: Raindance Film Festival 2014

 Han apenas concluido los primeros días de actividad de la vigésima segunda edición del Raindance Film Festival de Londres, en cuyo programa se reúnen casi doscientas producciones de las que, algunas, figuran en competencia de categorías como Documental y Drama para largometrajes estadounidenses y mundiales, Cortometraje narrativo internacional, Cortometraje documental y Cortometraje animado. Otras cintas y documentales del film list harán aparición en los eventos del Festival sólo para una presentación formal, a manera de premieres oficiales a la crítica y al público. Habrá también apartados como Sundance Kids —enfocado a los niños, como su nombre lo dice— y From the Collection —cintas selectas—, entre otros.

Dentro de la lista de filmes a proyectarse en esta edición de 2014, México vuelve a enaltecer su nombre a nivel mundial en el ámbito cinematográfico con algunos ejemplares, dignos representantes. Cortometrajes y largometrajes figuran en el programa, aquí hacemos mención de algunos de ellos:

  • César Chávez. “El mexicano que desafió a Estados Unidos”. Es una biopic suyo proceso de realización se extendió por cerca de cuatro años. Narra parte de la vida de este personaje fallecido en 1993, líder y activista que, con protestas de no violencia, luchó por la defensa de los derechos civiles de los campesinos mexicanos en territorio yanqui. Con John Malkovich y Rosario Dawson como parte del elenco, y dirigida por Diego Luna, será la encargada de inaugurar la participación mexicana en el Festival.

 

  • Edén. Parte de la programación del Festival Internacional de Cine de Guanajuato en la edición 2014, narra la historia de Alma, quien, luego de haber vivido en el extranjero junto con su padre, John, regresa a su pueblo natal para enterarse las posibles razones de aquella abrupta mudanza. Es una cinta de 95 minutos de duración filmada en San Miguel de Allende y dirigida por Elise Durant.

  • González. Dirigida por Christian Díaz Pardo, fue parte de la programación de circuitos como el del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) y del Festival Internacional de Cine de la Riviera Maya (RMFF), en las ediciones de 2014. Fue una de las películas que la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) había contemplado como posibles contendientes a representar a México en las próximas entregas de los Premios Oscar y Goya.

https://www.youtube.com/watch?v=pbqH37LcKmY

  • Grazing the Sky (A ras del cielo). Coproducción española de poco más de ochenta minutos de duración. Este documental dirigido por Horacio Alcalá es una bella crónica de la vida de un conjunto de artistas circenses. Se retrata la pasión por el oficio, el arduo trabajo diario, la intimidad y los vínculos creados entre los performers en busca de la perfección de sus actos. Al ser un trabajo que agrupa testimonios de talentos de distintas nacionalidades, se optó por que el tráiler se emitiera en el audio original, pero con leyendas y subtítulos en inglés.

https://www.youtube.com/watch?v=jvvPgTwWYG8

  • Navajazo. Igual que con la cinta González, esta placa formó parte de FICUNAM y RMFF en sus ediciones de 2014. Dirigida por Ricardo Silva, es un “documental de ficción”, como él mismo lo llama, rodado en Tijuana. Galardonado como Mejor Cineasta del Presente en el Festival de Cine de Locarno, en Suiza, Silva retrata en esta producción la crudeza de la vida diaria en un ambiente hostil, de lucha constante entre los personajes, donde bien confluyen las historias de drogadictos, prostitutas, migrantes, etcétera.

 

  • La Piedra Ausente. Conformado por archivos reales de materiales recuperados, fragmentos de animación y de grabaciones actuales, este documental de Sandra Rozental y Jesse Lerner narra el detrás de que existió durante el traslado del monolito con la figura del dios Tláloc desde el pueblo de San Miguel Coatlinchan, Texcoco, hasta su ubicación actual, a las afueras del Museo Nacional de Antropología.

 

  • Diego. Cortometraje dirigido por Sara Seligman Carriazo de duración de quince minutos que tiene como línea argumentativa principal aquello de que “la violencia es equivalente a una hombría bien forjada”. El protagonista, de apenas diez años, vive con la presión e imposición de esa forma de vida, pero su inocencia y ternura, la burbuja en la que él se resguarda, podrían ser la excepción a la regla.

 

 El intercambio cultural directo entre México y el Reino Unido no termina aquí, ya que se planea que para la edición de Raindance del año próximo, se lleve a cabo un encuentro de coproducción enfocado a la industria del cine mexicano, esto con el apoyo del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

 Además, con el apoyo del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), se traerá a nuestro país una muestra representativa de ejemplares del cine independiente del Reino Unido.

El cine mexicano ha descubierto en este encuentro fílmico una ventana para su proyección en el continente europeo, y la muestra de materiales que se exhibirán dan un panorama de su riqueza, diversidad temática y estilística.

– IMCINE.

 Todo indica que el 2015 será el año de México en el Reino Unido y viceversa, ya que también se prepara una muestra de cine gótico en alianza con la Cineteca Nacional, y hay proyección de trabajar con el Festival Internacional de Cine de Morelia para que la cinematografía británica tenga mayor presencia en el marco de sus actividades.

 Raindance Film Festival en su edición de 2014 dio inicio apenas en la noche del 24 de septiembre y culminará el día 6 de octubre, en Londres.

Escena: Santificarás las fiestas

Mentiría si dijera que recuerdo los diez mandamientos católicos después de años de aquellas pesarosas clases de catequismo de la niñez. Son de esas cosas que eventualmente se olvidan, como los nombres de los niños héroes, creo que no conozco a muchas personas que puedan enunciar la lista completa de sus nombres de un solo jalón. En fin, la cosa es que sí, memoricé algunos pero, salvo la temporada de películas de temática bíblica transmitidas durante la semana santa, la verdad es que muchos de nosotros nunca más acostumbramos hacer evocación de ese Decálogo.

 “Santificarás las fiestas”, sentencia uno de ellos, aunque lo cierto es que en nuestra realidad los días feriados resultan un mero pretexto para reunirnos, y casi todos podríamos testificarlo con base en lo vivido apenas hace unos días en la cena del 15 de septiembre, por ejemplo. Motivos para estar en familia o amigos, celebraciones en grande, mucho alboroto y sobre todo mucha comida. El día de la madre, el del padre y ni qué decir de fechas como Nochebuena, Navidad y Año Nuevo.

 Y puede ser, quizás, que llegue un momento en que el presenciar esas fiestas se cumpla más por mera tradición y obligación moral que por verdadero deseo. Esa parte de la familia que no te agrada o que ni conoces, reuniones tan grandes que pierdan la intimidad que se tendría con un reducido número de invitados, o reuniones tan pequeñas que te hagan creer que se trata de una cena cualquiera en una fecha cualquiera…

 La historia se ubica en la lluviosa noche de un 31 de diciembre. Marisa busca la manera de lograr llegar a la cena, puntual y con un acompañante. Mientras, en casa le esperan Otilia, su hermana menor, encargada de cocinar los manjares a degustar, y tía Felisa, quien ha quedado al cuidado de ambas hermanas luego de la muerte de su hermana, la madre de ellas. A detalle, los personajes se vuelven más particulares y poco menos convencionales: Marisa padece de sobrepeso, Otilia, por el contrario, es bulímica, la tía Felisa fuerza a ambas a “superar” estos complejos muy a su manera, además de hablar a diario con su difunta hermana, y ese acompañante de Marisa resulta un total desconocido con quien coincide accidentalmente horas antes de la cena y a quien le pide fingir ser su novio solamente por esa noche.

Marisa, Sergio, Otilia y tía Felisa a la mesa.
Marisa, Sergio, Otilia y tía Felisa a la mesa.

 Santificarás las fiestas es el nombre de esta puesta en escena basada en un texto de Conchi León que, llena de sentido del humor y de líneas satíricas e hilarantes, presenta en prácticamente un solo acto y haciendo uso de esta fiesta decembrina con pastel de elote, fuegos artificiales y rituales de calzones rojos, un detallado retrato de la disfuncionalidad humana de forma individual y en interacción con otros. Una crítica a los patrones sociales, sujetos a convencionalismos, y en donde, parafraseo una línea de la obra, “sería bueno que vendieran sonrisas falsas junto con las esferas para los árboles de navidad”. Aunque —mencionan, también— de cerca, nadie es normal.

En esta obra nadie come, nadie habla, el vacío se instala en

nuestros platos y la negrura acompaña.

Pero somos cursis y creemos que quizá los fuegos artificiales

que anuncian la llegada del nuevo año (o el amor)

puedan iluminar un poco esta pinche noche oscura.

– Conchi León.

 Esta pieza teatral reúne en un mismo escenario a cuatro destacadas figuras de la escena: Conchi León, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), es autora del texto y también da vida a Marisa. Otilia es representada por Mariana Hartasánchez, galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia en 2014 por la obra El último de los hermanos Salmón. Alfonso Cárcamo, escritor, actor y director de numerosas obras que han sido llevadas a ciudades como Bogotá, Sao Paulo, Nueva York y Buenos Aires, interpreta a ese novio ficticio y por cierto, de oficio poeta— llamado Sergio. Finalmente, la tía Felisa es personificada por Paloma Woolrich, actriz de cine, teatro y televisión activa en el medio desde 1968.

 Con la impecable dirección de Boris Schoemann y producida por Compañía Los Endebles, Santificarás las fiestas fue estrenada apenas el pasado 11 de septiembre y formará parte de la siempre nutrida cartelera del Centro Cultural del Bosque hasta el 19 de octubre, ofreciendo funciones de jueves a domingo.

#FIC2014 Acción y transformación ciudadana: Proyecto Ruelas

 

Estamos cada vez más próximos a la cuadragésima segunda edición del Festival Internacional Cervantino, uno de los entes culturales más importantes a nivel nacional e incluso con reconocimiento a nivel internacional, por lo que nos hemos dado a la tarea de profundizar en algunos de los eventos y actividades de su programa para hacer más accesibles los atractivos que trae consigo.

 Rescatando el prestigio y resonancia que tiene el Festival a distintas escalas, hace uso de ello de la mejor manera, incluyendo entre sus principales objetivos no solamente el entretenimiento y la distracción de los asistentes, sino también la inclusión de los propios guanajuatenses en jornadas de esparcimiento apegadas al fin cultural de sus actividades.

 En alianza con la Universidad de Guanajuato y los gobiernos estatal y federal, en esta ocasión se dará inicio a un espacio nuevo de aproximación a la cultura para distintas comunidades, con la finalidad de la vinculación ciudadana entre los habitantes mediante formas de convivencia colectiva en relación con las artes.

 Se trata del Proyecto Ruelas, nombrado así a raíz del Mtro. Enrique Ruelas, académico reconocido, notable figura de gran significación para la Universidad, para Guanajuato y para la dramaturgia, pionero del teatro y creador de los llamados Entremeses Cervantinos —escenificaciones teatrales callejeras de tradición en el marco del Festival—. Esta iniciativa no tiene más propósito que retomar la concepción que se tenía del teatro en la antigüedad: una actividad al alcance de todos, realizada en espacios públicos y abiertos, y siempre con un mensaje a transmitir.

Maetro Enrique Ruelas Espinosa (1913-1987)
Maestro Enrique Ruelas Espinosa (1913-1987)

 Tomando como modelo los mencionados Entremeses del Mtro. Enrique —montados con miembros de la Universidad y habitantes de la ciudad—, el Proyecto Ruelas se llevará a cabo en cuatro comunidades de los municipios de León, Salamanca y San José de Iturbide, elegidas por sus altos índices de pobreza y bajos niveles educativos.

 Encabezadas por los artistas Sara Pinedo, Raquel Araujo, Javier Sánchez Urbina y Luis Martín Solís, en cada uno de estos sitios se mostrará como proyecto final el montaje de las obras El mercader de Venecia, Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta, El Rey Lear, Hamlet y Los dos hidalgos de Verona, todas de la autoría del dramaturgo William Shakespeare como parte de la conmemoración del aniversario 450 de su natalicio, también parte de este Festival Cervantino.

 Aunque los montajes finales se representarán a la comunidad en este mes de septiembre, y en el mes de octubre como parte del programa Cervantino para Todos, este proyecto viene gestándose desde junio, mes en el que los citados dramaturgos comenzaron su residencia en la comunidad en la que desarrollarían este trabajo, con la finalidad de integrar a los participantes y comenzar a involucrarse personalmente con las labores.

De inicio a fin, nacimiento, maduración y conclusión, los vecinos se involucrarán en todos los puestos requeridos, haciendo de actores, técnicos, productores, asistentes de vestuario, tramoya y todo lo que sea requerido en cada producción.

Proyecto Ruelas, 2014

Este proyecto de acción y transformación ciudadana será, por primera vez, parte del FIC en su edición de 2014, a dar inicio este próximo 8 de octubre y hasta el día 26. Puedes consultar más información aquí, y el programa completo en el sitio oficial del Festival.

Preview: Festival Internacional Cervantino 2014

 Cervantino-2014

Posicionado quizá como uno de los eventos más esperados de todo el año, el mes de octubre trae consigo el Festival Internacional Cervantino. Nombrado así tras uno de los pilares de la literatura española, Miguel de Cervantes Saavedra, este Festival se lleva a cabo año con año en Guanajuato: en la ciudad capital y en León, la más grande del estado. Ambas locaciones ya de por sí implican un grandioso atractivo por sí mismas. Su arquitectura de calles empedradas, estrechos callejones y misteriosos túneles, además de su riqueza inmaterial, son testigos de esta jornada artística que se extiende por casi todo el mes y en la que confluyen actos relacionados con las artes escénicas, visuales, la danza y la música.

 El encanto de esta fiesta cultural radica, sin duda, en la diversidad. Encontramos actos de distintos costos y también gratuitos; protocolarios, de boleto en mano, o con la espontaneidad que implican los actos en plazas públicas; es posible una ópera en el teatro y una fiesta subterránea en el mismo día y prácticamente en el mismo espacio. Además, reúne ejemplares sobresalientes de diferentes disciplinas y a todas escalas: se considera a los proyectos locales emergentes, se extiende la invitación a proyectos de distintos estados de la República y se da la merecida bienvenida de los asistentes internacionales, logrando así una pluralidad espléndida.

 Este año se llevará a cabo la cuadragésima segunda edición, y tendrá a Japón como país invitado de honor, y a Nuevo León como estado invitado de honor. Uno de los ejes fundamentales será la conmemoración del 450 aniversario del nacimiento de William Shakespeare y, con ello, denotar la influencia inagotable de la obra del dramaturgo inglés aún en nuestros días mediante mesas de discusión, y la inclusión de adaptaciones teatrales y cinematográficas de sus obras, entre otras actividades.

 Los días pasan, la cuenta regresiva se recorta y, a poco menos de un mes de que dé inicio, la revisión a la vasta lista de actividades y eventos parece interminable. Debates, ensambles musicales, conferencias magistrales, ciclos de cine, colectivos teatrales y compañías dancísticas son sólo un poco de lo que sucederá en el marco de esta edición y durante los diecinueve días activos del Festival.

 En publicaciones posteriores dedicaremos más espacios para tratar a detalle algunos de los highlights de la programación de este año. A continuación el teaser oficial completo, que incluye su esquema de actividades y en el que se modela un retrato que enaltece la ciudad de Guanajuato al incorporar muchos de los sitios más emblemáticos de la ciudad.

Puedes consultar el sitio oficial aquí.

MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Visita obligada anual: World Press Photo 2014

Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.
Autor: Elena Chernyshova. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Vida Cotidiana.

“Así tenemos en la cámara fotográfica el recurso más confiable para el inicio de la mirada objetiva. Todos serán obligados a ver lo que es ópticamente cierto, explicable en sus propios términos, objetivo, antes de poder llegar a cualquier posible posición subjetiva”

Susan Sontag.

 ¿Cuántos de nosotros habremos sido seducidos por la fotografía? Una toma de aquello que llamó tu atención mientras caminabas rumbo a casa, un atardecer, los magníficos juegos azarosos que hace la luz a su paso, retratos, naturaleza muerta, vida cotidiana. Lo que sea.

 Ejercer y tratar con la fotografía es una delicia un tanto abrumadora; intentar desanudar aquella madeja colosal de imágenes y hacer una división imaginaria del tema en categorías, parecería inabarcable. La sutileza de las fotografías artísticas o la contundencia de aquellas que se consideran ejemplos de fotoperiodismo. Las que son parte de un montaje, donde las condiciones y cualidades como iluminación, ángulos y enfoques son del todo planeadas por el fotógrafo, o las espontáneas, las que encuentran al artista y no viceversa, aquellas en que “se está en el lugar y momento exactos”. Lo artesanal del mecanismo análogo o la inmediatez del formato digital… Complicado elegir qué es lo mejor, lo que merece mayor atención y mérito.

 Ahora, si esto se convierte en un conflicto que da para un sólido debate personal, ¿cómo será el proceso de apreciación y estudio de un montón de imágenes provenientes de los cinco continentes, para un conjunto de personajes, también de distintos rincones del planeta, especializados y con un ojo por demás crítico pero con personalidades, idiosincrasias, valores, opiniones, costumbres, tradiciones y giros laborales diversos dentro del medio, con la única intención de llegar a veredictos inapelables?

 Considerado el más grande y prestigioso concurso anual que recopila lo mejor de la fotografía de prensa, ha llegado a esta ciudad la selección de World Press Photo en su edición de 2014 y Gary Knight, presidente del jurado de este año, hace hincapié, desde el inicio de la exposición, en estas inquietudes que surgen entre los jueces al momento de calificar una fotografía por encima de otra. ¿Qué categoría se considera merecedora de mayor reconocimiento?, ¿una fotografía o una serie de más de tres exposiciones?, ¿el tema bélico de Medio Oriente o problemáticas cotidianas que han afectado durante generaciones a pueblos enteros?

 En defensa de la selección de imágenes que conforman la muestra, Knight empera en que, tanto él mismo como el resto del jurado, se enfocaron en las fotografías per se, y optaron por sumar importancia a las imágenes que impacten al instante, para dejar en un plano secundario aquello que el artista pueda decir de su propia obra. Como resultado tenemos una exquisita selección de fotografías, cuidadosamente elegida por las 21 figuras que conformaron el jurado en esta edición, de entre las más de 98 mil exposiciones recibidas para el certamen —exactamente 98 mil 671 fotografías, por 5 mil 754 fotógrafos, de 132 distintas nacionalidades—.

 A continuación, parte de las fotografías galardonadas en esta edición de World Press Photo:

Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Quinn Rooney. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Deportes de Acción.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Brent Stirton. 1er. premio. Fotografías Individuales. Retratos.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Jana Asenbrennerová. Vida Cotidiana. Mención Honorífica.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Goran Tomasevic. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Chris McGrath. 1er. premio. Reportajes Gráficos. Temas de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: Rahul Talukder. 3er. premio. Reportajes Gráficos. Noticias de Actualidad.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.
Autor: John Stanmeyer. 1er. premio. Fotografías Individuales. Temas Contemporáneos. World Press Photo del Año.

 La muestra está dividida en fotografías individuales y reportajes gráficos clasificados a su vez en categorías que abarcan Deportes, Naturaleza, Retratos, Vida Cotidiana, Temas contemporáneos y Noticias de actualidad. Esta exposición es la visita anual obligada al Museo Franz Mayer, recinto que, como cada año, le cobijará durante exactamente un mes, desde el 28 de agosto y hasta el 28 de septiembre, día en que se disponga a continuar su viaje a lo largo de cien ciudades en todo el mundo, de 45 países distintos.

 Puedes descubrir más detalles en el sitio oficial (www.worldpressphoto.org), además de descargar la aplicación de World Press Photo disponible para iOS y Android.

“Te conozco, te admiro, funciona…”

 Domingo: resaca, latas de cerveza regadas por el piso, un sillón, la televisión encendida y un teléfono que nadie contesta. Son tres las personas que ocupan este espacio: Próculo, Natividad y Scarlet. Sujetos A, B y C. Los tres son ninis, no hacen mucho más que ver documentales de fauna silvestre o escuchar los salmos del canal cristiano. El oficio de ella es el de pasear a los perros de la colonia; ellos, ni eso.

 Presentado como un caso del programa ficticio ‘Familias de Hoy’, se muestra la relación en conjunto y un poco de la vida personal de estos tres personajes, abordada en retrospectiva. Tras la cordialidad superficial de roomies que mantienen, poco a poco vamos hurgando entre su pasado, sus relaciones, dejan entrever sus matices e incluso sus mayores miedos, esto disfrazado con la convivencia cotidiana, la costumbre de ver a diario las caras de los otros dos compañeros y la pelea constante por ver quién ganará el control de la televisión.

 En palabras de los mismos actores, ésta se trata de una puesta en escena de tipo documental en la que se plasma la verdadera forma de vida que vemos en la actualidad. Lejos del concepto utópico de la familia en la que pensamos a los cinco años de edad, a la que dibujamos compuesta por padre, madre, hijo, hija, un perro jugueteando con hueso en el hocico, un gato que sí defeca en su caja de arena, un automóvil e incluso un árbol junto a la casa en la que todos ellos viven, se despliega un caso más real, uno que refrenda que la familia puede conformarse sólo con una madre, con la abuela y los hermanos o, en este caso, con dos desconocidos.

 Pese al desasosiego que pueda causar este pequeño marco previo que ilustra la trama, se da un revés al panorama y terminamos por encontrarnos con algo totalmente opuesto, una propuesta por demás divertida, realmente hilarante, que despierta empatía, y una familiaridad como pocas. Entre los sujetos A, B y C, los flashbacks, el ocio, sus mascotas, las exnovias y los futuros novios, cualquier espectador desearía que la duración de la obra se extendiera por, al menos, una hora más.

Adiós y buena suerte

 Basada en un texto de Gibrán Portela, Adiós y Buena Suerte cuenta con las actuaciones de tres de las figuras actorales más talentosas, frescas y bien forjadas de la escena actual. Como Natividad está Miguel Romero, actor a quien hemos visto en trabajos anteriores como Litoral, o la entrañable Pacamambo (ambas dirigidas por Hugo Arrevillaga). El rol de Próculo —o “Cool”, como le llama Scarlet— está a cargo de Hamlet Ramírez, actor originario de Veracruz y que ha formado parte de proyectos como la adaptación teatral de la obra literaria La Casa de los Espíritus (dir. Artús Chávez) o Civilización (dir. Alberto Lomnitz). Sara Pinet es quien da vida a Scarlet; ella, egresada del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM y becaria del FONCA, ha trabajado anteriormente en montajes como Palimpsesto (dir. Carlos Corona) y Simulacro de Idilio (dir. David Gaitán). El factor común de estos tres histriones es la obra El Amor de las Luciérnagas (dir. Alejandro Ricaño), que recientemente terminó temporada y la que ellos mismos citan como origen de esta producción.

 Además de las tres figuras principales, se da espacio a una cuarta, cuyas intervenciones consisten en dar vida al virtual presentador del citado programa televisivo ‘Familias de Hoy’. Este personaje es móvil, cambia, ya que a cada función se cuenta con un actor o actriz invitado(a) para que le de vida. En funciones anteriores, este puesto ha sido personificado por Úrsula Pruneda (Un Charco Inútil, dir. Carlos Corona), Pedro Mira (Incendios, dir. Hugo Arrevillaga), Amanda Schmelz (Simulacro de Idilio, dir. David Gaitán) y Raúl Villegas (La velocidad del zoom del horizonte, dir. Martín Acosta).

 Usualmente, tras una recomendación, va casi amalgamado un “deberías verla, en serio, te va a gustar”. Ésta no es la excepción. Adiós y Buena Suerte se presenta en su primera temporada todos los lunes del mes de agosto y septiembre en Foro El Bicho, ubicado en el número 268 de la calle Colima, en la colonia Roma. El costo de las localidades es de aportación voluntaria, aunque se sugieren 140 pesos.

Adiós y buena suerte bis

La cinematografía mexicana en camino a 2015

Comedia, terror, ciencia ficción, drama o acción. Sea cual sea el género cinematográfico que se pretenda poner sobre la mesa como objeto de discusión, resultará por arrojarnos, casi invariablemente, un mismo resultado: la oferta que extiende la cartelera comercial de la industria se reduce a un puñado de producciones estadounidenses con un bosquejo de línea argumentativa que, al paso, se llena con distintos recursos pero, salvo contadas ocasiones, entrega productos genéricos prescindibles.

 Es imposible que las producciones mexicanas intenten, siquiera, seguir el ritmo de la maquinaria vecina. No es ningún secreto el lugar que tienen éstas con respecto a las otras; que, pese al reducido número de salas que se les asignan a lo largo del país, o bien, en el Distrito Federal y el área metropolitana, deben hacerse de una taquilla importante desde su primer fin de semana de exhibición para defender su lugar en estos grandes complejos

 Sin embargo, de hace algunos años y hasta ahora, hemos sido testigos de un crecimiento importante de la industria local, de una mejora considerable en la calidad de algunas de las producciones exportadas con sello mexicano. Dentro del gremio cinematográfico han destacado nombres de realizadores connacionales y de cintas gestadas en este país y, aunque nos encontramos todavía ante un caso de mexicanos en el extranjero, donde éstas entregas parecen ser mejor apreciadas por foráneos, es grato saber de películas que rompen este estigma con que carga el cine nacional y que son ejemplares de producciones sólidas, limpias, concisas, pensadas y bien logradas.

 Como muestra de ello, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematofráficas (AMACC) ha dado a conocer la lista de cintas que podrían representar a México en la 29 entrega de los Premios Goya, y en la 89 entrega de los Premios Oscar, ambas a llevarse a cabo en 2015. A continuación te la presentamos:

Cantinflas

Dirigida por Sebastián del Amo, fue estrenada apenas hace unas semanas en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Es una biopic del actor Mario Moreno vista desde los ojos de su alterego, este personaje que acaparó el género de comedia de la cinematografía mexicana durante la segunda mitad del siglo XX. Se ubica en el tiempo en que estaba por realizarse la cinta La vuelta al mundo en ochenta días (1965), durante el encuentro que su realizador, Mike Todd, tiene en con aquel pintoresco personaje tan arraigado en nuestra cultura, ícono hasta hoy día.

 Oscar Jaenada será quien dará vida al también llamado 'Mimo de México'.

Güeros

Road movie de 106 minutos de duración. Le valió a su realizador, Alonso Ruizpalacios, el premio a Mejor Ópera Prima en el marco del Festival de Cine de Berlín en el pasado mes de febrero, así como su proyección en el Festival de cine de Tribeca, de Nueva York. Recientemente se anunció que llegará a salas mexicanas en los primeros meses de 2015 gracias a la distribuidora Cine Caníbal.

 La cinta 'Güeros' se filmó en formato blanco y negro.

Guten Tag, Ramón

Trata una temática recurrente en el plano nacional: la migración. Esta coproducción germano-mexicana nos presenta a Ramón, interpretado por Kristyan Ferrer (Las Horas Muertas, 2013) y sus desventuras vividas del otro lado del mundo. La entrañable cinta de Jorge Ramírez-Suárez se encuentra actualmente en exhibición, y llegará a pantallas internacionales durante la segunda mitad del año y hasta 2015, distribuida por 20th Century Fox.

Kristyan Ferrer da vida a Ramón.

∙ La dictadura perfecta

Luego de lo que parecía terminar en una trilogía compuesta por La Ley de Herodes (1999), Un Mundo Maravilloso (2006) y El Infierno (2010), Luis Estrada volvió a aparecerse en el mapa con una nueva producción llena de humor negro, con personajes y situaciones que podrían parecernos extrañamente familiares. Caras conocidas, queridas y que han sido partícipes en las tres cintas anteriores, como Joaquín Cosío y Damián Alcázar, son parte de esta producción, aunque también se suman personalidades que quizá nunca pensamos ver en proyectos de éste tipo, tal como Osvaldo Benavides, Alfonso Herrera o Silvia Navarro. Incluso Sergio Mayer

De Luis Estrada.

Mi amiga Bety

Documental dirigido por Diana Garay, egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Basado en una historia real, cuenta la vida de Bety, amiga de la infancia de la propia Garay, quien fue resuelta como culpable del asesinato de su madre y condenada a treina años de prisión a la edad de diecinueve. Aunque se encuentra en rotación nacional e internacional desde 2012, fue apenas en este año que llegó a las pantallas de la Cineteca.

 Documental de Diana Garay, basado en una historia real.

Quebranto

Parte del circuito de proyecciones de la gira de documentales de Ambulante, y del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) —esto en 2013—, y acreedora de premios como el Ariel a Mejor Documental, en 2014. Aquí, Roberto Fiesco desmitifica el tabú de la homosexualidad y de la condición transgénero: presenta a Fernando García y nos lleva por lo que vivió durante la transición a convertirse en quien ahora es, Coral Bonelli. Dentro de su labor de acercamiento con el público, ha sido proyectada en recintos como Cine Tonalá, la Casa del Lago y recientemente dentro de la programación de Canal 22.

Coral Bonelli.

 Los títulos restantes de la lista son El Incidente (dir. Isaac Ezban, 2013), González (dir. Christian Díaz Pardo, 2013), H2Omx (dir. José Cohen/Lorenzo Hagerman, 2013), Huérfanos (dir. Guita Schyfter, 2013), Inercia (dir. Isabel Muñóz Cota Callejas, 2012), La revolución de los alcatraces (dir. Luciana Kaplan, 2013), Mi universo en minúsculas (dir. Hatuey Viveros, 2013), La Obediencia Perfecta (dir. Luiz Urquiza, 2014), Paraíso (dir. Mariana Chenillo, 2014), Purgatorio: viaje a corazón de la frontera (dir. Rodrigo Reyes, 2012), ¿Qué sueñan las cabras? (dir. Jorge Prior, 2011), Volando bajo (dir. Beto Gómez, 2014) y Workers (dir. José Luis Valle, 2013).

 Sí, la oferta es muy amplia, y es alentador saber que se vislumbra un panorama viable y competitivo en la industria nacional. Quedaremos en espera de ver estos títulos en salas comerciales nacionales, y seguir la evolución del posicionamiento de nuestro país como potencial productor referente de la industria cinematográfica.