Especiales Navideños Animados: Parte 1

La navidad nuevamente está llegando y como todo mundo sabe, el mundo de la animación ha ido muy de la mano con esta festividad desde la creación de este estilo artístico. Existen montones de películas y especiales que año con año, en época decembrina, podemos apreciar en cine y televisión; sin embargo, hay que recordar como muchos programas animados han dedicado por lo menos un capítulo de su repertorio a hacer honor a esta fecha.

 En esta ocasión me permito abrir un nuevo especial de animación en el cual hablaré un poco sobre algunos de estos capítulos especiales de caricaturas clásicas y nuevas, y de paso explicaré el por qué las considero sugerencias adecuadas para acompañar nuestras fiestas, ya sea en familia o viéndolas en solitario. Como diciembre es el doceavo mes, y como la canción navideña refiere a los doce días de navidad, hablaré de doce especiales que les recomendaría disfrutar este año.

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 Para dar inicio adoptaré un poco el tema de la comedia navideña, dos especiales que sin perder ese toque tierno, dulce y de amor y paz que caracteriza a la navidad, nos hacen reír ante situaciones extremas y picarescas, incluso un poco irreverentes. El primer especial es un cortometraje inspirado en la serie (a la vez inspirada en la película) Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2008). Efectivamente me refiero a ese cuarteto de espías “bonitos y gorditos” que próximamente darán el salto a la gran pantalla en su propio filme.

 Este corto nos cuenta la aventura de Cabo, el miembro más joven y sensible del grupo, quien una navidad se percata que todos en el zoológico festejan en grande con sus amigos, todos excepto el oso polar. La soledad de ese compañero le causa tanta compasión que decide salir en busca de un buen obsequio para el oso, algo que le alegre la noche y le permita pasar una navidad sin igual. Desgraciadamente, Cabo termina metido en un gran lío cuando es confundido con un animal de juguete por una irritable anciana que lo lleva a casa.

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 Cabo deberá ser rescatado por sus tres amigos Skipper, Kowalsky y Rico, quienes se enfrentarán a varios peligros que la gran ciudad ofrece (incluyendo a un adorable pero psicótico perro) en el proceso de salvarlo. La cinta está llena de ese humor absurdo pero contagioso que caracteriza las películas de Madagascar y la serie de los pingüinos, es una forma más libertina de disfrutar las fiestas; pero eso sí, tiene ese toque tierno y entrañable de la bondad, la amistad y el trabajo en equipo que aparte de hacernos reír en más de una ocasión, nos dejará con el sabor de boca de un gran especial navideño lleno de mensaje.

 ni La siguiente propuesta es sobre una serie de antaño, La Niñera (The Nanny, 1993), y si, se que esa serie fue filmada en live action. Y aunque en la primera temporada de la misma existe un especial de navidad (muy bueno, por cierto), resulta que la producción decidió hacer un segundo capítulo festivo usando la técnica de animación 2D, muy similar al opening del programa. Los conocedores de la serie sabrán el tipo de comedia que esta manejaba, un humor picaresco que hacía constantes referencias a Fran Fine, una mujer judía que encuentra trabajo como niñera de los hijos de un famoso productor de teatro. Su convivencia con esta familia estaba llena de situaciones chuscas donde se burlaban del medio artístico, la vida en barrios estadounidenses como Queens… y de Estados Unidos en general.

 El especial navideño en cuestión, es como mencioné, hecho totalmente en animación. En este capítulo, Fran y su protegido Brighton son transportados mágicamente al polo norte en donde conocen a Kris Kringle, o Santa Claus, y deciden ayudarlo a detener a C.C. la abominable Babcock, una bruja de hielo que trata de impedir que Santa entregue los regalos esa noche. De paso a esta tarea, Fran tratará de enseñarle a Brighton el valor de compartir y la importancia de dar, sobre todo en navidad.

La animación es muy simple pero el especial está muy bien logrado. He de admitir que el humor es un poco menos disfrutable que en la versión live action, sin embargo resulta ser una bonita historia que niños y adultos disfrutarán, sin mencionar el detalle de ver a todos los personajes de la serie reflejados en sus versiones animadas y navideñas. Definitivamente es un especial que vale la pena ver y más si son seguidores de la serie.

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 Empezamos con una parte chusca y traviesa de la navidad, pero que encierra todo el espíritu de esta época. En la siguiente ocasión traeré otras dos propuestas con la esperanza de que la animación esté presente en sus fiestas, y quizá, hacer de estas un poco ms mágicas. ¡Hasta la Próxima!

Especial Ghibli: La Colina de las Amapolas

Finalmente hemos llegado a la última parte de este especial sobre las grandes obras del Studio Ghibli. En esta ocasión hablaré sobre la penúltima película que ha llegado a nuestro país, la última es una de la cual ya hablé con anterioridad y cuya nota pueden leer aquí.

 Volviendo al tema, en el 2011 Goro Miyazaki volvió a sentarse en la silla del director, esta vez con una película un tanto menos fantástica en tema, pero más grandiosa en profundidad. La cinta en cuestión es La Colina de las Amapolas (Kokuriko-zaka kar, 2011) , una cinta de romance que nos relata la travesía de un par de jóvenes. Por un lado tenemos a Umi, una jovencita que vive con su abuela y sus hermanos en una casa de huéspedes y cuyo padre falleció tiempo atrás en el mar. Por otro lado está Shun, un muchacho que vive en el puerto y que colabora en el periódico escolar.

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 Cuando Umi y Shun se conocen rápidamente da inicio una relación en un principio conflictiva, pero poco a poco se vuelve amistad y (adivinaron) amor al final. No obstante, la tierna historia romántica de ambos se ve nublada por la decisión de los adultos de destruir la adorada casa de los clubes donde Shun trabaja, por lo que deberán unir fuerzas con sus amigos para salvar ese recinto tan importante para todos los estudiantes. Así mismo, una desgarradora revelación pondrá el amor de estos chicos en una situación que podría arruinarlo totalmente.

 Quizá es la única película de Ghibli que no maneja temas de fantasía en ningún sentido, ni en forma de sueño, sin embargo es una de las películas más entrañables de estudio con una historia de amor que es lo suficientemente emotiva para aquellos románticos empedernidos, pero sin caer en el abismo de lo cursi o exagerado. La animación y el diseño de arte son igual de perfectos que todas las cintas anteriores y al terminar la cinta nos podemos dar cuenta del enorme avance que el hijo Miyazaki logró en su segundo trabajo como director.

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 Quizá el punto débil de la cinta es su parecido con otras películas de Ghibli (sí, hablamos de ti, Susurros del Corazón), lo que nos hace pensar que vimos la misma historia en otra versión y por definición terminamos comparándola. Y aunque efectivamente hay muchas similitudes y esta nueva cinta no llega al nivel de la antes mencionada, nadie puede negar que se trata de un producto no de gran, sino de enorme calidad en todo sentido.

 La magia en esta versión además de la maravillosa ambientación de un Japón en épocas pasadas, es el fuerte lazo que crea el espectador con los personajes. Todo está tan bien logrado que uno puede identificarse con ellos, sentirse parte del grupo de alumnos e incluso añorar visitar esa hermosa (aunque muy destartalada) casa de clubes. Pocas cintas logran este lazo con el público y Ghibli era un estudio que definitivamente podía hacerlo. De esta manera nos quedamos con enormes expectativas de lo que Goro puede aportar a la animación y nos mantiene expectantes a las dos películas hechas por Ghibli que faltan por llegar a México, y desde luego, la noticia de que el estudio ha vuelto a abrir sus puertas.

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 Luego de todo este especial de cine de animé, que en mi humilde opinión es arte puro, sólo me resta decirles que si no han visto por lo menos una película que tenga este nombre adornando su portada, se están perdiendo de mucho. Studio Ghibli, una verdadera fábrica de sueños para chicos y grandes, hombres y mujeres, orientales y occidentales.

Especial Ghibli: El Mundo Secreto de Arrietty

En el 2010, el Studio Ghibli nos impactó de nueva cuenta con una gran producción, esta vez tampoco bajo la dirección de Hayao Miyazaki. Basada en la novela de fantasía “Los Incurtores” de Mary Norton, el estudio llevó a cabo la realización de la cinta El Mundo Secreto de Arrietty (Karigurashi no Arietty, 2010) bajo la dirección de, en ese entonces novato, Hiromasa Yonebayashi y cuya labor con esta película le otorgó un lugar importante en el estudio, recientemente terminó su segunda obra, la cual aún no ha llegado a nuestro país.

 La película trata sobre un muchacho enfermizo de nombre Shaw que visita la casa de una tía en el campo con la esperanza de mejorar su salud y prepararse para una operación a la que será sometido pronto. En su estancia, Shaw descubre que la casa es habitada por pequeñas personas que se dedican a tomar prestados varios artículos de los humanos para sobrevivir. Una de ellas es Arrietty, una valiente chica que tras ser vista por Shaw entabla una amistad con él que lo llevará a conocer las maravillas de su mundo, y a ella, le mostrará que algunos humanos son peligrosos, pero algunos son confiables.

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 Hiromasa logró un producto de gran calidad que se convirtió en un gran éxito de taquilla, además del record de ser el director más joven en la historia del estudio. Hayao Miyazaki estuvo muy al pendiente de la producción de la película, de hecho el guion es de su autoría, y permitió que la realización se adaptara al nuevo talento que estaba naciendo.  En esta ocasión la música estuvo a cargo de la compositora francesa Cecile Corbel, cuyo trabajo es verdaderamente memorable al entregar piezas musicales llenas de fantasía y un poco de misterio a la vez. Esta compositora, como dato adicional, se dijo fanática del Studio Ghibli e incluso confesó haberse inspirado en varias películas de Miyazaki y Takahata para las canciones.

 El éxito fue tal que la película logró superar a Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010) en varias regiones y recaudó un aproximado de 110 millones de dólares, representando casi cinco veces el dinero invertido en su creación. No es de extrañar esto, ya que la película es hermosa en todos los sentidos. Desde su animación perfecta hasta sus paisajes tan bien elaborados que nos transportan de un pequeño pero bello jardín oriental desde la perspectiva humana hasta toda una jungla desde la vista de los diminutos.

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 Si aún no han tenido la oportunidad de verla, háganlo. Es una de las cintas de Ghibli más disfrutables en todos los sectores del público y una cinta obligada para los amantes de la magia y las historias donde enaltecen el valor de la amistad. Arrietty, una pequeña gigante del mundo de la animación.

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Especial Ghibli: Ponyo

Regresando a las historias infantiles, Hayao Miyazaki decidió recurrir a un relato que escribió basándose en un serie de leyendas orientales, experiencias vividas en sus últimos viajes y quizá el punto clave, el cuento clásico de Hans Christian Andersen, La Sirenita; sin embargo, he de aclarar que su siguiente película no fue una adaptación de este cuento como erróneamente se pudiera pensar debido a su traducción en nuestro país. Más bien es una historia original basada en diversos elementos a modo de homenaje e incluso, ¿Por qué no decirlo?, de fanfiction.

 El Secreto de la Sirenita, título en México, o su traducción literal, Ponyo en el Acantilado (Gake no ue no Ponyo, 2008) es el nombre de este proyecto. La película es una de las que más distribución ha recibido del Studio Ghibli y es una de las pocas que disfrutó de una temporada en salas de cine mexicanas. Así mismo, la cinta recibió apoyo de distribución de forma más directa por parte de la empresa Disney e incluso ostenta el nombre de John Lasseter como uno de sus productores.

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 La película nos cuenta la historia de Sosuke, un niño que vive solo con su madre en una casa junto al mar, en un acantilado. Su padre es marinero y constantemente está de viaje, por lo que la vida de Sosuke se encuentra dividida en ese sentido. Su rutina cambia cuando encuentra un extraño pez con cara de niña que habla y gusta de los alimentos humanos. Rápidamente se entabla una tierna amistad entre el niño y su nueva mascota, siendo esta bautizada con el nombre de Ponyo. Lo que Sosuke no sabe, es que Ponyo es en realidad hija de Fujimoto, un hombre con poderes mágicos que vive en el mar y que está decidido a evitar que su hija conviva con el mundo de los humanos y se pierda el equilibrio de la naturaleza, dando así inicio a una gran aventura para ambos, sobre todo para Ponyo, quien cada vez se enamora más de los humanos y de hecho, comienza a convertirse en uno.

 La historia es interesante aunque no es tan profunda como otras obras de Miyazaki, de hecho es muy sencilla y más siendo un producto hecho para niños. Sin embargo la película es ampliamente disfrutable, la imaginación de su director desborda en intensas secuencias donde olas convertidas en enormes peces golpean las costas y en otras escenas. El diseño de personajes y el diseño de arte son extraordinarios, así como la música de nueva cuenta compuesta por Joe Hisaishi. Como punto adicional, la canción principal de la película sin duda es de las más pegajosas jamás escuchadas y el que la escuche terminará cantándola el resto del día sin siquiera darse cuenta.

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 Esta producción nos habla de nueva cuenta de la importancia de mantener el medio ambiente, pero además le da un giro a este concepto cuando choca con otra lección: seguir nuestros sueños. Es interesante pensar en la contradicción que implica querer lograr nuestras metas (en este caso de una niña) y que el hacerlo tenga como consecuencia una gran catástrofe que afecta a todo el mundo. Es en este momento cuando nos enteramos que Ponyo es un cuento para niños, pero también tiene lecciones importantes para los adultos. ¿Una historia simple? Claro que si… tal vez… mejor ustedes decidan eso. Los invito a verla y dar su propio juicio, eso sí les aseguro, pasarán un rato muy agradable como con todo lo que Miyazaki ha logrado hasta ahora.

Especial Ghibli: Cuentos de Terramar

Como mencioné en la nota anterior, la realización de la cinta El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) fue causa de muchos conflictos para Hayao Miyazaki, incluida una pelea con su hijo. Y es que por hacer esa película, el maestro tuvo que renunciar a un proyecto que se suponía iba a dirigir pronto, mismo que fue tomado por Goro Miyazaki, el hijo en cuestión. Miyazaki padre vio con malos ojos que un proyecto de tal magnitud le fuera encomendado a alguien que no tenía experiencia en la animación y cuya labor actual era la de dirigir el museo Ghibli en Japón, tenía sus dudas con respecto a esta decisión aunque el involucrado fuera de su misma sangre.

 A pesar de la negativa, sus colaboradores productores le dieron la oportunidad a Goro y fue así como nació la cinta Cuentos de Terramar (Gedo Senki, 2006), basada en el primer volumen de las novelas escritas por la estadounidense Ursula K. Le Guin, misma que ya había negado el proyecto a otros directores (por lo mismo, este proyecto era muy importante). La historia trata sobre la travesía del príncipe Arren, un joven que huye de su hogar tras haber atacado a su padre el rey. En su camino conoce al archimago Gavilán, quien le brinda su apoyo en su camino, y eventualmente a Theru, una joven con quien establece una relación al principio hostil, pero luego de gran amistad. Juntos deben luchar contra el malvado Lord Cob (O Lord Araña, como fue traducido en nuestro país), en un mundo donde la magia y las criaturas legendarias son una realidad, siendo los dragones los más mencionados en la cinta.

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 Con un equipo de producción de primera, una banda sonora grandiosa hecha por Tamiya Terashima en donde se recurre a instrumentos medievales como la ocarina y la gaita, una de las canciones más recordadas y queridas del estudio y un director con nuevas ideas (y con el nombre de Miyazaki como plus), la película prometía mucho, de hecho en su semana de estreno fue la más taquillera, no obstante, su aceptación en otros sentidos no fueron demasiado espectaculares.

 Para empezar, la escritora del libro llegó a comentar que no consideraba que fuera una adaptación fiel a su obra, de hecho y aunque elogió la película y su aspecto gráfico, negó que esa fuera su historia, lo cual denotaba cierto nivel de decepción. Hayao, por su parte, también tuvo sus reservas ante el resultado. Nadie negaba que Goro había hecho una buena película, un proyecto que se notaba hecho con el corazón, con una animación impecable y unos escenarios más que bellos, de hecho están en la lista de los más hermosos de la filmografía del estudio. Sin embargo, todos coincidían en que a pesar de ello, algo había faltado.

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Probablemente se debía a la inexperiencia de Goro, tal vez a que muchas partes del libro fueron cortadas y otras quedaron sin explicarse y confundieron a la audiencia, o tal vez la inevitable comparación del padre al hijo fue causa de enormes expectativas que no quedaron satisfechas. La película no está mal, de hecho es muy buena, tiene unas secuencias de acción fascinantes y debo decir que incluso un toque de horror gótico que ya desearían producciones de alto presupuesto. Es maravilloso ver el estilo anime en una historia que parece llevarse a cabo en Inglaterra. Efectivamente no es una película que tenga todo ese sello encantador de Ghibli, pero tampoco es una que pueda ser descartada.

 Es una cinta muy aceptable, verdaderamente buena y un excelente primer intento para un director novato. Aunque pudiera ser que no había mucha experiencia, se nota que el talento de su padre está ahí presente. Goro Miyazaki se ha convertido actualmente en una de las más grandes esperanzas del Studio Ghibli, y al ver sus dos obras actuales puedo decirles que la empresa de su padre está en muy buenas manos.

Especial Ghibli: El Increible Castillo Vagabundo

Sin duda alguna, la obra más famosa y conocida (aunque no la más premiada) del maestro Hayao Miyazaki es una cuya elaboración tomó muchos años, pasó por las manos de varios directores algunos incluso que no eran de la familia Ghibli—, y que muestra la belleza de la música, el arte y las clases sociales en una mezcla de la modernidad con la edad media. Una obra entrañable que no por nada está entre las favoritas del estudio. Un proyecto muy agotador que incluso indirectamente causó conflictos entre Miyazaki y su hijo Goro (asunto que explicaré en otra nota).

 El Increíble Castillo Vagabundo (Howl no Ugoku Shiro, 2004) está basada en la novela de la escritora inglesa Diana Wynne Jones y nos cuenta la historia de Sophie, una joven bella y dulce, pero con una autoestima y una seguridad deplorables. Sophie trabaja en la tienda de sombreros de su madre y tiene una vida aparentemente simple hasta el día en que conoce a un extraño joven mago en la calle. La aparición de este mago traerá consigo muchos cambios a la vida de Sophie, siendo el mayor de ellos un hechizo arrojado por la bruja Calamidad que convierte a la muchacha en una mujer anciana.

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 El mago en cuestión resulta ser Howl, dueño del castillo vagabundo que le sirve de refugio (portátil) para no ser descubierto por la bruja  Calamidad ni otros adversarios que están detrás de él. Sophie termina viviendo con Howl y sus ayudantes Mark y el demonio Kaisifer, y juntos emprenden una gran aventura con el fin de ayudar a Howl a conseguir eso que tanto le falta: un corazón, y de paso, romper la maldición que pesa sobre Sophie.

 Como podrán ver, es una de las tramas más complejas de la filmografía de este estudio y aunado con la brillante y hermosa música de Joe Hisaishi, más el talento de los animadores Ghibli, los artistas de fondos y la dirección de Hayao, la película es una verdadera joya del anime, la animación y el cine. Tuvo un éxito muy grande siendo una de las películas más fructíferas del estudio, pero no sólo por la genialidad con la cual está elaborada, sino por su contenido.

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 La construcción de personajes es magistral, resaltando a la adorable Sophie y su transformación a lo largo de la cinta de ser una muchacha tímida a una valiente mujer capaz de arriesgarse a todo con tal de proteger a los que ama. En ocasiones incluso nos recuerda al cuento clásico “La Bella y la Bestia”, donde la hermosa joven ve la belleza en un ser que todo mundo considera un monstruo, y es que literalmente, Howl en ocasiones es un monstruo.

 Nos muestra la importancia de cosas como el valor, el amor, la amistad e incluso la piedad. La importancia de apoyar a otros, pero de una forma moderada que no incluya el abandono propio, además de la valía de la gente por su interior dejando de lado la belleza exterior, misma que a veces nos lleva al camino del egoísmo y la vanidad. Es una película brillante que nos ofrece una tierna historia de amor y magia en medio del horror de la guerra por cuestiones banales de ciertos gobiernos.

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 La cinta ganó diversos reconocimientos alrededor del mundo, incluyendo la segunda nominación al Academy Award por la categoría de película animada, y aunque no logró llevarse la estatuilla, es indiscutiblemente una de las cintas más sobresalientes de aquella premiación. Un regalo a los sentidos, un viaje fantástico del cual nadie debe perderse. Los invito a ver la película y dejarse llevar por ese maravilloso y misterioso castillo, ¿A dónde? A donde su imaginación se los permita.

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Especial Ghibli: El Regreso del Gato

Si bien es cierto que el Studio Ghibli no ha llevado a cabo ninguna secuela de alguna de sus producciones (aunque según rumores, si ha habido interés por hacerlo), lo más cercano a una segunda parte que este estudio nos ha brindado es la siguiente película.  Dirigida por otro nuevo talento del estudio, Hiroyuki Morita, El Regreso del Gato, o bien, Haru en el Reino de los Gatos (Neko no ongaeshi, 2002) es mas que una secuela o precuela, un spin off de la cinta Susurros del Corazón (Mimi wo sumaseba, 1995) también de Ghibli.

 Según algunos involucrados, esta película estaba pensada para ser la adaptación de la novela que Shisuku escribe en la película antes mencionada, la cual contaba con un elegante gato como protagonista. No obstante, los conocedores de la historia notarán que esta nueva cinta no tiene mucho que ver con aquel relato de fantasía más que sus personajes. La historia nos cuenta la travesía de Haru, una joven que tras quedar comprometida por accidente con un príncipe gato es transportada a un mundo donde ellos gobiernan y desean convertirla en su nueva princesa.

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 Haru queda atemorizada ante esta situación, ya que a pesar de que le ofrecen una vida de lujos y vacía de conflictos, para un humano resulta prácticamente imposible adaptarse a un mundo de felinos. Por si esto fuera poco, ella misma comienza a convertirse en un gato y dependerá de El Barón, su héroe gatuno, salvarla de ese peculiar destino y llevarla de regreso a su mundo y a su vida normal.

 Si bien no es una cinta tan magistral como otras que ha hecho el estudio, resulta ser un proyecto de gran valor y de gran calidad. Más aún considerando que se trata de una película que fue evolucionando de ser un corto para un parte de atracciones hasta todo un largometraje. Ambas historias no están conectadas y quizá eso es lo único que este servidor habría querido agregarle a la trama, pero fuera de eso, es una cinta muy disfrutable.

QualitŽ: deuxime gŽnŽration.   Titre: Le Royaume Des Chats.

Con un estilo de arte más colorido, casi al pastel, y una animación maravillosa, la película es muy disfrutable sin llegar a volverse legendaria. Quizá el público infantil la encontrará ligeramente mas disfrutable que los adultos, pero eso no significa que nos sea algo que los mayores no puedan gozar. Recomendaría ver primero su predecesora, más para disfrutar de las múltiples referencias que hay a esa otra película, no obstante, la cinta es tan sólida como para ser entendible y vista de forma independiente. Eso sí, no puedes ver una y perderte la otra. Ambas son excelentes películas, ambas dignas hijas de estudio de Hayao Miyazaki e Isao Takahata.

Review: 6 Grandes Héroes

Es curioso que en los dos estrenos cinematográficos principales en nuestro país de esta semana la temática de ambas tenga un elemento en común: los súper héroes. Por un lado tenemos a la tan mencionada y aplaudida Birdman (Birdman, 2014), del director mexicano Alejandro González Iñárritu (cuyas recientes declaraciones en contra de este género causaron cierta polémica en algunos sectores del público). Por el otro lado, tenemos el estreno familiar, y lo que nos compete en esta sección, animado: 6 Grandes Héroes (Big Hero 6, 2014).

 Hiro Hamada es un brillante chico con aptitudes para la robótica que vive en la imaginaria ciudad de San Fransokyo y que, motivado por su hermano Tadashi, aspira a ser aceptado en una prestigiosa universidad de jóvenes con mentes sobresalientes (osea, nerds). Luego de un desafortunado accidente que le cuesta la vida a Tadashi, Hiro descubre que uno de sus inventos ha sido robado por un villano enmascarado de fines nada claros, por lo que decide investigar al respecto. En su camino será ayudado por Baymax, un robot creado por su hermano y cuya única función es la de curar a la gente, además de un grupo de amigos nerds. Es de este modo como da inicio la aventura, y de paso, el nacimiento de un nuevo grupo de justicieros: Los 6 Grandes Héroes.

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 La historia cumple con el fin de entretener, en ratos divertir y en otros conmover, cosa común en las películas de Disney; no obstante, el encanto de esta cinta es que tenemos la querida fórmula del estudio del ratón unido al puro estilo de los súper héroes (Recordemos que Marvel está involucrado en el proyecto). La trama es sencilla y en cierta forma predecible, sin embargo está muy bien lograda. La película divierte a chicos y grandes y el sabor de boca que nos deja al final es verdaderamente placentero. La animación, arte y diseño de personajes es magistral, destacando las tomas panorámicas de esta ciudad ficticia que combina el esplendor de una metrópoli americana con la cultura oriental.

 Así mismo, hay que resaltar a los protagonistas. Hiro resulta ser un personaje muy completo que refleja muy bien los dilemas de la pre adolescencia, además de que no es el típico héroe perfecto y sí un humano con temperamentos variables que en momentos de intenso dolor es capaz incluso de desear el mal a sus enemigos; por supuesto que todo esto sin perder la esencia de su buen corazón. Baymax por otro lado es el robot que todos quisiéramos tener, un personaje amable, adorable, servicial y un amigo incondicional. Resulta maravilloso cómo un personaje sin más rostro que un par de ojos totalmente negros, y cuyo tono de voz no tiene variación alguna por estados de ánimo (es una maquina a fin de cuentas) termine siendo tan entrañable y expresivo.

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 Quizá no sea el gran descubrimiento de Disney, quizá no aporte nada más de lo que ya hemos visto en películas de Marvel o DC Comics, sin embargo la mezcla de estos dos universos resulta interesante y la película dejará satisfechos a los espectadores, sea cual sea su edad. Ampliamente recomendable y garantizado es que pasarán un buen rato viéndola. Personalmente, se ha agregado a mi lista de cintas animadas preferidas.

Lista de Pre Seleccionados al Oscar de Animación 2014

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, misma que lleva a cabo la premiación de los Academy Awards, ha dado a conocer la primera parte de su selección en la categoría de película animada, para competir por la estatuilla de lo mejor del cine animado del 2014. Dicho evento está pensado para llevarse a cabo en febrero del próximo año, y aunque esta no es la lista definitiva de nominados (la cual será mucho más reducida) ya figuran fuertes candidatos en la lista de 20 películas que están siendo consideradas.

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Esta película de aventuras dirigida por Dean DeBlois, se estrenó oficialmente en Estados Unidos en junio de 2014.

A continuación presento la lista de las 20 pre-candidatas para el Oscar 2014:

  • Las Aventuras de Peabody y Sherman
  • Aviones 2: Equipo de Rescate
  • Los Boxtrolls
  • Cheatin
  • Cómo Entrenar a Tu Dragón 2
  • Giovanni’s Island
  • La Gran Aventura LEGO
  • Grandes Héroes
  • Henry & Me
  • The Hero of Color Ciry
  • Jack and the Cuckoo-Clock Heart
  • Legends of Oz: Dorothy´s Return
  • El Libro de la Vida
  • Minuscule – Valley of the Lost Ants
  • Los Pingüinos de Madagascar
  • Rio 2
  • Rocks in my Pocket
  • Song of the Sea
  • The Tale of the Princess Kaguya
  • Tinker Bell: Hadas y Piratas

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    En el doblaje latinoamericano de esta película estrenada en febrero de 2014, se encuentra la voz de Adrián Uribe como Mr. Peabody.

 

 

 Las apuestas ya han comenzado a generarse y aunque es evidente cuales son los favoritos en este momentopara la mayoría, no debemos olvidar que la Academia ha dado varias sorpresas a la hora de entregar los premios. Resulta extraño no ver presencia de Pixar, y más aún, ver un candidato del Studio Ghibli, considerando que la película de Isao Takahata fue registrada el mismo año que Se Levanta el Viento (Kaze Tachikuni, 2013), sin embargo, es de agradecerse que se tomen en cuenta títulos como ese, así como de otras grandes obras como Minuscule.

 La selección oficial se anunciará el 15 de enero del 2015 y será entonces cuando sabremos qué tan reñida será la competencia este año. Que si me permiten externar mi opinión, yo creo que este será uno de los años más competitivos y bien valdrá la pena enterarse de quien se llevará el premio en esta ocasión.

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Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados.

Especial Ghibli: El Viaje de Chihiro

El trabajo de Hayao Miyazaki es famoso a nivel internacional, pero definitivamente una de las obras más emblemáticas de toda su filmografía es aquella que consiguió no sólo una nominación a los Academy Awards en el 2002, sino la codiciada estatuilla, superando así a las otras producciones americanas que fueron nominadas en la categoría de animación de ese año. Se trata de una película que no escatima en producción, y sobre todo, en creatividad. Ha sido llamada por algunos como la Alicia en el País de las Maravillas de oriente gracias a su temática y por el mundo fantástico tan fascinante que nos plantea. La película: El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001)

 La historia se centra en una niña llamada Chihiro, quien junto a sus padres se encuentra mudándose de casa. En el trayecto a su nuevo hogar, la familia se pierde y descubre la entrada a un extraño lugar lleno de puestos de comida. Los padres de Chihiro no pueden resistir el hambre y comienzan a comer sin parar, y es entonces cuando los problemas comienzan. Chihiro queda atrapada, sin saber cómo, en un mundo de dioses y fantasmas donde los humanos no son bienvenidos. Por si esto fuera poco, sus padres se convierten en cerdos y pronto descubre que el lugar está dominado por una malvada bruja de nombre Yubaba. Únicamente Haku, un misterioso muchacho, parece tener deseos de ayudarla a volver a su hogar y recuperar a sus padres, dejando a Chihiro en la incógnita de que hacer, y sobre todo, en quien confiar.

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 La película es sin más, espectacular. La historia podría resultar alarmante y confusa la primera vez que se ve la cinta, pero como casi toda la filmografía de Ghibli, es una película que debe verse varias veces. En términos de arte y animación sigue siendo excelsa, teniendo el plus de que ahora es más evidente el manejo de animación 3D en un mundo 2D. El diseño de personajes es extraordinario, resaltando figuras como el dragón Kohaku y el escalofriante Sin Cara. Además, otro punto que merece ser mencionado es la maravillosa banda sonora de Joe Hisaishi. Puedo decir que esta película es una de las que mejor música tiene en el estudio Ghibli. Este aspecto nos lleva desde momentos de gran tensión, hasta emocionarnos y conmovernos.

 Es resaltable también el mensaje de la cinta donde a pesar de que están muy bien definidos los héroes y los villanos, no existe un solo personaje que sea pura bondad o pura maldad. Todos tienen su lado de luz y de oscuridad, son imperfectos y pueden ser tentados, pero a sí mismo, pueden ayudar a otros. Es una película muy completa en cuando a historia y construcción de personajes. El mensaje final es aparentemente simple pero muy profundo y muy importante: Jamás olvidar quiénes somos.

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 En un agasajo visual lleno de simbología y elementos de la cultura japonesa, El Viaje de Chihiro es una de las magnas obras del estudio y su creador. Una película, ahora si me atrevo a definirla de esta manera, obligada de ver. Y si la primera vez no les convence, denle una segunda oportunidad, les aseguro que en esa segunda ocasión encontrarán más encanto a lo que están viendo. Aunque dudo mucho que sea necesario verla más de una vez para gustar de ella, no por nada, es una de las películas más importantes de Miyazaki, y en general, del animé.

Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

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Review: La Leyenda de las Momias de Guanajuato

He de admitirlo, soy fan de las aventuras de Leo San Juan. Amé La Leyenda de la Nahuala (La Leyenda de la Nahuala, 2007) y me encantó La Leyenda de la Llorona (La Leyenda de la Llorona, 2011) y por lo mismo, cuando supe que se preparaba una tercera parte de esta saga, en esta ocasión haciendo uso de las míticas momias de Guanajuato, sencillamente no podía ocultar mi emoción. Esta ilusión creció conforme fueron apareciendo los posters, y el tráiler de la cinta, y finalmente este fin de semana tuve la oportunidad de ver la tan esperada película.

 En esta ocasión, Leo San Juan y sus amigos llegan a la ciudad de Guanajuato en el año de 1810 (Así es, cuando la independencia estaba formándose, y de hecho por ahí hay una mención a esos eventos) donde conocen a Valentina, una osada niña que se ha propuesto luchar contra las malvadas momias que aterrorizan el lugar, y que aparentemente han secuestrado a la amiga de Leo, Xochitl. Valentina además trata de limpiar el buen nombre de su padre, un jefe de mineros que desapareció el mismo día que las momias atacaron, y no pasa mucho antes de que decida unir fuerzas con los recién llegados para enfrentar esta amenaza.

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 La trama es buena y atractiva. La animación muestra una mejora considerable a sus predecesoras y el diseño de arte está extraordinariamente bien logrado. Las panorámicas de Guanajuato son muy agradables a la vista y los que han tenido la oportunidad de visitar este lugar, en especial de noche, notarán que capta esa esencia casi mágica que sus calles guardan. No obstante, debo decir que de las tres películas esta resulta ser la menos encantadora.

 La cinta no es mala, es bastante disfrutable pero da la impresión de haber sido hecha mas por el compromiso de terminar la franquicia que por el deseo de hacer una nueva aventura de los personajes creados por Ricardo Arnaiz. El trazo de los personajes se ve muy grueso y en una pantalla de cine solo le da una apariencia más de animación de Adobe Flash, aunque esto no lo tomaría como un defecto, sino como el estilo que quisieron dar.

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 A mi parecer, el mayor problema de la película recae en el guión. La historia, como dije, cumple. Es interesante encontrar con una historia que no sólo refleja la amenaza de las fuerzas del más allá, sino la maldad y el egoísmo humano ante un villano capaz de sacrificar todo y a todos por lograr su meta, sin embargo, el problema es que las famosas momias resultan ser una amenaza casi nula. En varias partes de la película se maneja la broma del ataque zombie, y a decir verdad, eso parece. El concepto de las momias (incluido su proceso natural de momificación por los minerales de la tierra) se pierde y nos deja un concepto muy similar a cualquier capítulo de The Walking Dead (The Walking Dead, 2010).

Una de las cosas que me gustó mucho de la segunda película fue el diseño en serio aterrador de la Llorona, el cual causaba horror aún siendo un dibujo animado; en el caso de las momias, que prometían mucho mas terror (aun considerando que es una película para niños… que aceptémoslo, ya aguantan más cosas en las películas que muchos adultos) simplemente no se logra. Los diseños son aceptables, pero pudieron explotarlos mucho más en ese sentido.

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 Otro detalle son los constantes chistes que considero salen sobrando. Menciones a elementos como el facebook, el Wi Fi, los Likes, celulares y otras cosas, que si bien aportan humor a la cinta, se sienten fuera de lugar en una época donde ni siquiera existía la luz eléctrica. En la nahuala, los chistes eran similares pero más centrados a la época, mas creíbles en ese aspecto y aunque suena mal decirlo, más inteligentes. También elementos que jamás nos terminan de explicar como la aparición de un segundo Alebrije, que si bien es un personaje muy simpático, resulta confuso su presencia cuando en la primera película se hablaba claramente que esta especie habita únicamente en el mundo de los muertos (y de hecho hay tres alebrijes en la película). Tan sólo creo que pudieron y debieron explicar el porqué de estos personajes, mas no creo que estén de más en la trama.

 El trabajo de doblaje es bueno aunque insisto en que no se compara con el trabajo ya antes hecho por Andrés Bustamante, Martha Higareda y Germán Robles, siendo la voz de Rafael Inclán la única que respetaron en las tres cintas. El estilo de Ánima es bueno, pero desde la película anterior se notó un cambio de imagen en los personajes mucho más sencillo y lineal. Un cambio que se entiende fue llevado a cabo para facilitar y acelerar el proceso de producción, pero si vemos las momias y la nahuala, descubriremos que el estilo de la primera película es mucho más limpio, artesanal y agradable a la vista.

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 En conclusión, la película podrá gustar al público muy infantil aunque algunos elementos de humor fueron más cuidados para el público adulto. Hay unos cuantos albures ocultos para los que logren captarlos, aunque esto creo que también fue una debilidad en la cinta, ya que una familia se salió de la sala donde me encontraba cuando escucharon el primero de estos “chascarrillos”. ¿Es una mala película? no, pero si es para un público muy definido, quizá un público ya cautivo por las cintas pasadas. ¿Tiene calidad? sí, aunque no tanta como sus predecesoras. ¿Tiene elementos rescatables? muchos. Por desgracia, ¿es tan maravillosa como la primera o al menos la segunda película? temo que no. Aún así, como siempre los invito a verla y juzgar ustedes mismos, al menos un rato agradable en familia podrán lograr al verla.

Especial Ghibli: La Princesa Mononoke

Volviendo a la silla del director, y presentando una de sus obras más memorables y quizá la que contiene el mensaje más ambientalista, Hayao Miyazaki decidió dedicar su siguiente proyecto a una heroína para algunos similar al personaje de Nausicaä (también creación de Miyazaki) y tomando aspectos de obras como el libro de la selva de Kipling, pero dándole un enfoque más espiritual y hasta bélico.

 La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, 1997) está ambientada en la edad medio de Japón, y nos cuenta la historia del príncipe Ashitaka, un joven que luego de enfrentar a un demonio por salvar a su pueblo queda con una lesión que puede acabar con su vida si no la atiende de forma apropiada. En búsqueda de sanación, el príncipe se aventura lejos de su hogar y llega a una ciudad donde el hierro y la industria domina, este lugar es liderado por una ambiciosa mujer que está dispuesta a hacer cualquier cosa por el progreso, incluso destruir el bosque y a los espíritus que lo habitan. Ashitaka es recibido por los pobladores de esta ciudad y no tarda en darse cuenta de los planes de su líder, mismos que son frustrados por una misteriosa muchacha que vive en el bosque y que, se cree, fue criada por los espíritus lobo.

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 De este modo, Ashitaka se ve involucrado en una guerra entre el mundo natural y espiritual contra la ambición de los humanos y su necesidad de dominarlo todo. La historia para algunos es muy parecida (casi idéntica) a la de Nausicaä, como ya mencioné, sin embargo en esta producción se distingue un avance en la animación y un estilo muy distinto. No es que la anterior película tenga una mala realización, sino que aquí se nota un poco más la mano del director, con una elaboración más pulida y con claros homenajes a las películas de Kurosawa, de quien Miyazaki es un gran admirador.

 Esta película es por demás asombrosa, la ambientación es impresionante así como el diseño de las criaturas, desde los simpáticos Kodamas hasta el imponente espíritu del bosque. Tiene un carácter un tanto más maduro e incluso algunas escenas podrían catalogarse en el género de Gore. Aun así, la película es apta para el público de todas las edades. La música corre a cargo de Joe Hisaishi, otro nombre conocido en la filmografía de Ghibli y nos crea una banda sonora que solo se puede catalogar como espiritualmente genial.

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 Se dice que esta película pudo ser víctima de cierta censura y de una edición ajena a lo que el director había deseado, sin embargo, el estudio se negó rotundamente a aceptar esto, por lo que la cinta no fue tocada en ese sentido. También se comenta que fue un proceso complicado y difícil, con largas y pesadas sesiones de dibujo que provocaron que Miyazaki usara vendajes en su mano en la última etapa de producción.

 Se trata de una de las películas más representativas y famosas de Ghibli, una obra con una calidad impecable que aunque no nos muestra el típico final feliz, nos da un desenlace muy apropiado y una historia digna de contarse, y lo más importante, bien elaborada. Un deleite a la vista y el oído que recomiendo totalmente.

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Especial Ghibli: Susurros del Corazón

Es curioso pensar que una de las obras más grandes y mejor aceptadas por el público del Studio Ghibli sea una hecha por un talento diferente al de sus dos fundadores. Sin embargo, a diferencia de la película Puedo Escuchar el Mar (Ocean Waves, 1994), esta si contó con apoyo del maestro Takahata y del maestro Miyazaki, siendo este segundo uno de los principales colaboradores en el guión. Así mismo, es curioso que una de las películas con una trama más realista y cotidiana, sea tan maravillosa al grado de compararse con aquellas fábulas llenas de magia e ilusión a la que esta compañía nos tiene acostumbrados.

 Quizá el título Susurros del Corazón (Whisper of the Heart, 1995) pueda parecer poco o nada atractiva para el público masculino. Sí, un título que nos vende literalmente lo que esto es, una historia de amor. La historia se centra en Shizuku, una adolescente adicta a la lectura y que posee un alma artística y muy creativa, su mundo parece consistir en una fantasía y a pesar de ser de una familia humilde, esta actitud le permite llevar una vida feliz, aunque con algunos problemas habituales con su hermana. Su cuento de hadas diario da un giro inesperado cuando descubre en varios libros de la biblioteca el nombre de Seiji Amasawa.

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 Shizuku decide buscar a este también aficionado de la lectura, quien resulta ser un joven músico que sueña con convertirse en un constructor de violines. Es de este modo como estos artistas forman una linda amistad que eventualmente se convierte en su propia historia romántica. La trama es sencilla pero debo decir que magistralmente lograda. Es una historia de amor que está tan bien llevada al grado de que incluso el público masculino la encontrará encantadora.

 En cuestiones de animación y arte sabemos que Ghibli hace trabajos impecables por lo que en este sector ya no nos sorprende, visualmente la cinta es una joya. Y no sólo por mostrar escenarios fantásticos y mágicos, sino por el detalle de otros lugares más cotidianos. Es extraordinario como puede aportar belleza a sitios como un departamento desordenado, una calle común y corriente y una hermosa tienda de antigüedades.

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 La historia tiene un balance perfecto entre el mundo real y el imaginario y nos muestra el proceso creativo de una obra artística. La cinta no solo habla del amor, sino del crecimiento del ser humano. Nos enseña a esforzarnos siempre y no rendirnos cuando al principio no logremos la perfección. A veces creemos que las cosas serán muy buenas desde el inicio y esta película nos muestra que siempre habrá tropiezos y detalles a mejorar, y aún así, nuestro trabajo puede ser muy bueno.

 Un plus a esta película es la genial música, destacando el tema central Country Roads, Take Me Home de John Denver cantada por Olivia Newton-John. Esta canción estilo country acepta el desafío de entrar en una historia que pudiera no admitirla, pero se apodera del espectador desde el inicio. Así mismo, es una película que contiene una de las escenas más memorables del cine animado, y si, es precisamente cuando Shizuku interpreta esta canción mientras Seiji la acompaña tocando el violín.

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 La película fue dirigida por el genial Yoshifumi Kondo, uno de los mejores pupilos de Miyazaki y que ante esta producción demostrara no solo un gran talento, sino una enorme promesa al mundo del anime. Lamentablemente, Kondo falleció luego de terminar esta cinta, evento que devastó a su maestro y que nos privó de toda la magia animada que pudo habernos dado.

 Es por eso que Susurros del Corazón es literalmente una obra maestra, el enorme aporte de su director al mundo y una pieza única cuyo molde fue destruido luego de su creación. Una de las obras magnas de Ghibli, la cinta por que jamás olvidaremos el nombre de Yoshifumi Kondo y una película que los amantes del cine no deben perderse. Una obra simple, con una historia sencilla, pero con un esplendor que ya quisieran muchas grandes producciones.

 

Jorge Gutiérrez, el nuevo rostro del México animado.

El nombre de Jorge R. Gutiérrez ya es mundialmente conocido luego del estreno de su primer largometraje, El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014). No obstante, este gran artista mexicano pasó algún tiempo en el anonimato aún a pesar de ser el creador de diversos conceptos de gran calidad para la televisión, el cine y el internet. En esta ocasión hablaré brevemente de sus obras más renombradas.

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 El estilo de Gutiérrez es inconfundible, desde el estilo de sus personajes hasta la paleta de colores (en su mayoría cálidos y brillantes) que usa en sus producciones. Pero eso sí, la marca de la cultura mexicana es sin duda el rasgo más fascinante y destacable en el trabajo de este animador en su compañía Mexopolis. Usualmente hace referencia al día de muertos, luchadores enmascarados y corridas de toros. Esta característica la vimos por primera vez en su cortometraje Carmelo (Carmelo, 2000), un trabajo modesto pero muy bien elaborado que nos narra la trágica historia de un niño que sueña con ser torero.

 Este cortometraje está hecho en animación 3D y en cierta forma representa los orígenes del libro de la vida, ya que al igual que este trabajo, los personajes parecen muñecos de madera. Además, la ambientación es muy similar, me atrevería a decir que fue uno de los primeros intentos de hacer la película que hoy en día podemos disfrutar en los cines. La historia de este corto es muy triste, pero a la vez hermosa, ya que encontramos a un pequeño que en su afán de ser como su padre, intenta seguir sus pasos aún a pesar del peligro que corre. Algunos lo verán como una advertencia de lo que no se debe hacer, sin embargo, yo lo veo como una metáfora de seguir nuestros sueños de forma cuidadosa y paciente. Es importante no renunciar a nuestros objetivos, mantenerlos siempre que se pueda, pero considerar que las cosas siempre tienen sus tiempos y sus formas por lo que no debemos querer correr antes de caminar.

 Tenemos también el concepto del Súper Macho, un personaje que Gutiérrez hizo para internet y que marca más a detalle los estándares de su labor. Aquí sale a relucir el gusto de este artista por la lucha libre mexicana, misma que también reflejó cuando trabajaba en la serie ¡Mucha Lucha! (¡Mucha Lucha!, 2004), que no fue de su creación, pero es evidente la influencia que tuvo en ella. Recordemos que además ha trabajado en otras series como Mad (Mad, 2010), donde aunque no se reconocen personajes mexicanos, también su estilo es incomparable con parodias de personajes de Street Fighter y Mario Bros, además de una siniestra pero a la vez encantadora representación de la muerte.

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 Por último pero definitivamente no menos importante, tenemos la serie animada que fuera producida por Nickelodeon, dirigida por Dave Thomas y que sirviera como carta de presentación para su reciente película; El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre: The Adventures of Manny Rivera, 2007). Esta serie disfrutó de gran éxito en Estados Unidos y en México, consiguiendo muy buena aceptación que además la hizo acreedora de promociones como los famosos Tazos de la marca Sabritas.

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 En esta serie, Gutiérrez refleja parte de su infancia representándose en Manny Rivera, un niño con poderes especiales y heredero de una larga dinastía de súper héroes y villanos. Este muchacho es en realidad El Tigre, un personaje que vive bajo la sombra de su padre, el súper héroe White Pantera, y su abuelo, el villano Puma Loco. El Tigre sufre ante la incógnita de no saber qué lado elegir, el bien o el mal. En sus aventuras es acompañado por su mejor amiga, Frida Suárez, una adorable niña con espíritu rebelde. Además, enfrenta a grandes villanos como la malvada Sartana de los Muertos (una versión aterradora de la Catrina).

 Esta serie no sólo planteó un concepto distinto al género de los súper héroes, sino que su estilo visual fue sencillamente impactante para el público de Nickelodeon. Desagraciadamente no se trata de la serie con más seguidores y hasta la fecha no se ha podido desarrollar una nueva temporada de la misma, pero un gran sector de seguidores sigue esperando que algún día eso sea posible.


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 El personaje de Manny Rivera es verdaderamente humano, un chico con buen corazón que desea ayudar a otros, pero que puede sucumbir ante las tentaciones que todo niño tiene. Resulta muy agradable y cómico ver versiones mexicanizadas de los héroes y villanos, que van desde mostachos golpeadores, sombreros robóticos, guitarras mágicas entre otros. Inclusive hay referencias a figuras legendarias como El Santo, los Caballeros Águila y por supuesto, los luchadores enmascarados. Además en el lado de los villanos tenemos referencias a figuras como el fallecido Malverde y el famosísimo guitarrista Carlos Santana.

 Desafortunadamente un sector del público ha tachado esta serie como “racista” y que se burla del mexicano por la imagen estereotipada que le da (sombreros, jorongos y que viajan en burro). Este pensamiento ha alejado a algunas personas, más bien les ha impedido darle una verdadera oportunidad y descubrir lo grandiosa que es la serie. Personalmente yo veo esta representación del mexicano mas como un homenaje que como una burla. Seamos honestos, es la imagen cultural que le damos al mundo así como los orientales dan una imagen de ojos rasgados, los africanos de piel morena, los escoceses usando faldas, etc. Pueden ser estereotipos, pero no es algo que deba tomarse como ofensivo, es casi como decir que nos enojamos porque nos comparan con los aztecas.

 El Tigre es una muy buena serie que además tiene mensajes ocultos; la escuela a la que asisten los personajes es la catedral metropolitana del zócalo, los personajes principales son una clara alusión a Diego Rivera y Frida Kahlo. La ciudad misma donde se desarrolla la historia se llama Miracle City (Ciudad Milagro) y al lado de ella un enorme volcán humea todo el tiempo… exacto, estamos hablando de la Ciudad de México (mismas iniciales) y el volcán Popocatepetl. Ciertamente los gustos son muy variados y no puedo prometer que todo mundo amará la serie, pero si tan sólo pudieran darle una oportunidad y ver un par de capítulos, seguro encontrarán muchas cosas positivas y divertidas.

 Y es así como un gran artista se va abriendo un muy merecido camino en los corazones y en la historia de la animación. Un hombre que junto a su esposa, Sandra Equihua (quien ha sido un gran apoyo en sus proyectos) lleva la imagen y el nombre de México a otro nivel y que estoy seguro que vale la pena no perder de vista ya que estamos ante uno de los más grandes genios de nuestra época.

Review: El libro de la vida

El talentoso artista mexicano, Jorge R. Gutiérrez, ya había captado la atención y el cariño del mundo desde la creación de la popular serie El Tigre, Las Aventuras de Manny Rivera (El Tigre, The Adventures of Manny Rivera, 2007), igual que había trabajado en otras conocidas series de Cartoon Network. Así mismo, el director Guillermo del Toro se ha convertido en alguien que no necesita presentación y cuyo nombre es sinónimo de éxito taquillero y de producciones cinematográficas de gran calidad. Este último ha colaborado como productor y asesor creativo en diversas películas animadas de la empresa Dreamworks Animation, además de apoyar a jóvenes cineastas de diversas nacionalidades a realizar sus proyectos. Era sólo cuestión de tiempo para que estos dos genios del medio unieran fuerzas.

 El proyecto soñado de Gutiérrez, y cuya realización tomó años de esfuerzo y búsqueda de producción, llegó esta semana a las salas de cines y puedo decir –sin temor a equivocarme– que se trata de uno de los proyectos animados más importantes del año. La película se llama El Libro de la Vida (The Book of Life, 2014) y nos cuenta la historia de dos jóvenes: Manolo, un sensible cantante que desde niño ha vivido a la sombra de una legendaria familia de toreros; y Joaquín, un valiente y fuerte soldado querido y admirado por todo el pueblo de San Ángel (lugar donde se desarrolla la historia). Ambos mejores amigos desde la infancia,  ambos enamorados de María, una rebelde y hermosa mujer que debe elegir entre ellos.

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 Esta historia de amor llama la atención de dos dioses del mundo de los muertos: La Catrina, reina de la tierra de los recordados, y Xibalba, soberano de la tierra de los olvidados. Estas dos entidades deciden apostar entre ellos para ver cuál de los dos jóvenes se ganará el corazón de María en lo que parece ser una contienda muy pareja y justa, sin embargo, las cosas se complican cuando Xibalba, al ver cerca su derrota, decide hacer trampa desencadenando una serie de acontecimientos donde Manolo no sólo se jugará su amor, sino su vida misma y la de todos los que lo rodean.

 La película es sencillamente encantadora en todo sentido. Desde la perfecta animación hasta el hermoso diseño de arte en el cual destaca la apariencia de los personajes como muñecos de madera. La música es cautivadora y aunque los números musicales son cortos y sencillos, están muy bien logrados y ayudan a enfatizar diversos momentos de la trama. La película tiene un excelente equilibrio entre una cinta para niños con la suficiente madurez para llegar a los adultos, así como momentos que van desde lo cómico hasta lo dramático.

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 Es muy gratificante ver una película hecha por y para mexicanos que rescata nuestras tradiciones y festejos, en este caso del día de muertos y que tenga el nivel de calidad de las grandes productoras estadounidensas. Los amantes de la serie de El Tigre podrán disfrutar el estilo de Jorge R. Gutiérrez en todo su esplendor e incluso un pequeño cameo de algunos personajes de esa caricatura.

 Independientemente de que gusten o no del cine animado, les sugiero que le den una oportunidad a esta cinta que tanto enaltece nuestra cultura; les puedo asegurar que por lo menos pasarán un buen rato, personalmente yo la considero una película perfecta. Estamos ante una de las mejores películas de animación del año y que seguramente será una digna contendiente en los Academy Awards. El Libro de la Vida, la obra maestra de Gutiérrez, una ofrenda total a la cultura mexicana y por supuesto, un nuevo clásico del día de muertos.

Especial Ghibli: La Guerra de los Mapaches

Si bien tanto Isao Takahata como Hayao Miyazaki han sido colegas desde hace varios años, así como ambos maestros de la creación de historias y de la animación, es cierto que cada uno tiene un estilo único y especial. Takahata es, sobre todo, un artista con una visión un tanto más centrada e incluso realista, misma que plasma en sus películas. Podría decirse que la filmografía de este hombre es en algunos aspectos la más madura del Studio Ghibli, aún así, su tercera película dentro del estudio verdaderamente dejó volar su imaginación y nos llevó a un mundo donde la fantasía y el surrealismo están al tope, pero eso sí, reflejado en un problema global muy real.

 La Guerra de los Mapaches (Pompoko, 1994) es una película muy peculiar, quizá pudiese resultar difícil de entender y disfrutar para ciertos sectores del público, algo confusa debido a la gran cantidad de elementos y estilos que maneja, pero esa misma extrañeza es la que la vuelve una obra maestra. La historia se centra en la tragedia de un grupo de mapaches (O Tanuki) que luchan contra el inmenso problema que el ser humano ha llevado a sus vidas: la expansión del hombre ha ido destruyendo los bosques y espacios naturales, y por consiguiente, elimina el hogar de estos animales. Afortunadamente, ellos no están del todo indefensos, ya que poseen la mágica habilidad de transformarse en todo tipo de objetos y animales (incluso humanos), misma habilidad de la cual hacen uso para combatir esta amenaza a su hábitat.

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 La historia tiene un evidente y muy importante mensaje de concientización que nos demuestra que el progreso es bueno e importante, pero que aunque nuestras intenciones sean positivas es vital darnos cuenta que a veces ese avance nuestro representa un gran daño para nuestro planeta y las criaturas que en el habitan. En ocasiones la película pudiera parecer un fábula infantil, sin embargo la cinta está llena de momentos dramáticos, trágicos, desgarradores y por supuesto, maduros. En la historia vemos la melancolía de la muerte, el horror y el daño que el odio desenfrenado produce. También temas como el crecimiento, la adolescencia e incluso la vida sexual son tratados en esta película.

 Es curioso el hecho de que los tanukis sufren múltiples cambios en su apariencia durante la película; en ocasiones tienen un diseño totalmente realista y como animales que son, pero luego se vuelven antropomorfos y finalmente adoptan apariencias totalmente caricaturescas. Estos cambios son justificados por la habilidad de transformación de los personajes, así como una manera de enfatizar sus estados de ánimo.

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 Visualmente la historia también es una maravilla y la música es simplemente hermosa. La dirección de Takahata la hacen un éxtasis a los sentidos cuando se está viendo, sin embargo, la película seguramente encontrará un sector del público que la amará y otro que podría no gustar de ella. La narrativa a veces se torna algo confusa, sobre todo por momentos en que se mantienen largas conversaciones filosóficas entre personajes que pudieran desorientar e incluso cansar al espectador.

 Así pues, no puedo evitar señalar el principal detalle en la cinta que seguramente nadie pasará por alto y que probablemente incomodará a algunas personas al grado de dejar de ver la película (aunque puede tornarse en un toque muy cómico para otros). Ignoro el motivo por que el director decidió manejar esto, simplemente puedo aventurarme a especular sobre alguna metáfora de los puntos especiales del cuerpo donde guardamos energía (díganse chacras). El punto al cual me refiero es la constante presentación y referencia a los órganos sexuales masculinos presentes en todo momento en los personajes de este género. Y no me refiero sólo a que siempre están visibles, sino que literalmente en varias escenas los testículos son presentados como un punto de poder en los tanukis, inclusive una parte del cuerpo que puede ser usada como arma.

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 A pesar de este punto tan peculiar, considero que la cinta es apta para toda la familia, requiriendo eso sí algunas explicaciones a los espectadores más pequeños. Al final, el sabor de boca es totalmente agradable, terminamos por sentirnos identificados con los tanukis e incluso quererlos. Como punto adicional, y para los seguidores del estudio, existe un pequeño cameo al personaje de Kiki, la brujita (creada por Miyazaki) durante la cinta. Se trata de una película de apariencia infantil pero que resulta una experiencia muy madura, una excelente cinta de animación que les recomiendo ampliamente.

Especial Ghibli: Puedo Escuchar el Mar

Uno pensaría que al ser los grandes fundadores del Studio Ghibli, Hayao Miaaki e Isao Takahata podrían haber tenido la intención de llevar a cabo ellos mismos todas las producciones que la compañía realizara, sin embargo, la visión de ambos iba más allá que sólo expresar sus ideas y sabían que el estudio debía estar abierto no solo a sus propios proyectos, sino a dar la oportunidad a nuevos y jóvenes talentos.

 Fue así como ambos genios permitieron la realización de la que hasta ahora ha sido la única cinta Ghibli hecha para la televisión. En busca de dejar el paso libre a los nuevos animadores, le dejaron la dirección del nuevo proyecto a Tomomi Mochizuki, pero más que eso, tal era la confianza que tenían (o la curiosidad de ver que ocurría) que ambos maestros optaron por mantenerse al margen de la producción en todo sentido. Es hasta ahora la única película del estudio que no ha sido tocada en ningún punto por cualquiera ellos.

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 Puedo Escuchar el Mar (Umi ga Kikoeru, 1993) fue el título de esta cinta, o bien, el título dado en España ya que resulta incierto saber si alguna vez llegó a México. También conocida con el título de Ocean Waves, la película nos cuenta la historia de Rikako Muto, una joven estudiante que es trasladada a otra ciudad en la cual tiene problemas para encajar, a pesar de la gran cantidad de virtudes que posee. La rebelde chica no tarda en llamar la atención de un muchacho llamado Taku Morisaki, quien intentará acercarse a ella con el fin de lograr su amistad, pero consiguiendo más de una situación problemática en el proceso.

 Si bien no es la película más memorable del estudio, ciertamente es una muy buena película. El experimento dio buenos resultados y la película tuvo una nada despreciable aceptación entre el público japonés. Se dice que el rodaje de la misma fue difícil y que incluso el director sufrió problemas de presión ante el reto que se le había impuesto. Aún así el proyecto pudo terminarse a tiempo y resultó ser una orgullosa creación de Ghibli.

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 También es cierto que ha sido una de las películas cuyo paso por el mundo ha sido más modesto y lento, probablemente a la temática no tan atractiva para ciertos sectores. La protagonista en ocasiones pudiera causar conflictos al espectador para simpatizar con ella debido a su carácter a veces demasiado rebelde, pero una vez que se comienzan a ver los créditos finales el sabor de boca tanto del personaje, como de la película en sí, es muy agradable. No es una cinta para todo público, en especial para aquellos que no gustan de las tramas un poco más lentas, sin embargo es ampliamente recomendable y, considerando que fue hecha por principiantes, una obra sumamente bien lograda.

Especial Ghibli: Porco Rosso

Haciendo gala de su amor por el mundo fantástico, pero sobre todo de la aeronáutica, Hayao Miyazaki literalmente dejó volar su creatividad e ingenio en su siguiente película. Esta película pudiera parecer un extraño experimento, incluso la premisa para algunos pudiera parecerse a la trama de una cinta infantil, sin embargo, se trata de una película llena de madurez y elementos maravillosos que sin duda deleitará a los que le den una oportunidad.

 Marco Pagot es el nombre del protagonista de Porco Rosso (Kurenai no Buta, 1992), un famoso y talentoso aviador de la época de oro de los hidroplanos que tras ser víctima de un poderoso hechizo queda convertido en un cerdo. Afortunadamente para él, esta transformación no afecta sus habilidades para volar ni para romper corazones de varias mujeres que lo conocen.  Sus aventuras lo llevarán desde glamorosos hoteles y ciudades italianas hasta emocionantes peleas aéreas con piratas y toda clase de enemigos que harán lo que sea por derrotarlo.

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 Se dice que esta cinta inicialmente iba a ser un cortometraje que sería proyectado en los aviones, sin embargo cuando los realizadores vieron el potencial de la película decidieron convertirla en un largometraje. La animación y el diseño de escenarios es maravillosa, tiene el perfecto equilibrio entre una cinta de acción, drama y comedia. La música, también del gran Joe Hisaishi es un deleite a los oídos, en especial por la adorable canción final.

 La película además nos muestra valores como el amor, el esfuerzo y la capacidad de seguir adelante aún cuando todo parece estar en nuestra contra. El personaje principal es sumamente complejo, ya que pareciera ser el típico sujeto rudo y sarcástico que solo se preocupa por sí mismo, sin embargo, su historia trágica llena de pérdidas al final nos permiten ver en él a un ser humano que ha aprendido a vivir con sus propios problemas y con un gran temor de involucrar a la gente que quiere en ellos.

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 La película tuvo tal éxito que incluso por años se ha rumorado que es la única cinta de Ghibli a la cual se le ha planeado una secuela. De hecho, la última cinta que llegó a nuestro país del maestro Miyazaki, Se Levanta el Viento (Kaze Tachukuni, 2013) fue confundida como esa segunda parte cuando estaba en sus primeras etapas de producción. Con un guión brillante, una ejecución llena de maestría y uno de esos finales que nos dicen tanto y tan poco al mismo tiempo, Porco Rosso es toda una experiencia y una obra maestra del animé y el cine bélico, animado y romántico.

Se Prepara Cinta Animada de Angry Birds

Resulta difícil pensar en alguien que actualmente desconozca el concepto de Angry Birds, uno de los juegos más populares de la época. Si bien sería exagerado decir que todos lo han jugado, existe una gran cantidad de artículos y productos que han tomado la imagen del juego, desde juguetes hasta versiones que parodian a otras películas famosas, la verdad es que el videojuego en cuestión es una opción bastante entretenida e incluso adictiva, que pudiera parecer simple, pero es precisamente esa sencillez lo que la ha hecho tan fácil de entender y de disfrutar. Algunos incluso llegan a olvidar que el juego resalta la aplicación de diversos elementos de la física, y creen que todo consiste en aventar a un montón de aves extrañas para destruir a los curiosos cerdos verdes.

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 Así mismo, la idea de que este juego fuera más allá del universo que lo vio nacer era tan inverosímil e incluso absurda que incluso existe una parodia en internet que jugaba de forma farsica sobre la bizarra idea de llevar a los “pájaros enojados” a la pantalla grande, misma que comparto a continuación:

 Sí, la idea era risible y aún lo sigue siendo. Cualquiera juraría que llevar a cabo una película de Angry Birds era prácticamente imposible, sin embargo, Sony Pictures no lo creyó así (de hecho existe una cinta animada no muy conocida, pero esta vez ya hablamos de un proyecto con mas producción y que sí podremos disfrutar en cine). Si bien el concepto de thriller bélico que manejaba el falso tráiler que he mencionado, la idea de realizar una película con un toque más familiar y usando la técnica de animación nos hace pensar que quizá ese concepto ser posible. Y más que posible, ya que la película de hecho está siendo realizada.

 Recientemente se mostró la primera imagen promocional de la película que tiene contemplado su estreno para el 1 de Julio del 2016. Como podemos ver, el diseño y estilo son prometedores y aunque aúno sabemos qué esperar de la historia que nos contarán, podemos estar tranquilos de que el manejo artístico y técnico serán cumplidores. Por si esto fuera poco, se ha confirmado la actuación de voces de grandes actores como Josh Gad, Danny McBride, Bill Hader e incluso el pequeño gigante, Peter Dinklage.

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Por lo pronto, y aunado a que la cinta será dirigida por Fergal Reilly y Clay Kaytis, no hay más datos relevantes. Tendremos que esperar casi dos años para descubrir si estamos ante un proyecto de gran alcance digno de la franquicia Angry Birds, o de una cinta animada mas del montón.  

Especial Ghibli: Recuerdos del Ayer

Después de su gran éxito y de crear una de las cintas más tristes y fuertes en la historia del animé, el maestro Isao Takahata optó por llevar a cabo un proyecto mucho más amigable y sencillo en cuanto al tema se refiere, no obstante, con una narrativa un tanto más compleja. En esta ocasión, la película elaborada por Studio Ghibli se orientó más a la nostalgia y las vivencias pasadas con la maravillosa cinta Recuerdos del Ayer (Omohide Poro Poro, 1991).

 La historia como tal es sencilla, Taeko es una exitosa mujer que está entrando a la edad de ser una “solterona” y decide pasar sus vacaciones visitando a unos amigos en el campo. En dicho viaje, ella recuerda diversos acontecimientos en su vida cuando iba en cuarto grado. A lo largo de la cinta tenemos una doble narrativa que nos muestra el viaje de Taeko adulta en el campo, aprendiendo de la vida y el trabajo en este difícil pero fascinante medio. Por otro lado, tenemos una serie de flashbacks donde vemos a la pequeña Taeko aprendiendo de la vida durante la escuela, en ese lapso encontramos etapas muy humanas como el primer amor, la aversión a cierto tipo de alimentos, la complicada vida de la hija menor en una tradicional y estricta familia japonesa, los infantiles sueños de estrellato e incluso, la atemorizante revelación de la menstruación para las niñas.

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 Aunque ciertamente la sinopsis pudiera no ser demasiado atractiva, he de decir que esta es una de las cintas más sólidas (en mi humilde opinión) del estudio. Es apta para verse por público de todas las edades, sin embargo son los adultos los que la disfrutarán más. Es imposible ver la película y no terminar con un agradable sentir nostálgico al mirar al pasado y recordar esos momentos tan mágicos y que a veces quisiéramos que volvieran. También la película nos da una lección de la forma en que nuestro pasado puede repercutir en nuestro presente y nuestro futuro.

 Quizá el único punto que no es del todo disfrutable de la película es el diseño de los personajes, los cuales cumplen con creces, pero que tras un intento de Takahata por darles mayor realismo dibujándoles algunas líneas en las mejillas, más bien les da un toque de más viejos. Visualmente no es la película más atractiva en ese sentido, sin embargo el diseño de arte es excelso, destacando los fondos campiranos que no dejan de emocionarnos al vernos.

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 No es una película para verse cuando se busca entretenimiento puro, acción, emociones fuertes y demás. Es una cinta que indaga en nuestro interior y con la cual es muy fácil sentirse identificado, una obra maestra total y absoluta que de hecho cuenta con una de las secuencias finales más hermosas que se pueden recordar en el animé. La cinta es una aventura al pasado, pero también al presente. No llega al punto de sacarnos unas cuantas lágrimas, pero el sentimiento de nostalgia es tan intenso y puro como cuando volvemos a ver a un buen amigo luego de años de ausencia. A mi parecer, una de las mejores cintas de Ghibli y una película ampliamente recomendable, no se la pueden perder.

Presentan Avances de la Nueva Película de Popeye en Marino

Luego de varios años de haberse estrenado en la televisión y ser uno de los pioneros de las series animadas, con un historial que incluyó hasta una cinta en Live Action con el fallecido Robin Williams, el marino más famoso volverá a la gran pantalla con su propia película animada en 3D. La cinta estará a cargo  de Sony Pictures Animation y será dirigida nada menos que por Genndy Tartakovsky, director de la película Hotel Transylvania (Hotel Transylvania, 2012) y creador de series como El Laboratorio de Dexter (Dexter´s Laborator, 1996) y Samurai Jack (Samurai Jack, 2001).

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 Recientemente, la empresa dio a conocer un fragmento de video que muestra el tipo de animación, acción y humor con la que contará la cinta de Popeye. Como se puede apreciar, y aunque no vemos en ningún momento las famosas espinacas, se nota que la animación CGI no afectará el tono “clásico” de dicha caricatura. Los movimientos y estilo se han mantenido y eso demuestra las declaraciones que Tartakovsky dio hace tiempo en el cual se decía admirador de este personaje y que uno de sus grandes sueños era hacer una película de este mismo.

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 Cabe mencionar también que el director reveló que una de sus motivaciones para realizar esta película fue el éxito que tuvo el humor “físico” de su película anterior, el cual divirtió al público de todas las edades y que los conocedores del personaje Popeye sabrán que es un humor muy adecuado para una nueva aventura. Aún no se ha dado una fecha de estreno ni muchos datos respecto al proyecto, pero esta pequeña muestra nos deja un buen sabor de boca. ¿Qué piensan ustedes?

Don Gato vuelve a los cines

Sin duda alguna, uno de los mayores logros en la filmografía animada en México es el tan anhelado proyecto de Ánima Estudio, Don Gato y su Pandilla (Top Cat, 2011), basado en la popular serie hecha por Hannah Barbera en los 60´s. La película gozó de una buena aceptación tanto en crítica como en taquilla, y aunque existen sectores del público que la criticaron fuertemente debido al uso de elementos como robots en un mundo tan clásico al cual nos habíamos acostumbrado, o al guión mismo, cabe destacar que la nostalgia de ver nuevamente a todos esos personajes y guiños a la serie animada fueron suficientes para volver a Don Gato un gran golpe positivo en la industria.

 No es de extrañarse que el éxito de la cinta motivara a los creadores a pensar en una segunda parte misma que ya fue aprobada y se encuentra en proceso de producción. No obstante, no se trata de una secuela sino de una precuela. ¿La premisa? Don Gato y Benito Bodoque se conocerán y vivirán una serie de aventuras que terminará por la creación de la famosa pandilla y el primer encuentro con el oficial Matute. El título de la cinta será “Don Gato: El Inicio de la Pandilla”, y a diferencia de su predecesora esta película estará hecha enteramente en CGI, o animación 3D, como de hecho era el plan original para la primera película.

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 Según Fernando de Fuentes, presidente de Ánima Estudio, este es el proyecto más ambicioso que la empresa ha tenido desde su creación y se dijo muy entusiasmado al respecto. Y no es para menos, ya que no se trata solo de una cinta más en su historial al mercado internacional, sino que tendrán la oportunidad de explorar una etapa de la caricatura jamás antes vista, y siendo honestos, jamás cuestionada siquiera.

 Aún así, se trata de un gran reto para el estudio ya que deberá igualar o superar lo hecho en la primera parte; además, recordemos que trágicamente esta vez no se contará con la participación del gran Jorge Arvizu “El Tata” interpretando a Benito y a Cucho, personajes que hiciera famosos con su trabajo de voz en la serie de antaño. Como tal, Ánima ha aceptado el desafío y se ha comentado que se hará un exhaustivo proceso de audición para esas voces. Por lo pronto no nos queda más que confiar en que el amor de los mexicanos por estos personajes, y el profesionalismo de Ánima, nos traerán una película que cubra las expectativas. Seguiremos al pendiente.

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Especial Ghibli: Kiki, Entregas a Domicilio

Después de que el adorable Totoro hiciera su aparición, Hayao Miyazaki optó por seguir en el camino que había elegido con su anterior producción, el infantil. La siguiente película del estudio y del director en cuestión, es probablemente una de las más débiles en esta filmografía, de hecho es una de las pocas que este escritor ha escuchado decir a algunos un rotundo “no me gustó tanto”. Mencionaba que Totoro no había sido la gran obra de Miyazaki, pero todo indica que el público le tomó más cariño que a esta nueva cinta. Ahora, tampoco digo que sea una mala película y que fue odiada por todos, ya que el Studio Ghibli parece tener ese toque divino del rey midas en el que lo que hace, termina convirtiéndose en cine de culto. Simplemente es una película que no gozó del aprecio de otras producciones.

 Kiki: Entregas a Domicilio (Majo no takkyûbin, 1989) nos cuenta una historia sencilla pero cumplidora acerca de una pequeña brujita que llega a una edad en la que, como se acostumbra, debe emprender un viaje de un año lejos de su hogar para entrenar sus habilidades mágicas. Kiki, la brujita, acompañada de su gato parlante, Jiji, viajan hasta una pintoresca ciudad junto al mar en donde se hacen amigos de un matrimonio de panaderos. Ellos les dan asilo en su hogar y no pasa mucho tiempo hasta que Kiki encuentre un uso a su habilidad de volar en escoba, ser repartidora a domicilio. Durante su estancia en dicha ciudad, Kiki conocerá a varios amigos y vivirá diversas aventuras que la ayudarán no solo a desarrollar sus poderes, sino a fortalecer la confianza que tiene en sí misma.

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 Irónicamente y aunque no sea una de las cintas en las que la gente piensa en primer lugar cuando escucha el nombre de su creador, la película tuvo muy buena recepción en Japón durante su estreno. Así mismo, fue la primera película del estudio que fue distribuida de forma internacional. Y es que aunque no cuenta con una historia tan elaborada como las que acostumbra hacer Miyazaki, resulta ser una película bastante entretenida y disfrutable.

 La animación y el manejo artístico son impecables de igual modo y resulta divertida la similitud que tiene la protagonista con Sheeta, personaje de otra cinta del estudio: Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986). Además, los más observadores descubrirán un muy sutil cameo de la brujita en cinta de Isao Takahata, Pompoko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, 1994) de la cual hablaremos en otra ocasión. Los personajes son carismáticos y en momentos de verdad podemos sentir pena por las situaciones por las que pasan, lo que demuestra un manejo muy adecuado de la cinta en cuanto a inmersión.

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Cabe destacar además la banda sonora, ya que la película tiene una de las canciones más pegajosas en la historia del estudio y del anime, es imposible no querer ponerse a bailar mientras la escuchar. Al final de cuentas, la película no es tampoco la obra máxima de Ghibli y Miyazaki, pero es una película en verdad recomendable y que les aseguro, no se arrepentirán de darle una oportunidad.

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Especial Ghibli: Mi Vecino Totoro

El mismo año en que Isao Takahata hizo llorar al mundo con La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka, 1988), su colega Hayao Miyazaki compensó ese momento de tristeza con la que se convertiría en una de sus obras más icónicas. Se trata de una película orientada al público infantil, cuyo protagonista se volvió tan famoso que no solo se volvió la mascota de Studio Ghibli, sino que incluso tuvo su propio cameo en la cinta americana Toy Story 3 (Toy Story 3, 2010). El título de la película: Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988).

 La historia es aparentemente sencilla, nos cuenta la travesía de dos hermanas que se mudan con su padre al campo, la madre de las niñas sufre una enfermedad que la obliga a estar hospitalizada y lejos de su familia. Ayudados por sus vecinos y en un ambiente de completa paz, la familia parece llevar una vida ordinaria, sin embargo eso cambia cuando hermana mas pequeña descubre a un extraño animal parecido a un conejo enorme que vive en el bosque cerca de su hogar, dicho animal le recuerda a un ogro que aparecía en uno de sus cuentos para niños llamado Totoro, por lo que le da ese nombre a su extraño vecino.

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 No pasa mucho antes de que su hermana mayor se encuentre también con el gran Totoro y es así como una serie de aventuras dan inicio en un mundo donde la naturaleza va de la mano con la magia. Nuevamente y para variar, estamos ante una película llena de elementos imaginativos y en pro del medio ambiente; Totoro resulta ser una especie de guardián del bosque que enseña a las niñas lo importante que es permitir que todo crezca en la naturaleza, y lo hace de una forma divertida. El personaje resulta fascinante y lleno de carisma a pesar de no contar con diálogo alguno, es fácil ver el porqué Miyazaki lo tomó como su emblema.

 Es difícil elegir qué enfoque se le debe dar a la película, ¿las niñas en verdad vivieron una aventura mágica?, ¿o se trata todo de un juego y producto de su imaginación? Sea cual sea la respuesta, es claro otro mensaje que Miyazaki nos pretende dar en esta obra, la infancia es una etapa de la vida realmente hermosa. El conflicto en la historia tiene varios giros que llevan a las niñas desde momentos llenos de ocio con Totoro, hasta ratos donde la preocupación y el miedo de perder a su madre las hacen sufrir demasiado. Es en cierta forma una cinta mística, pero a la vez muy realista y humana.

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 Como he comentado, la película va dirigida al público infantil y eso es notorio en gran parte de la cinta, aún así, el público adulto puede disfrutarla sin problema. Una película que todo amante de Miyazaki debe conocer y si bien dista de ser la obra más grande del estudio, en definitiva es la más representativa y totalmente digna de verse, y si es en familia, mucho mejor.

Especial Ghibli: La Tumba de las Luciernagas

Una de las características en las que he insistido desde las primeras notas con respecto a la animación, es que este arte es un formato, un estilo y no un género que esté limitado únicamente a un sector del público, el infantil. Existen diversas obras animadas cuya crudeza y madurez es envidiable incluso para los más grandes directores y géneros cinematográficos en live action.

 El Studio Ghibli se ha caracterizado por ese toque bonito y mágico que siempre está presente en sus películas, no obstante, la primera cinta dirigida por el maestro Isao Takahata dentro de esta compañía resultó ser una película llena de dolor, muerte, oscuridad y tragedia, que actualmente es considerada una joya de uno de los géneros más fuertes, el bélico.

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 Se trata de la película La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no haka, 1988), una obra maestra basada en la novela autobiográfica de Akiyuki Nosaka que nos cuenta la historia de Seita y Setsuko, dos hermanos que al quedar huérfanos en medio de una cruenta guerra que azota japón, deberán luchar por sobrevivir en ese mundo de fuego y sangre.

 Al principio, ambos niños no tienen mayores problemas para salir adelante, pero conforme la guerra avanza y la crisis en su país se hace más fuerte, la vida de ambos comienza a tornarse mucho más difícil, obligándolos a recurrir a extremos como el robo y literalmente, vivir en un refugio anti bombas abandonado.

 Es quizá el único filme de Ghibli con un final y una trama totalmente gris y melancólica, es una película en cierto modo incómoda de ver por la gran cantidad de depresión que llega a causar, pero a la vez, resulta un éxtasis poder verla. Como digna cinta del estudio, el aspecto artístico y técnico es impecable, pero es la historia lo que más llama la atención. Sí, hay escenas sangrientas, hay cosas horribles a cuadro como cadáveres y casas en llamas, pero resulta fascinante como el principal monstruo dentro de la historia resulta ser la indiferencia y el egoísmo que el ser humano es capaz de demostrar a sus semejantes.

 Aún así, no se trata de una crítica a la maldad de la gente. Todos los personajes son tan humanos como los que fungimos como público y sólo buscan su bienestar en un país que se ha ido al demonio. Ese miedo y necesidad de lograr el bienestar de los suyos es lo que los aleja de la idea de poder ayudar a los necesitados aunque estos sean niños. Esa ideología de que perderemos todo si damos un poquito a alguien más, está magistralmente reflejada en esta película.

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 Se trata de una obra de una calidad impactante, ha sido incluso comparada con otras maravillas del cine bélico como La Lista de Schindler (Schindler´s List, 1993) y El Pianista (The Pianist, 2002). Definitivamente no apta para menores de 12 años y una película de culto puro donde desde el primer minuto se nos da a entender a lo que nos enfrentamos con una sencilla frase: “Ese fue el día cuando yo morí”.

Especial Ghibli: Un Castillo en el Cielo

Tras el éxito de su primer largometraje como estudio, no pasó mucho antes de que Hayao Miyazaki se pusiera en marcha de nuevo y nos trajera su nueva creación, la cual es una de las primeras películas de este director que trascendió de forma más amplia alrededor del mundo. La cinta Un Castillo en el Cielo (Tenkū no Shiro Rapyuta, 1986) es considerada por muchos como la verdadera primera película de Studio Ghibli, ya que la creación de Nausicaä fue la prueba final para establecerse como una compañía formal. Aún así, en la gran mayoría de las opiniones, esta película es el segundo trabajo oficial.

 La historia nos cuenta las aventuras de Sheeta y Pazu, dos niños huérfanos cuyos caminos se enlazan cuando Sheeta es perseguida por un grupo de piratas y miembros del ejército por una razón que ella desconoce. Pazu se ofrece gustoso a ayudarla y de ese modo queda envuelto en una peligrosa travesía que pondrá en peligro su vida pero a la vez lo acercará a cumplir el gran sueño de su difunto padre, encontrar la legendaria isla flotante, Laputa.

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 En su camino descubrirán grandes maravillas de una civilización ya extinta y tendrán que descubrir el misterio que liga a Sheeta con dicha isla. Por desgracia para ellos, no sólo los piratas están detrás del gran tesoro, sino que además se enfrentarán al ambicioso Muska, un poderoso agente gubernamental que hará todo por apoderarse del poder de Laputa y reinar la tierra con ese inimaginable poder.

 El primer dato curioso de la película, como ya habrán notado, es el nombre de la isla en cuestión. Debido a que “Laputa” tiene un sonido algo irreverente en el idioma español, algunas versiones de doblaje decidieron cambiarla por “Lapuntu”, aunque actualmente es más fácil encontrar la versión con el nombre original. La animación y diseño de arte es impecable en todos los sentidos y se trata de uno de los trabajos más familiares del señor Miyazaki al contar una historia para niños con el suficiente potencial y emoción para que los adultos la amen.

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 Los personajes son muy carismáticos y resulta esplendido como la película toma giros desde muy cómicos hasta otros muy dramáticos y hasta tensos. Al final, la película también tiene un mensaje ambientalista en el cual la verdadera maldad recae en los humanos y su deseo inacabable de poder. La banda sonora también corre a cargo de Joe Hisaishi y es por demás, hermosa. Personalmente es una de mis cintas preferidas de este estudio y es una película que nadie debe perderse. Recomendable totalmente y si la pueden ver en familia mucho mejor. Curiosamente y a pesar de su trama donde la fantasía es vital, se trata de una de las cintas más centradas de Miyazaki, no se tienen escenas surrealistas ni tantas metáforas, así que es una cinta muy sobria y fácil de entender para todos.

 Una historia emocionante y conmovedora, villanos en verdad temibles, déjense llevar por esta gran aventura y descubran el fascinante mundo de Laputa, El Castillo en el Cielo.

Especial Ghibli: Nausicaä del Valle del Viento

nauCLuego de una gran cantidad de tiempo y esfuerzo requerido, el Studio Ghibli era una realidad. Hayao Miyazaki a Isao Takahata, en unión con quien se convertiría en el “tercer mosquetero” de este gran equipo, el productor Toshio Suzuki, por fin habían logrado el gran sueño y ahora con el nombre de una empresa formal y propia que los respaldara y les permitiera llevar a cabo sus proyectos tal y como ellos los querían, vino la primera gran obra oficial.

 Basada en un manga escrito e ilustrado por el propio Miyazaki, quien también fungió como el primero en dirigir una película Ghibli, la animación nipona vio nacer la cinta Nausicaä del Valle del Viento (Kaze no Tani no Naushika, 1984), erróneamente traducida en México como “Nausicaä: Guerreros del Viento”. Esta película es por mucho una de las obras maestras en la historia del animé y del cine post apocalíptico.

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 La historia nos cuenta las aventuras de la princesa Nausicaä, hija del soberano del pacifico valle del viento. Es una época dura en la que los hombres han destruido gran parte del planeta dejando pocas zonas habitables para la humanidad. Los lagos se han tornado ácidos y gigantescos insectos merodean por todos lados, siendo los Ohmus los más característicos. A pesar de la vida tan dura que llevan, Nausicaä es la encarnación de la alegría y el optimismo y es una princesa amada por todo su pueblo que no teme ensuciarse las manos en el trabajo ni arriesgar su vida por salvar a un necesitado.

 La paz que cubre todo el valle llega a su fin cuando una extraña nave se estrella en las cercanías, dicha nave proviene del reino de Pejite y transporta a la princesa Lastelle (princesa de este reino), quien muere a pesar de los intentos de Nausicaä por protegerla. Antes de morir, la princesa le dice a Nausicaä que por favor se aseguro de que la carga de la nave ha sido destruida, cosa que parece ser así considerando que toda la nave ha quedado arruinada. No obstante, pronto descubren que la carga de la que hablan no es otra cosa que un enorme huevo portador de un monstruo ancestral tan perverso y peligroso que solo un demente desearía liberar. Esta persona demente resulta ser Lady Kushana, una invasora que al perder su nave decide establecerse en el valle del viento y tomar posesión de él.

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 De esa manera, Nausicaä debe buscar la manera de proteger a su gente, evitar que Kushana despierte a la bestia y de paso, restablecer el orden y el equilibrio entre los humanos y el mundo que los rodea. En su travesía será ayudada por el fiel Mito, el maestro Yuppa y el príncipe Asbel (hermano de Lastelle). Juntos se enfrentaran a grandes peligros y descubrirán que a veces los verdaderos monstruos no son los enormes bichos que los amenazan, sino la crueldad de la raza humana y el horror de la guerra.

 El mensaje en pro del medio ambiente y de la paz es muy valioso, el manejo artístico es impecable y marcó el inicio de un estándar de calidad que raya en la perfección y que ha caracterizado al estudio hasta la fecha. La banda sonora compuesta por Joe Hisaishi es hermosa y espectacular y la historia es lo suficientemente emocionante y emotiva para cautivar al público de todas las edades. Una joya de la animación y la cinematografía, un clásico que nadie puede perderse y, debo decirlo, una protagonista tan fuerte y carismática, como femenina al mismo tiempo, por quien es imposible no sentir simpatía. Una princesa que supera incluso el concepto Disney y que también dejó muy en claro la ideología de Miyazaki sobre la independencia y fuerza de la mujer en un mundo de hombres y monstruos.

Especial Ghibli (Orígenes): Goshu el Violonchelista

Finalmente hemos llegado a la última parte de los orígenes del Studio Ghibli, una cinta no muy conocida que para muchos no consiste en un trabajo maestro, sin embargo, a pesar de que es una película de carácter sumamente pasivo, resulta ser una película muy bien lograda y perfecta para aquellos que gustan de pasar un momento de relajación y la música clásica.

 La cinta en cuestión es Goshu: El Violonchelista (Sero Hiki no Goshu, 1982), y trata una sencilla pero entretenida historia acerca de un joven violonchelista profesional que toca en una pequeña orquesta. Luego de que el director comienza a criticar el trabajo de Goshu, este entra en conflicto al no entender porque parece haber perdido su talento musical. Mientras practica en su pequeña cabaña en el campo, Goshu recibe la visita de un extraño grupo de animales parlantes conformados por un gato, un cuckoo, un pequeño mapache y una madre ratona y su hijo. Cada uno de ellos visita a Goshu en una noche distinta para pedirle que no se rinda y que siga tocando.

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 En un principio, Goshu se siente molesto y frustrado por tener a esos intrusos en su hogar, no obstante, con cada animal que lo visita, descubre no solo trucos para mejorar su calidad musical, sino que aprende la importancia que su música (aparentemente insignificante) tiene en la vida de dichos animales.  La película tiene un mensaje de superación muy hermoso, y aunque no estamos precisamente ante una película emotiva, la lección de no menospreciar a los demás (y a nosotros mismos) es sencillamente maravillosa.

 La animación tiene toda la pinta de una película de antaño en cuanto a animación se refiere, pero no por eso se trata de un trabajo con mala calidad, sino todo lo contrario. Quizá el único punto a mejorar de la película es su ritmo que en ocasiones resulta un tanto lento, pero puede ser muy disfrutable si al verla nos tomamos el trabajo y el tiempo de analizar la situación. La historia es similar al clásico Cuento de Navidad de Charles Dickens, tal vez, pero aquí se tiene el giro de que el protagonista debe cambiar no su actitud al mundo, sino a su propio ser.

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 Si tienen la oportunidad de ver la cinta descubrirán que el director Isao Takahata tiene una gran capacidad para contar historias de distintos tipos. Con estos proyectos realizados, y otros cuantos más, ambos animadores japoneses al fin estuvieron listos para fundar su propio estudio, el sueño que tanto habían anhelado. Y es de esta manera como se construyeron los cimientos de esa fábrica de sueños llamada Studio Ghibli, la próxima ocasión comenzaremos a indagar en sus películas oficiales.

Especial Ghibli (Origenes): El Castillo de Cagliostro

Continuando con las travesías del apenas naciente Studio Ghibli por la pantalla chica, y tras la realización de varias series de aceptable éxito, los dos amigos animadores sin saberlo estaban llegando a la culminación de sus sueños justo cuando se encontraban trabajando en la serie Lupin III (Rumpan Sansei, 1967), esta serie es quizá el mayor logro televisivo de estos dos artistas nipones, ya que se trata de un concepto que fue muy bien recibido por el público, contó con más de 200 capítulos realizados, películas animadas, live action, musicales, videojuegos y hasta obras de teatro.

 La historia se centraba en las aventuras de Arsene Lupin III, creado por el novelista Maurice Leblanc, uno de los más grandes y carismáticos ladrones jamás conocidos, quien con la ayuda de su inseparable colega, Daisuke Jigen, llevaban a cabo todo tipo de misiones peligrosas y emocionantes, siempre huyendo del alcance del valiente y noble, pero algo torpe, inspector Koichi Zenigata. Se trata de un concepto que contaba con historias entretenidas, secuencias de acción que incluso asombraron al mismísimo Steven Spielberg y unos personajes con quienes era prácticamente imposible no simpatizar.

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 Hablar demasiado a fondo de esta serie tomaría mucho tiempo, por lo que me limitaré a hablar de la segunda película (la más representativa) basada en esta serie. Se trata no sólo de la aventura más conocida de Lupin III, sino el debut oficial como director de largometrajes de Hayao Miyazaki. La película en cuestión fue nombrada El Castillo de Cagliostro (Rupan sansei Kariosutoro no shiro, 1979).

 En esta cinta, Lupin y Jigen comienzan a notar que sus últimos robos se han visto afectados por un misterioso falsificador que ha estado cambiando el botín por copias de dinero. En un intento de resolver esta situación, deciden ir al ficticio ducado de Cagliostro, en donde suponen se encuentra el falsificador. En su camino se cruzan con una hermosa joven que huye de un grupo de sicarios, poco a poco los protagonistas descubrirán que esta jovencita es en realidad heredera de una importante familia que está siendo obligada por el perverso Conde Cagliostro para casarse con ella. Lupin siente que algo en esa chica le resulta familiar y es así como decide ayudarla, pero dicha aventura no le resultará nada fácil considerando la intromisión de la interpool, el inspector Zenigata (su eterno rival) y los siniestros planes del Conde, quien resulta ser un villano en verdad despiadado.

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 A pesar de su estilo clásico, la película tiene una animación que raya en la perfección, un diseño de arte extraordinario, un guión sólido que aunque en momentos peca de ser demasiado estrafalario y hasta absurdo (característica de Miyazaki), una historia emocionante y conmovedora e incluso un nivel de suspenso que muchos thrillers para adultos desearían. Es una película que no sólo marcó la llegada a los cines del gran Miyazaki, sino que fue un parteaguas para muchas cintas de este género. Una joya de la animación y la cinematografía que nadie puede darse el gusto de perderse. Denle una oportunidad y verán cómo este ladrón terminará robando su atención, y eventualmente, su corazón.

Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

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 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

Se revela nuevo proyecto de Ánima Estudios en 3D

 Ánima Estudios es quizá el estudio de animación mexicano más famoso hasta la fecha, con diversos proyectos para cine y televisión en su haber y convenios con importantes empresas de entretenimiento y publicidad la han mantenido como una de las compañías más importantes en la industria, no sólo de animación, sino quizás del cine en general. Próximamente podremos disfrutar de la tercera entrega de las aventuras de Leo San Juan (creación de Ricardo Arnaiz) en la cinta “La Leyenda de las Momias”, pero los planes del estudio para el futuro ya están más que preparados.

 Recientemente José Carlos García de Letona, Vicepresidente del estudio, dio a conocer que el próximo proyecto de la empresa llevará por título “Campeones de Oz” y que será un ambicioso proyecto hecho nada menos que en formato 3D. Cabe mencionar que aunque Ánima ha usado esta técnica para algunos elementos de sus cintas, como los fondos, esta será la primera película hecha totalmente con este medio. Dijo sentirse orgulloso de los resultados hasta ahora y del gran esfuerzo que sus colaboradores han puesto para desarrollar esta película, cuyo reto técnico y artístico fue verdaderamente grande.

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 No dio detalles de la trama de la película, sin embargo, comentó que la idea original y el diseño de los personajes estuvieron a cargo de otro grande de la animación: Jorge R. Gutiérrez. Para los que aún no identifiquen a este artista, se trata del director de la exitosa serie “El Tigre: Las Aventuras de Manny Rivera” y de la película próxima a estrenarse “El Libro de la Vida” que constará de un romance basado en el día de muertos y que está respaldado por la producción de Guillermo del Toro.

 El proyecto lleva aproximadamente 38 meses de producción y finalmente está entrando a la etapa de post producción. Será dirigida por Alberto Mar, responsable del gran logro de Ánima Estudios, la película de Don Gato y se comenta que la película tuvo cierta participación extranjera aunque el equipo de trabajo fue en su mayoría mexicano. Seguiremos al pendiente sobre este tema y esperaremos que la mente de Jorge Gutiérrez y el trabajo de Ánima nos traigan una película digna de recordar y enorgullecer más a la industria mexicana.

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Especial Ghibli (Origenes): Series de Televisión

 Aunque el Studio Ghibli aún no ha presentado una producción oficial para la televisión como tal, más que el proyecto titulado Sansoku no Musume Ronja (dirigido por Goro Miyazaki), la verdad es que los orígenes de la compañía fueron muy de la mano con la pantalla chica. Series que hoy en día se consideran legendarias y clásicos llenos de nostalgia, las famosas “caricaturas bonitas” de antes, varias de ellas son prueba del enorme ingenio de estos artistas. De hecho, algunas personas se han interesado por este estudio con sólo recordar esos títulos que marcaron su infancia.

 Fueron diversas las series que llevaron a cabo, algunas como Ana de las Tejas Verdes (Akage no An, 1979), Chie la Gamberra (Jarinko Chie, 1981) y Sherlock Hound (Meitantei Hoomuzu, 1984), que quizá en México no sean demasiado conocidas. También tenemos otras series mucho más representativas como Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978), de la cual hablaremos en la siguiente sección, y también la exitosa Lupin III (Rupan Sansei, 1971), que también dejaremos para otra ocasión.

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 Como podrán apreciar, hablar de cada una de estas series nos llevaría mucho tiempo y muchas notas, por lo mismo, en esta ocasión hablaré de las dos series que mas destacaron del dúo Takahata/Miyazaki, tanto así que en México ganaron un público sólido y amante de su dulzura. Series que imagino todos conocemos aunque sea de oído. Basadas en famosas historias infantiles, estas series mantuvieron su target infantil, aunque con un toque ligeramente más maduro.

 La primera serie es la famosa Heidi (Arupusu no Shojo Haiji, 1974), basada en la obra de Johanna Spyri y que nos cuenta las aventuras de una pequeña niña que vive en los Alpes suizos en compañía de su abuelo, un anciano reservado y enérgico con la gente, pero que guarda un amor y una dedicación ejemplar para con su nieta. La niña también cuenta con la amistad de Pedro el pastor, el único ser humano que parece tener una buena relación con el abuelo y con quien pasa momentos increíbles ante la belleza de las montañas. La vida perfecta de Heidi se ve afectada cuando su tía Dette la lleva por la fuerza a la ciudad Frankfurt, donde se convierte en la mejor y única amiga de Clara, una niña inválida que vive a la sombra de la soledad y el estricto dominio de la señora Rottenmeyer, su institutriz.

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 Es poco lo que puedo hablar de esta serie y que nadie sepa, se trata de una historia conmovedora en todo sentido. Constó de 52 episodios y es una de las caricaturas más famosas en la televisión mexicana de antaño. Con una animación magnifica (y mas para la época), un diseño de fondos y arte espectacular, obra del mismo Hayao Miyazaki y una gran dirección por parte de Isao Takahata, no es de extrañar que esta caricatura sea tan querida por casi todos los que la han visto.

 Cabe mencionar que la serie está llena de buenos mensajes y valores como la importancia de preservar la magia y la inocencia infantil, mantener la esperanza siempre aunque todo parezca en nuestra contra, la amistad, el amor familiar, el no juzgar a una persona sin conocerla antes, y por supuesto, lo maravilloso que puede ser alejarnos de aquello a lo que estamos acostumbrados y probar de repente cosas nuevas.

 Sin embargo también hay puntos que para algunos pudieran no ser perfectos, como el hecho de que el personaje principal es una niña adorable y de un corazón noble y agradecido a más no poder, pero a la vez acostumbrada a hacer lo que quiere siempre y cuando esa libertad se ve limitada, termina volviéndose una víctima de los “malvados” adultos que tratan de imponer cierta disciplina. En el mundo de los niños es una visión sin pecados, pero algunos adultos quizá piensen que lo mejor es que los niños vayan aprendiendo la importancia del deber desde que son pequeños.

 La segunda serie es una que no tuvo tanto impacto en México, pero eso no significa que no tuvo un muy merecido éxito. Muy similar a Heidi y basada en el libro “Corazón, EL Diario De un Niño” de Edmundo de Amicis, llegó Marco: De los Apeninos a los Andes (Haha wo Tazunete Sanzenri, 1976), también dirigida por Isao Tkahata  y que nos cuenta la historia de Marco Rossi, un niño que se ve separado de su madre cuando esta debe viajar a la Argentina en busca de empleo para ayudar a su esposo, un médico bondadoso pero pobre. Por un tiempo, Marco y su familia viven normalmente en la ciudad de Génova, Italia, hasta que el pequeño nota que las cartas de mamá tardan más en llegar y una serie de pensamientos, sueños y eventos le hacen creer que ella está en problemas y necesita de él. De ese modo, Marco emprende una gran aventura hacia el continente Americano en busca de su madre, descubriendo en el camino desde amigos maravillosos como Peppino y su Tropa, hasta obstáculos demasiado fuertes para un niño, y que sin embargo, debe afrontar solo.

 Esta serie ha sido comparada e incluso confundida con otra caricatura, Remi, el Niño de Nadie (le Nakki Ko, 1977), por la trama similar y la crudeza de algunos aspectos de la serie; pero no nos equivoquemos, que son dos caricaturas distintas. La serie es igual de conmovedora y bien hecha, con una animación y manejo artístico de primera, lecciones de vida que abarcan la amistad, el valor, la determinación y el porqué los humanos debemos apoyarnos entre nosotros. También muestra aspectos muy fuertes y negativos de la sociedad, gente capaz de robar a un niño indefenso y solo, o dejarlo a su suerte cuando este llega a pedir auxilio. Es una serie que nos muestra las dos caras de la moneda, la buena y la mala, ante la sociedad y en más de una ocasión nos hará reflexionar sobre nuestros actos.

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 Las dos son caricaturas brillantes y hermosas que todos deberíamos ver por lo menos una vez. Claro que es casi imposible que hoy tengan el impacto que tuvieron y que para algunos resulten series demasiado infantiles y hasta bobas en distintos aspectos. Pero recordemos que son caricaturas hechas para niños y contadas desde la perspectiva de los pequeños.  Un rato para imaginar, historias llenas de valentía y problemas adultos que al final son superadas por la mente y alma de los más chicos, y aparentemente, los más vulnerables. Luego de verlas podríamos preguntarnos si el mundo no sería un mejor lugar si esos niños internos que todos tenemos jamás desaparecieran.

Se prepara película de Betty Boop

 Sony Pictures tiene un nuevo proyecto en puerta, se trata del regreso de uno de los personajes más emblemáticos en la historia de la animación, nada menos que la sensual Betty Boop.  Según informes, el director Simon Cowel  ha propuesto el proyecto de una película de este personaje, el cual está cerca de ser aprobado. Aunque no hay ningún equipo de actores, guionistas, animadores ni prácticamente de nada, el director se mostró muy entusiasmado y seguro de que esta cinta podrá ser una realidad en un futuro cercano.

 Para los que no sepan mucho de este personaje, Betty Boop es una adorable muchacha cuyo debut fue en la serie Talkartoon en 1926, producción de Max Fleischer. Su creador, Grim Natwick, fue un talentoso animador que trabajara con Walt Disney y quien, según dicen, se basó en la actriz Helen Kane para el diseño de Betty. El personaje tuvo un gran impacto y éxito tanto en televisión como en cine, pero a su vez desató una gran polémica debido a su diseño que por muchos fue considerado incluso como símbolo sexual.

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 El personaje fue recurrido en diversos cortos animados e incluso tuvo un cameo en la popular cinta de Robert Zemeckis, ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?, 1988) y eventualmente fue usada como imagen de muchos productos, accesorios y ropa, de hecho actualmente en México se puede adquirir una colección de figuras del personaje en los puestos de revistas, que consta de varias pequeñas estatuas del personaje vistiendo diversos atuendos (cualquier parecido con Barbie es mera coincidencia).

 Es en definitiva un personaje con una fama casi equiparable a Mickey Mouse o Bugs Bunny y eso nos hace pensar que era sólo cuestión de tiempo antes de que alguien decidiera hacer una película, o reinventar una serie animada, sobre ella.

 Por el momento no hay muchos datos al respecto, no se tiene una posible trama y como mencioné, aún no se cuenta con un equipo definido para la elaboración de la película. No obstante, la emoción del director por el personaje nos hace pensar que el proyecto está en buenas manos y que seguramente se llevará a cabo una película de calidad.

 La única pregunta aquí será la clasificación que pretendan darle a la cinta, ya que se trata de un personaje recurrente a la cultura infantil, pero también que puede prestarse a un tipo de historia más orientada a adolescentes y adultos. Seguiremos al pendiente con respecto a este proyecto que ha captado nuestra atención.

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Especial Ghibli (Orígenes): Las Aventuras de Panda y sus Amigos

Luego del despido de Isao Takahata de Toei Doga, él y su pupilo Hayao Miyazaki decidieron seguir orientando sus talentos a la creación de películas y series animadas. La siguiente creación de este par fue definitivamente la película más infantil e incluso ingenua de su haber. Se trata de dos cortometrajes que unidos forman una cinta de amistad y fantasía, Las Aventuras de Panda y sus Amigos (Panda Kopanda, 1972).

 Este fue de los primeros esfuerzos de Miyazaki como escritor y guionista, y de inmediato mostró su amor por las historias orientadas a los niños. Con un relato creado por él mismo y la dirección de Takahata, la cinta se llevó a cabo sin mayores complicaciones y con un éxito aceptable. Es una película muy simple tanto en diseño como en historia y con el único propósito de entretener a los más pequeños. Para algunos, esta película pudiera parecer la más floja del estudio (que aún no existía), sin embargo y a pesar de su aire demasiado ingenuo, también es considerada por muchos como una obra de culto.

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 La historia sigue las aventuras de Mimiko, una alegre e independiente niña que tras quedarse sola en casa es visitada por un pequeño Panda y su padre, con quienes forja una relación de amistad y un trato un tanto inusual, aunque en cierta manera, conmovedor. Mimiko es una niña que no tiene padres, por lo que Papá Panda decide ser su padre a la vez que ella se vuelva la mamá (¿y hermana?) adoptiva del hijo Pandita. De ese modo y como una familia feliz, pasan toda clase de aventuras con los habitantes de la villa, el personal del zoológico y el circo, siendo este el hogar de otro de sus amigos, un juguetón tigrito.

 La película va directo al punto y no se mete en demasiados detalles, por ejemplo, jamás es explicado como alguien puede dejar sola a una niña de menos de 10 años de edad. Sin embargo es una situación entendible considerando que es un planteamiento totalmente fantástico e incluso de fábula. Vamos, todos llegamos a disfrutar de cuentos que no tenían mucho sentido cuando éramos niños, y como he dicho desde el principio, esta película va dirigida totalmente a ellos.

 Lamento decir que a diferencia de las otras cintas infantiles de Ghibli, esta sí podría tornarse en un padecimiento al público adulto. La trama es completamente sencilla e inocente, los chistes infantiles y absurdos están en todo momento, hay elementos simpáticos pero algo cursis en la cinta. Por ejemplo: cuando el Pandita y el Tigrito se conocen hay toda una conversación entre ellos que consta de frases tales como “Soy un Pandita”, “Soy un Tigrito”, “¡Qué bien, que bien, un pandita!”, “¡Que bien, que bien, un lindo tigrito para ser nuestro amigo!”. Creo que con este ejemplo ya pueden darse una idea del tono de la cinta.

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 A pesar de eso, la cinta es bastante entretenida. Si son capaces de apagar su mente por un rato y volver a la infancia (pero en serio volver a ella) la pasarán muy bien. La animación y el arte son simples, pero con un estándar de calidad dentro de esa sencillez muy buena. Todo es visualmente agradable y los amantes del Studio Ghibli encontrarán en la cinta diversos elementos que surgieron ahí y que reconocerán de otras películas de Miyazaki. El parecido de Papá Panda con el personaje Totoro, es sin duda el más representativo de ellos.

 No es una cinta para todo público, de hecho pudiera ser que la única manera de que un adulto disfrute de ella totalmente es siendo fan de Ghibli. Aún así es una película que vale mucho la pena y que los niños seguramente adorarán. Como dijeron alguna vez, esos dos “estaban empezando”, pero en verdad fue un inicio bastante bueno.