La belleza y la incongruencia de lo humano: Arturo Rivera y su obra


Lo fantasmagórico, el sentido inusual y la complementariedad de los trazos, mezclan el sentido exótico y extraordinario del pintor mexicano Arturo Rivera. El concepto antagónico a la normalidad, se enriquece en la expresión refrescante de cada rostro perdido, de cuerpos desparpajados y de una nube de emociones siniestras y espectrales.

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Crédito: Las voces.
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Crédito: Club horror.

 Todo corresponde a la vida, a la inquebrantable obsolescencia del ser humano –perfidia emocional–, y a la necedad de querer mediatizar todo, explayando al individuo como centro de la conmoción y de la inseguridad. Admiración y terror, dos palabras contrapuestas que se yuxtaponen en cada pintura, un escenario y mucha sinergia se forjan en un solo contexto: la tragedia humana.

 Cuerpos con manchas explícitas, mezclados con heridas implícitas y conflagrados con un sólo objetivo: La muestra del horror a sí mismo. El trabajo no aparenta opulencia ni escándalo, la potencialidad surge de la misma realidad, del ventrículo primario del ser y del estar. Miedo a la vanguardia, temor a la vida. Miles de detalles, se reflejan en el trabajo pasional de Arturo Rivera. Es el concepto más parecido a la realidad, por la que atraviesa el ser humano en tiempos de crisis, el infortunio de la desgracia misma se desquebraja en el escape – falsedad y cobardía–, y por lo tanto, el individuo rehuye a su capacidad misma de valorarse y amarse.

 La deformación social, vincula al sujeto en una especie de trama que lo aísla y que lo mantiene expuesto a la locura , a la terquedad por no renovarse y al miedo omnipotente por no querer descubrirse. La exposición de cuerpos desnudos, se podría referir al nulo conocimiento hacia el interior mismo, y que a su vez, dicha muestra se dirige a la frustración y al cobarde impulso de negarse a si mismo. De la generación sarcástica a la soledad, pasa el gran espectáculo social que se plasma en el ardid de mentes y caras cubiertas de heridas, que derraman sangre y que se acompañan de diversas deformaciones corpóreas.

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 Del desnudo mental al corporal, implícitamente se concreta el síntoma del delirio humano y de la ruptura hacia lo visualmente aceptable.

 Pareciera como si el tiempo se detuviera en cada detalle, la retrospectiva de cada cuestión enraíza al humano con su entorno de realidades, eufemismos y vanaglorias. El gris encabeza al mundo, el rojo a lo palpable y el rostro a la máscara de lo profundo y de lo inadmisible, en el contexto de la paradoja. Miradas perdidas, cuerpos rebosantes de miedo y angustia. Todo se relaciona, nada se contrapone.

 Conceptos definitivos no existen para el sentimiento humano, la pintura de Rivera esquematiza bien el sentido de vivencia actual, de un mundo que finge pensar y que actúa a la manera de ser de los demás y que pierde, su sentido más amplio de sincronía emocional. El modo de vivir y la influencia  de una cultura sometida, se vinculan para darle forma al horror del hombre, que mezcla su ocurrencia por mediatizar absolutamente todo lo que se haya fuera de la normalidad.

 Colores y fuerzas magnánimas, describen la cúspide sensorial del individuo y de sus asechanzas  al andar. Al descubrirse – frío y benevolente-, exterioriza que su mirada está perdida en el vacío y sin embargo, su vestimenta es color oscuro que refleja la somnolencia de su alma… y de su vida entera.

  El detrimento humano, la seriedad de una cara consternada y la sutilidad de exquisitez visual, se contempla mediante la corrupción mental y antagónica de la sociedad, expresada en el declive armónico y esto a su vez, crea en el espectador una obsesión por encontrar el significado a cada detalle. Sin importar el escenario de cada pintura, todo se conjunta para expresar indignación y humillación, a cada cuerpo y mente mutilados por la incongruencia de la normalidad.

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Crédito: La otra revista.

 El réquiem de la existencia, corrompe el esquema a priori de toda característica social, pidiendo clemencia por cada rostro que pide a gritos la separación de lo normal y lo anormal, para crear un criterio sólido y fuera de orden. El lloriqueo ausente, prepara a la obra para lo inaudito y para la expresión más concreta y permisible.

 La belleza, se sitúa en todo el trabajo del pintor mexicano. Crea el vínculo primario del miedo del hombre, expresa el complot hacia sí mismo, añade el toque especial a la persuasión humana, indaga sobre el caos existencial, y a partir de los colores recrea escenarios fortuitos  y mueve el sentido del reloj hacia a lo inusual.

 La simbiosis humana, recrea el paraíso mental del pintor, se muestra el detalle más opulento de la vida misma, contraponiéndose el meticuloso dramatismo de siempre, al que se acostumbra ver a la sobrevivencia. Es una mezcla de ansiedad y conmoción humana –vida y reencarnación–, el concepto anima a la verdad que transgrede, que hiere.

 La angustia pura, se remite al abismo entre vida y muerte. Arturo Rivera, reconoce la concupiscencia terrenal y sobre todo, incluye un conjunto de elementos que permiten ser de la obra: La regocijante ira del humano. Todo se recrea, todo se pierde… nada es voluntario.

Originally posted 2014-10-16 00:00:00. Republished by Blog Post Promoter

A LA ESPERA DE MONTERREY CITY FEST EN SU PRIMERA EDICIÓN

Es el festival que promete darle un gran salto a lo que se acostumbra presentar y un toque especial a lo que se ha visto en demás espectáculos. Bandas como Travis, Of Montreal y Porter formarán parte de éste renombrado y tan aclamado festival, en donde se presentarán varios estilos de música que proporcionarán el sello distintivo al evento.website3-03

 Las fechas están contempladas los primeros días del mes de septiembre, específicamente 5, 6 y 7 con sede en Parque Acero Fundidora en la ciudad de Monterrey. Sin duda muestra un gran esquema para ofrecer, ya que el dinamismo y sincronía de diversos estilos se conjugarán en un solo evento que mostrará una perspectiva diferente e impactante.

 Lo anterior marca la pauta para abrir paso a nuevas bandas musicales o que no se hayan inmersas de gran forma en el mundo de la música, por lo cual surge una expectativa sumamente importante para brindarle al espectador un buen rato entre música y compañía.

 Estilos como el indie pop, afrobeat, rap, rock y un poco de house darán paso al talento multifacético que existe en torno a la tonalidad musical que le dará color al gran espectáculo. La promesa por pasar un rato ameno y agradable, parece cumplirse con el simple hecho de dar a conocer al público en general las bandas que tocarán durante esos días.

 Cabe mencionar que el lugar estará distribuido en tres escenarios, el primero será el Nico Stage, el segundo el Tato Stage y por último MCF Theater; distribuido también a través de un horario preciso que menciona banda y hora exacta de presentación.

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Crédito: Página oficial Mty City Festival.

 La cobertura musical no solamente marca el paso al ámbito extranjero, sino también bandas nacionales formarán parte de éste gran proyecto. La temática abarca todo tipo de género, pasando desde lo más sobrio hasta lo más underground, el espectador podrá tener el placer de discernir entre lo que más le agrada y lo que no. Eso es lo que se ofrece, tener la posibilidad de escoger entre las diversas propuestas musicales que harán su aparición.

 Además, cuenta con un accesible sistema de precios que va desde $399.00 a casi $2,000.00 (dependiendo del día y de las bandas que se presenten) también se ofrece la posibilidad de adquirir boletos por todos los días que perdure el festival.

 Sin duda, el contenido muestra una gran variedad de música y estilo que le dará al público la posibilidad de asistir y quedarse con un buen sabor de boca.

 La lista de bandas asistentes que confirmaron son las siguientes:

    • Clubz

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      Crédito:Somosidolos.com
    • Dannic
    • Ezekiel
    • Hardwell
    • Porter
    • 60 Tigres
    • Azealia Banks
    • Bone Thugs-N-Harmony
    • Charli XCX
    • Def Leppard
    • Deftones
    • Goldroom (dj set)
    • Husky
    • Little Jesus
    • Miniature Tigers
    • Mother

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      Crédito:Rockandradio.net
    • of Montreal
    • Plastic Plates
    • Poolside (live)
    • Reputante
    • The Mud Howlers
    • The Pizza Underground
    • The Magician
    • Vicentico
    • Wooden Wisdom
    • Bomba Estéreo
    • Los Cafres
    • La Mala Rodríguez
    • Siddhartha
    • Caloncho
    • Morenito de Fuego
    • Zeta Bossio

Originally posted 2014-08-22 13:01:47. Republished by Blog Post Promoter

El sabor del acid jazz


 No recuerdo exactamente el año, ni el día, pero tengo presente que desde muy pequeña navegaba por los matices y destellos del jazz , y que al escuchar el eco de un sonido de dicho género; mis dedos empezaban a juguetear con  lo que estuviera cerca, asemejando el movimiento de los los reyes y pioneros de éste, entre los cuales destacan: Wayne Shorter, John Coltrane, Charlie Parker, Lester Young, Duke Ellington y Louis Armstrong (por mencionar algunos).

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Genios del jazz clásico como Charlie Parker, Duke Ellington y Louis Armstrong.                         Crédito:Alto nivel.

 Posteriormente, descubrí la singularidad del Acid Jazz y empecé a bailar más de la cuenta con el sonido penetrante de los instrumentos de viento; como son la trompeta y el saxofón, inusualmente conjugados por una voz agradable que impactaba con cada pausa y  reanudación.

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Rhythm & Blues.                                     Crédito:Matinella.

 Las raíces de éste tipo de música , vienen del jazz clásico, del rhythm & blues , del soul y del funk. Sin duda, pasó a cambiar el panorama y la directriz original del jazz clásico que acostumbraba suaves y constantes sonidos, que se aclimataban al oído de una manera apacible y serena.

 La década de 1990 abrió paso a la transformación del acid jazz, que ahora ya no sólo crujía enérgicamente; sino también, se bailaba y se disfrutaba escuchar, de tal forma, que su público fue creciendo de sobremanera.

 Inglaterra y Holanda, fueron los países pioneros en darle forma a un nuevo contexto de música, que además de un buen ritmo para bailar, también contaría con un toque bohemio y que animaría a no sólo danzar al sonido de pum pum pum, sino a contener una especie de historia en sus pasos.

 Sus variantes, se delimitan dentro del Groove; subgénero que permitió dar mayor sincronía a su música; presentando una aguda pero intensa mezcla de sonidos de diversos países. Éste tipo de variante del Acid Jazz, daba la pauta para seguir creando más música que permitiera admitir la creatividad de nuevos genios que aparecían, como fue el caso de la agrupación Groove Collective que retomaba sonidos parecidos a Earth,Wind & Fire y Heatwave, contrastando a su vez con una resonancia sabrosa y guapachosa.

 Las emisoras de radio, que se encargaban de darle seguimiento a la cronología del jazz; le celebran y dan paso a la victoria armónica de la categoría más elocuente de éste .Agrupaciones como The Brand New Heavies, Esperanto, Incognito, The James Taylor Quartet y Next Evidence, fueron las grandes exponentes dentro de esta categoría que vislumbraba y auguraba gran éxito con el pasar del tiempo.

 El mundo de la música, presentaba un gran interés por darle un toque más penetrante y meloso; procediendo a darle más vigor en su fuerza y en su forma de transmitir un sonido, siendo imprescindibles los trombones y sintetizadores en conjunto con el eco sensual del saxofón barítono.

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Incognito, banda precursora del acid jazz.                                                      Crédito:Portada del disco Tales from the Beach.

 Centros de diversión nocturna, fiestas en casa y reuniones se encargaban de darle un cambio profundo a la rutina, acompañando la variación con un buen toque de Acid Jazz, mientras que la sobriedad pasaba a éxtasis puro, reflejando la trascendencia de un género que penetró de forma abrumadora en los que hallaban deleite al escucharlo.

 Entonces parecía que el Acid Jazz solamente se desarrollaría como una cuestión de moda y que al pasar la década de los noventa; se olvidaría la emoción con la que la gente se movía y zapateaba.

 Pero la gran sorpresa fue que después del año 2000 se sigue percibiendo en cualquier lugar, la difusión de ése estruendo que naturalmente pone de buenas.

 Posteriormente, surgen derivados como el house, el funky house y el lounge; articulaciones que dan paso a la apertura de un nuevo sentido musical, que cobrará mayor importancia en el año 2005.

 La apreciación y la importancia del Acid Jazz, tiene gran relevancia a partir de que impactó en no sólo un grupo de jóvenes , sino que su éxito fue trayendo consigo más categorías musicales. Es por eso, que forma parte  de los géneros musicales que simplemente no podrán pasar desapercibidos.

Originally posted 2014-08-18 10:32:37. Republished by Blog Post Promoter

Poesía a la Lorca: México en la llama mortal


Los paisajes llenos de arboledas y amargos colores forman parte de la concepción del poeta español Federico García Lorca. Con las palabras más abyectas ha representado los sentimientos humanos de una forma tan magnífica, que pudo lograr el avance de la queja social a través de la poesía. Poesía para el mundo, poemas para el alma y alimento para la vida. Todos necesitamos esa pequeña pizca de vida misma para el sentido común de sobrevivencia. La naturaleza del alma, transgrede al cuerpo y a la utopía más banal de una galaxia entera.

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Crédito:México desconocido.

“Yo no podré quejarme
Si no encontré lo que buscaba.
Cerca de las piedras sin jugo y los insectos vacíos
No veré el duelo del sol con las criaturas en carne viva.
Pero me iré al primer paisaje
De choques, líquidos y rumores
Que trasmina a niño recién nacida
Y donde toda superficie es evitada,
Para entender que lo busco tendrá su blanco de alegría cuando yo vuele mezclado con el amor y con las arenas.”

– Cielo vivo, Federico García Lorca.

 El temple y la furia de Lorca describen el retrato de una ciudad en llamas, de una nación llena de olvido y antagonismos sociales. No es de extrañar, que México –siendo territorio colonial–, sea una parte de su retrato, de su drama envuelto en letras y andares  fortuitos. La clara formación de la violencia, surge de la desdicha social y ante esto, se trata de una manera torpe y burda el verdadero significado de la nación, como ente separado, como una cultura que se ha ido desvaneciendo al pasar de los años. Apreciada por el extranjero, olvidada por sus paisanos.

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Crédito: Mundo 52.

 El ruido de los truenos, el lamento de los que han perdido a sus seres queridos en guerras abruptas, el eco de todas las voces que exclaman justicia, el sollozo de la angustia misma; todo se sitúa en un sólo lugar: México lindo y querido. Mientras  algunos aclaman justicia y esperanza, el mundo ve lleno de horror que lo que era oro se convirtió en carbón, y las cenizas van esparciendo su número para dar a conocer al mundo, que estamos en la ruina. Se ha desquebrajado todo, la alegría del país parece haber desaparecido. ¿En dónde quedaste país lleno de magia y aventura? La aventura ahora, le pertenece al falsificado, al injusto, al que todo lo puede, al que nada le importa (sólo hacer daño a sus compañeros).

“Los lirios negros
De las horas muertas,
Los lirios negros
De las horas niñas.
¡Todo igual!
¿Y el oro del amor?
Hay una hora tan sólo
¡Una hora tan sólo!
¡La hora fría!”

– La selva de los relojes, Federico García Lorca.

 Una mancha de dolor, un consuelo sublime abruman al que reflexiona, al que siente, al que no se conforma con la respuesta del “todo mejorará, todo estará bien”. Al ser voceros de nuestros objetivos, también debemos forjar el camino y conocer tanto el bien como el mal, porque al actuar no podremos forjar el carácter que necesita el país. Y el país, olvida su ruta y su ánimo de buscar mejores condiciones. Mercedes Sosa tituló una canción como “Todo cambia”, la evolución de la sociedad no se niega, pero la forma en que se desarrolla parece ser todo un problema, para el que se niega a quedarse callado y no objetar.

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Crédito:México desconocido.

 Agoniza temor y reclama vida este país lleno en llamas, que pide a gritos que se le recuerda bonito e ilustre como era, todo se mediatiza, nada vuelve a su forma y en ese afán por buscar transformación, se pierde la singularidad de su memoria histórica y el drama parece haber absorbido su legado y potencia cultural. La muerte parece haber llegado, y el estado vegetativo le acompaña para buscar lo poco que queda de recuerdo – lindo o turbio–, pero no deja de ser recuerdo para la nación, que no se rajaba, que no se conformaba.

 “Detrás de cada espejo
Hay una estrella muerta
Y un arcoíris niño que duerme.
Detrás de cada espejo
Hay una calma eterna
Y un nido de silencios
Que no han volado”

– 1ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 ¿Cuántos acostumbran callar? Cuántos se desvanecen ante el miedo? ¿Cuántos olvidan? La mayor parte de la población, prefiere vivir en silogismos que en su propio pensamiento, parece que le aturde pensar y por eso, deja que reflexionen por él y que los objetivos que no le pertenecen, se apoderen de su mente implícitamente. El anacronismo del mexicano, se envuelve en el infortunio de su temor y en el amigo de sus cadenas, y mientras el tiempo pasa, la pared carcome las vivencias y se las guarda para sí sola.

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Crédito: Humos y silencios.

“El espejo es la momia
Del manantial, se cierra,
Como concha de luz,
Por la noche”

– 2ª parte de Capricho, Federico García Lorca.

 Nos quedamos quietos hacia lo que se nos impone, obedecemos y acatamos como niños, abusamos tanto de nuestro miedo, que lo convertimos en el compañero de cada una de nuestras decisiones. Nada nos corresponde, nuestras historia la hemos hecho pedazos, ahora permanece muy quieta en ultratumba.

 Extraordinario e inquieto, Lorca logró escribir el vacío del mundo y el rechazo hacia sus más débiles consuelos. Fue el cómplice de sus desavenencias, recordando la sangre que clamó algún día por dignidad, imploró por los que no callan y han derramado sangre, sea cual sea el escenario. Sigue la vida –quieta y sombría -. Poesía que olvida y que sigue haciendo caso omiso de las advertencias hacia el declive.

Originally posted 2014-10-20 09:00:58. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

Originally posted 2014-12-26 12:24:38. Republished by Blog Post Promoter

Camilo José Vergara: Retrato del olvido y la marginación en Estados Unidos

 Camilo José Vergara es un fotógrafo de origen chileno que posee un talento preciso y reflexivo, mediante el arte y la sincronía de su obra, escogió a Estados Unidos como su objeto de inspiración para contemplar los puntos más desolados y antagónicos del país. Su proyecto se nutre de diversas cuestiones como son la reflexión y la gran cantidad de detalles enmarcados en cada fotografía.

 Logró presentar su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en el 2013, proyecto que mantuvo su atención sobre los lugares más afectados por la pobreza en sus distintas variantes, encargándose de reflejar la precariedad de algunas zonas en específico y el panorama de región a región, y aunque todas las áreas que se presentaron en su trabajo contaban con la etiqueta en torno a la vulnerabilidad; todas mantenían la singularidad de sus pasos, de su dolor y de su sueño por mejorar algún día esos paisajes desoladores que parecían traídos de una triste película.

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Crédito:Revista Bifurcaciones en línea.

 Marginación y segregación son los dos padecimientos claves que sufren los sitios plasmados en cada fotografía, cada uno mantiene hasta el más recóndito detalle de su motivo de ser y de parecer. En su recorrido detalla la transformación de cada lugar en su anhelada búsqueda por pertenecer al modelo de desarrollo que impera en el país, donde centro y periferia buscan mezclarse, pero como ajenos se tratan de despedir; porque periferia no cumple los requisitos: Es el excluido.

 En el trabajo del fotógrafo, se refleja que la pobreza no solamente afecta a las zonas estrictamente rurales, sino que también hace su aparición en las zonas urbanas y paradójicamente algunas de sus ciudades son las que más enfatizan las diferencias entre ricos y pobres.

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Crédito:Tumblr.
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Crédito:Domus Web.
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Crédito:Tumblr.

 La intencionalidad de su trabajo es dar a conocer el hecho que muestra la forma en que se trata de vincular la necesidad con el progreso; donde la trama del paisaje resulta altamente rica en contenido e ilustración.

 Adjetivos calificativos como desolador, triste y sórdido forman parte de un conjunto que logra percibirse en dos palabras: Profunda desesperanza. Casas en ruinas, basura, parques que ahora son cenizas del recuerdo; abruman al espectador que logra captar el mensaje: Un abismo gris.

 La reflexión que se ofrece es dura y a la vez se encuentra cargada de detalles únicos e irreverentes; la toma habla por sí sola: Encarna vida al vincular los desafíos del desarrollo en ciudades como Los Ángeles y Chicago. La sobriedad y pulcritud con las que se manejaron las fotografías, fueron los dos elementos primordiales para darle a la escena lo que necesitaba; la triste y fatídica realidad en el país más próspero en cuanto a progreso se refiere.

 Ya no sólo se reflejaba la pobreza de un individuo, ahora se incluye la miseria de toda una población que sufre las fuerzas caóticas que le impiden adecuarse a un nivel de vida óptimo y que a la vez, busca salir del engranaje de los tabúes y limitaciones. Su gran impedimento es el no poder vincularse a un mundo que no le permite ser, sino solamente aparentar.

 Supuestamente, problemas como la exclusión no formaban parte del panorama de Estados Unidos pero en éste proyecto se demuestra absolutamente todo lo contrario. Si algo padece dicho país, es la ignorancia del dolor y el aullido de sus espacios más olvidados y censurados.

 Como dijo el propio artista:

Mi trabajo no consiste en tomar imágenes de cosas bonitas. Yo no creo belleza, yo creo historias.

 Y la historia se cuenta de varias maneras, pero la más importante es la real y la circunstancial que da pauta a la valoración de los hechos y los cuestionamientos.

 La desigualdad ya no sólo se estima mediante diversos indicadores, ahora también se ve a cualquier hora del día, plasmándose en cada rincón de las ciudades retratadas. No abunda la fraternidad entre zonas, sino más bien la indiferencia se presenta al mundo para hacer de cuenta…Aquí no pasa nada.

 Crea vida, vincula realidad, plasma singularidad y perseverancia, pero también retrata esperanza por llegar a pertenecer a un lugar que parece haber olvidado a su gente más necesitada: los pobres. Los marginados que sufren día a día el exilio en que su propia gente los ha sumergido. Realidad o mito, en dicho proyecto se demuestra que la falsedad no tiene cabida.

Originally posted 2014-08-28 14:41:43. Republished by Blog Post Promoter

Más allá de Guanajuato: Proyecciones en el DF


El Festival Internacional Cervantino destaca por la gran importancia que ha desarrollado desde sus primeras muestras, por lo cual en esta edición se busca la manera de poder explayar parte de su temática en otros estados de la República Mexicana, a través del programa Más Allá de Guanajuato. En éste, se contempla la proyección de diversas actividades que promueven la cultura y la  conciencia social, y que a su vez trae consigo el gran alcance de este nuevo proyecto.

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Crédito: Página oficial Festival Internacional Cervantino.

 Por lo tanto, las personas que buscan disfrutar del Festival, pero que por diversas razones no pueden asistir al estado sede que es Guanajuato, podrán tener la gran oportunidad de presenciar parte de la programación. El objetivo es promover la difusión de los espectáculos en general, para poder brindar a la población mexicana en cuanto tal, una mayor difusión del significado sociocultural de esta muestra.

 El folclore nacional, se dará cita en cada proyección para representar cada rastro del festival. La representación del esquema cultural, muestra una amplia variedad cultural y esto permite que el espectador disfrute el espectáculo, sin la necesidad de ir hasta el estado de Guanajuato.

  Además el acceso será gratuito, esto facilita la entrada de todas las personas que quieran disfrutar de la magia de Guanajuato a través del Festival Internacional Cervantino 2014. En esta muestra, se pretende involucrar al público de una manera distinta e innovadora que permite un nuevo esquema de presentación. La cobertura será en todo el país.

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Crédito: Noticias de Querétaro.

  El trabajo se reforzó, de manera que tanto medios como participantes del mismo Festival unieron fuerzas para que esto se pudiera llevar a cabo. Un trabajo de gran alcance colectivo, augura buen éxito para esta edición, que busca engrandecer el espíritu cultural.

 En el Distrito Federal, los lugares sedes para las proyecciones son los siguientes:

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Crédito:Revista Escenarios.

Sin duda, hay muchos lugares donde se podrán ver las diversas proyecciones de la cartelera. Para consultar los horarios con mayor precisión, checar la página de Más allá de Guanajuato. En donde viene desglosado, por estado, lugar de proyección, y la hora.

Originally posted 2014-10-13 12:37:17. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué esperamos?

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Gyula Halász.

Acércate como lo intentaste hacer, ámame como pretendiste hacerlo en tus sueños, domina tu corazón como has logrado conmover el mío, sedúceme a través de tus pensamientos y ademanes, hipnotízame más de la cuenta con la voz tan varonil y seductora que posees, desprende tu miedo; si lo haces, te desharás de la cadena a la cual tanto te aferraste.

 Háblame de tus pesares, de tus desaventuras y también de tus alegrías; quiero escucharte para siempre amor mío. Cuando pienses sobre el infortunio que te corroe, te abrazaré plácidamente sin que las palabras tengan que aparecer, mis manos formarán el ángulo perfecto para consolarte cada día…¡Cariño, no temas!

 Sorprendámonos juntos, anhelemos e silencio, caminemos sin prisa, veamos hacia el horizonte, plantemos semillas de ilusión, cosechemos los mejores frutos de la esperanza, imaginemos un instante de nuestra vida juntos, transgredamos nuestras desavenencias, compongamos la melodía más inusual ( a esa que no estás acostumbrado) , plasmemos nuestro sentir con la piedra angular del sentimiento, auguremos momentos solemnes bajo el árbol que crece bajo la sombra de nuestra indecisión, utilicemos el deseo que nos envuelve por transformar nuestra individualidad, consigamos ornamentos para nuestro sitio predilecto, dejémonos llevar; yo te siento cerca, creamos de nuevo en la nobleza del humano, construyamos el inicio de lo que tanto deseamos, prometamos que esto no es un acto de vanagloria; es un suceso de reconocimiento, hagamos de lado los eufemismos.

 No juremos en vano, no pretendamos, no radicalicemos…sólo amémonos, ya no en silencio, ahora ya no basta que las miradas y las acciones jueguen y deletreen la  partida, ahora busquemos la forma para hacernos partícipes de nuestra andanza tan bohemia como tu sonrisa cuando me susurra firmemente lo que sientes. ¿De qué sirve ser tan testarudos? No simplifiques, esto es real, no necesito decírtelo, creo que lo sabes, no finjas vivir en el exilio, estás presente en cada instante. Sé que deletreas la perfidia de tu ser, pero no quieras ser víctima de tu propio engaño.

 De la casualidad y la decisión surge el réquiem de un perpetrado suceso, de lo inamovible se desprende lo incongruente y de lo falso no se puede vivir…la falsedad no forma parte de lo que nos une, de lo que nos dinamiza, de lo que nos enamora cada día más. Entonces,  así como me amas en silencio, sé que lo harás a luz del día y ya no te quedarás quieto en la noche, pensando en la sombra de mi propio ente. Las estrellas nos pertenecen, así como la infinidad de girasoles que me encargaré de plantar en nuestro jardín. Es tiempo, es ahora, no mañana…amémonos íntegramente.

Originally posted 2015-02-25 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

El apoyo hacia el diseño nacional : ¿Mucho o poco?


La industria ha enaltecido a lo largo del tiempo, las grandes posibilidades de adaptar mejores condiciones socioeconómicas para un país – ya sea en materia de crecimiento o desarrollo– , para ello se ha requerido de gran inversión de capital, tanto inversión extranjera directa o por medio del financiamiento nacional.

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Crédito: Blog costuritas.

 El hecho radica en que las posibilidades por adecuar una mejor vía de crecimiento y producción – expresado en el porcentaje del Producto Interno Bruto– es decir, a través de lo que se genere en una economía, se han tergiversado de manera que se olvida la importancia del avance del mercado interno. Bien es cierto, que la posibilidad de crecimiento ha disminuido porque el sector terciario (el de servicios) es el que más ha mostrado un aumento, mientras que el sector industrial ha declinado su producción y por ende, impacta de forma negativa en el desarrollo motriz del país.

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Crédito:Chulavista Store.

 Una serie de políticas económicas, se han implementado para darle paso a la coyuntura entre la necesidad de desarrollo y crecimiento, por lo cual es indispensable entender la importancia del sector industrial en la economía mexicana.

 Dentro del sector secundario, se encuentra la industria textil, actividad que ha sido portavoz de grandes avances en materia de innovación, creatividad y desarrollo social. La creación de esta área, permanece con el objetivo de crear mejores condiciones que permitan el crecimiento sostenido del Producto Interno Bruto, sin embargo, en ese afán por querer aumentar la producción; se ha olvidado el desarrollo del productor independiente, del que no depende de las empresas extranjeras en el país y que busca la forma de adecuarse a las circunstancias que el propio mercado le impone – tal es el caso de las barreras de entrada– , por lo que su talento parece no tener cabida en el ámbito de compra- venta.

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Crédito: Tumblr

 ¿Por qué se le niega el paso a diseñadores independientes? Simplemente, porque la economía mexicana adecua sus necesidades a las del mercado externo, y tiende a fragmentar a los portavoces del ingenio nacional. Diseñadores que se comprometen, que tratan de darle una nueva forma a la creación y a lo moderno, que rompen estereotipos y que a través de la idea buscan abrir una serie de tendencias que vinculan el sentido nacional.

 Parece ser, que las formas y atuendos del exterior le atraen más al público, pero la pregunta es: ¿Por qué no apoyar a la creatividad de nuestro país? Tantos diseñadores de moda independientes existen en nuestra nación y el apoyo no se ve fomentado, ni por parte del sector industrial textil ni por el comprador.

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Crédito:Chulavista Store.

 Marcas como Valetta y Cómeme historias, cobran vida para darle forma a sus ideas a través de distintas creaciones y atuendos, que le permiten al público admirar una nueva gama de matices en lo que se ofrece.

 Es hora de apoyar al talento nacional, a los diferentes conceptos que aparecen y muestran una serie de esquemas que rompen barreras y que vinculan un concepto muy diferente del que se está acostumbrado.

 Cómeme historias, es una marca independiente que se dedica al diseño de ropa y accesorios para bebé, vincula su idea con diversos personajes ilustrados, lo cual muestra una idea precisa sobre lo que se trata de mostrar el público.

 Valetta, mezcla tendencias en torno al diseño de trajes de baño y bolsos, teniendo un concepto innovador y general del significado de la mujer en la sociedad.

 Tanto Cómeme historias como Valetta, sus productos a la venta pueden consultarse en Chulavista Store, permitiendo vincular la difusión del talento mexicano a través de un medio que le permite abrirse paso al productor nacional.

Originally posted 2014-09-29 10:50:04. Republished by Blog Post Promoter

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

Originally posted 2014-12-01 10:48:33. Republished by Blog Post Promoter

El laberinto de la soledad: Semejanza y olvido


Somos la copia de lo moderno, fungimos como los portavoces de lo que nos ha dejado de pertenecer, nos identificamos con un quebrantamiento de nuestros anhelos y hemos crecido con el consuelo de ideales ajenos a nosotros. ¿Qué es lo que realmente nos motiva a ser? Porque pretendemos ser alguien, y ése imperativo transmite ideas y retos ante la vida, pero esos objetivos no nos pertenecen , desde el momento en que hacemos todo con opacidad y mediocridad.

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Crédito:Tumblr.

“A todos, en algún momento, se nos ha revelado nuestra existencia como algo particular, intransferible y precioso. Casi siempre esta revelación se sitúa en la adolescencia. El descubrimiento de nosotros mismos se manifiesta como un sabernos solos; entre el mundo y nosotros se abre una impalpable, transparente muralla: La de nuestra conciencia.”

 Ese sentido de identidad, de confrontación consigo mismo,nace del cuestionamiento de nuestra vida, del ritmo al que estamos sujetos día a día. La transmisión de ideas, objetivos y cumplimientos se lleva bajo una tutela externa, que ni siquiera nos corresponde a nosotros mismos como personas reflexivas y críticas. El fin de asimilar –el dónde, el ahora y por qué– corresponde a cada uno de nosotros, el fin es corroborar nuestra identidad que tanto buscamos al pasar de los años.

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Crédito:Tumblr.

 Entre lo vintage, lo retro y demás tendencias, olvidamos el trasfondo de nuestro abandono como sociedad mexicana. ¿Cuál es el muro que nos impide tener una autonomía simple y certera? El muro es la imitación. El modelo de la semejanza, rompe con los límites, enmascara una incongruencia colectiva y filosófica también. Y, no es que la semejanza sea un enemigo acteal, sino se trata de vincular la manera de adopción con el conocimiento de nuestras raíces y orígenes. Somos el pueblo que olvida y que deambula, que encuentra su asiento más cómodo y pertinente en la actualidad, porque una nación que relega su creación, supone un estado vegetativo e inerte.

 Tanto que tememos a la muerte, y pareciese que estamos cobrando un estado de confort y de aislamiento ante los sueños que no son arrebatados día a día. La muerte parece vencernos y sale airosa de cualquier problema ante la vida, así es el mexicano, olvida su propio oxígeno, su vida misma.

 Disimulamos nuestro miedo, nuestra renuencia a lo indomable, renunciamos a lo inaudito. ¿No se supone que la historia la historia la construimos nosotros? Somos el principio del tabique, y a la vez pertenecemos a la obra construida. La fortaleza de esta, se ve enriquecida en nuestra transparencia y solidaridad con las raíces de nacimiento, con ese vínculo cautivo y potencial ante la vida y el sueño.

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Crédito:Tumblr.

 El principio de la semejanza, nace debajo del de soledad. El laberinto de la soledad, sombrío quieto y desorbitante, que envuelve la agonía con la magia de los días, se muestran las máscaras y parece, que ya todo lo hemos visto, y cuando alguien  se quita el antifaz, queda expuesta su desnudez y no aceptamos ese hecho. Entonces, ¿Preferimos vivir en la mentira? La historia lo ha demostrado y nos gusta vivir en las tinieblas, donde nadie nos vea, porque si nos reconocen bajo nuestra autonomía, parece ser que tendremos que vivir en el exilio para siempre.

 Los excesos y escapes, parecen ser la combinación perfecta para olvidar la pena de lidiar con el olvido de un pueblo que clama lucha y reivindicación y no sólo dependencia. La sumisión hacia otro estilo de vida, nos lleva a la perdición misma de nuestra cultura; déjame de ser para volvernos parte de –contradicción fuerte y real–.

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Crédito:Tumblr.

“Oscilamos entre la entrega y la reserva, entre el grito y el silencio, entre la fiesta y el velorio, sin entregarnos jamás. Nuestra impasibilidad recubre la vida con la máscara de la muerte; nuestro grito desgarra esa máscara y sube al cielo hasta distenderse, romperse y caer como derrota y silencio.Por ambos caminos el mexicano se cierra al mundo: A la vida y a la muerte.”

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Crédito:Tumblr.

 Estamos muertos en vida, somos testigos de nuestra masacre y lo seguimos permitiendo desde que se nos impongan estereotipos que sólo degradan la imagen del ser humano. Se nos unen tabúes, prejuicios y juicios de valor, que no nos permiten tener un objetivo claro sobre lo que somos como mexicanos, no como vínculo entre naciones.

 Somos la descendencia de un pueblo aguerrido, que luchó hasta el último momento con un sinfín de impedimentos por querer quebrar el mundo de hostilidad.

Originally posted 2014-10-02 09:00:03. Republished by Blog Post Promoter

DocsDF 2014: Proyecto a favor de la difusión del séptimo arte


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Crédito: DOCSDF

DocsDF 2014 en su novena edición, contará con la presentación de aproximadamente 1,300 obras cinematográficas, de las cuales 70 son documentales. La gama de clasificación, consta de siete secciones, las cuales son:

  • Largometraje internacional
  • Largometraje iberoamericano
  • Largometraje mexicano
  • Largometraje para televisión
  • Cortometraje internacional
  • Cortometraje mexicano
  • Doctubre
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Crédito:DOCSDF

 Cabe destacar, que todo el trabajo presentado en esta novena edición, fue realizado entre los años 2013 y 2014. La presentación de las obras cinematográficas, tendrá como fechas de presentación del 29 de Octubre al 9 de Noviembre. La gran promesa de esta edición, es que el contenido muestra una gran selección de características peculiares de alrededor de 100 naciones que fueron expuestas en la lista de confirmación.

 El gran reto de DocsDF 2014, ha sido mantenerse como uno de los promotores a nivel internacional del trabajo más recóndito en cuanto a índole cinematográfica se refiere. Esto quiere decir, que busca permanentemente la labor que no ha sido reconocida como tal y de esta forma, abre las puertas al talento actual. En ese sentido, Reto DocsDF es uno de los objetivos primordiales de éste festival, ya que no sólo funge como punto de presentación de cortometrajes, sino que a escala nacional también se encarga de apoyar la producción de estos. Además de tener otros esquemas de presentación, también destaca DocsForum, Doctubre y la Videoteca DocsDF, la cual tiene la característica de ser gratuita a través de la cartelera de confirmación.

 Dentro de los invitados de honor, se encuentran:

  • Godfrey Reggio, que hace un trabajo descriptivo de la sociedad a partir de las repercusiones ambientales. Su colaboración se llena de precisos detalles y un acompañamiento visual que vislumbra el gran talento que posee.
  • Javier Corcuera, quien tiene como principio la conciencia social como lineamiento de creación cinematográfica. Un ingenio que merece ser reconocido más de la cuenta. Un talento que relata la vida de un mundo hostil y sombrío.
  • Carles Bosch, el enriquecimiento de su dirección en torno a sucesos trascendentales forja las características de su trabajo en el área documental. Digno y merecedor de premios a nivel internacional, por describir una serie de hechos de impacto mundial.
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Crédito:DOCSDF

 Dentro de las sedes destinadas a esta edición se encuentran Cinemex Reforma, Cinemex Insurgentes,Cine Lido, Instituto Goethe,Cine Tonalá, Sala Carlos Monsivais, La Casa del Cine Mx, Cineteca Nacional, Jaima Parque España, Jaima Cuauhtémoc,Jaima Ciudad Universitaria y Jaima Tlatelolco.

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Crédito:DOCSDF

 Casa de Cultura San Antonio, Monumento a la Revolución, Plaza Regna, Teatro Ángela Peralta, FES Acatlán , Faro Tláhuac y entre otros , serán sitios donde se ofrecerán funciones al aire libre. Para consultar más acerca de la cartelera y sedes, visitar la página oficial de DocsDF en su novena edición.

Originally posted 2014-10-27 10:28:25. Republished by Blog Post Promoter

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Originally posted 2015-01-19 11:10:07. Republished by Blog Post Promoter

La literatura latinoamericana y los pueblos originarios: Eduardo Galeano


El pasado 3 de Septiembre, cumplió años el gran escritor uruguayo  y exponente de la literatura latinoamericana, Eduardo Galeano: hombre que se ha distinguido por tener la virtud de plasmar la emoción más recóndita del ser humano a través de palabras neutrales y sencillamente envueltas de pulcritud, en conjunto con la sensibilidad que pone la piel de gallina.

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Crédito: Periódico el clarín.

 Tuve la oportunidad de verle, hace dos años casi y recuerdo ese día como si fuese ayer. Asistí al cierre de una serie de conferencias que organizó CLACSO (Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales)  y estuve parada por dos horas en la enorme fila que aguardaba fervientemente su llegada –la esperanza por verle; quizá una vez nos hacía un vuelco en el corazón–.

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Crédito:Nuestrocanto.net

 Tuvimos que sentarnos unos cuantos jóvenes en la alfombra – el lugar está abarrotado -, juré que no cabía un alma más en ese sitio, que se estaba llenando de borlote, de chiflidos y de una que otra voz que decía “Queremos ver a Galeano, ya”. Todos aguardábamos atónitos,  la desesperación se apoderaba ante cualquier sonido del micrófono o ante el aviso de que en veinte minutos empezaría la clausura, cosa que no fue cierta pues tardaron más de 40 minutos. La impuntualidad fue la intolerancia del momento, parecía que todo el público mencionaba las palabras más grandotas de toda la existencia.

 Recuerdo que sólo fueron a lo mucho 15 o 20 minutos en los que habló y trató de dar un breve pero, singular mensaje que nos dejó pensado por varios días; dio cuenta de la reflexión hacia el mundo, hacia la vida y hacia sí mismo. Tres ejes, que parecieron ser la mezcla perfecta para detonar una oleada de ideas que nos dejaron más perplejos de lo común.

 Desde ese día, supe que Galeano; además de tener un gran legado cultural, también posee un gran aporte histórico que nutre la retrospección de los pueblos originarios y su coexistir. Tal es el caso de Las Venas abiertas de América Latina (1971), Crónicas latinoamericanas(1972), América Latina para entenderte mejor (1990) y entre otros escritos. Su importancia revela la majestuosidad de la nigromancia del pueblo, de sus artilugios…de sus objetos más preciados, de sus lugares más recónditos y ancestrales. Porque como bien dice el autor:

 Quien no se hace el vivo, va muerto. Estás obligado a ser jodedor o jodido, mentidor o mentido. Tiempo del que me importa, el qué le vas a hacer, el no te metas, el sálvese quien pueda. Tiempo de los tramposos: la producción no rinde, la creación no sirve, el trabajo no vale. En el Río de la Plata, llamamos ‘bobo’ al corazón. Y no porque se enamora: lo llamamos ‘bobo’ por lo mucho que trabaja.

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Crédito:Tumblr.

 He de admitir, que unas lágrimas rodearon mis mejillas con todo el mensaje que dio, con todas esas palabras que quedaron marcadas en mi mente; por todas esas cosas por hacer y que se nos recalcan constantemente en la vida.

 Particularmente, ese día todos atendían las palabras y los ademanes del gran Galeano, del soñador empedernido, del defensor de lo inconcebible, el gran artífice de obras que plasman la memoria y el olvido de nuestras raíces…de nuestros cimientos. Historias y narraciones, que se han contado miles de veces; quizá unas menos peores que otras, pero ninguna guarda la esencia de América Latina y sus pasos.

 A pesar, de que hubo muchas trabas en el camino para reconocer el gran trabajo de Galeano; el cometido se ha logrado y su legado nos transmite reflexión y amor por lo que es nuestra tierra, por su fertilidad expresada en cada rincón, en cada partitura, en cada cimiento…en cada ambigüedad.

 Cuando palpé su mirada expuesta en la presentación, sentí que el mundo se apropiaba de cada expresión y cada palabra matizada con ese acento uruguayo; que desplazaba todo el tumulto de voces que yacían en cada espacio del salón, quince minutos…y nadie decía nada, la mirada de todos estaba dirigida hacia él, logró apoderarse del tiempo y el espacio en tan poco tiempo.

 Olvidé que hora era, ya no recordaba ni siquiera el hecho de escribir el reporte que dejó mi profesor, olvidé que mis pies se habían dormido y el hormigueo no dejaba de cesar; inclusive postergué mi hambre desorbitante. Y fue cuando recordé, una frase del autor:

“Mucha gente pequeña,en lugares pequeñas,haciendo cosas pequeñas, puede cambiar el mundo.

 El deseo por permanecer ahí me duró poco tiempo…pero sus palabras se quedaron fijas para  no olvidar que las raíces de este mundo, nosotros las construimos y que somos los herederos de nuestros propios sueños y fantasías, así como de la oscuridad en la que nos empeñamos en vivir.

 

Originally posted 2014-09-18 10:55:56. Republished by Blog Post Promoter

Federico Fellini: Recuerdos de Italia


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Taste of cinema.

La peculiaridad para retratar el ambiente social de 1950 a 1960 , recae en la sensibilidad que poseía Federico Fellini: llevar a través del séptimo arte la singularidad de los hechos tan controversiales que sucedían, tales como violencia intrafamiliar, discriminación, pobreza –en diversas facetas, lucha entre clases sociales y la precariedad de la vida en esa coyuntura mencionada. Aspectos que enriquecían la postura del director y guionista italiano, para brindarle al cine de lo mejor que se ha hecho internacionalmente.

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Vogue.

 Conforme al transcurso de su vida, Federico Fellini veía en Italia la gran confrontación que  existía entre clases, lo cual incrementaba los problemas sociales y no permitía el desenvolvimiento pleno; por eso surge su necesidad de retratar a su natal país en cada película, ya sea desde diversos escenarios que iban de una mujer que perdió la esperanza en la vida y en sí misma, como a un núcleo social que sufría las consecuencias de una pobreza llena de desvaríos y censuras. Su cometido fue logrado de una manera tan clara y precisa, que su legado en la cinematografía dejó una gran huella que sigue reconociéndose en estos tiempos donde la crisis social hace su aparición de una manera descabellada. No fue en balde su trabajo, ya que obtuvo el reconocimiento de la Academia con cuatro premios Óscar, aunque cabe destacar que su finalidad nunca fue esa, él mismo se encargó de demostrarlo implícitamente en cada guion, ya que no presentaban características de pretensión ni simulación de los hechos, es por eso que alcanzó la precisión de cada problemática; pasando desde el momento lleno de felicidad hasta el más cruel.

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Federico Fellini y Giulietta Masina.

 Su desempeño profesional  en primera instancia como dibujante le permitió tener una perspectiva más alta sobre lo que quería hacer, por lo que se dedicó primero a escribir y a dibujar; y posteriormente se dedicaría al séptimo arte. No fue fácil su desarrollo laboral, ya que se enfrentó a la represión por parte del Estado que perseguía indiscriminadamente a los artistas que trataban de impartir al público otro tipo de espectáculo, por lo cual al fungir como guionista de la serie Flash Gordon, tuvo que enfrentar al gobierno conservador siguiendo su trabajo en la misma línea. Nunca dejó que cuestiones externas le atemorizaran para hacer lo que tanto disfrutaba.

“Hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños: años pueden pasar en segundos y se puede saltar en un lugar a otro.”

— Federico Fellini.

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Giulietta Masina en las Noches de Cabiria

 Hizo su aparición en el cine de manera magistral, gracias a la relación que mantuvo con el director italiano Roberto Rossellini , quien le ayudó en un principio a dar forma a obras maestras como Roma, ciudad abierta y El jeque en blanco. 1950 fue el año donde presentó su primer largometraje Luces de Varieté; con la película La Strada (1954) alcanzó el retrato de una sociedad sombría y llena de calumnias hacia una mujer que esperaba sólo ser amada, y que sufría una condición de pobreza  que la llevó a estar dispuesta a aceptar un sinfín de desplantes por una sociedad que sólo se mofaba de ella y la ponía en el centro del espectáculo como el títere que siempre se negó a ser, pero que por costumbre le fue impuesto y que sin duda, se acostumbró a serlo sin cuestionar el sentido del porqué se le trataba así. Giulietta Masina fue la gran estrella que le dio forma a personajes femeninos tan peculiares como Gelsomina en la Strada (1954), Cabiria en las noches de Cabiria (1956)  mujer que enfrentaba el reto de poder pertenecer al mundo siendo ella misma; su sensibilidad y carisma hacia la vida le permitían enamorarse fácilmente de cualquier hombre e imaginar un mundo de color rosa, lo cual no le permitía encontrar un equilibrio en su vida, se confiaba fácilmente de quien fuera y su vulnerabilidad la hizo presa de un dolor inmenso. Sin dejar pasar a Julieta de los espíritus (1965) personaje que puso al cine de cabeza, ya que la actuación logró compenetrar hacia el esquema social más oscuro de aquél tiempo, personaje que relata la infelicidad y la inseguridad de un ambiente familiar que sólo le provoca soledad (nada alejado de lo que pasa actualmente).

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Escena de La Strada.
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Masina interpretando a Gelsomina.

 La dolce vita (1960), con la participación Marcello Mastroianni, obtuvo la Palma de oro en el Festival de Cannes. Ocho y medio (1963) también la protagonizó el italiano Marcello; ambas películas encontraron la situación de un mundo lleno de prejuicios y de vicios que los acercaban a la perdición o la reflexión según fuera el caso, por lo cual estas dos cintas reflejaron al mundo que olvida y que critica, sin tener un preámbulo constante. Se recordaba todo mientras causara algo positivo y de lo contrario, se desechaba.

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Escena de La dolce vita.

Con música del célebre compositor Nino Rota, las cintas del guionista italiano alcanzaron la popularidad en todas las zonas periféricas del país justo como lo quería Fellini, hacer llegar a la gente más alejada del ambiente una reflexión que le permitiera tener una criterio más amplio sobre lo que acontecía en Italia a mediados del siglo XX. Melodías como la de Amacord, las noches de Cabiria, la dolce vita siguen impregnando la galantería de sumos detalles.

 Su versatilidad le permitió rebasar los límites del séptimo arte, para adoptar una perspectiva que difería con lo que se quería mostrar con lo que debería de enseñar al público, que era la realidad de tiempos difíciles donde la reflexión se tenía que abrir ante el cine a través de personajes tan bien definidos como los que se mencionaron con anterioridad. Una sociedad en crisis, con problemas por enfrentar su situación; cuestiones que no son tan diferentes de lo que pasa en estos momentos. Sin duda, el legado del gran genio italiano sigue en pie.

Originally posted 2014-11-17 09:00:44. Republished by Blog Post Promoter

En la ceniza, el ideal se cae: Madre Coraje y sus hijos en escena nacional


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No dejaré que me hablen mal de la guerra.

Dicen que destruye a los débiles,

pero ésos revientan también en la paz.

Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos

Madre coraje y sus hijos –obra original de Bertolt Brecht –, deambulan entre las cenizas y el dolor que fue dejando la guerra, situación que conjuga la mezcla de frustración y agonía hacia ella misma, hacia sus propios ideales.

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Crédito:Arte y cultura.com

 Destruye su esperanza, haciendo un negocio que parecería altamente beneficioso para su necesidad, pero que a la larga, le cobraría con creces sus malas decisiones y acciones. La gran consecuencia de su abandono ante sí misma, radicó en el perturbador hecho de perder a sus tres hijos… secuela que la dejó más sola de lo que ya se sentía.

 El vacío no le permite seguir con su “ideal” y trata de huir, siguiendo el mismo camino que se impuso a la hora de vacilar; entre el sí y el no.

 Entre los niveles de desasosiego y perturbación, Madre Coraje ya no encuentra sentido a nada, ni siquiera a su vínculo de sobrevivencia; corrompe su delirio con su desconocimiento total hacia su situación. Nada, absolutamente nada parece afectarle a esa mujer aguerrida, dura, tenaz y fuerte que no se desmaya con el sonido de la revolución en su cara; todo estaba perdido, pudo más la codicia que la lucha.

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Crédito:Danludens.com

 La adaptación nacional –dirigida por Iona Weissberg y Aline de la Cruz– , trata como contexto histórico la Revolución mexicana en aras de reflejar la situación de pertenencia que tiene el mexicano con sus respectivas formas de exigencia y de lucha.

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Crédito: Angular en línea

 Una obra que retrata la neurosis de un contexto social turbio y siniestro, la yuxtaposición de intereses, la ambivalencia para ver la vida y sobre todo; la inequidad hacia si mismo.

 Las funciones se estarán presentando en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón; los días Jueves , Viernes y Sábados a las 19:00 hrs. La entrada general tiene un costo de $150.00, otorgando descuento con credencial a maestros de la UNAM,entre otros. Los días Jueves ,  el costo de la entrada en general, será de $30.00.

Originally posted 2014-09-19 10:07:42. Republished by Blog Post Promoter

Festival NRMAL 2015: Sexta edición


La vanguardia se hace presente el festival Nrmal desde su creación. Sin embargo, en este año  la proyección va más allá de la misma huella que éste impuso desde el principio; la promesa por crear otra perspectiva de contenido presenta un gran alcance de trascendencia. En esta sexta presentación, diversos proyectos musicales harán su aparición desde Sudamérica hasta países del viejo continente. Proyectos que van desde lo emergente hasta lo conocido, como es el caso de Bocafloja, Porter hasta lo más novedoso como es Future Islands. 

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 En esta edición se contará con la gran creatividad de festivales que participarán en conjunto con NRMAL 2015, entre los que se encuentran : All My Friends, Neutral, Epicentro, Hermoso Ruido, Bananada, Festival Miloes De Festa, Liverpool Psych Fest y Visions Festival. Sábado 28 de Febrero y Domingo 01 de Marzo serán los días en los que más de 40 artistas destacados harán su aparición en esas dos sesiones.

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 El showcase que promueve el Austin Psych Fest tiene como principio crear una expresión musical distinta a la que se acostumbra; aquí la distancia no representa el límite. Con la participación de Cave, Oxomaxoma, Holy Wave, Acidandali y Negro Leo, la variedad crece de sobremanera. Además, también la vinculación entre formación, encuentro y red se hará presente para transformar un tipo de aldea digital por medio de la formación de un circuito musical; el nombre de éste programa es NODO; con éste se buscar crear un proceso de creación por medio de una interacción distinta.

 El sabor gastronómico no faltará, Comilona es una plataforma que buscará el talento culinario del escenario del pop-up. Un concurso que traerá a grandes expertos en la materia como es el caso de Martín Vargas y Javier Plascencia. El ingenio llegará al platillo más suculento y exorbitante a la vez.

2015

 Sexta edición, misma sintonía de creatividad, pero que innova constantemente.NRMAL 2015 trae consigo un repertorio que atrapa al público desde el primer momento. Dentro del Line up se encuentran algunos artistas como:

Sábado 28 de Febrero:

  • Phantogram
  • Mouse on Mars
  • The Black Angels
  • Machinedrum
  • El ultimo vecino
  • Bocafloja
  • Congelador
  • Malos modales

Domingo 1 de Marzo:

  • Swans
  • Future Islands
  • Tops
  • Alive
  • Meridian Brothers
  • Baby Hitler
  • Grindi Manberg

Para consultar precios y mayor información sobre NRMAL 2015, dar clic en la página oficial.

https://www.youtube.com/watch?v=Gdv9dP-6Jmw

Originally posted 2015-02-19 20:02:21. Republished by Blog Post Promoter

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Originally posted 2014-12-26 12:28:06. Republished by Blog Post Promoter

La mujer que no se quería


En una parte recóndita de la vida, existía una mujer que no quería ser ella. Buscaba la forma de compenetrarse con el exterior, y poder admirar la banalidad del mundo que tanta depresión le ocasionaba. Corrompía el delito de sentir más de la cuenta, su grado de sensibilidad le permitía frustrarse día a día por tanto dolor e iniquidad humana, quería olvidar que el mundo parecía estar despierto pero que a su vez, solamente estaba adormecido por el temor contemporáneo.

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Crédito:La Vanguardia.

 Parecía ser una mezcla de antónimos y más con los estereotipos que le bombardeaban la cabeza, una y otra vez. Cansada de andar por el camino con otros zapatos, quería adoptar unos de color más chillante – de esos que la gente aprecia más-, y la emoción le llegó de una forma tan ingenua, que quiso ser como las demás mujeres, tan asfixiadas de falsedad. Ella pensaba, que las personas sólo querían a las chicas que eran agradables a la vista –según los requerimientos sociales-, y todas las noches anhelaba ser otra persona, ser como las demás, porque ya se había cansado de llorarle e implorarle a la luna, que solamente quería ser aceptada.

 Le gustaba la noche, porque la magia de las estrellas le permitía soñar despierta y además, podía confiarle todos sus secretos a unas hojas de papel plagadas de tinta negra. Parecía que la oscuridad se conjuntaba con sus miedos, y así se hacían mejores aliados para poder platicar con el muro sobre las angustias que la acechaban cada día, cada tarde, a cada momento. Mientras las lágrimas brotaban de repente, las manos parecían articular todo el dolor que sentía, y plasmaba sobre el cielo un mar de esperanzas por cumplir, y una de ellas era ser normal y aceptada.

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Crédito:Blogspot.

 Tal renuencia para amarse a si misma, le provocó grandes inseguridades y trató de ahuyentar los miedos de miles de formas, pero siempre fallaba y la aflicción llegaba para corromper su estado de ánimo, cuando éste tipo de situaciones la acechaban. No creía en ella, y desgraciadamente no podía ver la hermosura de sus pensamientos, de su espíritu y de su gran talento para amar, lo malvado de esto es que siempre la abrumaban tantos complejos que no podía sentirse completa. Ella sólo quería ser como las demás, como esas chicas que eran normales, esas que la gente acepta rápidamente y que parecen no tener problemas, porque su mente es tan superficial que no pretenden ir más allá del presente. Esa  mujer se la vivía soñando, era su pasatiempo favorito. Divagaba tanto, que se perdía entre la gente para tocar los pétalos de las flores en el parque, para dibujar caritas felices en los dedos de los demás, le gustaba oír ruidos extraños mientras la gente peleaba, disfrutaba caminar en medio de la noche, porque la noche era tan hermosa, que todos parecían olvidarla y se consolaban con la diversión que ofrecía, pero no con su significado real.

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Crédito:Blogspot.

 Mientras los hombres pasaban y se detenían a ver a la chica más guapa, ella pasaba inadvertida bajo sus letras y sus pensamientos, sabía que eso no le pesaba, sino que creía que no era tan divertido ser tan diferente, eso a la gente parecía aturdirle y la hacía más vulnerable hacia el dolor. Todo pasaba mientras ella caminaba, sólo escuchaba el rumor del mundo para poder entender el porqué de tanta injusticia… y así, pasaba la vida, llena de suspenso y de una grotesca pizca de advertencia.

 Harta del mundo, fastidiada de su propia persona, decidió ser como las demás y empezó a celebrar las cosas más estúpidas del mundo; planeta en el que se augura una mujer aceptable. Buscó pertenecer al mundo, siendo como las demás y obviamente, se sintió más infeliz que nunca por adoptar lo más somero de la existencia. Se preocupó tanto por dejar de ser ella, que de repente se encontró con la espada que le haría más daño. En ese afán por buscar un cambio, olvidó la belleza de toda su singularidad, ese toque que la hacía tan especial a la vista de los demás, sólo que ella no quería darse cuenta de lo que era realmente; era la gota de aceite sobre el agua, pero se empeñaba en no serlo.

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Era lo que el viento le dijera. Crédito:Blogspot.

 El espejo parecía mentirle y ser su peor enemigo, es por eso que no se llevaba muy bien con él y su trato siempre fue ofensivo, no había una situación cordial entre ellos, al grado de que mandó a quitar todos los espejos de su casa, para poder sentirse más tranquila. Ellos no eran amigos y parecía que no iban a tener una relación de respeto. Porque esas láminas resplandecientes, le mostraban algo que no quería ser.

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Lo sublime del viento fue su guía. Crédito: Flickr.

 Pasaba el tiempo, y de repente encontró que el mundo merecía pensamientos sinceros y bellos. Y decidió por primera vez ser ella, con esa luz tan deslumbrante que se negaba a ver, con toda esa lluvia de emociones que no quería que le invadiera, puso un espejito sobre su tocador, para verse de vez en cuando y poder quererse poco a poco. La aceptación comenzaba a fluir y de repente sin demora alguna, llegó alguien que la haría sentir más especial de la cuenta, era un alma que también disfrutaba de los detalles más sublimes de la vida. Eran unos soñadores entre el mundo que está dormido. Así comenzaron la existencia de lo desconocido. Ella, ahora es lo que siempre quiso desechar. La vida no se equivoca.

Originally posted 2014-10-27 09:43:02. Republished by Blog Post Promoter

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

mural
“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

Originally posted 2014-11-01 09:00:49. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

tag df
Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

magia
Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

Sensualidad, magia y sutileza : Cine a la Wong Kar-Wai


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Wong Kar-Wai.

“Hace 20 años, si en China le decías a alguien “Te quiero”, era algo vulgar, soez, era algo que se sobreentendía pero no se decía. En cambio es algo normal en Occidente, es más, es algo que debes hacer si lo sientes por una persona.”

La pequeña escena se transforma en una majestuosidad andante, entre diálogo e idea, la trama se torna compleja, diez minutos después la perfidia avanza sobre el tiempo y ya no son los mismos personajes, reencarnan en ellos una serie de personalidades que asombran (quizá) al que esté viendo cada detalle durante el lapso que corre la cinta. Yo me he quedado perpleja en todo el trabajo de Wong Kar-Wai (1958), me atreví a hacer una postura personal al respecto, ya que la vinculación entre la emoción y el sentido es meramente subjetiva, varía entre distintos tipos de percepciones, y era necesario enfatizar la reflexión que me aporta el trabajo del director chino.

 Esas películas que apremian y rompen a la vez el compacto actual –según los mecanismos de proyección- hacen que la cinta guste y llegué a extasiar en diversas formas. Pánico, dolor y un llanto tal vez, puedan ser los motores que prenden aún más los sentidos. Tan extraordinario ha sido su trabajo, que es importante mencionar que a lo largo de su trayectoria compagina la simplicidad con el trasfondo del “estar”, ejemplo de esto, es una película que logra embelesar como fue el caso de 2046 , cinta del año 2004 la cual transforma un medio entre tiempos: Pasado, presente y futuro, cuidados que van desde el manejo de la música hasta las apariciones de cada personaje. Personaje central, con pasión inaudita por el escrito, se fascina, redacta, revisa y relee, su motor el tiempo, secuela: El pasado. Deseando huir, corre a la búsqueda de lo fascinante, refleja su porvenir en el futuro… en su último escape. Representa el éxodo y la salvación al tiempo, corre, busca, encuentra un número que se graba y se repite constantemente: 2046.

2046 2004 DE WONG KAR WAI AVEC TONY LEUNG GONG LI KIMURA TAKUYA ZHANG ZIYI
Escena de “2046”
“Todo el que va a 2046 tiene la misma intención, quiere recapturar recuerdos perdidos. Porque en 2046 nada cambia nunca. Pero, nadie sabe si esto es verdad o no porque nadie ha regresado jamás.”

 Y mientras avanza la hora, enredos y confusiones aparecen; crees entender y de repente transformas la idea a lo que es, pero ése “es” se convierte en tu sentir, sólo corresponde a lo que pudiste percibir. Esa es la magia de Wong Kar Wai, te hace desplazarte por todos tus sentidos sin saber cuál va a ser el sabor final. Lo predecible no augura el recorrido de sus películas. No se prevé ni la mitad, mucho menos el desenlace.

 Deseando amar (2000) a simple vista (sólo por el título) ofrece como primera impresión, un melodrama que no pasa más allá de romanticismo peculiar de la cinematografía, sin embargo, la encrucijada aparece cuando ese mismo encabezado representa la barrera para que el amor llegue a la puerta de los protagonistas. Víctimas del engaño, del olvido y en desmedida de la soledad, se buscan implícitamente, para encontrarse dentro de lo que parece un círculo que nunca acaba, quieren deleite –no carnal– , y lo enfrentan enamorándose en cada límite. Con música de Nat King Cole, la burbuja rosa y ofuscada cobra los estragos del desasosiego.

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“Deseando amar” (2000)

 La incursión de Wong Kar-wai en el medio artístico fue en diversos guiones que realizó para algunos programas de televisión. Cabe mencionar que sus inicios en el cine no fueron algo fácil, ya que implicó un gran reto para él, y a pesar del fracaso rotundo de sus primeras cintas como fue Días salvajes (1990), siguió moldeando el estilo que lo definiría poco a poco. La sensación de seguir innovando en sus siguientes trabajos, lo definió como uno de los directores más aclamados de Oriente.

 Un hito de la modernidad como vía para generar condiciones que detonen el pasar de la vida a través de los años, es la consistencia que asombra la ficción en la que logra detonar la añoranza junto con los destellos sobre música y personificación. No es necesario ir más allá de los 30 minutos para saber que la obra es un método pulcro y blando a la vez, es un símbolo de lo distinto. Y lo diferente, promete más que lo necesario; generalmente asombra más de la cuenta. La sensualidad es otro componente elemental del director, que forma una línea indivisible entre lo sólido y obsecuente, un apartado que hace de la exquisitez, el siniestro final.

Originally posted 2015-01-15 14:57:33. Republished by Blog Post Promoter

Con el antojo de las emociones: La literatura depresiva


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Crédito: Sin dominio.

Un trampolín emocional es el que nos sujeta constantemente. Muchas preguntas pasan por nuestra mente: ¿por qué estoy aquí? ¿cuál es mi papel ante la vida?, y las respuestas podrían parecer vagas, pero realmente demuestran el compromiso consigo mismo. Estoy aquí para cumplir mis propios objetivos, estoy aquí porque quiero ser, estoy aquí porque vivo de mis emociones. Y mi papel ante la vida, es ser un ente separado y a la vez, parte de un conjunto de aspectos simbióticos.

 La literatura –que invade el sentimiento depresivo-, está cargada de distintos matices que le permiten al lector adoptar una serie de formas de visualizar ciertos escenarios posibles, en donde suele ser el protagonista de la obra, su propio ser, su infestado lobo estepario. Navega por la depresión, y luego el vuelco parece ser nauseabundo, cuando la magia de la vida parece conmocionar a la mente: Sorpresa de pocos, pesadez de muchos. ¡Malditos eufemismos!, parecen acecharnos constantemente a los depresivos.

 Hermann Hesse, Jean Paul Sartre, Fiódor Dostoyevski, Friedrich Nietzsche son autores que reflejan el síntoma neurótico y maniaco de una sociedad perdida en sus propias difamaciones, en su caída abrupta hacia el delirio mental, así como en su sentido de persecución más falaz. Líderes del temor y el horror, como Harry Haller, Pablo Ibbieta, Raskólnikov –por mencionar algunos– , participan como la huella de lo recóndito y lo transversal del ser humano, componen la yuxtaposición emocional entre el bien y el mal –subjetivamente hablando–  y tratan la ironía con el sarcasmo, de una forma mediática inigualable.

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Crédito:Behance.

“Nosotros nos representamos siempre la eternidad como una idea que no podemos comprender, ¡Inmensa, inmensa! Pero, ¿Por qué ha de ser así necesariamente? Pues en lugar de eso, imagínese una habitación pequeña, como quien dice un cuarto de baño, ennegrecido por el humo, con telarañas por todos los rincones, y he ahí toda la eternidad. Mire usted, yo me la imagino así algunas veces.”

– Fiodor Dostoyevski, Crimen y Castigo

 Todos los rincones del alma, se marcan de apetencias y extravagancias, mientras que el pensamiento se desquebraja por el equívoco social e imperante tan demandante, que causa una jaqueca neurótica por un lapso de tiempo mayor a lo que tu cuerpo pudiera pensarlo como prudente.

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Crédito:Nudos narrativos.

 “Entrada sólo para locos”. Y mientras el funesto pensamiento tarda en volverse demagogia, nuestro hábito al ocio deprimente, abunda entre las letras y reflexiones de protagonistas tan decadentes como el consuelo de los días cotidianos… de lunes a viernes, de sábado a domingo y comienza el juego de nuevo. Abruptos cambios nos acongojen, y volvemos a repetir “Entrada sólo para locos”.

 En un mundo tan desquiciado, los más congruentes podrían ser los verdaderos enfermos mentales.

 El horror por la vida y la muerte, se vuelve la sintonía idónea para el lector y conmociona lo más permisible de la emoción humana: El dolor. Espacios desoladores y turbios, parecen ser el complemento perfecto para una historia llena de sensibilidad. El brío de la inquietud mental, le abre paso a lo abrupto… a lo pasional, a lo que nos causa más extrañeza y a la vez, más placer.

 En el muro de Sartre, se entrevé la pasión humana a partir de diversas magnitudes, que van desde lo más casual a lo más grotesco –por decirlo de alguna forma–. Lo fortuito, es la cúspide del deseo y el vaivén de los pesares, suele ser el éxtasis. Muy mundano el amor, muy enferma la congruencia… todo lo paradójico, parece ser el consuelo adyacente a la vida.

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Crédito:Tumblr.

“Un cambio profundo sucedió en su entorno. La luz envejecía, encanecía, se ponía pesada como el agua de un florero que no se ha cambiado desde el día anterior […]. Veía a su alrededor, dudando casi tímida: Todo estaba tan lejano: En el aposento no existía ni día ni noche, ni estaciones, ni melancolía.Recordó ligeramente otros otoños, otoños de su infancia, después repentinamente se resistió: Tenía miedo a los recuerdos.”

– Jean Paul Sartre, El muro

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Crédito:Tumblr.

 ¡Qué opulencia del sentir humano! ¡Qué necedad por temer al olvido! Nada debe de ser sometido a juicio emocional, sino todo sería incongruente y fatídico. Más fatalidad no puede haber en la vida, si afirmamos que la congruencia es el centro de la humanidad. Incongruencia para la apariencia… ¡Qué más da! El permiso para saber qué es metafóricamente bueno, se lo debemos a los loqueros –psiquiatras y psicólogos–, mientras esperamos la próxima consulta acompañada de la literatura depresiva, del sentido común a la inapetencia pura.

 El viaje es más largo de lo que parece y la torpeza deambula entre cada palabra y párrafo (mientras haya más crudeza, mejor), y la bomba de inquietantes pensamientos abruma y exaspera, causando un tipo de cliché mental. Más anormalidad, menos bifurcaciones –pensaban los que no esperaban– mientras que los que denigran la causa, suelen estar cargados de la crueldad misma.

 Plagado de un realismo, de un sentimiento de permanencia, la narrativa que toca la depresión del individuo carga consigo una ola de presentimientos que parecen ser, como una revelación masoquista hacia el mundo y sus más extraños deseos. Cualquiera que sea la forma, la literatura mueve el sentido del reloj, para detenerse en la reflexión y la capacidad de comprender la temática emocional. No todo es sabiduría ni incoherencia, sólo es vivencia.

Originally posted 2014-10-09 09:00:35. Republished by Blog Post Promoter

El sueño y su significado : Orígenes y visión moderna


El agua, el aire, el fuego y la tierra forman parte de los poderes ancestrales que le dan sentido al sueño y a la vida misma. Dicha sincronía, se forma en el espacio de conciliación de la presencia terrenal –el cuerpo se desvanece– y se olvida de sus habilidades motrices principales: Deja de existir en el momentáneo enlace de vida.

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Crédito: Foro psicológico.

 Ese rasgo omnipotente, que se enclava desde la cultura mesoamericana con pintorescas imágenes animalescas y llenas de una magia de pertenencia, envolvía al sueño en un conjuro mediático entre exploración y descubrimiento personal. Ritos que conjugaban la realidad con la fantasía, a través de sacrificios y tradiciones que reforzaban las relaciones de pertenencia ante la humanidad misma, daban el simbolismo contractual a una época prehispánica.

 La divinidad politeísta, marcaba el paso para la utopía reencarnada en procesos de expresión y por lo tanto, el sentido de identidad conflagraba un culto hacia una fuerza inverosímil que fungía como cúspide de la vida y también, de la muerte. La religión, era la portavoz para construir una imagen inherente a la calma de los sentidos y transmitía un concepto de imagen ante el mundo distinto al de ahora.

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Crédito:Foro psicológico.

 Dentro de la cultura mesoamericana, el sueño también se vinculaba con el hecho de alterar las emociones a partir de estados psicotrópicos, y con la presencia de miles de sensaciones que abatían el abandono de si mismo. Un letargo tan agradable que no parecía tener fin se cargaba de vibras ancestrales y máscaras sagradas.

 Dime que sueñas… y te diré quién eres. Crecemos con el ánimo de cumplir un sinfín de objetivos preestablecidos socialmente (ir a la escuela, trabajar, vestir de tal modo, etcétera) y mientras la rutina se apodera de nosotros, esperamos a que la noche pasiva y serena haga la aparición al final del día, para arrullarnos bajo su solemne resguardo. La tiniebla llega, y el cansancio invade el cuerpo… nos dirigimos a ser los dueños de nuestros propios deseos.

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Crédito:Mad.

 La irrealidad de los sueños, parece ser el gran atractivo de estos. Pero dicha irrealidad parece tener un gran impacto y la somnolencia podría prolongarse, aunque al despertar… tal vez, ya no haya rastro de un recuerdo (ni por muy vago que sea). La extrañeza de algunos lapsos del sueño, se diferencian por las características de las imágenes y también de los diálogos; la orientación dirige cada fase respectivamente.

 A veces sentimos un sueño tan placentero o que causa un temor inconcebible, que nos enclavamos en dicho letargo pensándolo como un momento irrevocable. A medida que el sueño se va prolongando, parece que la incongruencia aumenta  y la inconsistencia de situaciones no parece tener una secuencia lógica, trayendo consigo diversas situaciones que nosotros nos hemos preguntado. Por ejemplo, en un sueño pudo haber estado una persona que no conocemos, sin embargo sentimos que de alguna parte conocemos a ese individuo, y por muy extraño que parezca, en casos extremos –se ha presentado– terminan conociendo a esa persona, a lo mejor no idénticamente, pero que cuenta con rasgos característicos.

 John A. Hobson, afirma que el sueño presenta las emociones más vívidas del ser humano, por lo cual se experimenta una sensación muy fuerte y por lo tanto, situaciones que parecen incongruentes en tiempo y espacio, se conjuntan para activarla imaginación sensomotora. Así que, generalmente, mientras dormimos y soñamos, también enfrentamos retos y obstáculos, y los lapsos más fuertes de letargo, son los que solemos recordar con un poco más de precisión.

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Crédito:Fiction Chick.

 Sigmund Freud, en su obra La interpretación de los sueños trata de explicar que toda somnolencia, por más mundano que parezca , tiene que presentar un sentido –aunque no sea lógico– en nuestra dinámica de vida en la que estamos expuestos. Y es por eso, que el hecho de dormir, funja como una medida de escape para reconciliarnos con nuestros miedos más profundos en la vida.

 Además, en los sueños también se plasma un anhelo desmedido hacia diversos deseos que podamos tener. No es de extrañar, que muchos de ellos nos sorprendan y que al levantarnos, pensemos que no queríamos despertar, para poder seguir cumpliendo aunque fuera en la irrealidad nuestros anhelos más preciados.

“Nada puede escaparse a ese estado tan profundo del dormir, ya que por ahí se desfilan las fantasías y deseos inconscientes más reprimidos de los seres humanos”

– Sigmund Freud.

 Cualquiera que sea el síntoma en vida, en los sueños puede revelarse la otra cara de la moneda. Esto proporciona satisfacción al individuo, ya que al no estar acostumbrado a pensar de una forma que lo deje anonadado, el hecho de yacer bajo el sueño puede ser su mejor amigo, y retratará el consuelo para su alma.

 Nosotros mismos, vinculamos la represión con la manera de actuar… los ambiciones más recónditas del individuo, aparecen en el sueño, en la narcosis de la noche y mientras, en cada mente se plasman esperanzas y temores, cada uno sabemos los que somos y lo que pretendemos hacer a cada día, a cada instante. El fantasma de la existencia es el mismo sueño, y la apetencia de correr, salir, gritar parece cumplirse al llegar el ocaso.

Originally posted 2014-10-13 12:32:37. Republished by Blog Post Promoter

La negación ante el olvido de los indígenas en la época moderna


La belleza de México radica en la peculiaridad de su arquitectura social y cultural. Un sentido histórico que define la identidad del mexicano se encuentra detallada de una manera ancestral; pluralidad y un concepto autóctono describe la pertenencia y el conocimiento de nuestras raíces típicas –ricas en emblemas culturales-. En ese sentido, alrededor del mundo se reconoce el legado patrimonial de las culturas indígenas de nuestro país, entonces ¿Por qué el mexicano se empeña en olvidar la magia de su ascendencia? ¿Dejó de ser importante? Preguntas que merecen ser analizadas y comprendidas en un contexto social.

 Una de las posibles respuestas se centra en el hecho de la desvalorización paulatina del sentido de identidad del mexicano, a partir de la adopción –según estereotipos sociales- , de la concepción de otras tendencias extranjeras (lo cual no está mal) sino que en ese afán por querer “modernizar ciertas cuestiones de la vida” se deja de lado la importancia de la cultura nativa; es más hasta se le ha llegado a degradar con adjetivos como “naco”, “ignorante”  y otros que se le asemejen. Los pueblos originarios son los que han aportado gran trascendencia a todo el mundo… y la mayoría se empeñan en su olvido.

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Pueblos Wixaritari.
indigena
México es de aquí.

 “Del dicho al hecho hay mucho trecho”. Éste refrán puede utilizarse en el sentido de dar mención a la contradicción prevaleciente entre los que dicen sentirse orgullosos de su país y de su nacionalidad, pero en realidad esto sólo representa el reflejo de un estado de solidaridad consigo mismo, es decir, quedar bien con los demás y fingir que conozco el sentir de mi nación. ¿En realidad te duele tu país? Es un suplicio tener que lidiar con hechos tan mordaces como es la discriminación hacia nuestros hermanos, ellos viven el calvario de ser para el mundo, los olvidados.

 La historia ha demostrado en un sinfín de ocasiones -conforme a la evolución del mexicano-, que el oriundo del país del maíz olvida lo que le conviene, piensa lo que cree conveniente. Es un absurdo olvidar la magia de las comunidades indígenas, el aporte hacia la cultura de la nación ha sido gracias a la formación que han tenido los compañeros durante todo el proceso de formación, que va desde el declive de un imperio hasta la lucha para la emancipación humana. Éste México, era un pueblo guerrero – la esencia y la humildad aún describe en la actualidad el pensar de inigualables personas que adoran a sus semejantes-. ¿Por qué olvidarlas? ¿Su delito es ser pobres en un país que va en la búsqueda del tinte burgués? El delito es de la nación por no recordar la gran importancia de la cosmogonía de las comunidades más hermosas y francas de este país lleno de color; son pobres en dinero, pero no en pensamiento y actitudes, de ellas siempre podrás aprender a través de la humildad que tanto le falta al mexicano.

“El río pasa, pasa:
nunca cesa.
El viento pasa, pasa:
nunca cesa.
La vida pasa…
nunca regresa.”

Poema otomí.

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Indígena huichol.

 El orgullo que invade el espíritu al sentirse parte del florecimiento de una cultura exquisita en detalles, se ha quedado atrás del hermano y parece no recordar la importancia, se desatiende y los colores brillantes de este país se han opacado en otorgarle un poderío a una semblanza del olvido. Mercancías por doquier y miles de despilfarros hacen su aparición en el siglo XXI para minimizar la esperanza de los caídos,de los que les duele un país sombrío y cansado de seguir y no encontrar la luz al final de túnel tan interminable.

“El indígena descalzo…el burgués gozoso
El pobre lucha…el burgués calla.”

 Mientras se carece de fraternidad, México lindo y querido parece desquebrajarse ante cualquier tumulto que ofrezca mayor sentido de vanguardia, mientras que un pueblo olvidado llora que se le haya exiliado de su tierra llena de flores y tradiciones, llena de manjares nacionales. El rostro indígena, es la más bella y sincera de la humanidad y de la semblanza de la historia de una nación que ha sufrido tragedias y olvidos. Todo el tiempo se le pisa, pero la lucha de los más aguerridos y de los pueblos originarios sigue en la esencia de una nueva perspectiva de vida, donde los intereses por tratar de no recordarlos ya no existe.

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Indígenas en el Estado de México.

El guerrero no es alguien que pelea,

no tiene el derecho a tomar la vida de otro.

El guerrero, para nosotros,

es aquél que se sacrifica por el bien de los demás.

Su tarea es cuidar

a los mayores,

a los indefensos,

a aquellos que no pueden hacerlo por su cuenta,

y por sobre todo,

a los niños,

Futuro de la humanidad.

-Toro Sentado.

 El México aguerrido por pueblos originarios, por comunidades llenas de bellos sentimientos aún viven en las entrañas de la tristeza que cae a cántaros del cielo. Un pueblo que lucha por seguir en el camino con personas tan soberbias que no reconocen el corazón tan excelso que describen a nuestros hermanos los indígenas. Ellos son la luz para los que han dejado se soñar, ellos son la guía para este mundo gris; respeto y amor siempre para ellos. Este país les debe eso y más, por sobre todas las cosas, nunca será exterminada la llama reveladora de los que han forjado el sentimiento de una historia llena de lucha.

Originally posted 2014-11-13 09:00:51. Republished by Blog Post Promoter

Emilio Morenatti: Entre la vida y la muerte


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Judío ortodoxo junto a un soldado israelí.                                  Emilio Morenatti,2005.

El semblante lleno de lágrimas, un rostro que muestra dolor hacia la vida, una máscara que cuando se logra quitar corroe la sangre por doquier. La desfachatez de un mundo que pasa los ojos por el color rosa y no por el gris. La multitud se mezcla con una alegría fingida, mientras las voces se vuelven ecos para los sordos… un grito soslayado se une hacia los golpes físicos y emocionales de un juego mal pagado. Guerras, hambres, infortunios, balaceras en los barrios más pobres como en los más burgueses, peleas callejeras, asaltos, secuestros, robo a transeúntes y a la lista se unen un número bastante alto de las complejidades sociales de vivir en un planeta que no sabe de igualdad ni equidad. Parece fácil ir caminando viendo a un vagabundo que clama por un plato de comida, mientras que sigues cómodamente el vaivén de tus zapatos bien boleados y en el mejor de los casos, hasta de marca. Una señora a lo lejos grita justicia para quien acaba de ser baleado en la esquina, un niño vendiendo chicles en la acera derecha y los automóviles pasan y pasan sin titubear ante la barbarie humana.

 Lo anterior, se refleja en el trabajo del fotógrafo y periodista español Emilio Morenatti. Luchador social que ha tratado de reflejar al mundo a través de una cámara, con toda la serie de acontecimientos de impacto mundial como han sido los sucesos presentados en franja de Gaza y en general, en Medio Oriente. El peligro que se presenta día a día en esta parte del mundo ha reflejado la gran ola de violencia que se padece a nivel internacional en cuanto a disturbios que se acompañan de múltiples características, que van desde la discriminación del sexo femenino hasta atentados  que se cometen en contra de la estabilidad de la sociedad en general. Fotoperiodista que se enfrenta ante la muerte, pero que no se deja invadir por el miedo ante hechos que hacen la huida más factible que otra cosa. Sobreviviente del peligro, víctima de un secuestro en Gaza en 2006, ferviente y acérrimo defensor de la vida aunque le cueste la de él; Morenatti logra sobrevivir a la tragedia ante el tumulto de ultraje hacia la vida. Comprometido con su trabajo de investigación, a pesar de haber sufrido una amputación de pie, refleja el gran talento y compromiso que mantiene hacia su labor.

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Kabul, Afganistán. Emilio Morenatti.
YE PAKISTAN
Mujeres pakistaníes luchando por el subsidio hacia la comida. Emilio Morenatti.
TOPIX MIDEAST ISRAEL PALESTINIANS
Niños palestinos presentes en un atentado. Emilio Morenatti, 2005.

 Confrontaciones bélicas, mujeres que son víctimas de las guerras, entre otros temas, han sido parte de su extenso y magnífico trabajo que le permitió ser el ganador del World Press Photo. Con una serie de mecanismos para retratar las condiciones que delataban a la muerte más cercana que la vida, el español se dedicó por años a comprender y analizar los conflictos sociales desde un arduo compromiso con la sociedad. En ese sentido, indaga las pautas de lugares sombríos y oscos para hacer tomas sobre la desesperanza de una sociedad que ya no quiere más hambre ni más olvido, sólo pide paz; paz para la sociedad que ya no cesa de llanto y dolor, bondad hacia los más necesitados y candor hacia los más desesperanzados. Emilio va más allá de una simple fotografía, indaga sobre el miedo y sus variantes, para mostrarle al público que esto va más allá de simples roces entre países; esto muestra al mundo de que está hecha la necesidad de sobresalir más otros. Crisis social que relata cada fotografía, mostrando un sinfín de detalles que dejan inaudito al que logre visualizar de manera realista el retrato de una sociedad inmersa en el desconsuelo.

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Rumbo a una celebración pakistaní.Emilio Morenatti, 2009.
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Mujer pakistaní acarreando agua. Emilio Morenatti, 2008.

 Cometido lleno de valentía que logra impulsar su objetivo a partir del caos de un mundo lleno de contradicciones, que lo llevan a ser el portavoz de crueles sucesos. Un ejemplo de esto es el trabajo que realizó en territorio pakistaní, contempló a través de una serie de fotografías la encrucijada social entre pobreza y maldad, para impulsar un memorándum de la vida en ciudades que enfrentan la violencia indiscriminada desde que amanece hasta que llega a terminar el día. Miradas que piden que la injusticia termine para salir a disfrutar del sol a todo su esplendor, y la vida va y viene a raudales con un mar de lamentos que se han hecho escuchar más de un siglo entero. Mujeres cansadas y fastidiadas de ser vistas como un objeto, hombres que gozan de una egocentrismo inadmisible que les permite atentar  sin piedad contra las personas más vulnerables, cenizas y más cenizas de cadáveres que no se reconocieron y se mezclan en los sitios más olvidados: Los pobres. Nada cambia y todo se transforma para fines lucrativos; tiempos que pertenecen al siglo XXI.

Originally posted 2014-11-20 09:18:48. Republished by Blog Post Promoter

Diáfana: La ilustración entre la mujer, los sueños y la naturaleza


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El refugio para Diáfana.

La capacidad de reflexión interna y de la singularidad de la expresión, recrea el escenario idóneo para el trabajo de Diáfana, ilustradora originaria de San Luis Potosí y residente actual de Monterrey que piensa a la vida desde una realidad paralela y que además, vislumbra al mundo como la creación de lo imposible a través de una percepción propia que tiene sobre los sentimientos e ideas. La ilustración para ella juega un papel primordial

caracol respecto al sentido de recreación que se manifiesta por medio de la  vista, y a su vez se une con un secreto y con una pizca de realidad.

 La mujer expresa un papel primordial en la representación de su cometido, la envuelve con su mística delicadeza y con la relación que ejerce bajo su entorno social, a partir del poder ante ella misma y su sintonía para recrear su vida misma. La mujer es el centro de sus pensamientos y del caos ante su diligencia humana.

 Entre sueños, relatos de libros, la naturaleza, la música y el comportamiento de los seres humanos, Diáfana recrea al mundo sobre la ilustración, dibuja para el público que se detiene a apreciar, además de presentar la inspiración que la invade a cada día; ofrece al mundo un trabajo de excelencia y lleno de un toque de sentimiento puro. Así , la creación como elemento principal es lo que le da magia a lo que hará para el público y también para ella. Porque como ella misma lo dice: “Me inspiran los sueños”.

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“Lo que quiero dar a entender es la honestidad, principalmente con uno mismo, la aceptación de los que nos hace ser quienes somos en cualquier momento de nuestra vida, el permitirse ser y seguirse descubriendo por medio de la creación y transformación.”

 Diáfana menciona constantemente la palabra honestidad y esto se remite a una cuestión de amplio compromiso con lo que hace, además de representar un sentido de catarsis emocional, trata de inspirar al mundo por medio  de los valores que yacen ocultos en el ser, ya que esto representa un problema de identidad y aún más, en estos tiempos de crisis social.

 El surrealismo y la vanguardia de la expresión, fomentan un trabajo lleno de calidad y de una profunda transformación de la ilustración mexicana a través de lo que realiza en elefantecada vínculo de sentimientos. Refugio, es una palabra clave que describe constantemente en sus ilustraciones  y es la emoción que le permite al ser humano sanar y recuperar cada particularidad que lo hace simplemente ser uno mismo. Así actúa la magia de la ilustración y representación.

 Para ella, la ilustración tiene un significado sumamente amplio, y esto lo expresa de la siguiente manera:

Es una extensión de mi persona, la acción de mi voz interior, es el descubrimiento de crear y poder expresar lo más profundo, la manera de transmitir mi esencia, un medio para colaborar, crear lazos, compartir y coincidir con personas que se dedican a hacer cualquier forma de expresión artística, es ese impulso que surge desde lo más profundo y que innegablemente forma parte de mi naturaleza

 cabeshoEn ese sentido, Diáfana complemente su técnica de ilustración a partir de actividades como coser y bordar, el grabado, la fotografía y la escritura. Todas esas actividades alientan su compromiso en su expresión artística tan peculiar y la forjan como una de las promesas más sólidas de la escena de la ilustración a nivel nacional.

 

Originally posted 2014-10-29 09:00:39. Republished by Blog Post Promoter

El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

Originally posted 2015-02-25 09:00:57. Republished by Blog Post Promoter

Desnudo del ser y del alma: Francesca Woodman


Mezcla de seriedad, penumbra que dialoga entre el matiz blanco y grisáceo, contornos de un cuerpo desolado con la perdida de fuerza en su estado físico, caras con el apetito vacío; entes que se deletrean en cada toma, parpadeo de luz que sólo alcanza delimitar el contenido, escenarios ofuscados. La cámara de Francesca Woodman, sabía bien que el individuo se encuentra condenado bajo sus propios titubeos y angustias, él es su único enemigo en la tierra. Temores que desembocan en un auxilio en tinieblas, en un mundo del blanco y negro.

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 Woodman (1958-1981), mujer norteamericana que se enfrentó a la rigidez de los críticos de arte. Llena de una chispa caótica y un trabajo diferente, la llevó a ser víctima por un lapso de tiempo de la depresión, que la sumergió en la angustia y en la reflexión misma, paradójicamente. Cuerpo, mente y alma encajaban como el artefacto idóneo de escena, la mujer formaba parte del icono protagonista de la toma. Los tres elementos son parte del desenvolvimiento en cada ruta trazada, sin embargo, también pueden representar el infierno, ya que atraen emociones de ansiedad; mismas que se vuelven los compañeros de los miedos del ser humano. ¿Por qué retratar el cuerpo? ¿Por qué una mujer? La fémina se acompleja más rápido, pierde su sintonía cuando empieza a involucrarse con un sentido de fatiga ante su ser y su pensar como parte social.

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 1979 fue el año en que las ilusiones por salir del contexto se hacían más prominentes. Esperanzas que terminaron en un tumulto desolador, ya que el rechazo se hizo presente en la gran comarca del arte: Nueva York. Todo se nubló para la fotógrafa y el descontento perforó aún más su estado anímico. Lugares fríos, melancólicos y espectrales como traídos de ultratumba, pertenecían al portafolio de la norteamericana que pasó un tiempo en Europa, siendo la sede principal Roma. Roma cubierta de arte y de membrete de propaganda, también desconoció el trabajo fotográfico de Woodman. Parecía que el desnudo no formaba parte del acierto del público, mucho menos con la composición a la que ataba su obra; era la misma desnudez del alma y del cuerpo, se unían para delimitar el miedo y la frustración hacia la esencia misma. Y como el hombre siempre ha sido partícipe de la mentira y el engaño, en cuanto se trata de un aspecto que se sume a la sinceridad a la vida, se indigna, huye y discrimina; tal fue el caso de esta artista.

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 Colorado, su lugar natal, quedó retirado de su lente, para poder alcanzar una serie de experiencias que harían de la mujer, su admiración más grande. Su trabajo es muestra de la belleza y demagogia encerrada en el sexo femenino. Lejos de encontrarse a sí misma, la mujer es la presa más fácil de actos superfluos, que la reivindican como un objeto. Francesca iría más allá de eso; el desnudo como vía para descubrir la gran aflicción del “sexo débil” –a mención de lo que se ha tratado de hacer ver a la mujer–.

 Vuelta a un cuerpo para retratar de varias maneras la vaciedad de los pensamientos que al considerarlos insensatos, se sumergen en el viento del olvido. Entes que dominan la mente y que no permiten el libre tránsito del juicio. Escondes y tratas de aparentar, hay que desnudarse para descubrir de que estamos hechos –tanto de materia como de sentimientos–. El espectro es el pánico, horror para encontrar lo que tanto se niega y el segundo es el dolor, éste es el gran abismo.

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 “Esta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo.Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraño efecto en mi vida… La fotografía es también una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a través de mi mente.”
– Francesca Woodman.

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 Uno de sus primeros trabajos, fue “Autorretrato con trece” (1972). Oculta su cara, mientras que sus misterios y realidades de la vida le acompañaban para reflejar al humano bajo sus sentidos más nauseabundos. Ese pavor hacia la franqueza, sólo desemboca en el acto de traicionar el “ser” del mismo hombre. Un trabajo sensato desde el principio. Mundo de cobardía que Francesca delineó perfectamente desde que inició sus estudios en Rhode Island School of Design. En poco tiempo, logró recorrer la yuxtaposición entre cuerpo y alma a través de fotografías que mostraban la necesidad por descubrir que había más allá de lo tangible que tanto persigue el hombre.

 El cuerpo femenino fue su estandarte para poder dar cuenta de la opresión que radica entre lo que no acepta la sociedad; núcleo que se llena de aspectos de doble moral que singularizan la memoria fotográfica de Francesca Woodman. En vida no pudo ser partícipe del reconocimiento hacia lo que sembró, sin embargo, después de un suicidio que ganó la vida de la gran artista; su legado se observó desde otra perspectiva y cinco años después, en el Wellesley College Museum se presentó parte de su obra. Woodman es otro claro ejemplo de que muchos artistas no son ni siquiera nombrados cuando poseen vida, sino hasta que se reflexiona que la muerte fue el único escape que les quedaba para salir de una prisión tan hostil.

Originally posted 2014-12-17 09:00:08. Republished by Blog Post Promoter

Seis poetas revolucionarios de América Latina: Luchadores sociales


Poetas que hablaron para el mundo y para sí mismos, soñadores que alardearon de las letras para escapar de la mezquindad del sistema político, que inundaron las huellas de una dramática y controversial aventura que los llevó a navegar sobre los objetivos que ayudaban a vislumbrar la libertad como situación de urgencia del individuo. Banderas y símbolos patrios  que en su momento no les permitieron desenvolverse en su forma o en su juicio, ya que buscaban incansablemente otra situación social a partir de una palabra que parecía darles temor a muchos: Revolución.

 Los mártires que son  los esclavos de lo usual la clase alta, que se entiende como las personas que tienen más poder en el control del aparato gubernamental, los perseguían (y lo siguen haciendo actualmente) hasta el cansancio, con la finalidad de que no quedará rastro de su emblema. ¿Cuál era el hecho por el que eran ultrajados y exiliados? Simplemente porque iban de un lado que no era bien visto, porque ellos eran los grandes luchadores que denunciaban al opresor de diversas formas.

1.Jose Martí (1853-1895)

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“Dos patrias tengo yo: Cuba y la noche.

¿O son una las dos? No bien retira

su majestad el sol, con largos velos

y un clavel en la mano, silenciosa

Cuba cual viuda triste me aparece.”

— Fragmento de dos patrias.

 De nacionalidad cubana, luchó incansablemente por la independencia de su país. La palabra revolución formó parte de su gran itinerario, por lo cual en su revista “Patria libre” daba cuenta de los tiempos tan difíciles por los que pasaba Cuba. Perseguido y acechado por el Estado, fue presa de un encarcelamiento que duró seis años, aunque eso no fue impedimento para que la escritura le acompañase en ese tiempo que fue un calvario. Fue deportado a España y su arduo trabajo intelectual se representó en varias obras, en la cual destaca “La república española ante la revolución cubana”. Víctima del exilio, su viaje se postergó por toda América Latina. Camarada que se oponía a los lineamientos del mandato burgués.

2.César Vallejo (1892-1938)

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“Y, entre mi, digo:

ésta es mi inmensidad en bruto, a cántaros

éste es mi grato peso,

que me buscará abajo para pájaro

éste es mi brazo

que por su cuenta rehusó ser ala,

éstas son mis sagradas escrituras,

éstos mis alarmados campeñones.”

— Fragmento de epístola a los transeúntes.

 Perú su país natal, formó parte del gran sentimentalismo de este poeta. Preocupado por el bienestar social, dedicó gran parte de su obra a la gran encrucijada entre la vida y la muerte; el sufrimiento del hombre fue uno de los grandes temores que le acechaban, muestra de ello son “Los heraldos negros” que vislumbran la necesidad de una rebeldía interna en el hombre. En 1920 se le acusa injustamente y es llevado a prisión durante tres meses y medio.

3.Pablo Neruda (1904-1973)

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“AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano.

Cuando sujeto al corazón la espada,

cuando aguanto en el alma la gotera,

cuando por las ventanas

un nuevo día tuyo me penetra,

soy y estoy en la luz que me produce,

vivo en la sombra que me determina.”

— Fragmento de América, no invoco tu nombre en vano

 A pesar de las múltiples limitantes que sufrió por parte de su familia para dedicarse la poesía, el chileno no abandonó ese espíritu cautivador que lo hacia aferrarse a una nueva perspectiva de vida. Formó parte del cuerpo gubernamental de su propio país, sin embargo, detalles como la lectura sobre un fundamento de nombre “Yo acuso” que hizo delante del Senado le valió una detención arbitraria, por lo cual sale de su nación en 1949. Militante del Partido Comunista y ferviente acompañante de Salvador Allende.

4.José Revueltas (1914-1976)

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“Yo, que tengo una juventud llena de voces,

de relámpagos, de arterias vivas,

que acostado en mis músculos, atento a cómo corre y llora mi sangre,

a como se agolpan mis angustias

como mares amargos

o como espesas losas de desvelo,

oigo que se juntan todos los gritos

cual un bosque de estrechos corazones apretados;

oigo lo que decimos todavía hoy.”

— Fragmento de canto irrevocable.

 Originario de México, provenía de una familia intelectual duranguense que mostraba una preocupación constante por la lucha social. Fue miembro del Partido Comunista Mexicano, víctima de innumerables encarcelamientos, Revueltas siguió desempeñando el papel de un gran activista social que defendía a capa y espada los intereses de la clase menos privilegiada. Su gran aporte le mereció el Premio Nacional de Literatura en 1943. Lecumberri y las Islas Marías fueron lugares donde tuvo que callar mientras se le encarceló de una manera muy ruin, mientras que se le privaba de su actividad libertaria.

 5.Roque Dalton(1935-1975)

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“Cuando yo muera,

sólo recordarán mi júbilo matutino y palpable,

mi bandera sin derecho a cansarse,

la concreta verdad que repartí desde el fuego,

el puño que hice unánime

con el clamor de piedra que eligió la esperanza.”

— Fragmento de hora de la ceniza.

 Proveniente de una familia de origen norteamericano, Dalton manifestó su inconformidad hacia el contexto social que veía en el Salvador. Fue parte de los jóvenes revolucionarios de América Latina, además formó parte del Partido Comunista Salvadoreño en 1958.También fue víctima del acoso por  parte del gobierno, lo que originó una serie de encarcelamientos que no tenían las bases para respaldar el porqué de dichas detenciones. Después de dejar el Partido Comunista, forma parte en 1973 del Ejército Revolucionario del Pueblo. Fue asesinado por miembros de la guerrilla.

6.Otto René Castillo (1936-1967)

otto

“En mi país,

la libertad no es sólo

un delicado viento del alma,

sino también un coraje de piel.

En cada milímetro

de su llanura infinita

está tu nombre escrito:

libertad.

En las manos torturadas.

En los ojos,

abiertos al asombro

del luto.”

— Fragmento de la libertad.

 Activista de origen guatemalteco que se rebeló en contra de los principios opresores de un país que estaba constantemente en llamas. Fue parte de guerrilla “Fuerzas armadas rebeldes”. Trabajó arduamente con los campesinos y fue parte primordial de la lucha armada de Guatemala. Torturado vilmente por el Estado y a mandato del coronel Carlos Arana Osorio, muere en 1967.

 Personajes que no dudaron ni un segundo en clamar esperanza por naciones que sufrían de ultrajes hacia la vida. Sus poemas dieron el aliento suficiente para que muchos despertaran y oyeran de una manera diferente el canto de las aves en días de oscuridad que parecían infinitos. Gracias a sus letras, la voz hispanoamericana ha sido prolongada a través del grito ensordecedor que pide rebeldía y justicia para quiénes no tienen voz ni voto en un sistema que encarcela a los más conscientes.

Originally posted 2014-11-27 09:00:44. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

chavos

“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

san ciprian

 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

helados

Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

chidos

Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

MUTEK 2014: Cuarta edición en la Ciudad de México


Vinculación digital e ingenio son los términos más precisos que corresponden al sentido que ofrece el Festival de Creatividad Digital (MUTEK) en su cuarta presentación en México. Mezcla diversas formas de innovación, para darle un sentido más amplio a las artes audiovisuales a través de la presentación de diversos talentos;encargándose de brindar la  oportunidad de conocer más acerca de su alcance como proyecto de vanguardia.

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Crédito:Residentaadvisor.net

 A través del programa Play, se ha brindado la ampliación para recibir a más talento de origen extranjero y nacional. En ese sentido, una ingeniosa manera entre el aspecto visual y sonoro, se generaliza para darle a éste proyecto una sorpresiva presentación que romperá los esquemas tradicionales.

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Crédito:8bitgeeks.com

 A/Visions y Para/Visions  son dos itinerarios que presentarán una combinación entre matemáticas y la aplicación de tecnología, de una forma muy interesante e impactante. Traerán consigo un conjunto de elementos visuales extraordinarios que se mostrarán de forma idónea con el gusto del espectador.

La edición 2014 de Mutek trae consigo una gran diversidad de propuestas multifacéticas y, por ende, espectaculares. Las fechas de presentación están confirmadas en el mes de Octubre, los días 20 al 26 del año en cuestión; teniendo como sede la Ciudad de México.

El sonypass será el boleto para poder ingresar al festival durante toda la semana, su adquisición puede ser vía Ticketmaster.Sin duda, música electrónica acompañada de arte visual serán el toque primordial, para ofrecer un evento de altura y gran precisión escénica.Dentro del line up que se confirmó, algunos de los proyectos asistentes serán los siguientes:

 

  • AXEL BOMAN

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    Crédito:Mutek.mx
  • BEN FROST
  • BOUNDARY
  • DAITO MANABE
  • DANIEL AVERY
  • DERU & EFFIXX 1979 AV DOCUMENT
  • JON HOPKINS
  • KANGDING RAY
  • LAWRENCE
  • MAOTIK & FRAKTION
  • MAX COOPER
  • ONEOHTRIX POINT NEVER FEAT. NATE BOYCE
  • PANTHA DU PRINCE & THE BELL LABORATORY
  • SIETE CATORCE

 

Originally posted 2014-09-01 09:00:54. Republished by Blog Post Promoter

Festival del Bosque de Chapultepec 2014: Doceava presentación


En su doceava edición, el festival del bosque de Chapultepec busca conmemorar los 50 años de reconstrucción de la segunda sección de este lugar, por lo que se presentarán diversas actividades del 13 de Septiembre al 26 de Octubre del año en curso.

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Crédito: Museógrafo

 La programación de esta edición, está compuesta por un itinerario que contempla desde las artes visuales hasta las plásticas. Se conformará por conciertos, recitales, presentaciones de danza, funciones de teatro y también se podrá acceder a la visita minuciosa del bosque en compañía de un guía, que brindará la información suficiente para conocer más de esta reserva natural de la Ciudad de México.

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Crédito:Más por más.com

 Las actividades están planificadas de manera que gente de todas las edades puedan ser partícipes de esta iniciativa,  por promover el arte en toda su expresión.  Cabe mencionar, que la entrada en la mayoría de los casos es gratuita, solamente en lo que respecta a la entrada de algunos museos  y ciertas visitas guiadas, tendrán un precio que será accesible para el público en general.

 Desde muy temprano, habrá diversidad de actividades que van desde clases de tai- chi hasta juegos de mesa; como son el ajedrez y el dominó. En la tarde podrá apreciarse la belleza del bosque de Chapultepec con las visitas guiadas en sus distintas áreas, además de poder disfrutar de un día agradable con la familia que se acompañará de música, teatro y talleres infantiles.

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Crédito:Secretaría de Desarrollo Agrario,Territorial y Urbano

 Debido a su carácter multifacético y a su relevancia por querer concientizar a la gente desde un aspecto ecológico, se podrá satisfacer a todo el público en general. En lo que respecta a fotografía, habrá una serie de muestras que permiten vincular diversos temas, a partir de la presentación  que lleva como título: Observatorios Astronómicos, puntos de conexión de la Tierra con el resto del Universo, que se presentará en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.

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Crédito:Mazaryk.tv

 La educación también formó parte de los aspectos claves en esta edición; por lo cual se brindaran talleres de pintura infantil, además de asesorías de regulación que indagan áreas como la escritura, la lectura, entre otras básicas.

 Para personas que gustan de la danza y sus fuentes primarias, se brindarán clases de salón en los días programados en la cartelera – posteriormente se dará mención de la página para checar los horarios- .

 No podían faltar, los recorridos nocturnos en bicicleta que permitirán poder ver la magia de la noche, en compañía de la singularidad de la Ciudad de México.

Para consultar horarios, visita la página oficial del Bosque de Chapultepec.

 

Originally posted 2014-09-22 10:03:11. Republished by Blog Post Promoter

Prejuicios femeninos: Perspectiva del siglo XXI


Me negué a reconocer que realmente tenía un problema de autoestima desde muy pequeña. Me la pasé viviendo con prejuicios en torno a la opinión pública, al cómo te están viendo, al si te aceptarán o no y otras frases que no difieren de este contexto que tanto le pega a la mujer, y que paradójicamente no es cuestión de novedad, sino que esto ya se vislumbraba desde que comenzó a presentarse como objeto para el mundo, es decir, como si fuera la mercancía más demandada en el mercado.

 Cuestiones simples como la ropa, el calzado y demás situaciones divergen en el poder para manipular a la mujer en un sólo instante, lapso que puede determinar su cambio abrupto en estados de ánimo y que la vuelven presa fácil de los estándares sociales. Mientras más flaca, mejor –piensan las más vulnerables-, mientras que las más fuertes sólo tratan de aparentar que todo está bien y que la aceptación fue algo fácil de ejercer.

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Ilustración elaborada por Pedro Sosa.

 La venta de un cuerpo con las medidas que más desaten el pensamiento del hombre, la creación de un estereotipo que por genética no tiene pertenencia alguna, la constante publicidad en torno al “debería” de una mujer, la manipulación a través de sus funciones sociales y otras cuestiones más la arropan para crearla al molde de requerimientos sociales que no le pertenecen. La hacen parecer un maniquí de aparador que no debe moverse y sólo acatar una serie de normas que enaltecen un ego injustificado.

 Tal vez parezca un simple problema de autoestima femenino, pero la situación va más allá de un cotidiano prejuicio mortal. La cultura occidental –principalmente a mediados del siglo XX- , ha adoptado una serie de patrones que desmoralizan a la mujer y en su acervo cultural, sólo hace hincapié en lo que está bien visto, sin importar que tan vacía o seca se sienta. El eje, muchos lo piensan desde un problema de peso/sobrepeso, otros  desde el significado de belleza y los más ortodoxos desde una diferencia de género. Entonces, ¿Qué define a los prejuicios femeninos?

 Los prejuicios femeninos forman parte de nuestro andar ; en el proceso de desarrollo adoptamos una serie de objetivos que han sido impuestos. De ahí, surgen maneras de poder compenetrar en cada meta como es el ingreso al trabajo, a la escuela, a cierto círculo social y entonces las preguntas empiezan a adentrarse de mayor forma en el pensamiento de la mujer y es cuando la inseguridad llega de repente, de manera que no da paso para crear condiciones de identidad. Desmotivaciones y una indignación hacia sí misma es el resultado de querer aparentar y no ser, de forma que la máscara se convierte en el artilugio de mayor precio en un mundo que se corrompe por cuestiones tan superfluas que no cobran un significado inherente al ser humano. Una existencialismo dudoso y que enaltece las condiciones más vertiginosas del mundo contemporáneo, visten a la mujer entre sedas e interrogantes de quiero….pero no puedo.

 Una sonrisa llena de botox, un pensamiento rígido, un debo hacer y un dilema entre querer y poder incrementan la inseguridad de la mujer. El énfasis no radica en una comparación entre su misma condición biológica, sino en una cuestión de subordinación social, ahí es donde se encuentra el conflicto principal, no en el peso, no en las vestimentas;la disyuntiva es mucho más compleja.

 El tormento de los prejuicios femenino recae en la posición ante un papel que ha sido adoptado y que no se ha modificado desde el momento en que se aceptó como una imposición; su determinante ante hechos que por sí mismos no se han esclarecido, además  no se dio el tiempo preciso para cuestionarlos. Con grandes barreras por reflexionar sobre sus méritos a diferentes lapsos, la mujer creció en el olvido de lo que realmente quería.

 Reitero, no es el vestido, no es el cuerpo, el prejuicio es cuestión tan arraigada al individuo que un simple análisis lo relaciona con cuestiones que tengan que ver con situaciones atípicas a personalidad, y por lo tanto la vulnerabilidad de la sociedad femenina se fomenta desde una condición biológica y no de aptitud – he ahí la gran limitante-.

 La mujer es requerimiento social, pero en ese afán por serlo niega su capacidad de crear y transformar ciertas condiciones que ya le fueron impuestas; se aferra a esa zona de confort que tanto le place y que sucumbe entre su afirmación o negación –según sea el caso-. Mientras los vestidos son más ajustados, las tallas parecen abrumarla de una manera abominable, si su ser ya no está tendencia por medio de la exigencia, su vida corre peligro entre si reflexiona o no. ¿Cuántas de verdad critican su situación ante el mundo? Es entonces, cuando el prejuicio invade el ejercicio de opinión, para impedir tener un posicionamiento claro sobre su desempeño en todas las facetas de la vida.

Originally posted 2014-11-06 10:27:31. Republished by Blog Post Promoter

Yo sólo quería ver el rosa: La pubertad y la cursilería


Caminaba entre sueños color rosa, imaginaba un mundo lleno de parejas felices y torpemente, crecí entre la cursilería que tanto me empeñé a ver.Yo nada más, quería ver mi propia película de amor, mi fantasía más conspicua, porque sapo o renacuajo…yo anhelaba que apareciera, total pues ni príncipe ni mendigo; faltaba a todas horas, desde siempre lo andaba esperando -seguro ya sabía- , pero no se dignaba a salir de su escondite.

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Crédito: Require Art.

 Cinco años, y veía con los ojos desorbitados las zapatillas de todos los colores que utilizaba mi madre – desde las tonalidades dulces hasta las más ostentosas-, veía como mis primas estaban enamoradas de su príncipe azul, como hablaban por teléfono con ellos por horas, cuando lloraban y los mandaban al averno, y también cuando fueron madres.

 Películas, libros, canciones…nada, absolutamente nada, se salva de la cursilería de tener a tu lado el mejor hombre del mundo, el que si tiene barba incipiente lo amarás, y también al que usa lentes fondo de botella y que te hará saber cuánto te quiere, total en gusto se rompen géneros.

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Crédito:Tumblr.

 No hablemos de las primeras citas, porque son temas tan controversiales. Labiales color mírame que la noche nos aguarda, perfume más penetrante que el olor de pápalo en el puesto de tacos, peinado de a Niurka Marcos, y en el peor de los casos el atuendo de la tesorito. ¿Cuántas veces no soñamos con el hecho de que nos invitaran a salir? El nerviosismo, las manos sudadas, la risa de niña fingida, los no me digas…yo también pienso lo mismo, las preguntas más obsoletas, los desaires más desagradables y un sinfín de historias están guardadas en cada una de nosotras.

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Crédito:Require Art.

 Adolescente, puberta, dueña del mundo – si mija, ándale pues-, amante de lo imposible.Creces, te maquillas, te depilas, te perforas, amas, te cortan , creces y creces. Todo un camino por recorrer, con dimes y diretes. Luis Miguel, Luis Fonsi, Ricky Martin, Chayanne, Reik son el elemento primordial para darle la bienvenida al enamoramiento ñoño, que si se cae el cielo…tendremos nuestro mundo, y que si te corta, ahora escucha las de Chente –lógica suicidio en vida-.

Scott Fitzgerald fue el autor de todos mis malestares amorosos, soñaba con West Egg, con ese gran caballero, con aquéllos días de ensueño de las big band, de los bailes de Glenn Miller, de la comodidad de tener a alguien a tu lado, de saber que no era tan absurdo el hecho de sólo pensarlo.

“El amor a la vida es esencialmente tan incomunicable como el dolor”

 Cartas de amor, el típico chico que se sigue y tú lo ves con el helado derritiéndose en tu mano, las burlas cotidianas – ahí va el que te gusta- , la fiesta de la amiguita, el ligue entre amigos, cupido por aquí y por allá, el delineado imperfecto con un brote de inmadurez por delante, la garantía por ser absurda de vez en cuando y sobre todo, de parecer que el mundo color rosa estaba cobrando vida; aunque era más oscuro que la noche misma.

 Ademanes superfluos, ideas vertiginosas, conceptos superficiales…no podías escapar de ellos, a menos que fueras una ermitaña sumergida en lo más recóndito de una habitación como lo era Harry Haller en el tiempo de los locos, de los que no entendían la vida ..mucho menos, la muerte en los tiempos que ya no importaba si estaba nublado o templado.

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Crédito:Tumblr.

 ¿Qué importaba? ¿Éramos chicas tratando de aparentar? Llega la prepa, y todo parece cambiar de vertiente. Pues, ya no era el peinado de Niurka Marcos, ahora era el de miss universo  (entre más relamido mejor) , maquillaje perfectamente reluciente, pantalones que a la fuerza ni los 20 kilos menos de tamales de exceso los harían subir, las pantorrillas mostrándose con medias que no dejaban nada a la imaginación y los niños ahora empezaban a tener barba y sentían que bailar la cumbia del gigante era lo máximo ; total …nada más le seguíamos el paso.

 Y ahora ya no es Ricky Martin,a la onda retro-vintage-chaca le seguimos la corriente, porque parecemos que no somos, pero somos la copia de cada estilo, de cada estampado, de cada delineado..de cada tendencia. ¡Bah! , de nada sirvió la cursilería en la vida de pubertad.

Originally posted 2014-09-24 15:22:08. Republished by Blog Post Promoter

Héroes de combate : Los que persistieron hasta la muerte


En el país del mundo gris

existe la muerte que demanda vidas

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Hermanos Flores Magón.

ostentosas balas quiebran el arcoíris.

La sangre clama verdad

la muerte exige justicia

el pueblo grita rebeldía

La muerte relata el olvido

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Memoria del 2 de Octubre de 1968.

la angustia corroe el alma

¡Mi pueblo! Lleno de un agravio cometido

festejado por el mundo con calma

y que su recuerdo parece alejarse

Su destierro es poder vivo

y el significado parece constatarse

¡CRIMEN DE ESTADO LE DICEN!

Dolor y sufrimiento se unen

para clamar justicia una vez más

los indiferentes pretenden

10 de junio
Lucha estudiantil del año 1971.

pero la fuerza pluvial no miente

Nos arrebataron el mundo

pero no lo harán con los sueños

La lucha no se ha perdido

el consuelo permanece en nuestros recuerdos

En este día de conmemoración,

el respeto y esmero los acompaña

a los guerreros que soñaron

y que nunca, nunca temblaron.


 

Originally posted 2014-11-01 09:00:04. Republished by Blog Post Promoter

Conan Doyle: La lupa bajo la novela del crimen


El dramatismo serial, los acontecimientos más controversiales, el rumor del asesino en suerte, las noches llenas de protagonismo existencial, mentes desquiciadas y la lupa bajo las huellas del que parece estar desapercibido, son el escenario que le da vida a la obra de crimen de Conan Doyle.

doyle Nos causa controversia y también morbo, el escuchar o leer sobre asesinatos, violencia y demás situaciones que se le asemejen, esto se plasma en que constantemente somos consumistas de libros que reflejan la novela policíaca y de crimen, de películas que relatan y revelan la violencia que se manifiesta en las relaciones sociales, periódicos que lanzan miles de encabezados con palabras tan sangrientas y fuera de orden como: Fue violada y mutilada por su esposo –así de amarillista y cruel se torna el mensaje– y mientras, la familia en cuestión llora la pérdida de su ser querido.

Conan Doyle dio paso a la creación del personaje – quizá más conocido- de la escena del crimen y misterio: Sherlock Holmes. Persona que posee gran capacidad de raciocinio, retentiva y una habilidad pintoresca para deducir el porqué de la escena en asesinato y homicidio.

“El matar a un personaje sin testigos de vista ofrece indudables ventajas para el autor de novelas. Y si, además precipita el cadáver en un lugar del cual nadie podrá sacarlo, hace con ello imposible que la justicia levante el cadáver y deje constancia de su muerte.”

 El sentido operativo y táctico de cada una de las novelas del autor, aparecen en el momento preciso en que el lector se haya enfrascado entre la laguna del crimen y la persecución; situaciones que lo hacer leer una y otra página, hasta que todo termina envuelto en un sinfín de acontecimientos que lo dejan perturbado, para que por fin pierda el sueño.

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Crédito:Nuestro mercado.com

 La ficción parece convertirse en la realidad de un ataque que no parecía tener secuencia alguna pero conforme a la aparición de cada personaje, se va hilando una trama que permite dar cuenta de cómo la lupa y el rastro que van dejando, se unen para darle una temática llena de dramatismo y singular a cada párrafo. La deducciones, las va haciendo el propio lector, descubre y recrea un escenario que le permite tener los pelos de punta y tener en cuenta, quién parece ser el asesino.

 La serie novelística del autor, va de la mano con el contexto histórico en el que se desenvuelve –específicamente de la Primera Guerra Mundial-, donde la muerte y la contingencia social se unen para convocar una ola de sucesos que de lo inadmisible hacen lo posible.

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Crédito:Tumblr.

 Estudio en Escarlata (1887), El archivo de Sherlock Holmes (1924-26), Cuando la Tierra lanzó alaridos (1928), La máquina desintegradora (1929), forman parte de un listado de obras que permiten navegar sobre los magnicidios más extraños y somnolientos, que dan cuenta de la gran presencia para transmitir miedo y temor del célebre escritor escocés.

 Las casualidades no parecen existir, y mientras la recreación se ve fortalecida con un gran número de detalles, el acontecimiento parece que llegará a su fin, y de repente, la ruta cambia y parece ser que no hay cabida en el nuevo camino y entonces, el lector se desespera; lee y relee y sin embargo, ahora parece ser que todo tiene sentido y el cambio era prudente y necesario.

 El relato presenta más claridad conforme avanza, en el principio parece que sólo la crudeza cobra vida para representar a cada personaje  –por muy ofuscada que sea la aparición-–y la recreación de cada actividad, permite que no sólo se haga una deserción entre las causas y consecuencias de cada pista, el detective no es Sherlock Holmes, el detective suele ser el que tiene el libro entre sus manos y se muerde las uñas por saber quién resulta ser el asesino a sueldo.

 Y el último destello de sorpresa, aparece para vincular la idea con lo que plasmó el escritor. La novela de crimen, cobra vida desde que la imaginación trata de enlazar un nexo entre sujetos y acciones, no está demás mencionar que el misterio parece gustarle al lector y lo hace ser partícipe de una serie de eventualidades por las que pasa  la novela.

Originally posted 2014-09-29 10:46:09. Republished by Blog Post Promoter

El arte de amar, de Erich Fromm: Reflexión en torno a la negación

Empiezo por citar lo siguiente :

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“Felicidad no es hacer lo que uno quiere sino querer lo que uno hace”                                         J. Sartre                                                    Crédito:Tumblr.

“¿Es el amor un arte? ¿O es el amor una sensación placentera, cuya experiencia es una cuestión de azar, algo con lo que uno ‘tropieza’ si tiene suerte?”, mencionaba Erich Fromm en el principio de su libro El arte de amar; situación que no está tan alejada del pensamiento contemporáneo  que incluye a cualquier tipo de persona, reflejando que el amor no pide requisitos, sólo se enternece en lo más profundo de la utopía humana, sin una explicación causal.

Amor, es la palabra que más nos hace pensar y reflexionar, y también la que nos causa temor y ansiedad. Podemos decir que éste ha prevalecido en toda la historia de la humanidad y cualquier juicio, podría estar cargado de sus conceptos antagónicos como el odio, el rencor y cualesquiera que se le asemejen

De lo anterior, surge la posibilidad de darle forma a una relación  de la forma pasiva y activa. La pasiva consiste en establecer situaciones masoquistas y degradantes, donde la típica frase sarcástica hace su aparición (Pégame, pero no me dejes)  mientras que la forma activa vincula la dominación y el deseo de querer humillar ante todo.

Las dos formas mencionadas, tienen algo en común y esto es la soledad en la que se ve inmersa el individuo; además de la falta de autoestima y el sentido de pertenencia ante la vida. Y estas son las raíces de la impotencia por dar amor, porque si bien es cierto; que el ser humano tiene la potencialidad de encarnar en sí mismo el cariño, difícilmente lo puede otorgar sin sacrificio alguno.

¿Qué podría explicar que el hombre tenga miedo de amar y a la vez  muestre una inquietud por ser amado? La yuxtaposición entre estas dos causas, muestra que el individuo tiene hambre de sentir pero no de transmitir; y tal vez de no ofrecer. Mucho pedir, poco dar. Esto se explica comúnmente, en los noviazgos que surgen tan apasionadamente y poco a poco; se van desquebrajando y que aparentemente su fractura se la deben a la falta de amor.

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Crédito:Tumblr.

  El amor infantil sigue el principio: Amo porque me aman. El amor maduro obedece al principio: Me aman porque amo. El amor inmaduro dice: Te amo porque lo necesito. El amor maduro dice: Te necesito porque te amo.                                                              E.Fromm.

¿En realidad podría entenderse lo anterior como amor? La mayoría trata de vincular este sentimiento solamente a la pareja en cuanto tal; pero la causa y la pertenencia de esta gran emoción fraternal no sólo tiene su fundamento en el noviazgo y matrimonio. Esto es la clara muestra de la noción que se tiene sobre su significado; anulando toda la capacidad y el arte de amar (he ahí la explicación breve del título).

En este camino, brindamos afecto y no lo denominamos amor ¿Por qué?, simplemente queremos vincularlo solamente  a la sensación emotiva de sentirnos felices bajo sus diferentes modalidades. Pero nos encontramos bajo una enorme dimensión; es decir, amamos a nuestra familia, a nuestra mascota y también el mismo sentimiento nos cautiva a seguir nuestras vidas.

Al dejar de lado nuestro vínculo fraternal, hemos captado que es como si funcionara  como una mercancía y que no nace naturalmente; y esto se nota en que si no existe la reciprocidad, simplemente no puede existir el amor.

¿Necesariamente es cierto? ¿No causa daño exigir pero también el no recibir? La mayoría de las veces nos empeñamos en vincular el capricho con el querer, y es cuando la nube se cae a pedazos.

Por lo tanto, el autor hace énfasis que para poder entender y darle un sentido congruente al concepto de amor, debe de comprender cuatro etapas necesariamente que son el amor fraternal, el amor materno, el amor erótico y sin duda, el más importante para poder otorgarlo; el amor que se tenga a sí mismo.

Entre más nos aferremos a pretender amar y no hacerlo realmente, más problemas tendremos para poder otorgar sin reclamo ni excusa; ya que sin duda, el amor en la humanidad ha comprendido varios obstáculos en los cuales la misma sociedad; ha corrido un peligro inmerso por ser abatido entre el odio y la soledad. Aunque, cabe destacar que la falta de afecto hacia nuestros semejantes y hacia nosotros mismos causa frivolidad, nula empatía y sobre todo una profunda amargura que desemboca en la soledad.

No se trata de intercambiar, mucho  menos de reprochar; no cabe duda, de que el amor es inherente a nuestro andar y sentir pero vivimos negándolo por la simple razón de que lo hemos construido bajo la forma de un arranque inmaduro y pasional. Cuando alcancemos a comprender que es la unión inherente hacia el ser humano, cambiaremos totalmente la concepción que se tiene sobre éste  y entonces, la posibilidad de amar será más fuerte; ya que se dejó de lado la inmadurez con la que nos empeñamos a enfrascarnos.

Salvadores del espacio.              Crédito:J.Wall.

El amor, como lo dice el mismo autor, es un arte, es la inspiración y el motor para cumplir cada una de nuestras facetas y aunque a veces se le confunda con rutina y obligación, solamente es la muestra del abatimiento en el cual nos hemos dejado sumergir. El placer por sentir y por disfrutar es algo que hemos dejado de lado y simplemente, no hace falta para poder sentir la complementariedad en todos los aspectos de la vida, porque sin amor el mundo podría haberse desquebrajado desde hace ya mucho tiempo.

Originally posted 2014-08-21 09:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Toca, toca; aquí no es: Depresión y su insistencia

Tomó el primer tren para olvidar la locura que tanto le embarga. Cada día, cada segundo se plasma en cierto rincón de la piel, en un centímetro de la hoja. La tinta no cesa y las palabras siguen fluyendo. Cuatro paredes, nada le pertenece, sólo el cielo lleno de estrellas que se reflejaban bajo sus lentes fondo de botella. No le suplicaba al canto, menos a la insensatez del mundo… le rogaba al cielo por olvidar esos lloriqueos que tanto le angustiaban, quería olvidar y no había forma para hacerlo, si se empeñaba en vivir del recuerdo. ¡Qué tramposa era la existencia! No era feliz, tampoco era una persona subyugada por la melancolía. Tenía ratos amables y también arranques fatales, pero el letargo era más amable… le llaman depresión. Irónico el mundo de los locos, porque siempre se empeñaba en contener el cosmos bajo su rezago, mientras que venía ese maldito dolor, sí, era tan maldito que lograba que la cobardía le llegase para poder huir y no voltear hacia sus temores más desolados.

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Roger Ballen,(2012).

 1,2,3… ahí seguía esa trampa. ¿Cómo se quita? ¿Antidepresivos? ¿Terapia? ¿Cuál es el remedio? Buscaba con cautela cada proporción de las posibles vías para exterminar a ese artefacto punzocortante que era el amigo de la locura; nada funcionaba y esa chinche regresaba para malbaratarle la sobrevivencia. Centros de rehabilitación, psiquiatras, psicólogos, terapeutas… ¿No entendían que nada tenía impacto sobre ese monstruo? Era una fiera viviente, altiva… su segunda piel; se hinchaba, se clamaba y también se enfurecía y parecía gritar cuando invadía el cuerpo tal como un exorcismo que ni la Santa Inquisición hubiera podido extinguir con métodos tan abruptos.

 El escondite perfecto se llamaba soledad, y le penetraba con letras brillantes: ¡Entra, entra! Todo saldrá como tú lo desees, visítame y te implorare que te quedes en el mundo donde no sufrirás. Obedecía una vez por semana, si le iba bien cada dos meses (dependía si depresión estaba muy insistente), por lo cual soledad a veces era sinónimo de huida, llegaban a un sitio peculiar, donde no existe tiempo ni espacio, era la presencia de la inanición del mundo, sólo había un punto negro que parecía lo más próximo; se metía y no regresaba por mucho tiempo… solamente ella sabía lo que había dentro. Se perdía, y Soledad solamente escuchaba el eco de su llanto, frustración y malestar. Soledad decidió brindarle apoyo con un pedazo de hoja que decía: “Para sentirte bien en este mundo tan cruel, sólo hay una regla: Sé tú misma”.

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Roger Ballen, (2012)

 Al leer eso, ella corría para seguir descubriendo lo que había. Pasó el tiempo en lo terrenal, allá no existía eso, por lo cual Soledad era la mujer de la ley de la sabiduría y de la paciencia, a lo cual permanecía serena y tranquila. Pero en ese bosquejo de lapso, aparecían su gran antagónico: Crueldad. Un tipo salvaje y veterano, que trataba de mediatizar todo, para que la frialdad invadiera los corazones. Soledad y Crueldad luchaban en ese tiempo que ella pasaba dentro, para que el nuevo emprendedor del malestar no llegase. Pocas veces, Crueldad logró penetrar en el agujero negro, de manera, que no se sabe que hizo exactamente con aquélla mujer que yacía dentro. Salió despavoridamente y la muchacha salió minutos después. Semblante vacío, rasguños, mezclas de dolor por el cuerpo, mordidas y un bosquejo de desolación. Soledad no la podía distraer y ahora, regresaba al planeta de los engreídos a ver qué pasaba ahora.

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Roger Ballen.

 Regresaba más perdida de lo que se fue, cuando Soledad perdía la batalla. Depresión se aprovechaba de eso y la acechaba en la rutina de su vida, por lo cual, ella trataba de encontrar salidas fáciles, que sólo denotaban su falta de valentía.

 ¡Inútil era el intento! ¡Estúpida la forma de querer encontrar el método o la pócima que la hiciera libre! Era una estúpida de la belleza del amor, de la desesperanza. Crueldad, ya ganaba más rápido, eso era un indicio de la torpeza la visitaba cada vez más. Quería salir, pero se empeñaba a quedarse y la hora no llegaba… ni llegaría, o tal vez si, pero si se sujetaba fuertemente a Soledad para encontrar realmente la huella bajo su pie lastimado.

Originally posted 2014-12-15 09:00:23. Republished by Blog Post Promoter

Pasaje coyuntural de Franz Liszt

Pintura de Franz Liszt.

Rapsodia y musicalidad, describen el célebre sentimiento de perpetuidad que envuelve al gran maestro de origen húngaro; alabado y materializado a través del tiempo. Caracterizado por la sincronía de sus acordes, de sus pasos y obstinados cambios en cada una de sus obras temáticas.

 La trascendencia del gran compositor ha tenido un sinfín de valores sincronizados en la historia de la música clásica de finales del siglo XIX y comienzos del XX. París fue el lugar idóneo para su desenvolvimiento ancestral en cada una de sus interpretaciones sobre sus grandes contexturas armónicas.

 Olvidándose de la banalidad que imperaba en la zona europea, él sólo presentó su singularidad para componer y admirar cada una de las tonalidades de la época que dio su gran paso hacia la musicalidad.

 Teniendo como precedente al majestuoso Niccoló Paganini; reconocido por la destreza para manejar el violín, se acompañaba del recuerdo de la fragancia de las melodías, de los retoques sincronizados de par en par y en conjunto con la suntuosa magia del alma; mientras que a lo lejos se escuchaba el eco inadmisible de los corazones desquebrajados y el reflejo proteico de anhelar una y otra pieza.

 Gran parte de su legado, se debe a las reflexiones en torno a grandes compositores como Schubert y Beethoven, de quienes haría sus mejores aliados para construir la pieza más conocida de éste, conocida como sueño de amor. Dicha pieza, fue la apertura central para su gran repertorio musical que impera en situaciones como una velada romántica hasta una película pintoresca sobre las emociones de la predilección del querer.

 ¿Quién no ha escuchado en una película alguna tonada perpetua del gran Franz Liszt? ¿No ha curado más de un lloriqueo en pleno siglo XXI?

Portada de la cinta autobiográfica del compositor.

 Versiones autobiográficas como la cinta de 1960, que también se titula con el mismo nombre y que trata la vida enigmática de Liszt, triunfando en 1961 con el Globo de Oro; trae consigo una mezcla aborigen de querer saciar el dolor y la frustración de la emoción sensorial, a raíz de la confabulación de nuestros días.

 Liszt nos transporta a lo inimaginable, a una conmoción, al acompañamiento de la palpitación cardíaca fuera de orden, a palabras inauditas imperceptibles y fugaces deseos; quebrantándonos en un solo destello de cinco minutos.

 Paradójicamente, además del amor; Liszt nos brinda la oportunidad de viajar a través de la melancolía, de ese sentimiento inaudito y persuasivo, como se hace entrever en la triste pero penetrante sinfonía de Fausto.

 ¿Cómo olvidar la majestuosidad de la sinfonía del desdichado e intransigente Fausto? Goethe supo blasfemar , además de admitir de una singular forma la cadena que envuelve al hombre y, metafóricamente se refiere al personaje de Fausto y al fatuo destino que le aguarda con el maléfico Mefistófeles.

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Caracterización de la obra de Goethe.

 Minuto ocho y los vellos de punta, los ojos desorbitados, la lámpara encendida tenuemente, la terquedad del viento azota contra la ventana y la cautela desaparece; para dar paso al anárquico meneo del brazo.

“Yo soy una parte de aquella parte que al principio era todo; una parte de las tinieblas, de las cuales nació la luz, la orgullosa luz que ahora disputa su antiguo lugar, el espacio a su madre noche”

“Plática entre Richard Wagner y Franz Liszt”           Crédito: The Muslim Times.

 Cumplidos sus 36 años; sentimientos como jubilo, serenidad y esperanza acechaban esa vida que auguraba más éxito y notoriedad entre los más afables a la apreciación de la música, pasó a convertirse en uno de los guías de las obras maestras de Richard Wagner, memorias que constituían una mágica e inigualable intensidad.

 Lo anterior se retrata en la frustración e ironía que refleja la ópera titulada La muerte de amor de Isolda, que muestra el retrato de una relación desalmada y siniestra entre dos seres que han vivido para amarse plenamente, a pesar de la crueldad y de la incipiente negación por no querer avanzar el resto de sus días.

 Del amor al odio, del rencor a la reconciliación; son sentimientos antagónicos que sólo la sonoridad a la Liszt nos brinda al caer la noche o al acercarse el ocaso de cualquier día de la semana que se avecine.

Originally posted 2014-08-11 13:31:40. Republished by Blog Post Promoter

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Originally posted 2014-12-24 12:35:34. Republished by Blog Post Promoter

La ilustración de las cadenas bajo Chiara Bautista


 

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

La ilustración mexicana ha desempeñado un papel increíble en los últimos años que merece el reconocimiento de la sociedad. Tal es el caso del trabajo de Chiara Bautista, ilustradora de origen nacional que radica en Estados Unidos y que trata el emblema del dibujo desde una trama bastante interesante. Víctimas del abandono o no, su trabajo muestra a mujeres atrapadas que parecen ser la víctima de un hecho que las aflige y las aprisiona por un buen tiempo. ¿Cuál podría ser ese calvario? Se podría considerar como las fuentes de un caos emocional, ya que en este planeta vacilamos sobre lo que está bien y lo que está mal –desde la perspectiva de la moral. A su vez, ese afán moraloide que acompaña al humano cuando ve las cosas por primera vez desde un aspecto purgativo y sin considerar el porqué de la sensación humana, causa tantos destrozos de vacío existencial. Aquí es donde radica el clímax de la expresión de Milk (como también se le conoce a Chiara).

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Chiara Bautista.

 Pasión, subversión, libertad y esperanza podrían ser los palabras que permiten conceptualizar cada imagen que deletrea la necesidad por descubrir al individuo desde una concepción meramente sensomotora, es decir sin un sentido de apego hacia lo que sólo es tangible (cuestiones materiales). Más allá de eso, el concepto humanista que demuestra Milk en su trabajo, involucra también la necesidad por recrear un ambiente de esperanza en un mundo tan olvidado de sí mismo. Recuerdos más, reflexiones menos… la arbitrariedad de la sociedad. 

 “Bellos y falsos”, “La pasión” y “El inmisericorde abandono de la niña pulpo” son algunas de las frases que acompañan a cada creación, por lo que es lógico pensar que existe una relación entre lo que se hace y lo que parece ser un proceso de reflexión de la vida cotidiana. Chiara de una manera muy ingeniosa, abre la puerta hacia un esquema de criterio que abone entre pensar y accionar, es decir, no perder la línea de la vida; el ser dueños de nuestros propios deseos y así forjar nuestros detalles más mundanos. ¿Qué pasaría si todos nos dejáramos llevar de la misma forma? Sin duda, no habría esa posibilidad de crítica y también de poder plasmar cada quien su ruta ante lo que cree pertinente y lo que no, pero algo que nos acompaña a todos y con letras grandes lo podría ratificar es la palabra prejuicio.

 Retomo una frase: “Bellos y falsos” ¿Qué tan falsos somos? Si la falsedad hablase, creo que todos tendríamos que decir algo de ella, el fingir es un ameno acompañante de la mentira y la banalidad. Hechos de un mar de vacíos emocionales sin poder comprender el porqué del abismo, deambulamos entre rechazar y aceptar lo que realmente somos o queremos ser. La propia encrucijada se haya en cada desfiguro que pretendemos hacer con la finalidad de encontrar la esencia de las causas y los efectos. Mentimos cuando decimos que desconocemos lo que está bien o mal, somos dueños del prejuicio hasta el cansancio. Una vez más, Chiara Bautista da en el clavo en cada muestra de sus imágenes.

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

 Cuerdas y redes se pueden vislumbrar en gran parte del ingenio de Chiara Bautista, que se logra presentar a lo largo de su trabajo. ¿Cuáles podrían ser esas ataduras? Las cadenas hacia la mera pretensión, involucran al hombre en una serie de mecanismos que lo hacen inerte en la participación que desenvuelve en la sociedad; sociedad que aplaude las máscaras y los buenos deseos de un mundo más hostil. Gancho al hígado, Chiara vuelve a dar tiro al blanco. La pulcritud que se detona en cada ilustración apunta el gran logro de la mexicana. ¿Somos víctimas de esas cadenas o pretendemos serlo? Cada uno de nosotros tiene la respuesta certera, la ilustradora sólo hace su debido trabajo: Dar rienda suelta a la imaginación.

 Las ilustraciones de esta mujer llena de talento no están alejadas de lo que siente el individuo. Necesidades nos hace presa de una ruina inaudita que nos hace caer en los temores más abruptos. La descripción de esto, radica en cada imagen que singulariza las relaciones humanas.

Originally posted 2014-11-24 09:00:37. Republished by Blog Post Promoter

El flamenco: Historia de una lucha social


 

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Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

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La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

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Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

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Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

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De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Originally posted 2014-11-03 09:00:43. Republished by Blog Post Promoter

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

Originally posted 2014-11-27 09:00:25. Republished by Blog Post Promoter

Vicente Leñero (1933-2014) : Genialidad del periodismo y la literatura mexicana


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Crédito:Excélsior.

Jalisciense, gran representante de las letras mexicanas, mostró su capacidad periodística de muchas formas, dueño de inigualables facetas; su nombre bajo la mirada del luto nacional: Vicente Leñero, hombre de principios y paradojas que se enraízan en un emblema social que logró transformar el entendimiento de la literatura mexicana; falleció el día 3 de diciembre a causa de cáncer pulmonar. Afable al arte y a la vida en toda la extensión y al sentido crítico de la vida, Leñero compenetró en cada rincón de la singularidad mexicana.

 Ingeniero civil por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y fiel seguidor de las letras, encontró su vocación bajo el camino de la escritura; fue su más sincera pasión a través del tiempo. Su reconocimiento no sólo quedó entre voces, el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México en literatura y lingüística en el año 2001 le perteneció al gran poseedor del talento que corrompía detalles entre palabra y palabra.

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Crédito:El Universal.

 El repertorio que generó abarca la peculiaridad  y el detalle tan magistral que lo caracterizaba. Su primera obra fue publicada en el año de 1959 con el título que invita a descubrir el trabajo tan exquisito que realiza: “La polvareda”; posteriormente  le procede una novela que tiene un gran alcance para expresar el significado psicológico del autor, con un título abrumador y penetrante “La voz adolorida” (1961) es su segundo escrito. 1963, año que pertenece a la década de cambio de patrones de vida; presenta el libro “Los albañiles” que con gran ahínco implícito, logra tener el Premio Biblioteca Breve, con una historia que muestra la narrativa tan excelente que poseía.Misma década, misma sintonía, así publica “El garabato” en 1967.

 El teatro también fue uno de los temas donde presentó su gran aporte, a través de la construcción de guiones. Obras como Los albañiles, Los hijos de Sánchez, fueron títulos que bombardearon la década de 1970.  1980, y el México entre sombras se presentaba en cada rincón del país; Leñero  publica una serie de libros de índole documental que reflejan el anacronismo de esos años.  Su trayectoria, no quedó en ese aspecto, si era multidisciplinario, lo mostró aún más, cuando realizó en el año 2003 el guión para la película tan controversial “El crimen del padre Amaro”. Proceso y Excélsior fueron algunos de los medios para los cuales enriqueció la labor periodística; ese sentido crítico y perspicaz sobresalía en cada columna.

“No me gusta que las historias se acaben, ni en el cine, ni en la literatura, ni en la vida. Siempre tiene que haber más posibilidades,más caminos,más respuestas”

-Vicente Leñero.

 81 años cumplidos y Vicente Leñero abandona el mundo de los terrenales, pero su espíritu de letras se queda en cada uno de los que ha podido leer su obras tan  inigualables. Su homenaje será mañana a las 12:00 hrs en el Palacio de Bellas Artes. Así como el mencionó, la historia no se acaba.

 

 

Originally posted 2014-12-04 15:28:28. Republished by Blog Post Promoter

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Originally posted 2014-12-22 09:59:17. Republished by Blog Post Promoter

Soledad bajo el Expresionismo : 151 años del nacimiento de Edvard Munch


Edvard Munch (1863-1944)

12 de Diciembre de 1863, día en que Edvard Munch nace bajo la lupa de una familia rígida  y con semblante duro. El expresionismo noruego se graba a finales del siglo XIX bajo los trazos de un nuevo icono. Quebró los límites de pensamiento del siglo pasado. Dramatismo, singularidad y un nuevo relieve para alcanzar la inspiración, fueron las pautas que permitieron a Munch esquematizar el descontento que prevalecía en él como ser individual, sin pensar que su legado iba a prevalecer desde aquéllos años donde la frialdad del mundo parecía pertenecer a la naturaleza tangente del hombre.

 La muerte fue el gran emblema de sus obras, suceso que le acechó a muy temprana edad. Esto se encuentra claramente en la obra “El funeral” (1896), donde la escena resulta desoladora y trágica, sólo falta ver que el único rostro que se vislumbra tiene el semblante caído y desvalido, las demás caras se encuentran perdidas bajo el regazo de la tristeza. La melancolía cobraba vida en el mundo del noruego que penetró sobre los dolores más sublimes del ser humano –desde la depresión hasta la esquizofrenia-. Cinco años y la muerte de su madre fue el elemento sustancial para tener una expresión visceral sobre el deceso de los seres queridos; el núcleo familiar parecía ser el complemento para desarrollar su ansiedad por retratar la conmoción del sentir humano; porque dolor y felicidad se yuxtaponen a cada momento.

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“El funeral” (1896)

 “Atardecer en el paseo Karl Johann “ (1892) muestra la singularidad del sentir del pintor. Se enfrentaba a los desaires de una sociedad que tal vez no le comprendía, y por lo tanto, no podían descubrir la magia de su pintura. Un desaire y decepción amorosa, fue la pauta que lo sumergió en una melancolía fortuita, que culminó en la soledad misma. Oslo no parecía ser su sitio preferido, por eso, la vida la pretendía más allá de lo terrenal. En su manifiesto de 1889 de “Saint Cloud” destaca lo más importante de su desenvolvimiento como artista. Las palabras se nutren de sinceridad y vocación hacia la vida misma; letras que conmueven el alma:

“  […] Ya no se deben pintar interiores con hombres leyendo y mujeres cosiendo. Deben ser pinturas sobre seres humanos reales que respiran, sufren, sienten y aman. Me siento obligado- sería fácil- a pintar una serie de estos cuadros: En ellos es preciso entender lo sagrado. La carne y la sangre tomarían forma, los colores cobrarían vida.

Hubo un intervalo. La música paró. Me sentí un poco triste. Recordé cómo muchas veces había tenido pensamientos similares y que, una vez había acabado la pintura ellos habían sacudido su cabeza y sonreído. De nuevo me encontré en el Boulevard des Italiens”

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“Atardecer en el paseo Karl Johann” (1892)

 Asgardstrand fue el sitio que desató la descripción y paradoja envuelta en Munch. Víctima del olvido, presa del dolor, corre para dibujar lo que se encuentra fuera de la mente fría. Todos son sentimientos, lo que pasa es que la sociedad olvida, percibe y olvida, recuerda y parece olvidar. Es un intento, porque la experiencia recorre cada porción del cuerpo. París fue su sitio de formación, pero Oslo vivía en cada uno de sus detalles. Recordaba su legado a través de las vivencias en aquél lugar tan antagónico. Sombrío y lleno de reflexiones, Munch caminaba por los senderos del camino para seguir descubriendo el pilar del signo de catástrofe humana. Sin saberlo, fue uno de los pioneros para indagar sobre los fantasmas más secretos del hombre.

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“Separación” (1894)

 Cuarto oscuro, penetrante con la sombra de la luna, con el resplandor de esta como única fuente de luz en una habitación es el escenario de su obra de 1890 “Noche en Saint Cloud”. Muestra de la soledad en la que el pintor yacía a cada momento. Presencia de la muerte en sincronía con la existencia, reflejo de la bruma de París sobre sus ojos. Sinónimo de anacronismo y de emblema del tumulto de su corazón.

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“Noche en Saint Cloud” (1890)

 El andar del humano entre las distintas facetas del laberinto, es una de las más quebrantables frustraciones del caminar. La obsolescencia del pasar del tiempo, del lapso entre la adolescencia y la vejez,  del vaivén de experiencias, anacronismos y puntualizaciones que manifiestan al individuo como fuente de declaración sobre los pies y las manos más arrugadas. El viaje no cesa y la sombra de los ayeres acompaña durante la travesía; esto se plasma en su obra “La danza de la vida” (1900), descripción que muestra el proceso de retrospectiva sobre el consuelo y el apetito por desear que los años no corriesen.

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“La danza de la vida” (1900)

 Tres años atrás y en 1897, Munch declaró a la pasión que corroe el alma en una pintura cargada de azul y de sincronía entre dos seres. Mediatizada por lo sublime, lo espectral y lo concerniente a la fascinación por ser partícipe de las diversas fuentes de amor. El título es corto, pero que origina el preludio de armonizar la concepción y la importancia del anhelo por ser amado; una necesidad natural del hombre, su nombre “El beso”. No es una cuestión ajena al desenvolvimiento fraterno, es la expresión misma del desacato hacia la formalidad. Un beso se conduele, ya sea en un afán frívolo/compromiso o en una situación de muestra de afecto.

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Fotografía de Edvard Munch (1908)

En 1892, en la exposición que tuvo como sede Berlín, la sociedad espantada y sin un sentido crítico, sólo se dispuso a alarmarse en cuanto a la obra del noruego, por lo cual el rumor corrió y se trató de desprestigiar el trabajo de Edvard Munch durante mucho tiempo. Consideraban arte a lo cotidiano, más no a la obra que presentaba elementos fuera de orden. El orden como eje maestro de la década del siglo XIX y XX, persona que no congeniara en ese patrón, simplemente se le tachaba de mezquino y sin un uso correcto de lo que el arte representaba para la clase. ¿Cuál clase? La privilegiada.

 A partir de ese año, el pintor se dedica a dibujar cuestiones más notorias hacia el delinquir humano. Presionado porque su arte era mal visto, las obras más emblemáticas fueron:”En manos (1893), Retrato de Dagny Juel del mismo año, La tormenta (1893) y  quizá la más reconocida “El grito”.

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“Retrato de Dagny Juel” (1893)
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“El grito” (1893)

 Soledad, frustración y un sentimiento de aniquilamiento recorría cada trama de Munch, conquistando el mundo de los incongruentes de una manera sutil y perfecta. Entre la enfermedad mental, consoló su mundo de sentimientos y corazones que le permitieron conocer la cruda verdad del hombre. 1944, año en que tal vez su añoranza hacia la muerte lo hizo dejar este mundo tan preocupado por cosas de suma extravagancia; la sensibilidad no era parte de la gente.

Originally posted 2014-12-11 11:46:06. Republished by Blog Post Promoter

OFFF MÉXICO 2014: EL VÍNCULO POST-DIGITAL EN SU TERCERA EDICIÓN

Offf México 2014 surge de la creatividad en la actual época digital , teniendo como antesala y sede la ciudad española de Barcelona. En el año 2012 se presenta en su primera edición en nuestro país, bajo el nombre de Festival Internacional de Creatividad y Cultura Digital, presentando gran aceptación y éxito. En su tercera edición en México, tendrá como días de exhibición el 28,29 y 30 de Agosto respectivamente.

ShiroSchwarz | Crédito:Página oficial Offf México.

Los lugares donde se harán las exposiciones (dependiendo de la actividad) se distribuyen de la siguiente manera:

  • Auditorio Blackberry: Será el lugar donde se presenten todas las conferencias.
  • Cocolab: En dicho lugar, se situarán parte de los talleres.
  • Centro de cultura digital: Exposición y demostración de diversos talleres.

Dicho festival mezcla tres cuestiones fundamentales que son el diseño, el arte y la tecnología y en un conjunto formarán parte de su toque y atractivo vanguardista. El entusiasmo con el que fue presentado por primera vez en el territorio nacional, causó un gran aplauso por parte de los asistentes; que admirados de la creatividad y la singularidad esperaban con ansias esta tercera edición.

Las actividades que se ofrecen son bastante interesantes, entre ellas:

  • Conferencias: Que tratarán la perspectiva de la creatividad en torno al diseño digital, además de mezclar el arte.
  • Talleres:Se mostrarán las bases sobre las cuales, se han desarrollao los ejes para vincular aportaciones creativas en el mundo digital.
  • Expo talleres: Se impartirán del 4 al 15 de agosto sin costo alguno.Cabe mencionar, que el cupo es limitado por lo que se requiere el aviso mismo. Dentro de los temas a impartir están la animación,ilustración y manejo de un software especial.
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Crédito:Página oficial Offf México.

Para poder participar en los diversos talleres que se manejarán, el registro de hará por medio de la página web del sitio oficial del festival; ya que el cupo es limitado.

En lo que respecta a ventas, se marca el apoyo hacia diversos tipos de diseñadores que no muestran dependencia alguna; por lo  cual se abarcará desde prendas de vestir hasta diferentes tipos de muebles.

El precio de los boletos es de $400 a $500 respectivamente para la asistencia a las conferencias.

Sin duda conceptos como innovación, creatividad y aldea digital; harán su gran aparición en esta tercera edición para fomentar el gran potencial del talento nacional.

Originally posted 2014-08-22 12:21:44. Republished by Blog Post Promoter

El baúl de la alteración emocional:Los intelectuales

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Crédito:Insightuaemex.net.

Bipolaridad, esquizofrenia, depresión y demás trastornos mentales acechan a los genios artísticos desde tiempos remotos; lapsos que sólo se remiten a su capacidad de reflexión y crítica con su respectiva época. Las condiciones para su desenvolvimiento, no permitieron que se reflejara la capacidad de socializar con su entorno, mucho menos con las modas que acentuaban una dura agonía, para los que no están dispuestos a tolerar la banalidad de adquirir principios ajenos a su sentir.

 Parece ser, que todo el conjunto de malestares emocionales hacen de sus presas, a las mentes maestras del talento pintoresco y fructífero de todas las artes. Literatura, pintura, música son algunas de las áreas donde se han registrado personajes de renombre, que padecieron la intensidad de experimentar todas sus emociones a flor de piel y que sin duda, vincularon el dolor y la nobleza hacia la vida misma.

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Crédito:Portal de psicoanálisis en línea.

 ¿Por qué los malestares emocionales persiguen a los intelectuales? ¿Por qué a las mentes más brillantes? Investigadores del Instituto de Psiquiatría de Estocolmo, han estudiado este fenómeno y han llegado a la conclusión, de que hay una relación  causal entre  desarrollo intelectual y trastorno mental, y en cierta parte, un problema hereditario. A través de diversas pruebas, se logró obtener el resultante de que a mayor bipolaridad o depresión, mayor grado de intelecto.

 Las personas intelectuales, tienden a desarrollar de forma más genérica padecimientos psicológicos más graves; esto se debe en parte a la formación existencial que han desarrollado, es decir , su concepción difiere a la de la mayoría, lo que ocasiona su “sufrimiento” – por llamarlo así – por no poder formar parte del pensamiento más homogéneo de la sociedad, por lo que su diferencia sensorial y perceptiva les permite crear nuevas ideas, mejores alternativas y una situación social distinta.Tal padecimiento, encuentra sus raíces en lo que establece Zeigarnik y Bratus:

“El enfoque personal de la percepción desarrollado por una serie de psicólogos americanos contemporáneos plantea que la percepción se considera como un proceso selectivo determinado por la interacción de las cualidades objetivas de la estimulación y de los factores internos motivacionales; además de que la percepción garantiza la adaptación de la personalidad al mundo exterior y refleja el nivel de su adaptación”

 ¿Cómo adaptarse a una sociedad? Indudablemente el hecho de estar cercano a modas y ademanes en constante movimiento, resulta más difícil para aquéllas personas que están lejos de sentirse en sincronía con su entorno y a su vez, consigo mismo. El malestar se acentúa, cuando se trata de buscar y crear una nueva forma de vida…una vía más agradable para el “desadaptado” y  más extraña para el sumiso.

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Crédito:Tumblr.

 ¿Por qué al rechazo? Adjetivos calificativos como “raro”, “ñoño”, “solitario”, “gruñón” forman parte de la renuencia hacia la aceptación de las personas, que brindan al panorama una luz de realidad, su creatividad parece molestarles a los demás;cayendo en lo más mezquino: Catalogar como “impropio” su comportamiento y visión social.

 Ante el distanciamiento de la rutina social, la falta de complementariedad contempla a los genios artísticos que buscan la manera de pintar el mundo “a su color más real, al más grosero” , tonalidad que parece no gustarle a cualquier tipo de persona. El drama y la sinergia emocional, los atrapa en cada una de sus obras, en cada mirada…en cada fantasía.

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Crédito:Ceadin.org.

 El delirio por transmitir, acaba siendo su propia cárcel – que se convertirá en un sótano para toda la vida – . Ejecutan lo inalcanzable, lo imperceptible y lo más abrupto de la creación humana (no apto para mentes duras y sin rigor emocional) su arte transforma el mundo, la visión y el caos mental por el que se atraviesa día a día.

 Todas las áreas del arte, han registrado que los genios, la mayoría del tiempo han pasado por los padecimientos anteriormente mencionados, entre esas luces antagónicas están (por mencionar algunos) :

 En literatura:

  • Alejandra Pizarnik, quien entre sus letras y su neurosis acabó por contar su suicidio en vida; su agonía por querer desfallecer.
  • Virginia Woolf, ferviente defensora del papel de la mujer en la sociedad, reflejó su osadía por salir de un patriarcado que la asfixiaba constantemente.
  • Fiódor Dostoievski , soñador de lo criminal, encubridor de su propio miedo: El descubrir su verdadera identidad.
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Crédito:Argentina independiente.

 En pintura:

  • Pablo Picasso, amante de la soledad, pintor de los miedos más ocultos del ser; representante de los temores más abruptos.
  • Vincent Van Gogh, la frustración de su infancia y de un mundo que no podía entender su forma de expresarse, lo orilló a ser un individuo aislado y triste.
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Crédito:Tumblr.

 Nos definimos como seres congruentes ¿La irreverencia es mala? ¿Mala para quién? Sino estamos acostumbrados al anhelo, a soñar un nuevo mundo, a no crear …ni mucho menos a transmitir, creo que los que están mal, son los que “no están locos”.

Originally posted 2014-09-15 14:00:29. Republished by Blog Post Promoter