Animación Mexicana Parte 9: El Agente 00-P2

Ya prácticamente ostentando el reinado del estudio de animación más importante del país, Ánima decidió arriesgarse y buscar nuevos horizontes para su tercer proyecto de larga duración. Como se comentó en la nota acerca de la cinta Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003), el humor que se manejaba estaba muy dirigido a un sector infantil, cuestión que abarcó también a Imaginum (Imaginum, 2005) y a El Chavo Animado (El Chavo, 2006). En palabras de uno de los (en ese entonces) productores del estudio, se consideraba un humor demasiado “fresa”.

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 Con la esperanza de llegar al público juvenil, e incluso adulto, el tercer largometraje adoptó elementos mucho más maduros como una historia tipo Thriller policiaco combinado con simpáticos personajes animales, y un estilo de humor un poquito más subido de tono: El Agente 00-P2 (El Agente 00-P2, 2009). La historia nos habla de un guacamayo que trabaja como conserje en una importante agencia de espionaje y que sueña con ser un agente. Su ilusión se ve cumplida cuando por accidente se le asigna el mayor caso de todos, detener los siniestros planes de la criminal “Mamá Osa” para congelar al mundo entero.

 Este proyecto resulta interesante por la variedad de elementos que lo conforman, a simple viste pudiera ser una película más para los niños, pero el argumento es bastante sólido para los amantes del género. Se usa mucho el doble sentido, aunque de forma muy familiar (sigue siendo para toda la familia, pero los adultos podrían disfrutarla más que producciones anteriores), e incluso tiene momentos bastante crudos y/o emotivos que, al menos en mi opinión, no esperaba de una cinta así.

 La actuación de voces cumple ampliamente con nombres como Jaime Camil, Dulce María y los primeros actores Rogelio Guerra y Silvia Pinal. La animación muestra una gran mejoría, además de que la cinta se arriesga a complejas secuencias de acción (la mayoría con momentos jocosos) que nos dejarán satisfechos. Aún así, este proyecto dista de ser el mejor hecho por la empresa. Quizá ese punto a favor de tener una buena variedad de elementos tanto infantiles como maduros pudiera ser su punto en contra también, ya que en ocasiones el público puede confundirse.

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 ¿A que me refiero con esto? Un ejemplo: la cinta comienza con una familia de personajes adorables en pantalla disfrutando un día de campo, momentos después algo acontece y termina en tragedia (los niños pequeños sufrirán por esto). Luego tenemos partes de humor puro y al siguiente momento, un momento demasiado serio. Por supuesto que es sólo una opinión, pero me parece difícil definir esta película en una categoría en específico y aunque jamás se torna aburrida, el público sensible difícilmente podrá disfrutarla como aquello para lo que se planeo: Una comedia familiar.

 A pesar de eso, considero al Agente 00-P2 (desde el título pueden darse una idea) como una buena evolución del estudio y una película que aunque no se corona entre las preferidas de Ánima, si es una digna creación que vale mucho la pena ver.

Animación Mexicana Parte 8: El Chavo (Nota 2)

Seguimos con este concepto tan exitoso y tan controversia en el que se ha vuelto el Chavo Animado, quizá la mayor creación  de Ánima Estudio. En la nota pasada hablé sobre los elementos que considero positivos de la serie tales como el doblaje y el diseño de personajes. Ahora indagaré un poco en las debilidades que considero que tiene.

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En el caso del desarrollo de las historias, veo muy difícil que los que crecimos con la serie original nos acoplemos a esta nueva propuesta. Los guiones, las historias, los diálogos y los chistes son los mismos, sin embargo se vuelve evidente que el genio de Roberto Gómez Bolaños al escribir se veía complementado en gran manera por el talento de sus actores, quienes lograban efectos que los personajes animados no. La animación permite ir más allá de los límites y en este caso se intentó provechar esto. No obstante, es discutible que esta serie lo requiriera ya que la mayoría de las situaciones resultaban ser más divertidas con los pocos elementos que se tenían antes. A lo que voy es que diversas escenas tratan de explicarse demasiado, quizá para que los niños las entiendan, y eso hace perder el brillo de las mismas.

 Aunado a esto, la animación resulta un tanto acartonada en la mayoría del tiempo. Sabemos que Chespirito usaba mucho la comedia fársica o el Clown, misma que se viera inspirada gracias a personalidades como Charles Chaplin. Los personajes animados carecen totalmente de esta magia y a pesar de que podemos indagar más en la fantasía de los niños (llegando a verlos incluso en secuencias imaginarias en la selva o en la época medieval), creo que el concepto humorístico de la serie decayó. Claro que estoy generalizando, hay momentos en la versión animada verdaderamente divertidos.

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Así mismo, no puedo evitar mencionar la ausencia del personaje de la Chilindrina. Es bien sabido (y no asunto nuestro) que la relación entre la actriz María Antonieta de las Nieves y Chespirito tiene sus diferencias actualmente, y esto se ve reflejado en la caricatura. Ignoro si el personaje no está ahí por una actitud despectiva del creador con esta actriz, o si se deba a que este ya no posea los derechos del personaje.

 Se entiende esta decisión, sin embargo como espectador no me siento satisfecho. La Chilindrina era uno de los personajes más carismáticos de  vecindad (con un llanto inigualable) y definitivamente se extraña demasiado. La producción optó por cubrir este hueco con el personaje de la Popis, decisión que no consideraría la más acertada, ya que para hacerlo, el mismo personaje tuvo que cambiar en varios aspectos que también lo caracterizaban.

 La calidad de la serie como tal es innegable (no digo perfecta, pero aceptable), sin embargo como adaptación queda mucho a deber. Sin embargo también debemos considerar que el target al cual está dirigida es al público infantil actual, el cual no creció viendo a los actores interpretando a esos personajes. Me queda claro que un gran sector del público infantil disfruta y de hecho prefiere esta versión, por lo que no nos queda más que decir que para sus fines está muy bien hecha.

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En conclusión, ¿es una buena serie?: Sí ¿Es mejor que su predecesora?: Depende mucho de la perspectiva de cada espectador ¿Es una serie que yo veo, disfruto y recomiendo?: No, pero no me es difícil encontrar todo aquello positivo que ofrece. A fin de cuentas, el mejor critico es uno mismo, por lo mismo los invito a verla si tienen esa inquietud y ustedes mismos decidan cual de las dos prefiere, o incluso si gustan quedarse con amas… o con ninguna.

A continuación un par de ejemplos del tipo de humor de la versión original y la versión animada, por si no han tenido la oportunidad de verlas.

http://www.youtube.com/watch?v=CUgVG3Sv3xo

V.S.

Animación Mexicana Parte 8: El Chavo (Nota 1)

Continuando con las producciones realizadas por Ánima Estudios, pasamos a su primer gran proyecto de éxito para la televisión. Luego de producciones como los Cascaritos y Poncho Balón, la empresa decidió aprovechar la unión que había creado con Televisa y apostar por un proyecto que se había intentado ya algún tiempo atrás. Con la producción de Roberto Gómez Fernández, Ánima llevó a la pantalla chica las aventuras de uno de los personajes más emblemáticos del gran Chespirito, el Chavo del 8. 

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 La expectativa y los esfuerzos fueron enormes, se trataba de un gran salto y un gran riesgo tomar a un personaje tan querido a nivel internacional. Afortunadamente para la empresa, el proyecto actualmente goza de un gran éxito en América Latina, superando expectativas e incluso forzando a los escritores a crear nuevas aventuras para los vecinos de la vecindad del chavo. Es importante señalar que la serie tomó los guiones originales de la serie Live Action, pero el impacto de la serie los ha obligado a ir más allá de lo que ya habíamos visto. Interpretado por personalidades como el propio Chespirito, Carlos Villagrán, Ramón Valdez y Florinda Meza entre otros.

 

 Con respecto a la serie y viéndola de la forma más objetiva que me es posible, la considero un buen proyecto, el diseño de los personajes cumple con creces al captar la esencia de los mismos y ubicándoLos en las características con que fueron creados, es decir, en la serie original veíamos a adultos interpretando niños, pero en esta versión los niños en verdad lo son. El trabajo de doblaje también cumple aunque también se ha generado polémica al respecto. Animado2 

 Los amantes de la serie original nunca lograron sentirse cómodos con el cambio de voces, incluyendo a su servidor, sin embargo debemos considerar que era un cambio obvio y necesario. Los actores originales ya no pueden desempeñar los personajes (caso aparte del señor Edgar Vivar, quien sí ha llegado a dar voz en este proyecto), la mayoría ya es gente de cierta edad y algunos incluso ya fallecieron. Considero que este detalle no es algo que debamos recriminar, puesto que la producción se esforzó por encontrar voces lo más parecidas posibles, además de que los actuales actores hacen bien su trabajo.

 

 Ojalá pudiera hablar más de esta serie en una sola nota pero hay varios puntos aparte que me gustaría tratar. Por lo mismo, dividiré en dos notas este concepto. Ciertamente las comparaciones entre ambas series son inevitables y justamente creo que el Chavo del 8 original funge como la principal fortaleza del Chavo animado, pero también termina siendo su mayor debilidad. En la próxima nota indagaré mas al respecto.

 

Animación Mexicana Parte 7: Imaginum

Luego del estreno de Magos y Gigantes y gracias a ese gran esfuerzo de Ánima Estudios por seguir produciendo cintas animadas 100% mexicanas, el estudio nos trajo una nueva aventura pasando del mundo medieval y mágico al universo tecnológico y de ciencia ficción. He de admitir que la primera vez que vi un póster de esta cinta no llamó de inmediato mi atención, de hecho no tenía conocimiento de que se tratara de una película mexicana hasta mucho después. Si bien la cinta estuvo en salas de cine, la distribución fue poca a comparación de otras películas, me atrevería a decir que incluso su predecesora tuvo más propaganda.

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Pero ya saben que es inútil juzgar a un libro por su pasta, y luego de algún tiempo tuve la oportunidad de ver Imaginum, segundo largometraje de Ánima, debo decir que la sorpresa fue grata. Se trata de la historia de Dante, un niño que se hace amigo de unos alienígenas prófugos que le muestran la tecnología del Imaginum, la fuerza más poderosa del universo. Dante podrá disfrutar de este descubrimiento a la vez que se divierte con sus nuevos amigos, sin embargo también tendrá que cuidar ese enorme poder del alcance de Yxxxxx, un alienígena malvado que planea dominarlo.

Entre los puntos memorables de la película está la historia, que si bien pudiera parecer simple, cumple al darnos un relato entretenido y entrañable, el guion cuenta con diversos chistes menos infantiles que Magos y Gigantes (de hecho por ahí hay algún referente a esta película), aunque muchos de ellos sólo en México serán apreciados en su totalidad. Cabe mencionar que el trabajo de doblaje es igual de bueno, dirigido nuevamente por el señor Rubén Trujillo (Trujo) y la voz del villano está a cargo del reconocido y ya experimentado en doblaje, Eugenio Derbez, cuya interpretación no podría ser mejor para este curioso personaje.

Entre los puntos a mejorar está la paleta de colores, los cuales están bien pero en ocasiones lucen demasiado brillantes y eso pudiera afectar a algún sector del público (en lo que al disfrute de la cinta se refiere). La animación mejoró notablemente aunque aún tiene algunos detalles. Recordemos que Ánima se caracteriza por dar vida a sus personajes mediante las partes previamente dibujadas y las van armando como si fueran marionetas en dibujos; esto hace más rápido el proceso pero a veces afecta la fluidez de la animación.

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Así mismo, y en un muy personal punto de vista, hubiera preferido que las canciones usadas en la película fueran hechas aquí y en español. Magos y Gigantes contó con una banda sonora hecha enteramente en México, mientras que Imaginum recurre a canciones en inglés. En propias palabras de uno de los productores de la cinta, esta decisión se tomó debido a las bajas ventas y aceptación del primer soundtrack. Esto no es un defecto de la película, sin embargo refleja el eterno pensamiento del mexicano de “si es de México, entonces no es bueno”, y eso es sencillamente triste.

Al final Imaginum es una cinta entretenida y divertida que gustará a un sector más amplio del público. Un excelente avance de esta empresa y que vale mucho la pena ver. Para terminar, el hecho de que el poder supremo sea la misma imaginación me parece un detalle verdaderamente maravilloso. Imaginum, una película fuera de este mundo.

                                             http://www.youtube.com/watch?v=OzQNbXRzH0M

Animación Mexicana Parte 6: Magos y Gigantes

Después de casi 30 años de que la animación pareciera ausente en la producción mexicana, una naciente empresa llegó con una interesante propuesta. Ahora el nombre de Ánima Estudio es muy conocido no sólo en nuestro país, sino en toda América Latina, pero muchos ignoran que el 203 fue el año en que esta compañía (en ese entonces novata) se aventuró e incursionó en las salas de cine con la cinta “Magos y Gigantes”, la cual tuvo un modesto éxito, no lo suficiente para sonar en cada rincón del país, pero si para formar las bases de la empresa y volverla el titán que ahora es.600full-magos-y-gigantes-poster

 Si bien la calidad de animación pareciera haber retrocedido en esos años, como si la industria se hubiera reiniciado, la película tiene elementos dignos de analizar. La historia nos remonta al mágico pueblo de Varita Quebrada, donde los tres amigos: Gigante (un gigante enano), Ada (una malhumorada hadita sin alas) y Trafalgar (un mago extraño con deseos de grandeza) se ven envueltos en una aventura para salvar a la princesa Luna, quien fue capturada por el malvado hechicero Titán Caradura.

 El relato es entretenido y tierno, además de que está lleno de valores como la amistad, la determinación y la autovaloración. El diseño de los personajes es muy atractivo visualmente, así como el mundo mágico que se creó para la cinta.

 El trabajo de doblaje es acertado, teniendo los personajes voces de talentos como Rubén Trujillo, Francisco Colmeneros y Arath de la Torre. La música también funciona perfecta con la trama, al igual que las canciones elegidas, siendo quizás la canción “Un Amigo Así” del grupo Ha*Ash la más memorable, además de que es la canción con la que abre y cierra la historia.

 Sin embargo, viendo objetivamente el trabajo, la animación podría haber estado mucho mejor. Se nota de inmediato que la cinta está hecha enteramente en flash, lo que no es malo, pero si le da un toque de animación para internet.

 El público adulto podría aburrirse mucho, ya que es una película cuyos diálogos y chistes se dirigen enteramente al público infantil. La recomendación de este servidor es verla sólo cuando estemos dispuestos a soltar nu estro niño interno, de lo contrario esta película podría ser una experiencia no muy grata.

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 Con esto no trato de decir que la película es mala, de hecho es una cinta muy disfrutable a mi opinión y una de mis favoritas de Ánima, pero cierto es el admitir que tiene sus fallas. En conclusión podríamos decir que fue un buen intento para ser el primer trabajo, y más aún, se aprecia que decidieran realizarla.

 

 ¿Es para todo público?, si y no, la familia entera la puede ver, pero no complacerá los gustos de todos. ¿Es recomendable si te gusta la animación? Ampliamente ¿Es una película animada que vale la pena ver, para conocer más la animación mexicana? Definitivamente.

https://www.youtube.com/watch?v=l4iOgTbVj1o

Animación Mexicana Parte 5: Los Supersabios

El cómic y la animación no son muy diferentes, de hecho van de la mano en la mayoría de sus elementos. Recordemos que una de las actividades preliminares para realizar una animación, es el storyboard, que para fines prácticos es un cómic. ¿A que quiero llegar con esto?, a que no nos debe sorprender cuando un tira cómica da el salto a la pantalla (chica o grande). Tal es el caso de DC Comics y Marvel, por ejemplo, pero en México también se ha dado este fenómeno.

Puede que no a un nivel tan grande como el de los súper héroes de las empresas antes mencionadas, la industria del cómic mexicano no es muy popular (refiriéndonos al hecho en México, no a las traducciones) pero si hay títulos de gran calidad como “La Familia Burrón”, “Kalimán” y “Memín Pinguín”. Ahora pues, debemos mencionar la obra del historietista Germán Butze, un trabajo creado en nuestro país y que eventualmente cobró vida en el mundo de la animación: “Los supersabios”.

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Probablemente pocos sepan de este concepto, ya que se trató de una serie y una película con un paso modesto (si no es que desafortunado) por las pantallas, además de que la cinta es del año de 1978 y no se retransmite ya casi en la actualidad. La historia trata de las aventuras de Paco, Pepe y Panza. Tres amigos científicos que a pesar de su corta edad son capaces de crear inventos de los más avanzados y los usan en pro de la ciencia, a la vez que combaten a los villanos Solomillo y Don Seve.

La cinta no fue del todo bien recibida, de hecho se dice que el creador del comic no gustó de ella para nada. La animación pudiera parecer simple hoy día, pero para la época era una verdadera proeza. Aunado a eso, debemos tomar en consideración los otros puntos destacables en Los supersabios como el valor educativo, la producción bastante aceptable con la que se contaba (de hecho me atrevería a decir que muchos detalles eran mejor cuidados que series actuales) y el orgullo de poder decir que México experimentó con el tema de la ciencia ficción, ¿y por qué no decirlo?, fue de los primeros en abordar el tema de los niños genio, que eventualmente usaran series estadounidenses como El Laboratorio de Dexter y Jimmy Neutrón.

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Es difícil decir si podría gustar al sector infantil de estos tiempos, pero tampoco habría que descartar esa posibilidad. Una serie y una película muy difíciles de encontrar, pero a juzgar por los breves fragmentos que podemos hallar en internet, nos deja un buen sabor de boca a quienes disfrutamos de la animación y ganas de conocer un poco mejor esta fase del entretenimiento mexicano.

http://www.youtube.com/watch?v=W-jdZpJMdxQ

 

Review: Se Levanta el Viento

Ok, ok, ya nos hemos retrasado con el recuento de animación mexicana y aún falta para llegar a la animación japonesa. Pero la verdad es que las noticias no esperan a nadie y los acontecimientos siguen llegando. Hace poco se llevó a cabo la entrega de los Oscares y mencionábamos que la ganadora, Frozen, tuvo a una digna rival a vencer. Esta película es nada menos que la última obra del famoso director japonés, Hayao Miyazaki. El título, The Wind Rises, o en español, Se Levanta el Viento.

 Finalmente la espera terminó y la película ha sido mostrada en algunas salas de nuestro país. Gracias al festival internacional de cine de la UNAM, este servidor tuvo la oportunidad y el gozo de verla. En otra ocasión indagaré en el legado de Miyazaki y el Estudio Ghibli, pero para los conocedores de este artista saben que cuando se habla del buen Hayao, se habla de buen cine. La cinta es simplemente magnífica.

THE WIND RISES. © 2013 Nibariki - GNDHDDTK

 Ciertamente no es algo para todo público, puede haber algunos sectores que no gusten de este tipo de narración o del tema que toca la cinta. Se trata de la historia de Jiro Horikoshi, diseñador de aviones que vivió en la época de la gran depresión de Japón, por los tiempos del levantamiento Nazi e Alemania. Mucha polémica ha generado esta historia ya que el trabajo de Jiro fue usado para fines bélicos, uno de los hechos más representativos fue el bombardeo a Pearl Harbor.

 No obstante resulta fascinante como el tema de la guerra queda tratado al mínimo, sólo lo necesario. La película no es bélica, sino que es una historia de la determinación humana, el trabajo para lograr nuestros sueños y el valor de la amistad y el amor. Al tratarse de Ghibli ni siquiera vale la pena buscar errores en la animación o el arte de la cinta, todo siempre resulta impecable. Las metáforas, la estética y ese mundo de sueños que solo Miyazaki nos puede dar termina convirtiéndose en una película sin más, extraordinaria.

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 El primer tercio pudiera tornarse un poco pesado y lento para algunos, pero eventualmente la historia nos atrapa y nos cautiva. Personalmente, esta cinta me dejó una sensación de gran placer y melancolía por pensar que podría ser el último trabajo de este genio. No es fácil verla hoy día por cuestiones de distribución, pero si les es posible encontrarla, admírenla y prepárense para un viaje lleno de emociones e imaginación. Un agasajo a los sentidos, Se Levanta el Viento, una película que te hace volar. A continuación, el trailer de la película.

 

Review: Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman

Dreamworks no será el estudio de animación más famoso, ni mucho menos el consentido de la mayor parte del público; sin embargo, nadie puede negar que cada año crece más y más como estudio, siendo la animación el género en que muestra una gran maestría en ocasiones.

 Desde sus primeras películas en 2D, como El Príncipe de Egipto, hasta sus más memorables logros en 3D, tales como Cómo Entrenar a Tu Dragón, el sello de esta empresa se ha convertido en una garantía de que, mínimo, pasaremos un rato agradable en la sala del cine.

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 La última película de animación que nos brinda este estudio, Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman (Mr. Peabody & Sherman), basada en la serie de televisión de antaño, es verdaderamente una joya. En algunos portales de internet se le dio una crítica negativa con gran influencia al público, sin embargo recuerden que el mejor crítico es uno mismo. En el caso de su servidor, les comento que la película me hizo pasar uno de los momentos más agradables en años. Pocas películas me hacen salir de la sala y querer entrar de nuevo a verla, esta lo logró. 

 La película nos cuenta la historia del Sr. Peabody, un inteligentísimo perro que tras superar todos los logros habidos y por haber de la humanidad, decide buscar el máximo reto… La paternidad. De ese modo, Peabody adopta a un pequeño niño de nombre Sherman y con afán de heredarle su gran conocimiento del mundo, diseña una máquina del tiempo. Sin duda no hay mejor forma de aprender la historia que vivirla. Y es así como esta peculiar dúo nos acompaña a través de hechos como la revolución francesa, el renacimiento, el antiguo Egipto y la batalla de Troya.

 Con una historia simple, pero bien lograda, personajes muy bien elaborados, una animación por demás grandiosa, toques de humor que todo el público adorará y momentos enternecedores que sacarán varias lágrimas, la película sin duda vale la pena. Pero no me crean a mí, véanla ustedes y si tiene la suerte de verla en una sala llena de niños que explotan en risa, como fue mi caso, podrán hasta revivir su infancia y unírseles. No olvidemos otro dato importante, la película nos enseña hechos y personajes históricos, que si bien no nos harán expertos en la materia, si resultan suficientemente educativos para el espectador que no entienda su contexto.

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 Con música del maestro Danny Elfman y un trabajo de doblaje por demás aceptable, Peabody & Sherman vuelan en el tiempo para llegar a nuestra generación y ganarse el corazón de muchos. Una cinta ampliamente recomendable; Definitivamente una adición más a la lista de favoritas de este humilde escritor. Por último, sólo me resta decir que espero se decidan hacer una secuela. Denle la oportunidad, seguro la disfrutarán.

Frozen ganadora del Oscar a Mejor Cinta Animada

El pasado 2 de marzo se llevó a cabo la 86 entrega de los Academy Awards. Como es bien sabido, nuestro país se llenó de regocijo ante la victoria de nombres como Alfonso Cuarón, Lupita Nyong´o y Emmanuel Lubezki, en las categorías de Mejor Director,Mejor Actriz de Reparto y Cinematografía, respectivamente. Según la opinión pública, esta ha sido una de las entregas del Oscar más esperadas y reñidas en varios años, los candidatos tenían mucho que dar, por lo que era realmente complicado elegir a un favorito. La categoría de Mejor Película Animada no fue la excepción.

 Ya antes dimos la lista de las películas que compitieron por la anhelada estatuilla, y aunque de las 5 nominadas sólo 2 de ellas eran las que verdaderamente se disputaban el premio, no por eso dejó de ser un momento de sumo interés en la ceremonia. Por un lado teníamos al legendario estudio Disney con su primera producción fuerte en bastante tiempo, sin el nombre de Pixar adornándolo. Basada en la obra de Has Christian Andersen, “La Reina de las Nieves”, Frozen: Una Aventura Congelada.

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 En la otra esquina teníamos desde el lejano oriente la gran (y posiblemente última) obra de Hayao Miyazaki, uno de los grandes genios del anime contemporáneo: Se Levanta el Viento. Por un lado este era un premio que Disney disputaba ya de mucho tiempo atrás, un trabajo que rebasó récords en taquilla y arrasó con otros premios. Por el otro, una historia entrañable dirigida a una audiencia no precisamente infantil, que marcaba el fin de una era crucial para los amantes de la animación (el retiro de Miyazaki).

 Al final la estatuilla fue para Frozen, la que siendo honestos se postulaba como la gran favorita. Opiniones encontradas ha marcado esta decisión, aunque hemos de aceptar que aunque el trabajo de Miyazaki es excelso, Frozen también tenía mucho para defenderse. Sea cual sea el caso, y estén  no estén de acuerdo con el ganador, la verdad es que esta nominación resultó ser ya un gran aliento para la animación japonesa y una magnífica noticia para nosotros, ya que próximamente podremos disfrutar de esta cinta en las salas mexicanas. Cabe mencionar que el resultado fue anunciado por Kim Novak y el ahora ganador del Oscar, Matthew McConaughey.

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 Si no han visto Frozen, háganlo. Sobre todo es recomendable hacerlo en familia y con niños, les puedo asegurar que la experiencia será mágica para todos. Claro, si son de aquellos que no gustan de las historias infantiles y los musicales… quizá sí podrían evitarla. Lo mismo va para The Wind Rises (título en inglés de Se Levanta El Viento), la cual ya he tenido el placer de disfrutar, pero mi opinión se las daré en otra ocasión.

 Y es así como tenemos una nueva ganadora de lo mejor de animación del 2013. Ahora a esperar ansiosos lo que el 2014 tendrá para nosotros, que he de decirles, comenzamos muy bien con cintas como La Gran Aventura Lego y Las Aventuras de Mr. Peabody & Sherman, esperen pronto la reseña de esta última cinta también.

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Animación Mexicana Parte 4: Katy, Kiki y Koko

Continuando con la historia de la cinematografía animada en México, hablaré esta semana de una secuela. Antes hice referencia a la cinta “Katy la Oruga”, la cual nos contaba la historia de una pequeña oruga y su travesía para convertirse e mariposa. Pues bien, esta cinta fue acreedora a una segunda parte que nos demostraba que aún cuando hemos logrado nuestro sueño, siempre hay mas aventuras por vivir. La primera parte nos hablaba del camino de una niña para volverse mujer, esta segunda parte nos cuenta de una mujer que debe volverse madre.

Si bien se trata de una película que no es totalmente de este país ya que fue en co-producción con España, ciertamente tiene toda la estética y todo el toque mexicano con el cual nos podemos identificar fácilmente. Su trama ingresa a nuevos personajes, conserva algunos cuantos de la primera película (aunque por supuesto en edad más madura) y se anima a tomar un rumbo un poco más fantástico.

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Por raro que suene, mientras que en la primera parte el peligro radicaba en cuervos y un gato de los campos, esta vez los personajes se enfrentan a fuerzas extraterrestres. Literalmente los protagonistas deberán salvar su mundo de los extraños invasores, recurriendo así a enseñanzas que ya teníamos antes como la amistad y la determinación. No obstante, el punto clave no es ese en la película, sino en la evolución que el personaje de Katy tiene ya como una mujer madura. La ingenua oruga ahora tendrá que ser el apoyo de los dos pequeños, Kiki y Koko, que dependen de sus acciones.

En el lado de los niños también tiene su encanto. Uno podría pensar que esas historias de niños que deben salvar a todos los adultos fuera absurda… pero recordemos que estamos frente a una cinta infantil. Así mismo, el objetivo de la película va más allá de mostrar que los pequeños lo pueden todo. Kiki y Koko resultan ser criaturas muy vulnerables e ingenuas en muchos aspectos, pero salen adelante con la ayuda de su madre y de sus amigos. A fin de cuentas, se trata de un esfuerzo en conjunto. Los adultos son la base para que la situación avance, pero los niños no son para nada elementos inútiles y de hecho son muy importantes en el relato.

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Por eso y en conclusión, si disfrutaron la primera parte pueden estar seguros de que lo harán también con esta. Una película que aún llega a transmitirse en televisión y que resulta una grata experiencia en familia. Para algunos quizá muy infantil, pero no olvidemos que si la animación nos ha enseñado algo es que todos tenemos un niño interior que sueña con que lo dejemos salir de vez en cuando. Nos lo agradecerá y nosotros mismos lo haremos.

 

Review: La Gran Aventura Lego

Desde hace algunas semanas iniciamos con una semblanza sobre la animación en nuestro país, sin embargo a fin de ir variando un poco las cosas y no tornar esto rutinario y aburrido, haremos de vez en cuando algunas pausas en el tema. Esto no significa que la sección de animación mexicana haya terminado, aún falta para eso. Simplemente en esta ocasión quise traerles un comentario respecto a la más reciente película de animación que ha llegado a las salas de cine: La Gran Aventura Lego.

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Esto no es una crítica y no se le dará una calificación a la cinta, ya que eso siempre es muy subjetivo. Únicamente hablaré de los puntos positivos y negativos que como espectador pude apreciar. Realmente no se tendría que hablar de algo como un punto en contra, ya que la película es realmente buena. Quizá lo único que se podría señalar es que con el historial que tiene Lego con base a sus cortometrajes y videojuegos esperaba una mayor dosis de humor. No digo que no tenga varios momentos graciosos, aunque sí es definitivamente una película en la que los pequeños reirán más que los grandes.

Ahora pasemos a las cosas positivas de la película: la historia es al principio simple pero entretenida, la típica travesía del héroe que comienza siendo nadie para volverse el salvador del mundo. Eventualmente la trama toma un interesante giro el cual no revelaré para no arruinar la sorpresa a quienes no la han visto, sólo diré que podría dar lugar a una curiosa discusión filosófica digna de obras como “El Mundo de Sofía”. Los personajes están bien “construidos” así como los escenarios. El trabajo de doblaje es totalmente digno y profesional, dándoles la personalidad que cada uno necesita.

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Así mismo, cabe mencionar que el trabajo de animación es magistral, podríamos estar ante uno de los fuertes contendientes al Oscar 2014. Tengo entendido que se trata de animación digital, pero no queda claro si se trata de 3D o de stop motion, como sea, los efectos están perfectamente logrados. Es todo un deleite ver elementos como agua, fuego y humo creados con piezas Lego.

Al final, La Gran Aventura Lego termina siendo una excelente opción para ver en familia. Los niños disfrutarán de una aventura divertida y los adultos podrán apreciar otros elementos entre los que no se escapa una que otra crítica social que abarca temas como la poca tolerancia, el conformismo, la rutina y la falta de información del pueblo. Pareciera una película infantil, y lo es, pero es de esas obras que se atreven a ir un paso más allá.

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Animación Mexicana Parte 3: Katy la Oruga

Otra de las joyas de la cinematografía animada de nuestro país es una un poco mas conocida que las obras que mencioné anteriormente, sin embargo tampoco cuenta con una gran fama, cosa que resulta triste tomando en cuenta que hay algunos animadores que inclusive no conocen un poco más a fondo el medio en el que trabajan.

Se trata de Katy la Oruga, dirigida por los hermanos Santiago y José Luis Moro. Es una película de carácter infantil, con una animación un poco más fluida que otros trabajos que hemos abordado, aunque aún conserva ese toque “clásico” que nos hace ver que es una producción que ya lleva varios años que se realizó. El argumento consiste en la vida de una pequeña oruga que lucha por convertirse en mariposa, lidiando los peligros que el mundo tiene y siendo ayudada también por diversos amigos que hace en su travesía, siendo el caso más representativo el del ratón Gilberto.

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La cinta fue realizada en el año de 1983 y aunque su público consiste en niños, también trata temas maduros que abordados desde la perspectiva de la tierna oruga, pueden ayudar a los pequeños a saber cómo cuidarse en varias situaciones de la vida. En esta cinta se muestran valores como la determinación y la ambición de ser algo mejor, pero también los villanos presentan numerosos defectos humanos como la envidia, la soberbia, la maldad y el materialismo.

Citando un ejemplo de estos comportamientos, tenemos una escena que en la opinión de este escritor llama mucho la atención. Durante su viaje, Katy encuentra a un sapo que es propietario de una tienda y este personaje hace lo posible por venderle un botón. Un objeto que él mismo le dice que de nada le servirá, pero que el encanto de las cosas materiales a veces solo consiste en poseerlas, aunque jamás las utilicemos. Por si esto fuera poco, Katy firma un contrato en el cual se compromete a pagar por dicho botón, demostrando como las personas a veces pueden ser tan hábiles y otras pueden ser tan ingenuas.

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El doblaje de la cinta estuvo a cargo del legendario Francisco Colmeneros y contó con las voces de otros grandes actores de voz como Cristina Camargo (Heidi), Alfonso Obregón (Shrek) y Esteban Siller (Gargamel) q.e.p.d. No es una película fácil de conseguir, al menos no en formato DVD o Bluray, pero en internet puede ser disfrutada y definitivamente se trata de un proyecto digno de verse. Ampliamente recomendable y entrañable, tanto así que incluso contó con una secuela de la cual hablaremos la siguiente semana.

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Animación Mexicana Parte 2: Oliver Twist

La semana pasada dimos inicio a la sección de la industria mexicana en animación e indagamos un poco en la primera producción hecha en nuestro país. A partir de aquí ya no seguiremos cronológicamente, sino por secciones que incluyan a las empresas, estilos y directores mexicanos. La producción de la que hablamos antes, Los Tres Reyes Magos, fue obra del señor Fernando Ruiz. La siguiente película de la que hablaremos se trata de la segunda de las dos películas que este hombre dirigió.

Pero antes les cuestiono: ¿La tienda Sears tiene algo que ver con la industria de la animación?… la respuesta es un SÍ. Hace ya varios años, esta tienda tuvo como promoción navideña obsequiar un VHS al realizar cierto número de compras. Dicho video contenía la película “El Pequeño Ladronzuelo”, también de Fernando Ruiz.

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Es un poco confuso encontrar esta película, ya que es conocida también como “Las Aventuras de Oliver Twist” y fuera de aquella promoción la película no se ha distribuido. Puede no ser una cinta muy popular, sin embargo es una película que vale la pena ver. Con un estilo muy similar a su predecesora en cuanto a animación y diseño de personas, aunque tomando una estética más europea al tratarse de una historia que se desarrolla en Londres.

En esta ocasión tenemos una película musical con bellas canciones hechas por Plácido Domingo Jr. La historia es la que todos conocemos, el clásico de Dickens es muy bien transportado al dibujo animado con algunos ligeros cambios para hacerlo más apto al público infantil. Tiene de todo, drama, comedia, escenas emotivas e incluso algunas partes de terror ligero que en verdad proyectan el sufrimiento de Oliver ante las desventuras que se le ponen al frente.

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El único detalle que quizá podría mencionar, y que creo que pudo manejarse de otra manera, es el diseño del protagonista. Según esta versión, Oliver es un niño muy frágil y noble, de rasgos muy finos y delicados. Un personaje muy vulnerable pero muy dulce a la vez, lo que lo hace víctima perfecta de las malvadas autoridades del orfanato y por supuesto el siniestro Bill Sikes.

Este manejo del personaje resulta interesante y aceptable, no obstante, entre ese diseño “muy bonito” y el que la voz de Oliver sea interpretado por la actriz de voz, Rocío Garcel (Bulma en Dragon Ball), hacen que sea fácil confundir a Oliver con una niña. Garcel hace un gran trabajo y su voz le queda al personaje, la mayor parte del tiempo sí parece que habla un niño, pero en ocasiones no puede evitar sonar muy femenina.

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Fuera de este detalle, “El Pequeño Ladronzuelo”  es una obra muy buena, agradable a la vista y al oído y un deleite para quien guste de las producciones animadas, las historias clásicas de Dickens… y por supuesto, orgullosamente mexicana.

 

Animación Mexicana Parte 1: Los tres Reyes Magos

La industria de la animación es famosa y utilizada en prácticamente todo el mundo. Algunos países ya se consideran potencias en el tema, otros apenas se están iniciando en él. ¿México en cuál de los dos grupos está? Honestamente es complicado decirlo ya que la animación ha sujetado la bandera mexicana desde hace ya varios años, no somos ningunos principiantes en el negocio pero aún nos falta un largo camino por recorrer.

En el motion capture estamos iniciando, en el 3D estamos mejorando y el 2D ya lo tenemos casi dominado. Es común que la gente opine mal de un producto mexicano antes incluso de verlo, en este caso de una película. Sin embargo, lo que hemos producido tiene mucha calidad, elementos muy sólidos y una industria de la que podemos enorgullecernos. Por supuesto que también hay muchos aspectos a mejorar, bastantes de hecho.

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En esta ocasión comenzaré con un nuevo bloque de reseñas o sugerencias sobre películas y series de televisión que la animación mexicana ha creado. Y como siempre hay que iniciar por el principio, esta vez toco el tema del señor Fernando Ruiz. Este hombre es uno de tantos mexicanos que probaron suerte en el extranjero y gracias a su talento logró trabajar por un tiempo en la mismísima empresa de Walt Disney, en la cual colaboró en producciones como La Espada en la Piedra.

Tiempo después volvió a México, según dicen algunos por consejo del propio Disney, y comenzó a llevar a cabo sus propios trabajos en su país natal. Su filmografía no es muy amplia teniendo únicamente dos cintas en su haber, sin embargo vale la pena hablar de ellas. La primera, y la que trataremos esta semana, resulta ser la primera película de animación hecha enteramente en México.

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Ruiz decidió llevar a la pantalla la popular historia del nacimiento del niño Dios en su cinta “Los Tres Reyes Magos”. Esta película no cuenta con una animación perfecta, por el contrario no es del todo fluida y la sincronización de labios es prácticamente nula, sin embargo no es algo molesto. Curiosamente eso le da al producto un toque característico del Sr. Ruiz que llega incluso a ser uno de sus encantos (aclaro: siempre hay que buscar la perfección, no es que todos debamos hacerle así). Es un muy buen inicio para la industria en este país.

La historia es la que todos conocen sobre el viaje de los reyes magos a adorar al niño Jesús, pero con un manejo de arte muy interesante. Todos los personajes están basados en artesanías mexicanas y eso le da una estética digna de cualquier posada tradicional mexicana. Como mencioné, la animación no es perfecta pero tampoco es horrenda. Se trata de una película que se puede disfrutar a cualquier edad y para los amantes de la animación es algo obligatorio de ver. Un deleite a la vista y un gran parte aguas para muchos proyectos que vinieron después y que abordaremos mas adelante.

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Oscar: Nominados a Mejor Película Animada

Para los amantes del cine, uno de los eventos más esperados de todo el año es la entrega de los Academy Awards, o premios Oscar, donde se reconoce lo más destacado del séptimo arte.  La categoría de animación no queda exenta de este suceso y muchos vemos con ilusión las nominaciones que cada vez resultan más reñidas considerando la gran cantidad de películas animadas que se realizan actualmente.

Pero la animación no se limita sólo a su propia categoría, hay que recordar que en el pasado ya tres películas de este estilo han competido por el título de mejor película. Siendo la primera de ellas La Bella y la Bestia en 1991, año en que la estatuilla fue ganada por el Silencio de los Inocentes. Años después, en el 2009, la cinta Up fue nominada también a este nivel y perdió frente a Zona de Miedo. Finalmente, y un año después, Toy Story 3 compitió y fue superada por el Discurso del Rey.

Cierto es que ninguna de estas cintas ha ganado el mayor premio de la academia, y siendo honestos, es complicado que lo haga, pero el sólo hecho de ser consideradas como contendientes demuestra la calidad que la animación puede dar y refuerza lo que se he dicho siempre, que la animación no se limita a un público de cierta edad o ciertos gustos.

Este año ninguna cinta animada competirá por la categoría de mejor película, pero si hay una terna para mejor película de animación y a continuación les presentamos a los elegidos para dicho premio:

Frozen: Una Aventura Congelada

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The Wind Rises

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Los Croods

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Cabe mencionar que muchas cintas no lograron quedarse con una nominación, entre las cuales destacan Monsters University, Lluvia de Hamburguesas 2, El Reino Secreto, Turbo y Aviones.

La entrega de los Academy Awards será el próximo 2 de marzo, sólo entonces sabremos cual es la película que tendrá su reinado hasta el año siguiente. ¿Cuál es su favorito para ganar?

 

Animación para todos los gustos y edades

Como último paso para demostrar el alcance de la animación como medio artístico, debo reiterar que estamos ante un estilo, no ante un género. Ya en las notas pasadas se habló de que las edades nada tienen que ver, hay animaciones para chicos y grandes. Así mismo comentamos que las generaciones tampoco deben ser un impedimento para que algo sea bueno y/o malo, todo de pende de la sociedad, de cómo evoluciona y las cosas buenas que cada generación puede aportar.

Ahora indagaremos un poco en cómo, aunque la animación ya es considerada un género cinematográfico, puede también “colarse” a otros géneros. ¿Qué trato de decir con esto?, que cuando nosotros nos metemos a ver una película podemos elegir el tipo de espectáculo que deseamos. Puede ser algo de acción con autos explotando, puede ser aventura con civilizaciones perdidas custodiando tesoros, puede ser comedia, puede ser horror, puede ser un drama o un romance.

Pues bien, todos esos gustos también pueden entrar en la animación. Como he comentado antes, aunque no es un arte “incomprendido”, el concepto de animación a veces puede ser engañoso y limitarse a sí mismo. Muchas personas creen que ver algo animado no los dejará satisfechos y esta nota pretende dar ejemplos de que eso no es verdad.

Tomemos como inicio el cine de arte. Así como en el live action suenan nombres como Chaplin, Fellini, Kurosawa, Kubrick y demás, podemos tomar como un pequeño ejemplo (de muchos que hay) el nombre de Isao Takahata, co-fundador del famoso studio ghibli (que eventualmente merecerá su análisis película por película en esta sección). Seguramente recordarán series como “Heidi” o “Marco de los Apeninos a los Andes”, pues bien, este hombre es responsable de esas series. No obstante, también su filmografía cuenta con títulos como “Recuerdos del Ayer”, “Goshu el Violonchelista”, “Mis Vecinos los Yamada”, “Pompoko” y la excelsa “La Tumba de las Luciérnagas”. Cine de arte puro, y si no me creen, los invito a verlas.

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Con respecto al cine de comedia no creo que tenga mucho caso indagar, ya que estudios como Pixar y Dreamworks nos dan muy buenos ejemplos día a día, además de ser obras que nos hacen reír, llevan una genial dosis de drama. Un ejemplo muy claro de eso es la cinta “Up”. Esta película es mejor conocida por la secuencia de sus primeros 10 minutos, una secuencia que hasta al más insensible hizo llorar. Claro, que después de eso tenemos una divertida aventura con elementos tan extraños como perros parlantes que vuelan en pequeños aeroplanos.

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Finalmente tomemos el cine de horror, el cual podría ser de los más radicales. Pues bien, los dejo con este ejemplo que, si bien no asusta, tiene una historia cruda y oscura digna de la clasificación B-15 o incluso C. El nombre, Kakurenbo, ojalá lo disfruten.

Caricaturas actuales vs clásicas

Anteriormente aclaré que la animación no es un género limitado a una audiencia infantil, y di un par de ejemplos sobre programas animados con un target muy variado. El tipo de audiencia ha sido y es la primera negativa que el mundo animado enfrenta, pero pasemos a uno de los temas más polémicos que aún hoy impide que nos pongamos de acuerdo: ¿las caricaturas de ayer eran mejores que las de hoy? Este tema no sólo aplica para la animación, sino también en otros ámbitos como la música, la moda, las películas y las costumbres en general. Desafortunadamente, las personas no estamos acostumbradas a aceptar lo que es ajeno a nuestros gustos y, por lo mismo, a veces entramos en conflicto.

Es común escuchar a gente mayor decir cosas como “los niños de hoy ven puras porquerías”… y en algunos casos es cierto. Pero aquí hay un punto, ya que las caricaturas antiguas también tenían sus pros y sus contras. Un ejemplo: antes las caricaturas eran muy tiernas, tocaban temas nobles, llenos de valores, y nos presentaban personajes entrañables cuyo comportamiento era impecable, como el caso de las producciones de Hannah-Barbera. No obstante, si en la actualidad analizamos esas caricaturas descubriremos que la dosis de humor era mínima; los villanos ya no impactan de la misma forma; las aventuras ya no parecen tan complejas como en ese entonces y -aunque suene feo- pudieran verse algo cursis.

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Con esto no digo que fueran malos programas, todo lo contrario. Eran verdaderas joyas y lo siguen siendo. Todo animador creció viéndolas y las toma como referencia. Ahora, pasando a las caricaturas actuales, es claro que las dosis de humor son mayores aunque diferentes, pudieran parecer más surrealistas y hasta vulgares. Los personajes son más complejos y por lo mismo no siempre son los mejores ejemplos para los niños. Como verán, todo depende de la perspectiva y no se trata de premiar a una y castigar a la otra. Cada proyecto tiene elementos a mejorar y elementos muy rescatables, sólo es cuestión de verlo objetivamente y tratar de analizarlo. Quedarnos con lo que creemos que es bueno y no espantarnos con lo que creamos malo, pues bastará con ignorarlo.

Se dice que las caricaturas actuales no sólo no llegan a los estándares de calidad de antes, sino que se han maleado totalmente, pero, ¿qué no los creadores de estas caricaturas son los niños que veían las otras caricaturas? La raíz es la misma; sin embargo, los programas deben evolucionar junto con la humanidad. Tal vez para mejorar, tal vez para empeorar, pero todo depende de la sociedad que se haya creado. A continuación les dejo un video que explica, en la personal y respetable opinión de quien lo subió, más a fondo este tema.

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Con esto no trato de imponer nada, simplemente tengo la esperanza de que todos aprenderemos a quedarnos con lo que nos gusta y respetar lo que otros disfrutan. Los invito (a chicos y grandes) a darle una oportunidad a aquello que no pertenece a su generación. Les aseguro que podrán llevarse más de una sorpresa agradable.

Las caricaturas son para niños… ¡MENTIRA!

Ya que he explicado los diferentes tipos de animación y di ejemplos de ellos, hablaré sobre algunos conceptos de este arte que suelen entenderse incorrectamente. Una vez definida la animación y su identidad como arte, abordaré algo que ya he mencionado anteriormente: la animación es un estilo y no un género, como lo es el cine y la TV.

¿Qué quiero decir con esto? Existen diversos géneros cinematográficos, como el drama, la comedia, el suspenso, la fantasía, el horror, etc., y muchas veces las personas piensan que la animación es un género que define una película y de inmediato la coloca en la categoría de lo infantil. Me refiero a la animación como “caricaturas”, y aunque en algunos casos sí aplica, pero no en todos.

Existen producciones de cine, televisión e incluso videojuegos para todas las edades y con sus respectivos géneros. A continuación cito algunos ejemplos de producciones hechas en animación para mostrar cómo a pesar de que todas son “caricaturitas” no van dirigidas al mismo tipo de público.

Ciertamente, las caricaturas han evolucionado mucho y el concepto de la animación de hace varios años no es el mismo que actualmente conocemos. El humor se ha vuelto en sí menos “inocente” por lo que es complicado hablar de la diferencia entre un programa para niños y uno para adultos. Por lo pronto no me enfocaré en el lenguaje, sino en el argumento y un poco en los gráficos.

Tenemos como opción infantil (y muy infantil) ejemplos como “Jake y los Piratas del País de Nunca Jamás”, un concepto muy similar a “Dora la exploradora”, orientado a un público muy pequeño; sin embargo, con una animación y una estética muy agradable para cualquiera que lo vea.

 

En el caso opuesto tenemos el anime “Highschool of the Dead”, el cual presenta un apocalipsis zombie visto desde la perspectiva de unos estudiantes. Es cruda, a veces exagera en mostrar partes privadas de las jóvenes, pero es una historia sólida que se enfoca en la evolución de los personajes más que en los zombies. Es un programa que, aunque en ocasiones parezca muy extraño, tiene los elementos suficientes para atrapar a los amantes del horror, la acción, el drama y la aventura, gracias a sus personajes bien construidos y a su historia que no es más que fascinante.

 

Estos son ejemplos muy extremos para hacer más notoria la diferencia entre los targets que puede abarcar la animación y buscar que el público que hace a un lado la animación pensando que no tiene variedad se anime a darle una oportunidad. Como verán, hay para todas las edades y gustos, sólo es cuestión de que busquen según sus necesidades.

 

Lo mejor del 2013: Top 5 en animaciones

El 2013 fue uno de los años más animados, y al decir esto me refiero a la gran cantidad de opciones de cine de animación que pudimos apreciar. A continuación, las producciones más taquilleras y de mejor calidad.

5) Mención Especial: “The Dark Knight Returns” y “Ani Fest”

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Vale la pena mencionar: estos dos estrenos especiales fueron posibles gracias a una de las dos principales cadenas cinematográficas en el país. Su periodo en cartelera fue breve, pero fue algo muy bien recibido por los fans. En el caso del “Ani Fest” (Festival de animación japonesa) pudimos disfrutar en pantalla grande éxitos como “El Mundo Secreto de Arriety”, “Wolf Children” y “Macross”. En cuanto a Batman, fue un deleite ver la gran obra de Frank Miller fuera del DVD.

4) “El Viento se Alza” y “La Leyenda de la Princesa Kaguya”

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Dos cintas que aún no llegan a nuestro país, pero que deben ser mencionadas ya que, para los apasionados en el tema, son obras importantes. Del legendario estudio Ghibli (que eventualmente tendrá su merecido análisis) finalmente vieron la luz El Viento se Alza y La Leyenda de la Princesa Kaguya, de Hayao Miyazaki e Isao Takahata respectivamente. La expectativa por estas dos obras así como el historial de ambos directores, llaman la atención aún incluso antes de su estreno. En lo que al mundo de la animación se refiere, es uno de los hechos más relevantes.

3) “Los Croods” y “Frozen”

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Disney y Dreamworks estuvieron presentes este año y trajeron dos cintas divertidas con el estilo característico de cada casa productora. Ambas con personajes memorables, una animación muy buena e historias entrañables. “Los Croods” y “Frozen” son excelentes opciones para pasar el rato en familia.

2)  “Metegol” y “El Reino Secreto”

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Dos películas poco afortunadas en taquilla, pero de gran potencial. La primera muestra un mundo de diminutos seres en el bosque mientras que la otra muestra pequeños personajes dentro de un juego de futbolito. La animación de ambas películas está perfectamente lograda, en el caso de “Metegol” se trata de una revelación del cine argentino.

 

1)  “Monsters University” y “Mi Villano Favorito 2”

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Ambos ocupan el primer puesto debido al éxito obtenido así como a las expectativas y comentarios despertados. Curiosamente, las dos películas cuentan con una primera producción y con el doblaje de Andrés Bustamante. Sobra decir que incluso los que no son afines al género de animación supieron de estas cintas… y terminaron viéndolas, admítanlo.

Navidad Animada Ultima Parte: Propuestas en MOCAP

Prácticamente, es cuestión de horas para que llegue la navidad; y con el fin de esta mágica temporada llega, también, el fin de esta pequeña lista de propuestas animadas. Para cerrar con broche de oro les ofrezco algunas opciones del último tipo de animación, el motion capture. Resulta curioso que, a pesar de que a estas alturas ya hay varias producciones que usaron esta técnica -algunas de ellas hechas por completo con la misma-, sólo contemos con dos películas que hacen mención a la navidad.

Así  es, sólo dos películas abordan este tema festivo. También es curioso que ambas películas sean del mismo director. El nombre de Robert Zemeckis es muy popular en el mundo del cine, ¿quién no ha visto o por lo menos escuchado hablar de joyas como Volver al Futuro y Forrest Gump? Pues sí, este realizador hace algunos años fue seducido por esta fascinante técnica de animación y dirigió tres cintas utilizándola, dos de ellas son las propuestas en esta ocasión.

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La primera es El Expreso Polar, estelarizada por Tom Hanks. Muchos criticaron el manejo un tanto infantil de esta cinta, pero… El expreso polar es un cuento infantil a fin de cuentas. Se trata de una verdadera obra maestra en cuanto a animación se refiere, y es una película que, debido al trabajo artístico, no puede faltar en todo maratón navideño. Es una maravilla poder ver ese mundo, ese taller de Santa en un universo donde la realidad y la animación van de la mano.

Para los que tuvieron la oportunidad de verla en el cine, y en 3D, recordarán que fue una gran experiencia. Me atrevo a decir que es una de las cintas que, con gran efectividad, puede transportar nuestra imaginación al polo norte, y que provoca esa nostálgica necesidad de volver a la infancia. Además, el mensaje de la película es maravilloso: jamás dejen de creer.

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La otra recomendación es una adaptación del cuento navideño mas explotado en toda la historia. De Charles Dickens, “Cuento de Navidad”. Pero no malinterpreten, nadie pone en duda que este relato es un clásico de la literatura, y es precisamente por esto que existen muchísimas adaptaciones. La más reciente hasta ahora también fue hecha por Zemeckis. Estelarizada por Jim Carrey, A Christmas Carol (o como se tradujo aquí, Los Fantasmas de Scrooge) es una de las versiones más fieles al libro original.

Sin embargo, no es la versión más apreciada por el público. Algunos la consideran demasiado oscura y con razón, pues recordemos que se trata de un cuento navideño que es al mismo tiempo una historia de horror. Al igual que en El Expreso Polar, en esta película el manejo artístico es excelso. A Christmas Carol es, sin duda alguna, una opción altamente recomendable para estos días de festejo.

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Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

Navidad Animada Parte 2: Propuestas en 3D

Continuando con las recomendaciones navideñas del mundo de la animación, pasemos a la animación en 3D. Considerando su potencial en esta época del año, es curioso que para este género haya menos opciones. Algunas películas MOCAP podrían colarse en este tipo de animación, pero ojo, el MOCAP y el 3D no son lo mismo.

Igual que en la nota pasada, tenemos dos opciones para estas fiestas. La primera es una producción de los creadores de “Pollitos en Fuga”, una tierna historia llamada “Operación Regalo” (“Arthur Christmas”). Para todos los que duden de la existencia de Santa argumentando que es imposible que un anciano recorra todo el mundo en una noche, esta película es perfecta.

Aquí no se presenta a Santa como un hombre, sino como toda una organización con tecnología de punta. Con un trineo parecido a una nave espacial, un ejército de duendes que ayudan al jefe y toda clase de artilugios -que el mismo James Bond quisiera-, “Operación Regalo” puede quitarnos la idea de un Santa de carne y hueso. En un principio, pareciera una parodia del género navideño: los ideales de humildad y magia siendo aplastados por la tecnología. No obstante, se trata de una historia muy emotiva y llena de valores donde el espectador se puede dar cuenta de que hacer lo correcto y buscar la felicidad de otros vale más que la fama y el reconocimiento.

Sin lugar a dudas, esta película llegó para posicionarse entre los clásicos navideños. Otro de los valores que se puede apreciar es el atesorar lo que cada generación nos brinda. No quedarse en el pasado y hacer a un lado los avances, pero tampoco olvidar las maravillas que nuestros abuelos ocupaban, a fin de cuentas todo tiene un fin común, así las diferencias terminan desapareciendo.

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La segunda opción es “El Origen de los Guardianes”, producida por el compatriota Guillermo del Toro. Esta cinta puede no tener un ambiente navideño, al menos no en su totalidad, ya que no se basa en una sola celebración, sino en varias. Aquí podemos ver a los personajes de leyenda como Jack Frost, Santa Claus, el Conejo de Pascua, el Hada de los Dientes y Sandman (que en E.U. es el encargado de los sueños) luchando para proteger a los niños de las garras de Pitch Black, mejor conocido como el Coco.

¿Los valores que nos ofrece? Que el miedo es poderoso, pero lo es más nuestra determinación para vencerlo; la importancia de seguir creyendo y jamás rendirse; pero sobre todo, que toda bondad es reconocida de una u otra manera. Para los que ya han visto la cinta, recordarán la forma en que Jack Frost es elegido… y los que no la han visto, ¿qué esperan?

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Con estas dos opciones, más las que ustedes puedan proponer, ayudaremos a los niños y a sus padres a tener una navidad tridimensional.

Navidad Animada Parte 1: Propuestas en 2D

La Navidad está a la vuelta de la esquina y aprovechando que ya expliqué los cuatro principales tipos de animación, ¿qué mejor que verlos en acción? La animación y la Navidad van de la mano, sobran los especiales que podemos ver en cine y televisión sobre esta época mágica. Durante el mes de diciembre daré algunas recomendaciones para disfrutar esta celebración, cada semana de un tipo diferente de animación.

Para comenzar, las recomendaciones en 2D son un cortometraje y un largometraje. La primera opción es una cinta del legendario director Don Bluth, de quien hablaremos en otra ocasión. Se trata de su ópera prima hecha en el año de 1978 con la empresa Disney. El título de esta obra es “El Pequeño”.
Este corto nos presenta la historia de un niño judío que trabaja en una granja con su padre. El niño tiene como mascota a un burro llamado Pequeño, quien es su mejor amigo. El lazo entre ambos es muy fuerte por lo que estar juntos representa toda su dicha. Una noche, el padre del niño le informa que piensa vender a Pequeño, poniendo a su hijo en una crisis al tener que despedirse de su adorada mascota.
El chico no tiene más remedio que aceptar, pero no está dispuesto a vender a su burrito a cualquiera. En los 26 minutos de duración de esta cinta somos testigos de la travesía de este muchacho por encontrarle un hogar adecuado a Pequeño, con un desenlace que sin duda arrancará algunas lágrimas. Aquí pueden ver el cortometraje:

http://www.youtube.com/watch?v=IB-PTkRv50Q

La segunda propuesta es un largometraje francés, se trata de la cinta “El Aprendiz de Santa Claus”. Esta película, que después fue hecha serie animada, nos relata las aventuras de un pequeño niño huérfano de nombre Nicolás, quien es elegido por el propio Santa Claus para ser su heredero debido a su buen corazón.

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Además de la historia, que resulta ser un verdadero deleite emotivo y cómico, el estilo de animación es una maravilla. La paleta de colores nos recuerda aquellos libros infantiles que estaban coloreados con crayones o lápices de colores. La música y otros elementos también engrandecen esta cinta que no deben perderse.

Ciertamente hay infinidad de cortos y largometrajes de gran calidad, pero opté por estas dos producciones porque no son tan conocidas. ¿Y ustedes qué especial en 2D recomendarían?

MOCAPS: Digitaliza la Realidad

Existe un concepto en la animación llamado Acting, pero ¿qué quiere decir? Básicamente, que al momento de animar se debe dotar al personaje de una personalidad: puede estar triste, feliz, enojado, emocionado, etc. De cierta manera, el animador es un actor. No hay de otra, el animador debe actuar para saber trasmitir determinadas sensaciones al personaje que está creando. A algunos no les gusta, pero ni modo, no hay forma de que un actor profesional se convierta en el personaje animado… esperen… ¡si la hay!

Motion Capture (MOCAP) es la forma en la que los movimientos de una persona literalmente pueden convertirse en un personaje animado. Extraño, pero cierto. Se trata de un método muy avanzado, que si bien aún tiene algunos detalles que deben ajustarse, se ha convertido en una herramienta útil tanto para cintas animadas como de live action.

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Funciona de la siguiente manera: tenemos al actor, le colocamos un traje especial al que se le adhieren en puntos muy específicos unos sensores. Estos sensores no tienen nada de mágico: son simples pelotitas recubiertas con un material que las hace reconocibles a unas cámaras especiales. Las cámaras sólo captan sombras y el color de las pelotitas, es decir, ellas graban las pelotitas moviéndose junto al cuerpo del actor.

El sujeto actúa y las cámaras lo graban. Después sólo hay que disfrazarlo por medio de la computadora. El movimiento captado se aplica al personaje previamente modelado y riggeado (o sea, que ya tenga esqueleto digital integrado). El personaje realizará los mismos movimientos que el actor realizó, resultando así en una animación mucho más perfecta y natural obtenida directamente de una persona en el mundo real.

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¡Genial! ¡Ese tipo de animación hace el trabajo mucho más fácil!… eh, de hecho no. El MOCAP es uno de los procesos más complicados, ya que requiere al menos doce cámaras especiales que se colocan alrededor de un foro. Las cámaras deben calibrarse constantemente, lo que se vuelve tedioso luego de un rato. El actor debe llevar a cabo una coreografía para ser reconocido por las cámaras. El resultado es un archivo personalizado que sólo reconocerá las proporciones de este mismo actor y no de otro más.

Y cuidadito con que uno de los sensores se caiga, pues al volver a colocarlo el lugar debe ser exacto. Un milímetro de diferencia puede provocar que la grabación se arruine. Es un trabajo que requiere bastantes horas de concentración. Suena horrible, pero gracias a él tenemos resultados de una calidad extraordinaria como Gollum de “El señor de los anillos”, King Kong, Davy Jones de “Piratas del Caribe” y Caesar de “El Planeta de los simios”.

Stop Motion: Animación palpable

Si bien el proceso de animación provoca un efecto de movimiento en objetos fijos como dibujos o gráficos de computadora, no deja de tratarse de una ilusión óptica. No así sucede con el cuadro por cuadro o stop motion. Esta técnica de animación es casi tan antigua como el 2D, aunque mucho más compleja.
La animación stop motion es un verdadero deleite a la vista; sin embargo, debido a la enorme cantidad de trabajo y material que ésta requiere, pocos son los animadores que se ANIMAN a llevarla a cabo. Algunos consideran, con bastante razón, que esta técnica es la única animación “real”.

Al decir “real” quiero decir que en esta técnica lo que vemos en pantalla realmente existe afuera de ella. El 2D nos presenta dibujos que no van más allá del papel y el 3D elementos que siempre vivirán dentro de una computadora, pero el stop motion nos muestra objetos que comparten nuestro espacio, podemos verlos, tocarlos y manipularlos. En otras palabras, el stop motion se realiza con modelos -similares a las marionetas- que tienen una armadura articulada o esqueleto y cuyo exterior puede ser rígido, de plastilina u otro material moldeable.

Para elaborar esqueletos que faciliten la movilidad de los modelos y después recubrirlos detalladamente, en esta técnica intervienen otros procesos artísticos, como el modelado e incluso la escultura. Los esqueletos pueden ser de metal o de alambre según el presupuesto con el que se cuente. El esqueleto se recubre con látex, tela, plastilina o cualquier otro material. Realmente no hay una regla que obligue a que los modelos estén fabricados con un material específico. Incluso, algunos animadores utilizan materiales como carne, huesos y comestibles.

Aunado a esto, es necesario elaborar los escenarios, vestuarios y utilería. El proceso de preproducción resulta un trabajo extraordinariamente cansado y que requiere mucha más habilidad, concentración y amor por lo que se está haciendo. Después viene el proceso de animación, donde para conseguir movimiento hay que hacer minúsculos cambios a cada modelo: gesto por gesto, movimiento por movimiento, fotografía por fotografía. Son horas y horas de trabajo. Para darnos una idea, un animador promedio logra tan sólo unos segundos de animación en toda una semana de trabajo.

Al conocer el proceso que hay detrás de cintas en stop motion, no es extraño que el número de animadores que utilizan esta técnica sea reducido, ni que al utilizarla tarden en producir y finalizar su proyecto. Ciertamente, esperar vale la pena pues el resultado es majestuoso, provoca la ilusión de estar viendo una película que oscila entre lo real y lo fantástico. Si el 3D es la escultura animada, el stop motion es la animación palpable.

3D: Escultura animada

Una vez que ya tenemos las bases de la animación 2D podemos pasar al siguiente nivel, que es el más usado en la actualidad tanto en la industria del cine como en videojuegos y a veces en televisión. Desde que adquirió fama con la legendaria Toy Story de Pixar, no es extraño que este tipo de animación se haya ganado un lugar en el gusto del público de todas las edades.

Ahora, el concepto de animación 3D no se refiere a aquellas cosas que parecen salir de la pantalla gracias a unos anteojos especiales, sino a la animación creada con ayuda directa de la computadora y con programas especiales. Estos gráficos se generan mediante un proceso de cálculos matemáticos y adquieren propiedades geométricas tridimensionales, poseen volumen, y tienen un aspecto un poco más realista.

Visualmente, el 3D puede considerarse mucho más atractivo que el 2D, incluso los efectos especiales que vemos en películas Live Action (con actores reales) muchas veces consisten en animación 3D. Cuando vemos a un caballero medieval luchando contra un dragón, dicho caballero puede ser un actor disfrazado, pero el dragón es algo que sólo con un animatronico o con un personaje de animación por computadora podemos conseguir. Después de todo el proceso, tenemos a ambos personajes interactuando entre sí y, a menos que seamos demasiado observadores, no advertimos que uno de ellos no estaba ahí realmente.

Desde luego que hacer animación en 3D es considerablemente más difícil que hacer animación en 2D, ya que se deben incorporar otros conocimientos. Por ejemplo, un animador podría pensar que es innecesario conocer sobre anatomía, pero se llevará una gran sorpresa cuando se de cuenta que para modelar a un personaje en 3D, y luego animarlo, debe considerar la localización de las articulaciones, las áreas en las que el cuerpo debe ser más duro o más flexible e incluso el tipo de movimientos que el personaje puede o no realizar según su estructura física.

Usualmente, el trabajo de animación se divide en distintas etapas. Los modeladores son los encargados de crear una escultura de arcilla del personaje, pero en la computadora, mientras que el animador asigna al personaje un esqueleto y controladores para manipularlo como a una marioneta. También se trabaja la iluminación, se da textura al personaje y agrega a los escenarios. Finalmente, el proceso de render.

El proceso de render es para darle un último toque al video, básicamente que se vea bonito. Este proceso puede tardar minutos, horas o días según la cantidad de detalles en la animación. Como se mencionó anteriormente, la animación 3D requiere mucho trabajo y mucha más paciencia, pero es una labor que al final vale la pena.

La animación 2D y el por qué debe quedarse

Uno de los primeros tipos de animación, y quizá el más conocido, es la animación en segunda dimensión. Las famosas “caricaturas” nos han acompañado desde siempre volviéndose el clásico referente de lo que a este arte se refiere. Desde aquel Mickey Mouse navegando en su pequeño barco de vapor en blanco y negro, hasta el detallado y proporcionado estilo del animé, la animación 2D es un agasajo visual, una maravilla que, desafortunadamente, parece estar a punto de desaparecer.

 

La animación (como se mencionó en la entrega anterior) se trata de múltiples imágenes que, al ser vistas de forma rápida y consecutiva, crean la ilusión del movimiento. Una buena animación 2D requiere no sólo de cierta habilidad para el dibujo, sino de una enorme dedicación y paciencia. Cada dibujo debe estar tan detallado como el anterior y los cambios que sufre para crear movimiento son mínimos. Contrario a la animación 3D, Stop Motion y Motion Capture, en esta categoría es preciso re-dibujar absolutamente todo, y puede que este sea el motivo por el que a muchos ya no les agrada llevarla a cabo.

Pero todo depende de los gustos del artista. La enorme cantidad de trabajo durante el proceso de animación es un elemento que le baja el ánimo a cualquiera, pero ciertamente una gran ventaja es que el 2D puede facilitar el proceso y darle al animador más control sobre el movimiento que se está creando. Claro que tampoco es obligatorio hacerla. Habiendo diversas formas de animar, uno puede elegir la que más le acomode.

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El punto aquí es la preocupación que a algunos animadores ha causado la llegada de la tecnología. La animación es un medio digital y sin los avances técnicos no se podría llevar a cabo, en ningún momento se busca criticar dichos avances. Hay enorme belleza en la animación más avanzada, sin embargo recordemos que siempre vale la pena no olvidar lo clásico.

Los dibujos animados no sólo pueden mostrarnos tanta majestad como la vida misma, un paisaje puede verse tan hermoso como uno real. Además, logra que la estética de un personaje de mal aspecto sea tierno y agradable, como fue el caso del Jorobado de Notre Dame de Disney. Y ya para terminar y aprovechando que se mencionó este estudio, siempre se pueden hacer pequeñas “trampitas” para reducir el trabajo. Les compartimos un video donde se puede apreciar como este famosísimo estudio pudo reciclar secuencias y ahorrarse muchas horas laborales.

Nos emociona ver cada día animaciones más impactantes, más detalladas y realistas. Esperamos que siga avanzando y sorprendiéndonos, pero eso no significa olvidar la escuela antigua. A pesar de los años, aún tiene mucho por enseñar.

Animación: Arte en Movimiento

Bienvenidos a esta sección, la sección de la animación, en la cual se tratará de darles espacio a los artistas que eligieron este medio para expresarse. Además de esto se buscará indagar un poco más allá de lo que sabemos de este arte. Mostraremos el proceso que conlleva realizar los diversos tipos de animación y hablaremos de las grandes obras animadas de ayer y hoy.

La esperanza con esta sección es lograr que los lectores entiendan que si un proyecto es animado no lo hace de menos valía. La animación es una forma más de arte, y como tal tiene mucho para dar y expresar y es para todas las edades.

Algunos expertos opinan que las primeras bases de lo que hoy conocemos como caricaturas o dibujos animados se remontan a la prehistoria, donde el hombre primitivo recurría al arte rupestre. Esas pinturas de aspecto muy simple a primera vista poseían características como el volumen que las mismas rocas les brindaban y juegos de líneas y color que les otorgaban la ilusión de movimiento.

Desde luego que esto es sólo una hipótesis, jamás se comprobó si esto era cierto pero es una interesante y no muy descabellada teoría. La animación es algo con lo que vivimos a diario, todos los días vemos movimiento e incluso nos hemos acostumbrado a él. El cine como tal es animación, ya que se compone de montones de fotografías que pasan rápidamente creando ese efecto.

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El concepto animación viene del término “Anima”, es decir, “Alma”. Dar animación a un dibujo no es hacer que se mueva, es hacer que tenga vida. No se trata de verlo moviéndose , debemos creer que es más que un dibujo, creer que es algo real y que podemos hablarle e interactuar.

El proceso es complicado y largo. Aquellos que se dedican a la animación resultan ser personas muy pacientes, pero también muy apasionadas por su trabajo como buenos artistas que son. Es una disciplina que requiere todos nuestros sentidos, casi todo nuestro tiempo y nuestro amor. Se trata de un arte del tipo multimedio. Puede abarcar la pintura, el dibujo, la música, juego de colores, la literatura e incluso la actuación.

Todo está en constante movimiento y cambio. La animación como arte se trata de eso, de crear vida y mundos fantásticos. Invitamos a los lectores a participar con noticias, proyectos, preguntas, peticiones, información de artistas que requieran una oportunidad o lo que quieran para enriquecer esta sección. ANÍMENSE y aprendamos juntos de esta actividad tan desgastante, pero también tan gratificante.