Especial Ghibli (Orígenes): Hols, El Príncipe del Sol

 Con motivo de la triste noticia del posible cierre del Studio Ghibli, abro una nueva sección especial homenajeando a esta legendaria empresa de animación. La verdad es que el futuro de esta compañía es incierto y todo parece indicar que no pasará nada que lamentemos, más aún tras declaraciones de sus directivos en el cual anuncian la producción de algunos cortometrajes para ser exhibidos en el museo del estudio, ubicado en Tokyo.

 Pero antes de hablar del estudio y sus logros, es importante conocer parte de sus inicios. Es bien sabido que el más famoso director que trabajó en el estudio fue Hayao Miyazaki, cuya fama se volvió tal que incluso ha opacado al genio que fuera su amigo, socio, y maestro, Isao Takahata.

 Takahata ya era un nombre relativamente conocido en el mundo de la animación cuando Miyazaki llegó con él. Su amistad surgió cuando Hayao entró a trabajar a la empresa Toei Doga y quedar bajo el liderazgo de Isao, quien se encontraba elaborando la primera obra de este dúo (y quizá una de las más complicadas), Las Aventuras de Hols: El Príncipe del Sol (Horus: Prince of the Sun, 1968), también conocida como La Princesa Encantada.

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 Con Takahata en la dirección y Miyazaki en el departamento de animación, la película fue uno de los proyectos más escabrosos de la compañía. La falta de recursos, altos costos, tiempos de entrega que no lograban cumplirse y como siempre, choques de visión entre la producción y el director hicieron de esta cinta una verdadera pesadilla en su proceso de elaboración. No obstante y a pesar de más de un momento en los cuales parecía que el proyecto quedaría estancado, la película fue terminada.

 Desafortunadamente dicha película costó más de lo que recaudó, de hecho hay quien asegura que fue un fracaso que le costó su empleo a Isao Takahata. Al final, pasaría a la historia en la lista de las cintas que se han vuelto cine de culto cuando en su época fue tan menospreciada. Es una película difícil de conseguir (prácticamente imposible en formato original), pero que se puede encontrar en internet y créanme, es una cinta que no se arrepentirán de ver.

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 La animación es amateur, la paleta de colores muy sencilla y tiene varios errores de proporciones y continuidad. Se nota que es obra de principiantes, sin embargo, unos principiantes que pusieron gran amor y esfuerzo a su creación y esos detalles son los que hacen de esta película una joya.

 Sí, la animación carece de muchas cosas, pero tampoco es una mala animación que no logre transmitir la historia que se pretende contar. Comparándola con los siguientes trabajos de este par, pareciera una obra menor, pero es una digna creación indirecta de Ghibli, que de hecho fue el parte aguas en una enorme faceta del animé.

 La historia se desarrolla en la Edad de Hierro en tierras europeas y cuenta la travesía de Hols, un muchacho que a la muerte de su padre queda solo y debe valerse por sí mismo. Antes de morir, su padre le pide que viaje en busca de otros humanos que puedan aceptarlo, tarea que Hols cumple sin dudar. No pasa mucho tiempo antes de encontrar una aldea de pescadores que vive atemorizada por un monstruo marino, mismo que Hols derrota ganándose la simpatía de casi todos.

 Las cosas parecen ser perfectas hasta que Hols conoce a Hilda, una niña solitaria con una hermosa voz que cautiva a los hombres cuando canta. Hols y Hilda entablan una bella amistad sin saber que la chica secretamente sirve al malvado Grunwald, un hechicero cuyo único objetivo es destruir a la humanidad.

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 El tono de la película es en su mayoría infantil, una historia de aventura y fantasía que incluye valores como la amistad, la determinación, el coraje y la importancia de luchar por el prójimo, sin mencionar animales que hablan. Aún así, la película no cae en un género que los adultos no puedan disfrutar, de hecho la cinta es madura y tiene momentos sumamente fuertes que abarcan temas como la muerte, la magia negra, traición, monstruos e incluso una sutil escena de desnudo.

 Como mencioné antes, es una película que no está exenta de errores de todo tipo, pero la calidad y la pasión con la que fue hecha, el trabajo y el corazón impregnados en ella a pesar de lo difícil que fue son notorios y al final, el espectador puede percibir eso y el sabor de boca es muy agradable. Es una película que todo fan del animé debería conocer, y si son fans de Studio Ghibli, con mayor razón. Ampliamente recomendable, una cinta para todas las edades y digna de verse sólo por ser la semilla que dio origen a ese inmenso roble de magia animada.

Hasta Luego, Ghibli

Les tengo dos noticias, una buena y una mala, ambas acerca del rumor del cual hablamos anteriormente: el posible cierre de puertas del famoso Studio Ghibli, ubicado en Japón. La mala es que efectivamente el estudio cerrará sus puertas debido a una situación económica complicada por la cual está pasando esta empresa. Toshio Suzuki, director y cofundador del estudio, fue el responsable de dar la noticia.

 Según se comenta, la razón principal de esta decisión se debe al bajo éxito de las dos últimas producciones realizadas, La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013) y El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014). Debido a esto, los accionistas del estudio han comenzado a perder ingresos ya considerar desmantelar esta empresa y de ese modo, poner fin a futuros proyectos que pudieran realizar.

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 Esta es una posibilidad aterradora para el mundo de la animación y del cine, ya que Ghibli es el responsable de una parte importante y fundamental de la animación japonesa. Sus filmes no solo tienen gran calidad en cuestiones técnicas, sino en sus historias y en la forma de contarlas. Una dura decisión para los propietarios, y por supuesto, los fanáticos.

 Ahora, no todo está perdido, ya que la noticia buena consiste en que recientes declaraciones del propio Susuki sugieren que esta es una decisión que no pretende ser permanente. El estudio cerrará pero sólo por un tiempo hasta ver si pueden recuperar sus ingresos. El plan es continuar produciendo cintas de gran calidad y tienen buenas esperanzas de que así pueda suceder.

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 Recordemos también que la dificultad de mantener el estudio en este momento se debe en gran medida no solo al fracaso de sus recientes proyectos, sino a la plantilla fija de trabajadores que tenían. Es decir, contrario a lo que los estudios de animación acostumbran, Ghibli proporcionaba un sueldo mensual a sus colaboradores hubiera o no un proyecto a desarrollarse. No se sabe con exactitud el coste que esto representaba anualmente, pero sí se ha dicho que la cifra era titánica. Por ahora el estudio mantendrá un equipo pequeño de trabajo para los proyectos personales del señor Miyazaki (cofundador y principal imagen), como cortometrajes para el museo que mantienen en Japón.

 También existe un rumor aún no confirmado de que el director y productor Michael Bay, responsable de la saga de Transformers, está pensando en adquirir los derechos del estudio, pero aún no se sabe mucho de eso. Por lo pronto no nos queda más que esperar nuevas noticias y esperar que esto solo sea un mal sueño. De cerrar sus puertas, Ghibli sería una pérdida enorme e irremplazable para el mundo de la animación. Esperemos que ese lapso sin ellos no sea demasiado largo. Seguiremos al pendiente y a modo de homenaje a esta fábrica de sueños, próximamente hablaré de cada una de sus películas esperando que aquellos que no las conocen puedan saber de ellas, quizá acercarse y entender el porque es tan triste este momento para el mundo de la animación.

Animación Universal: Persepolis

 Tengo que admitir que aunque disfruto mucho del cine independiente y el extranjero, la cinta de la que hablaré en esta ocasión no era una que me entusiasmara ver demasiado. Probablemente esté mal decir esto, pero el tema de los países árabes no suele ser muy entretenido en términos realistas, donde en vez de ver folclor y cultura es más sobresaliente el concepto de la guerra y la pobreza. No digo que sea aburrido, pero si algo no apto para aquellos que odian ponerse tristes.

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 Algo así esperaba ver en Persepolis (Persepolis, 2007), una cinta de animación francesa dirigida por Vincent Paronnaud y Marjane Satrapi y que nos cuenta la historia de las aventuras (y desventuras) de una niña iraní cuya infancia se ve atormentada por la guerra y el descontento contra el Sha y que eventualmente se enfrenta al desprecio y la soledad cuando decide dejar su nación y probar suerte en países extranjeros.  No obstante, y contrario a mis expectativas que de hecho se incrementaron al ver que la cinta era en blanco y negro, la película no sólo fue divertida, sino que me pareció una verdadera obra maestra.

 Para empezar hay que destacar la animación, la cual es sencilla y con un diseño de personajes muy simple, pero que tiene una fluidez y una naturalidad sobresalientes, de hecho es una maravilla ver cada cuadro hecho de forma manual y con tanto cuidado que sin que podamos hacer nada, nos atrapará. El tono de la cinta es en cierta manera crudo, pero jamás se siente como una película deprimente, de hecho nos sacará varias risas. Es muy curioso ver secuencias tan caricaturescas tipo Tex Avery en una misma historia que usa temas tan fuertes como la muerte, la guerra, el sexo, la droga y por supuesto, algunas palabras altisonantes.

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 No es una película para niños, sin embargo puedo decir sin equivocarme que los adultos volverán un poco a su infancia ante esta película tan madura y a la vez tan de niños. Tiene todo lo necesario en una trama que nos muestra el horror que se vivió en Irán en esas fechas, es una clase de historia y de superación fenomenal, pero a la vez tiene la frescura de una caricatura. Honestamente, jamás había visto una cinta que mezclara esos elementos de forma tan sublime.

 Los personajes son expresivos a más no poder y es imposible no identificarse con la protagonista. Incluso podría decir que es una cinta muy colorida a pesar del blanco y negro que caracteriza gran parte de ella (hay unas breves escenas a color). Por mucho, una cinta que no se pueden perder y un ejemplo más de por qué el cine francés es tan popular que hasta hacen maratones en nuestro país. Espero que algún día, esos maratones nos permitan ver esta película en la pantalla grande, sería una experiencia por la que sin duda pagaría.

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Animación Universal: Vamos a la Luna

 El cine animado en Bélgica también cuenta con producciones en 3D, las cuales si bien distan de estar a la altura de los grandes, tienen una calidad bastante aceptable y de hecho, aunque suene mal, tiene detalles que pudieron ser mucho peores.

 Una de las cintas mas representativas de este ejemplo llegó a cines mexicanos hace algún tiempo. Y he de admitirlo, en un principio no sabía que se trataba de una producción que no pertenecía enteramente a Estados Unidos por un simple detalle: la historia.

 Vamos a la Luna (Fly Me to the Moon, 2008) es una tierna película familiar que habla de tres valientes y traviesas moscas que tiene el sueño de llegar a la Luna, y para lograrlo deciden entrar como polizones nada menos que a la misión del Apolo 11, lo que los llevará una gran aventura llena de peligros que involucran los riesgos habituales de un insecto en el mundo humano, pero además, la intromisión de las “malvadas” moscas rusas.

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 Si, así como lo leen, no es ni la trama más original ni menos patriota que hemos visto, de hecho peca de caer en la categoría de esas cintas donde los norteamericanos (o los americanos, como parece ser que todo el mundo los llama) son los grandes héroes de la galaxia y los que se oponen a ellos son más perversos que el diablo. Sin embargo, y a pesar de todo esto, la película está bien manejada e incluso esa historia es fácil de aceptar para todo público.

 La animación está muy bien lograda y aunque el trabajo de iluminación y texturas es simple y no aporta nada nuevo ni espectacular, resulta cumplidor. El diseño de personajes es curioso, con personajes simpáticos aunque al principio parezcan un poco raros (consecuencia de todas las cintas que tratan de humanizar, pero en serio humanizar, a los animales). No es una joya en cuanto a efectos visuales se refiere, pero tampoco cae en lo mediocre.

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 Volviendo a la trama, la película tiene un guión divertido y otorga más peso al sueño de unos niños, el amor familiar y la determinación de lograr un sueño aún cuando todo parece ir en contra, que prácticamente nos olvidamos de las banderas y nos adentramos en la aventura de esas mosquitas que rápidamente se ganan nuestra amistad y nuestro apoyo. Sin embargo. he de aclarar que al final termina siendo una película que sólo busca entretener a los niños, los adultos no la padecen, pero tampoco la considerarán una maravilla del cine. De hecho, la cinta recibió muy malas críticas, luego de su estreno.

 Aún así recordemos que el cine (y la animación) es arte, y como tal tiene el único objetivo de que el artista exprese algo. También la percepción de aquellos que vean ese arte variara en tantos sentidos. Los mejores críticos son ustedes y aunque como dije, es una cinta muy genérica, me parece un muy buen intento de sus creadores para adentrarse al mundo del 3D y es una película que aunque no aporta nada nuevo, cumple la difícil labor de ser un producto infantil que incluso los adultos pueden disfrutar aunque sea en momentos.

Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

¿Studio Ghibli Cerca del Fin?

Un alarmante rumor se está difundiendo por la red, y aunque aún es algo que ninguno de los involucrados y/o algún otro portal han siquiera mencionado, la sola idea hace temblar a los amantes de la animación y el animé. Con la última película del maestro Hayao Miyazaki en salas de cines comerciales, y con la expectativa de dos nueva producciones circulando por el mundo, el legendario Studio Ghibli podría cerrar sus puertas y detener la creación de largometrajes animados.

 Según el sitio de Internet Koi-Nya.net, el estudio ha decidido abandonar la labor realizada por tantos años. Si bien el futuro de la compañía ya era incierto con el retiro de Miyazaki e Isao Takahata, se ha hablado mucho de que aún hay vida después de estos dos genios. Hay que recordar que hace poco se dio el anuncio de una serie animada que ya estaba en proceso de producción y que sería dirigida por Goro Miyazaki, de la cual no se ha hablado nada al respecto.

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 Personalmente, veo poco probable que eso ocurra, sin embargo tampoco parece ser una noticia tan inverosímil. El reto de mantener la calidad de las películas sin el equipo que creó y levantó el estudio es grande, sin embargo no es imposible.

 Ahora, es más factible la razón que este portal explica, y que considera que los altos costos de producción y las bajas ganancias del estudio recientemente los ha llevado a retirarse. Se menciona que la penúltima película ya presentada La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of the Princess Kaguya, 2013) no recaudó el dinero esperado, volviéndose un fracaso y condenando el futuro de la empresa.

 Es desconcertante escuchar este tipo de noticias, sobre todo porque sabemos que Ghibli es un estudio que se ha caracterizado por la calidad que maneja, aunque no siempre sea comercial. Pensaríamos que luego de tantos años de proyectos con altas y bajas, los propietarios ya estarían listos para crisis de esta índole. Por lo pronto nos sentimos aliviados de que parece ser un mero rumor y esperamos que resulte serlo.

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 Mientras se da una confirmación o negación de esta noticia, seguimos en espera de las aventuras de Kaguya y de la más reciente cinta, El Recuerdo de Marnie (When Marnie was There, 2014), la cual reveló hace unos días su más actualizado tráiler, que les compartimos a continuación. La cinta acaba de estrenarse en cines japoneses, así que roguemos por que el éxito que tenga sea lo suficientemente aceptable para salvar el futuro de este extraordinario estudio que nos da más que películas de animé, nos da arte en todos los sentidos.

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Review: Aviones 2 Equipo de Rescate

Resulta complicado hablar de una serie de películas como esta de forma objetiva y sin apuntar a uno de los lados extremos del público que tiene, y es que siendo honestos, estas cintas son de esas que tienen a quienes las aman y otros quienes no las toleran. En lo personal, jamás he entendido el fenómeno que envuelve a estos títulos, originalmente creados por Pixar y ahora siendo elaborados por Disney Toons. Por un lado, no comprendo el motivo por el que estas películas son tan odiadas por algunos sectores, y de igual forma, ignoro por qué a pesar de esa negación del público, se siguen llevando a cabo.

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 Debo confesar que no soy fan de Cars (Cars, 2006), no vi la segunda película de esta saga ni la primera parte de la versión aérea, es decir, Aviones (Planes, 2013); no obstante, el hecho de no haber tenido la oportunidad de verlas no significa que no me gustaran, de hecho, no considero la película de los coches como una mala película.

 Ciertamente no son las películas más entrañables, originales y divertidas de la historia, pero tampoco creo que deban ser despreciadas. Es curioso que el resultado final no resulte tan mágico como otras películas animadas, ya que si nos ponemos a pensar tienen todo lo necesario: una historia emotiva, momentos de humor, buena animación, actuaciones aceptables y una premisa entretenida. Quizá el motivo sea la forma en que los proyectos fueron llevados, pero es un tema en el cual jamás nos pondremos de acuerdo.

 Menciono esto para dejar claro que mi impresión de la película Aviones 2: Equipo de Rescate (Planes: Fire &Rescue, 2014) no está basada en la continuación de una historia, sino en la película que vi. Muchas veces nos dejamos llevar por productos anteriores y no damos el valor adecuado a las cosas, por decirlo, nos gustó por la que 1 estuvo buena y esta siguió la trama… o lo opuesto, la 1 estuvo mejor y en la 2 arruinaron todo. Quizá fue mejor que viera esta segunda parte sin conocer a su predecesora (que es raro ver una secuela apenas un año después del estreno de la primera parte), que según dicen, es prácticamente la cinta Cars, pero con avioncitos.

 Lo primero que nos queda claro en esta película, dirigida por Roberts Gannaway, es que tiene como objetivo principal rendir homenaje a los valientes esfuerzos de los bomberos que día con día arriesgan sus vidas en el cumplimiento de su deber… y es que literalmente vemos esta frase antes incluso de la característica animación del castillo Disney. Si bien la labor de dichos héroes es algo totalmente digna de reconocer, admito que esto baja las expectativas de la cinta al pensar que veremos una película donde Estados Unidos se engrandecerá a sí mismo y a su gente (cosa que jamás vemos en el cine, ¿verdad?).

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 Sin embargo y conforme la cinta va avanzando, esta cuestión no estorba a la trama y nos permite disfrutar de una película entretenida y en ratos emotiva, sin embargo, tampoco llega a ser totalmente entrañable. En los aspectos técnicos no hay queja, Disney nos tiene acostumbrados a una calidad prácticamente impecable en animación y arte y esta no es la diferencia. Los personajes con simpáticos y aunque son maquinas cada uno tiene su personalidad bien definida. Aún así, lo que siento que destaca mas es la creación de escenarios, que aunque siempre los vemos como una caricatura, están muy bien elaborados. Algo que me gusta de esta saga y la de los autos es el divertido detalle de que todo es un mundo de autos y aviones: Montañas, árboles, nubes, animales, etc, en todo hay una de estas figuras ocultas que nos harán sonreír al descubrirlas.

 Las secuencias de acción son grandiosas, destacando una escena de un gran incendio forestal que en momentos de verdad impacta. La animación de fluidos es otro detalle que se debe aplaudir, ya que elementos como agua, fuego y humo son muy usados en esta historia y de verdad logran lo que quieren con ello. Ahora, si se preguntan si es una cinta que debe ser vista después de la primera parte, les comento que aunque si es recomendable hacerlo, no tendrán ningún problema para entenderle y comprender la relación de los personajes aún si se perdieron la anterior (lo digo por experiencia propia).

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 Eso es lo bueno, ¿y lo malo?… Pues, realmente no encontré más que un error en la película, lamentablemente es uno muy grande: No es algo muy entrañable, como comenté antes. Y es que la mayoría de las cintas animadas nos dan la garantía de que o nos harán reír mucho, o nos harán tener una bonita sensación con una historia tierna y conmovedora, y esta película se queda corta en ambos aspectos. Ciertamente la trama se presta a ser emotiva, hay momentos de gran heroicidad, amistad, conflictos personales y momentos jocosos, pero no es nada jamás antes visto.

 Personalmente jamás me reí, no me aburrí, pero tampoco hubo algo que me diera un ataque de carcajadas. Al final de la película y al salir del cine no me sentí robado, no lamenté haber pagado mi entrada ni pasar 83 minutos viéndola, me sentí bien y creo haber visto una buena película… pero tampoco salí adorando el producto. Por decirlo fríamente, es una cinta que cumple su labor de entretener y pasar un buen rato en familia, pero hasta ahí.

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 En cuanto a si la recomendaría o no, pues creo que eso depende de cada uno de ustedes. No se necesita ser un experto para saber a qué tipo de película se están metiendo y cada uno sabe qué tipo de cine le gusta y no le gusta. Afortunadamente tampoco es una película que hace sufrir a los adultos, no tiene chistes absurdos ni momentos ñoños, no es una cinta orientada a niños muy pequeños y ese detalle creo que ya es un gran logro en una película clasificación AA. Para concluir les comparto que la sala en la cual me encontraba estaba llena a medias, y durante la función escuché risas y frases emocionadas de muchos niños, así como vi a 3 familias retirarse antes de que la película terminara e incluso a un niño decir “ya me aburrí”.

 En conclusión, es una película que si quieren darle una oportunidad no les quitará nada, estoy casi seguro que se la pasaran bien. Pero si deciden no verla o esperar a rentarla en DVD, tampoco se perderán de mucho. Eso sí, aunque no es algo destacable tiene buenas moralejas como la determinación, el valor de seguir adelante a pesar de haber tropezado antes y la importancia de ayudar al prójimo.

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Animación Universal: Las Trillizas de Belleville

 Siguiendo con las producciones realizadas por más de un país, en esta ocasión hablaré de una cinta producto del trabajo conjunto de Francia, Bélgica y Canadá. Dirigida por uno de los grandes del comic y la animación francesa, Sylvain Chomet.

 La película Las Trillizas de Belleville (Les Triplettes de Belleville, 2003) resulta ser una mezcla de drama, acción y un poco de comedia trágica que termina siendo una obra maestra de la animación y la cinematografía.

 La historia sigue las aventuras de Madame Souza, una adorable viejecita que queda al cuidado de su nieto, quien es víctima de una gran depresión por la ausencia de sus padres. Entre los intentos de la anciana por animar al niño, descubre la fascinación del pequeño por el ciclismo, pasión que eventualmente lo lleva a correr en importantes competencias como es el campeonato de Francia.

 Durante una de las competencias, el ciclista es secuestrado por la mafia francesa junto a otros concursantes. La abuela lo descubre y sigue a los delincuentes para salvar a su nieto. En su travesía recibe ayuda de tres viejas estrellas del espectáculo en plena decadencia, las trillizas de Belleville.

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 Sobre los los aspectos técnicos: La animación en 2D (y seguramente de forma tradicional) es impecable, los movimientos son fluidos y bien logrados. El estilo con colores cálidos en su mayoría nos recuerda a artistas como Toulouse Lautrec, es como si viéramos una vieja revista con movimiento, estilo que se convierte en algo encantador.

 La cinta no es muda, pero es curioso el manejo casi nulo de diálogo entre los personajes, casi todo se plantea con mímica y algunos sonidos, no obstante, la película es perfectamente entendible. Tiene momentos muy cómicos así como muy emocionantes y otros muy emotivos.

 La historia es algo extraña pero a la vez con un toque realista. Definitivamente es una película que tenía muy bien planteado lo que quería lograr y se realizó con la suficiente madurez de cintas como Los Intocables (The Untouchables, 1987), pero también con elementos fantásticos y hasta absurdos que darán momentos divertidos, pero no harán perder el interés ni el tono de la cinta. En verdad, un enorme logro en lo que respecta a contar una historia.

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 La película estuvo nominada a diversos premios entre los años 2003 y 2005, siendo acreedora de del premio Boston Society of Film Critics a mejor película de habla no inglesa.

 También hay que destacar el detalle del inicio de la cinta, en donde vemos a modo de flashback el momento de apogeo de las trillizas en una escena en blanco y negro y con una animación muy similar a los orígenes de este arte. Es un excelente toque para demostrar el tiempo en que se desarrollan las situaciones.

 Es un film que se puede gozar ampliamente y quizá el único detalle que no gusta demasiado es el mismo diseño de los personajes. El ciclista jamás cambia su expresión de tristeza y algunos personajes son muy extraños y hasta grotescos, pero es un detalle mínimo al final de la película.

 El sentimiento que nos deja es muy agradable y es una película 100% recomendable. Una obra maestra de principio a fin.

Animación Universal: El Secreto de Kells

 Aunque aún faltan un par de cintas de animación mexicana por mencionar (las que están próximas a estrenarse) , creo que es conveniente comenzar con esta nueva sección para dar un poco mas de frescura y que un servidor tenga oportunidad de analizar con mayor profundidad las cintas faltantes, (de las cuales he de admitir), se muy poco en este momento.

 En esta ocasión abro la sección Animación Universal, en la cual hablaré de cintas de animación extranjera que quizá no sean muy populares pero que tienen índices de calidad muy buenos y merecen ser conocidas. La distribución nula o escasa de varias de ellas es una gran limitante, por lo que es probable que no se encuentren con facilidad los títulos aquí mencionados. Pero créanme que si lo logran, no se arrepentirán.

 Hoy les hablaré de una película que a pesar de su estilo sencillo en 2D resulta ser un verdadero éxtasis para los amantes del cine, las historias mágicas y la animación. Se trata de la co-producción Belga-Irlandesa-Francesa, El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009). La película dirigida por Tomm Moore y Nora Twomey, quienes unen esfuerzos con la empresa Cartoon Salon. Resulta ser una historia entrañable, con tintes de cuento infantil pero lo suficientemente madura para llegar a los corazones del público adulto.

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 La trama consiste en la aventura de Brendan, un niño que vive en una ciudad controlada por su tío, el Abad Cellach, quien con el afán de proteger a su pueblo ha mandado a construir una gran muralla alrededor de la ciudad y de esa forma aislarlos a todos de los peligros del exterior (siendo un ataque vikingo el mayor de ellos). El niño no muestra deseos de ir más allá de los establecido hasta que conoce al monje Aidan, un sobreviviente del ataque de los vikingos que llega portando un antiguo manuscrito incompleto del legendario libro de Kells.

 Al conocer a Brendan, Aidan queda convencido de que el muchacho es el único que puede ayudarlo a terminar el manuscrito sagrado puesto que él poco a poco va quedando incapacitado para hacerlo. Brendan queda fascinado con la misión; sin embargo, ayudar a Aidan representa desobedecer las órdenes de su tío en todo sentido, lo que lo llevará a aventurarse al misterioso bosque donde conoce a Aisling, un espíritu guardián del bosque. Y eventualmente, a enfrentar no sólo a los vikingos, sino a un horror que ha estado oculto por mucho tiempo.

 La premisa es muy atractiva y recurre a diversos elementos interesantes de la mitología irlandesa y celta. La animación aunque de carácter muy caricaturesco está magistralmente lograda, los personajes expresan mucho, hay fluidez en sus movimientos y es muy fácil identificarse con ellos.

 La paleta de colores es muy agradable a la vista, es un estilo verdaderamente hermoso y artesanal que le va perfecto a una trama como esta. Es impresionante como cada detalle está hecho enteramente en 2D haciendo uso nulo de otros estilos que en producciones similares se ha recurrido para facilitar el trabajo. Asimismo, el carácter surrealista de algunas escenas, jugando con las perspectivas y los escenarios es grandioso, además es un riesgo que la producción tomó y superó con creces, ya que considero que en otras manos pudo quedar como un espectáculo caótico y extraño que hubiera desesperado a más de uno.

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 Quizá el único “pero” que pudiera ponerle a la cinta es que me habría gustado que se desarrollara más la relación entre Brendan y Aisling. No consiste en una relación romántica, pero sí en una amistad pura y tierna entre un niño humano y un ser mágico del bosque que, aunque si tiene continuidad, es poco lo que vemos al final. Puede ser que los directores lo vieran como un detalle menor, o que quisieran dejarlo a la imaginación del público, que son buenos argumentos pero personalmente me habría parecido un gran detalle indagar un poco más en ello.

 Fuera de eso, la película es una joya de la animación en todo sentido y si no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una historia que nos muestra el valor de la amistad y la determinación: cómo el tratar de sobreproteger algo de forma fanática y que pueda llegar a ser contraproducente. Como algo tan simple como hacer unos cuantos dibujos puede ser la diferencia y puede ser la respuesta a aquello que estamos buscando.

Marnie: La Nueva Cinta de Ghibli

 Para algunos quizá el nombre de Studio Ghibli no diga demasiado, sin embargo para los amantes de la animación y el animé definitivamente es uno de los términos más emblemáticos, amados y legendarios del medio. Próximamente podremos disfrutar en cines comerciales la más reciente producción de este estudio, (y curiosamente) uno de los más esperados al ser la obra de despedida de uno de los dos genios detrás de esta maravillosa empresa: Hayao Miyazaki.

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 ¿Pero… ya que él y su compañero, Isao Takahata, junto a otros talentos característicos del estudio están prácticamente en el retiro, la calidad de sus producciones se verá afectada? Si bien es cierto que no todas las cintas han sido dirigidas por estos dos maestros, siendo ejemplos de ello películas como: Cuentos de Terramar (Tales from Earthsea, 2006), El Regreso del Gato (The Cat Returns, 2002), Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1993), La Colina de las Amapolas (From Up the Poppy Hill, 2011), El Mundo Secreto de Arriety (The Borrower Arriety, 2010) y la queridísima Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995); la verdad es que tanto Miyazaki como Takahata han estado siempre al pendiente de lo que se realiza en sus dominios.

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 Luego de varios años de intenso trabajo, el estudio finalmente se despide de ambos (al menos eso parece) y algunos pudieran estar preocupados al respecto. No obstante, recientemente se ha revelado el tráiler del que será el primer largometraje hecho enteramente con la ausencia de los antes mencionados. El título del proyecto es When Marnie was There (con una traducción tentativa de “El Recuerdo de Marnie”), estará basado en la novela de la británica Joan G. Robinson y será dirigido por Hiromasa Yonebayashi.

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 La historia trata sobre Anna, una adolescente solitaria y con serios problemas para relacionarse que pasa una temporada con una familia cerca de la costa. Ahí conoce a Marnie, una extraña muchacha que se volverá su amiga y juntas irán develando varios misterios que las implican a ambas. Como podemos apreciar en el tráiler, el estilo de Ghibli se mantiene muy fiel y de hecho los conocedores de su filmografía podrán encontrar diversas similitudes con cintas anteriores, quizá algunos homenajes a sus fundadores. Sin embargo, el estilo también tiene cierta frescura y promete algunas sorpresas y cambios, se ha mencionado que la cinta será de un tono un poco más oscuro.

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 Por lo pronto podemos estar tranquilos y expectantes de lo que esta nueva producción nos ofrece, seguramente el estudio está en muy buenas manos y aún seguirá fascinándonos por muchos años más. Lo único malo de todo esto es que aunque la película se estrenará pronto en Japón, aún faltará tiempo para que llegue a México. Mientras tanto, (como mencioné) pronto podremos disfrutar de películas, como: Se Levanta el Viento (The Wind Rises, 2013) y muy posiblemente La Historia de la Princesa Kaguya (The Tale of Princess Kaguya, 2013). Así que otakus, animadores y amantes del buen cine, la espera ha comenzado.

Animación Mexicana 25: El Secreto del Medallon de Jade

 Continuando con la filmografía animada en nuestro país. Hoy hablaremos del estudio Kaxan Animation, quienes (en el 2012) nos trajeron una de las pocas cintas hechas en Motion Capture en México. Se trata de una historia de magia y aventuras que busca estar a la par de otras producciones (al menos en narración) del legendario Steven Spielberg tales como: Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Arc, 1981) o Los Goonies (The Goonies, 1985).

 La película en cuestión se titula El Secreto del Medallón de Jade (El Secreto del Medallón de Jade, 2012), dirigida por Leopoldo Aguilar y Rodolfo Guzmán, que nos cuenta la historia de un grupo de niños que tras la muerte de su abuelo quedan inmersos en una gran aventura por recuperar un mágico amuleto. Matías, el protagonista de la cinta, siente una gran necesidad de descubrir el gran secreto debido al gran cariño que sentía por su abuelo y las historias que este les contaba. Desafortunadamente su camino se verá plagado de peligros como: templos con trampas mortales y un par de peligrosos cazadores que harán lo que sea para apoderarse del medallón.

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 La premisa prometiera darnos una película llena de acción que por lo menos nos daría un buen rato “palomero”. No obstante, y aunque la historia no está mal, la forma de llevarla no fue la mejor. Para empezar, estamos ante un producto orientado totalmente a los niños olvidándose casi del público juvenil o adulto. La aventura sería emocionante de no ser por la gran cantidad de chistes, diálogos y personajes demasiado inocentes para una historia de este tipo.

 Y es que siendo honestos, el factor de que un niño gordo esté más mortificado por tener hambre que por el hecho de que sus vidas peligran (no es precisamente lo más realista o coherente que hemos visto). Los villanos (cuyo estereotipado acento extranjero bien puede pasar por alto) tienen todo para ser personajes temibles, pero al final terminan siendo una versión en 3D del torpe equipo Rocket de la serie Pokemón (Pokemón, 1998). Además de graves fallos en las situaciones, por ejemplo: una escena en donde los personajes viajan en auto y literalmente disfrutan al ritmo de una canción de la radio, a pesar de saber que los persiguen unos cazadores que desean liquidarlos.

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 Pero como dije, es una cinta orientada al público infantil y en ese sentido es más que cumplidora. Los pequeños disfrutarán de ella sin problemas. Con respecto al trabajo de voces, cabe mencionar que es bastante aceptable en su mayoría destacando el gran trabajo de maestros del doblaje como: Esteban Siller (q.e.p.d.) e Isabel Martiñón. En el caso de los “star talents”: Adriana Barraza, Arath de la Torre y Eleazar Gómez, cumplen con el objetivo. Aunque por la misma naturaleza del proyecto no creo que nadie les dé un premio por dicha interpretación.

 En aspectos técnicos también hay una mezcla de sentimientos, se agradece la incursión del Mocap en producciones mexicanas y considerando la complejidad de esta técnica puedo decir que la película también cumple en los riesgos que toma. No obstante, sólo se queda en un buen intento ya que la animación (que en teoría debería ser perfecta por la captura de movimiento) sigue viéndose robótica y lenta en casi toda la cinta.

 El diseño de personajes, texturas y escenarios están bien (aunque con un estilo muy sencillo). Puede ser que esa sea la imagen que quisieron darle a la película y que pareciera a producciones como la más reciente serie del gato Garfield, o puede ser que la falta de experiencia en texturización, render, modelado y demás elementos sean los responsables. Otro aspecto a mencionar es sobre la captura facial (aún necesita mucho trabajo), ya que las expresiones de los personajes son muy básicas.

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 Así mismo la cinta cuenta con algunas escenas animadas en 2D que de hecho son las cosas más rescatables. No sólo la animación está bien lograda, sino que da un toque perfecto de un relato antiguo. Es como la cinta en Live Action que en sus recuerdos recurre al blanco y negro, pero aquí, recurre a los orígenes de la animación (detalle que me parece verdaderamente aplaudible).

 Como tal, la película no es mala pero definitivamente podría (y debería) ser mucho mejor. Es un proyecto muy bien intencionado que quizá realizándose con más tiempo o con mejor tecnología y con un guión más sólido que pensara mas en el público mayor podría haber sido grande. También se agradece el uso de otro tipo de historias que involucren fantasía y aventura en la cartelera mexicana.

 Se ha hablado de una secuela, y personalmente no me desagrada la idea. Siempre y cuando los productores decidan modificar el rumbo y acercarse más a su idea original. Recomendable totalmente para los niños, el público objetivo que quedará complacido. En resumen, la cinta cumple, pero una mayor visión del target hubiera sido más que genial.

http://www.youtube.com/watch?v=g9S9jbme0uM

 

Bonitos y Gorditos, muchachos…

Dreamworks Animation Studio se ha convertido en una de las empresas más importantes en el desarrollo de largometrajes y cortometrajes de animación que han gustado a chicos y grandes. Desde sus primeras producciones en 2D, que eran verdaderas joyas de la cinematografía como: El Principe de Egipto (The Prince of Egypt, 1998) y El Camino Hacia El Dorado (The Road to El Dorado, 2000), hasta producciones de gran calidad también como Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008) y Cómo Entrenar a Tu Dragón (How to Train your Dragon, 2010).

 Una de las cintas de más éxito a nivel producción (y no precisamente una de las favoritas del estudio), es la saga Madagascar (Madagascar, 2005). Muchos ya conocen la historia de aquellos animales que escapan de un zoológico para buscar a su amigo y terminan siendo transportados a otras partes del mundo como la isla que da nombre a la película; así como África y Francia entre otros países. Las cintas se han caracterizado por grandes dosis de humor, historias no tan complejas pero cumplidoras al momento de entretener, y sobre todo, personajes muy peculiares.

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 Sin embargo, los personajes que han gozado de mayor popularidad son los simpáticos pingüinos militares que constantemente están haciendo de las suyas en cada aventura (de hecho ellos son los causantes de que la historia se desarrolle, ya que son los primeros en escapar del zoológico). El hecho de tener una parodia de un valiente batallón con entrenamiento de guerra y tecnología de punta, oculto tras la máscara de esos personajes “bonitos y gorditos”, es verdaderamente divertido. ¿O acaso alguien ha sido totalmente inmune a Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky? Yo creo que nadie ha resistido reír al menos una vez ante este equipo.

 Los personajes se volvieron tan famosos que fueron acreedores a su propia serie de televisión y recientemente el sitio web The Hollywood Reporter dio a conocer la noticia de que se prepara una cuarta entrega de la franquicia, mas no será Madagascar 4, sino precisamente la película de los Pingüinos de Madagascar. Cabe mencionar que los 4 pequeños personajes ya tuvieron su protagónico en el especial de navidad de la franquicia, sin embargo esta será la primera vez que lo hagan en la gran pantalla y en una aventura de larga duración.

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 Aún no se ha dado a conocer la sinopsis de la película aunque ya contamos con algunos avances. El estreno está programado para finales de este año y en su reparto original contará con las voces de Bennedict Cumberbatch y John Malkovich y será dirigida por Eric Darnell (director de las tres primeras partes) y Simon J. Smith. Así que a esperar la nueva aventura que estos divertidos (y peligrosos) pingüinos nos tiene preparada.

http://www.youtube.com/watch?v=KHGHEpUeUwo

Lion Guard: El Reinado Continúa

Es poco probable que a estas alturas exista alguien que no conozca la película El Rey León (The Lion King, 1994), misma que celebra 20 años de haberse estrenado en cines y la cual es considerada, junto a La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast, 1991) como una de las magnas obras del estudio Walt Disney. La cinta está inspirada en la obra de William Shakespeare, Hamlet, y fue acreedora no solo a varios premios, sino a dos secuelas que se estrenaron en formato casero e incluso a un musical de Broadway; que como dato adicional, próximamente se estrenará la versión mexicana.

 Ahora, Disney Television Animation, ha anunciado la realización de un producto más de esta saga. El titulo será Lion Guard y consistirá en una serie y película animada para la televisión que pretenden ser transmitidas por el canal Disney Jr y que nos contarán la historia de Lion, el segundo cachorro de Simba y Nala. El pequeño león será nombrado jefe de la guardia de las tierras del reino y como parte de sus deberes tendrá que formar su propio grupo de guardianes, los cuales a pesar de que las leyes dicten que deben ser leones jóvenes, terminaran siendo otro tipo de animales que a su criterio serán los más aptos para el trabajo.

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 Los que conocen el canal Disney Jr. saben que uno de los sellos característicos de sus producciones es el toque educativo que suelen tener. En el caso de esta nueva producción no será la excepción, ya que los realizadores están documentándose con diversos expertos en el tema, incluido el personal de Disney´s Animal Kingdom, para hacer de esta serie y película no solo una nueva aventura a contar; sino que sea una experiencia educativa para los niños. Probablemente como algún documental o una versión animada de las películas de Disney Nature.

 El proyecto está bajo la dirección de Howy Parkins, quien también es responsable de la serie Jake y los Piratas del País de Nunca Jamás (Jake and the Neverland Pirates, 2011), además del equipo de producción de otras series infantiles como es La Casa de Mickey Mouse (Mickey Mouse Clubhouse, 2006). Aunque si bien es cierto que no se trata de un producto orientado a todo público como lo fue la cinta de 1994, hay que reconocer que es una buena manera de conmemorar los 20 años de la misma y que bien llevado podría no solo dar un buen  producto a las generaciones actuales, sino que tal vez podría incluso acercarlas a otras películas de la época de oro de Disney.

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 Por ahora sólo nos queda esperar y tener buenas expectativas, después de todo El Rey León es un ícono en la historia de la animación y aunque sus secuelas no se consolidaron como clásicos. La verdad es que se trata de una historia que ha cautivado a la gran mayoría del público. Ya veremos si Lion Guard logra consolidarse como un digno sucesor del trono.

 

Primeros avances de “Song of the Sea”

 Los amantes de la animación extranjera, y en general de la buena animación, estarán contentos ante esta noticia. La empresa de animación irlandesa Cartoon Saloon, famosa por la película El Secreto de Kells (The Secret of Kells, 2009), de la cual hablaremos próximamente, ha dado a conocer el poster y tráiler de su nueva producción. El título de la misma será Song of the Sea.

 La cinta contará la historia de Ben y su pequeña hermana Saorise, quienes deberán emprender un viaje fantástico por el mar en un mundo lleno de magia y leyendas con el fin de volver a su hogar. Como podemos ver en el tráiler, el diseño de personajes y la calidad de animación es realmente agradable a la vista y después de la cinta que la antecede podemos tener expectativas enormes ante este nuevo proyecto.

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 Según se ha mencionado, el talento de Kells se repetirá en esta producción, siendo el mismo director Tomm Moore, el mismo estudio (como ya dijimos) e incluso se ha confirmado la participación del actor Brendan Gleeson dando voz a un personaje de nuevo para este equipo. Si bien no se trata de un estudio muy famoso o no tenga un gran número de cintas en su haber, la calidad de sus productos nos hace olvidar el concepto de cantidad.

 Es interesante ver ese estilo “bonito” de dibujos que nos remontan a los libros de cuentos infantiles en historias que aunque van orientadas a los niños, tienen mucho más mensaje y una profundidad destacable que incluso los adultos podemos disfrutar (¿por qué no? ) y por supuesto, nos permite soñar.

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 Aún no se ha confirmado la fecha exacta del estreno, de hecho ni siquiera se ha dicho si llegará a nuestro país, pero cruzemos los dedos para que así sea. Aunque sea en formato casero. Song of the Sea (Song of the Sea, 2014), una nueva y muy prometedora película que sin duda bien valdrá la pena esperar (o buscar para ver).

http://www.youtube.com/watch?v=t0Ejpl3QFuU

Review: Cómo Entrenar a Tu Dragón 2

Luego de una larga espera de casi 4 años, finalmente llegó la secuela de la que por muchos es considerada como la obra maestra de Dreamworks (en cuanto a sus producciones en 3D), Cómo Entrenar a Tu Dragón (How To Train Your Dragon, 2010). Efectivamente nos referimos a aquella cinta que rompió con los estándares de las películas de esta empresa, las cuales parecían dar más importancia al lado humorístico sacrificando elementos básicos para tener historias sólidas y con el adecuado nivel de drama. Por supuesto que habían excepciones como el caso de la entrañable Kung Fu Panda (Kung Fu Panda, 2008), junto a esa cinta, los dragones de Berk lograron quedarse en los corazones de los espectadores mediante una verdadera joya de la animación.

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 El hacer una secuela era prácticamente una obligación de los productores, y de ese modo este fin de semana las salas de cine nos ofrecen la continuación de esta historia (en el cine, recordemos que existen cortometrajes y una serie animada). ¿El resultado?, una digna sucesora. La película resulta brillante en lo que al aspecto visual se refiere. La animación, texturas, efectos y edición son sencillamente impecables. Cabe mencionar que en ocasiones pudiéramos olvidar que estamos ante una cinta hecha por computadora y no vemos un vídeo tomado en live action.

 La historia nos habla de nuevo sobre Hipo y su dragón Chimuelo, cuya amistad sigue tan fuerte como siempre al igual que su vida tranquila en su hogar. No obstante, esta paz pronto se ve alterada por la posibilidad de que Hipo pronto sea el nuevo jefe de la tribu de vikingos (responsabilidad que atemorizaría a cualquiera), así como la llegada de un nuevo y poderoso enemigo que pretende hacerse de un ejército de dragones para arrasar todo lo que esté a su paso. La trama no es lo más novedoso ni tiene giros de tuerca espectaculares, sin embargo esto ni se nota gracias al maravilloso manejo de los otros elementos que la componen. 

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 Hay situaciones en la cinta mucho más maduras y arriesgadas que en la primera, más emotivas e incluso pudiéramos compararla un poco con El Rey León (The Lion King, 1994). Hechos más crudos que nos dejan con una cinta familiar; más no algo infantil que a los adultos pudiera aburrir. Pero esto no significa que las dosis de humor y acción estén perdidas, por el contrario, la película es realmente emocionante. A mi parecer, el equilibrio entre todos esos elementos está balanceado casi a la perfección.

 No diré que es mejor que la primera parte, pero si diré que está a su nivel  y que nos deja muy en claro por qué estos vikingos y dragones siguen estando en el gusto del público. El diseño de los personajes es fascinante en cuanto a ese detalle de que todos han crecido, esos pequeños rasgos como barbas que comienzan a crecer en los jóvenes, rostros y cuerpos que ya no son de niños, sino de adolescentes y modestas canas y arrugas en los personajes de más edad le dan un toque más realista.

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 Para terminar, la música es tan grandiosa como la primer parte, también hecha por John Powell. En ella se fortalecen todas las situaciones que ocurren durante la trama. A fin de cuentas es lo que debe lograr un buen soundtrack. Cómo Entrenar a Tu Dragón 2 (How To Train Your Dragon 2, 2014) es una de las mejores cintas de animación de este año que divertirá a chicos y grandes. Llena de emoción y mensaje, ideal para verse en cualquier momento y si es en familia, mucho mejor. Quién sabe, es probable que la próxima entrega de los Academy Awards finalmente le haga justicia al director Dean DeBlois y le dé el Oscar a mejor película animada que, a mi criterio, se merecía desde la primera película de esta saga. Aquí el trailer: 

http://www.youtube.com/watch?v=kxGkbv_HLZ0

 

Review: Justin, el Caballero Valiente

Aunque usualmente no soy alguien que se deje llevar por apariencias y pensamientos, si soy alguien que gusta conocer las cosas antes de opinar al respecto, he de admitir que esta ha sido una de las pocas veces en que mis expectativas me hicieron dudar sobre si ver o no está película. Afortunadamente a final de cuentas decidí darle una oportunidad a Justin: El Caballero Valiente (Justin and the Knights of Valour, 2013), y debo decir que la película resultó no sólo ser entretenida, sino una gran película a mi parecer.

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 La cinta dirigida por Manuel Sicilia y producida por Antonia Banderas, nos relata la historia de Justin, un joven soñador y de noble espíritu que sueña con ser un caballero; sin embargo sus anhelos se ven limitados por la presión de su padre, quien es el abogado más importante del reino y cuyo afán por que su hijo siga sus pasos le causa un gran pesar al muchacho. Justin parece resignado a llevar una vida de leyes y renunciar a su sueño hasta que escucha hablar sobre la mítica espada perdida de su abuelo, un legendario caballero, y decide ir en la búsqueda de esa reliquia (además de ganar el corazón de su princesa en el proceso), lo que lleva a Justin a buscar a la antigua orden de la caballería para ser entrenado. En su camino deberá pasar por múltiples retos en compañía de sus nuevos amigos, una valerosa camarera y un bipolar hechicero, a la vez que enfrenta a un malvado caballero desterrado que desea apoderarse del trono.

 La premisa puede no ser algo demasiado novedosa, es quizá la misma historia medieval que hemos escuchado incontables veces con algunos detalles adicionales; sin embargo la trama está muy bien llevada. Los momentos de humor en ocasiones son demasiado infantiles pero es mínima está situación y es compensaba por otros detalles graciosos que serán agradables al público de todas las edades. Además, la película tiene una adecuada cantidad de drama como para volverse una película sólida, emotiva y cautivadora. Uno de mis temores principales era encontrarme con una de esas películas que parecen ser meras parodias del género, pero encontré una historia de caballeros que me hizo disfrutar como hace tiempo no lo hacía.

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 La animación cumple al darnos movimientos fluidos, un 3D muy bien logrado e incluso una encantadora secuencia en 2D maravillosamente lograda; sin embargo tampoco hablamos de una labor que compita con las grandes producciones de Dreamworks o Pixar, ofreciéndonos más una estética y un estilo muy similar a películas como Donkey Xote (Doneky Xote, 2007). No es algo impactante, pero cumplidor. Mención aparte para el diseño de escenarios y personajes, los cuales son muy agradables a la vista y rápidamente nos permiten sentir simpatía por los héroes. En cuanto a la psicología de los mismos, quizá no sean los personajes más complejos jamás vistos (los buenos son muy buenos y los malos muy malos), pero es una sorpresa agradable ver a un personaje como Justin, que es pequeño, delgado, con un espíritu tan valeroso y con tanta determinación.

 Entre el reparto original tenemos a las voces de Freddie Highmore, Rupert Everett, Alfred Molina, Julie Walters, Mark Strong y el propio Antonio Banderas. Si, efectivamente estamos ante una película dirigida sobre todo al público infantil, pero creo con firmeza que no es algo que los adultos sufrirán. Perfecta para pasar el rato en familia y aunque seguramente pasará desapercibida (y más luego de esta semana cuando los dragones de Dreamworks hagan su aparición) es una cinta que vale mucho la pena ver.

http://www.youtube.com/watch?v=njrUgdXpt64

 

Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario

 El mundo del animé es muy amplio y conocido en el mundo de la televisión, el cine y obviamente, la animación. Prácticamente todos los amantes de este tipo de arte han disfrutado de por lo menos uno de estos magistrales proyectos. Tal es el impacto del animé, que aunque actualmente es poco lo que se transmite en nuestro país, basta una visita a eventos como la TNT para darse cuenta de la enorme cantidad de seguidores que sin importar los esfuerzos requeridos, logran tener acceso a diversas series y películas.

 Hay varios títulos de animes que se consideran clásicos y hasta legendarios, muchos de estos son identificados hasta por personas que no gustan del género. Un ejemplo de esto es la serie que dio inicio en 1986 y que rápidamente se posicionó entre los preferidos de los fans gracias a su enorme nivel de acción, drama, personajes interesantes e incluso elementos de diversas mitologías y religiones: Los Caballeros del Zodiaco (Saint Seiya, 1986).

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 Seamos honestos, ¿quién no ha escuchado hablar de esta serie? No digo que a todos les guste, pero nadie puede negar la calidad y el impacto de este gran anime. Y es precisamente para los fans (entre los que me incluyo) para quienes va dirigida esta noticia que los llenará de emoción sin duda. Resulta que se tiene programado para este año el estreno del más reciente filme de la saga, misma que llevará por nombre Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario (Saint Seiya: Legend of Sanctuary, 2014).

 La distribuidora Diamond Films ha dado a conocer el primer poster y el tráiler en español de la película, cuyo estreno está considerado para el 19 de septiembre del 2014. En las imágenes podemos ver no sólo escenas que prometen un enorme nivel de emoción, sino que además notamos el estilo de animación 3D. Si bien es cierto que ya varias producciones han decidido tomar conceptos creados en 2D y pasarlos a este tipo de animación, resultará interesante ver lo que nos puede ofrecer esta nueva cinta con los efectos que la tecnología actual nos ofrece.

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 Por si esto fuera poco, el elenco original del doblaje está confirmado, de hecho en el tráiler se puede apreciar. Así que fanáticos, ya pueden ir apartando su boleto del cine para ver una nueva aventura del caballero pegaso, Seiya (con la inconfundible voz de Jesús Barrero). Por ahora no nos queda más que esperar con enormes expectativas, ¿y por qué no? ponernos al corriente de este inmenso universo si es que nunca se ha visto o se ha perdido contacto recientemente.

http://www.youtube.com/watch?v=dgRfWS8Ahn0

 

Animación Mexicana 24: El Gran Milagro

Si bien la mayoría de las películas animadas hechas en México pertenecen a la animación 2D, el 3D tampoco se ha quedado atrás. Algunas producciones se han hecho en nuestro país utilizando esta técnica, la cual cada día va más en aumento. Como recordarán, una de mis primeras notas hablaba precisamente del incremento en el interés de los nuevos animadores hacia el 3D, y aunque ciertamente es una rama de la animación en la cual México aún dista de ser un maestro, vale la pena mencionar los esfuerzos hechos hasta el momento. El_Gran_Milagro_-_2011_-__Region_1-4_por_sorete22_[dvd]_80

 En esta ocasión hablaré de una película muy peculiar, algunos ni siquiera la catalogan como una producción mexicana por el hecho de haberse hecho en conjunto con Estados Unidos. Además, el tema religioso que trata definitivamente le quita un sector del público (los ateos, por ejemplo), es una cinta que parece ir dirigida mas a un objetivo de evangelizar que de entretener; no obstante tiene varios elementos muy disfrutables para todo el que se digne a verla. Su nombre, El Gran Milagro (The Greatest Miracle, 2011).

 La historia aparentemente es muy sencilla, se trata de la perspectiva de tres personajes distintos que tras encontrarse en conflictos deciden acudir a misa para encontrar un rato de paz. A estos tres personajes los acompaña un muchacho de apariencia normal que eventualmente se revela como su ángel guardián y que a lo largo de la película les explicará el verdadero significado de la fe, la paz y el amor entre el prójimo a fin de ayudarlos a salir de sus apuros.

 Como acabo de mencionar, la premisa es atractiva sólo a un sector del público, por lo que no será de extrañarse que a muchos no les guste o que ni la conozcan. La animación y texturas son un buen intento, sin embargo es evidente que se trata de un estilo al cual apenas estamos ingresando. Los movimientos son robóticos y en ocasiones parece que estamos viendo un videojuego del Nintendo 64 o una presentación animada de un conjunto habitacional que pretende construirse.

 Pero no todo es malo, en cuestiones de diseño de personajes, iluminación y modelado de escenarios la película tiene calidad. Las escenas que ocurren dentro de la iglesia en verdad nos llenan del ambiente necesario. Así mismo la animación de fluidos, humo y nubes están bastante bien logradas. La actuación de voces no está exenta de errores, pero en general también cumple. En aspectos técnicos es pasable, si tuviera que evaluarla le daría un 7 o un 8. Ahora hablemos de otros aspectos.

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 No les voy a mentir, es una película que puede tornarse sumamente aburrida, pero todo depende del modo en que se vea. Saben que mi filosofía es que absolutamente todo es disfrutable pero hay que predisponerse. Es decir, los amantes de la acción, comedia, thriller y demás géneros parecidos que quieran encontrar esto en la película, sencillamente la van a odiar. Pero está la contraparte, y esto lo digo aún pensando en el público no creyente. La película puede ser extremadamente disfrutable si lo que se quiere es tener un momento de paz, reflexión, tranquilidad o incluso si el espectador pasa por un momento de mucho estrés, llega agotado del trabajo o tiene una preocupación muy grande, la película podría ser perfecta.

 Aclaro que no me refiero a que el espectador se volverá creyente ni que sus problemas desaparecerán por el mensaje de Dios, más bien me refiero al tono que tiene la cinta. La voz de los ángeles (que son idénticos entre ellos) es muy relajante, la música ayuda mucho y como dije, la ambientación está bien lograda. Es incluso como tener un video de relajación y al final de la película podría dejarnos un buen sentimiento. Es un proyecto que no juzga ideologías y que no obliga a nada, más bien propone. Yo lo catalogaría como un proyecto bien intencionado.

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 La cinta, dirigida por Bruce Morris no será una joya del séptimo arte, no la recomendaría a toda la gente, no es ni por asomo una maravilla en animación y tendrá muchos detractores. Sin embargo es un proyecto interesante que tiene cosas muy rescatables, encantará al sector del público al cual va dirigido e incluso nos da lecciones de vida como el no rendirse cuando parece que todo está perdido (y no por cosa divina, sino por el poder humano de cambiar nuestra suerte). Ojalá algún día puedan darle una oportunidad, quizá se encuentren con algo que no les gustará nada o les será indiferente… o quizá algo como esto sea justo lo que necesitan en este momento. Ustedes dirán.

http://www.youtube.com/watch?v=7VMSnUUNqeU

 

Animación Mexicana 23: Héroes Verdaderos

Como mencioné anteriormente, el festejo del bicentenario de la independencia de México (Y centenario de la revolución), las salas de cine se vieron ocupadas por diversas producciones de nuestro país, dos de ellas pertenecientes al  género de animación. Ya hablamos de la primera de ellas, Brijes (Brijes, 2010) y ahora toca turno a la segunda cinta, una mucho más acorde al festejo en cuestión y que de igual forma buscó la innovación mediante fórmulas ya utilizadas en otro país.

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 La película en cuestión llevó por nombre Héroes Verdaderos (Héroes Verdaderos, 2010) y consistió en un interesante y ambicioso proyecto de reflejar la historia de nuestra independencia al más puro estilo de la época de oro de Walt Disney. Esto quiere decir que un hecho histórico fue retratado de forma animada, con un pequeño toque de comedia, una historia alterna al acontecimiento real y, por supuesto, con un musical.

 La trama de la película es en sí la que todos conocemos, sin embargo no es vista desde la perspectiva de los héroes como Hidalgo, Morelos, Doña Josefa y otros (aunque si aparecen en la cinta), sino de tres jóvenes que se vieron envueltos en el conflicto. El primero de ellos es Mixcóatl, un muchacho indígena que es acusado injustamente por su medio hermano de la muerte de su abuelo, lo que lo obliga a huir de su hogar. El segundo es Carlos Navarro, el mejor amigo de Mixcóatl, un emprendedor y soñador criollo frustrado por la falta de equidad entre el trato de los peninsulares y los que son como él. Y como en toda historia debe haber una chica, tenemos a Tonatzin, prima de Mixcóatl y amor platónico de Carlos, en la cual encontramos a una mujer fuerte y valiente que a pesar de conocer su lugar en la sociedad, no duda en arriesgarlo todo por sus seres queridos.

 Y es así como los tres compañeros emprenden una gran aventura que los llevará a enlistarse en el movimiento armado liderado por el cura Don Miguel Hidalgo. La premisa es muy atractiva en especial considerando la época en la que la película fue estrenada, además de que a los padres siempre les encantará tener un medio más para educar a sus hijos sobre hechos tan importantes para el país como ese. La animación es enteramente 2D haciendo uso moderado del 3D para los escenarios, y ambas partes están muy bien logradas aunque, como todo, esta cinta no se escapó de ciertos errores, los cuales pasaron desapercibidos por la producción hasta su formato en DVD (Por ejemplo, un anciano caminando que de pronto desaparece de escena por unos instantes, claro error de algún fotograma que no fue considerado en la duración de la cinta.

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 Entre las voces tenemos a talentos como Kalimba, Víctor Trujillo y Jacqueline Andere, además de otros grandes del mundo del doblaje. Actoralmente la cinta cumple enteramente, en ese sentido creo que no hay queja alguna. En lo visual también se hizo un trabajo muy bueno, la dirección de arte es lo suficientemente buena para mantener al espectador en el ambiente correcto, ya sea de tranquilidad, tristeza, tensión, etc.

 Por desgracia la película también tuvo comentarios muy diversos, algunos de ellos quizá con justa razón. El motivo principal es justamente el que a muchos fascinó (y me incluyo), el parecido extraordinario con cintas como Pocahontas (Pocahontas, 1995) y Aladdin (Aladdin, 1992). Mencioné anteriormente que la película es un musical y como tal, los personajes cantan. No es un defecto en sí, de hecho hay momentos que se enaltecen gracias a ese medio… pero admitámoslo, no a toda la gente le gusta ese género y a varios les podría parecer ridículo ver a Hidalgo cantando el grito de dolores y a Morelos cantando en plena batalla.

 Pero recordemos que esto no es un pecado y si una cuestión de gustos, ya anteriormente cintas como El Príncipe de Egipto (The Prince of Egypt, 1998) han logrado llevar con éxito un hecho histórico a la pantalla mediante los musicales. La única parte en la que si coincido de que pudo no ser tan… excesivamente patriota, es el final. Así es, el cierre de la cinta consiste en una especie de homenaje a los héroes y a la esencia de México como una nación grande, fuerte e independiente que lamentablemente termina pareciendo un comercial televisivo o una escena sacada de La Rosa de Guadalupe (La Rosa de Guadalupe, 2008).

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 Por lo demás, a mi parecer la película, dirigida por Carlos Kuri, es una extraordinaria adaptación. Si, se toma algunas libertades pero son mínimas y no afecta el desarrollo de la historia que todos conocemos. Las canciones son buenas, el guion también en su mayoría, la animación tiene un muy aceptable nivel de calidad y como tal la película es algo que vale mucho la pena ver, e incluso tener en la colección. Como último detalle no puedo dejar de mencionar esa pequeña leyenda al principio que dice “Episodio Independencia”, ¿será acaso que los Héroes Verdaderos regresarán en otros hechos importantes como la Revolución Mexicana?, este servidor lo único que puede decir es: “Ojalá que si”.

http://www.youtube.com/watch?v=0mfDeMUMrFY

Animación Mexicana 22: Brijes

 on motivos de los festejos del 2010 en honor al bicentenario de la independencia de México, las salas de cine abrieron espacio para un importante número de cintas hechas en nuestro país. La mayoría de ellas se trataban de películas en acción real que trataban sobre crítica social, algunas de ellas incluso se escudaban del eslogan “Nada que Celebrar” en protesta a la situación que se vivía, y que aún se vive.

 Se trataban de trabajos interesantes y de mucha calidad, no obstante, unos de ellos sobresalían en llamar la atención. No me refiero a que fue una película cuya magnificencia opacó a las demás, sino al hecho de que en ese pequeño maratón de cine mexicano, esa cinta era la única que como tal no hablaba de los hechos históricos, ni de la forma en la que el país se encontraba, ni nada de eso. Se trataba de una cinta animada dirigida por Benito Fernández y que ciertamente rompía con todos los tópicos que se estaban manejando. Se trataba de la película Brijes (Brijes, 2010).

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 No fue la única cinta animada que fue transmitida en esas fechas, ni tampoco fue la más taquillera ni de la que más se habló. ¿Entonces que la hizo destacable? Para empezar, estamos hablando de un proyecto que en la búsqueda de ser innovador tuvo el acierto de mezclar diversos tipos de animación, la 2D y la 3D. Así mismo, los fondos de dicha cinta fueron muy variados, algunos fueron hechos a mano, otros dibujados directamente en flash, otros el 3D e incluso algunos fueron maquetas. En cuanto a diseño de producción podemos sugerir que es la cinta animada mexicana que más ha aportado y se ha arriesgado. Esto aunado al hecho de ser una de las primeras cintas hechas enteramente en México que gozó de un tratamiento en 3D para las salas de cine, y si, hablo de ese 3D con el cual parece que los objetos salen de la pantalla.

 

 La historia trataba de tres niños que en una visita al museo de antropología descubren el legendario código Brije, y al hacerlo despiertan a tres dioses ancestrales que les encomiendan una importante misión. La oscuridad está llenando al planeta, poniendo en peligro no sólo el equilibrio de la vida, sino el vínculo que los hombres tenían con el mundo mágico tiempo atrás.  De ese modo los tres niños, cada uno acompañado por un guardián Brije, deben viajar en el tiempo y a diversos lugares del mundo para detener esta amenaza y devolver la estabilidad a la tierra.

 Con respecto a la trama debo decir que fue gratificante tener una película mexicana que se salía de los temas que siempre se trataban (corrupción, drogas, pobreza, etc). Educativamente hablando, la película tiene mucha fuerza al mostrarnos hechos históricos importantes y datos culturales de este y otros países. La cinta es entretenida y aunque también va dirigida a un público enteramente infantil, tiene ciertos momentos que los adultos también pueden gozar.

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 Ahora hablemos de los puntos débiles de la cinta, los cuales comienzan con el guión y la historia. Si, acabo de decir que era una historia fresca en México, no obstante, la película tiene demasiados parecidos con otras cosas ya vistas. Creo que no soy el único que en algún momento vio la película como el “Pokemon” o “Digimon” mexicano, de hecho el diseño de los personajes es muy similar al estilo animé. No digo que esto sea malo, de hecho es una propuesta interesante, sin embargo ante esta situación es imposible catalogar la película como algo totalmente original.

 La animación también tiene diversas fallas, no siempre es fluida y en una sala de cine se veía demasiado el hecho de que algunas escenas fueron hechas totalmente en flash, que aunque es un programa que permite elaborar un proyecto entero, le quitaba brillo a un proyecto que visualmente pudo ser espectacular. De igual forma el guion tiene partes que no terminan de desarrollarse, algunas incluso son algo incoherentes aún en el  mundo fantástico que se nos propone.

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 Pero no todo es malo, la historia está bien llevada, los personajes son carismáticos y hay escenas muy vistosas. La inclusión de criaturas mágicas variadas es un concepto muy grato y no puedo dejar de mencionar el extraordinario “giro de tuerca” que la historia nos tiene preparada al final, un desenlace que definitivamente nadie ve venir hasta que nos lo muestran.

 La película al final resulta ser un buen proyecto, no de los mejores ni mucho menos perfecto, pero  aceptable. Una buena opción para ver en familia y para aquellos que gozan de las historias llenas de magia y aventura (ejem… los fanáticos de Pokemon y Digimon) les parecerá algo muy positivo siempre que se dediquen a ver la película y dejen por un momento las comparaciones. Brijes 3D, una interesante propuesta que los entretendrá y los hará pasar un buen rato. ¿Y tú ya tienes tu Brije?

 

Nueva promesa en puerta: El Libro de la Vida

¡Amantes de las festividades mexicanas!, ¡Fanáticos de los talentos mexicanos sobresalientes!, ¡Yo los invoco! Así es, luego de varios meses de espera finalmente se ha dado a conocer el primer tráiler de la esperada cinta The Book of Life (The Book of Life, 2014), que pretende estrenarse en la época del día de Muertos de este mismo año. Si bien es cierto que varias personas esperamos con ansias este proyecto, seguramente hay muchos que desconocen de lo que estoy hablando, por lo cual procedo a explicarles.

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 Se trata de una cinta de animación  co-producción México y Estados Unidos que relatará una historia de amor con toques fantásticos, así mismo, se trata de un amor que deberá trascender más allá de la muerte. Lo sé, lo sé, la premisa parece muy similar a la película de Tim Burton, El Cadaver de la Novia (Corpse Bride, 2005), sin embargo este proyecto merece nuestra atención por diversos motivos.

 Para empezar, es una historia basada en el Día de Muertos Mexicano y como podrán apreciar en el tráiler, el estilo es muy característico. Aborda ese lado hermoso que en este país hemos sabido encontrarle a la muerte, convirtiendo su imagen en un motivo de fiesta llena de luz y color. Así mismo, la producción corre a cargo del gran genio Guillermo del Toro, responsable de joyas cinematográficas como Cronos (Cronos, 1993), El Espinazo del Diablo (El Espinazo del Diablo, 2001), El Laberinto del Fauno (El Laberinto del Fauno, 2006), Hellboy (Hellboy, 2004) y la más reciente, Titanes del Pacífico (Pacific Rim, 2013).

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 Por otra parte, la dirección corre a cargo de un gran animador mexicano que se ha abierto camino con éxito en Estados Unidos en empresas como Nickelodeon y Cartoon Network, Jorge R. Gutiérrez. Entre los trabajos más conocidos de este artista tenemos la peculiar, y en mi opinión, genial serie El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre: The Adventures of Manny Rivera, 2007). Con estos dos talentos mexicanos tras el proyecto podemos tener grandes expectativas. La cinta contará con las voces de Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ron Perlman  y Danny Trejo entre otros.

Ok, no espero que griten de emoción ante este tráiler, sin embargo los amantes de estos dos genios, así como de la animación, coincidirán conmigo en que se trata de un proyecto interesante que bien valdrá la pena disfrutar. En unos cuantos meses podremos saber si estamos ante una película animada que pasará a la historia, o un simple proyecto olvidable como tantos del montón.

Animación Mexicana 21: Juan Escopeta

 Como recordarán, una de las primeras cosas que comenté cuando expliqué algunos conceptos de la animación era aquella idea errónea que tienen algunos sobre que una producción animada debe ser enteramente para público infantil por ser una caricatura. Ya anteriormente di un ejemplo con El Santos vs la Tetona Mendoza (El Santos vs la Tetona Mendoza, 2012) de que esto no es verdad y la animación puede enfocarse al público adulto. En el caso de Animex, su última producción hasta la fecha también abordó de forma mucho más sutil estas historias maduras con el suficiente peso dramático como para caer en una historia para adultos.

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 Cuando supe que el título de la siguiente película de Animex sería nada menos que La Revolución de Juan Escopeta (La Revolución de Juan Escopeta, 2011) no pude evitar pensar en que sería una cinta orientada al sector infante. No obstante, la película resultó ser una grata sorpresa que si bien no carece de múltiples errores tanto en animación, como en el acting y la continuidad, termina siendo una película que combina de forma muy buena una travesía infantil junto con el lado oscuro de la vida, todo esto aprovechando la situación bélica de la revolución mexicana.

 Al igual que Nikté (Nikté, 2009) la película se desarrolla en una época histórica del país, mas no es si intención dar una clase de historia al respecto. Se trata de la aventura de Gaspar Tena, Gapo, un niño que vive en un humilde pueblo acompañado de su madre en espera del regreso de su hermano Damián, quien tiempo atrás partiera a la batalla.

 La vida de Gapo en es cierto modo sencilla y agradable, pero cuando el horror de la guerra llega a su hogar y lo deja desamparado, el niño no tendrá mejor opción que unirse a un legendario forajido llamado Juan Escopeta, lo cual lo llevará no solo a alejarse de su ciudad, sino de formar parte de ese cruel movimiento que todos recordamos en noviembre.

 El lado cómico es prácticamente nulo en esta cinta (cosa que caracterizaba al estudio en sus filmes anteriores), mas la cinta jamás se torna aburrida. La historia está bien estructurada en su mayoría y es lo suficientemente sólida para dejarnos con ese sabor de boca curioso por ser tan agradable y tan crudo al mismo tiempo. El final es verdaderamente inesperado pero me parece muy bien logrado, ya que sin el fin de dar spoilers, digamos que pasa de un momento en que todo parece haberse perdido a otro donde la esperanza y la determinación de continuar lo son todo. Podría decirse que es hasta un final un poco feliz… aunque no tanto.

 Donde la cinta falla es, como dije, un poco en la animación que no siempre es fluida y en el uso del 3D que en más de una ocasión resalta demasiado, quizá jugar un poco más con las texturas e iluminación no le hubiera caído nada mal. Así mismo, aunque la película tiene personajes bien estructurados, es lamentable el hecho de que salvo Gapo y Juan Escopeta, el resto del elenco tenga una participación tan corta. Esto es evidente sobre todo en el villano de la historia, El Zopilote, quien nos es presentado como un forajido siniestro, astuto y malvado hasta los huesos para ser derrotado de una forma, a mí parecer, demasiado rápida.

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 La dirección esta vez no estuvo a cargo de Ricardo Arnaiz (quien es productor de la cinta) sino de Jorge A. Estrada, aún así el diseño de personajes y el manejo artístico sigue siendo el que caracteriza a este estudio. Entre las voces tenemos de nueva cuenta a un elenco de primera con Joaquín Cosío, Bruno Bichir y Carlos Cobos (q.e.p.d).  La historia no es en sí demasiado fuerte, creo que es apta para todas las edades, pero si es recomendable no verla esperando un cuento de hadas donde los buenos se la pasan muy bien. Es una historia más madura, más realista y más fuerte.

 En conclusión, esta cinta es un muy interesante experimento que incluso pudiera ser digno de verse en épocas patrias, es entretenida y con un buen mensaje de lo difícil que es para un niño volverse hombre cuando menos lo espera. No es una obra maestra, pero tampoco una película olvidable, a mi parecer si es ampliamente recomendable.

Ánima Estudios y Chespirito Juntos Otra Vez

 Ok, ok, dije la última vez que ya habíamos terminado con Ánima Estudio, pero ya saben que las noticias surgen de la nada y no nos queda más que informarlas. Como recordarán, en una de las partes anteriores de la animación mexicana hablé, quizá no favoreciendo demasiado, sobre la serie animada que más ha trascendido de este estudio, es decir, El Chavo (El Chavo, 2006-2013).

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 ¿Ya han tenido la oportunidad de ver la serie?, ¿les gustó? Pues sea cual sea su respuesta, parece ser que al público latinoamericano si le pareció una gran idea pasar la creación de Roberto Gómez Bolaños “Chespirito” al mundo de la animación. La serie no sólo ha trascendido más de lo que los propios productores de Ánima esperaban (7 años de producción y un aproximado de 130 episodios no está nada mal, y sobre todo en México). Debido al éxito de este concepto, el productor Roberto Gómez Fernández (hijo del genio creador de la serie original) y el estudio han decidido animar a más personajes del pequeño Shakespeare.

 Por si no han adivinado cual es el personaje que dará el gran salto en esta ocasión, se trata nada más y nada menos que del héroe “El Chapulín Colorado” (Uno de los Avengers mexicanos, si existieran). El personaje ya antes había tenido versiones animadas para la promoción de productos, así como su propia tira cómica al igual que el Chavo, sin embargo jamás se había tratado antes la posibilidad de que tuviera su propia serie. Hoy es una realidad.

 El concepto será el mismo, usar los guiones escritos por el señor Chespirito y recrearlos en animación 2D. Según informan, la producción ya está en proceso y algunos capítulos ya están listos para realizarse. Se pretende iniciar con 20 capítulos, aunque si el éxito del Chavo se repite, sin duda serán muchos más. Cabe mencionar que en un guiño de continuidad, el actor de voz Jesús Guzmán, quien interpreta al Chavo, será el encargado de interpretar al protagonista de este nuevo proyecto.

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 Y por si esto fuera poco, la producción está tan confiada en la buena aceptación que la nueva serie tendrá que incluso ya se habla de la realización de un largometraje animado en 3D de este mismo personaje. ¿Será acaso que el nombre del Chaplin de México está destinado a seguir sonando en el mundo por muchos años más?

 Por lo pronto sólo nos queda esperar el resultado final. Personalmente la idea me gusta pero temo que ocurra lo mismo que con el Chavo y la serie pierda un poco de esencia, sin embargo, opto por dar el beneficio de la duda. La serie pretende ser transmitida en el 2015 aunque no han dado una fecha exacta, será entonces cuando podremos dar nuestro punto de vista al respecto. Por lo pronto “que no panda el cunico”, tengamos fe en el talento de los animadores mexicanos y a este ambicioso proyecto “¡síganlo los buenos!”

Animación Mexicana 20: Nikté

 Volviendo a la empresa Animex, ahora totalmente localizada en la ciudad de Puebla, hablaremos hoy de uno de los que este servidor considera una de las grandes obras de la animación mexicana, aunque también una de las mas incomprendidas. Se trata de uno de esos proyectos que muchos detestan, pero  un porcentaje menor de la población aprecia.  Se trata del segundo largometraje de esta joven empresa; del director Ricardo Arnaiz, Nikté (Nikté, 2009).

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 Con una producción mucho más elevada que la película anterior, La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007), que de hecho recibió apoyo de la mismísima Universal Pictures; así como de la primera vez  este estudio donde se usó animación en 3D, CGI y un avance notable en animación, esta cinta nos remonta a la época de una cultura madre, los Olmecas.

 Se trata de la historia de Nikté, una soñadora y algo vanidosa niña que desea convertirse en alguien de suma importancia, con poder y sirvientes. Su deseo se ve realizado cuando descubre una antigua leyenda que habla de la llegada de una princesa celestial que guiará a su pueblo a superar un gran peligro que se avecina.

 De ese modo, Nikté finge ser dicha princesa y termina envuelta en una peligrosa aventura para encontrar la mítica flor divina, que es la única cosa en la tierra capaz de detener a un horrendo monstruo que amenaza a su aldea. En su travesía será ayudada por Chin, un desadaptado Chaneke que sólo quiere proteger a su pueblo, pero también peligrará ante los malvados planes de Kaas, el líder de una aldea vecina que pretende apoderarse de todo el país del hule a cualquier precio.

 La premisa es atractiva y aunque no deja de ser una historia más de un viaje lleno de pruebas para llegar a un objetivo, está muy bien desarrollada. El guión está lleno de chistes que dotan de humor la cinta, aunque este es su primera debilidad ya que mientras algunas bromas resultan de lo más jocosas, otras pudieran caer en estereotipos que aburrieron y/o incomodaron a más de uno (ejemplo, personajes olmecas usando términos como “chido” y “valedor”).

 Además de esto, algo que muchos no han entendido es que esta película trata de una historia de ficción que se desarrolla en una época que si existió, mas no por eso se trata de una cinta educativa ni histórica. En ningún momento pretende dar una clase de historia, aunque si se pueden apreciar muchos detalles de la época; lamentablemente un gran sector del público esperaba eso y al no encontrarlo se vio decepcionado.

Nikte-DVDRip-Capture-2 La cinta no gozó de mucho éxito en taquilla, hecho lamentable ya que es un producto muy bien logrado a pesar de algunos defectos que se pueden apreciar principalmente en la animación 3D y en la continuidad de algunas escenas. En el trabajo de las voces tenemos a personalidades como Sherlyn, Pierre Angelo, Maya Zapata, Regina Torné, Alex Lora, Silverio Palacios y los ya fallecidos Jorge Arvizu y Pedro Armendáriz, todos y cada uno de ellos brindando una gran actuación.

 Para terminar no puedo dejar de mencionar la excelente banda sonora del señor Gabriel Villar, quien creó una obra que combina la música prehispánica con todo el candor de la música actual. El score de fondo y las canciones son maravillosas y a mi criterio la película tiene uno de los mejores soundtracks en lo que respecta a las películas mexicanas (y no solo de animación). Ahora que si ustedes son de los que no gustan de los musicales, ni se preocupen, ya que la cinta si tiene canciones pero son manejadas como complemento, caso que viéramos en la película de Disney, Tarzán (Tarzan, 1999)

 Jamás me he explicado por qué mucha gente despreció esta película. Ciertamente a veces peca de ir a un público muy infantil igual que la nahuala, pero en su mayoría es una obra que todo público puede disfrutar. Pero bueno, en gustos se rompen géneros y aunque no puedo prometer que esta película les gustará, si la recomiendo ampliamente aunque sea para que la conozcan. Se trata de un producto que vale mucho la pena. Al final, Nikté nos deja un gran mensaje que no requiere viajar al pasado ni pertenecer a la realeza para identificarlo con nosotros: “Para ser el más grande, primero se debe aprender a ser el más pequeño”.

Animación Mexicana 19: Otra Película de Huevos

Es hora de retomar un concepto que ya habíamos tratado, y me refiero a aquel de esos dos hermanos que dieran el salto de las animaciones de internet a la gran pantalla. Como recordarán, los creadores de Huevocartoon (Rodolfo y Gabriel Riva Palacio) ya eran conocidos en el mundo del séptimo arte gracias a su primer largometraje, Una Película de Huevos (Una Película de Huevos, 2006). El éxito de dicha cinta permitió la producción de una segunda parte que dio mucho de qué hablar, ya que no sólo tuvo un gran éxito en taquilla, sino que mostró diversos cambios a su antecesora.

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 De ese modo, Otra Película de Huevos y un Pollo (Otra Película de Huevos y un Pollo, 2009) hizo su aparición en salas mexicanas, cautivando a algunos y dejando a otros un poco decepcionados.

La película sigue la historia de Toto, el huevo héroe de la primera entrega que ahora se ha convertido en un pollo, y como tal, debe aprender a sobrevivir en un mundo completamente distinto a lo que conoce. Por si esto fuera poco, un malévolo huevo brujo está obsesionado en capturarlo para tomar su corazón y utilizarlo en uno de sus hechizos, lo que culminará en una peligrosa aventura para él y sus amigos.

 Para empezar, la premisa de la cinta es bastante atractiva, parte de la maravilla que caracterizó a la primera película fue el factor de convertir hechos cotidianos como un desayuno en un viaje de autoconocimiento y superación. En esta ocasión se optó por agregar a este mundo elementos mágicos y de más acción. Los personajes continúan con su carisma característico, y las nuevas incursiones no quedan nada a deber. Desde el siniestro villano, Huevo Brujo (interpretado maravillosamente por Darío T. Pie), hasta la simpática Hueva Lancha (Lucila Mariscal) logran un buen equilibrio entre el lado cómico y el lado dramático.

 La animación como tal es igual de buena a su antecesora, sin embargo cuenta con el plus del uso del 3D. La primera cinta también usó esta técnica, pero en esta secuela es mucho más notorio, y es justo ese punto el primero que causa controversia. Ciertamente la película tiene un toque más profesional y el 3D permite mucho más dinamismo y escenas más complejas y emocionantes, no obstante, el toque artesanal que la primera parte tuvo se ve sacrificado en algunos momentos. No podemos dejar de comparar el estilo con el ya visto en la mayoría de las producciones de Ánima Estudio.

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 Como siempre menciono, este es un factor que puede ser un defecto o una virtud dependiendo únicamente del espectador. Ahora, también consideremos que para muchos, la historia no resultó ser tan entretenida como la primera. Personalmente creo que la cinta tomó un buen camino, y aunque existen cosas que si se extrañan de la primera película, creo que la segunda parte está muy bien hecha y tiene todo para sostenerse por sí misma.

 Igual que antes el humor está muy cuidado para mantener su doble sentido pero aún así ser para toda la familia, además de que es gratificante ver personajes más complejos como el caso de Toto, quien a pesar de haber logrado su sueño sigue teniendo dudas y conflictos. La banda sonora mejoró al estar más acorde con la trama de la película, aunque las canciones usadas a lo largo creo que no superan lo antes hecho (me gustaron más las elegidas en la primera parte).

 En conclusión, la película mostró una evolución notable en aspectos técnicos y en historia, pero el hecho de que varios prefieran la primera parte nos hace analizar esos detalles que pudieron faltar o estar de sobra. Pero bien, mejor o peor que si antecesora, la cinta es un proyecto bien logrado, bien cuidado, divertido y sólido que nos hace esperar ansiosos la tercera parte, próxima a estrenarse.

Animación Mexicana 18: El Santos

Y finalmente llegamos a la última parte de la antología de Ánima Estudio (hasta ahora). El último proyecto del estudio es quizá el más polémico, no sólo de la compañía sino del mundo de la animación, y del cine en general,  en México. Basada en la popular historieta creada por los dibujantes Jis y Trino, nació el proyecto de El Santos vs la Tetona Mendoza (El Santos vs la Tetona Mendoza, 2012). Dirigida por Andrés Couturier, creador de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003) y Alejandro Lozano, quien anteriormente fuera director de cintas como Matando Cabos (Matando Cabos, 2004) y Sultanes del Sur (Sultanes del Sur, 2007).

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 La película trata acerca de El Santos, un regordete y vulgar luchador (obvia parodia al icónico enmascarado de plata) quien trata de seguir adelante en la vida luego de su rompimiento con la Tetona Mendoza. Su rutina sufre un cambio cuando decide, junto a su amigo El Cabo, ayudar a la comunidad de los Zombies de Sahuayo a ser aceptados por la sociedad; no obstante, sus planes se ven afectados cuando la Tetona Mendoza inicia una revolución feminista que pondrá en apuros no sólo al protagonista, sino a todos los personajes masculinos.

 De entrada la premisa resulta un poco extraña y hasta bizarra, sin embargo los lectores conocedores de El Santos sabrán que ese tipo de historias y un humor muy subido de tono es característico de estos personajes. Y es justo ahí donde la película divide a su audiencia, ya que considero que va dirigida únicamente a un público demasiado específico. En resumen, los que gustan de la historieta amarán la cinta, y los que no la conocen y gustan de tramas mas aterrizadas y un humor más familiar (menos guarro) simplemente no podrán soportarla.

 Como adaptación es sencillamente impecable, los fans encontrarán en la película todo lo que buscan. Sí mismo, hay varios guiños a crítica social y hasta política que hacen de esta cinta una opción interesante, de hecho no dudaría que la película entre a las filas del cine de culto mexicano. Aún así, hablar de El Santos de manera objetiva es complicado, personalmente es la película de Ánima que menos me ha cautivado (junto con la de la AAA).

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 Hablando con toda franqueza y respeto, la cinta es visualmente una tortura. Si bien los dibujos mal hechos (si, mal hechos, los propios creadores aceptaron que era ese estilo de “dibujo feo” el que buscaban) pudieran resaltar en el impreso, en una pantalla de cine llegan a ser bastante cansados. Reitero que es una cinta que tiene un público muy selecto y aunque no la catalogaría como mal cine, tampoco la defendería como una obra maestra. La animación es buena a secas, totalmente hecha en 2D y a veces pareciendo hecha con flojera, pero insisto en que nos un defecto sino el estilo que se buscó darle con toda intención.

 Con respecto al trabajo de doblaje he de decir que es más que aplaudible, no sólo los personajes tienen carisma, sino que los actores que prestaron sus voces son verdaderas leyendas de la actuación que le dan a la cinta un toque épico en ese sentido. Podemos escuchar las voces de Daniel Jimenez Cacho, Regina Orozco, José María Yazpik, los hermanos Bichir, Joaquín Cosío, Jesús Ochoa, Andrés Bustamante y como un exquisito detalle adicional, el mismísimo director Guillermo del Toro interpretando al personaje Gamborimbo Ponx.

 Ahora, si hablamos de una película que resulta ser una adaptación perfecta, con crítica social y un elenco de primera, ¿Cuál es el problema? Pues bien, el problema no es en sí la cinta, sino el concepto que Jis y Trino crearon. Por un lado podría ser excelso, pero así mismo resulta un humor en exceso vulgar. Y no hablo sólo de las innumerables groserías y albures que se aprecian en toda la película (mismas que en varias ocasiones resultan muy jocosas), sino de diversas escenas sexuales explícitas, el constante énfasis de la necesidad de El Santos por satisfacer sus necesidades fisiológicas y otros chistes y escenas propios a la saga de Scary Movie (Scary Movie, 2000).

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 En conclusión, creo que El Santos vs la Tetona Mendoza es un proyecto inteligente, muy ambicioso y digno de ser visto. No obstante, también resulta una cinta “espantosa” en varios aspectos, definitivamente no apta para todo público y que lo que la hace brillante es también lo que la convierte en  una abominación animada. Sólo puedo decirles que el mejor juez serán ustedes mismos, y que está película es de esas cosas que dependen del cristal con que se miren.

Animación Mexicana 17: La Leyenda de la Llorona

Casi llegando a la recta final de las producciones actualmente terminadas de Ánima Estudio, y siguiendo con las aventuras de Leo San Juan, la historia que originalmente fuera desarrollada por Animex, cambió de hogar para una secuela, que abordó la misma temática y los mismos personajes, esta vez enfrentándose al que quizá sea el espectro más conocido de la cultura mexicana. De ese modo hace algunos años llegó a las pantallas de cine La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011).

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 Para empezar tenemos la gran pregunta, ¿Por qué Animex hizo la primera película y Ánima la segunda? Pues bien, hay muchas teorías al respecto; Algunas personas aseguran que el estudio Animex pasó por complicaciones económicas y por lo mismo decidió vender los derechos de la historia, sin embargo el propio director y escritor de la cinta original, Ricardo Arnaiz, declaró que esta decisión constaba de una alianza estratégica en la cual Ánima produciría la nueva aventura ya que Animex se encontraba con una gran carga laboral por dos proyectos fuertes, uno de ellos está próximo a estrenarse y el otro aún se encuentra en producción, mas adelante indagaremos sobre ellos.

 De ese modo, el nuevo director Alberto “Chino” Rodriguez, responsable de la dirección en varios capítulos de El Chavo (El Chavo, 2006-2013) y de la cinta AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010) retomó la historia con producción, historia y guión del propio Ricardo Arnaiz y volvió realidad ese sueño que varios fans de la Nahuala tenían (el final de la primera película daba pie a una secuela).

 En la historia, Leo San Juan y sus amigos llegan hasta el pueblo de Xochimilco, donde varios niños han sido secuestrados por el malvado espíritu de la llorona, una mujer resentida por la pérdida de sus propios hijos. En su camino, Leo conocerá a una nueva amiga: Kika, una simpática niña que está decidida a salvar a su hermano Beto, quien fuera capturado por la mujer fantasma. Así mismo, la llorona no es el único peligro que Xochimilco guarda, ya que también está la amenaza de la Isla de las Muñecas donde extraños sucesos se desarrollan.

 La premisa es muy atractiva y es una digna continuación a la aventura que ya conocíamos, además no se detiene ahí, sino que abrió camino a una tercera parte que pronto podremos disfrutar en cines: La Leyenda de las Momias (La Leyenda de las Momias, 2014). Pero…  ¿es tan buena como su predecesora? La cinta originó todo tipo de comentarios y es difícil optar por una verdad absoluta, sin embargo la opinión de su servidor es la siguiente.

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 Para empezar se aprecia mucho que la mayoría de la esencia de la nahuala sea respetada, de hecho hay una secuencia al principio que nos resume la primera película. No obstante, el estilo de Ánima resalta mucho. Animex usa un estilo en diseño de personajes y fondos muy característico, manual y artesanal. Ánima ya usa un concepto un poco más tecnológico con escenarios hechos casi enteramente en 3D y con diseños de personajes más apegados al programa de Adobe Flash.

 Esto, aunque mínimo, resultó un problema para los amantes de la primera parte. Además de eso, el cambio de voces fue fundamental también. Cuando la nahuala nos trajo las voces de monstruos de la actuación muy reconocidos, la llorona cambió casi a todo el elenco, siendo la voz de Rafael Inclán la única que aparentemente fue respetada como el Alebrije.

 Dicha situación costó la perdida de chispa en varios personajes como el de Don Andrés (La voz de Andrés Bustamante es simplemente inigualable) y un Leo San Juan mucho más maduro. No es que sea malo, al contrario, es aplaudible ver a un protagonista que va creciendo y madurando, sin embargo en cuestiones de continuidad, es extraño suponer que un niño asustadizo se volvió un joven más alto y con voz más adulta en el viaje a Xochimilco que, en teoría, habrá durado unos cuantos días en globo. (Nuevamente cito, la nahuala termina cuando salen de Puebla rumbo a Xochimilco y la Llorona empieza cuando llegan a su destino).

 Lo cual suma a otros errores de continuidad, al hecho de extrañar a varios personajes de la cinta anterior, la ausencia de la banda sonora original compuesta por Gabriel Villar y la aparición de nuevos personajes que no pueden dejar de compararse con algo ya visto en cintas como El Extraño Mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas, 1993) haciendo aún más evidente la inspiración que esta historia ha tenido en el universo de Tim Burton nos hacen desear que Animex hubiera continuado el relato. No obstante, el trabajo tampoco es malo, a su modo y estilo se trata de una muy buena película, disfrutable para todas las edades, una animación mucho mejor lograda y con un equilibro de comedia, drama y hasta un toque de horror muy aceptable.maxresdefault

 A mi parecer es una de las mejores cintas de Ánima y como punto adicional, el diseño de la llorona es magnífico, me emocionó ver algo que pocos logran al dar un espectro de caricatura en verdad temible que incluso pudiera compararse a fantasmas como los aparecidos en The Gruge: La Maldición (The Grudge, 2004) o La Dama de Negro (The Woman in Black, 2012).

 En conclusión, La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) es un trabajo excepcional, ampliamente recomendable y digno heredero de las aventuras de Leo San Juan. Al final de la película nos deja con dos deseos, ver la tercera parte de la saga y que el personaje de Kika (que en serio se gana al público) aparezca en esta misma.

Animación Mexicana 16: La Leyenda de la Nahuala

Otro de los estudios de animación que vale la pena mencionar por la calidad de sus producciones es Animex, una empresa creada por Ricardo Arnaiz y Eduardo Jiménez, junto con el apoyo del gobierno de Puebla (en donde actualmente tiene su sede). Animex es una empresa un tanto más pequeña que Ánima Estudios, pero no por eso es menos profesional, de hecho las películas creadas por éste estudio son realmente buenas en muchos aspectos.

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 La primera producción de Animex originalmente llevaría como título “Maya, la primera gran historia” y se trataba de un ambicioso proyecto que contaría con el apoyo del actor Bruno Bichir. Así mismo, el estudio tenía otros proyectos para la televisión como era una serie animada de la clásica historieta de Gabriel Vargas, La Familia Burrón. Por desgracia ninguno de estos proyectos logró consolidarse, dándole a Animex un verdadero dilema para colocarse como un estudio formal.  No fue hasta el año del 2007 cuando el primer largometraje del estudio pudo llegar a las salas de cine, una historia basada en una de las fiestas más tradicionales de nuestro país: El Día de Muertos.

 La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007) es una película de animación 2D que cuéntala historia de Leo San Juan, un asustadizo niño que vive en la ciudad de Puebla de los Ángeles, en la época de la colonia. Su hermano Nando constantemente lo fastidia con la escalofriante leyenda de la Nahuala, una bruja que existiera tiempo atrás y que fuera capaz de robar la vida de los niños para obtener poder absoluto y vida eterna. Un día de muertos, Nando es capturado por aquella malvada hechicera, obligando a Leo a enfrentar sus miedos y enfrentar las fuerzas de ultratumba para salvarlo.

 Algunas personas consideraron la historia de la cinta como algo no demasiado original, pero el encanto de la misma es la forma en la que nos la relata. La película está llena de guiños a la cultura mexicana, con escenarios elaborados de manera impecable (si alguien conoce Puebla, se dará cuenta de ello) y con un guión que aunque a veces peca de estar demasiado orientado al público infantil, la mayor parte del tiempo resulta lo bastante sólido para dar una buena experiencia al público adulto también.

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 Los productores no repararon en gastos para la elección del elenco de voces, teniendo así personajes interpretados por personalidades como Jesús Ochoa, Rafael Inclán, Martha Higareda, Andrés Bustamante, Manuel “Loco” Valdés, Ofelia Medina y el primer actor (e icono del cine mexicano de horror) Germán Robles. La animación cumple en su mayoría aunque la película no está exenta de errores en la misma, así como otros detalles de continuidad, acting, y otros elementos.

 La música, hecha por Gabriel Villar, resulta ser uno de los mejores soundtracks en el cine mexicano (a opinión de este servidor) logrando un buen equilibrio entre melodías de suspenso, acción, comedia, drama y por supuesto, la esencia de México. Si a esto le sumamos el uso de canciones ya conocidas como “El Médico Brujo” y “No Es Serio Este Cementerio”, y de otras canciones originales como “Pan de Muerto” y obvio, “Calaverita de Azúcar”, obtenemos una banda sonora por demás rica y disfrutable.

 Como mencioné antes, el principal problema con la película es estar a veces muy orientado a los niños solamente y algunos detalles de la animación, pero si logramos superar esto nos quedamos con una cinta que no solamente es entretenida, sino además un clásico festivo que bien vale la pena ver en las fechas de muertos. Mención aparte a que la película fue lo bastante sólida para ser acreedora a una segunda y hasta una tercera parte… que no fueron hechas por Animex, mas adelante hablaremos de ellas.

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 Los personajes son entrañables, el héroe es un ejemplo del alcance que puede tener creer en nosotros mismos y la importancia de enfrentar los miedos. La mezcla entre la cultura católica (España) con la Prehispánica es una delicia al mostrarnos un universo donde ambas creencias pueden coexistir y complementarse. Personalmente espero y creo que Leo San Juan puede tener muchas más aventuras en este país donde las leyendas abundan. ¿Por qué no decirlo? Estamos ante una franquicia animada, orgullosamente mexicana, que bien pudiera estar a la altura de sagas como Piratas del Caribe o Indiana Jones, por supuesto que no en producción, pero si en contenido. Leo San Juan, el nuevo héroe de acción mexicano.

Animación Mexicana 15: Don Gato

Además de trabajar en la película de Gaturro, Ánima Estudio se fijó el que sin lugar a dudas es su proyecto más emblemático, ambicioso y complejo: Don Gato y su Pandilla (Don Gato y su pandilla, 2011). En bien sabido que la caricatura creada por Hannah Barbera no tuvo un gran éxito en su país natal, pero en México fue poco más que un titán de la televisión que trascendió generaciones y llegó a público de todas las edades.

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 Era sólo cuestión de tiempo antes de que se decidiera hacer una película de ese popular y astuto gato, pero lo que casi nadie esperaba era que la iniciativa, la producción y el crédito del largometraje serían casi enteramente de México. Nuevamente nos encontramos ante un producto que para algunos no debería considerarse como cine nacional, pero realmente lo es y aunque las voces originales y los derechos pertenecen a estados unidos, la película es producto del esfuerzo de nuestro país.

 Siguiendo el ejemplo de Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010), el plan inicial era de una película hecha en 3D, de hecho algunos modelos fueron creados en ese formato antes de la producción. No obstante, la empresa decidió segur más el estilo clásico del 2D para dar vida a Don Gato y recurrir al 3D únicamente para escenarios y props como vehículos, escritorios y botes de basura. No fue la primera vez que Ánima usó este estilo (Imaginum (Imaginum, 2005) fue el pionero), pero al ver el producto final podemos saber que fue la mejor decisión para esta cinta. Ambos estilos, aunque destacables uno de otro, están muy bien coordinados y en ningún momento son un punto débil para la película.

 La película nos cuenta la historia de Don Gato y su inseparable pandilla, cuyos esfuerzos por obtener ganancias en la tranquila ciudad de Nueva York son causa de molestia del oficial Matute, la trama que todos los que vimos la serie recordamos. No obstante, el mundo de Don Gato se ve perturbado con la llegada del nuevo jefe de policía, Lucas Buenrostro, un vanidoso y ambicioso hombre amante de la tecnología que abusando de su nuevo poder toma el control de la ciudad con la ayuda de un ejército de robots.

 Quizá el tema de los robots pareciera que no va para nada con el mundo de Don Gato, este servidor pensó lo mismo al principio, sin embargo la historia está muy bien llevada y de hecho resulta en una buena moraleja sobre la importancia de no perder el lado humano en este mundo atascado de tecnología. La cinta es inteligente y divertida, en especial para los amantes de la serie quienes disfrutarán toda la película por sus múltiples cameos de figuras ya conocidas como el violinista Lazlo Lozla, el Marahá de Pocaju, la yegua Arabella, entre otros. Sin olvidar el homenaje a la clásica introducción del programa que resulta un deleite a la vista con ese nuevo estilo un poco más moderno.

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 Finalmente no podemos dejar de lado el trabajo de doblaje. Muchas personas están en contra de este proceso y siempre prefieren ver los productos en el idioma original, cuestión totalmente respetable. Sin embargo a veces se olvidan de que México es (o debería ser) una potencia en lo que a este trabajo se refiere, y hablo de los estándares de calidad del mismo. La serie misma destacó en gran medida por los trabajos de grandes actores como Julio Lucena, Jorge Arvizu y Víctor Alcocer. Desgraciadamente la mayoría del elenco original ya había fallecido cuando la película se hizo (actualmente, todo el elenco), sin embargo la empresa Dubbing House realizó un espléndido trabajo en la selección de las nuevas voces. A diferencia de El Chavo Animado (El Chavo, 2006), las voces en esta cinta son muy similares a las originales y funciona perfectamente. Y por supuesto, lo más destacable quizá fue la participación del se Jorge Arvizu “El Tata” (q.e.p.d.) interpretando a Benito Bodoque y a Cucho.

 Ánima Estudio es la empresa con mas proyectos y éxitos en su haber en México, sin embargo, nadie puede negar que su magno trabajo es Don Gato y su Pandilla (Don Gato y su pandilla, 2011), una película hecha por y para fans de aquel gato amarillo (que incluso pudiéramos comparar con emblemas de nuestro cine como Germán Valdés “Tin Tan”). Una cinta hecha verdaderamente con el corazón y que se puede definir como un parte aguas en la historia del cine nacional.

www.youtube.com/watch?v=3MNCu1KTveI

Animación Mexicana 14: Teenage Fairytale Dropouts

Es curioso cuando un producto hecho en México no sea transmitido ni muy conocido en nuestro país, sin embargo debemos considerar que el talento mexicano cada día tiene más renombre a nivel internacional, al grado de que público de otros países han optado por solicitar nuestro trabajo para sus propias priones. Anteriormente hablamos de Kung Fu Magoo (Kung Fu Magoo, 2010) y Gaturro, la película (Gaturro, la película), películas aparentemente extranjeras pero hechas aquí, y ahora toca el turno a la televisión. Porque si, lectores, Ánima Estudio no se conformó con sólo hacer cine.

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 Luego del éxito de la serie de El Chavo y la buena aceptación del universo fantástico de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003), el estudio decidió que su siguiente proyecto sería una serie basada en su primer largometraje para ser vendida al extranjero. De ese modo el nacimiento de Teenage Fairytale Dropouts (Teenage Fairytale Dropouts, 2014) fue posible. La serie trata de la vida “cotidiana y normal” de tres adolescentes: Trafalgar, Jeremiah y Fury, hijos de grandes personalidades de los cuentos de hadas que habitan en la tierra de Fairytale Estates.

 Aunque actualmente la serie no es transmitida en nuestro país, el hecho de que la empresa Dubbing House esté trabajando en el doblaje mexicano de la serie nos hace pensar que pronto podremos disfrutar de ella. Se trata de un producto de alta calidad aunque es notorio que se trata de algo hecho enteramente para televisión. La animación es totalmente en 2D mediante el programa Adobe Flash (como casi todas las series animadas de la actualidad), pero está muy bien lograda.

 Este servidor ha tenido la oportunidad de ver un par de episodios y les puedo asegurar que verla no es para nada una mala experiencia. La caricatura es divertida e interesante, de hecho a veces nos remonta incluso a la época dorada de Hannah Barbera, aunque con un toque más moderno, claro. La estética es prácticamente la misma que la película en la cual está basada, aunque la evolución en la creación de escenarios, y por supuesto la animación, es enorme. Curiosamente la serie animada supera a la versión cinematográfica en estos aspectos.

 Quizá el único detalle que, personalmente, me impide disfrutar al 100% de esta serie es aquello mismo que la hace diferente a la cinta: Los personajes crecieron. Si bien los nombres cambiaron y pudiera parecer que son personajes distintos, resulta obvio que los tres protagonistas no son más que la versión adolescente de Gigante, Ada y Trafalgar. Creo que parte importante del encanto de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003) era la inocencia y la gracia de sus personajes, niños que luchaban por destacar en un mundo regido por adultos. Sus bromas absurdas y la ingenuidad de los infantes los hacían personajes entrañables, y no digo que sus versiones mayores no tengan su propio carisma, de hecho son personajes excelentes… sin embargo el diseño de los mismos en un afán de hacerlos parecer “jóvenes cool” siento que afectó esa imagen que los que vimos la película primero teníamos.

untitled Claro que es sólo una opinión y es aplaudible el hecho de que Ánima decidiera hacer evolucionar a sus personajes. Todo depende de la perspectiva y los gustos de la gente, como en mí caso que me resultan más gratos los personajes pequeños y cabezones, que los chicos altos, modernos y con peinados extraños (No puedo evitar mencionar el parecido que Fury tiene con las chicas de MonsterHigh). Así mismo, es lamentable la ausencia de Titán Caradura, que si bien el personaje es mencionado, hasta ahora no se de que la empresa tenga pensado incluirlo, al menos en la forma en que lo conocemos. Esto resulta decepcionante ya que dicho personaje es sin duda uno de los mejores y más temibles villanos hechos por el estudio.

 En conclusión, Teenage Fairytale Droupouts (Teenage Fairytale Dropouts, 2014) es una serie muy buena que divertirá a todo público, es fresca, amena, llena de guiños a los cuentos clásicos y que no está exenta de ciertas moralejas al final de cada episodio. Quizá Fairytale Estates no posea tanta magia como el pueblo de Varita Quebrada, pero es una digna continuación (o spin off) de la historia. Esperamos ansiosos que pronto podamos apreciarla en su hogar, México.

http://www.youtube.com/watch?v=GEXAISF07qo

Animación Mexicana 13: Gaturro

Además de crear convenios con Estados Unidos, Ánima también ha optado por unirse con talentos de América Latina, tal fue el caso de la coproducción realizada con Argentina, basada en los libros creados por Cristian Dzwonik, Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010). Aunque la película está considerada como un producto Argentino, cabe destacar los esfuerzos y el trabajo que los mexicanos realizaron para dicho proyecto.

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 La película nos cuenta la historia de Gaturro, un simpático gato con enormes cachetes que está enamorado de una gatita de nombre Agatha, y por la cual emprenderá una gran aventura en el mundo del espectáculo con la esperanza de ganar su corazón. Los personajes son muy agradables tanto en el diseño como en la personalidad. La historia, aunque con múltiples giros cómicos, resulta ser lo suficientemente madura y hasta emotiva, y nos ofrece enseñanzas como la determinación y la autovaloración, este último es el mensaje más importante de la cinta según el criterio de este servidor.

 Hasta ahora, esta cinta ha sido la única hecha enteramente en el formato 3D ,en el cual Ánima Estudio formó parte, recordemos que si bien el estudio ha usado este método para algunos elementos de sus películas, todos sus proyectos han sido en 2D. Y ya entrados en el tema del 3D, en esta película el formato es usado de forma muy aceptable. Ciertamente no compite con estándares de realismo como Dreamworks o Pixar, y de hecho el estilo recuerda mucho a otros proyectos como la más reciente serie de Garfield (que curiosamente también es la historia de un gato naranja hogareño).

Sin embargo esto no tiene por qué ser un punto negativo, ya que hay dos formas de ver esta situación. Puede tratarse de un 3D simple que se vio limitado por la tecnología o el temprano desarrollo de sus creadores en el tema… o como prefiero verlo, se trata de un estilo más caricaturesco y colorido que se hizo así a propósito para darle a la cinta un parecido mas al libro del cual se basa, agregándole un pequeño plus de volumen con el 3D.

 Cabe mencionar que este tipo de animación es muy vistoso, pero traicionero, es complicado lograr una animación fluida ya que se cuidan todos los ángulos posibles de vista y constantemente hay que verificar las texturas y la iluminación. Varias películas fallan en este sentido y la animación resulta un tanto acartonada, pero con Gaturro: la película (Gaturro: la película,2010) no es el caso. Los personajes son muy expresivos y el hecho de poder identificar a cada uno por su personalidad y su papel en el relato es un gran logro (Todos los gatos son idénticos físicamente, sólo se diferencian por algunos elementos como ropa, peinado y un cuello muy extenso.)

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 Otros retos del 3D también valen la pena mencionarse, ya que aunque pudieran no ser demasiado importantes a la historia, su buen funcionamiento ayuda mucho a la cinta. Elementos como la pecera en la que constantemente vemos nadando a uno de los amigos de Gaturro, un pez rojo, y donde el agua se ve muy real. La animación de fluidos es quizá de las más complejas ya que como tal los fluidos no se animan, sino que se crean simulaciones con fuerzas de gravedad, viento, viscosidad, etc. cuestiones que involucran matemáticas y física y que por lo mismo, pocos animadores tiene el valor de aceptar.

 Aunque no es una película que goce de gran popularidad en nuestro país, y aunque muchos ni siquiera la conocen o creen que no es un mérito mexicano, resulta ser un proyecto de gran calidad lleno de guiños a otros mundos del cine como Disney o el agente James Bond. Así mismo, resulta una película perfecta para ver en familia y en la cual los adultos no tendrán problemas para disfrutar. Los invito a ver Gaturro: la película (Gaturro: la película, 2010) y descubrir el potencial de este proyecto, que aunque no es 100% nuestro, tiene su parte orgullosamente mexicana.

Animación Mexicana 12: Kung Fu Magoo

 Volviendo a Ánima Estudio, cabe destacar que la empresa no está peleada con la idea de unir talentos con otros estudios y otros países. Prueba de esto es la primera producción de larga duración que Ánima hizo para el mercado extranjero: Kung Fu Magoo (Kunf Fu Magoo, 2010). En conjunto con la empresa Classic Media, le dió al famoso personaje Mr. Magoo la oportunidad de protagonizar una nueva aventura animada, misma que fue transmitida en nuestro país por el canal Cartoon Network.

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 Aunque técnicamente la película no se considera dentro del cine mexicano, la verdad es que nuestro país es el responsable de la mayor parte de la producción, incluso fue dirigida por Andrés Couturier, que fuera el responsable de Magos y Gigantes (Magos y Gigantes, 2003) y El Agente 00-P2 (El Agente 00-P2, 2009). Entre el talento de voces tenemos a leyendas de la actuación de voz en E.U., Tom Kenny y Jeff Bennett, además de los juveniles Cole y Dylan Sprouse (Zack y Cody: Gemelos en Acción).

 La historia nos cuenta como los más grandes villanos del mundo, liderados por el perverso Tan Gu, organizan un magno evento Olímpico del mal y atraen la atención de la agencia anti maldad. Los agentes enviados para detener este siniestro acto son nada menos que Quincy Magoo y su sobrino Justin. De este modo da inicio a una serie de combates emocionantes y divertidos cuando Magoo se vuelve uno de los participantes del evento.

 En cuestiones de animación, la cinta no ofrece algo nuevo a lo que Ánima nos tiene acostumbrados sencilla animación 2D bien lograda, muy parecida al estilo de otras películas de este estudio. El trabajo artístico y diseño de personajes también cumple pero quizá su mayor acierto sea la psicología de estos. La historia es sencilla, pero se ve fortalecida con personajes complejos como es el caso de Justin, un muchacho que entra en la incógnita de que es más importante: Ayudar a su despistado tío o volverse el leal asistente de su ídolo, Cole Fusion. Lo mismo pasa con el villano Tan Gu, quien no se queda como un acartonado enemigo que es malo por naturaleza, al contrario, nos presentan un personaje que en el fondo lo único que desea es ser un buen padre.

 Siendo honestos, el título (Si, uno más de Kung Fu) y el aspecto del proyecto pudiera ser un obstáculo para que una buena parte del público se interese por él, quizá por eso no se trate de la cinta más popular de Ánima. No obstante, es un producto de calidad realmente aceptable que aunque no le cambiará la vida a nadie, tampoco le dejará la amarga sensación de que lo que duró la cinta fue un tiempo precioso perdido. Y claro, como ya es costumbre de este servidor recomendar, si al verla pueden dejar de lado a ese adulto que mostramos al mundo, será mucho mejor y más disfrutable.

Animación Mexicana 11: Una Película de Huevos

En esta ocasión trataremos el tema de una película cuyo éxito dejó sorprendidos tanto a la crítica como a sus propios creadores. Una cinta que provocó mucha expectativa pero a la vez cierto desdén por parte de un sector del público antes incluso de su estreno: Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006).

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 Basada en las exitosas animaciones creadas por la empresa Huevo Cartoon, fundada por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, Una Película de Huevos (Una película de huevos, 2006) parecería ser un largometraje animado para un público muy adulto, donde la irreverencia, el doble sentido y la vulgaridad predominarían; y es que los conocedores de la página de internet sabrán que el humor de Huevo Cartoon puede llegar a ser un poco subido de tono.

 La película llamó a las salas a los seguidores de dichas animaciones, pero varias personas no querían darle la oportunidad, argumentando frases como: “de seguro es película para nacos”, palabras textuales que este servidor llegó a escuchar.

 No obstante, el equipo de producción detrás de la cinta tenía una visión que iba más allá de lo que todos creían. Sí, por supuesto que la película requería albures, chistes para adultos y cosas por el estilo, no iban a decepcionar a sus fans. Pero cabe recalcar que los hermanos Riva Palacio tenían espíritus firmes acerca de lo que buscaban y como tal supieron desde el principio la dirección en que querían seguir con este proyecto.  

 Con un humor fiel al estilo original, pero adecuadamente equilibrado a un humor más inocente y familiar, aunado con una historia aparentemente sencilla pero llena de valores como la determinación, los sueños, la amistad, el amor y el valor,  culminó el proyecto convirtiéndose en una película para toda la familia que fue muy bien recibido por el público.una_pe8

 La historia trata sobre Toto, un huevo de gallina que desea ir más allá de su destino como desayuno y convertirse en un gran pollo. Con la ayuda de sus amigos, Willy y Tocino, emprenderá un peligroso viaje para volver a su hogar y cumplir su sueño, pero no le será tan fácil ya que la vida de un huevo está llena de peligros como los propios humanos, animales hambrientos y los infames huevos de reptil. La película cuenta con las voces de Bruno Bichir, Carlos Espejel, Angélica Vale y los mismos Riva Palacio, cuyas interpretaciones cumplen totalmente.

 La animación es magnífica, pudiera ser la película con mejor calidad de animación en México, el guion muy ingenioso y divertido e incluso la banda sonora está hecha con gran inteligencia, ya que funciona tanto en los momentos cómicos como en los emotivos. Y por si esto fuera poco, la cinta también tiene buenas dosis de acción, incluyendo una escena de batalla, evocando el estilo de las cintas con justas medievales, pero ubicadas en el mundo de los huevos.

 Si no han visto la cinta, háganlo, les aseguro que no se arrepentirán. Disfrútenla y como bien dijera Confi, uno de los personajes, “que el colesterol los acompañe”.

http://www.youtube.com/watch?v=cNPLYU3Q4LE

Animación Mexicana Parte 10: AAA, La Película

Si bien es cierto que las producciones de Ánima Estudios cuentan con un nivel de calidad bastante bueno tanto en producción como en difusión, no está exenta de ciertos tropiezos en el camino. El cuarto largometraje del estudio es quizá el más incomprendido,  no sólo de su filmografía, sino de casi todo el historial del cine animado en México, lo que resulta irónico considerando que esta película toma como base un elemento de gran relevancia en nuestra cultura: La Lucha Libre.

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 Recordemos que los luchadores enmascarados son más que un emblema de México a nivel internacional, producciones extranjeras los han incluso aprovechado. Series como “Mucha Lucha”, películas como “Los Campeones de la Lucha Libre” y hasta videojuegos como “Guacamelee” son claros ejemplos. Dichos títulos han sido bien recibidos en varias partes del mundo a pesar de la polémica que pudieran generar (muchos mexicanos se ofenden por como son retratados).

 Volviendo a México, la película en cuestión de la que ahora hablamos se titula AAA: La Película sin Límite en el Tiempo (AAA: La Película sin Límite en el Tiempo, 2010). A decir verdad, la trama de la cinta pudiera ser atractiva, la lucha eterna entre los luchadores técnicos (los buenos) contra los rudos (los malos) que se sale de control hasta terminar en una aventura que los compete a ambos, obligándolos a unir fuerzas para un bien común (en este caso, el futuro de la lucha en sí). Seamos honestos, las películas sobre deportes se vuelven adictivas a pesar de que las tramas suelen ser las mismas y a veces hacen más grandes los acontecimientos (más dramáticos de lo que fueron).

 Si, la idea resultó ser buena, además de que era interesante ver la versión animada de personalidades de la lucha como La Parca, Octagón y Abismo Negro (q.e.p.d); entonces…  ¿cuál es el problema? Según el criterio de este servidor, dos cosas son las que doblegan el proyecto. La primera es la incursión de demasiados elementos a la trama, subtemas que van desde cosas mágicas hasta viajes en el tiempo (“Sin Limite en el Tiempo” resulta ser un juego de palabras). Considero que lo que la producción intentó hacer fue seguir el camino de cine de culto mexicano como la filmografía del Santo y Blue Demon, las cuales contaban con tramas extrañas pero que funcionaban. Quizá el error aquí fue saturar una sola película con demasiadas cosas.

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El segundo fallo que considero es el guión, con diálogos que a veces se ven forzados para causar gracia. Está lleno de chistes que tal vez hubieran funcionado con actores reales (live action) o interpretados de otro modo. Con todo respeto a la producción, debo decir que a veces los luchadores pierden la figura a la que deberían aspirar, por parecer personajes ingenuos y ridículos del tipo de comedias como Drake y Josh (Drake & Josh, 2004).

 La animación es aceptable al igual que el trabajo de arte, el diseño de personajes me encanta y creo que el concepto era de mucho potencial. Por desgracia, no soy el único que piensa que la ejecución pudo ser muchísimo mejor, volviendo a AAA: La Película, es la primera caída del ring de este estudio. Recomendable para verse si a uno le gustan las luchas o la animación, pero para formar parte de la colección de logros mexicanos… no mucho, más bien, para esconderse.

Review: Rio 2

Las películas animadas son cada vez más frecuentes, las películas sobre historias de animales, también. Algunas personas han llegado a pensar que el género ya está aburriendo y que muchas de estas cintas aparecen para volverse una más del montón. ¿Pasa esto con la nueva película de Blue Sky Animation (responsables de la saga de La Era del Hielo [Ice Age])?

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 Supongo que todo depende de la perspectiva, aunque la mayoría de las personas seguramente pensarán que si, este es el caso de Rio 2(Rio 2, 2014). Pero no mal entiendan, esto no quiere decir que la película sea mala, al contrario.

 Los que vieron la primera parte sabrán que el gran encanto radicaba en el aspecto visual (el carnaval de Brasil animado es una maravilla), además de números musicales que se pueden catalogar como magistrales. La secuela nos ofrece más o menos lo mismo, de hecho en ese sentido es tan buena como su predecesora y nadie negará que este año mundialista es el momento perfecto para la llegada de esta cinta.

 Desafortunadamente, el problema con la película es eso, que nos ofrece prácticamente lo mismo que ya vimos. Visualmente es fantástica y la música cumple con creces (de hecho es curioso que los personajes cantan mas, siendo que en la primera parte las canciones estaban de fondo casi siempre), pero la historia no es nada que no hayamos encontrado antes.

 Los personajes son carismáticos y divertidos, pero al igual que antes adquieren un aire a veces demasiado infantil, que si bien, gustará mucho a los niños, los adultos quizá no lo aprecien. Un ejemplo: humanos que al intentar comunicarse con aves se ponen a cacarear, situación que vimos en la película 1 y que puede dar una idea del tipo de humor que encontrarán en gran parte de esta secuela.

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 Esto último aplica para todos los personajes, desde los buenos a los malos. En el caso de los villanos es quizá más notorio, ya que en un afán de mantener un producto para toda la familia (y en que todos tienen ratos cómicos) prácticamente pierden ese lado amenazante que otras películas nos han brindado en sus antagonistas.

 Mencionando el trabajo de doblaje, es realmente bueno en todos los sentidos y se agradece a los responsables el haber evitado mexicanizar tanto los diálogos como ocurriera con la primera parte.

 Aún así, a pesar de que Rio 2 (Rio 2, 2014) no es ni por asomo la mejor película de animación en lo que va del año, es una excelente opción para pasar un rato en familia. Tiene momentos muy graciosos incluso para los adultos, ratos dramáticos, lecciones de vida, familia y un momento que involucra una especie de partido de fútbol en serio jocoso y entretenido.

 Como secuela cumple, como película independiente, también, sin embargo me temo que efectivamente será de esas películas que difícilmente se convertirán en un clásico del género. Aún así vayan a verla, seguro pasarán un rato agradable y más si es en compañía de infantes.