El caos visual de Elly Strik


Parece ser que el miedo ampara al hombre moderno bajo un enfoque distinto, pero que lo sigue  limitando a lo largo de la trayectoria de su camino. Ante esto, aparece la inquietud de Elly Strik, pintora holandesa que toma como referencia el caos y la incertidumbre humana bajo los sentidos más disgregantes de la sociedad. Con la representación del hombre bajo sus propios temores, pinta la intransigencia emocional por la cual se pasa en cada etapa de la vida. Esas sutiles pero a la vez inquietantes transformaciones, hacen de su creación una situación muy particular; algo que transgrede el propio sentido. La falta de tranquilidad del individuo aparece como reflexión en primera instancia en un boceto y posteriormente en un segundo lienzo que continúa la alteración mental y física del ser.

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Crédito: “Cuervo” (1992)

 Podría sentirse esa preocupación por entender el comportamiento humano de múltiples formas, sin embargo, el desasosiego por lograr comprender este proceso se diversifica de tal forma que suele interpretarse desde visiones distintas; es aquí cuando en su obra “La novia fertilizada por ella misma” (2008) se encuentra como el amparo y la ruina que puede darse en un mismo momento y cuando ello es la pauta para que haya una metamorfosis en diversos aspectos que van desde lo físico hasta lo mental; ambos se manifiestan de tal manera que logran compenetrarse en cierto momento como un solo elemento, pero en dicho lapso, se vislumbra como se presenta esa yuxtaposición. El sofá de Freud” (2007-2012) es la mezcla de parsimonia y tropiezo con la cual los fantasmas creados por el pensamiento ahuyentan nuestras emociones desde lo más mundano hasta lo más controversial. Mitos parecen cobrar vida sobre las sombras que yacen en el mueble trastocado de penumbras y vaciedades. ¿Qué es el hombre en su situación terrenal? ¿Un cúmulo de fantasmas? Esto puede fungir como un indicativo de la incitación hacia su propio descubrimiento.

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Crédito: “El sofá de Freud”

 La composición de tres lienzos llamada “Ángel” (2010) es un eje rector por el cual la artista refleja la preocupación de la fémina, muestra  la necesidad de una liberación insistente, que le nutre de fortaleza en cada poro, pero como es tradición, la barrera aparece como un sustento de ideas y tabúes sexuales que no constatan el poderío ante sí misma, ante su belleza genética. No es el esquema que sólo muestra parte de la anatomía femenina, el sentido corresponde a la dificultad por salir del meollo de la exploración de su independencia. Hablando sobre autodeterminación, “Modo de volar” (2012) presenta la manera en la cual surge una cuestión sobre el desprendimiento del pensamiento, en la que el individuo se relaciona con su naturaleza y su ambiente de tal modo que su imaginación se libra de la vaciedad en la que se ve envuelto –por muy mínimo que sea el caso-.

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Crédito: “Ángel” (2010)
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Crédito: Parte de la exposición “Fantasmas, novias y otros compañeros”

 “Fantasmas,novias y compañeros” del año 2010 es una exposición que describe asombrosamente el trabajo de la holandesa, donde mujeres y cuestiones que la hacen ser presa de sus anhelos, se convierten en pesadillas que hacen de su sueño algo más complicado que se llega a convertir en tedio puro. La contemplación interna hacia su utopía pretende homogeneizar su actuar con su querer, pero en su realidad no sucede tan fácilmente.

 Con una variedad indiscutible en su obra, surgen diversas interrogantes precisas y contundentes: ¿Qué somos para el mundo? ¿Qué representamos de nuestro pensar o sentir? ¿Cada particularidad la valoramos como seres con plena intención de ser individuales o esa simbiosis aún prevalece? Desde luego que somos presas del contrapeso de la existencia, así como de sus desavenencias con ella, y el proceder se delimita bajo este contexto. De esto surgen nuestras dificultades por sobrevivir, y es sobrevivencia en el sentido por el cual buscamos dar la vuelta a todo aquello que nos genere confusión o frustración; lo más fácil entonces es pertenecer a la sutil que a lo grotesco –hablando genéricamente-.

¿Qué esperamos?

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Gyula Halász.

Acércate como lo intentaste hacer, ámame como pretendiste hacerlo en tus sueños, domina tu corazón como has logrado conmover el mío, sedúceme a través de tus pensamientos y ademanes, hipnotízame más de la cuenta con la voz tan varonil y seductora que posees, desprende tu miedo; si lo haces, te desharás de la cadena a la cual tanto te aferraste.

 Háblame de tus pesares, de tus desaventuras y también de tus alegrías; quiero escucharte para siempre amor mío. Cuando pienses sobre el infortunio que te corroe, te abrazaré plácidamente sin que las palabras tengan que aparecer, mis manos formarán el ángulo perfecto para consolarte cada día…¡Cariño, no temas!

 Sorprendámonos juntos, anhelemos e silencio, caminemos sin prisa, veamos hacia el horizonte, plantemos semillas de ilusión, cosechemos los mejores frutos de la esperanza, imaginemos un instante de nuestra vida juntos, transgredamos nuestras desavenencias, compongamos la melodía más inusual ( a esa que no estás acostumbrado) , plasmemos nuestro sentir con la piedra angular del sentimiento, auguremos momentos solemnes bajo el árbol que crece bajo la sombra de nuestra indecisión, utilicemos el deseo que nos envuelve por transformar nuestra individualidad, consigamos ornamentos para nuestro sitio predilecto, dejémonos llevar; yo te siento cerca, creamos de nuevo en la nobleza del humano, construyamos el inicio de lo que tanto deseamos, prometamos que esto no es un acto de vanagloria; es un suceso de reconocimiento, hagamos de lado los eufemismos.

 No juremos en vano, no pretendamos, no radicalicemos…sólo amémonos, ya no en silencio, ahora ya no basta que las miradas y las acciones jueguen y deletreen la  partida, ahora busquemos la forma para hacernos partícipes de nuestra andanza tan bohemia como tu sonrisa cuando me susurra firmemente lo que sientes. ¿De qué sirve ser tan testarudos? No simplifiques, esto es real, no necesito decírtelo, creo que lo sabes, no finjas vivir en el exilio, estás presente en cada instante. Sé que deletreas la perfidia de tu ser, pero no quieras ser víctima de tu propio engaño.

 De la casualidad y la decisión surge el réquiem de un perpetrado suceso, de lo inamovible se desprende lo incongruente y de lo falso no se puede vivir…la falsedad no forma parte de lo que nos une, de lo que nos dinamiza, de lo que nos enamora cada día más. Entonces,  así como me amas en silencio, sé que lo harás a luz del día y ya no te quedarás quieto en la noche, pensando en la sombra de mi propio ente. Las estrellas nos pertenecen, así como la infinidad de girasoles que me encargaré de plantar en nuestro jardín. Es tiempo, es ahora, no mañana…amémonos íntegramente.

Festival NRMAL 2015: Sexta edición


La vanguardia se hace presente el festival Nrmal desde su creación. Sin embargo, en este año  la proyección va más allá de la misma huella que éste impuso desde el principio; la promesa por crear otra perspectiva de contenido presenta un gran alcance de trascendencia. En esta sexta presentación, diversos proyectos musicales harán su aparición desde Sudamérica hasta países del viejo continente. Proyectos que van desde lo emergente hasta lo conocido, como es el caso de Bocafloja, Porter hasta lo más novedoso como es Future Islands. 

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 En esta edición se contará con la gran creatividad de festivales que participarán en conjunto con NRMAL 2015, entre los que se encuentran : All My Friends, Neutral, Epicentro, Hermoso Ruido, Bananada, Festival Miloes De Festa, Liverpool Psych Fest y Visions Festival. Sábado 28 de Febrero y Domingo 01 de Marzo serán los días en los que más de 40 artistas destacados harán su aparición en esas dos sesiones.

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 El showcase que promueve el Austin Psych Fest tiene como principio crear una expresión musical distinta a la que se acostumbra; aquí la distancia no representa el límite. Con la participación de Cave, Oxomaxoma, Holy Wave, Acidandali y Negro Leo, la variedad crece de sobremanera. Además, también la vinculación entre formación, encuentro y red se hará presente para transformar un tipo de aldea digital por medio de la formación de un circuito musical; el nombre de éste programa es NODO; con éste se buscar crear un proceso de creación por medio de una interacción distinta.

 El sabor gastronómico no faltará, Comilona es una plataforma que buscará el talento culinario del escenario del pop-up. Un concurso que traerá a grandes expertos en la materia como es el caso de Martín Vargas y Javier Plascencia. El ingenio llegará al platillo más suculento y exorbitante a la vez.

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 Sexta edición, misma sintonía de creatividad, pero que innova constantemente.NRMAL 2015 trae consigo un repertorio que atrapa al público desde el primer momento. Dentro del Line up se encuentran algunos artistas como:

Sábado 28 de Febrero:

  • Phantogram
  • Mouse on Mars
  • The Black Angels
  • Machinedrum
  • El ultimo vecino
  • Bocafloja
  • Congelador
  • Malos modales

Domingo 1 de Marzo:

  • Swans
  • Future Islands
  • Tops
  • Alive
  • Meridian Brothers
  • Baby Hitler
  • Grindi Manberg

Para consultar precios y mayor información sobre NRMAL 2015, dar clic en la página oficial.

https://www.youtube.com/watch?v=Gdv9dP-6Jmw

Hikaru Cho: Body painting bajo el realismo social


El mundo pasa por una violación hacia la integridad humana, ya sea desde sucesos tempranos hasta los que han relatado poco a poco una serie de pretensiones malintencionadas. En el arte se ha constituido una protesta inminente hacia lo que dañe o ultraje la estabilidad social. No es casual: Siglo XXI, época de los desaventurados y desamparados emocionalmente, daño hacia sí mismo y a los demás, deducción o no, la capacidad por difuminar ese sentimiento de nostalgia hacia los buenos tiempos, ha cautivado a miles de artistas en todo el globo terráqueo. Asia, continente enigmático y sutil, clarifica el sopor de la vida y la necesidad por poner un brillo hacia la mirada perdida. Joven, originaria de Tokyo, Hikaru Cho expresa su sentir ante la expresión del realismo, que detona un variado número de pormenores.

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 Hace aproximadamente dos años, la joven japonesa se integró a la campaña global de Amnistía Internacional sobre derechos sexuales y reproductivos, opinión que le permitió constituir un gran esfuerzo a su labor concerniente. En ese sentido, toma como eje central el declive hacia el respeto como tal de los derechos humanos en general, un sentir que le motiva a sincronizar el cuerpo humano como directriz para empezar la obra. La atención la amerita la masa corporal, el body painting es la técnica que demuestra una forma de compenetrar la manifestación ante la mezquindad de caos de este tiempo. Mujeres y hombres, víctimas de la opresión y del delinque perpetuo son las bases para que la inspiración llegase a Cho de una manera tan controversial y sorprendente. La vacilación aparece cuando se relaciona un rostro con grietas, y no se sabe a ciencia cierta si se está viendo una fotografía o es una sensación extraña entre la angustia y la tranquilidad del modelo en cuestión. La incredulidad juega un papel vital en la creación de la tokiota, sin embargo, precisamente ese aspecto delimita que tan reflexivo pueda ser el contraste de aseveración.

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My Body My Rights (MBMR)

 No solamente se manifestó sobre la importancia de concientizar a la humanidad ante los derechos humanos; su crítica muestra también el declive hacia el que se halla el humano por falta de su propia sintonía. De una u otra forma, la convención entre alcance y limitación va desde el prejuicio hacia la conservación del cuerpo como algo perfecto hasta la muerte en vida. Los objetos pueden ser cierres, frutas, partes de la taxonomía humana… todo tipo de detalles encarnan en la pintura con acrílico que realiza. Con apenas 21 años, logra la pulcritud de algo novedoso, destaca por su arte y también por su pensamiento que conlleva a la autodeterminación e introspección. Indudablemente el reconocimiento llega, y ha compenetrado en marcas de renombre en Japón, así como la realización de diversas colaboraciones con revistas asiáticas y hasta el diseño de formas de maquillaje para modelos en especial. La trascendencia ha sido de gran relevancia para la mujer audaz que contempla la esfera social desde la transformación; primero desde la limitante hasta la construcción de otros paradigmas.

 Sujetos a cuestionamientos y a múltiples aseveraciones día a día, los seres humanos somos la mezcla perfecta entre el deber y el hacer, y en ese tránsito, la variedad de detalles conciernen en un sentido diferente. La función cotidiana varía dependiendo del compromiso y proyecto ante el cual se pertenezca, sin embargo, la similitud entre todos radica en los modos de plasmar a la vida; ya sea desde un aspecto tan trivial como benevolente. El sentimiento de Hikaru Cho se transforma en el reclamo hacia la iniquidad misma del humano, ya sea presentada a su cuerpo, su sentir o a sus semejantes; la necesidad por ser libres, alberga la gran esperanza de la artista japonesa.

Crédito: Fotografías de la página oficial de : HIKARU CHO

Plata como color elemental en la escultura : Seung Mo Park


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Página oficial: SeungMo Park.

Corea: el rostro de su trabajo. Seung Mo Park Busca la diferencia entre lo que se acostumbra hacer y la novedad misma. Sus características pareciesen simples a la vista, sin embargo, el método refleja una gran categoría hacia lo que pretende contextualizar en una escultura. No basta con la idea, la fotografía también incluye el minucioso trabajo en el que expone el esquema. Imagen y transformación se vinculan para personalizar la obra. El aluminio es la pieza angular para sincronizar el retrato con el relieve. La base es la fibra de vidrio que da fuerza a los detalles posteriores, que se estructuran de diversas láminas que precisan el diseño. La exquisitez resulta de la meticulosidad en la que el artista coreano refleja el contorno y el contenido. No se requiere un espacio visual amplio, para contemplar con cautela la variación entre un símbolo y otro, la mezcla plateada se reúne con el conjunto de pormenores. No es solamente la cara; desde un vestido con vuelo majestuoso hasta la entidad corpórea inferior, un todo contempla la calidad y particularidad de cada contexto. Desde los ojos rasgados hasta la voluptuosidad que da vida al talle del humano. A la oriental surge el gusto, a lo casual enfoca la energía.

 El rasgo característico de Asia, la distinción entre los alaridos occidentales se muestra en el trabajo de Seung Mo Park. Destellos color plateado se pueden vislumbrar en un solo talle, sin embargo, la consecución de su obra muestra más allá del color básico que utiliza; el plata como color y elemento primario, no se acompaña de otra tonalidad, lo que lo hace más atractivo aún. No es aluminio ni la fibra la esencia, la base radica en la toma anterior que realiza, cada escultura es la muestra de una imagen, busca la idea detrás del lente para posteriormente armar la representación final. Quizá el anonimato para el escultor juega una percepción que la da un concepto distinto. No es el cuerpo, es la estructura en la que prepara todo lo que tratará de crear.

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Lamono Magazine.
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Lamono Magazine.

 Exposiciones que tratan el gran alcance del coreano, han reflejado la necesidad por seguir innovando en lo que a escultura se refiere; es una exigencia misma del arte. Manas Art Center, Artside Gallery, Gana Art Gallery –sólo por mencionar algunos–, han sido de los lugares donde se ha presentado el ingenio con el que Seung Mo Park ha disipado las limitantes del campo de la escultura.

 La minuciosidad con la cual recrea una figuración resulta de un objetivo que viene desde la visión misma, posteriormente buscachinos el legado asiático bajo el cual  mayormente rige su labor. Aporta al mundo una consecución independiente y antagónica que conserva su sello distintivo. No es de extrañar que distintos medios europeos estén interesados en lo que constantemente realiza. La gran dedicación que requiere, se ve desde el momento en que precisiones tan particulares se demuestran en cada rostro, en cada objeto (cualquiera que sea) desde una cara uniforme hasta una guitarra.

 Su trabajo no sólo se ejerce desde un área, es decir, abarca otras ramas del arte, que nutren lo que realiza. Desde Nueva York hasta Corea se ha logrado dar apertura para que su nación y el extranjero siga ubicando sus logros y las mismas confrontaciones a las que se ve expuesto. No es una construcción que le lleve poco tiempo, va más allá de lo permisible. No agota las fuentes de innovación, ya que puede presentar una exposición meramente fotográfica hasta una donde los relieves esculturales aparezcan plagados de un color que lo define.

 Página oficial del artista : Seung Mo Park

Sensualidad, magia y sutileza : Cine a la Wong Kar-Wai


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Wong Kar-Wai.

“Hace 20 años, si en China le decías a alguien “Te quiero”, era algo vulgar, soez, era algo que se sobreentendía pero no se decía. En cambio es algo normal en Occidente, es más, es algo que debes hacer si lo sientes por una persona.”

La pequeña escena se transforma en una majestuosidad andante, entre diálogo e idea, la trama se torna compleja, diez minutos después la perfidia avanza sobre el tiempo y ya no son los mismos personajes, reencarnan en ellos una serie de personalidades que asombran (quizá) al que esté viendo cada detalle durante el lapso que corre la cinta. Yo me he quedado perpleja en todo el trabajo de Wong Kar-Wai (1958), me atreví a hacer una postura personal al respecto, ya que la vinculación entre la emoción y el sentido es meramente subjetiva, varía entre distintos tipos de percepciones, y era necesario enfatizar la reflexión que me aporta el trabajo del director chino.

 Esas películas que apremian y rompen a la vez el compacto actual –según los mecanismos de proyección- hacen que la cinta guste y llegué a extasiar en diversas formas. Pánico, dolor y un llanto tal vez, puedan ser los motores que prenden aún más los sentidos. Tan extraordinario ha sido su trabajo, que es importante mencionar que a lo largo de su trayectoria compagina la simplicidad con el trasfondo del “estar”, ejemplo de esto, es una película que logra embelesar como fue el caso de 2046 , cinta del año 2004 la cual transforma un medio entre tiempos: Pasado, presente y futuro, cuidados que van desde el manejo de la música hasta las apariciones de cada personaje. Personaje central, con pasión inaudita por el escrito, se fascina, redacta, revisa y relee, su motor el tiempo, secuela: El pasado. Deseando huir, corre a la búsqueda de lo fascinante, refleja su porvenir en el futuro… en su último escape. Representa el éxodo y la salvación al tiempo, corre, busca, encuentra un número que se graba y se repite constantemente: 2046.

2046 2004 DE WONG KAR WAI AVEC TONY LEUNG GONG LI KIMURA TAKUYA ZHANG ZIYI
Escena de “2046”
“Todo el que va a 2046 tiene la misma intención, quiere recapturar recuerdos perdidos. Porque en 2046 nada cambia nunca. Pero, nadie sabe si esto es verdad o no porque nadie ha regresado jamás.”

 Y mientras avanza la hora, enredos y confusiones aparecen; crees entender y de repente transformas la idea a lo que es, pero ése “es” se convierte en tu sentir, sólo corresponde a lo que pudiste percibir. Esa es la magia de Wong Kar Wai, te hace desplazarte por todos tus sentidos sin saber cuál va a ser el sabor final. Lo predecible no augura el recorrido de sus películas. No se prevé ni la mitad, mucho menos el desenlace.

 Deseando amar (2000) a simple vista (sólo por el título) ofrece como primera impresión, un melodrama que no pasa más allá de romanticismo peculiar de la cinematografía, sin embargo, la encrucijada aparece cuando ese mismo encabezado representa la barrera para que el amor llegue a la puerta de los protagonistas. Víctimas del engaño, del olvido y en desmedida de la soledad, se buscan implícitamente, para encontrarse dentro de lo que parece un círculo que nunca acaba, quieren deleite –no carnal– , y lo enfrentan enamorándose en cada límite. Con música de Nat King Cole, la burbuja rosa y ofuscada cobra los estragos del desasosiego.

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“Deseando amar” (2000)

 La incursión de Wong Kar-wai en el medio artístico fue en diversos guiones que realizó para algunos programas de televisión. Cabe mencionar que sus inicios en el cine no fueron algo fácil, ya que implicó un gran reto para él, y a pesar del fracaso rotundo de sus primeras cintas como fue Días salvajes (1990), siguió moldeando el estilo que lo definiría poco a poco. La sensación de seguir innovando en sus siguientes trabajos, lo definió como uno de los directores más aclamados de Oriente.

 Un hito de la modernidad como vía para generar condiciones que detonen el pasar de la vida a través de los años, es la consistencia que asombra la ficción en la que logra detonar la añoranza junto con los destellos sobre música y personificación. No es necesario ir más allá de los 30 minutos para saber que la obra es un método pulcro y blando a la vez, es un símbolo de lo distinto. Y lo diferente, promete más que lo necesario; generalmente asombra más de la cuenta. La sensualidad es otro componente elemental del director, que forma una línea indivisible entre lo sólido y obsecuente, un apartado que hace de la exquisitez, el siniestro final.

La sensibilidad e irreverencia de Arthur Rimbaud


La poesía francesa de Arthur Rimbaud (1854-1891), instantáneamente transporta a un mundo de melancolía, a un paisaje fuera de órbita, que va más allá del sentimiento humano. No se le podría afirmar como una emoción que altere negativamente los sentidos, tampoco algo que sea en un término de mera benevolencia. El desaire y la hostilidad eminente del siglo XIX, tocaba la puerta de los más sensibles y con pocas veneraciones hacia lo que sólo se adecua de año a año; a esta clase de personas, inteligentes, brillantes, con un apego hacia la humanidad misma, pertenecía el poeta francés. Con una gran pasión y contrato hacia lo inadmisible, apareció la exquisita lírica de su extensa obra.

Rimbaud

“El nuevo año ha consumido ya la luz del primer día;

luz tan agradable para los niños, tanto tiempo esperada y tan pronto olvidada,

y,envuelto en sueño y risa, el niño adormecido ha callado…

Está acostado en su cuna de plumas; y el sonajero ruidoso calla,junto a él, en el suelo.”

-Fragmento“El ángel y el niño”

  Paul Demeny (poeta destacado de aquélla época) fue su gran inspiración, formando en el joven Rimbaud una pieza de artilugios sobre letras y expresiones que le permitían ir más allá de lo que se veía en la creación literaria parisina. Fue el eco de la rebelión y de la subversión ante quien no aceptaba sus acciones de libertad. Un lapso de tiempo que se desplumaba por una actitud pueril, que no permitía que el talento de un ingenio se llegará a percibir con la magia que destilaba en cada poema.

 Presa de lo difícil , del hecho controversial, trató de salir airoso, alejándose en primera instancia, de sus raíces primarias y luego del círculo intelectual francés. Víctima de una infancia precaria -emocionalmente hablando-, buscó el hueco sobre la prosa desde muy pequeño, el arreglo hacia su dolor se plagó de instantes llenos de sensatez y hostilidad también.

“En la horca negra bailan, amable manco.

Bailan los paladines,

los descarnados danzarines del diablo;

danzan que danzan sin fin

los esqueletos de Saladín.

¡Monseñor Belzebú tira de la corbata de sus títeres negros, que al cielo gesticulan,

y al darles en la frente un buen zapatillazo

les obliga a bailar ritmos de Villancico”

-Fragmento “El baile de los ahorcados”

 El invierno fue una estación del año decisiva en el francés, ya que en 1870 el Colegio de Charleville (al cual había asistido) se convirtió en un hospital militar, lo cual ocasionó un extraño sentimiento en el joven de 16 años, que regresaba después de una fuga; razón de esta fue la horrible voluptuosidad social a la que se veía sujeto.El regreso le provocó una oleada de sensibilidad mayor, y su desarrollo en la poesía se enalteció conforme se separaba más de la burguesía. Desde sus escritos, se notaba un cierto resentimiento hacia la clase que manipulaba constantemente el trabajo de los artistas; los que se salían de dicha área, no eran bien aceptados, como lo fue para él, ya que desde el principio se le trató de desprestigiar.

“Mi triste corazón babea en la popa,

mi corazón está lleno de tabaco de hebra:

Ellos le arrojan chorros de sopa,

mi triste corazón babea en la popa:

Ante las chirigotas de la tropa

que suelta una risotada general,

mi triste corazón babea en la popa,

¡Mi corazón lleno de tabaco de hierba!

¡Itifálicos y sorcheros

sus incultos lo han pervertido!”

– Fragmento de “Cartas del vidente, primera: El corazón atormentado.”

 Un gran aventurero de la vida y la muerte, incidentes que van desde lo ocurrido con Paul Verlaine (que atentó contra su vida) hasta la unión en el ejército colonial holandés. “Las iluminaciones” y “Una temporada en el infierno” han sido de sus máximos escritos que han permitido que el legado de Rimbaud prevalezca hasta el presente siglo.Llena de suspenso, melodrama y caos, su obra aparece como la rebeldía de una flor que se negaba a marchitar, como un lobo que se aferraba al frío de la temporada, como un depredador sobre la mejor víctima y con el enorme amor hacia los desafíos que se presentaban.

Las complicaciones de ir creciendo: ¿Extrañas la niñez?


Con mente, espíritu e ímpetu caminas los primeros años de tu vida, con más apego y destreza. Poco a poco, la monotonía va embargando el cuerpo, las esperanzas y el pensamiento;  te quedas  despoblado de un sentimiento que en realidad te pertenezca. Pasas por el sendero de las cruces, de las piedras …te resbalas, caes, tal vez lloras y quisieras quedarte ahí para olvidar la aflicción que se te ha impuesto implícitamente. Ya no es el tiempo donde jugabas e ibas a la escuela con el ardor de conocer y disfrutar sin esperar nada a cambio, estabas dispuesto a entregar más no a recibir. Escuchabas como la gente peleaba, lloraba y se preocupaba, a ti nada de eso te quitaba el sueño, sólo querías consolar la desesperación de los que te rodeaban, querías dar amor, del puro y noble que se extingue conforme creces y poco a poco se evapora con la mente.

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 Te preguntaban con frecuencia: ¿Qué quieres ser de grande? Y tú no pensabas mucho la respuesta y decías cosas como bombero, policía, carpintero, bailarina, actriz, ama de casa sin tomar en cuenta si ese oficio o profesión te generaría recursos económicos a largo plazo o si podrías vivir cómodamente, la respuesta estaba cargada de sentimiento y simplicidad a la vez, a lo cual los grandes sólo reían y se quedaban viendo. Los adultos eran tan extraños para ti ¿Recuerdas?

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 Si tus padres te regañaban, parecía que el enojo sólo aparecía en un lapso instantáneo, después estabas como si nada, platicabas con ellos sobre cómo te había ido en la escuela y la próxima pijamada que Juanito iba a preparar en su casa, llegaba la noche y jugabas lotería con tu hermano mayor, mientras que tu mamá preparaba hot cakes (creo que eran tus favoritos). Siempre que terminabas de comer decías: “Te quedó muy rica la comida, mami” y tu madre sonreía tiernamente. La vida era serena y tranquila, excepto cuando la junta de padres de familia llegaba y la amonestación sobre una mala calificación o conducta indebida ameritaba el regaño del tutor; y si la falla fue muy alta, tal vez el castigo hacía su aparición, sin embargo, a los dos días se levantaba y salías como si nunca hubieras visto el sol…¡Eras tan dramático! Así como eras, te amabas, sin importar que tan flaco o gordo estuvieses.

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 Veías el día desde una perspectiva más amable; tu preocupación cotidiana más abrupta era la tarea. Sólo esperabas que no fuera de la materia que más detestabas, ya que querías pasarla bien por la tarde con tus amigos, sin tener que pensar en la maqueta que te dejarían para el siguiente día. ¡Era terrible! Sólo querías jugar a las muñecas,a la casita o echarte un cascarita.¿Por qué no entendían que las complejidades del mundo no te quitaban el sueño? Bueno, al menos entendías que hacer lo que te dejaban tus maestros, era tu mayor obligación.

 De esa manera vas adoptando patrones y compromisos que te complican poco a poco la existencia, ya no era nada más la tarea, ahora te preocupabas por gustarle al chico o chica que te llamaba la atención, empiezas a compararte con los demás, y crees que no le gustarás debido a tu falta de seguridad, piensas que seguramente esa persona busca algo más, y ese algo no eres tú.Pierdes la ilusión, y ahora empiezas a divagar. Tremendo problema, te has enamorado.

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 Ahora, quieres dinero; esos artilugios te han embobado, quieres parecer grande como cuando veías a tus hermanos, vives esa etapa que se carga de cosas que te eran desconocidas pero que adoptas rápidamente. ¿Cómo conseguirás recursos monetarios? Tienes que estudiar arduamente para conseguir un mejor trabajo,(eso te dijeron)  y estudias como enfermo y ahora llega otra gran preocupación: Conseguir empleo. Y ya son obligaciones tras obligaciones. Pareces ser dueño de tus ideales, aunque de cierta forma, sabes que no te pertenecen, han sido arraigadas con el paso del tiempo. Todo fuera tan fácil como ser niño.¿No extrañas esos momentos?

Perspectivas canadienses sobre la estampa


La técnica en torno al estampado desempeña una evolución permanente desde el siglo pasado. Una nueva faceta se ha desenvuelto en el arte contemporáneo, desde el grabado hasta la impresión digital, han sido el viaje por el cual la estampa condecora nuevas formas de expresión. “La estampa: Entre la diversibipdad y la hibridación” es una exposición que muestra el trabajo de alrededor de diez artistas canadienses. Misma nacionalidad, pero diferentes estilos que muestran cómo una forma puede tener varios contextos. Pierre Durette, Lysette Yosolevitz, Jerome Fortin, entre otros, le dan pluralidad a la estampa desde su técnica más antigua hasta la más actual.

 Ciertamente, este tipo de forma prevé nuevos mecanismos de transformación, por lo cual en esta exposición se vinculan cuatro perspectivas que le dan un sentido distinto:

  1. Percepción del espacio.
  2. Visiones del colectivo.
  3. El Individuo:Los meandros psicológicos y sus juicios.
  4. De lo imaginario y de la ficción.

 Los cuatro ejes vislumbran un aspecto de redefinición donde surgen diversas pautas para construir diferentes ambientaciones que el espectador podrá ver en cada obra de los artistas.

El costo de la entrada general es de $13.00, abierto de Martes a Sábado. La exposición estará en el Museo Nacional de la Estampa hasta el 8 de Marzo del 2015.

Exposición: Fotógrafos de agüita en el Museo Archivo de fotografía


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La virgen y el fotógrafo” Elsa Chabaud.

El legado de la fotografía prevalece en la exposición “Fotógrafos de agüita” de 1938 a 1984, que trata de una semblanza en torno al desarrollo de las instantáneas en una parte específica del siglo XX. En ella, se exhibe una serie de fotografías que eran llamadas “agüita o de cinco minutos”, ya que se tardaban en revelar ese lapso.

 Todo un memorándum de recuerdos, vidas, paisajes y personas pasaron por cada lugar, reflejando la magia de aquellos años para tener consigo una prueba de la imagen. El esquema –por obviedad–, difiere mucho del actual, aunque cabe mencionar que en ambos sentidos sigue impactando de sobremanera.

 Siglo XX, una época vertiginosa y de grandes cambios sociales que se constatan a través de diversas fotografías que relatan el paso del tiempo en un México entre luces y sombras. El estilo permanece como un artilugio en cada retrato, la singularidad que se muestra está fuera de este presente siglo.

 Exposición abierta de Martes a Domingo de 10 a 18 horas en el Museo Archivo de la Fotografía. La entrada es libre. Tienes hasta el mes de Febrero del año entrante para conocer de las reliquias en torno a la fotografía nacional.

De la cerámica a la tela: La innovación de Miriam Medrez en la escultura mexicana


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“Ante todo es necesario cuidar del alma si se quiere que la cabeza y el resto del cuerpo funcionen correctamente.”

–Platón.

El cuerpo es aislamiento de muchos, también puede ser el almacén de recuerdos sobre un tapiz y para quien es amante de éste, tal vez olvide su significado como esencia divisible. ¿Qué es el cuerpo? ¿Acaso es un adorno de voluptuosidades? ¿Es un cúmulo como espacio físico? Es el elemento de la creación, funge como la especie de interpretación, además de ser un conjunto de elementos palpables así como los que no lo son. No podría entenderse  generalmente como la unión de materia, ya que el sentido sería tan abstracto como la noción misma. Es idea y materia al mismo tiempo, es decir, desemboca en un ámbito desconocido, inigualable, que no se acostumbra a visitar; es el espíritu. Miriam Medrez, escultora mexicana egresada de la Facultad de Artes Plásticas por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), tiene una admiración fantástica por lo que significa la formación corpórea, no sólo por su belleza física, lo importante es vislumbrar más allá de lo que está a simple vista, lo que el hombre cree “que no existe”; he ahí su infinita magnificencia.

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Proyecto “Zurciendo” presentado en 2011.
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“Zurciendo”

 Desde su formación, la artista mexicana inició con diversas técnicas que le dieron una nueva perspectiva a la escultura nacional; destaca por su trabajo individual como colectivo, así como por diversas causas que han hecho de sus proyectos una constante evolución a lo largo de sus exposiciones. Cerámica, esgrafiado, aplanado y madera son algunas de las bases sobre las cuales ha ido recreando su obra, formas que mezclan su compromiso con el arte mexicano y que la hacen portavoz de una singularidad para esculpir al cuerpo como una serie de encrucijadas, desde los estereotipos hasta la frialdad por admirar un ente vacío.

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Proyecto“Estructura de la piel” presentado en 2008.

 Conceptos que se anteponen, antónimos como felicidad/tristeza, blanco/negro y de esa forma se da matiz a las esculturas de Medrez. La mujer aparece constantemente, es el símbolo que le da vida, trata a ésta como un ser que requiere de la liberación, como un fantasma que no encuentra su lugar, es la sombra del vacío; lo cual se representa de una manera impactante en la exposición del año pasado en la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP) con el título “Cuerpo Ausencia: Hilvanando identidades”, una inscripción que relata cómo el cuerpo desenvuelve modos que le permiten ser víctima de la opresión o en el otra caso, salir airoso del inquebrantable deseo por conservar su visibilidad armónica. Además, hay otras series de proyectos que van en torno a una dinámica semejante como son : “Zurciendo” (2009), “Lo que los ojos no alcanzan a ver ” (2010) y “Vestidos invertidos”(2012), en las cuales se da una semblanza sobre la lucha que desarrollan las mujeres en primera instancia, siendo mártires de sus propios deseos impuestos y dejando que la vida les ponga una luz para recobrar el sentido de esencia/existencia. La obra destacó por su gran compromiso con el significado de la lucha femenina, no sólo por un encuentro de fuerza/vencimiento sino por la vanagloria en la que se encuentra por definirse y salir de su zona de tabú mental.

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“Vestidos invertidos” (2009).
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“Mujeres”

 “Las gordas, los perros y el mar” (1984), “Alquimia sin secreto” (1987),“Estructura de la (2008), “Mujeres acompañadas de Perros”(1991),”Del desierto”(2006) y la más reciente “Entretejidos” (2014) han sido algunas de la exposiciones individuales que logran ir más allá de territorio mexicano, el reconocimiento ha ido desde lo más arraigado al país hasta la metrópoli más inusual.

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“Lo que los ojos no alcanzan a ver” (2010).

 La gran escultora mexicana es la precursora de la idea ante el cuerpo y su desenvolvimiento, su destreza para manejar diversos procesos que se nutren de materiales como el barro, tela o cerámica, le permite seguir fortaleciendo su trabajo y su legado dentro de la cultura mexicana. Su habilidad se reconoce hoy en día. Ganadora del primer lugar del premio “Bernardo Elosua” en el 2005, mismo año en que obtuvo la mención honorífica bienal del arte en cerámica por el Instituto Nacional de Bellas Artes, obtuvo el premio “Primera bienal de cerámica en arte” en 1999. La lista se alarga sobre los galardones que sigue obteniendo la mexicana gracias a su desenvolvimiento artístico y lleno de emblemas.

  • Crédito: Imágenes tomadas de la página oficial de Miriam Medrez

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

Bouchra Benhalima: El collage bajo la introspección cultural


Peculiar e interesante resulta el trabajo de Bouchra Benhalima, diseñadora gráfica originaria de Argelia, que logra delimitar bajo un esquema retro y vintage una gran calidad, además de compenetrarse con los múltiples viajes que ha realizado desde muy pequeña. Benhalima complace al que puede apreciar su trabajo bajo una  temática multicultural, es decir, muestra mediante el collage algunas partes que son características de los diferentes lugares que ha visitado a lo largo del mundo; ya sean desde países con altos rasgos aristocráticos hasta los que tienen menos acervo turístico. Además de tener la influencia del Pop art –que va desde la revolución del embalaje como forma de promoción hasta una forma de analogía entre creación y producto–; a principios de este siglo, se desempeña otra modalidad que se nutre en el la técnica en la que Bouchra vincula su forma como un aspecto modernista, así como detonante de inspiración a la cultura de cada país y la singularidad bajo el reflejo de un estampado que contiene un contexto simple y categórico a la vez.

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 Lugares del Medio Oriente se mantienen expuestos en cada figura del estampado, desde el emblema arquitectónico de una mezquita hasta un personaje árabe y a su vez, esto lo relaciona y lo compagina con el boom underground de la época que aún se mantiene, como es el ejemplo de la esencia hollywoodense y parisina de mediados del siglo pasado. Cierto es que el arte contemporáneo vislumbra perspectivas que lo nutren de la esencia de las grandes corrientes, por lo cual el legado y la forma en que se exprese es la gran diferencia; ése es el gran alcance. Por eso es que la argelina ha desenvuelto un trabajo cronológico, ya que describe a su inspiración (los viajes) como singularidad de cada país o región.

 El diseño gráfico le permitió vislumbrar nuevos escenarios de creación virtual por los cuales identificó rasgos esenciales desde España y sus diversas provincias hasta un icono de la pintura mexicana como es Frida Kahlo. El collage hace alusión a la importancia de la conjunción entre naciones, es por eso que puede aparecer simbología con la cual el público puede mostrar un aspecto de identificación, desde un personaje que revivió la esencia del cine hasta el que fue legado de desenvolvimiento histórico.

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 Al poder observar cada detalle, pareciese como si el arte fuera el propulsor en cada contorno para darle vida al pasado. Lleno de una semblanza multifacética, de exquisitos y singulares contextos culturales y con una pasadita de pop art que se vierte en una onda vintage, se corrompe una vez más la idea de que un collage es un pegoste de un todo, más allá de las diversas imágenes presentadas, la particularidad se centra precisamente en un enfoque multidisciplinario desde la visión hasta un sentido de identidad con una cultura en particular. Define de una manera sutil y muy innovadora una escena permisible en el arte contemporáneo.

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 Boubouteatime es un blog en línea que ha puesto en disposición el trabajo de la diseñadora –creado por ella misma–; el nombre se debe a un diminutivo de “Boubou” que se le impuso desde muy pequeña. Cierto es que una mujer creativa que menciona a la introspección cultural como eje de predominio, iba a buscar nuevas alternativas de alcance, además de ofrecer una gama más extensa sobre la yuxtaposición entre modernidad/pasado.

 El desempeño por vincular arte y relaciones sociales aparece bajo la huella de Bouchra Benhalima. De Londres a México, de España a la India y el desenvolvimiento sigue bajo la presencia del desarrollo social que se presenta desde modas, costumbres y tradiciones que identifican a cada época de vanagloria o de horror –según sea el caso–. Su trabajo aparece estampado en un cojín hasta en un protector de celular. El objetivo en primera instancia se logró desde el momento que dio a conocer a través de imágenes multivariadas la forma y la argumentación propia de un sitio específico, posteriormente el marketing le da un giro de 360 grados a su ingenio. Tal vez el cliché burgués de esta época permite identificar los mecanismos hacia los cuales se redefine el sujeto, sea desde una marca hasta una ideología de no consumismo.

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 París, benefactor –símbolo de desarrollo intelectual– de la innovación ante el arte mismo, es el lugar donde radica la gran Bouchra, su permisión hacia lo más enigmático de su viaje a través del tiempo le ha impuesto la necesidad de estar involucrada en todos los sentidos de la cultura, desde la forma más popular hasta lo más transgresor. Divergencias entre años y territorios es la pauta ante el collage de la chica con esencia argelina y de un apetito parisino.

Desnudo del ser y del alma: Francesca Woodman


Mezcla de seriedad, penumbra que dialoga entre el matiz blanco y grisáceo, contornos de un cuerpo desolado con la perdida de fuerza en su estado físico, caras con el apetito vacío; entes que se deletrean en cada toma, parpadeo de luz que sólo alcanza delimitar el contenido, escenarios ofuscados. La cámara de Francesca Woodman, sabía bien que el individuo se encuentra condenado bajo sus propios titubeos y angustias, él es su único enemigo en la tierra. Temores que desembocan en un auxilio en tinieblas, en un mundo del blanco y negro.

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 Woodman (1958-1981), mujer norteamericana que se enfrentó a la rigidez de los críticos de arte. Llena de una chispa caótica y un trabajo diferente, la llevó a ser víctima por un lapso de tiempo de la depresión, que la sumergió en la angustia y en la reflexión misma, paradójicamente. Cuerpo, mente y alma encajaban como el artefacto idóneo de escena, la mujer formaba parte del icono protagonista de la toma. Los tres elementos son parte del desenvolvimiento en cada ruta trazada, sin embargo, también pueden representar el infierno, ya que atraen emociones de ansiedad; mismas que se vuelven los compañeros de los miedos del ser humano. ¿Por qué retratar el cuerpo? ¿Por qué una mujer? La fémina se acompleja más rápido, pierde su sintonía cuando empieza a involucrarse con un sentido de fatiga ante su ser y su pensar como parte social.

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 1979 fue el año en que las ilusiones por salir del contexto se hacían más prominentes. Esperanzas que terminaron en un tumulto desolador, ya que el rechazo se hizo presente en la gran comarca del arte: Nueva York. Todo se nubló para la fotógrafa y el descontento perforó aún más su estado anímico. Lugares fríos, melancólicos y espectrales como traídos de ultratumba, pertenecían al portafolio de la norteamericana que pasó un tiempo en Europa, siendo la sede principal Roma. Roma cubierta de arte y de membrete de propaganda, también desconoció el trabajo fotográfico de Woodman. Parecía que el desnudo no formaba parte del acierto del público, mucho menos con la composición a la que ataba su obra; era la misma desnudez del alma y del cuerpo, se unían para delimitar el miedo y la frustración hacia la esencia misma. Y como el hombre siempre ha sido partícipe de la mentira y el engaño, en cuanto se trata de un aspecto que se sume a la sinceridad a la vida, se indigna, huye y discrimina; tal fue el caso de esta artista.

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 Colorado, su lugar natal, quedó retirado de su lente, para poder alcanzar una serie de experiencias que harían de la mujer, su admiración más grande. Su trabajo es muestra de la belleza y demagogia encerrada en el sexo femenino. Lejos de encontrarse a sí misma, la mujer es la presa más fácil de actos superfluos, que la reivindican como un objeto. Francesca iría más allá de eso; el desnudo como vía para descubrir la gran aflicción del “sexo débil” –a mención de lo que se ha tratado de hacer ver a la mujer–.

 Vuelta a un cuerpo para retratar de varias maneras la vaciedad de los pensamientos que al considerarlos insensatos, se sumergen en el viento del olvido. Entes que dominan la mente y que no permiten el libre tránsito del juicio. Escondes y tratas de aparentar, hay que desnudarse para descubrir de que estamos hechos –tanto de materia como de sentimientos–. El espectro es el pánico, horror para encontrar lo que tanto se niega y el segundo es el dolor, éste es el gran abismo.

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 “Esta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo.Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraño efecto en mi vida… La fotografía es también una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a través de mi mente.”
– Francesca Woodman.

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 Uno de sus primeros trabajos, fue “Autorretrato con trece” (1972). Oculta su cara, mientras que sus misterios y realidades de la vida le acompañaban para reflejar al humano bajo sus sentidos más nauseabundos. Ese pavor hacia la franqueza, sólo desemboca en el acto de traicionar el “ser” del mismo hombre. Un trabajo sensato desde el principio. Mundo de cobardía que Francesca delineó perfectamente desde que inició sus estudios en Rhode Island School of Design. En poco tiempo, logró recorrer la yuxtaposición entre cuerpo y alma a través de fotografías que mostraban la necesidad por descubrir que había más allá de lo tangible que tanto persigue el hombre.

 El cuerpo femenino fue su estandarte para poder dar cuenta de la opresión que radica entre lo que no acepta la sociedad; núcleo que se llena de aspectos de doble moral que singularizan la memoria fotográfica de Francesca Woodman. En vida no pudo ser partícipe del reconocimiento hacia lo que sembró, sin embargo, después de un suicidio que ganó la vida de la gran artista; su legado se observó desde otra perspectiva y cinco años después, en el Wellesley College Museum se presentó parte de su obra. Woodman es otro claro ejemplo de que muchos artistas no son ni siquiera nombrados cuando poseen vida, sino hasta que se reflexiona que la muerte fue el único escape que les quedaba para salir de una prisión tan hostil.

Toca, toca; aquí no es: Depresión y su insistencia

Tomó el primer tren para olvidar la locura que tanto le embarga. Cada día, cada segundo se plasma en cierto rincón de la piel, en un centímetro de la hoja. La tinta no cesa y las palabras siguen fluyendo. Cuatro paredes, nada le pertenece, sólo el cielo lleno de estrellas que se reflejaban bajo sus lentes fondo de botella. No le suplicaba al canto, menos a la insensatez del mundo… le rogaba al cielo por olvidar esos lloriqueos que tanto le angustiaban, quería olvidar y no había forma para hacerlo, si se empeñaba en vivir del recuerdo. ¡Qué tramposa era la existencia! No era feliz, tampoco era una persona subyugada por la melancolía. Tenía ratos amables y también arranques fatales, pero el letargo era más amable… le llaman depresión. Irónico el mundo de los locos, porque siempre se empeñaba en contener el cosmos bajo su rezago, mientras que venía ese maldito dolor, sí, era tan maldito que lograba que la cobardía le llegase para poder huir y no voltear hacia sus temores más desolados.

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Roger Ballen,(2012).

 1,2,3… ahí seguía esa trampa. ¿Cómo se quita? ¿Antidepresivos? ¿Terapia? ¿Cuál es el remedio? Buscaba con cautela cada proporción de las posibles vías para exterminar a ese artefacto punzocortante que era el amigo de la locura; nada funcionaba y esa chinche regresaba para malbaratarle la sobrevivencia. Centros de rehabilitación, psiquiatras, psicólogos, terapeutas… ¿No entendían que nada tenía impacto sobre ese monstruo? Era una fiera viviente, altiva… su segunda piel; se hinchaba, se clamaba y también se enfurecía y parecía gritar cuando invadía el cuerpo tal como un exorcismo que ni la Santa Inquisición hubiera podido extinguir con métodos tan abruptos.

 El escondite perfecto se llamaba soledad, y le penetraba con letras brillantes: ¡Entra, entra! Todo saldrá como tú lo desees, visítame y te implorare que te quedes en el mundo donde no sufrirás. Obedecía una vez por semana, si le iba bien cada dos meses (dependía si depresión estaba muy insistente), por lo cual soledad a veces era sinónimo de huida, llegaban a un sitio peculiar, donde no existe tiempo ni espacio, era la presencia de la inanición del mundo, sólo había un punto negro que parecía lo más próximo; se metía y no regresaba por mucho tiempo… solamente ella sabía lo que había dentro. Se perdía, y Soledad solamente escuchaba el eco de su llanto, frustración y malestar. Soledad decidió brindarle apoyo con un pedazo de hoja que decía: “Para sentirte bien en este mundo tan cruel, sólo hay una regla: Sé tú misma”.

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Roger Ballen, (2012)

 Al leer eso, ella corría para seguir descubriendo lo que había. Pasó el tiempo en lo terrenal, allá no existía eso, por lo cual Soledad era la mujer de la ley de la sabiduría y de la paciencia, a lo cual permanecía serena y tranquila. Pero en ese bosquejo de lapso, aparecían su gran antagónico: Crueldad. Un tipo salvaje y veterano, que trataba de mediatizar todo, para que la frialdad invadiera los corazones. Soledad y Crueldad luchaban en ese tiempo que ella pasaba dentro, para que el nuevo emprendedor del malestar no llegase. Pocas veces, Crueldad logró penetrar en el agujero negro, de manera, que no se sabe que hizo exactamente con aquélla mujer que yacía dentro. Salió despavoridamente y la muchacha salió minutos después. Semblante vacío, rasguños, mezclas de dolor por el cuerpo, mordidas y un bosquejo de desolación. Soledad no la podía distraer y ahora, regresaba al planeta de los engreídos a ver qué pasaba ahora.

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Roger Ballen.

 Regresaba más perdida de lo que se fue, cuando Soledad perdía la batalla. Depresión se aprovechaba de eso y la acechaba en la rutina de su vida, por lo cual, ella trataba de encontrar salidas fáciles, que sólo denotaban su falta de valentía.

 ¡Inútil era el intento! ¡Estúpida la forma de querer encontrar el método o la pócima que la hiciera libre! Era una estúpida de la belleza del amor, de la desesperanza. Crueldad, ya ganaba más rápido, eso era un indicio de la torpeza la visitaba cada vez más. Quería salir, pero se empeñaba a quedarse y la hora no llegaba… ni llegaría, o tal vez si, pero si se sujetaba fuertemente a Soledad para encontrar realmente la huella bajo su pie lastimado.

Soledad bajo el Expresionismo : 151 años del nacimiento de Edvard Munch


Edvard Munch (1863-1944)

12 de Diciembre de 1863, día en que Edvard Munch nace bajo la lupa de una familia rígida  y con semblante duro. El expresionismo noruego se graba a finales del siglo XIX bajo los trazos de un nuevo icono. Quebró los límites de pensamiento del siglo pasado. Dramatismo, singularidad y un nuevo relieve para alcanzar la inspiración, fueron las pautas que permitieron a Munch esquematizar el descontento que prevalecía en él como ser individual, sin pensar que su legado iba a prevalecer desde aquéllos años donde la frialdad del mundo parecía pertenecer a la naturaleza tangente del hombre.

 La muerte fue el gran emblema de sus obras, suceso que le acechó a muy temprana edad. Esto se encuentra claramente en la obra “El funeral” (1896), donde la escena resulta desoladora y trágica, sólo falta ver que el único rostro que se vislumbra tiene el semblante caído y desvalido, las demás caras se encuentran perdidas bajo el regazo de la tristeza. La melancolía cobraba vida en el mundo del noruego que penetró sobre los dolores más sublimes del ser humano –desde la depresión hasta la esquizofrenia-. Cinco años y la muerte de su madre fue el elemento sustancial para tener una expresión visceral sobre el deceso de los seres queridos; el núcleo familiar parecía ser el complemento para desarrollar su ansiedad por retratar la conmoción del sentir humano; porque dolor y felicidad se yuxtaponen a cada momento.

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“El funeral” (1896)

 “Atardecer en el paseo Karl Johann “ (1892) muestra la singularidad del sentir del pintor. Se enfrentaba a los desaires de una sociedad que tal vez no le comprendía, y por lo tanto, no podían descubrir la magia de su pintura. Un desaire y decepción amorosa, fue la pauta que lo sumergió en una melancolía fortuita, que culminó en la soledad misma. Oslo no parecía ser su sitio preferido, por eso, la vida la pretendía más allá de lo terrenal. En su manifiesto de 1889 de “Saint Cloud” destaca lo más importante de su desenvolvimiento como artista. Las palabras se nutren de sinceridad y vocación hacia la vida misma; letras que conmueven el alma:

“  […] Ya no se deben pintar interiores con hombres leyendo y mujeres cosiendo. Deben ser pinturas sobre seres humanos reales que respiran, sufren, sienten y aman. Me siento obligado- sería fácil- a pintar una serie de estos cuadros: En ellos es preciso entender lo sagrado. La carne y la sangre tomarían forma, los colores cobrarían vida.

Hubo un intervalo. La música paró. Me sentí un poco triste. Recordé cómo muchas veces había tenido pensamientos similares y que, una vez había acabado la pintura ellos habían sacudido su cabeza y sonreído. De nuevo me encontré en el Boulevard des Italiens”

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“Atardecer en el paseo Karl Johann” (1892)

 Asgardstrand fue el sitio que desató la descripción y paradoja envuelta en Munch. Víctima del olvido, presa del dolor, corre para dibujar lo que se encuentra fuera de la mente fría. Todos son sentimientos, lo que pasa es que la sociedad olvida, percibe y olvida, recuerda y parece olvidar. Es un intento, porque la experiencia recorre cada porción del cuerpo. París fue su sitio de formación, pero Oslo vivía en cada uno de sus detalles. Recordaba su legado a través de las vivencias en aquél lugar tan antagónico. Sombrío y lleno de reflexiones, Munch caminaba por los senderos del camino para seguir descubriendo el pilar del signo de catástrofe humana. Sin saberlo, fue uno de los pioneros para indagar sobre los fantasmas más secretos del hombre.

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“Separación” (1894)

 Cuarto oscuro, penetrante con la sombra de la luna, con el resplandor de esta como única fuente de luz en una habitación es el escenario de su obra de 1890 “Noche en Saint Cloud”. Muestra de la soledad en la que el pintor yacía a cada momento. Presencia de la muerte en sincronía con la existencia, reflejo de la bruma de París sobre sus ojos. Sinónimo de anacronismo y de emblema del tumulto de su corazón.

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“Noche en Saint Cloud” (1890)

 El andar del humano entre las distintas facetas del laberinto, es una de las más quebrantables frustraciones del caminar. La obsolescencia del pasar del tiempo, del lapso entre la adolescencia y la vejez,  del vaivén de experiencias, anacronismos y puntualizaciones que manifiestan al individuo como fuente de declaración sobre los pies y las manos más arrugadas. El viaje no cesa y la sombra de los ayeres acompaña durante la travesía; esto se plasma en su obra “La danza de la vida” (1900), descripción que muestra el proceso de retrospectiva sobre el consuelo y el apetito por desear que los años no corriesen.

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“La danza de la vida” (1900)

 Tres años atrás y en 1897, Munch declaró a la pasión que corroe el alma en una pintura cargada de azul y de sincronía entre dos seres. Mediatizada por lo sublime, lo espectral y lo concerniente a la fascinación por ser partícipe de las diversas fuentes de amor. El título es corto, pero que origina el preludio de armonizar la concepción y la importancia del anhelo por ser amado; una necesidad natural del hombre, su nombre “El beso”. No es una cuestión ajena al desenvolvimiento fraterno, es la expresión misma del desacato hacia la formalidad. Un beso se conduele, ya sea en un afán frívolo/compromiso o en una situación de muestra de afecto.

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Fotografía de Edvard Munch (1908)

En 1892, en la exposición que tuvo como sede Berlín, la sociedad espantada y sin un sentido crítico, sólo se dispuso a alarmarse en cuanto a la obra del noruego, por lo cual el rumor corrió y se trató de desprestigiar el trabajo de Edvard Munch durante mucho tiempo. Consideraban arte a lo cotidiano, más no a la obra que presentaba elementos fuera de orden. El orden como eje maestro de la década del siglo XIX y XX, persona que no congeniara en ese patrón, simplemente se le tachaba de mezquino y sin un uso correcto de lo que el arte representaba para la clase. ¿Cuál clase? La privilegiada.

 A partir de ese año, el pintor se dedica a dibujar cuestiones más notorias hacia el delinquir humano. Presionado porque su arte era mal visto, las obras más emblemáticas fueron:”En manos (1893), Retrato de Dagny Juel del mismo año, La tormenta (1893) y  quizá la más reconocida “El grito”.

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“Retrato de Dagny Juel” (1893)
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“El grito” (1893)

 Soledad, frustración y un sentimiento de aniquilamiento recorría cada trama de Munch, conquistando el mundo de los incongruentes de una manera sutil y perfecta. Entre la enfermedad mental, consoló su mundo de sentimientos y corazones que le permitieron conocer la cruda verdad del hombre. 1944, año en que tal vez su añoranza hacia la muerte lo hizo dejar este mundo tan preocupado por cosas de suma extravagancia; la sensibilidad no era parte de la gente.

La espectacularidad del Festival de jazz internacional de Polanco : Invierno 2014

 

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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla, de LAD.
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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla, de LAD.

En su cuarta edición, el Festival Internacional de Jazz de Polanco enmarcó la importancia del ritmo musical proveniente de New Orleans durante el 6 y 7 de Diciembre, así como dar pauta al reconocimiento del gran talento mexicano que se presentó durante estos dos días. Más de 70 artistas en el escenario –desde proyectos emergentes hasta talento internacionalmente reconocido–, controlaron el ritmo de los acordes del jazz para indagar sobre sus diferentes modalidades; sonidos básicos, contemporáneos y bailables penetraron el teatro Ángela Peralta.

 Con un clima que reconfortó el ambiente, se presenció la apertura del festival con la presentación del joven y entusiasta pianista Daniel Perri, que con manos diestras controló el espíritu del lugar; el teatro se llenó de una manera inaudita en las primeras horas, gente por aquí y por allá, deambulaba por los espacios del sitio y se entretenía en el tianguis orgánico, mientras escuchaban el ritmo magistral del piano durante los primeros momentos del 6 de Diciembre. Perri se llevó las palmas con el tema “Nubes” que estuvo en sintonía con el cielo tan resplandeciente.

 Corría el tiempo de una manera rápida y singular, cuando en el escenario se presentaba Javier Resendiz con un sonido tan magnánimo, que corrompía los límites de la exquisitez del piano, sin necesitar un acompañamiento, su interpretación de Coldplay logró llamar de mayor forma la atención de los asistentes. Los aplausos se oían cada vez más fuerte. Octavio Chavarri –locutor– , daba más sincronía al festival, al familiarizar al público con la obra de cada uno de los artistas.

 

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<br<Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla, por LAD.

El momento chusco y divertido del primer día se dio cuando aparece en escena, Calacas Jazz Band, agrupación que tiene una gran chispa que engancha al público en tres segundos. La voz magistral de la vocalista, además de los sonidos tan perfectamente matizados desde el saxofón hasta la batería, daban el ritmo tan característica de esta agrupación mexicana. Moderno y diferente, Calacas invadió el escenario de una forma muy amigable, ya que invitó a bailar a los asistentes y además, se dio una demostración de pasos de swing al estilo bebop. Corría el momento, mientras que una pareja danzaba en medio de uno de los pasillos, dando pasos efusivamente.

 Acentuada la noche, sube a escena Eduardo Piastro – profesor de la Escuela Superior de Música– y su cuarteto. Se escucha la sutileza del jazz contemporáneo de la Ciudad de México con la interpretación del gran Pat Metheny. Con toques primordiales del género, así como el espectacular sonido a la Piastro, se encargaron de engalanar el lugar de una forma extraordinaria. El reconocimiento del compositor mexicano, se sintió ante los aplausos de los escuchas. Gran exponente de la ruta citadina del jazz, que corrobora una vez más la diversidad de talento nacional.

 Posteriormente, el sonido sabroso y guapachoso del trompetista Fran Domínguez se presenta con “Smooth Jazz Project” que le da candela al momento con ese sonido latino que le faltaba al día. Trombones y diversos acompañamientos conjuntaban los sonidos que brindan la sensación de querer una y otra pieza más, para que no logre terminarse. Cierra Gerry López Quartet con su desenvolvimiento sensacional y predilecto ante una buena dosis de jazz en un primer día.

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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla, de LAD.
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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla, de LAD.
Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla de LAD.
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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla de LAD.

 7 de Diciembre, misma sintonía, clima a favor. Todo augura la entrada del proyecto Rotem Sivan Trío – lleno de juventud– , vislumbra un ritmo prendido al son de la modernidad con el complemento tan nutrido del contrabajo que daba la rima pertinente al día y la hora. Casual y antagónico, el jazz contemporáneo ha tenido que presentar diversos retos en la escena musical, ya que se enfrenta al gran legado clásico –tanto internacional como nacional–, e inunda al mundo de un nuevo matiz que vale la pena oír varias veces, para degustar del nuevo sabor del jazz. No todo es acid jazz tampoco todo tiene que sonar como Duke Ellington, todo a su sentido y prioridad, tal es el caso de esta agrupación que demuestra que la música es para conjugarla y no estigmatizarla; a lo cual, el maestro Octavio Chavarri en conferencia de prensa dijo algo muy cierto:

“No hay que saber de música, sólo sentirla”

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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla de LAD.

 Y se sentía el sabor del género en un Domingo apacible y familiar. Sube al escenario Rodrigo Castelán, y da cuenta de la genialidad de interpretación a partir de estilos que no necesariamente se derivan o se acompañan del jazz; un ritmo que sonaba a una tonada de bossanova, corría por todo el teatro que empezaba a darse cita en cada uno de sus rincones. De repente suena “Clocks” de Coldplay, con un sentido diferente pero que no perdía la ruta de la canción misma, resultó fenomenal que el jazz se mezclara con el britpop. A la sazón de un buen día, los tres Betos comandados por el gran Betuco Arballo tocan la armonía de una buena dosis de legado histórico del género; la habilidad por el manejo en el escenario, permite que este proyecto conforme un elemento sólido en la escena mexicana. Con la magia para poder interpretar “Tico tico” cierran su presentación en el festival de jazz de Polanco con un buen agradecimiento por parte del público.

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Fotografias por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla por LAD.

 El director del  evento, Eddie Schwarz, da paso al reconocimiento de grandes exponentes que lamentablemente han dejado el mundo, pero que su herencia musical se queda plasmada. Tal es el caso de Chilo Morán y de Enrique Neri. Se escuchan aplausos y el festival sigue, a lo cual el gran pianista mexicano Alex Mercado da paso a que la luna enmarqué su sentido con sus melodías tan bellas y dulces que demuestran que ha sido acompañante y compositor de un sinfín de artistas de talla internacional, como es el caso de Andrea Basef. Con el tema “Simbiosis” se iba haciendo de noche y el acompañamiento de ese tema particulariza la velada. “Vals antiguo” otro tema de sumo renombre y reconocimiento- que pertenece al gran maestro Enrique Nery-, inunda todo el espacio que parece estar escuchando al propio Nery.

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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla de LAD.
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Fotografías por Itzel Plascencia y Sergio Borbolla por LAD.

 La sensual voz de Yael Guy se manifiesta con una serie de canciones que reconoce el público, ya que canta junto con ella y se magnetiza el teatro al escuchar esa melodía de canciones que no pasan de moda e invaden todo el repertorio musical. Así corre el tiempo en el Ángela Peralta; festival que deja un buen sabor de boca en esta presentación, teniendo un alcance superior y que se estará a la expectativa de una 5ta edición que siga en aras de promover a los proyectos que apenas comienzan y que prometen grandes avances al desempeño musical de este país.

Reflexión en torno a “Los Nadies” de Eduardo Galeano


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Crédito: Fragmentos de vida.

¿Sabes quiénes son los nadies? ¿Por qué son llamados de esa forma? Los nadies son aquellos a quienes los burgueses han olvidado, los que tratan de salir del calabozo en el que la sociedad los ha inmiscuido y cercado, ellos son el retrato de un corazón blando y casto, sin titubeo alguno, que entregan su vida para dar paso a la creencia de un nuevo orden de inclusión, donde ellos puedan ayudar a los incoherentes en una ardua reflexión.

 Los incongruentes son esos que desprestigian la labor social, los que se esconden bajo el dinero para olvidar todo lo que han propiciado… los que venden patrias por privatizar a diestra y siniestra lo que con tanto esmero trabaja el pueblo día a día; ellos (los incoherentes) deberían de ser los nadies, porque en realidad tienen el deseo de hacer pedazos cada retrato de una nación que sufre.

 Esos que se atreven a llamar “nadies” a los que de verdad han cosechado frutos y esperanzas para un mundo tan frío y ambivalente, deberían mejor de callarse antes de señalar al que de verdad planta semillas en todos los jardines del país, ya que llegan solamente a pisar lo que con tanto esfuerzo se trató de nutrir y hacer crecer. Reciben ese nombre los nadies, porque los egoístas (los verdaderos nadies) piensan que el mundo debe de no temblar ante lo que pase y seguir su rumbo, les aterra pensar que el cambio está cerca. ¿A quién le aterra ese cambio? A los privilegiados, a los que explotan, a los que matan y aniquilan sueños en todos los sitios de un país consternado y sumiso. La subordinación es el alimento principal de los que corrompen y sustentan su beneficio propio, a costa de la benevolencia de los castigados, de los desprestigiados… de esos que se les niega entrar a un hotel de lujo sólo por no cumplir el protocolo de vestimenta. ¿Qué garantizan unos zapatos de marca? Seguramente, la falta de criterio y un gran grado de estupidez humana, que se convierte en heces fecales que deambulan en cada uno de sus corazones –si es que tienen aún–.

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Crédito: Blog Surrealista.

 Sobrevaloran un mundo de ostentosidad, celebran la hipocresía, construyen mansiones para ir a derrochar el dinero que trabajaron los nadies, porque a ellos nada les costó; o fue herencia o fue explotación, no hay otra explicación sensata al respecto. Residenciales de ensueños…corazones muertos en vida, automóviles fuera de órbita…soledad que rompe motores, bolsos de pieles…botox en todo el cuerpo; todo tiene un porqué para los que se atreven a llamar nadies a los que labran la tierra, pensando que el fruto será hermoso. Porque las manzanas que los portentosos comen es gracias a que el oficio lo sabe desarrollar el que ama la vida, no el que ve signos de pesos en todas las cosas habidas y por haber.

 ¡Pobretones los ricos! ¡Ricos los pobres! Gran dilema. Los burgueses con desdichados y fríos, soledad es su vía y su muerte es el dinero. Los ricos paradójicamente son los nadies, con un gran corazón y sabiduría para ver la vida, ellos son gratamente nutridos por el alba, y son los dueños de las esperanzas de este frívolo planeta… los nadies son ricos, más millonarios que Carlos Slim y Bill Gates. Los que prenden chispan y colores al panorama, merecen una alegría infinita, ya que no criminalizan, no acusan..sólo viven para luchar y constatar que no todo se ha desquebrajado como los poderosos quieren hacernos saber. Dejen de mentir señores acaudalados, el dinero brilla para ustedes, a nosotros (los nadies) no nos importa, es más, nos vale un sorbete si siguen acumulando. La mente y el corazón se pudre de tanto codiciar… anoten.

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Crédito:Fotolog.

 Cara con la belleza de la aceptación y de la creación; los que poseen este tipo de rostro son los que hacen de la naturaleza su vínculo primario, mientras que si la nariz, los labios y los pómulos se ven fuera de contexto, seguramente fueron víctimas los que esperan con ansiedad, el hacer cambios para poder pertenecer a los que todo el tiempo se burlan de los nadies. ¡Qué horror! ¿Tener que ser miembro de los burgueses a costa de tu libertad humana?  Ése podría ser el gran error que de muchos que sólo piensan en la faramalla y en la altura de unos zapatos que muchas de las veces no son ni del color que les gusta. Mercenarios del sueño del nadie, pero conversadores de la gran obviedad del mundo: La perdición. 

 ¿Quiénes son ellos para llamar a los nadies de esa manera? Son los burgueses los que exprimen el último limón del huerto, para deleitarse con sus manjares, mientras que el desdichado espera a que comparta tan sólo una cuarta parte de medio limón; eso nunca sucede, y es cuando más fuerte tiene que trabajar el oprimido, de lo contrario, se le despide y sin prestación.

 Miseria en el corazón, dinero en la mente y los bolsillos, marcas y presunciones de aquí para allá, revistas que presumen del chico más codiciado entre la oligarquía… ¡Qué flojera! ¿Eso es el mundo? Para el 80% tal vez, para el otro 20% la vida se expresa con colores que muestren el legado de la historia y la formación de cada estrella, esa es la existencia. Todos nos vamos, el dinero se queda, el corazón también tiene que partir. Los nadies se tranquilizan porque amaron con todo el poder, los otros, no se sabe, porque vivieron de la pretensión misma.

Vicente Leñero (1933-2014) : Genialidad del periodismo y la literatura mexicana


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Crédito:Excélsior.

Jalisciense, gran representante de las letras mexicanas, mostró su capacidad periodística de muchas formas, dueño de inigualables facetas; su nombre bajo la mirada del luto nacional: Vicente Leñero, hombre de principios y paradojas que se enraízan en un emblema social que logró transformar el entendimiento de la literatura mexicana; falleció el día 3 de diciembre a causa de cáncer pulmonar. Afable al arte y a la vida en toda la extensión y al sentido crítico de la vida, Leñero compenetró en cada rincón de la singularidad mexicana.

 Ingeniero civil por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y fiel seguidor de las letras, encontró su vocación bajo el camino de la escritura; fue su más sincera pasión a través del tiempo. Su reconocimiento no sólo quedó entre voces, el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México en literatura y lingüística en el año 2001 le perteneció al gran poseedor del talento que corrompía detalles entre palabra y palabra.

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Crédito:El Universal.

 El repertorio que generó abarca la peculiaridad  y el detalle tan magistral que lo caracterizaba. Su primera obra fue publicada en el año de 1959 con el título que invita a descubrir el trabajo tan exquisito que realiza: “La polvareda”; posteriormente  le procede una novela que tiene un gran alcance para expresar el significado psicológico del autor, con un título abrumador y penetrante “La voz adolorida” (1961) es su segundo escrito. 1963, año que pertenece a la década de cambio de patrones de vida; presenta el libro “Los albañiles” que con gran ahínco implícito, logra tener el Premio Biblioteca Breve, con una historia que muestra la narrativa tan excelente que poseía.Misma década, misma sintonía, así publica “El garabato” en 1967.

 El teatro también fue uno de los temas donde presentó su gran aporte, a través de la construcción de guiones. Obras como Los albañiles, Los hijos de Sánchez, fueron títulos que bombardearon la década de 1970.  1980, y el México entre sombras se presentaba en cada rincón del país; Leñero  publica una serie de libros de índole documental que reflejan el anacronismo de esos años.  Su trayectoria, no quedó en ese aspecto, si era multidisciplinario, lo mostró aún más, cuando realizó en el año 2003 el guión para la película tan controversial “El crimen del padre Amaro”. Proceso y Excélsior fueron algunos de los medios para los cuales enriqueció la labor periodística; ese sentido crítico y perspicaz sobresalía en cada columna.

“No me gusta que las historias se acaben, ni en el cine, ni en la literatura, ni en la vida. Siempre tiene que haber más posibilidades,más caminos,más respuestas”

-Vicente Leñero.

 81 años cumplidos y Vicente Leñero abandona el mundo de los terrenales, pero su espíritu de letras se queda en cada uno de los que ha podido leer su obras tan  inigualables. Su homenaje será mañana a las 12:00 hrs en el Palacio de Bellas Artes. Así como el mencionó, la historia no se acaba.

 

 

Del futurismo a lo inaudito: Space Age Pop, música de 1960

 


No es género nuevo, tampoco vislumbra el matiz de la antigüedad. Es una mezcla distinta, que al escucharla, parece relacionar muchos géneros musicales que sólo te llevan a la siguiente pregunta: ¿Qué tipo de música es? ¿de qué género se trata? Y así es como nos trasladamos a la época de 1960 con un conjunto de percusiones y sonidos que se oían desde un elevador de las tiendas departamentales hasta en las fiestas de aquéllos días, se trata de Space Age Pop; relacionado con tipos de música actuales como el lounge, algunos hasta le han relacionado con el A go go.

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Crédito:Portada LP de Harry Breuer & his Quintet

 Llena de matices de jazz, funk, samba, bossanova y hasta con influencia de las big band al estilo Tommy Dorsey, esa música tan exótica transformó a toda una época donde los cócteles se convirtieron en reuniones cotidianas, donde se encontraban todos los asistentes en un rato ameno lleno de un espíritu de música, que sólo invocaba a bailar con pasos cortos. Peinados voluptuosos, la onda retro del momento, accesorios que daban cuenta del impacto de sus detalles… época que brilló tanto por sus espectaculares sonidos. Futurista y underground, así se presentaba su compostura.

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Crédito: Portada de LP
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Crédito: Juan García Esquivel

 Por muy bizarro que resultará el sonido, penetró en la cinematografía de los años setenta. ¿Quién no recuerda las películas de Mauricio Garcés? Un ejemplo es que las cintas que protagonizó este actor mexicano, se llenaban de melodías que quedan grabadas en la mente y pasan de un simple tarareo, a buscar de qué tipo de música se está hablando, así como de sus exponentes más célebres. En este caso, Juan García Esquivel, funge como el arreglista mexicano más notable de esta época musical. Su singularidad impactó en todos los ámbitos de la cultura y logró adentrarse en los lugares más rimbombantes del país. Esto llevó consigo una constante y precipitada transformación, ya que se pasó de ser música aclamada por la mayoría y 40 años después, su desaparición histórica parece contrarrestar su importancia.

 Dentro de su legado, hay un tipificación de géneros, entre los que destacan el Jet set pop y música de cóctel. Sus precursores conjuntan una serie de tipos derivados del jazz, es por eso que Les Baxter dio suma importancia al Space Age Pop para desplegar de mejor forma el sonido tan particular de esa música que no era ni jazz ni lounge, pero que sin duda, logró posicionarse como de lo que más se escuchaba de 1960 a 1975 aproximadamente.

 A partir de su peculiaridad, se posicionó como requerimiento para el séptimo arte de esa década tan cargada de cultura; desde el minimalismo hasta lo retro. No es un presagio, decir que ha revivido de una u otra forma a partir del siglo XXI. Un  piano bar en cada esquina –contexto 1960–, uno de diez deambula en la soledad de la Ciudad de México. De una u otra forma, su inherencia al espectáculo refirma su exquisitez.

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Crédito: Club de 1960,tipificación.

 Un timbal, un delicado eco de piano  y el sonido misterioso de una trompeta deambula la resonancia sensual del Space Age Pop. Sir Julian, Jean Pierre Mirouze, Guy Warren, Arthur Lyman, entre otros, son miembros de una identidad que engalanaba a todo el boom de la década donde todo se mezclaba. Su legado podría decirse que es tan fino, que no sólo forma parte de una cultura como tal; conjunta las características de una moda que se formó desde Estados Unidos hasta el sitio más complejo de Europa.

 Así que si cruzas por un lugar donde la tonada permanece en tu mente por mucho tiempo, además de vislumbrar matices de percusiones; ya sabrás de qué música se trata. El repertorio es extenso, aunque en estos tiempos es difícil encontrar el material tan voluminoso que había, aún hay forma de poder escuchar unas cuántas melodías que te transportarán a la escena retro de 1960-1970. Ese misticismo marcó una época de vanguardia, que estima en su composición todos los géneros más extravagantes, que van desde lo más bohemio y elegante hasta lo más modesto.

 

 

Festival de jazz de Polanco 6 y 7 de Diciembre: Edición Otoño-Invierno


Para los amantes del jazz y de todos aquellos que disfrutan de un evento al aire libre, este 6 y 7 de Diciembre en el Teatro Ángela Peralta se presentará la edición Otoño-Invierno del Festival de Jazz de Polanco. Con la participación de músicos de talla internacional, esta muestra sigue la línea de la familia Schwarz; vislumbra un elenco desde el jazz en su renombre clásico hasta lo que aclama la vanguardia.

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 Desde el año 2013, dicho festival  se hace con la intención de recobrar  el legado histórico del jazz en nuestro país, por lo cual ha sido un evento que desde su creación atrajo un sinfín de personas que gustosas de deleitarse con el jazz, asistieron a los dos días en que dura este homenaje hacia la semblanza de la música que ha patrocinado un sinfín de géneros musicales.

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Teatro Ángela Peralta. Festival de jazz de Polanco,2013.

 A su inicio, el festival tuvo gran aceptación y ahora la sigue teniendo, además de tener un amplio público que está atento de las fechas constantemente. Eddie Schwarz –productor de esta idea– trata de dar el espacio necesario a los artistas independientes, que si bien tienen talento, en muchos de los casos no son conocidos por la opinión pública. En ese sentido, el Festival de Jazz de Polanco también apoya a artistas nacionales que están incursando a este tipo de música.Con un horario de 16:00 a 21:00 horas, este fin de semana se llenará de luces el teatro Ángela Peralta.

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Edición 2013 , Festival de jazz de Polanco.

 El día sábado 16 de diciembre se contará con la participación de los siguientes artistas:

  • Daniel Perri
  • Eduardo Piastro Quartet
  • Calacas Jazz Band
  • Fran Domínguez Smooth Jazz Project
  • Gerry López Quartet

 Programación del domingo 7 de diciembre:

  • Rotem Sivan Trío

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    Festival de jazz de Polanco, 2013.
  • Rodrigo Castelán Bass Master
  • Yael Guy
  • Alex Mercado
  • Los Betos Guitar Trío
  • Víctor Patrón y su Quinto Grado Jazz Fusion

Los boletos los puedes adquirir en la taquilla del Teatro Ángela Peralta en un horario de 12:00 a 16:00 horas ,el costo es de $150.00.

 

 

El muralismo callejero en México: Emblema de protesta


 

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Crédito:Dearty Mind. Arte urbano.

Toda expresión de arte tiene un síntoma de rebeldía. Yo retomaría a éste como un proceso de reflexión en vías de la emancipación humana. La creación de un panorama que difiere del deterioro contemporáneo es lo que sitúa al hombre desde otra perspectiva, muchos lo plasmarán a través de la utopía, otros desde la esperanza; cualquiera que sea el eje, se enfrenta a la necesidad de buscar un espacio en cada rasgo de la práctica. Aquí es donde reside el muralismo callejero. Indaga sobre un síntoma de protesta social que articula los lineamientos de desenvolvimiento de cada cultura y región. Tanto en la urbe como en la periferia, se detonan problemas que facultan al individuo para concientizar su vida y el entorno en el que radica. Su forma no es la vanguardia, va más allá del instinto por pintar algo agradable a la vista; es por eso que en cada color aparece la transgresión del hombre hacia el arranque por forjar las situaciones más cotidianas de la vida.

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Crédito:Saner, en su visita a la Guelaguetza.

Parece que su escenario sólo se visualiza en el contexto urbano, a lo que hay una negativa, ya que el arte callejero busca las maneras de llegar a los lugares más desolados que enfrentan condiciones de pobreza, marginación, discriminación, violencia intrafamiliar; por lo que se enfrenta a un argumento bastante difícil de crear en los lugares donde los sueños parecen haberse ido para siempre. ¿Y en realidad se esfumaron? La contradicción impera en esa dramática reflexión. La ilusión acompaña a toda la especie humana, por lo cual el no soñar en un mundo tan devastado anímicamente, sería un delito.

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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en México.
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Crédito: Paul Insect y Sweet Proof en calles mexicanas.

“Lo imposible sólo existe en tu mente”

Arte callejero.

 Ciudades grises o las ciudades fantasmas conocidas como los “slums” son barrios que sufren de una serie de problemáticas que los aíslan del desarrollo motriz, por lo cual sus condiciones de vida son sumamente tristes. El muralismo callejero, también trabaja en estos sitios grises y oscuros donde una brisa de color parece cambiar todo el panorama tan turbio y desolador. La desesperanza une a los que más padecen de un sistema que los aleja cada día más. Un síntoma de vida son esas paredes que le echan una chispa de ingenio y alegría a la sociedad que no hace nada más que prometerle a la luna que no creerán en  un nuevo amanecer. El aerosol acompañado de una obra bastante creativa construye una idea fundamental para vislumbrar el aspecto social desde sus alcances y limitaciones.

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Crédito:Dearty Mind.

 La forma es lo de menos, la esencia de un proyecto que brinde la apertura de pensar al mundo desde un aspecto más reconfortante, pero sin dejar de lado la protesta,constituye el gran legado del graffiti por todos los rincones de la ciudad.  Ejemplo de creación son Paul InsectSweet Proof .Ellos extranjeros, ellos preocupados por México, así claman su expresión en las calles de esta nación que se hunde en el olvido mismo. Así mismo, la arbitrariedad aparece en las calles…alguien que va en su bicicleta con la vista puesta en el frente, mientras a su costado permanece una pared que no está en obra negra, ahora es el retrato de su colonia.

 Sego,Seher One y Saner  son también tres artistas mexicano que explican a través de sus murales la represión que se desata en este país.Presentan de una manera muy peculiar los desvaríos a los que se enfrenta la sociedad mexicana; víctimas de un sistema que se corrompe día a día, los ciudadanos buscan una forma de adaptarse a las circunstancias, de manera que les llega tardíamente la conciencia social. La figura nacional se expresa como una encrucijada entre su legado histórico y la mezcla de culturas extranjera que hacen del mexicano un ser lleno de explicaciones ante su existencia.

 Destacan por sus símbolos de protesta, pintan los sitios más antagónicos del país, brindan una nueva visión desde el muralismo, es decir, ya no sólo se entiende como el movimiento de los grandes precursores nacionales, aunque cabe destacar que comparten el mismo objetivo: La protesta ante la opresión. Más contemporáneo y diferente, el muralismo callejero cautiva a los que caminan los lugares más olvidados de un México que sufre altos índices de violencia.Murales en edificios, en baldíos, en casas abandonadas…cualquier lado es idóneo para poder reflejar los problemas por los que pasa cada parte de la sociedad.

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Crédito:Sego.

 Con influencia neoyorquina y con una mirada que penetra hasta lo más hondo de las clases sociales, el arte callejero se ha visto involucrado en una evolución constante que le permite posicionarse junto con otras técnicas de arte como objetivos de crear conciencia en cada estrato de la comunidad mexicana para tornar otro ambiente de vida, desde el simple hecho de voltear a ver esas paredes que estaban a punto de derrumbarse.

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Crédito:Seher one.

 La comunidad indígena representa la capacidad de fortaleza que la hace ponerse de pie ante cada suceso que limita al humano. Su resistencia es el mundo vivo, su reflexión es más grande y llena de sabiduría que cualquier otro conjunto de personas. Son el ejemplo viviente de la rebelión, así lo plasma Dearty Mind bajo el legado de la protesta e insurgencia.

 Ejemplos hay y de sobra, en este país se grita en todos los espacios y el muralismo bajo el arte callejero ha expresado las pautas para liberar a la nación de sus propios miedos y poder pensar al entorno social desde una perspectiva realista y sin tabúes. Todo ello es la presencia viva de la conciencia que se acompaña de creatividad y una buena crítica hacia el sistema opresor que impera en los países que han olvidado su importancia de combate.

 

Seis poetas revolucionarios de América Latina: Luchadores sociales


Poetas que hablaron para el mundo y para sí mismos, soñadores que alardearon de las letras para escapar de la mezquindad del sistema político, que inundaron las huellas de una dramática y controversial aventura que los llevó a navegar sobre los objetivos que ayudaban a vislumbrar la libertad como situación de urgencia del individuo. Banderas y símbolos patrios  que en su momento no les permitieron desenvolverse en su forma o en su juicio, ya que buscaban incansablemente otra situación social a partir de una palabra que parecía darles temor a muchos: Revolución.

 Los mártires que son  los esclavos de lo usual la clase alta, que se entiende como las personas que tienen más poder en el control del aparato gubernamental, los perseguían (y lo siguen haciendo actualmente) hasta el cansancio, con la finalidad de que no quedará rastro de su emblema. ¿Cuál era el hecho por el que eran ultrajados y exiliados? Simplemente porque iban de un lado que no era bien visto, porque ellos eran los grandes luchadores que denunciaban al opresor de diversas formas.

1.Jose Martí (1853-1895)

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“Dos patrias tengo yo: Cuba y la noche.

¿O son una las dos? No bien retira

su majestad el sol, con largos velos

y un clavel en la mano, silenciosa

Cuba cual viuda triste me aparece.”

— Fragmento de dos patrias.

 De nacionalidad cubana, luchó incansablemente por la independencia de su país. La palabra revolución formó parte de su gran itinerario, por lo cual en su revista “Patria libre” daba cuenta de los tiempos tan difíciles por los que pasaba Cuba. Perseguido y acechado por el Estado, fue presa de un encarcelamiento que duró seis años, aunque eso no fue impedimento para que la escritura le acompañase en ese tiempo que fue un calvario. Fue deportado a España y su arduo trabajo intelectual se representó en varias obras, en la cual destaca “La república española ante la revolución cubana”. Víctima del exilio, su viaje se postergó por toda América Latina. Camarada que se oponía a los lineamientos del mandato burgués.

2.César Vallejo (1892-1938)

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“Y, entre mi, digo:

ésta es mi inmensidad en bruto, a cántaros

éste es mi grato peso,

que me buscará abajo para pájaro

éste es mi brazo

que por su cuenta rehusó ser ala,

éstas son mis sagradas escrituras,

éstos mis alarmados campeñones.”

— Fragmento de epístola a los transeúntes.

 Perú su país natal, formó parte del gran sentimentalismo de este poeta. Preocupado por el bienestar social, dedicó gran parte de su obra a la gran encrucijada entre la vida y la muerte; el sufrimiento del hombre fue uno de los grandes temores que le acechaban, muestra de ello son “Los heraldos negros” que vislumbran la necesidad de una rebeldía interna en el hombre. En 1920 se le acusa injustamente y es llevado a prisión durante tres meses y medio.

3.Pablo Neruda (1904-1973)

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“AMÉRICA, no invoco tu nombre en vano.

Cuando sujeto al corazón la espada,

cuando aguanto en el alma la gotera,

cuando por las ventanas

un nuevo día tuyo me penetra,

soy y estoy en la luz que me produce,

vivo en la sombra que me determina.”

— Fragmento de América, no invoco tu nombre en vano

 A pesar de las múltiples limitantes que sufrió por parte de su familia para dedicarse la poesía, el chileno no abandonó ese espíritu cautivador que lo hacia aferrarse a una nueva perspectiva de vida. Formó parte del cuerpo gubernamental de su propio país, sin embargo, detalles como la lectura sobre un fundamento de nombre “Yo acuso” que hizo delante del Senado le valió una detención arbitraria, por lo cual sale de su nación en 1949. Militante del Partido Comunista y ferviente acompañante de Salvador Allende.

4.José Revueltas (1914-1976)

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“Yo, que tengo una juventud llena de voces,

de relámpagos, de arterias vivas,

que acostado en mis músculos, atento a cómo corre y llora mi sangre,

a como se agolpan mis angustias

como mares amargos

o como espesas losas de desvelo,

oigo que se juntan todos los gritos

cual un bosque de estrechos corazones apretados;

oigo lo que decimos todavía hoy.”

— Fragmento de canto irrevocable.

 Originario de México, provenía de una familia intelectual duranguense que mostraba una preocupación constante por la lucha social. Fue miembro del Partido Comunista Mexicano, víctima de innumerables encarcelamientos, Revueltas siguió desempeñando el papel de un gran activista social que defendía a capa y espada los intereses de la clase menos privilegiada. Su gran aporte le mereció el Premio Nacional de Literatura en 1943. Lecumberri y las Islas Marías fueron lugares donde tuvo que callar mientras se le encarceló de una manera muy ruin, mientras que se le privaba de su actividad libertaria.

 5.Roque Dalton(1935-1975)

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“Cuando yo muera,

sólo recordarán mi júbilo matutino y palpable,

mi bandera sin derecho a cansarse,

la concreta verdad que repartí desde el fuego,

el puño que hice unánime

con el clamor de piedra que eligió la esperanza.”

— Fragmento de hora de la ceniza.

 Proveniente de una familia de origen norteamericano, Dalton manifestó su inconformidad hacia el contexto social que veía en el Salvador. Fue parte de los jóvenes revolucionarios de América Latina, además formó parte del Partido Comunista Salvadoreño en 1958.También fue víctima del acoso por  parte del gobierno, lo que originó una serie de encarcelamientos que no tenían las bases para respaldar el porqué de dichas detenciones. Después de dejar el Partido Comunista, forma parte en 1973 del Ejército Revolucionario del Pueblo. Fue asesinado por miembros de la guerrilla.

6.Otto René Castillo (1936-1967)

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“En mi país,

la libertad no es sólo

un delicado viento del alma,

sino también un coraje de piel.

En cada milímetro

de su llanura infinita

está tu nombre escrito:

libertad.

En las manos torturadas.

En los ojos,

abiertos al asombro

del luto.”

— Fragmento de la libertad.

 Activista de origen guatemalteco que se rebeló en contra de los principios opresores de un país que estaba constantemente en llamas. Fue parte de guerrilla “Fuerzas armadas rebeldes”. Trabajó arduamente con los campesinos y fue parte primordial de la lucha armada de Guatemala. Torturado vilmente por el Estado y a mandato del coronel Carlos Arana Osorio, muere en 1967.

 Personajes que no dudaron ni un segundo en clamar esperanza por naciones que sufrían de ultrajes hacia la vida. Sus poemas dieron el aliento suficiente para que muchos despertaran y oyeran de una manera diferente el canto de las aves en días de oscuridad que parecían infinitos. Gracias a sus letras, la voz hispanoamericana ha sido prolongada a través del grito ensordecedor que pide rebeldía y justicia para quiénes no tienen voz ni voto en un sistema que encarcela a los más conscientes.

Exposición: 175 años de objetos fotográficos. Del daguerrotipo al selfie


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Crédito: Museo del Objeto del Objeto.

¿Cuál ha sido la evolución de la fotografía desde hace 175 años? A esta pregunta, llega la exposición en el Museo del Objeto (MODO) que se presentará desde el 27 de Noviembre al 29 de Marzo del 2015. Se encarga de mostrar cómo ha sido la fotografía a lo largo del tiempo, una forma para archivar la memoria histórica que ha cobrado cambios abruptos, pasando del daguerrotipo al selfie. Un aspecto modernizador se ha presentado a principios del siglo XXI, lo cual será una cuestión que abrirá las condiciones para que el asistente transforme su capacidad de pensar a la fotografía desde distintas vertientes.

 El entorno social forma parte del gran legado fotográfico. La multitud de detalles la hacen ser una de las expresiones artísticas que más enriquecen la historia a través de imágenes que permiten distinguir épocas, comportamientos y un sinfín de características que alumbran el arte de documentar escenarios cada vez más ecuánimes.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 La semblanza ante el cambio social ha contado con la participación de una gran cantidad de cuestiones típicas de cada proceso cultural, por lo que es indispensable mostrar como desde hace 175 años se han cambiado ciertos patrones de la vida. Se retratan lugares, personas y cosas que involucren al mundo para dar cuenta de la serie de mecanismos a los que estamos sujetos por el simple hecho de ser parte de la especie humana inmersa en un proceso de evolución constante. Los tiempos muestran drásticos avances y retrocesos periódicamente, y es lo que busca esta exposición: mostrar el dinamismo en el que se ve involucrado el hombre desde que se dio cuenta de lo que lo rodea y también, de lo que forma parte de un proceso de convivencia cotidiana.

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Crédito:Museo del Objeto del Objeto.

 En esa transformación cotidiana en la que nos vemos envueltos, el lente de una cámara parece ser el portavoz primordial de las actividades del hombre a través del tiempo. Con ello, se presenta todo un proceso de desarrollo colectivo que involucra una muestra de cámaras que van desde el siglo XIX hasta la actualidad. Detalles que son rasgos peculiares de cada momento, quedan plagados en la humanidad, para dar paso al reconocimiento de la semblanza de diversas etapas que permite ampliar la reflexión hacia lo que respecta a toda la coyuntura social.

 Sin duda, la fotografía permite que haya más claridad en torno a diversas influencias que hay en el desenvolvimiento social. Ha sido una parte primordial de la expresión de las artes. Por tanto, se les invita a que no pierdan la oportunidad de ver esta exposición que hace un largo recorrido de memoria fotográfica.

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Los horarios de acceso son  de miércoles a domingo de 10:00-18:00 horas, hasta el 29 de marzo de 2015, con un costo de $40, público en general.

 

La ilustración de las cadenas bajo Chiara Bautista


 

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

La ilustración mexicana ha desempeñado un papel increíble en los últimos años que merece el reconocimiento de la sociedad. Tal es el caso del trabajo de Chiara Bautista, ilustradora de origen nacional que radica en Estados Unidos y que trata el emblema del dibujo desde una trama bastante interesante. Víctimas del abandono o no, su trabajo muestra a mujeres atrapadas que parecen ser la víctima de un hecho que las aflige y las aprisiona por un buen tiempo. ¿Cuál podría ser ese calvario? Se podría considerar como las fuentes de un caos emocional, ya que en este planeta vacilamos sobre lo que está bien y lo que está mal –desde la perspectiva de la moral. A su vez, ese afán moraloide que acompaña al humano cuando ve las cosas por primera vez desde un aspecto purgativo y sin considerar el porqué de la sensación humana, causa tantos destrozos de vacío existencial. Aquí es donde radica el clímax de la expresión de Milk (como también se le conoce a Chiara).

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Chiara Bautista.

 Pasión, subversión, libertad y esperanza podrían ser los palabras que permiten conceptualizar cada imagen que deletrea la necesidad por descubrir al individuo desde una concepción meramente sensomotora, es decir sin un sentido de apego hacia lo que sólo es tangible (cuestiones materiales). Más allá de eso, el concepto humanista que demuestra Milk en su trabajo, involucra también la necesidad por recrear un ambiente de esperanza en un mundo tan olvidado de sí mismo. Recuerdos más, reflexiones menos… la arbitrariedad de la sociedad. 

 “Bellos y falsos”, “La pasión” y “El inmisericorde abandono de la niña pulpo” son algunas de las frases que acompañan a cada creación, por lo que es lógico pensar que existe una relación entre lo que se hace y lo que parece ser un proceso de reflexión de la vida cotidiana. Chiara de una manera muy ingeniosa, abre la puerta hacia un esquema de criterio que abone entre pensar y accionar, es decir, no perder la línea de la vida; el ser dueños de nuestros propios deseos y así forjar nuestros detalles más mundanos. ¿Qué pasaría si todos nos dejáramos llevar de la misma forma? Sin duda, no habría esa posibilidad de crítica y también de poder plasmar cada quien su ruta ante lo que cree pertinente y lo que no, pero algo que nos acompaña a todos y con letras grandes lo podría ratificar es la palabra prejuicio.

 Retomo una frase: “Bellos y falsos” ¿Qué tan falsos somos? Si la falsedad hablase, creo que todos tendríamos que decir algo de ella, el fingir es un ameno acompañante de la mentira y la banalidad. Hechos de un mar de vacíos emocionales sin poder comprender el porqué del abismo, deambulamos entre rechazar y aceptar lo que realmente somos o queremos ser. La propia encrucijada se haya en cada desfiguro que pretendemos hacer con la finalidad de encontrar la esencia de las causas y los efectos. Mentimos cuando decimos que desconocemos lo que está bien o mal, somos dueños del prejuicio hasta el cansancio. Una vez más, Chiara Bautista da en el clavo en cada muestra de sus imágenes.

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Chiara Bautista.
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Chiara Bautista.

 Cuerdas y redes se pueden vislumbrar en gran parte del ingenio de Chiara Bautista, que se logra presentar a lo largo de su trabajo. ¿Cuáles podrían ser esas ataduras? Las cadenas hacia la mera pretensión, involucran al hombre en una serie de mecanismos que lo hacen inerte en la participación que desenvuelve en la sociedad; sociedad que aplaude las máscaras y los buenos deseos de un mundo más hostil. Gancho al hígado, Chiara vuelve a dar tiro al blanco. La pulcritud que se detona en cada ilustración apunta el gran logro de la mexicana. ¿Somos víctimas de esas cadenas o pretendemos serlo? Cada uno de nosotros tiene la respuesta certera, la ilustradora sólo hace su debido trabajo: Dar rienda suelta a la imaginación.

 Las ilustraciones de esta mujer llena de talento no están alejadas de lo que siente el individuo. Necesidades nos hace presa de una ruina inaudita que nos hace caer en los temores más abruptos. La descripción de esto, radica en cada imagen que singulariza las relaciones humanas.

Emilio Morenatti: Entre la vida y la muerte


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Judío ortodoxo junto a un soldado israelí.                                  Emilio Morenatti,2005.

El semblante lleno de lágrimas, un rostro que muestra dolor hacia la vida, una máscara que cuando se logra quitar corroe la sangre por doquier. La desfachatez de un mundo que pasa los ojos por el color rosa y no por el gris. La multitud se mezcla con una alegría fingida, mientras las voces se vuelven ecos para los sordos… un grito soslayado se une hacia los golpes físicos y emocionales de un juego mal pagado. Guerras, hambres, infortunios, balaceras en los barrios más pobres como en los más burgueses, peleas callejeras, asaltos, secuestros, robo a transeúntes y a la lista se unen un número bastante alto de las complejidades sociales de vivir en un planeta que no sabe de igualdad ni equidad. Parece fácil ir caminando viendo a un vagabundo que clama por un plato de comida, mientras que sigues cómodamente el vaivén de tus zapatos bien boleados y en el mejor de los casos, hasta de marca. Una señora a lo lejos grita justicia para quien acaba de ser baleado en la esquina, un niño vendiendo chicles en la acera derecha y los automóviles pasan y pasan sin titubear ante la barbarie humana.

 Lo anterior, se refleja en el trabajo del fotógrafo y periodista español Emilio Morenatti. Luchador social que ha tratado de reflejar al mundo a través de una cámara, con toda la serie de acontecimientos de impacto mundial como han sido los sucesos presentados en franja de Gaza y en general, en Medio Oriente. El peligro que se presenta día a día en esta parte del mundo ha reflejado la gran ola de violencia que se padece a nivel internacional en cuanto a disturbios que se acompañan de múltiples características, que van desde la discriminación del sexo femenino hasta atentados  que se cometen en contra de la estabilidad de la sociedad en general. Fotoperiodista que se enfrenta ante la muerte, pero que no se deja invadir por el miedo ante hechos que hacen la huida más factible que otra cosa. Sobreviviente del peligro, víctima de un secuestro en Gaza en 2006, ferviente y acérrimo defensor de la vida aunque le cueste la de él; Morenatti logra sobrevivir a la tragedia ante el tumulto de ultraje hacia la vida. Comprometido con su trabajo de investigación, a pesar de haber sufrido una amputación de pie, refleja el gran talento y compromiso que mantiene hacia su labor.

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Kabul, Afganistán. Emilio Morenatti.
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Mujeres pakistaníes luchando por el subsidio hacia la comida. Emilio Morenatti.
TOPIX MIDEAST ISRAEL PALESTINIANS
Niños palestinos presentes en un atentado. Emilio Morenatti, 2005.

 Confrontaciones bélicas, mujeres que son víctimas de las guerras, entre otros temas, han sido parte de su extenso y magnífico trabajo que le permitió ser el ganador del World Press Photo. Con una serie de mecanismos para retratar las condiciones que delataban a la muerte más cercana que la vida, el español se dedicó por años a comprender y analizar los conflictos sociales desde un arduo compromiso con la sociedad. En ese sentido, indaga las pautas de lugares sombríos y oscos para hacer tomas sobre la desesperanza de una sociedad que ya no quiere más hambre ni más olvido, sólo pide paz; paz para la sociedad que ya no cesa de llanto y dolor, bondad hacia los más necesitados y candor hacia los más desesperanzados. Emilio va más allá de una simple fotografía, indaga sobre el miedo y sus variantes, para mostrarle al público que esto va más allá de simples roces entre países; esto muestra al mundo de que está hecha la necesidad de sobresalir más otros. Crisis social que relata cada fotografía, mostrando un sinfín de detalles que dejan inaudito al que logre visualizar de manera realista el retrato de una sociedad inmersa en el desconsuelo.

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Rumbo a una celebración pakistaní.Emilio Morenatti, 2009.
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Mujer pakistaní acarreando agua. Emilio Morenatti, 2008.

 Cometido lleno de valentía que logra impulsar su objetivo a partir del caos de un mundo lleno de contradicciones, que lo llevan a ser el portavoz de crueles sucesos. Un ejemplo de esto es el trabajo que realizó en territorio pakistaní, contempló a través de una serie de fotografías la encrucijada social entre pobreza y maldad, para impulsar un memorándum de la vida en ciudades que enfrentan la violencia indiscriminada desde que amanece hasta que llega a terminar el día. Miradas que piden que la injusticia termine para salir a disfrutar del sol a todo su esplendor, y la vida va y viene a raudales con un mar de lamentos que se han hecho escuchar más de un siglo entero. Mujeres cansadas y fastidiadas de ser vistas como un objeto, hombres que gozan de una egocentrismo inadmisible que les permite atentar  sin piedad contra las personas más vulnerables, cenizas y más cenizas de cadáveres que no se reconocieron y se mezclan en los sitios más olvidados: Los pobres. Nada cambia y todo se transforma para fines lucrativos; tiempos que pertenecen al siglo XXI.

Día Internacional en contra de los Trastornos de la Conducta Alimentaria


niam¿Quién es Ana , quién es Mía? Personajes llenos de frialdad y de una insensibilidad tan atroz que ataca a miles de mujeres y hombres a lo largo del mundo. Su destino es corromper al sujeto en segundos, para convertirlo en presa de los estereotipos físicos . Anorexia y bulimia son sus nombres reales, se disfrazan de princesas para engañar a todo tipo de personas. Se conjuntan para hacer de sus víctimas un terrible infierno. Espejos que parecen ser los cómplices de estos dos trastornos que agravan la existencia de muchas personas cercanas a nosotras.  El día internacional de la lucha contra los Trastornos de Conducta Alimentaria tiene como fecha de conmemoración el día 30 de Noviembre, su importancia radica en el reconocimiento que se ha hecho hacia estos problemas que cada vez se presentan con mayor frecuencia –independientemente de la condición socioeconómica-.lui

 Según datos del ISSSTE del año 2010, por cada cien mujeres mexicanas, diez sufren de anorexia y la mitad tiende a morir. ¿Qué tan difícil es poder lidiar con una enfermedad tan monstruosa? Páginas de internet como chats pro Ana y Mía, alientan a las jovencitas a seguir los pasos para alcanzar una perfección corpórea, pero ¿Cuál es la gran disyuntiva? Que nunca quedan conformes con los resultados, y esto se hace una adicción cada vez mayor. Desde los 14 años se observa que los padecimientos crecen y la obviedad por alcanzar resultados fuera de límite arroja datos sumamente alarmantes.

 Te habla alguien que ha sufrido durante mucho tiempo de problemas de autoestima por los múltiples estereotipos, pero que para bien no me he permitido caer en este tipo de problemas que han ocasionado la muerte de muchos individuos en todo el mundo. Debemos crear conciencia sobre el equilibrio que existe ante una alimentación balanceada y cómo cuidar tu cuerpo. No dejemos que esto prevalezca aún más. Medios bombardeando por todos lados, defendamos la postura del equilibrio…ni más ni menos.

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 A raíz de la conmemoración del día internacional en contra de los trastornos alimenticios, se realizará una ponencia que en torno a esta problemática en la Escuela Nacional de Antropología e Historia el día 21 de Noviembre a las 13 horas en la sala Margarita Nolasco. Se contará con la participación de una serie de testimonios que dan cuenta de su experiencia.

 

Federico Fellini: Recuerdos de Italia


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Taste of cinema.

La peculiaridad para retratar el ambiente social de 1950 a 1960 , recae en la sensibilidad que poseía Federico Fellini: llevar a través del séptimo arte la singularidad de los hechos tan controversiales que sucedían, tales como violencia intrafamiliar, discriminación, pobreza –en diversas facetas, lucha entre clases sociales y la precariedad de la vida en esa coyuntura mencionada. Aspectos que enriquecían la postura del director y guionista italiano, para brindarle al cine de lo mejor que se ha hecho internacionalmente.

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Vogue.

 Conforme al transcurso de su vida, Federico Fellini veía en Italia la gran confrontación que  existía entre clases, lo cual incrementaba los problemas sociales y no permitía el desenvolvimiento pleno; por eso surge su necesidad de retratar a su natal país en cada película, ya sea desde diversos escenarios que iban de una mujer que perdió la esperanza en la vida y en sí misma, como a un núcleo social que sufría las consecuencias de una pobreza llena de desvaríos y censuras. Su cometido fue logrado de una manera tan clara y precisa, que su legado en la cinematografía dejó una gran huella que sigue reconociéndose en estos tiempos donde la crisis social hace su aparición de una manera descabellada. No fue en balde su trabajo, ya que obtuvo el reconocimiento de la Academia con cuatro premios Óscar, aunque cabe destacar que su finalidad nunca fue esa, él mismo se encargó de demostrarlo implícitamente en cada guion, ya que no presentaban características de pretensión ni simulación de los hechos, es por eso que alcanzó la precisión de cada problemática; pasando desde el momento lleno de felicidad hasta el más cruel.

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Federico Fellini y Giulietta Masina.

 Su desempeño profesional  en primera instancia como dibujante le permitió tener una perspectiva más alta sobre lo que quería hacer, por lo que se dedicó primero a escribir y a dibujar; y posteriormente se dedicaría al séptimo arte. No fue fácil su desarrollo laboral, ya que se enfrentó a la represión por parte del Estado que perseguía indiscriminadamente a los artistas que trataban de impartir al público otro tipo de espectáculo, por lo cual al fungir como guionista de la serie Flash Gordon, tuvo que enfrentar al gobierno conservador siguiendo su trabajo en la misma línea. Nunca dejó que cuestiones externas le atemorizaran para hacer lo que tanto disfrutaba.

“Hablar de sueños es como hablar de películas, ya que el cine utiliza el lenguaje de los sueños: años pueden pasar en segundos y se puede saltar en un lugar a otro.”

— Federico Fellini.

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Giulietta Masina en las Noches de Cabiria

 Hizo su aparición en el cine de manera magistral, gracias a la relación que mantuvo con el director italiano Roberto Rossellini , quien le ayudó en un principio a dar forma a obras maestras como Roma, ciudad abierta y El jeque en blanco. 1950 fue el año donde presentó su primer largometraje Luces de Varieté; con la película La Strada (1954) alcanzó el retrato de una sociedad sombría y llena de calumnias hacia una mujer que esperaba sólo ser amada, y que sufría una condición de pobreza  que la llevó a estar dispuesta a aceptar un sinfín de desplantes por una sociedad que sólo se mofaba de ella y la ponía en el centro del espectáculo como el títere que siempre se negó a ser, pero que por costumbre le fue impuesto y que sin duda, se acostumbró a serlo sin cuestionar el sentido del porqué se le trataba así. Giulietta Masina fue la gran estrella que le dio forma a personajes femeninos tan peculiares como Gelsomina en la Strada (1954), Cabiria en las noches de Cabiria (1956)  mujer que enfrentaba el reto de poder pertenecer al mundo siendo ella misma; su sensibilidad y carisma hacia la vida le permitían enamorarse fácilmente de cualquier hombre e imaginar un mundo de color rosa, lo cual no le permitía encontrar un equilibrio en su vida, se confiaba fácilmente de quien fuera y su vulnerabilidad la hizo presa de un dolor inmenso. Sin dejar pasar a Julieta de los espíritus (1965) personaje que puso al cine de cabeza, ya que la actuación logró compenetrar hacia el esquema social más oscuro de aquél tiempo, personaje que relata la infelicidad y la inseguridad de un ambiente familiar que sólo le provoca soledad (nada alejado de lo que pasa actualmente).

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Escena de La Strada.
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Masina interpretando a Gelsomina.

 La dolce vita (1960), con la participación Marcello Mastroianni, obtuvo la Palma de oro en el Festival de Cannes. Ocho y medio (1963) también la protagonizó el italiano Marcello; ambas películas encontraron la situación de un mundo lleno de prejuicios y de vicios que los acercaban a la perdición o la reflexión según fuera el caso, por lo cual estas dos cintas reflejaron al mundo que olvida y que critica, sin tener un preámbulo constante. Se recordaba todo mientras causara algo positivo y de lo contrario, se desechaba.

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Escena de La dolce vita.

Con música del célebre compositor Nino Rota, las cintas del guionista italiano alcanzaron la popularidad en todas las zonas periféricas del país justo como lo quería Fellini, hacer llegar a la gente más alejada del ambiente una reflexión que le permitiera tener una criterio más amplio sobre lo que acontecía en Italia a mediados del siglo XX. Melodías como la de Amacord, las noches de Cabiria, la dolce vita siguen impregnando la galantería de sumos detalles.

 Su versatilidad le permitió rebasar los límites del séptimo arte, para adoptar una perspectiva que difería con lo que se quería mostrar con lo que debería de enseñar al público, que era la realidad de tiempos difíciles donde la reflexión se tenía que abrir ante el cine a través de personajes tan bien definidos como los que se mencionaron con anterioridad. Una sociedad en crisis, con problemas por enfrentar su situación; cuestiones que no son tan diferentes de lo que pasa en estos momentos. Sin duda, el legado del gran genio italiano sigue en pie.

La negación ante el olvido de los indígenas en la época moderna


La belleza de México radica en la peculiaridad de su arquitectura social y cultural. Un sentido histórico que define la identidad del mexicano se encuentra detallada de una manera ancestral; pluralidad y un concepto autóctono describe la pertenencia y el conocimiento de nuestras raíces típicas –ricas en emblemas culturales-. En ese sentido, alrededor del mundo se reconoce el legado patrimonial de las culturas indígenas de nuestro país, entonces ¿Por qué el mexicano se empeña en olvidar la magia de su ascendencia? ¿Dejó de ser importante? Preguntas que merecen ser analizadas y comprendidas en un contexto social.

 Una de las posibles respuestas se centra en el hecho de la desvalorización paulatina del sentido de identidad del mexicano, a partir de la adopción –según estereotipos sociales- , de la concepción de otras tendencias extranjeras (lo cual no está mal) sino que en ese afán por querer “modernizar ciertas cuestiones de la vida” se deja de lado la importancia de la cultura nativa; es más hasta se le ha llegado a degradar con adjetivos como “naco”, “ignorante”  y otros que se le asemejen. Los pueblos originarios son los que han aportado gran trascendencia a todo el mundo… y la mayoría se empeñan en su olvido.

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Pueblos Wixaritari.
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México es de aquí.

 “Del dicho al hecho hay mucho trecho”. Éste refrán puede utilizarse en el sentido de dar mención a la contradicción prevaleciente entre los que dicen sentirse orgullosos de su país y de su nacionalidad, pero en realidad esto sólo representa el reflejo de un estado de solidaridad consigo mismo, es decir, quedar bien con los demás y fingir que conozco el sentir de mi nación. ¿En realidad te duele tu país? Es un suplicio tener que lidiar con hechos tan mordaces como es la discriminación hacia nuestros hermanos, ellos viven el calvario de ser para el mundo, los olvidados.

 La historia ha demostrado en un sinfín de ocasiones -conforme a la evolución del mexicano-, que el oriundo del país del maíz olvida lo que le conviene, piensa lo que cree conveniente. Es un absurdo olvidar la magia de las comunidades indígenas, el aporte hacia la cultura de la nación ha sido gracias a la formación que han tenido los compañeros durante todo el proceso de formación, que va desde el declive de un imperio hasta la lucha para la emancipación humana. Éste México, era un pueblo guerrero – la esencia y la humildad aún describe en la actualidad el pensar de inigualables personas que adoran a sus semejantes-. ¿Por qué olvidarlas? ¿Su delito es ser pobres en un país que va en la búsqueda del tinte burgués? El delito es de la nación por no recordar la gran importancia de la cosmogonía de las comunidades más hermosas y francas de este país lleno de color; son pobres en dinero, pero no en pensamiento y actitudes, de ellas siempre podrás aprender a través de la humildad que tanto le falta al mexicano.

“El río pasa, pasa:
nunca cesa.
El viento pasa, pasa:
nunca cesa.
La vida pasa…
nunca regresa.”

Poema otomí.

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Indígena huichol.

 El orgullo que invade el espíritu al sentirse parte del florecimiento de una cultura exquisita en detalles, se ha quedado atrás del hermano y parece no recordar la importancia, se desatiende y los colores brillantes de este país se han opacado en otorgarle un poderío a una semblanza del olvido. Mercancías por doquier y miles de despilfarros hacen su aparición en el siglo XXI para minimizar la esperanza de los caídos,de los que les duele un país sombrío y cansado de seguir y no encontrar la luz al final de túnel tan interminable.

“El indígena descalzo…el burgués gozoso
El pobre lucha…el burgués calla.”

 Mientras se carece de fraternidad, México lindo y querido parece desquebrajarse ante cualquier tumulto que ofrezca mayor sentido de vanguardia, mientras que un pueblo olvidado llora que se le haya exiliado de su tierra llena de flores y tradiciones, llena de manjares nacionales. El rostro indígena, es la más bella y sincera de la humanidad y de la semblanza de la historia de una nación que ha sufrido tragedias y olvidos. Todo el tiempo se le pisa, pero la lucha de los más aguerridos y de los pueblos originarios sigue en la esencia de una nueva perspectiva de vida, donde los intereses por tratar de no recordarlos ya no existe.

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Indígenas en el Estado de México.

El guerrero no es alguien que pelea,

no tiene el derecho a tomar la vida de otro.

El guerrero, para nosotros,

es aquél que se sacrifica por el bien de los demás.

Su tarea es cuidar

a los mayores,

a los indefensos,

a aquellos que no pueden hacerlo por su cuenta,

y por sobre todo,

a los niños,

Futuro de la humanidad.

-Toro Sentado.

 El México aguerrido por pueblos originarios, por comunidades llenas de bellos sentimientos aún viven en las entrañas de la tristeza que cae a cántaros del cielo. Un pueblo que lucha por seguir en el camino con personas tan soberbias que no reconocen el corazón tan excelso que describen a nuestros hermanos los indígenas. Ellos son la luz para los que han dejado se soñar, ellos son la guía para este mundo gris; respeto y amor siempre para ellos. Este país les debe eso y más, por sobre todas las cosas, nunca será exterminada la llama reveladora de los que han forjado el sentimiento de una historia llena de lucha.

La era de las Big Bands : entre la lucha clasista


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Count Basie & Ethel Waters (1943).

“Si tocas una melodía de jazz y las personas no mueven los pies, no la toques más.”

— Count Basie.

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Baile típico en 1950.

 A partir del año de 1930 se presentaron grandes cambios sociales a escala internacional, sucesos de gran impacto histórico como fue la Segunda Guerra Mundial presidiéndola  la Gran Depresión de 1929 y posteriormente la Guerra Civil Española. En ese sentido, la transformación socioeconómica se presentó en todos los países, independientemente de su grado de desarrollo, y dicha modificación también centró sus bases en el contexto cultural, básicamente en la música.

 El glamour y el cliché de las grandes orquestas (big bands) transformaron a la escena musical para brindar al mundo una serie de notas que permitirían ser el legado de géneros actuales como es el rhythm & blues,  acid jazz, lounge, música de elevador, con presencia en los años 50, conocida también como a go go-soul y el mismo jazz contemporáneo. El ritmo meloso que corrompe su  formalidad al minuto, permitía adiestrar al oído de una manera que permitía que el baile surgiera entre los asistentes de una manera cómoda. Los trajes impecablemente cuidados en tonalidades claras y los peinados con bucles espectaculares aparecían en los bailes de salón de todo el mundo; aunque en un principio la sede fue Europa Occidental y América del Norte. El ritmo del swing invadió los espacios burgueses de los países con una fuerte concentración de capital; la periferia no formó parte de este movimiento.

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Lester Young.

 Una fuerte contradicción se vislumbra entre su origen y desarrollo, ya que fue un movimiento que tuvo sus raíces en comunidades en condición de pobreza –específicamente en Florida, Estados Unidos. El jazz fue el elemento que permitió la creación de la big band, el sonido dependía de este tipo musical que se oponía al régimen más acomodado, sin embargo a partir del año de 1935 el escenario en el que se desenvolvió la música de las grandes orquestas, pasó a ser cultura en su mayoría de pertenencia burguesa. En ese período las orquestas comandadas por Bing Crosby, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Artie Shaw, Benny Goodman, Brian Setzer y Dave Holland le pusieron énfasis a este gran género musical que tendría un gran legado hasta nuestros días. De esa trascendencia musical, se desprenden tipos de música con un sonido muy peculiar como el bebop, el hard bop y el cool, además del más conocido: el swing.

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Glenn Miller & Orchestra.

 Las big bands contaban con precisos arreglos musicales que le permitían distinguirse entre la clasificación presente del jazz clásico. Se distinguían por el sonido de clarinetes, trompetas, trombones  y saxofón barítono. Sin duda, la magia de las big bands permitió que la música se transformará de manera que involucrara una serie de géneros pertinentes para el progreso de la escena clásica del jazz, y esto se ha visto reflejado en el jazz contemporáneo.

 Históricamente, tienen una gran contribución cultural; sin embargo también enfrentaron un grave y complejo proceso social en el que se encontraba la discriminación hacia una raza que luchó por sus derechos durante mucho tiempo. Esto trajo consigo que la clase dominante, tuviera a su poder el simple hecho de poder escuchar ese tipo de música y bailarlo, de manera que la raza afroamericana no tenía cabida en la participación, es decir ni para asistir a los eventos de baile ni para poder participar como arreglista de sonido. A su vez, esto radicalizaba el sentido de pertenencia de este inigualable sonido hacia la clase con más poderío económico, de manera que las grandes potencias adquirían en mayor medida ese sentido de dominación hacia las clases bajas; contradicción que imperó durante la mayor parte de su desenvolvimiento.

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Lester Young.

 A partir  de 1935, grupos como Lester Young y otras bandas de origen afroamericano, adquirieron mayor importancia y participación en la escena de las big bands. Comenzaron a adquirir reconocimiento en diversas localidades de Nueva York y posteriormente pasaron a ser parte de la historia cultural de aquellos tiempos. No es de extrañarse que el gran apogeo se alcanzará en estos años , donde se apreció en gran medida el sentimiento cultural a partir de 1940.

En 1950, año en que todavía permeaba el racismo en América del Norte, se seguía desenvolviendo el jazz a través de las big bands en los barrios más populares de los condados periféricos, de manera que se iba extendiendo poco a poco en los países menos desarrollados. La leyenda en torno a un tipo de música de tinte burgués parecía haberse quedado en el olvido, y se abría la puerta a un tipo que ya no asumía una postura clasista.

 De esa forma, se promovió la big band como un elemento emergente sobre la música de ese tiempo que presentó grandes momentos antagónicos ante el escenario tan lúgubre en la sociedad que aceptaba todo por hecho y no por reflexión. Música creada en un principio para la clase acaudalada, y que posteriormente se convirtió en la diversión de toda una sociedad que no estaba consciente en el significado de pertenencia e identidad, hasta que se neutralizó un poco la diferencia entre clase y raza.

Prejuicios femeninos: Perspectiva del siglo XXI


Me negué a reconocer que realmente tenía un problema de autoestima desde muy pequeña. Me la pasé viviendo con prejuicios en torno a la opinión pública, al cómo te están viendo, al si te aceptarán o no y otras frases que no difieren de este contexto que tanto le pega a la mujer, y que paradójicamente no es cuestión de novedad, sino que esto ya se vislumbraba desde que comenzó a presentarse como objeto para el mundo, es decir, como si fuera la mercancía más demandada en el mercado.

 Cuestiones simples como la ropa, el calzado y demás situaciones divergen en el poder para manipular a la mujer en un sólo instante, lapso que puede determinar su cambio abrupto en estados de ánimo y que la vuelven presa fácil de los estándares sociales. Mientras más flaca, mejor –piensan las más vulnerables-, mientras que las más fuertes sólo tratan de aparentar que todo está bien y que la aceptación fue algo fácil de ejercer.

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Ilustración elaborada por Pedro Sosa.

 La venta de un cuerpo con las medidas que más desaten el pensamiento del hombre, la creación de un estereotipo que por genética no tiene pertenencia alguna, la constante publicidad en torno al “debería” de una mujer, la manipulación a través de sus funciones sociales y otras cuestiones más la arropan para crearla al molde de requerimientos sociales que no le pertenecen. La hacen parecer un maniquí de aparador que no debe moverse y sólo acatar una serie de normas que enaltecen un ego injustificado.

 Tal vez parezca un simple problema de autoestima femenino, pero la situación va más allá de un cotidiano prejuicio mortal. La cultura occidental –principalmente a mediados del siglo XX- , ha adoptado una serie de patrones que desmoralizan a la mujer y en su acervo cultural, sólo hace hincapié en lo que está bien visto, sin importar que tan vacía o seca se sienta. El eje, muchos lo piensan desde un problema de peso/sobrepeso, otros  desde el significado de belleza y los más ortodoxos desde una diferencia de género. Entonces, ¿Qué define a los prejuicios femeninos?

 Los prejuicios femeninos forman parte de nuestro andar ; en el proceso de desarrollo adoptamos una serie de objetivos que han sido impuestos. De ahí, surgen maneras de poder compenetrar en cada meta como es el ingreso al trabajo, a la escuela, a cierto círculo social y entonces las preguntas empiezan a adentrarse de mayor forma en el pensamiento de la mujer y es cuando la inseguridad llega de repente, de manera que no da paso para crear condiciones de identidad. Desmotivaciones y una indignación hacia sí misma es el resultado de querer aparentar y no ser, de forma que la máscara se convierte en el artilugio de mayor precio en un mundo que se corrompe por cuestiones tan superfluas que no cobran un significado inherente al ser humano. Una existencialismo dudoso y que enaltece las condiciones más vertiginosas del mundo contemporáneo, visten a la mujer entre sedas e interrogantes de quiero….pero no puedo.

 Una sonrisa llena de botox, un pensamiento rígido, un debo hacer y un dilema entre querer y poder incrementan la inseguridad de la mujer. El énfasis no radica en una comparación entre su misma condición biológica, sino en una cuestión de subordinación social, ahí es donde se encuentra el conflicto principal, no en el peso, no en las vestimentas;la disyuntiva es mucho más compleja.

 El tormento de los prejuicios femenino recae en la posición ante un papel que ha sido adoptado y que no se ha modificado desde el momento en que se aceptó como una imposición; su determinante ante hechos que por sí mismos no se han esclarecido, además  no se dio el tiempo preciso para cuestionarlos. Con grandes barreras por reflexionar sobre sus méritos a diferentes lapsos, la mujer creció en el olvido de lo que realmente quería.

 Reitero, no es el vestido, no es el cuerpo, el prejuicio es cuestión tan arraigada al individuo que un simple análisis lo relaciona con cuestiones que tengan que ver con situaciones atípicas a personalidad, y por lo tanto la vulnerabilidad de la sociedad femenina se fomenta desde una condición biológica y no de aptitud – he ahí la gran limitante-.

 La mujer es requerimiento social, pero en ese afán por serlo niega su capacidad de crear y transformar ciertas condiciones que ya le fueron impuestas; se aferra a esa zona de confort que tanto le place y que sucumbe entre su afirmación o negación –según sea el caso-. Mientras los vestidos son más ajustados, las tallas parecen abrumarla de una manera abominable, si su ser ya no está tendencia por medio de la exigencia, su vida corre peligro entre si reflexiona o no. ¿Cuántas de verdad critican su situación ante el mundo? Es entonces, cuando el prejuicio invade el ejercicio de opinión, para impedir tener un posicionamiento claro sobre su desempeño en todas las facetas de la vida.

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

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“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

san ciprian

 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

helados

Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

chidos

Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

El flamenco: Historia de una lucha social


 

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Misterio del flamenco.

“Haz sólo lo que amas y serás feliz. El que hace lo que ama está benditamente condenado al éxito, que llegará cuando deba de llegar, porque todo lo que debe ser, será, y llega naturalmente”

— Facundo Cabral.

La elegancia del movimiento de las manos, el peculiar sonido de una guitarra acompañada del golpeteo de las castuañuelas y una voz grave, incitan que el escucha tenga tenga el placer por percibir una de las corrientes musicales típicas de España: el flamenco, tipo de música y baile originario de la provincia de Andalucía. El sabor de sus raíces se remonta a otras ciudades no menos importantes como Sevilla y Cádiz. Con el aroma de la libertad, el baile típico español hace su aparición –según datos históricos a partir del siglo XV aproximadamente, impulsado por un pueblo gitano.

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La gitanería de Triana.

 El flamenco es el extracto de la protesta, del significado de la pertenencia hacia una cultura que padeció durante mucho tiempo el afán de exterminio, esa lógica de expresión se llena de características increíbles; no sólo es una voz o un acompañamiento, también se envuelve de la sensualidad del baile que se manifiesta en cada paso, en el  vaivén de las faldas y zapatos con tacón que deletrean las palabras pertinentes.

“El flamenco es la cultura más importante que tenemos en España y me atrevo a decir que en Europa. Es una música increíble, tiene una gran fuerza emotiva y un ritmo y una emoción que muy pocos folclores europeos poseen.”

Paco De Lucía.

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Palmas, pasión y guitarras.

 A partir del siglo XVIII el flamenco empieza a cobrar mayor importancia dentro de la cultura española, y el sentido de éste empieza a propagarse por todo el país. En primera instancia, no fue aceptado del todo, ya que la población estaba sometida a un tipo de normatividad tan a la mirada burguesa, que era considerado algo degradante el hecho de que éste formará parte de los vínculos de identidad del español, siendo que dicha expresión artística se manifestó dentro de los barrios más marginados de España. No fue un movimiento incitado por la oligarquía acomodada, nació también de un proceso de protesta. Y aunque en esos momentos no había precursores reconocidos como tal, a principios del siglo XIX se empezaron a vislumbrar festines en los que se daban a conocer a los talentos de aquél país lleno de emblema cultural.

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Puerto real.

 Desde 1920 el folclore que define a la magia del flamenco se trasladaría hacia los lugares más acaudalados del país como fue en su momento Granada tierra llena de un sentimiento nacionalista; cuando parecía estar en un auge imprescindible para su difusión, la Guerra Civil de 1936 ejecuta el declive de la cultura en general, por lo cual esto impactó de sobremanera en el desenvolvimiento del arte escénico que tanto tiempo tardó en ser aceptado por la población en general. Y aunque parezca incongruente, el flamenco sirvió para aligerar las cargas de la gente que yacía arruinada ante los estragos de la guerra; se preparó para dar consuelo ante el olvido y se puso en escena al aire libre y en teatros callejeros, desde entonces el vínculo entre música y reconocimiento de la sociedad se hizo más importante.

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De baile en baile.

 A partir del escenario anterior, el flamenco se adopta por la clase más acaudalada del país y ahora ya se presentaba en funciones de recinto, con un portentoso escenario que aclamaba pulcritud y sincronía en los pasos y en los acompañamientos musicales. Surgen cantantes de la talla de José Monje Cruz conocido como “Camarón de la isla”, Fernando Fernández “Terremoto de Jerez”, Antonio Fernández Díaz “Fosforito”, Paco de Lucía – por considerar a algunos de los más importantes-. En cuanto a baile se refiere destacan  Adela Fernández “La gitana”, Adrián Galia, Agustina López Pavón “Tina Pavón”, Alfonso Salmerón, Ana Parrilla y la lista sigue cobrando vida al pasar de los años.

 El flamenco nace de una lucha social, del florecimiento de los sentimientos humanos, surge la tragedia de un pueblo olvidado, de una fatalidad hacia su integridad. Una frase que describe este suceso se precisa en el amor como vínculo de libertad e infortunio a través de lo siguiente:

“El flamenco siempre es una pena, el amor es una pena también. En el fondo todo es una pena y una alegría”

– José Monje Cruz.

 La alegría del reflejo de esta tradición radica en sus orígenes, en los vínculos con la vida y con el sentimiento puesto a flor de piel en cada puesta en escena que va desde una presentación en uno de los sitios más bohemios de la ciudad o en un lugar triste y desolado. Esa es la magia del flamenco, que da sentimiento al pueblo y que abre las puertas para que la emoción siga fluyendo a través del baile y de la música.

Clara Keys : Significado prehispánico del día de muertos


“En este mundo ya hay mucha gente rica y famosa, o por lo menos que aspira a serlo; personas que van por ahí pensando sólo en ellos, en cómo pasar por encima de los otros para lograr lo que quieren, que creen que la única verdad es la suya, que no son conscientes de que sus acciones tienen consecuencias para los que los rodean.”

-Clara Keys.

 Artista por herencia y convicción, Clara Keys retrata al mundo desde una sensibilidad inigualable que la hace ser portavoz de la conciencia que necesita el arte en general. Originaria de la Ciudad de México, con estudios en diseño gráfico y fotografía, alcanza la percepción del país desde una concepción distinta.

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“La tehuana” Clara Keys.

 La ilustración forma parte primordial de su cometido, por lo cual en estas fechas conmemorativas al día de muertos, trata de reflejar la concepción nacional a través de diversos detalles específicos de la cultura mexicana. Su obra “La Tehuana”, muestra un esqueleto adornado por vestimenta tradicional zapoteca y la refleja en su forma de impregnar a la estructura de singularidades que van desde los colores que utiliza hasta una flor de color rosa mexicano en la cabeza, sin faltar los accesorios que definen a la cultura indígena de nuestro hermoso país. Su trabajo no describe al día de muertos como una tradición aislada, sino que la dirige desde un sentimiento nacionalista, que le da una sensación de pulcritud a toda su obra.

 Además de su trabajo en diseño gráfico, también dedicó su tiempo a la creación de un mural titulado como “Ofrenda maya”, en el cual se describe la importancia que tenía la celebración para esta cultura, además del recuerdo de los fallecidos ante combates. En ese sentido, se trata de apreciar la magnitud de significado de la cultura habitante de gran parte de Yucatán y sus formas de dar paso a la creación de una ofrenda. En su obra, Clara muestra el son del guerrero, el ímpetu a través de colores que parecen amargos pero que vinculan el sentimiento de lucha con su significado en la tierra. Se entrelazan significados e ideas, para conjuntar el mundo hacia una reflexión de legado histórico y simbiosis humana, y el puente para mezclar esto fue la ofrenda maya. Recordemos que el refugio para encontrarse con seres queridos, tiene un significado de gran relevancia para las culturas originarias en general. Sin embargo, con el paso del tiempo esto se ha olvidado, y es por eso que Clara Keys tiene como objetivo retratar en sus trabajos la importancia de la conciencia social ante la cosmogonía.

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“Ofrenda maya” Clara Keys.

 Es de suma importancia que el talento de origen nacional se dé a la tarea de encontrar las maneras de dar a conocer a nivel internacional la importancia de la cultura mexicana, a través de festividades tan importantes como la del día de muertos. México, ante este festejo lleno de particularidades se acompaña de una esencia perfumada de cuestiones autóctonas que merecen ser reconocidas por el arte, tal como lo hace Keys. Una vez más, el talento mexicano recrea escenarios donde el significado del país se enriquece con la expresión de la ilustración y la pintura.

mural
“Ofrenda maya” Clara Keys.

 El sentido de identidad y pertenencia, ante fechas de conmemoración tradicional como es el 1 de Noviembre, merece ser concebido de una forma de pertenencia nacional hacia un día en que se le brinda un espacio de recuerdo a todos nuestros seres queridos. El significado va más allá de lo que se pone en la mesa; el sentido histórico es lo que envuelve al mexicano ante el simbolismo de la muerte. Creencias, mitos y realidades particularizan la semblanza del quehacer de Clara Keys, que ilustra al día de muertos como legado emblemático de culturas prehispánicas.

Héroes de combate : Los que persistieron hasta la muerte


En el país del mundo gris

existe la muerte que demanda vidas

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Hermanos Flores Magón.

ostentosas balas quiebran el arcoíris.

La sangre clama verdad

la muerte exige justicia

el pueblo grita rebeldía

La muerte relata el olvido

homenaje dos
Memoria del 2 de Octubre de 1968.

la angustia corroe el alma

¡Mi pueblo! Lleno de un agravio cometido

festejado por el mundo con calma

y que su recuerdo parece alejarse

Su destierro es poder vivo

y el significado parece constatarse

¡CRIMEN DE ESTADO LE DICEN!

Dolor y sufrimiento se unen

para clamar justicia una vez más

los indiferentes pretenden

10 de junio
Lucha estudiantil del año 1971.

pero la fuerza pluvial no miente

Nos arrebataron el mundo

pero no lo harán con los sueños

La lucha no se ha perdido

el consuelo permanece en nuestros recuerdos

En este día de conmemoración,

el respeto y esmero los acompaña

a los guerreros que soñaron

y que nunca, nunca temblaron.