México a través de un lente: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición

Pasan los años y pareciera que México no ha progresado. Marchas, pobreza y manifestaciones son el pan de cada día, así como también lo era en los años 40 y 50, décadas que el fotoperiodista Tomás Montero logró capturar en más de 80 mil negativos ahora expuestos en el CCU Tlatelolco a través de la exposición “Hacia los márgenes: Tomás Montero Torres, fotógrafo de oposición.”

Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/ Huerfanos de la beneficencia de Tacubaya México, D.F. 1949

Con 170 objetos que van de imágenes, documentos personales y hemerográficos, el llamado “fotógrafo de oposición” nos muestra a un México que en su momento quiso ser callado, un México que actualmente parece atravesar la misma situación.

Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/
Foto tomada de cuartoscuro.com.mx/  Conflicto estudiantil frente a la antigua Facultad de Derecho, 1948

 Fue a través de las publicaciones extintas de la revista del PAN, La Nación, además de herederos del fotógrafo y especialistas que la recopilación del material fue posible. Después de 70 años de permanecer oculto, todo el acervo fotográfico de Montero sale a la luz para mostrarnos los instantes que en su momento incomodaron ciertos regímenes e intereses políticos. Fotografías en las que se aprecia una crítica al país y preocupación que gira entorno a las convulsiones sociales.

Elecciónes de 1946, México, D.F. 1946
Foto tomada de: cuartoscuro.com.mx/  Elecciones de 1946, México, D.F. 1946

 La exposición estará disponible hasta marzo del 2015 en el CCU Tlatelolco de martes a domingo 10:00 a 18:00 horas. La entrada tiene un costo de $30 y $15 universitario.* Domingo, entrada libre.

*50% estudiantes, trabajadores de la UNAM, INAPAM, ISSSTE, IMSS.

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Nuccio Ordine: “la cultura es inútil”

En un lugar donde todo lo material es lo que que prevalece y que ha ganado terreno como elemento de máxima importancia, áreas como las humanidades, las ciencias o las artes han perdido el valor intrínseco que debieran suponer. El mundo avanza (o es lo que se nos dice) sin cesar, y ello nos obliga a mantenernos en constante evolución con él. ¿Por qué preocuparnos por materias como la Filosofía, la Ética o las artes en general que no parecen seguir ese patrón de desarrollo? Los problemas de las humanidades son, en varios casos, asuntos que llevan miles de años ahí, como esperando algo que, irremediablemente, no llega.

Nuccio Ordine (Diamante, 1958) debiera ser una de las personas más inútiles del planeta: matriculado en la Universidad de Calabria como filósofo y profesor de literatura italiana, ha enseñado en la Universidad de Yale, de Nueva York, la Sorbona de París o el Instituto Warburg en Londres; es, también, caballero de la Legión de Honor francesa. Una persona que se ha desempeñado toda su vida como eso que en algún momento de la historia se denominó “pensador”. ¿Qué piensa una persona como él en un mundo como este? ¿Piensa en verdad? ¿Hay algo qué pensar? Ordine cree que es así, de tal forma que utiliza la palabra escrita como vehículo para embestir contra la ignorancia promovida desde las instituciones:

“Si dejamos que nos roben el legado de nuestros antepasados y que se mutile el conocimiento, no es que dejemos de ser personas cultivadas: es que las generaciones futuras dejarán de ser personas en sentido estricto”.

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La utilidad de lo inútil es el medio que Ordine utiliza para dar testimonio de las ideas que ha amasado durante algún tiempo. Éste, su último libro de ensayo, tiene como tesis central la idea de que la literatura, la filosofía y otras áreas de las humanidades no son inútiles (como podría inferirse del progresivo destierro que han sufrido de los planes educativos y los presupuestos gubernamentales) sino imprescindibles.

“El hecho de ser inmunes a toda aspiración al beneficio (material/económico) constituye una forma de resistencia a los egoísmos del presente, un antídoto contra la barbarie de lo útil, que ha llegado incluso a corromper nuestras relaciones sociales y nuestros afectos más íntimos”.

Pero Ordine no la tiene comprada, todo lo contrario: se trata de una embestida frontal (y, tal vez, brutal) de un individuo contra la idea básica del capitalismo: la acumulación material. “La gente piensa que la felicidad es un producto del dinero”, afirma, “¡se engañan!” El problema mayor reside en que semejante idea se ha extendido ya a todos los ámbitos:

“El utilitarismo ha invadido espacios en los que que no debería haber penetrado nunca, como las instituciones educativas. Cuando se recorta el presupuesto para las universidades, las escuelas, los teatros, las investigaciones arqueológicas, las bibliotecas… se está cercenando la excelencia de un país y eliminando cualquier posibilidad de formar a toda una generación”.

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La utilidad de lo inútil resulta un texto acorde a los tiempos que vivimos, donde no solo se argumenta en contra de la deriva a la que nos lleva el utilitarismo: es, también, un manual pensado para superar lo que el autor denomina el invierno de la conciencia y para recordar, con Montaigne, que es el gozar, no el poseer, lo que nos hace felices.

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MICGénero 2014

La oferta de producciones fílmicas en México suele verse cálidamente cobijada por numerosos festivales de los que nuestro país es gestor. Ciudades como Guadalajara, Morelia y Guanajuato son anfitrionas de tres de los más grandes, longevos y prestigiosos, que despiertan siempre expectativas altas en el público y la prensa, además de que, en repetidas ocasiones, son atendidos por importantes figuras nacionales e internacionales. Sedes como Monterrey, Acapulco, Aguascalientes y la Riviera Maya continúan en labor de consolidación de sus jóvenes proyectos.

 En la Ciudad de México nos encontramos también con la Muestra de la Cineteca, esperada con ansias por muchos, que trae consigo estrenos de cintas que han circulado en todo el mundo. La Semana de cine alemán y el Tour de cine francés. Festivales como Distrital, o FICUNAM y la gira de documentales Ambulante —estos dos últimos, además de sus fechas de exhibición en la capital, se encuentran el resto del año en rotación por todo el país— incluyen en sus carteleras otro tipo de producciones, enfocadas al target que frecuenta sus eventos.

 Sin embargo, hay también proyectos de este tipo que, aunque poco menos conocidos, se encuentran en estado de evolución y crecimiento constantes, y se resuelven en un producto final distinto, con perfil y personalidad perfectamente delineados, además de llevar su misión e intención como estandartes, por delante de todo.

 Un ejemplo de ello es la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero), que hoy da inicio a su tercera edición dedicada a los Derechos Sexuales y Reproductivos. Con temáticas que van del postporno, ecofeminismo, queer, transfeminismo y diversidad sexual, se busca crear verdadera conciencia y romper con tabúes, discriminación, barreras y estigmas que, lamentablemente, aún permean día con día en la sociedad.

 La cinta inaugural de la Muestra será la ganadora de la Palma de Oro en la edición de 2014 del Festival de Cannes, Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis) y, pese a que la carta fuerte de sus actividades es justamente el apartado cinematográfico, la Muestra se vale de un amplísimo abanico de actividades: disciplinas como las artes escénicas, música e instalaciones de arte contemporáneo, además de un Coloquio Internacional —a llevarse a cabo en una jornada de tres días en las instalaciones de la Universidad del Claustro de Sor Juana— para abarcar más espacios y lograr la óptima transmisión de su mensaje.

Party Girl, 2014.

 La MICGénero tendrá como sedes Cine Tonalá, La Casa del Cine, IFAL, IPN Zacatenco, Museo de la Mujer, Centro Cultural de México Contemporáneo, Centro Cultural de España, algunos complejos de Cinemex y Cinépolis, y la Cineteca Nacional, entre algunas otras, del 9 al 28 de septiembre, durante su estancia en la ciudad de México, para, posteriormente, continuar por una gira por los estados de Chiapas, Oaxaca, Yucatán y Morelos.

Te dejamos el teaser oficial:

Para más información:

Sitio Oficial | Facebook | Twitter

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Bank of Manhattan asaltado por el arte

El edificio del Bank of Manhattan, que llevaba 30 años inactivo, ha sido tomado como rehén por 26 artistas que reflexionan sobre la situación económica mundial con sus propuestas. “¿Cuánto te debo?” es la muestra que abrió hoy sus puertas al público como iniciativa de la organización No Longer Empty, que se dedica desde 2009 a llenar edificios de Nueva York abandonados con propuestas artísticas.

Para este edificio, 26 artistas de 15 países, entre los que figuran Argentina, Corea del Sur, Cuba, México, Perú, España y Ecuador, inundaron con instalaciones, esculturas y proyecciones las entrañas de este icónico banco que, en el momento de su inauguración, era la torre más alta de Queens.

Esta exposición multidisciplinar, que incluye, modificación de almacenes, bóvedas, instalaciones, un video proyectado en el interior de la inmensa cámara acorazada subterránea, dos maniquíes trajeados que se estrechan la mano con unas lenguas viperinas hechas a partir de sus corbatas o unas huchas llenas de boletos de lotería, entre otros.

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

Foto: Michelle Young – Untapped Cities

De manera paralela a la exposición, con el fin de enriquecerla, habrá días para toda la familia, en los que niños y adultos podrán crear arte juntos, asistir a paneles y conferencias, y representaciones.

Si quieren saber más sobre los edificios que han albergado a los artistas de la organización pueden verlo aquí.

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Los nuevos rostros de la danza

La danza ha evolucionado, ya no es la misma danza ritual que se bailaba en los albores de la humanidad ni es la silenciosa danza de concierto donde el simple tac,tac de las zapatillas de punta era demasiado ruido. La danza se ha nutrido de otras artes y se ha transformado y reinventado. Es más, la danza se ha revelado, ha dejado de ser muda, la música ya no es imprescindible, el uso del espacio ya no es el mismo, la danza de nuestros tiempos tiene otro rostro.

Veronique Doineseau de Jerome BelPor ejemplo:  el coreógrafo francés Jerome Bel ha creado reveladoras y conmovedoras coreografías en las que a veces no se baila, a veces se hace uso del silencio y otras de la voz. Bel ha explorado lo que tienen que decir los intérpretes; los miedos y las luchas que ocurren detrás del telón. Al llevar al escenario esta experiencia viva, la danza adquiere un aspecto más humano y el “hechizo” que ocurre en el escenario se desvanece, no para revelarnos costuras y clavos, sino para crear un universo más cercano más conmovedor y a veces más dichoso.

La coreógrafa contemporánea Marie Chouinard hace uso de elementos como tubos, arneses, muletas y bastones para modificar el cuerpo de sus bailarines. Extiende el cuerpo, lo amplía, lo caricaturiza, lo tortura, lo sublima. Además, utiliza tecnología de sonido para usar la voz de los bailarines para generar su propia música.

En México es posible experimentar este tipo de danza que “se sale de la línea al colorear”; sin embargo, a veces como espectadores nos sorprendemos pues esperamos la danza de antes, esa que es muda y que está doblegada a la música. La danza es siempre sorpresa, es impulso, y como tal responde a la variedad de emociones y mensajes que tiene el ser humano. Sobre todo, la danza es libertad y como tal no tiene límites.

Mira a Jerome Bel y Marie Chouinard

 

Originally posted 2013-10-09 11:15:07. Republished by Blog Post Promoter

Noviembre es de #arte y #cultura

La Secretaría de Cultura  te invita a disfrutar de exposiciones, festivales, puestas en escena  y diferentes eventos en el Distrito Federal.

Antes muerta que sencilla. La Catrina, 100 años a la moda

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Homenaje a José Guadalupe Posada.
Piezas de Gabriel González García, cartonero.

José Guadalupe Posada Aguilar nació en Aguascalientes. Fue uno de los máximos exponentes mexicanos de las artes plásticas en el mundo. Su vida artística estuvo dedicada al oficio y al esfuerzo. Podemos afirmar que Posada fue extraordinariamente prolífico. Se interesó en un sin número de temas: imagen histórica, cuento infantil, sátira social, manuales de cocina, ilustración de libros, cartas amorosas, planos urbanísticos, manuales de adivinación e, incluso, magia blanca. Bien merecido el calificativo de cronista, ya que era un atento observador y un extraordinario narrador.

Una de sus obras maestras, e ícono más representativo de la ancestral celebración del Día de Muertos, es la Calavera Catrina, reconocida y admirada internacionalmente.

Martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.

Hasta el 17 de noviembre de 2013.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada libre.

La obra de arte en la época de su absurdibilidad práctica

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Exposición de Grabado e Ilustración, del artista Abraham Sosa.

Originario de la zona oriente de la Ciudad de México, Abraham ha sido alumno en algunas de las principales instituciones educativas de la zona, como el CONALEP Iztapalapa, la UACM Iztapalapa y el Faro de Oriente, pero además se ha dado a la tarea de realizar intervenciones culturales en la mayor parte de los centros culturales de esta zona, en algunos casos como artista y en otros como promotor cultural.

 Desde el 25 de octubre hasta el 20 de noviembre.

Martes a domingo de 11:00 a 20:00 horas.

Faro de Oriente: Calzada Ignacio Zaragoza s/n, colonia Fuentes de Zaragoza. Delegación Iztapalapa.

Entrada libre.

Ópera en el Balcón 

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Con el propósito de llevar la ópera a los peatones, la Secretaría de Cultura realiza este evento desde el balcón del Museo del Estanquillo, donde tenores y sopranos de reconocido prestigio interpretarán diversos temas para sorprender al público que transite por las calles del Centro Histórico.

Programación:

15 de noviembre: Michelle Fox ( soprano )

16 de noviembre: Monserrat Yescas (mezzosoprano)

22 de noviembre: Jorge Fajardo (tenor)

23 de noviembre: Alejandra Cadenas ( soprano )

Viernes y sábados a las 17:00 horas

Museo del Estanquillo: Isabel la Católica No.26, esq. con Madero, Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

Entrada Libre.

Ciclo de cine : Mujeres Insumisas 

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Todos los viernes de noviembre a las 17:00 horas.

Programación:

Viernes 15: Claire Dolan / Dir. Lodge Kerrigan / EU / 1998 / 96 min.

Viernes 22: Una Mujer Descasada / Dir. Paul Mazursky / EU / 1978 / 124 min.

Viernes 29: La Reina de los Bandidos / Dir. Shekhar Kapur / India / 1994 / 119 min.

Centro Cultural José Martí : Dr. Mora núm. 1 colonia Centro.

Entrada $11 °°

Paseando por la Ciudad de México Manuel Ramos

sc6 Exposición de imágenes del Archivo Fotográfico de Manuel Ramos, retratista y testigo de sucesos que marcaron la primera mitad del siglo XX mexicano. Fue pionero de nuestro fotoperiodismo, un informador gráfico, quien con su crónica se ocupó más allá de la política, considerando aspectos de las modas, el teatro, las aficiones deportivas y el tráfico.

Su archivo muestra una extraordinaria documentación visual sobre la arquitectura novohispana, civil y religiosa, que desde los años veinte comenzó a ser asediada y demolida por la modernidad.

Todo el mes de noviembre.

24 horas.

Galería Abierta IPN: Av. Wilfrido Massieu y Av. Manuel de Anda y Barredo Esquina Av. Instituto Politécnico Nacional U.P. Adolfo López Mateos – Lindavista

Entrada libre.

Las Alas de la Ciudad de Jorge Marín

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Exposición de un total de 13 piezas monumentales en bronce del escultor mexicano Jorge Marín, se exhiben en el camellón central de Paseo de la Reforma -frente al Museo Nacional de Antropología- como parte de la exposición “Las Alas de la Ciudad”. En las piezas, el autor retoma el cuerpo humano para crear seres fantásticos, varios de ellos alados y adoptando diversas posturas.

Todo el mes de noviembre.

Camellón Central de Paseo de la Reforma y Gandhi S/N . Delegación Miguel Hidalgo.

Entrada Libre.

Las Reformas torcidas de Dios

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Puesta en escena en la cual aprenderemos que debemos aceptar y resignarnos a la doble personalidad, esquizofrenia y psicosis de nuestros políticos. La población puede padecer ataques de pánico, de ansiedad, depresión y estrés postraumático pero todo está muy bien. Si en este país Laura Bozzo es la voz de la responsabilidad social de Televisa, podemos estar tranquilos.

Autor y Dir. Nora Huerta y Cecilia Sotres Cía.

Del 31 de Octubre al 5 de diciembre de 2013, todos los Jueves 20:30 horas.

Foro A Poco No, Teatro Cabaret: República de Cuba, no. 49. Centro Histórico, Del. Cuauhtémoc.

El costo de la entrada es de $135.

50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente.

 

 

 

 

 

Originally posted 2013-11-16 15:00:16. Republished by Blog Post Promoter

Abrir ventanas en el espíritu

Catarsis, plenitud alcanzable con la transformación interior. Permite liberar ataduras, remover emociones encontradas, equilibrar. Cuando en el teatro se logra esto a través de una obra poderosa tanto en texto como en dirección, escenografía, iluminación, vestuario, musicalización, etc., el público lo recibe con el corazón, porque  encuentra la magia que posee la experiencia teatral y deja una parte de sí en el producto generado a manera de intercambio con los responsables. Hacer teatro debe ser un ritual solemne, donde se honre a la vida desde cualquier arista posible, comunicando un mensaje íntegro, sólido. No importa el género elegido para contar la historia, sino que la historia misma sea contada con efectividad.

 Harwan es estudiante de teatro, está a punto de presentar la tesis con la que se graduará, para terminarla debe entrevistarse con el autor que lo ha inspirado a formularse la cuestión de la necesidad del teatro en el mundo actual. A pesar de tener la cita pactada desde hace meses, los planes han cambiado y le han ofrecido una residencia artística, pero para ella necesita el título, por lo tanto entrevistar al autor, entregar la tesis así como argumentar su defensa en un tiempo menor al que tenía planeado. Harwan deberá alcanzar al artista en Rusia, país donde se encuentra montando su nueva puesta, deberá realizar un viaje para descubrir si está listo para dedicar su vida al teatro, encontrando lo que había olvidado de si mismo en el camino.

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“Las grandes obras de arte guardan un secreto”

 Hugo Arrevillaga toma dos textos de su autor de cabecera, Wajdi Mouawad, para cruzarlos en una sola historia. Solos y Sueños se funden en Ventanas. El resultado es una dramaturgia que suma la ambición de enmarcar al arte como respuesta a la identidad humana de Mouawad, sobre la delicada y vertiginosa técnica de Arrevillaga a la perfección. Esta fantástica obra teatral toma forma en la Caja Negra del Centro Universitario de Teatro.

 Dentro del discurso propone viajar hacia el ser, enfrentarse a la realidad en una aventura que lleva el tiempo medido, sabiendo que aquello que se busca es precisamente lo que no se va a encontrar, además de que se pueden perder muchas cosas en el trayecto, de las cuales uno nunca está consciente pero que ahí están, aferradas. Empero, existe un peligro más grande al decidir no actuar: volverse común. La esencia de Mouawad parte la narrativa desde un lugar común para explotar al máximo la idea de los nexos que guarda todo autor con su obra. Por medio de la belleza de las palabras en poesía absoluta y equilibrio, transporta un problema a un mundo amplio y complejo.

 Casi se puede tocar la sensibilidad que produce hablar de las decisiones que tomamos en la vida, en esperanza de alcanzar aquello que nos proponemos, desear a través de las órdenes mientras intentamos sostenernos frente al mundo. Aquí la meta es el autoconocimiento mediante la vía teatral, como un espacio para expiar, nutrir o perdonar. El mensaje del autor original orilla a transformar todos los sentimientos que aparecen durante toda la puesta en un factor común, del cual forman parte y a la vez generan: la vida.

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“Nadie puede ser tu amor y tu jaula al mismo tiempo”

 La dirección sujeta esta visión sobre un desfile de imágenes tan ambicioso como efectivo, en el que cada elemento que aparece brilla y justifica su existencia. El ritmo es persistente, aprovecha en muchos momentos la sabiduría de la inmovilidad, combinada en un trazo que refleja una batalla contra el dolor de saberse incompleto. Puede ir de la fuerza a la suavidad tanto en el diálogo como las acciones con entera ligereza, pues hay una constante en la construcción: franqueza y amor, sólo así se puede hablar de la pérdida para comenzar de nuevo. Amén de la genialidad encerrada en los giros de tuerca de la trama.

 Esta es una obra hecha para todo el público, pero en especial para aquellos que se quieren dedicar, se están preparando o son ya gente de teatro, a cualquier nivel. Si bien la base de Mouawad convoca a no renunciar a los sueños por más incoherencia que puedan tener (sino luchar por darles forma y que lleven un cauce correcto) al unirse con el sentido de Arrevillaga el mensaje es claro para decirnos que la única forma en la que las metas se alcanzan es con la ayuda de otro, porque los seres humanos tenemos la necesidad de ser gregarios para poder sorprendernos constantemente y no ahogarnos en la monotonía.

 El director convoca a 14 actores -estudiantes en la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la UNAM–  para darles la oportunidad de formar un mismo personaje, dividido en todas las formas con las que se concibe, un ser que se refleja de manera constante pero no puede reconocerse en ese reflejo, tan solo percibe un espectro de color que logra entender que posee un alma. Así, Tania Sofía Álvarez Núñez, Iván Caldera, Eduardo Carranza, Elena Del Río, Liliana Durazo, Xóchitl Galindres, Kevin M. García Gallardo, Alejandro Guerrero S, David Illescas, Daniela Luque, Geovanna Moo Caamal, Arantza Muñoz Montemayor, Eduardo Orozco y Nicolasa Ortiz Monasterio entregan un trabajo de calidad y firmeza que deja ganas de seguir presenciando más de estos jóvenes, verlos brillar en más y más puestas gracias a la muestra de talento y dedicación que ejecutan.

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“La existencia se fue, me abandonó”

 Arrevillaga deja una lección a estos alumnos como a todo creador teatral en general: el teatro tiene el poder de tocar para dejar algo en la audiencia, expresar críticamente los aspectos sociales de repercusión contemporánea. Contar historias desde un espacio escénico no es tan solo un ejercicio de entretenimiento, es la posibilidad de formar mejores personas a través de la narración, apartados de la cuestión moral, más bien cultural, o bien simplemente estar ahí con las palabras precisas para quien necesita contactar con su humanidad tan perdida en una sociedad de avaricia entre tecnologías reemplazantes. Ahí está la belleza de esta profesión, a la cual más que lealtad o respeto hay que darle orgullo y forma de ventana.

 Pero sobre todo, concluye como un acto de demanda social pertinente y muy justo. Algo que desgraciadamente necesitamos con desesperación en estos tiempos violentos que enfrentamos en México es reconocer y actuar por un cambio. No son 43 normalistas desaparecidos, ni tampoco las más de 700 muertas de Juárez o las víctimas sin justicia resuelta del caso de la guardería ABC, es la de existencia impunidad ante los delitos que existen sumada a la incompetencia para su esclarecimiento. Cuando el sistema reacciona en contra de aquellos para los que debería trabajar, es momento de alzar la voz, contagiar la rabia y mostrar una oposición efectiva, sostenida en hechos, no en simbolismos. De nueva cuenta el teatro es una respuesta que demuestra como el arte nunca será ajeno al terreno en el que se manifiesta.

 Ventanas es sencillamente uno de los trabajos más enternecedores y válidos de la cartelera mexicana. El método para identificar la autenticidad y la pertenencia. La oportunidad de entender como el teatro cambia la vida. 

“El arte es una ventana en medio de un muro”

Originally posted 2014-11-03 09:00:19. Republished by Blog Post Promoter

¿Qué pasa con los alimentos de hoy en día?

Por: Remitente

@remitente_df

www.remitente.mx

Últimamente escuchamos muchos términos como productos orgánicos, comida saludable,  vegetarianismo o transgénicos. Pero mucha gente no sabe realmente qué es comer sano y cómo es igualmente importante que nuestra comida sea tan saludable para nosotros, como para el planeta y la comunidad.

Tal vez  pensemos que un espaghetti con algo de atún en salsa para pasta comprada en el supermercado sea una comida “saludale”, porque no tiene grasas ni es comida chatarra. Basados en esas premisas puede ser que si sea más saludable que comprar y comer una hamburguesa con papas fritas. Pero hay que ver más allá. El atún puede tener altos niveles de mercurio por la contaminación de los océanos y la salsa de supermercado puede ser de importación, involucrando vegetales transgénicos, altas emisiones de CO2 por transportación y una serie de procesos industriales poco amigables con el medio ambiente.  La idea no es entonces asustarnos  y pensar que cualquier producto es venenoso y malo para nuestra salud. Hay formas muy sencillas de llevar una dieta mucho más saludable y aunque suene abrumador, aparte de nosotros, hay que pensar en toda la cadena de personas y ambientes que tuvieron que ver con lo que estamos a punto de comernos.

jitomate

Inevitablemente, cualquier tipo de alimento que vayamos a ingerir es producto de una línea de producción. Sin embargo, las diferentes etapas de ésta son las que marcan la diferencia entre un producto sano y uno nocivo. La primera parte es la de la producción como tal, es decir, hacer crecer los vegetales, engordar los animales, ordeñar las vacas, entre otras actividades. Lo que debemos cuidar es que sean alimentos que no fueron alterados genéticamente, que hayan sido producidos sin sustancias químicas o tóxicas y dentro de un ambiente saludable para el mismo desarrollo de ese producto ya sea de origen vegetal o animal. Aquí es donde debemos tener cuidado con vegetales transgénicos  y carnes hormonadas, llenas de antibióticos. Aquí es donde debemos optar por vegetales y frutas orgánicos, carne, huevos y lácteos de rancho, porque sabemos que fueron producidos en un ambiente saludable, lejos de los pesticidas, las jaulas y las máquinas de la agroindustria de hoy en día.

La segunda parte es la del procesamiento de la materia prima en productos terminados. La regla básica es que mientras más procesado esté un alimento, más nocivo es y menos nutrientes contiene. Esto es porque hoy en día los procesos de la industria de la alimentación no están diseñados para cuidar de la salud humana, si no para cuidar de la economía de las mismas empresas, objetivo que se logra con mayores ventas y menos costos de producción, reduciendo así la calidad de la materia prima. Aqui es donde nosotros podemos romper con esta línea de producción actual, decidiéndonos por comprar materias primas saludables y procesar nosotros mismos los alimentos en casa. Es decir, para qué comprar una salsa para espaghetti en el super mercado que contiene transgénicos, conservadores, derivados del maíz y quién sabe cuántas cosas más que ni siquiera ponen en la etiqueta, si podemos comprar unos cuántos jitomates, un par de pimientos rojos y un poco de cebolla para cocinar nosotros mismos una rica salsa.  Para qué compramos una masa para hotcakes que viene lista para verter en el sartén, llena de componentes nocivos para la salud, en lugar de mezclar un poco de harina con leche y huevos que sabemos realmente de dónde vienen para hacer nuestra propia masa. Lo único que se necesita es un poco de creatividad y la voluntad de llevar una vida más saludable.

Man carrying box of lettuce

Después de ser procesados, los alimentos entran en la parte de la distribución. Esto es muy sencillo, mientras más lejos haya sido procesada tu comida, es más nociva, ya que contamina el planeta al ser transportada desde tan lejos y muy seguramente no será tan buena para tí al haber tenido que ser congelada o adicionada con conservadores para que dure más tiempo. Escojamos productos locales, producidos cerca de casa y de origen local, aprovechemos lo que nuestra tierra en específico nos da y evitemos en lo posible comprar productos traídos desde muy lejos, transportados por tierra y mar contaminando así todos los ambientes por los que tuvo que abrirse paso para llegar hasta nuestra mesa.

La siguiente parte es la de la venta al público, hay que fijarnos a quién le estamos comprando qué, quién se beneficia con esa venta y quién sale perdiendo. Es mejor comprarle directamente a los agricultores locales, productores caseros  y mercados o tianguis de barrio, que seguir enriqueciendo a cadenas transnacionales de supermercados que finalmente sólo tienen como objetivo su propio bienestar financiero.

La última parte y quizá la única sobre la que tenemos completo control es la de la preparación. Nosotros decidimos si freímos un alimento en lugar de hornearlo, saltearlo o cocerlo. Nosotros decidimos si compramos una comida lista para ser simplemente calentada en microondas o si mejor preparamos en casa nuestros propios platillos con alimentos más seguros y saludables.

Dejemos de consumirle a grandes marcas e importantes supermercados, utilizan materia prima alterada, fumigada y hormonada.  Transportan sus alimentos altamente procesados por grandes distancias y erosionan ambientes y comunidades. Dejemos atrás esa costumbre de hoy en día de querer “ahorrar” tiempo al cocinar,  volvamos a hacer de la cocina un momento íntimo y familiar, de disfrute y bienestar. Cuidemos de nuestra salud tanto como de la salud de nuestro planeta y nuestras comunidades.

Originally posted 2013-08-15 21:35:47. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli: Mis Vecinos los Yamada

Luego de algún tiempo sin sentarse en la silla del director, Isao Takahata volvió con un nuevo proyecto, el cual resultó ser definitivamente el más desafortunado y menos entendido de su filmografía. Una película de trama sencilla en apariencia aunque con mucha profundidad si nos ponemos a indagar en ella. Así mismo, resulta curioso el estilo de comic que se le quiso dar a esta producción, haciendo un lado el estilo anime que ha caracterizado al Studio Ghibli desde su creación.

 La película se titula Mis Vecinos los Yamada (Hohokekyo Tonari no Yamada Kun, 1999) y nos cuenta una serie de historias pequeñas de una familia común de Japón, con sus problemas y preocupaciones cotidianas, enfatizando la importancia de la unión familiar y de amistad en cada una de ellas. Es un tipo de cine diferente, en el cual hay que pensar mucho e incluso ver varias veces. Es entendible porque esta película es considerada por algunos como el primer gran fracaso de Ghibli, sin embargo, la película es muy buena.

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 En la cinta podemos ver claramente, de forma cómica, la idiosincrasia japonesa y la forma en que funciona la sociedad. Esta vez, Takahata quiso hacer una cinta de comedia que no tuviera un toque dramático en su desarrollo, de ahí la decisión de usar el estilo comic. Curiosamente en la película se plantean situaciones (aunque no muchas) bastante fuertes como la muerte. Es una película que se debe ver con calma y con la intención de analizar cada elemento que nos ofrece, una vez que se hace esto se vuelve una experiencia muy agradable e incluso relajante.

 La película, como dije, tuvo un recibimiento muy pobre en taquilla aunque su distribución fue sumamente aceptable. Actualmente los amantes del estudio la buscan mucho, pero se trata de una de esas obras que en su época no recibió el éxito que buscaba y merecía. Si bien es cierto que algunas secuencias son algo extrañas y hasta confusas de porque fueron agregadas a la película, la gran mayoría de la cinta es toda una clase no sólo de una cultura ajena a la nuestra, sino de la vida misma y la convivencia con los que nos rodean. Todo esto manejado en un estilo chusco y fársico que hace homenaje a otras obras del anime como el personaje del Capitán Centella.

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 También hay referencias a otros tipos de arte como a la pintura japonesa llamada “La Gran Ola” y la forma en que los niños (los hijos de la familia) nacen, hacen referencia a dos cuentas clásicos de Japón. El niño se representa como el cuento de Momotaro y la niña como el cuento de la Princesa Kaguya, lo cual nos hace pensar que Takahata tenía muy claro su siguiente proyecto desde que estaba trabajando en esta película.

 Es la cinta más lenta de Ghibli, la más surrealista quizá. No tiene héroes ni villanos, no tiene una trama fantástica, pero ahí es donde radica su encanto. Es un proyecto que nos demuestra que hasta en las situaciones más comunes y corrientes puede haber una historia bonita y/o divertida para ser contada. Tampoco es la máxima obra de Takahata, pero sí un digno proyecto de su autoría, uno que vale la pena ver no una, sino muchas veces.

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Nuestro Jaime

La estancia llena de gente; sin embargo, están solos (los enamorados se descubren en un vacío inmerso de todo). El tiempo no cuenta, se vuelve cómplice del que mira primero y enemigo del que mira después. El día se vuelve noche y la soledad se vuelve amor.

“Te conocí a tiempo, a tiempo de encontrarte, para saber que existías, para llenar mis ojos y mi boca de tu sabor… No fuiste antes ni después, fuiste a tiempo. A tiempo para que me enamorara de ti.”

          Llegaste a tiempo

Jaime Sabines
Jaime Sabines

 Conforme pasa la ocasión, más y más son los que se encuentran pronunciando esas palabras y emitiendo aquellos silencios que lo dicen todo y nada. Cada vez son más. El que ama se enfrenta ante un dilema: ¿Cómo decirte lo que ya está dicho?, ¿te lo repito?, ¿lo leo? La urgencia de expresar lo que el alma siente se vuelve incontrolable e imposible. Cualquiera que ama se desespera ante un lenguaje desprovisto y corto para poder decir lo que realmente quiere.

“Y todo lo que decimos no es sino una minúscula parte, inexpresiva, de lo que no decimos. Y todo lo que queremos, es inalcanzable. Y todo lo que anhelamos es imposible.” Cartas a Chepita

 La poesía es un síntoma humano. No me malentiendan; ser humano no es una enfermedad. Quizá “síntoma” no sea la palabra correcta. Mejor dicho: la poesía es un futuro obligado propio del humano. La consecuencia inmediata del amor es la poesía. El poema, el que surge de afuera hacia dentro y viceversa, no se hace, sino se va construyendo con la vida misma.

 Las cartas de amor requieren de tiempo y unas cuantas arrugas, se crean con la mirada estando ciegos, con las manos carentes de piel, y luego, con la pluma. Es precisamente eso lo que escribió y con lo que escribió Jaime: la vida y con la vida, con amor y al desamor.

“Morimos en el sitio que le he prestado al aire
para que estés fuera de mi,
y en el lugar en que el aire se acaba
cuando te echo mi piel encima…” No es que muera de amor

 Jaime Sabines, el poeta y el hombre, nació todos los días. Un lunes, un martes, un domingo. Fue en Chiapas y también al otro lado del mundo. Sabines nace cuando alguien se atreve a querer de a de veras. Y también para el que sufre hasta con las uñas. He aquí su infortunio: habrá quien se atreva a orar en su nombre, malgastando sus letras en brisas vacías y sin sentido.

 Arriesgado e inocente, se enamoró joven. Y así siempre fue su amor: como del que empieza, ilusionado. Su nombre: “Mi Chepita linda”

 Las cartas, los poemas, los discursos, todo lo que salía de Jaime era por su amor: amor a ella y a la literatura, a las horas y los besos, al papel y al cansancio. Chepita es aquella o aquél al que amamos y tenemos a un lado. Es la forma en que se respira, el aire desnudo golpeando el ojo de la boca, haciendo tronar los dientes que pronuncian palabras inciertas para el que escucha sin querer y alimento para el que ama también.

Jaime y Chepita
Jaime y Chepita

 La genialidad de este artista reside en lo que algunos no comprenden. Si bien, ser poeta requiere de enormes virtudes, una sensibilidad nata y un dominio del lenguaje mayor, Sabines escribió para que todos lo pudieran entender y sentir. El arte de escribir, fue para el artista, hacerlo como cuando se habla, con la cualidad de elevarse.

“Al fin y al cabo soy poeta –y a la poesía, como a la flor que crece en la falda de los volcanes, si la tocan, la deshacen.” Cartas a Chepita

Sabines lo dice por nosotros. Su arte, su poesía, es la poesía de todos los días. Es la mía, la tuya, la nuestra, la ajena y la personal. Es una caminata, una mano encerrando otra, un día de lluvia, el cabello sin estar quieto, es su mirada, es estar sentado, un cigarro. Él lo dice por nosotros.

Jaime Sabines. Homenaje en Bellas Artes. 1996

 

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De: Pita Amor, poetisa mexicana.

Mis pensamientos son muy taciturnos

 Mis sueños de pecado son nocturnos

Soy histérica, loca, desquiciada;

pero a la eternidad ya sentenciada.

Pita Amor decía en una entrevista a Ofelia Medina que las nueve musas asistieron a su bautismo y la coronaron poeta. Cuando ésta le solicitó definirse, Amor respondió: “¿Cómo puedes definir a las cataratas del niágara?¿Cómo puedes definir las hemorragias de sangre? Pita Amor no se puede definir, Pita Amor es infinita, como el universo, no tiene principio ni tiene fin… Yo cada instante, cada momento de mi pulso, cada átomo de tiempo que pasa soy diferente”.

 Pita Amor, hija de Emmanuel Amor Subervielle y Carolina Schmicltlein García, creció en Abraham González 66. Séptima hija. Actriz y modelo de pintores en juventud de entre los que recordamos, por grandes a Raúl Anguiano, Diego Rivera y Raúl Anguiano. Entrañable de Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Juan Rulfo, Alfonso Reyes y Elena Garro entre otros.

pita amor

 Tenía por costumbre no utilizar ropa interior ni medias y salir abrazada de un abrigo de Mink sin nada que la cubriera debajo, según sus amigos; tal vez entendamos algo de la personalidad de la poetisa si la relacionamos con genios de la talla de Salvador Dalí, dotado de una excentricidad implacable, de María Félix, diva del cine mexicano, y los mencionados arriba.

 Pita Amor tenía un poder especial para convocar a sus muertos, para traer al universo a sus versos. Fue apadrinada de Alfonso Reyes, quien se refirió sobre ella usando palabras como las siguientes:

 “(…) y nada de comparaciones odiosas, aquí se trata de un caso mitológico”.

 Mujer dueña de sí misma, de vida intensa, de amores pasionales y personalidad extravagante, mucho de ella podemos rescatarlo teniendo en cuenta la pérdida de un hijo, el único. Al ponerlo bajo la custodia de su hermana mayor, el niño se ahoga en una pileta contando un año con meses. La crisis no se hace esperar, la poetisa se derrumba, y se aleja del mundo entero al que entregó su pluma, y de lo que ella misma fuera.

 Reaparece en los setenta, renovada, rehecha, otra. Recita poesía mexicana de Sor Juana hasta Pita Amor, el recital es un éxito y vuelve a las entrevistas para televisión

 La nombrada undécima musa, muere en el 2000 presa de los demonios en su recinto de carne, de la postración de dos años en cama, la rescata la muerte.

Dios, invención admirable,
hecha de ansiedad humana
y de esencia arcana,
que se vuelve impenetrable.
¿Por qué no eres tú palpable
para el soberbio que vio?
¿Por qué me dices que no
cuando te pido que vengas?
Dios mío, no te detengas,
¿o quieres que vaya yo?

(Décimas a Dios)

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En Junio, Distrito Presenta

Después de Distrito Era, Distrito Animal, Distrito Ritual, y varias otras fiestas que nos han dejado un conjunto de recuerdos muy especiales, Distrito Global regresa este 2014 al circuito de fiestas y propuestas culturales de la Ciudad de México con Distrito Presenta, un festejo con el sello de la casa donde podremos disfrutar de una de los mejores propuestas de música electrónica contemporánea, compartiendo escenario con grandes exponentes de la escena nacional.

Como siempre, Distrito Global propone su evento en un lugar extraordinario. El Centro Cultural México Contemporáneo, simplemente fascinante, promete generar un ambiente perfecto para esta noche especial.

Entre las bandas invitadas:

Com Truise es una de las múltiples facetas del productor y DJ neoyorquino Seth Haley, un amante de los sintetizadores cuyo aprecio por la ciencia ficción ha tomado forma en una muy particular propuesta musical. Por alrededor de una década, este mastermind de los sintetizadores se ha encargado de explorar la música a través de diferentes seudónimos y personajes, pero es a través de su alter-ego Com Truise que ha logrado trascender en la escena internacional de música electrónica. El artista evoca así un entorno galáctico que, como sus otros trabajos, perfectamente podría ser el soundtrack de alguna película de ciencia ficción, y de la cual formaremos parte el próximo 6 de junio en Distrito Presenta.

Originario de Michoacán, Anti Gravity es desde hace algunos años residente de la Ciudad de México, este moderno narrador de historias musicales es una de las joyas nacionales de la música electrónica y a quien vale la pena prestar oídos.

Com Truise

Con una propuesta vanguardista de una limpieza sonora inigualable en la escena mexicana, este DJ es un creador de experiencias sonoras que ha podido apreciarse principalmente en el circuito hasta cierto punto underground. En esta ocasión, será uno de los encargados de ponernos en la atmósfera abriendo el escenario para Com Truise y estrenando además, una sofisticada escenografía para sus próximos shows.

AntiGravity es colaborador de Aztek Electronic Music, sello independiente mediante el cual editara hace un par de meses el EP Rōnin, trabajo inspirado en los samurai sin amo del Japón feudal en el que se incluyen además, versiones especiales de Blanco Son, Nahuatl Jaguar y Ohuican.

Para cerrar la noche, Rubinskee, proyecto de Moisés Iván Riestra, productor y músico considerado una de las principales referencias del house nacional hoy en día.

Después de más de un año sin publicar producciones propias, Rubinskee regresa a la escena nacionalcon un poderoso EP a punto de salir del horno, titulado Pressure Points. Apenas hemos podidoescuchar un preview de su nuevo material en Soundcloud, pero esta probada es suficiente para entenderuna propuesta musical muy sofisticada, que sin duda, tendrá eco en la escena nacional.

Distrito Presenta será la primera ocasión en que podremos escuchar su nuevo material completo en vivo. Además, el productor estará celebrando el reciente nacimiento de su propio sello responsable de su próximo lanzamiento), el cual comparte con sus compatriotas Neon Rider y Love Bites, así como con el canadiense Mike Khayata.

COMPRA DE BOLETOS

22:00hrs

$250

Red de amigos de Distrito Global

Online: http://distritoglobal.ticketleap.com/comtruise/

Pizzerías Cancino

+ Cancino – Glorieta de la Cibeles #13 Col. Roma

+ Havre – Havre #64 Col. Juárez

+ Cancino –Rafæl Rebollar #95 Col. San Miguel Chapultepec

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Estación Delay estrena primer temporada

El camino de una banda es abrupto, es difícil, mas no imposible, algunas bandas le ha costado bastante ubicarse dentro de la escena musical, sin embargo, la satisfacción de recorrer la sendera del rock siempre marca a la banda, dándole personalidad e incluso historias que contar, cantar y tocar.

Bienvenidos a Estación Delay, disfruten de nuestra estadía, siéntanse a gusto, bienvenidos a un lugar donde podrán platicarnos de su trayecto, de lo acontecido en el camino y sobre todo hacer lo que más les gusta: tocar su música.

radio

Pónganse cómodos y disfruten de la estadía musical todos los jueves a partir de las 19 horas por medio de www.chulavista.mx a través de Radio Chulavista.

Programa conducido por Leon Del Real y Viko Zarate

Originally posted 2014-07-23 19:07:09. Republished by Blog Post Promoter

Últimos días de la exposición “El exilio español en la Ciudad de México”


cropEl conflicto bélico que cobró miles de muertes y un sinfín de disturbios en España, fue conocido como la Guerra Civil de 1936. Entre un retroceso contundente se hicieron presentes grandes dificultades que limitaron la sobrevivencia en aquél país, por lo cual esto impactó de una manera abrupta sobre las condiciones de vida en general. España tenía la necesidad de cambiar y presentar una perspectiva diferente, sin embargo, entre ilusión y esperanza se mostró un fracaso contundente que cobró muertes y víctimas de un sistema despótico.

 En ese sentido, llegó a México en Junio del año en curso la exposición “El exilio español en la Ciudad de México” que tiene como sede el Museo de la Ciudad de México. Ésta recobra una semblanza histórica de los sobrevivientes que llegaron a México después de 1939 para escapar del desastre armado que prevalecía en el país europeo –ya que atentaba contra su propia integridad–. Fotografías y libros, entre otros objetos, forman parte de la memoria que da cuenta de cómo fue la llegada de los natales españoles hacia México.

 El museo está abierto de Martes a Domingo, con un horario de 10:00 a 18:00 horas. No pierdas la oportunidad de visitar esta gran representación histórica en sus últimos días, tienes hasta el 01 de Enero del 2015. El costo general es de $26.00, con un 50% de descuento a estudiantes y maestros.

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Amor en medio del bosque: Sueño de una noche de verano

Con luces tenues y movimientos armónicos da inicio aquella obra escrita escrita alrededor de 1595, “Sueño de una noche de verano” que se presentará este viernes 7, sábado 8 y domingo 9 de noviembre en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario en punto de las 19:00 horas.

 Con la coreografía de James Kelly y música de Felix Mendelssohn, la puesta en escena contará con la participación de más de 100 artistas en los que destacan bailarines como Elisa Ramos y Quetzalcóatl Becerra, además de coreógrafos, iluminadores y vestuaristas.

 En esta ocasión la Compañía Nacional de Danza del INBA trae la coreografía de ballet de esta obra como homenaje del 450 aniversario del natalicio del dramaturgo inglés William Shakespeare. A pesar de que ésta ha sido inspiración para diversas adaptaciones alrededor el mundo, James Kelly comentó para el INBA que su pieza  trata de ser fiel a la historia original de Shakespeare al utilizar un lenguaje clásico y neoclásico.

 Cabe destacar que la participación de James Kelly en México ha sido importante: ha presentado diversas coreografías como Secretos, Para ser tú, Sinfonía para nueve hombres, Debo curarme de ti y Tiempo fuera.

 La cita es en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario (Insurgentes sur 3000), el costo de acceso es de $80.00, con 50% de descuento con credencial vigente UNAM, Prepa Si, INAPAM y Jubilados ISSSTE e IMSS.

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Originally posted 2014-11-07 09:00:00. Republished by Blog Post Promoter

Arte Glitch: belleza en la imperfección

Por Abraham Bojórquez

@abrahambr

Glitch es el nombre que se le da a los errores temporales en el funcionamiento de aparatos electrónicos y archivos informáticos. Un letrero luminoso cuyos focos se prenden y apagan arbitrariamente. Una televisión con mala recepción. Un viejo VHS cuyas imágenes saltan y se deforman. Una fotografía mal subida a Internet. Distorsión excesiva en un fragmento de audio. En general, detalles en la operación de los dispositivos tecnológicos con los que convivimos diariamente y que, por lo general, nos provocan frustración.

Artistas y programadores alrededor del mundo, sin embargo, han encontrado la manera de utilizar estas imágenes y sonidos fallidos para crear arte a partir de ellos. Se trata, como describe el artista glitch estadounidense Phillip Stearns, de “encontrar el alma de la máquina”.

El arte glitch es una respuesta a la proliferación de imágenes en alta definición y a la perfección gráfica lograda con herramientas de manipulación digital de la imagen que son difundidas actualmente alrededor del mundo. La idea detrás de crear este tipo de arte es demostrar la belleza que puede existir en todo, aun en lo que generalmente consideramos indeseable o incluso desagradable.

Algunos de los artistas glitch más destacados explican y muestran su trabajo en este episodio de Off Book, una serie web dedicada al arte de vanguardia producida por la cadena de televisión estatal estadounidense PBS.

Más sobre el trabajo de los artistas que aparecen en el video en

Phillip Stearns http://yearoftheglitch.tumblr.com/
Scott Fitzgerald http://www.ennuigo.com/
Anton Marini http://vade.info/
Daniel Temkin http://danieltemkin.com/

 

Originally posted 2012-10-21 21:00:30. Republished by Blog Post Promoter

Albert Hammond Jr. en el Plaza Condesa

Por: Eddy López

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A las 9:15 pm del pasado Viernes 21 de marzo, en el Plaza Condesa de la Ciudad de México, se presentó Albert Hammond Jr., dando uno  de los conciertos más íntimos y agradables al haya tenido la oportunidad de asistir.

 La velada comenzó con la presentación de Rey Pila, (banda mexicana que comparte sello discográfico con Hammond, Jr.), que interpretó temas provenientes de su disco homónimo, así como de su Ep Alexander y que como bonus, nos adelantó un tema de su próxima placa musical para así,  dar paso al acto principal.

 Después de un breve arreglo del escenario, los gritos y aplausos se hicieron presentes en el inmueble de la Condesa cuando Albert apareció enfundado en unos pantalones rojos y una chaqueta con el característico Rottweiler, portada de su Ep AHJ.

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 Tras saludar a la audiencia y pedir que bajarán la intensidad de la luz, en parte por molestarle (y en parte por ser “sexier”), el guitarrista comenzó los acordes de “Lisa” y con ellos 80 minutos de un show que emanó carisma californiano, mezclado con el estilo de NYC, combinación que dio como resultado un espectáculo digno de repetirse, pues la entrega del músico provocaba que el  público se volcara en gritos, que a su vez, emocionaban al intérprete.

 El setlist de la noche estuvo compuesto por temas provenientes de sus tres entregas, siendo las más coreadas los sencillos: “In Transit”, “Back to The 101”, “Hard To Live In The City”, “Victory At Monterrey”, “Everyone Gets A Star” y “Strange Tidings”. Pero sin duda alguna, el momento de la noche se lo llevó la parte final del concierto, cuando después de interpretar un cover de The Misfits, Albert nos deleito tocando solo con su guitarra, sin necesitar un espectáculo de luces o una banda entera (quienes a propósito tocan excelentemente).

 En su estado primitivo, fue capaz de transmitir toda la pasión que tiene por la música en los temas “Call An Ambulance” y “Blue Skies”; para después despedirse y volver con el clásico encore, aunque fuese sólo una canción, y finalmente despedirse del público mexicano, entregado como siempre, al que le prometió volver pronto.

 Si se tuviese que describir el concierto de Albert en una palabra, esta sería: Fantástico.

 Lo Bueno: La entrega de los músicos, tanto de Rey Pila como Albert Hammond, Jr. y su banda fue de lo mejor, se nota que son grupos que disfrutan de dar conciertos y entregarse a su audiencia.

 Lo Malo: Hubo ocasiones en que la calidad musical sobrepasaba la calidad del audio ocasionando imperfecciones a los sonidos.

Originally posted 2014-03-25 00:04:21. Republished by Blog Post Promoter

“Fábulas pánicas”, de Alejandro Jodorowsky

Recientemente hablaba acerca de “Cuentos mágicos y del intramundo” del autor chileno, Alejandro Jodorowsky, y de su afán repetitivo; me vino entonces la irrenunciable idea de escribir de las fábulas pánicas por referencia, porque sin duda son de lo mejor del creador, sin poner al título telas de juicio. Son las fábulas pánicas de lo mejor que ha hecho y ahora objeto de culto en la era del internet del que tan difícilmente nos desprendemos.

 gragrofesLas fábulas pánicas fueron elaboradas por Jodorowsky para El Heraldo, siendo él quien pidió a Luis Spota –que en aquellos tiempos era director del suplemento cultural del periódico– un espacio para lanzar una serie de fábulas bajo un modelo del que conocía bien el potencial. Así, el proyecto que en principio abarcaría sólo tres meses, de tanto portento, se extendió seis años y medio, abarcando esto el periodo de  1967 a 1973. Las fábulas siguen la premisa planteada posteriormente por Jodorowsky de “arte para sanar”. En un principio eran una sólo suerte de denuncia social.

 La relación que guardan con ilustraciones que permanecen en la mente, lenguajes simbólicos bien orientados, diálogos simples, moralejas precisas, historias iniciáticas hacen de las aclamadas “fábulas pánicas” un auténtico objeto de culto. Contienen un universo hermoso que desde la inteligencia enseñan, digo que lo conocí de muy niño y que eran mi libro infntil y hasta este día de mi existencia de cuando en cuando les encuentro relación con hechos de la vida que van aconteciendo, sin lugar a dudas son intensamente profundas y por favor, altamente recomendadas para niños

 En su gran mayoría encontramos al maestro y al aprendiz, Jodorowsky de principio era éste último y a medida que avanza, se transforma y cambia como ser humano  pasa gradualmente en el papel, a ocupar el  lado del maestro. Al respecto, el creador dijo que la gente comenzó a reconocerlo como tal y el sólo tuvo que asumirse, aunque se consideraría un aprendiz eterno, sólo que ahora era más un aprendiz secreto.

 También es interesante el hecho de que Jodorowsky se interna en la obra que crea, como Jehová que crea un mundo y en forma del Cristo, se interna en él y se recrea en la experiencia.

 Las 342 fábulas pánicas fueron recogidas por Grijalbo y publicadas en una edición más o menos buena a la que se le desprenden las hojas y en la que algunas letras no se hacen visibles por el color recargadísimo de los fondos, pero es fácil de adquirir en librerías grandes y corre con la ventaja de tenerlas todas.

 Sin duda hay que permitir la entrada a éste universo creado por Jodorowsky porque de él se puede salir todo, menos indiferente…

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Originally posted 2014-12-05 10:52:27. Republished by Blog Post Promoter

Ayotzinapa está presente hasta en el arte: el performance de la ENAT

Desde el pasado 26 de septiembre del año en curso, México ya no es el mismo. Iguala, Guerrero, se convirtió en una trinchera más dentro de la guerra que ha sofocado a nuestro país los últimos años. Una guerra que se ha llevado “entre las patas” a miles de inocentes a causa de ese enorme deseo de poder y control de quienes la han orquestado. Sabemos quienes son. Sabemos y no.

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 La Escuela Normal Rural de Ayotzinapa “Raúl Isidro Burgos” ha sido, a lo largo de la historia de Guerrero y sus escuelas rurales, un semillero de guerrilleros, una cuna de “libre-pensadores” mexicanos que se han destacado por luchar desde la subalternidad por y para el pueblo. No en vano de ahí salieron importantes personajes como Lucio Cabañas y Genaro Vázquez, quienes impulsaron la guerrilla en el estado de Guerrero en los años 60.

 La disidencia ha permanecido, y es a partir de la misma en que nos podemos explicar los hechos del 26 de septiembre. 43 compañeros de los cuales no sabemos nada, no sabemos si están vivos o muertos. 43 compañeros que habían salido a hacer una colecta, por falta de recursos económicos, para costear un viaje a la Ciudad de México y hoy están desaparecidos. Es una rabia que se ha manifestado en diferentes sectores de la sociedad. Pareciera que el descontento ha llegado más allá de las aulas: señoras, señores, ancianos, niños, trabajadores, transeúntes se han unido al grito de: ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

 En el marco de estas acciones por alzar la voz, tenemos un sinfín de muestras de apoyo, tanto en las marchas, los actos simbólicos en las calles, en los hogares, así como en el arte. Numerosos performances se han realizado como un acto más de protesta e inconformidad por la desaparición forzada de 43 compañeros de la normal de Ayotzinapa. Entre ellos, se encuentra el realizado por los compañeros de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), realizado el pasado 16 de octubre, en la explanada del Museo Nacional de Arte (MUNAL).

 Este performance rescata el testimonio del compañero Omar García, sobreviviente del ataque por parte de la policía federal hacia los compañeros de la normal de Ayotzinapa. Los actores aparecen vestidos con playera o blusa blanca, jeans de mezclilla y un pañuelo o paliacate rojo atado al cuello o la cabeza. En la mitad de la cara llevan pintada una línea con pintura blanca.

 De inicio vemos a los actores caminando sobre la explanada del MUNAL. Es muy interesante cómo empieza, ya que los compañeros van caminando, aparentemente apurados y sin rumbo alguno, mientras van hablando y, lo que se escucha, son los nombres, las edades, los apodos y la forma de ser de los normalistas desaparecidos, como si los estuvieran buscando, ya que algunos dicen “¿alguien lo ha visto?”, “¿alguien sabe dónde está?”. Esas descripciones han estado circulando en línea. Así pues, caminan y hablan, hasta que de pronto los vemos caminar rapidísimo y escuchamos que casi gritan mientras más van apresurando el paso. En ese momento paran de caminar, se quedan en silencio, y un actor grita: “¡Ya dejen de disparar, cabrones!”, haciendo total alusión al ataque. De pronto, todos se concentran al centro de la explanada y se cubren, cual si se resguardaran de las balas. Gimen, tiemblan y es notable que están asustados, temen por sus vidas. Es entonces cuando empiezan a recitar el testimonio de Omar, metiéndose en su papel, como si ellos fueran él durante el ataque.

 Mientras recitan a Omar, los actores corren de un lado a otro, se arrastran, gritan, se empujan, se toman de los brazos. Alrededor de la explanada, empieza a juntarse la gente y podemos observar a otros compañeros sosteniendo mantas que dicen: “¿Por qué nos asesinan? si somos la esperanza”, “México despierta”.

 Así se va desarrollando este performance, donde los actores gritan desesperados, algunos lloran. Casi para cerrar, dos de ellos recitan lo siguiente: “En México y en Guerrero, se mata gente, en esos llamados daños colaterales de su chingada política, que luchan entre ellos. Nosotros no queremos ser eso, queremos un México justo y libre”, tal cual lo dice Omar en el video de su testimonio.

 El performance termina con los compañeros caminando de nuevo, retirándose de la explanada, repitiendo “un México justo y libre”, y también, nuevamente, diciendo los nombres de los compañeros, sus apodos, preguntando sí los han visto. Al final, mientras se van retirando, una participante dice: “Tengo 19 años y me apodan el Chucky. Sólo espero que me regresen con vida para poder enseñarle a los chavitos”.

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Por: Pedro Sosa

 Observar los diversos performances hechos a partir de los ocurrido en Ayotzinapa, así como las muestras de apoyo por parte de diversos sectores de la sociedad en las marchas, los paros, la difusión de la información, la empatía que se ha hecho notable en la población mexicana, nos habla de una suerte de “despertar” de quienes habitamos este país. Un país que ha sido azotado por la violencia de la manera más dolorosa y perversa, lo que ha sembrado el miedo en todos nosotros. Pero no todo está perdido. Que una sociedad se levante en tiempos de odio y egoísmo demuestra que estamos más unidos que nunca, por los 43 y por todos los demás que claman justicia en México y para México. El uso del performance es sólo una muestra más de que las expresiones artísticas también pueden sanar una herida tan grande como esta. ¡Vivos se los llevaron, vivos los queremos!

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Cuexcomate: el volcán

El sol parece que se coloca más alto y baña de luz aquel lugar profundo y cercado. De niña acompañaba a su padre junto con su hermano a comprar al mercado lo necesario para que su abuela hiciera la comida del día, siempre miró asombrada al cúmulo de greda que se encuentra en esas calles tranquilas y limpias, con frecuencia le preguntaba a su padre ¿qué es eso? Y él con elegancia contestaba: el volcán más pequeño del mundo, el Cuexcomate.

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Medidas curiosas que lo hacen único, medidas acompañadas de historias que han visto desfilar los habitantes:

  • Elevación: 13 metros
  • Diámetro al nivel del suelo: 8 metros
  • Diámetro exterior base: 23 metros
  • Peso: 40 toneladas
  • Metros sobre el nivel del mar: 2,150
  • Primera efusión de agua caliente: 1064
  • Última efusión conocida: 166

Su nombre proviene del náhuatl cuexcómatl y significa olla de barro o lugar para guardar.

Ella aun visita a sus abuelos, no pierde la oportunidad de guardarse un momento en el Cuexcomate, unas escaleras en forma de caracol son la vía para descender lentamente al interior del volcán, estando dentro, vegetación abundante lo adorna y unas luces resaltan el agua sulfurada que proviene del Popocatepetl. La ubicación exacta es la 2 poniente y 3 norte de la colonia La Libertad, en Puebla.

 cuexcomate La historia ha ido de boca en boca, se dice que el Cuexcomate se formó por brote de agua sulfhídrica a través de la salida de agua, consecuencia de la erupción del Popocatépetl en el año de 1064, se rumora que antiguamente los cadáveres de los suicidas en Puebla eran arrojados en el cráter, porque no merecían ser velados ni sepultados; por esa misma época los habitantes circunvecinos eran llamados hijos del ombligo del diablo. Una leyenda cuenta que de los túneles que atraviesan la ciudad, uno de ellos cruza desde el Cerro de Loreto al Cerro de San Juan (Colonia La Paz) y de ahí baja hasta el Cuexcomate, cruzando después, por debajo del río Atoyac para finalizar en las pirámides de Cholula.

En un lugar tan pequeño, con pocos habitantes, está el lugar más curioso donde se puede caminar con seguridad, pero sobre todo es un lugar para pensar y observar una pequeña maravilla que parece desdeñada por los ojos que no solo miran y no saben observar.

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Originally posted 2013-10-15 15:22:45. Republished by Blog Post Promoter

Especial Ghibli (Origenes): Conan, el Niño del Futuro.

Ya indagamos en las series de televisión principales del Studio Ghibli (antes de ser concebido como tal), sin embargo hubo dos importantes series cuyo tema decidí desarrollar en una nota aparte. Es momento de hablar de la primera de ellas, uno de los primeros trabajos de Hayao Miyazaki donde mostró su característico estilo y dio a conocer su capacidad para contar historias. La serie en cuestión se titula Conan: El Niño del Futuro (Mirai Shonen Konan, 1978).

 La historia nos cuenta la historia de un futuro post apocalíptico luego de que la humanidad destruyera gran parte del planeta y sólo quedan unos cuantos grupos, el más poderoso y peligroso de todos es nombrado “Industria”. Con el objetivo de usar los conocimientos del afamado doctor Rao para sus siniestros planes, comienzan una exhaustiva búsqueda de su paradero. Al no encontrarlo, deciden secuestrar a su nieta Lanna, una pequeña niña de buen corazón para que les indique el modo de encontrar al doctor. Lanna se niega a hacerlo y decide huir llegando a una solitaria isla donde vive un niño llamado Conan. Ambos se vuelven grandes amigos y tras la captura de Lanna por las fuerzas de Industria, Conan y su amigo Jimsy emprenden una peligrosa aventura para rescatarla.

Conan el niño del futuro

 La serie consta de 26 capítulos, una sola temporada y una calidad por demás aceptable. La animación está muy bien lograda y posee los elementos que han hecho famoso a su creador, desde personajes muy expresivos hasta vehículos marinos y aéreos de extravagante diseño. Está basada en la novela de Alexander Key, “La Marea Increíble”. La trama es cautivadora, es fácil sentir simpatía por los personajes y se trata de un trabajo muy disfrutable, sin mencionar de una buena crítica al desarrollo industrial desmedido que por un lado nos da todo tipo de avances tecnológicos, pero por otro, atenta contra la vida misma en la tierra. Al final, tenemos a Conan, un héroe capaz de hacerle frente a un monstruo industrial contando solo con un pequeño arpón y su fuerza física (la cual envidiaría el propio Hércules).

 Ciertamente la serie tiene elementos que pudieran parecer absurdos como la ya mencionada fuerza sobre humana de Conan, la cual jamás explican por qué es tan grande. También errores de continuidad como personajes que fallecen y eventualmente vuelven a aparecer de forma breve. No queda claro si es un error, o un referente a sus espíritus que continúan cerca de sus seres queridos. Pero fuera de unos cuantos detalles, la serie es muy disfrutable. También tiene a los niños como su Target principal, pero puede ser vista con gusto por público de todas las edades.

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 Finalmente, es agradable ver una historia que combine la perspectiva de un niño en un mundo donde los adultos han perdido su libertad, sus sueños y hasta su humanidad. El mensaje de seguir adelante incluso en un mundo donde todo se ha desmoronado es verdaderamente motivador y un enfoque de historia de amor entre los personajes, que al ser niños, jamás raya en otra cosa que no sea el aprecio honesto, total y puro. Una historia que los fans del animé y de Ghibli no pueden perderse.

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Musica y cine, Festival Internacional Rubber 2014

Muchas veces creemos que la música está divorciada del cine, sin embargo esto es totalmente erróneo la música nos acompaña en la mayor parte del tiempo de nuestras vidas y es imposible no poder ligarlas.

La música es parte importante dentro del cine sin la música a veces el cine nos sabe diferente y es precisamente lo que este festival viene a mostrarnos Rubber Film.

Este festival viene a enseñarnos que la música nos acompaña en todas partes y que podemos disfrutarla, que podemos cambiar nuestra perspectiva de las cosas a través de sonidos e imágenes.

Después de una serie de preparativos de avanzar contra corriente en algunas ocasiones de sufrir y a veces tronar dedos este festival ve la luz por primera vez en un recinto muy importante: El Soumaya.

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Después de unas palabras de su organizador agradeciendo la asistencia y explicando un poco acerca de este festival que liga la música con el séptimo arte dio el banderazo inicial con una película acerca de la chica que los Beatles amaban la película de titulo.

Comenzó este festival la sala totalmente llena , parecía llenarse de sonidos que generaciones pasadas disfrutaban como hoy lo hacemos con música de nuestro tiempo, que buen inicio de este festival creo que mejor banda no pudieron escoger para el comienzo del Rubber film.

Al termino de la película los asistentes degustaron de un pequeño coctail a cargo de los organizadores de dicho festival la sala se lleno de comentarios acerca de la película y de observaciones asi como de lo próximo en venir en este festival.

Esperamos pacientemente cada una de las peliculas que se estarán proyectando en diversos recintos salas de cine museos y lo que mas da gusto que es un festival hecho por jóvenes que hacen su trabajo para que generaciones pasadas y futuras y por supuesto presentes no olviden que el cine nos abre las puertas a lo nuevo a lo visceral a lo desconocido a lo lindo a lo feo y que a la par la música es un puente a nuevas formas de expresión.

Originally posted 2014-07-23 19:14:30. Republished by Blog Post Promoter

Llega la 56 Muestra de Cine Internacional a la Cineteca

Tras décadas de ofrecerse como la programación que anima la oferta en muchas salas de cine del país,la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional vuelve en su primer edición del 2014, afirmándose una vez más como una ventana hacia el mundo a través del cine.

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 Durante esta primavera, en su edición 56, la Muestra ofrecerá un programa compuesto de 14 títulosde países como Argentina, Alemania, Brasil, Chile, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Islandia, Italia, Japón y México, que ilustran la realidad de la realización fílmica alrededor del mundo.

 Iniciando con con La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, escrita por el propio Gavaldón en colaboración con José Revueltas, que en conmemoración del centenario de la legendaria  María Félix, se exhibirá en un nuevo formato de  35mm .

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 Polissía (2011) de  Maïwenn Le Besco, que fuese Premio Especial del Jurado en Festival de Cannes en 2011, se integra a la lista por parte de Francia, mientras que desde Dinamarca, Lars Von Trier presentará, su ya polémica,Ninfomanía vol. 1 ( Nymphomaniac, chapter one. 2013), la historia de una chica adicta al sexo y sus descabelladas acciones para satisfacer su impulso.

 La nominada al Oscar, Se levanta el viento (Kaze Tachinu (The Wind Rises). 2013) de Hayao Miyazaki también figura en este festín internacional de filmes. Mientras que tras triunfar en la Muestra de Venecia en 2013, la cinta del canadiense Xavier Dolan, basada en la existosa obra teatral de Michel Marc Bouchard, Tom en la granja (Tom at the farm. 2013), una interesante perspectiva sobre la homosexualidad con el cineasta en el rol principal.

 Ésta vez el país encargado del cierre será China, con la cinta de Jia Zhangke Un toque de pecado (Tian zhu ding2013) del chino, acerca presente convulsivo de China como consecuencia del inapelable clima económico que impera en el país.

 

 La Muestra podrá disfrutarse a partir del 11 de abril con otros destacables títulos como El gran hotel Budapest (The Great Budapest Hotel. 2014).

Originally posted 2014-04-04 02:26:14. Republished by Blog Post Promoter

Foals en Retrospectiva

Es inevitable ignorar el hecho de que Foals es una banda multifacética que no ha tenido miedo de explorar distintas facetas sonoras. “Antidotes” y “Total Life Forever” son dos piezas que se complementan a pesar de tener personalidades propias, a veces contrastantes y otras completamente armónicas, con distintivos toques rítimicos que les dieron un estilo característico a la banda. Hace unos meses que publicaron el sencillo: “Inhaler”, era evidente que una etapa nueva comenzaría con su nuevo disco “Holy Fire”, así, después de escuchar este nuevo material echamos un vistazo en retrospectiva a cuatro puntos esenciales  para entender el desarrollo de su carrera, su estética y sus distintas etapas creativas para que ya sea como fans o simples curiosos sepamos llegar a una conclusión acerca de su madurez y propuesta.

 

1.- Foals en Spanking New Sessions: “Balloons”

 

2.- CD Tapes: Recopilación de tracks que han inspirado a la banda

 

3.- Documental: “Making of: Total Life Forever”

 

4.- Cover de “Everybody Wants To Rule The World”

 

Ustedes ¿Qué opinan?

Originally posted 2013-02-20 19:28:47. Republished by Blog Post Promoter

Navidad Animada Parte 3: Propuestas en Stop Motion

Saludos de nuevo, esperamos que estén pasando unas felices fiestas decembrinas y para seguir ayudándolos a lograrlo, continuamos con las propuestas navideñas del mundo de la animación. Ya mencionamos ejemplos de cintas en 2D y 3D, ahora corresponde el turno de la animación cuadro por cuadro, o stop motion. Como recordarán, el gran encanto de este estilo es el hecho de que la animación se hace en objetos verdaderos que podemos ver, oler y tocar, por ejemplo, marionetas.

Comenzamos con un clásico de clásicos, uno que estamos casi seguros que ya conocen. Del escritor Tim Burton y el director Henry Selick nos llega “El Extraño Mundo de Jack”, sin duda una de las más grandes obras en la animación stop motion. Este relato, surgido como parodia del poema “La Noche antes de Navidad” (el título original de la cinta es “La Pesadilla Antes de Navidad”) nos habla de Jack Skellington, rey del mundo del Halloween. Al vivir siempre rodeado de ese universo de horror y criaturas espeluznantes, Jack se siente solo y aburrido y decide adoptar una nueva fiesta que le dé un giro a su rutinaria vida.

Es así como Jack se adueña de la navidad y, aunque con las mejores intenciones, termina causando un caos. Santa Claus es secuestrado y los niños del mundo reciben regalos que podrían matarlos… literalmente. En un principio pudiera parecer una idea nada apta para el público infantil, pero resulta ser una cinta memorable para toda la familia que sin duda nos sacará varias carcajadas y terminará haciéndolos a todos cantar con la grandiosa música de Danny Elfman.

La segunda recomendación abarca varias historias, no proponemos una película en sí, sino un nombre. La extinta empresa Rankin Bass es indiscutible merecedora a esta mención, ya que la mayor parte de los clásicos navideños en stop motion que hemos tenido han sido gracias a ellos. Resulta un tanto complicado este concepto ya que es una empresa con opiniones muy divididas, algunos la aman y otros la odian. Esto pudiera deberse a que sus producciones iban mucho al público infantil haciendo sus cintas un poco pesadas para los adultos.

No obstante, algo que debe tomarse en cuenta es la gran belleza de lo que ellos hacían, visualmente hablando. El sólo hecho de ver sus producciones nos transporta a un mundo de magia navideña que se queda en nuestros corazones. Si a ustedes no les molestan los cuentos infantiles y musicales, donde la animación pudiera no ser la más fluida pero no por eso se vuelve mala, entonces disfrutaran muchísimo esta opción.

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Como mencionamos, la empresa cerró sus puertas tiempo atrás, pero aún pueden encontrarse varias de sus creaciones tales como: “Santa Claus Viene a la Ciudad”, “Rudolph: El Pequeño Reno”, “Aquel año sin Santa Claus”, “La Navidad de Pinocho” y “El Niño del Tambor”. Esperamos puedan darles una oportunidad a estas opciones que les ofrecemos. Si lo hacen, quizá no podamos prometerles que se volverán fans de ella, pero en definitiva les aseguramos que tendrán uno de los mejores ejemplos de animación stop motion, que junto al decorado decembrino será un deleite a sus ojos.

 

Originally posted 2013-12-16 15:24:49. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes, un origen poco conocido

Tatuajes, mucho se dice de ellos, tanto cosas buenas como cosas malas, pero ¿Alguna vez nos hemos detenido a investigar sobre su origen? ¿Realmente sabemos de dónde, porqué y cuando comenzó a surgir esta costumbre, tradición o moda? Verdaderamente creemos que es un origen muy poco conocido.

Infinidad de personas consideran al tatuaje un arte, y otras cuantas contradicen esta opinión, sin embargo. Al indagar sobre estas teorías nos dimos cuenta de que el tatuaje es considerado arte desde cientos de años atrás en el Antiguo Egipto, debido a que tenía diversos significados rituales y/o simbólicos, sin embargo hay  quienes aseguran firmemente que los tatuajes son un acto de vandalismo y sólo son usados por los carceleros, afortunadamente para muchos, y desafortunadamente para otros más, esta teoría también está fundamentada ya que tanto en Grecia como en Roma usaban los tatuajes para marcar o señalar a los criminales; Otra teoría totalmente desconocida y que nadie nos imaginaríamos, es que también se cree que el tatuaje llego a ser usado con fines terapéuticos, semejantes a la acupuntura.

La palabra tatuaje proviene de la palabra samoana “tátau” cuyo significado es marcar o golpear dos veces y es incorporada al español gracias a la palabra francesa “tatouage”.

George Orwell, escritor y periodista británico, dijo que los mineros, quienes trabajaban con carbón obtenían tatuajes naturales; esto debidos al polvo del material con el que se mantenían en contacto durante larga jornadas laboraes, pues dicho polvo penetraba en las heridas que los trabajadores llegaban a ocasionarse.

En cuanto a los tatuajes carcelarios Rafael Salillas, médico y criminólogo español, realizó un estudio en España visitando las cárceles más representativas del lugar antes mencionado, dicho estudio arrojó los siguientes resultados: Las partes preferidas para portar un tatuaje son los brazos en primer lugar y el torso en segundo, también dijo que las figuras religiosas comúnmente las adoptaban los presos acusados de delitos de agresión personal y las figuras relacionadas con los aspectos emocionales eran portadas por los presos acusados de delitos de robo.

Cabe mencionar que la decisión de tatuarse no se debe de tomar a la ligera debido a que es algo que te acompañará el resto de la vida, es por eso que la mayoría de las personas les da un significado personal y cada uno de ellos tiene su propia historia.

Para finalizar queremos compartirles una noticia que nos llena de orgullo: Hace unos meses se aprobó la ley para prevenir y eliminar la discriminación hacia las personas que están tatuadas, dicha ley por el momento únicamente aplica en el DF. Sin embargo esperamos que muy pronto la lleven a todos los estados de la República Mexicana, ya que el tener historias plasmadas en la piel por ningún motivo deben de ser objeto de discriminación.

Originally posted 2013-09-11 19:47:33. Republished by Blog Post Promoter

Corona Boreal: deconstruye y crea

Las muchas maneras de sentir el arte se pueden ver y tocar. Su definición, su esencia, la volatilidad que por sí misma significa tiene una nueva manera de expresarse, totalmente jóven y sin pretensiones de por medio: Corona Boreal es una publicación mexicana independiente dedicada a darle difusión principalmente al arte contemporáneo y a la moda masculina alternativa.

Apenas con tres números han crecido a pasos agigantados, proponiendo en cada edición una revolución de la creatividad, al reseñar desde otra concepción a los artistas. En este proyecto cada cosa que se puede ver es espontánea y es justo lo que le da una personalidad distintiva a Corona Boreal.

 

A cargo de Aleph Escobedo y Carlos Soto como editores, este pequeño equipo ha sabido llevar su proyecto en la dirección correcta con la ayuda de colaboradores extemporáneos que le aportan frescura a cada número: Debut, Döppelganger, Intertrópico y ahora Salam_Pax, forman parte de esta corta historia de imaginación y arte que apenas se está contando por si misma. No le pierdan la pista.

 

 

Más info en el sitio de Corona Boreal.

Originally posted 2013-01-21 16:15:20. Republished by Blog Post Promoter

The XX: Coexist

Por: Rodrigo Palomino

@palogriffy

 

El año 2009 estuvo plagado de álbumes debut de talentosas bandas, algunas de las cuales tuvieron la suerte de no quedarse en tener simples one hit wonders, y que pueden llegar de oscilar desde el un alternativo muy festivo, hasta el folk y otros géneros eclécticos. Entre ellas están Mumford & Sons y Florence + The Machine, entre muchas otras. Sin embargo, un grupo que sin duda destacó, y logró llegar a un número impresionante de fervientes seguidores, es The XX.

Esta banda originaria de Londres, enamoró a la audiencia por completo con una fórmula relativamente sencilla, pero absolutamente funcional. Suaves melodías, ligeros beats electrónicos y guitarras hipnotizantes, son los elementos que suelen conformar sus canciones; junto con letras con las cuales es fácil identificarse, al provocar el recordar momentos muy personales (como todas sus canciones).

Desde hace unos 2 meses aproximadamente, The XX sorprendió con “Angels”, el primer sencillo de lo que sería su nueva producción, Coexist. Dicho track cuenta con la firma representativa y fácilmente reconocible de la banda, sin embargo contiene tintes un poco más pesados. Ahora se puede escuchar en su totalidad el disco (Coexist), el cual promete no desilusionar.

El disco sigue con el sonido presentado por The XX en su álbum homónimo, pero introduce algunos beats más bailables. Dentro de lo que cabe, los Londinenses hacen evidente en Coexist la influencia de músicos como Burial y Sade. Dicho álbum contiene también un sonido más melancólico y un tono más bien oscuro; pero las letras, como en el álbum anterior, siguen con la misma temática de amor/desamor. Al parecer, en algunas pistas the XX cambió la fuerte presencia de la tarola por el clap y, en sí, en algunas canciones utilizan una base rítmica que se acerca peligrosamente al house, mientras que en otras se dan el lujo de experimentar con otro tipo de ritmos.

Coexist abre con “Angels”, sencillo que ya prácticamente sabemos de memoria, no pierde el estilo The XX a pesar de llevar unas percusiones que llegan a estar en primer plano. Ésta parece ayudar al escucha para sumergirse en este mundo de Coexist, en el cual se acelera el ritmo y se vuelve más y más bailable in crescendo, como en el caso de “Chained” y “Sunset”, tan sólo para después colapsar en el sonido de melodías como “Unfold”, “Swept Away” y “Our Song”. Vale la pena ponerse los audífonos y perderse en las deleitables armonías, y ritmos que obligan a un suave cabeceo, que esta banda Londinense presenta.

Tracklist de Coexist:

01 Angels
02 Chained
03 Fiction
04 Try
05 Reunion
06 Sunset
07 Missing
08 Tides
09 Unfold
10 Swept Away
11 Our Song

Los dejamos con el vídeo de “Chained” y el stream para escuchar el álbum entero:

http://www.youtube.com/watch?v=DD7IwXWfDW4

Sin duda uno de los discos que seguramente figurará en las listas de fin de año en la crítica musical:

Originally posted 2012-09-07 16:00:03. Republished by Blog Post Promoter

Colectivo Le Mat

67604_306833329429153_967340860_nLe Mat es un colectivo cultural que busca impulsar a artistas emergentes que comienzan su carrera dentro del campo cultural a través de exposiciones y eventos complementarios. Actualmente las oportunidades de estos artistas de exponer su obra en galerías reconocidas, son limitadas. Le Mat buscar ser un trampolín que sirva para romper esa barrera en su carrera y generar una estructura que sustente su quehacer artístico y cultural, que además les permita vivir de ello.

Como parte del desarrollo cultural que se busca, está latente la necesidad de que la cultura se vuelva accesible a todo tipo de público, y que genere espacios de diálogo entre los consumidores culturales y los artistas, por ello el Colectivo creará dichos espacios a través de las exposiciones y eventos planeados.

Metalenguajes es el nombre de su próximo evento, el cuál será una muestra colectiva de más de 20 artistas que realizarán reinterpretaciones de obras de arte de diferentes períodos.  De este modo se mostrará una cronología de las piezas con una visión contemporánea. Se realizará en colaboración con Mat Colisión que será la galería de exhibición. Y con Techo con el objetivo de vincular el arte y la cultura con ayuda social.

Originally posted 2013-10-28 13:36:12. Republished by Blog Post Promoter

Tatuajes improvisados: Jay Freestyle

Por lo general cuando vas a tatuarte ya tienes una idea, si no es totalmente clara por lo menos sabes si quieres un satanás escupe fuego del tamaño de toda la espalda o un simple infinito en la muñeca, además el tatuador puede orientarte, sugerirte o complementar tu idea, pero algo que era/es muy común son los catálogos estandarizados con soles, flores, lagartijas, nombres en chino, diseños por lo general de tipo tribal, por eso ocurre que solemos ver por la calle a gente que tiene el mismo tatuaje aunque se lo hayan hecho en lugares diferentes.

 Aunque así como hay quienes hacen “diseños” estándar, hay otros tatuadores que le ponen empeño a la hora de proponer ideas a sus clientes con la finalidad de que ambos queden satisfechos con el resultado, generando así algo totalmente personalizado y único. A mi parecer, esa es la finalidad de tener un tatuaje: algo que sea únicamente nuestro y como forma de expresión ya sea algo muy significativo o por un simple “me gusta y por eso me lo hice”. Ese ha sido uno de los grandes aciertos de los tatuadores actuales o de la nueva escuela, generar piezas hechas a medida de cada cliente además poniéndole su particular estilo. Así, muchas personas van por el mundo coleccionando en su piel dibujos de tatuadores como podría ser Jay Freestyle.

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“Dame una parte de tu piel y te daré una parte de mi alma”

– Jay Freestyle

 Jay Freestyle es un tatuador que radica en Ámsterdam pero que constantemente recorre el mundo a través de las convenciones de tatuajes.

 Lo que hace tan particular el estilo de Jay es que no hace un boceto previo (por lo general antes de tatuar se hace una especie de calca o dibujo guía), sino que comienza a trabajar sobre la piel e improvisa, utilizando trazos geométricos, acuarela, puntillismo, colores muy intensos como azules, magentas y morados, dándole cierta apariencia abstracta. El cliente puede decirle si quiere unas flores, un pez o una mujer  pero realmente no sabe cuál será el resultado final pues ni el mismo Jay lo sabe. Sus trabajos suelen ser grandes pues a veces abarcan desde las costillas hasta el tobillo, cuando se observa a detalle las pieles sobre las que ha trabajo es casi imposible creer que lo haya improvisado, e incluso hace unos años estas posibilidades con las que ha experimentado Jay Freestyle eran inimaginables.

 Ve el trabajo completo de Jay Freestyle aquí.

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Originally posted 2015-01-23 12:59:35. Republished by Blog Post Promoter

Edgar Allan Poe: el sueño dentro del sueño

Son pocos los escritores que logran trascender el ámbito académico y se colocan entre los referentes populares de los lectores sin importar el género, el momento histórico ni el tiempo transcurrido desde que se publicó su obra. Cuando la producción artística cuenta con la calidad suficiente logra trascender estas limitantes y toma un lugar dentro de la historia como un punto cardinal e, inclusive, piedra fundacional que habrá de influir a otros. Es el caso de Edgar Allan Poe (1809-1849), de quien se cumplió un aniversario luctuoso más el pasado 7 de Octubre.Edgar_Allan_Poe_portrait_B

La influencia de Poe como escritor se percibe en áreas muy diversas: desde su producción poética y de narrativa (donde encontramos sus más famosas historias) hasta la crítica lúcida, su obra es algo que ha permeado más allá de la Literatura: músicos, artistas visuales y el imaginario colectivo son deudores del amplio universo creado por Poe. ¿Qué razón hay detrás de esto? ¿Cómo es que Poe ha logrado colocarse como un escritor tan popular? Podríamos considerar lo más evidente: la temática que maneja, o más bien las diferentes temáticas, ya que Poe no se limitó a un campo único, sino que con su obra se convirtió en uno de los renovadores de la novela gótica y el cuento de terror. En este punto es inevitable mencionar a otros grandes escritores en los que Poe dejó una marca imborrable: personajes como H.P. Lovecraft, Ambrose Bierce, Guy de Maupassant, Charles Baudelaire (quien se encargó de introducir su genial obra en Francia), Thomas Mann o Julio Cortázar son apenas algunos de sus influidos.

Resultan bastantes las áreas en las que Poe mantiene cierto efecto; se trata hoy en día de un escritor ampliamente citado y mencionado entre los lectores más disciplinados y aquellos que son más ocasionales. Con frecuencia es uno de los escritores con el que muchas personas se inician en la lectura. Han pasado 164 años desde su nacimiento, y parece ser claro que su vigencia se mantendrá por algún tiempo más. Con sus creaciones literarias, Poe logró consagrarse como un escritor ascendente, a pesar de la trágica y corta vida que mantuvo.

Originally posted 2013-10-08 12:34:40. Republished by Blog Post Promoter

Pasos en la azotea: Sueños en las alturas


 

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“Se aleja el barco vacío, el soñador ya despierta. Una ráfaga y el frío hacen rechinar la puerta.Todo lo anterior no existe, dice la imaginación. La tarde se puso triste, y aquí acaba esta canción.”

— Lefo.

Pasos en la azotea es una obra de teatro al aire libre que recrea el ambiente para manejar de una forma distinta el vínculo entre escenario, espectador y elenco de personajes; creada por Inmarginales –proyecto de teatro independiente—, la puesta en escena busca trascender hacia una atmósfera distinta a la acostumbrada, basada en temáticas que divergen en el sentir humano, desde el abandono hasta los sueños y la vida. 

 La intención del teatro al aire libre se muestra desde un alcance que difiere con las funciones de recinto, ya que permite una mayor interacción entre espectador y actor, de manera que no resulte una forma monótona de poder apreciar una obra. El interés por incluir al público dentro de la función es el gran potencial de Pasos en la Azotea, además de poseer un esquema distinto al tradicional; sin duda, un gran foco rojo que atraerá a la opinión pública.

 El mercado de San Ciprián fue el lugar en donde Pasos en la Azotea presentó su función el día Viernes 31 de Octubre. La temática se presentó en torno a una dinámica que permitió que se integraran locatarios del lugar  y gente que vive cerca de la colonia. Con un megáfono, se invitó a presenciar la obra que pronto aparecería.

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 Los personajes empezaron a tomar lugar. Dondina, Pinita, Chazcua y Lefo proporcionaron los medios para poder imaginar la vivienda del futuro, de manera en que más personas se integraran poco a poco a la obra, participaran y eso contribuyera a que se percibieran risas constantes. Todos yacían interesados, mientras corría el tiempo y avanzaban sin saber a dónde iban en realidad.

 Mientras recorrían los pasillos del mercado, los personajes invitaban al público a deshacerse de las cosas que les hacían sentir mal (tristeza, enojo, depresión, ira, entre otros), mientras todos se percibían ansiosos por quitarse esos síntomas de la rutina de la vida. Corrían con el elenco de un lado a otro, y el ambiente se tornaba cada vez más amigable. Unos y otros se reían entre si y murmuraban cosas como “Ella fue”. Realmente se estaban divirtiendo.

mercado

 Un globo en forma de estrella apareció para llevarse por fin los malos sentimientos; los asistentes se dispusieron a anotar de todo lo que querían deshacerse sobre éste, y seguían avanzando, mientras que los niños trataban de agarrarse de la mano de los que conocían –poco a poco se iban soltando de las personas- y empezaban a hablar con los personajes. Los pasillos se acortaban, se añadían más personas; y al llegar a una zona al aire libre, todo el público parecía tener un semblante distinto que al que tenían cuando empezó la obra, se les veía diferente, su rostro lo demostraba.

 Pinita articuló unas palabras que permitieron que el público permaneciera atento mientras estaban sentados en ese espacio, el lugar se llenó de tranquilidad y el cielo brillaba inmensamente, la luz del sol bombardeaba el lugar. Otros curiosos se iban integrando, y Lefo los invitaba a sentarse y disfrutar de la estancia. Y en ese instante, el globo que contenía todo lo malo, lo soltaron para que no volviera, todos voltearon a ver como se alejaba. Pronto todos empezaron a aplaudir y sonrieron de una forma distinta… ¡Nos devolvieron la sonrisa!

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Una obra que explaya emociones distintas, que promete crecer más y que analiza a la vida desde lo más bonito del ser humano. Algo así, no puede pasar desapercibido.

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Próximas funciones de Pasos en la azotea en Tlatelolco:

  • Domingo 16 de noviembre, 4pm. Edificio Ignacio Ramírez
  • Domingo 23 de noviembre, 4pm. Edificio Chihuahua, módulo B.
  • Domingo 30 de noviembre, 4pm. Edificio José María Arteaga.

Originally posted 2014-11-03 12:01:43. Republished by Blog Post Promoter

Review: Los Pingüinos de Madagascar

Luego de participar como personajes secundarios en tres películas y de protagonizar una serie animada y un cortometraje navideño (del cual hablé anteriormente), era ya el momento propicio para que estos personajes dieran nuevamente el salto a la gran pantalla, esta vez, como protagonistas. Efectivamente hablo de los cuatro pingüinos agentes secretos que nos han cautivado a lo largo de la saga Madagascar y cuya propia cinta llega a nuestro país este fin de semana.

 La película Los Pingüinos de Madagascar (The Penguins of Madagascar, 2014) nos cuenta la aventura de Skipper, Cabo, Rico y Kowalsky, hermanos de amistad que se ven envueltos en un plan macabro del doctor Octavius, mejor conocido como Dave, un malévolo pulpo que desea capturar a todos los pingüinos del planeta y llevar a cabo una terrible venganza contra ellos. Nuestros héroes se verán apoyados en su misión por una agencia especial (también de animales) que lucha contra el crimen, liderados por el agente Clasificado (en realidad no es su nombre… pero ya saben, es información confidencial). Es así como da inicio una aventura llena de emociones y carcajadas llena de un humor bizarro y absurdo, pero totalmente funcional.

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 La película es en verdad divertida, y aunque maneja el mismo tipo de humor absurdo que sus predecesoras, debo decir que a mi parecer es la mejor lograda de la franquicia. Es encantador ver un thriller estilo James Bond en un mundo donde la farsa y la exageración dejan al espectador muerto de risa en los 95 minutos aproximados que dura la cinta. Los seguidores de las cintas anteriores no saldrán decepcionados e incluso aquellos que sean ajenos a las otras aventuras la encontrarán muy entretenida, ya que la película es independiente y funciona por si sola, incluso aún cuando presenta ciertos cameos a los otros personajes como el rey Julien y una discreta aparición del león Alex, la Cebra Martin, la Hipopotamo Gloria y la Jirafa Melman.

 La animación cumple con creces y aunque la película difícilmente se consagrará como un clásico, es una cinta muy divertida que si puedo asegurar que gustará al público de todas las edades. Tiene también una buena carga dramática y momentos tiernos y conmovedores que le dan un plus a la historia, sin mencionar de una historia de auto superación en el caso del personaje Cabo que incluso pudiera ser motivacional para algunos. El villano es un personaje muy carismático y aunque algo genérico, se convierte rápidamente en uno de los puntos más fuertes de la película. El trabajo de doblaje está muy bien logrado y cuenta con un buen equilibrio entre la traducción correcta del español y uno que otro mexicanismo sin rallar en la exageración del mismo.

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 Dudo mucho que tenga grandes posibilidades de ganar el Academy Award, ya próximo, sin embargo me parece que es una fuerte candidata a una nominación, la cual sería bien merecida aunque como dije, no es la cinta animada más grande del año. Si este fin de semana quieren pasarla bien con la familia, olvidar sus problemas por un rato y despejar su mente dejando que cosas tan tontas que dan risa les haga sentirse bien, esta película es para ustedes. Ampliamente recomendable y nuevamente nos queda claro por qué estos pequeños pingüinos han destacado tanto… y es que, ¿Quién puede resistirse al encanto de esos bonitos y gorditos personajes?

Originally posted 2014-12-22 10:03:08. Republished by Blog Post Promoter

Sobre fotografía y movimientos sociales (Primera Parte)

La representación de Steve McCurry. Crédito: Pinterest.

Se podría pensar que hemos sido presa de una formación  de vida utópica que nos hace vivir ligado a las imágenes. La herramienta con la que contamos, la cámara (fotográfica o de video) , nos hace reflexionar sobre cómo las múltiples teorías sobre la extensión del cuerpo de este artefacto, tomen más sentido y  puedan explicar sobre cómo se utiliza la cámara actualmente.

Crédito: Pinterest.

Si reflexionamos podremos constatar que las imágenes han sido parte de nuestra historia muchísimo antes de que la primera cámara fuera construida. La representaciones de la realidad en la antigüedad se daban de distinta pero no de lejana forma hacía cómo ahora nosotros representamos lo que nos rodea. Desde las imágenes rupestres hasta las pinturas y sus diferentes vanguardias buscaban representar.

La acción de representar como su nombre lo indica, y como escribió Guillermo González Ochoa, en apuntes sobre la representación, el cual parafraseo a continuación, apuntaba que la acción de re-presentar era volver a presentar una realidad construida de un estado abstracto (mente) a un estado material (papel, rocas, lienzo). Esto es que nosotros representamos no sólo imágenes, sino pensamientos que, siguiendo a Walter Ong, también dichos pensamientos se piensan en imágenes.

Como se podrá dar cuenta, este pensamiento nuevo de que vivimos en un mundo lleno de imágenes es completamente errónea si reflexionamos apenas un poco sobre dónde vienen y cómo hemos utilizado las imágenes para nuestra conveniencia, pues las imágenes son, han sido y serán parte de nuestro entorno, por más que digamos que esto no es así.

Tal vez lo que realmente ha cambiado son las formas de cómo representar lo abstracto o la realidad en imágenes. Si bien las primeras herramientas para representar eran consideradas como la mayor tecnología en su tiempo, como por ejemplo los pinceles, los lápices (hay que precisar que la forma de representación visual comenzó con la mano y con el símil de la escritura, que al igual que las imágenes son construcciones convencionales de lo abstracto a lo físico) los pigmentos y cualquier otro material que ayudase a la creación de imágenes, la tecnología, con el avanzar de los años, nunca ha sido la misma y poco a poco lo que fueron los materiales primarios para la creación de imágenes se convirtieron en lentes, grabados y cámaras fotográficas.

¿A qué quiero llegar con esto? Las cámaras, como ya es bien sabido, son la herramienta que ayuda al qué hacer de una representación, y el producto de esta representación es la fotografía, misma que algunos autores definen como una cristalización del momento. Que se apropia de una realidad limitada y que muestra lo que unos ojos no pueden guardar en la memoria. La fotografía es el anhelo de un momento a ser guardado en la memoria de un humano.

Helen Frankenthaler pintando un cuadro expresionista. Crédito: pinterest

Así pues, la tecnología avanza como lo hizo anteriormente. La pintura trasladó a la pintura rupestre a otra plataforma  y a otras técnicas mentales; la fotografía trasladó a la pintura a una nueva plataforma, pero no la ha desplazado el cambio sólo fue quizá de superficies, y actualmente es la fotografía la que tiene mayor uso  en el mundo consumista y tecnológico.

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Gabo, Fidel, Arenas y otras mentadas de madre (Segunda Parte)

Alrededor de cuatro novelas y dos décadas después de Celestino Antes del Alba, García Márquez gana el nobel de literatura. Cuatro años antes de suicidarse, Arenas vivía en Estados Unidos y logró publicar todas las obras que, debido a persecuciones y censuras, tuvo que reescribir varias veces, entre las que aparece Necesidad de Libertad (1986), dado a conocer inicialmente en Kosmos y quince años después en Ediciones Universal. En este compilado de textos de todo tipo, sobresale Gabriel García Márquez, ¿esbirro o esburro?, redactado en Nueva York en 1981, donde el cubano llama al Nobel “rata acosada”, “niño mimado de la prensa occidental” y “vedette del comunismo”, por ponerse del lado del autoritarismo en casos conocidos de Cuba, Vietnam y Polonia.

La escritora nacida en La Habana en 1959, es una de las voces más importantes de la desmitificación de la revolución cubana. 

 Zoé Valdés, la escritora más importante de la desmitificación de la revolución cubana en nuestros días, asegura que Arenas le entregó un artículo titulado La insoportable fealdad de García Márquez (1989) a Antonio Valle Vallejo, quien mecanografió Antes que Anochezca (1990) debido a que el autor ya estaba en un etapa terminal del sida. En él, Reinaldo Arenas compara a Márquez con los colaboradores de Hitler, lo llama plagiario: “hace más de veinte años que García Márquez debió comparecer ante los tribunales norteamericanos por haber plagiado incesantemente a William Faulkner” y humilla su físico, diciendo que tiene un cuerpo de – tortuga– caguama y no siéndole suficiente insulto, señala que “es un hombre casi completamente desarmado de la cintura para abajo”. Continúa señalando:

¿Cuál es el motivo de que un hombre de talento hasta para el plagio se haya plegado a los servicios secretos de Fidel Castro? La respuesta me la dio un cineasta colombiano a quien le comenté con tristeza que sus compatriotas debían sentir una gran vergüenza por ser conciudadanos de una persona como el señor García Márquez. “Es una gran pena”, me respondió. “Pero, por suerte, en Colombia, García Márquez es casi sólo conocido bajo el nombre de Cara de Fo”.

Fidel Castro y Gabriel García Márquez.

 Si hacemos un acercamiento detenido a la literatura de Arenas, este enigmático texto ofrece por lo menos una justificación que podría comprobar que Zoé Valdés no se lo sacó de la manga. En el Color del Verano (1991), la última novela del disidente cubano, como parte de una pequeña obra de teatro, insertada a manera de prólogo, titulada La fuga de la Avellaneda. Obra ligera en un acto (de repudio), en la que desfilan personajes como José Martí, Gertrudis Gómez de Avellaneda, Julián del Casal, José Lezama Lima, José María Heredia, Raúl Kastro, Virgilio Piñero, Silbo Rodríguez, Fifo (Fidel Castro), Zebro Sardoya (Severo Sarduy), Delfín Proust (Delfín Prats) y muchos otros personajes de la intelectualidad cubana repartidos en coros que musicalizan desde Cuba, Cayo Hueso y el mar Caribe. Este esperpento es ejecutado, en parte por “la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Manuel Gracia Markoff, alias Cara de Fo y Marquesa de Macondo” (El color 18).

 La misma Zoé Valdés llamó “hijo de puta” públicamente al Nobel colombiano.

Me llena de satisfacción, repito, el que se haya enterado lo que dije en aquella ocasión, por cómplice de dictadores, por arrastrapanza de dictadores, por haberle hecho la vida imposible en varios periódicos a escritores como Reinaldo Arenas y como Guillermo Cabrera Infante, y a servidora. Los tres lo hemos puesto en su lugar, el lugar de los arrastrapanza. El día en que se haga la historia de la literatura cubana habrá que decir que al menos tres escritores cubanos le cantamos las verdades en su cara, y habrá que contar también que muchos otros fueron aupados, publicados bajo su ala, y es la razón por la que todavía hoy tienen que cantarle loas y darles el culo y lamerle las hemorroides celebrarles para que, gracias a esa guataquería al Nobel colombiano que no ha sido exiliado en México ni la cabeza de un guanajo, que vive entre México y Colombia, les sigan dando bombo en los periódicos del mundo entero

 Gabriel García Márquez, que falleció hace unos siete meses, dejó impune varias de las injusticas que su gran amigo Fidel Castro llevó a cabo. Dos de las que más se le achacan son el Exilio del Mariel en 1980, el que decenas de miles de cubanos, incluyendo al propio Arenas, se abalanzaron al mar en busca de libertad; y la Primavera Negra del 2003, en la que 75 disidentes pacíficos fueron condenados entre 6 y 30 años de cárcel por escribir en actitud crítica hacia el gobierno.

Las enemistades de García Márquez no se limitaron a territorio latinoamericano: Susan Sontag, escritora estadounidense, también arremetió contra él.

 Pero Márquez encontró enemistades incluso fuera de la literatura caribeña. Las omisiones a las injusticias del régimen de Fidel Castro también fueron señaladas por Susan Sontag, según Berenice Bautista, en la feria del libro de Bogotá en el 2003. Tres acusados fueron ejecutados por secuestrar un barco intentando escapar de Cuba. Márquez se defendió argumentando que ha ayudado en silencio a incontables disidentes y perseguidos, pero Susan Sontag arremetió en su contra al poco tiempo, en la feria del libro de Frankfurt, llamándolo ridículo.

 Del mismo modo, el incansablemente homenajeado Octavio Paz, a propósito de la ausencia de García Márquez y Carlos Fuentes a la mesa “El siglo XX: la experiencia de la libertad”, que él mismo organizó unos meses antes de recibir el premio Nobel, los llamó “apologistas de tiranos” y también señaló: “Hay que aprender a decir y a escuchar la verdad: hay que criticar tanto el estalinismo de Neruda como el castrismo de García Márquez”, según apunta El País.

 Resulta interesante el paralelismo de Gabriel García Márquez con Jorge Luis Borges, ya que se dice que éste último recibió premios directamente de dictadores, apoyó la represión del 68 en Tlatelolco e incluso a la CIA; por su parte,  el escritor colombiano, según Gerald Martin (uno de sus biógrafos), también fue cercano a Bill Clinton y Felipe González. Gabriel García Márquez fue unos los principales narradores que le dieron prestigio internacional a las letras latinoamericanas sin lugar a dudas. Arenas, por su parte, inauguró un género completamente nuevo en la literatura cubana que, como reacción natural al realismo socialista, desacraliza esa izquierda cheguevarista, dejando las puertas abiertas a un realismo que algunos han criticado de soez, por donde han entrado y sabido salir adelante escritores como Pedro Juan Gutiérrez y la misma Zoé Valdés.

Gabriel García Márquez.
Reinaldo Arenas

Originally posted 2014-11-19 09:00:52. Republished by Blog Post Promoter

Jam de escritura en México

Si te gustan la literatura y la música, definitivamente no te puedes perder esta edición de Jam de Escritura que se llevará a cabo este 21 de noviembre en el Museo Tamayo.

Foto de: masaryk.tv
Foto de: masaryk.tv

 En esta ocasión se contará con la presencia del escritor Jorge F. Hernández, el trazo de Alejandro Magallanes y la musicalización en manos de DJ Uriel Waizel, coordinados por el artista visual Nómada.

 Jam de Escritura es un proyecto creado por Adrián Haidukoski y producido por Tai La Bella Damsky en el cual no hay espacio para la lectura en vivo, sino para la escritura, que junto con la música improvisada cada obra se vuelve única e irrepetible. Es importante recordar que el público forma parte de la creación literaria y visual de cada una de las historias, para que con el autor, obtengan una nueva experiencia de artes visuales.

 En esta ocasión la marca de libretas Moleskine está organizando el evento, por lo que dentro de las actividades coordinadas por la productora Damsky se repartirán algunas libretas entre los asistentes.

 En las ediciones de Jam, México ha contado con la participación de escritores como Juan Villoro, Alejandro Almazan, Mónica Lavín, Xavier Velasco, Tryno Maldonado y Alberto Ruy Sánches, entre otros.

 Recuerda que la cita es este 21 de noviembre a las 19:00 horas en el Museo Tamayo (Paseo de la Reforma No. 51). *Confirma tu asistencia escribiendo a jamdeescrituramx@gmail.com

 

Originally posted 2014-11-21 09:00:35. Republished by Blog Post Promoter

¡QUEREMOS CONOCERTE!

¿Qué es Ensayódromo?

Un día, la idea llegó a Chulavista Art House A.C. En teoría, un Ensayódromo sería un espacio acondicionado profesionalmente en el cual las bandas y solistas pudieran ensayar, grabar el audio de su sesión y tener su material en vídeo gracias al streaming. Para ello se contemplaba contar con ingenieros de sonido listos para auxiliar a los proyectos musicales y contribuir a que su sesión fuera increíble. Todo esto a un precio accesible para la comunidad.111

Después de un año arduo de trabajo, el sueño se materializó. Chulavista Art House A.C.  y Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo Universidad, ubicado en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4. Todos los proyectos musicales tienen un lugar en la primera sala de ensayo del proyecto.

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Con el primer Ensayódromo de la Ciudad, llega un movimiento en pro de los músicos del país, el cual tiene como premisa la recuperación de espacios públicos para generar más y mejor infraestructura artística. Creemos que, a la par, podemos aumentar los esfuerzos de difusión del talento artístico. Queremos que la población logre una vinculación con lo que sucede  musicalmente en su contexto.

Es por ello que los invitamos a sumarse a la causa. También agradecemos el apoyo de medios y proyectos amigos comprometidos con la escena artística  nacional como lo son: Distrito Global, Joyride Magazine México, Revista Literaria Infame y Concierto Cable.

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El costo de recuperación de Ensayódromo Universidad es de $150.00 pesos por hora. Para celebrar que el espacio esta listo para ti, regístrate en ensayodromo.chulavista.mx . Además del 23 de junio al 4 de julio te damos dos horas gratis con la grabación en audio de tu sesión incluida, ¿qué esperas…? Cualquier duda, puedes llamar al 36039228.

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Y a ti, ¿en dónde te gustaría tener un ensayódromo?

Originally posted 2014-06-25 01:18:51. Republished by Blog Post Promoter

Mabe Senso. El blanco perfecto para todos los días

 

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Durante las últimas temporadas, este color ha predominado en el interiorismo europeo contemporáneo. Pon tu mente en blanco, piensa en Europa y admira la tendencia que viste los espacios arquitectónicos más vanguardistas.

El color blanco es tan relevante por su versatilidad para crear combinaciones, que va bien con todo. Io mabe retoma esta tendencia europea del diseño de interiores y la reinterpreta de forma única, para darle a tu casa un estilo moderno todos los días.

Descubre Senso, una cocina de colección, con la perfecta armonía entre diseño y funcionalidad, que llevará tu hogar a la vanguardia. Además, gracias al exclusivo acabado VetroBianco, tu espacio siempre se mantendrá impecable y en tendencia.

 

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Originally posted 2015-03-29 00:32:41. Republished by Blog Post Promoter

Daniel Gómez Nates, una vida dedicada a la difusión del Teatro panameño

Daniel Gómez Nates nació en Ciudad de Panamá el 25 de Junio de 1964. Su infancia se desarrolló protegida por el yugo matriarcal, fue el único unicornio varón alzado firmemente entre una familia grande, entre una tolvanera de luciérnagas conformada por 5 tías, 5 hermanas, en uno de los barrios populares de la periferia, en el barrio de Santana para ser exactos, en una vecindad comunal llena de gente folklórica y espontánea. Mientras su padre, albañil, cimentaba nuevos muros blancos y nuevos techos perfectos; él y su madre, creativa y libertaria, atendían a las distintas radionovelas transmitidas por las emisoras de radio panameñas en esa época.

Es durante el cuarto año de primaria cuando tiene su primer acercamiento formal con el teatro, y es también ese día cuando elige el camino que su vida tomaría. Lobo go home, de Rogelio Sinán, es el carnaval escénico que lo haría interesarse definitivamente en las bellas artes. Con sus entradas y salidas de actores en escena, con sus vestuarios alegóricos, sus cantos y su escenografía desconstruida que ambientaba la obra de manera límpida y tranquila sobre la recuperación del Canal de Panamá. Sin embargo, es hasta el 15 de Febrero de 1981 cuando comienza su carrera de actor de manera concreta presentando El Crédito, una obra de teatro popular panameña de Juan Rivera Saavedra, con el grupo teatral del colegio donde demuestra sus aptitudes en escena. Hace su aparición primera en el teatro justo en el momento donde este arte escénico comienza a volverse novedad en Panamá.

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Iván García reabre la Escuela Nacional de Teatro y recibe una invitación de inscripción por parte de Roberto Mckay, Jorge Castro, José Ávila, entre otros, donde se inscribe y recibe su primer formación actoral formal y se enfila a la fama.

El teatro de barrio es llevado del brazo como un anciano al intentar cruzar la calle, o como infante sin más de tres idas al sanitario, de la mano de Daniel, para terminar en las grandes salas de un teatro adecuado y espacioso, presentarse ahí sin pena, con honor y con elegancia. Donde además es su primer trabajo de dirección teatral, pues, el director original, debe volar a Guatemala para participar en un torneo de ajedrez.

Su formación continúa en Costa Rica, debido a su perspicacia, consigue en 15 días exactos los datos necesarios y la plata justa para viajar y establecerse en la ciudad de Heredia. Es aceptado sin problemas en la Universidad Nacional del Heredia donde toma clases con Luis Carlos Vázquez, uno de los maestros fundamentales en su carrera artística. Permanece ahí hasta finales de 1990 y vuelve antes de las fiestas navideñas a su patria para retomar la acción artística y desarrollar el teatro en Panamá de inmediato, en los primeros meses de 1991.

Sus primeras presentaciones en Panamá fueron Prohibido hablar de sexo en esta casa, obra original del autor, Jardín de Otoño de la argentina Diana Raznovich, y Mi marido tiene otro. Continúa con producciones entre amigos, al hacer teatro de sala con el Grupo Tragaluz, en él se exponían grandes obras clásicas como Edipo Rey, Romeo y Julieta, las tragedias griegas, entre otras. Así mismo, promovió el auge del teatro al bajar los precios de las entradas, de este modo, todos podían ser usuarios tanto de las obras clásicas, como del movimiento de la época, despertando así el interés en él.

A lo largo de su carrera como productor, director de teatro y actor ha recibido distintas clases de galardones como el Premio Crispín Ovalle, el Premio Nacional de Teatro, por su trayectoria, y muchas más preseas como mejor director, obra del año, obra escrita, obra de teatro infantil, de los cuales la mayoría las ha recibido más de un par de veces y no ha cesado de conseguir desde hace ya 16 años al hilo. Actualmente funge como docente de teatro en la Universidad de Panamá y funcionario de desarrollo social.

– Daniel, un par de preguntas, tal vez, incisivas. ¿En qué se diferencia tu trabajo del de los demás directores, productores y actores actualmente en Panamá? ¿El teatro, hoy por hoy, es el que pone el pan en casa o lo hace una ocupación aparte?

– Creo que mi trabajo se diferencia de todos los demás en que yo he sabido usar los cambios violentos, los giros de 360 grados que ha dado la economía y la política en el país a lo largo de los años. Yo vaticiné con mis obras la vuelta de la democracia, me anticipé a la historia dando pasos de gigante y ahora los veo a todos desde lo lejos, desde el horizonte que se les ofrece como paisaje y al que caminan sin darse cuenta que a cada paso que doy me llevo a cuestas amontonado en mi equipaje. Y bueno, por la otra parte sí, el teatro da de comer, no te ofrece una vida de lujos y riquezas, eso es algo que el artista debe saber, sin embargo te mantiene con una vida tranquila y sin escasez de ninguna índole. Es un trabajo permanente y arduo. Al momento, en este año, presenté 7 obras como director y actor y produje otras 4 con otra empresa de teatro del país.

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– Como última pregunta, ¿De qué manera echas a andar la pesada maquinaria del teatro en Panamá? ¿Cómo lo promueves desde tu puesto y cuál es tu aportación?

– Pues nada, mira, esta es una carrera no de velocidad sino de resistencia. Deja de hablar y haz, ese es mi lema, el hablar te quita el tiempo, tienes que accionar. El teatro panameño vive un momento en el que debe establecerse. Ha sido un trabajo arduo a lo largo de los años, lo único que necesita ahora es consolidarse. Ahora, por la parte de mi aporte al teatro panameño puedo decir sin exageraciones que el 90% de los actores actuales han sido capacitados por mi empresa y obviamente por mí, de eso sí que puedo jactarme. Conjugo las visiones del teatro como artista y como empresario. Además de que trabajo con jóvenes de riesgo social y busco, por medio del teatro y la actuación, rescatarlos de la línea roja que pisan. Se trabaja, en mi empresa y aquí como funcionario de desarrollo social, combatir la transmisión del VIH, la violencia familiar y el machismo que se presentan regularmente en el interior. Ese es todo mi trabajo, eso es lo que yo hago.

Originally posted 2013-06-18 18:32:23. Republished by Blog Post Promoter

Slash ft. Myles Kennedy & The Conspiratos en México

slash2-e1421190080882Este 19 de enero se inicia la venta de boletos para un conciertazo: Slash, el ex guitarrista de Guns N’Roses regresa a México el próximo 25 de marzo al Pepsi Center WTC, en compañía de Myles Kennedy & The Conspirators, para presentar su más reciente producción discográfica “World On Fire”, álbum lanzado el pasado agosto.

 Con 17 pistas, World On Fire, es un álbum cargado de rock n’ roll, en el que participó Myles Kennedy, quien también fue el vocalista del disco anterior, Apocalyptic Love, el bajista Todd Kerns, Frank Sidoris en la guitarra y Brent Fitz como baterista.

 Yo no sé qué vamos a hacer con tanto concierto y poco dinero. Compra tus boletos aquí y no dejes pasar esta oportunidad de ver a uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

 El tour por México incluye a Guadalajara y Monterrey, presentándose el 26 de marzo en Teatro Estudio Cavaret y el 28 de marzo en Auditorio Banamex, respectivamente.

Originally posted 2015-01-20 11:59:06. Republished by Blog Post Promoter

Sobre la paz prometida al pasar el temporal

“NO PUEDES ENCONTRAR LA PAZ AL EVADIR LA VIDA”

Virginia Woolf

Siempre he pensado que el verdadero teatro debe ser capaz de acercarse a las raíces griegas que tenían como meta principal la catarsis. No sentencio que todo el teatro deba tener esta intención, pero sí debe de pasar en algún momento por dicho paraje. Encontrar al espectador aunque sea en una línea, gesto, o tono que lo ubique como parte de y facilite la experiencia teatral al conectar en pleno. Por supuesto, no todas las obras son para todos los públicos, los textos son diferentes, las visiones de la dirección, etc. Pero si acarician ese aspecto, entonces tendrán una calidad asegurada.

 En su cuarta temporada, Nuevas directrices para los tiempos de paz, despide el año los martes en Centro Cultural Carretera 45. Escrita por Bosco Brasil, dirigida por Gabriel Figueroa Pacheco, la obra se monta en un contexto histórico actual que la vuelve no solo importante, sino además franca. Necesaria y cruda.

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 1945, Brasil. La segunda guerra mundial ha terminado. Un inmigrante Polaco aguarda en la oficina del encargado de los asuntos migratorios para poder obtener la preciada oportunidad de una residencia. Comenzar de nuevo en un país nuevo del cual conoce únicamente el idioma junto al oficio al que busca consagrarse, la agricultura. Sin embargo, antes será necesario pasar por el cruel e indolente interrogatorio del agente, quien buscará tentar el temple del individuo, que era actor en su país natal, recordándole aquello que ha vivido. El teatro será la principal arma para quemar las naves, entre las cuales está la de la memoria. 

 Bosco Brasil explora con una efectividad magistral los horrores de la guerra en un argumento que lejos de rodear lugares comunes que asienten la brutalidad de los actos, pretende definir a la esperanza de un futuro mejor como la salida idónea ante los desperfectos mundanos. En los personajes del autor se define una incredulidad que se demuestra a través de la descalificación a través de las circunstancias reales.

 Perfilados están la víctima y el victimario, sin embargo el autor propone cambiar los roles acercando como responsables a factores externos, dejando a ambos seres en la desnudez de cada historia tratando de esquivar el dolor y la maldad de sus propios actos, tan solo para chocar violentamente con las del mundo. A través de un llanto honesto critica la ambición consumista de los sentimientos impuros. La sociedad será una hoguera que devora la paz, la tolerancia, se aviva.

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“casi me olvidaba de la guerra, casi me olvidaba de la maldad”

 Ante la sensibilidad del texto, la dirección de Gabriel Figueroa apuntala sencillez en todo elemento de producción para explotar la voz de los parlamentos en sus actores. Rescata la idea de que las palabras carecen de sentido si no conllevan la verdad, acentuando la fatal condición de la libertad como atadura principal de la libertad sobre un escenario de atmósfera oscura prácticamente limpia de principio a fin.

 Cuando la pausada coreografía retrata la utilidad de la vida, queda por sentado que solo es necesario conocer la misma para saber que es útil, porque crea acciones que permitirán el desarrollo de quienes la viven, el cual será escuela para las generaciones que procedan ya sea por sus logros o por sus errores. Conecta de nuevo con el autor, la promesa de la esperanza existe.

 Más al desarrollarse el producto, no es la monstruosa serie de atrocidades que aquellos que vivieron e hicieron la guerra ejecutaron o presenciaron la que hiere, conmueve e indigna, sino la  cercanía a la realidad de nuestro México. La temible actualidad en la cual los problemas se solventan con violencia, represión; en dónde la gente no participa hasta que se ve afectada, entre aquellos que protestan argumentados  en contra y se estrellan frente al estado opresor.

 Catarsis es purificar mediante compasión y el miedo en pleno. Lo mismo aquí, el relato se transforma dejando ver la necesidad de unificación social teniendo como antorcha la petición del cese a la tortura, a la mutilación de la humanidad en su condición. No es pretensión. Es un reclamo orgánico.

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 Los dos actores convocados ejecutan con delicada precisión esta labor. Un justo  José Antonio Falconi, medido  en su accionamiento se adhiere a la esencia del funcionario de inmigración que antes de ocupar tal labor tuviera que obedecer ante la empresa bélica en el papel de torturador. Permite descubrir los claroscuros con un trabajo sólido, empero, es en su trabajo como traductor dónde realmente brilla al generar un texto de fácil acceso y recepción que conserve sus tintes de origen.

 Hay una presencia equilibrada entre la dulzura y la desesperación que imprime Julien Le Gargasson a su actuación desde el momento en que pone un pie en el escenario. Poéticamente traza una ruta emocional genial que trasciende apresuradamente. El actor logra que una simple mirada encierre la belleza de la desolación de su alma, ganándose totalmente al público que adopta al polaco afectado por la guerra, dándole un cobijo acertado.

 Inexplicable, efímero, vital. Son solo adjetivos breves que no alcanzan a describir ni una parte mínima de lo que es el teatro, aquí es un espejo invitante y violento al reflejo, pero acciona al que haga uso del mismo, da impulso a la justicia marcando efectivamente nuevas directrices para los tiempos de paz, solo falta seguir el camino.

Originally posted 2014-12-05 16:58:23. Republished by Blog Post Promoter

Los Guanábana: sonido poblano con sabor a Jamaica

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Corría el año 2002 cuando la Ciudad de Puebla vio nacer a una banda que actualmente es considerada, por algunos gustosos de estos ritmos, como una de las mejores bandas de música jamaiquina en nuestro país: Los Guanábana.

Con tan sólo tres discos (Hearbeats, Welcome to Reality y Salvajes) y algunos demos, Los Guanábana se han posicionado dentro del gusto de la gente. Con influencias como la música caribeña, el reggae roots (en su mayoría), pero también estilos como el dub, y el ska-jazz, su repertorio se compone de temas instrumentales que tienen como base la batería y el bajo, y dan rienda suelta a una poderosa sección de vientos, sin dejar de lado la guitarra y los teclados.

En sus inicios, Los Guanábana tocaban en pequeños lugares y foros de su natal Puebla y de algunos estados vecinos, como el Foro Alicia de la Ciudad de México, pero con el tiempo han recorrido el país presentándose en importantes festivales culturales, entre ellos el Festival Internacional de Puebla y el Festival Ollin Kan, también han alternado con bandas internacionales de renombre como The Skatalites y la New York Ska-Jazz Ensemble. Incluso, algunos músicos internacionales -como el legenadario músico y productor neoyorquino Victor Rice- han realizado versiones de sus temas.

Pues ya saben, la recomendación de hoy son los poblanos de Los Guanábana, una banda mexicana que sabe cómo darle un buen uso a sus instrumentos, y que tal vez no lleguen a ser tan conocidos como uno quisiera pues, lamentablemente, aún se juzga el género musical antes que la calidad de la música.

 

Originally posted 2013-11-21 15:05:09. Republished by Blog Post Promoter

De: Níccolo Paganini el violinista del Diablo

“Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído. Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que recién había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo “La sonata del Diablo”, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre….”

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Niccoló Paganini (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840)  era un espectáculo auténtico de la época, rodeado de misticismo como todo artista que se precie de serlo, la leyenda de su ser fue alimentada por las presentaciones en un escenario en llamas. Un auténtico talento del violín, que dejaba impávidos a los oídos que estuvieran cerca, el prodigio que era Paganini con el violín se realzaba con las infernales llamas que ardían tras de él. Un gigante, si bien es cierto que el escenario ensalza las figuras,que todo lo hace más grande, más portentoso, además el violinista tenía una figura perfecta para el fin. Alto, de facciones finas, empoderado del instrumento, uno con él, erguido, con manos enormes y los dedos larguísimos de que se dota a los músicos que han nacido para serlo, la melena de un león que también caracterizó a Beethoven larga, revuelta, trajes largos deshilvanados, negros.

Heinrich Heine (1797-1856) poeta alemán (1803)

“…Por lo que a mí se refiere, ya conoce usted el otro lado de mi afición musical, la capacidad que tengo de ver la figura adecuada de cada nota que oigo sonar; y así sucedió que, con cada movimiento de su arco, Paganini ponía ante mis ojos imágenes y situaciones visibles, y en una escritura plástica de sonidos me contaba todo género de historias estridentes, que desfilaban ante mí como un fuego coloreado de sombras, en el que él mismo, con su música, era el protagonista…”

“…Si Paganini me pareció ya harto extraño y fantástico, al verle venir (…) ¿qué sorpresa no habría de producirme en la tarde del concierto su estremecedora y extraña figura? (…) En la sala había un silencio religioso. Todos los ojos estaban clavados en la escena. Todos los oídos se preparaban para escuchar6.

Finalmente apareció en escena una figura oscura, que parecía haber salido del infierno; era Paganini con su traje negro de etiqueta, frac negro y chaleco negro, de hechura horrible, como quizás lo prescribía la etiqueta infernal en la corte de Proserpina, unos pantalones negros que caían temerosos por las piernas flacas. Los largos brazos parecían alargarse más aún cuando, con el violín en una mano y en la otra el arco -con el que tocaba casi la tierra- hacía el artista al público sus inverosímiles reverencias. En los esquinados contornos de su cuerpo había una rigidez terrible, y al propio tiempo algo cómicamente animal, que inducía a reírse; pero su cara, más cadavérica aún por la chillona iluminación de las candilejas, tenía una expresión suplicante, tan estúpidamente humilde, que una compasión tremenda sofocaba nuestro deseo de reír. ¿Habrá aprendido estos saludos de un autómata o de un perro? Esa mirada suplicante, ¿es la de un enfermo moribundo o acaso la mueca burlona de un avaro astuto? ¿Es un hombre vivo a punto de fenecer y que va a divertir al público con sus convulsiones, como un luchador moribundo, o un muerto que ha salido de la tumba, vampiro del violín, que, si no la sangre del corazón, extrae de nuestros bolsillos el dinero almacenado?…”

“En efecto, era Paganini el que bien pronto apareció ante mi vista. Llevaba un abrigo gris oscuro que le llegaba hasta los pies, con lo cual su figura se erguía altísima. El largo cabello negro caía en rizos desordenados, sobre sus hombros y formaba como un marco oscuro en torno a la cara pálida, cadavérica, en la que las preocupaciones, el genio y tormentos infernales habían trazado surcos imborrables “

 “Niccoló, tú vas a ser el más grande violinista del mundo, de mi cuenta corre” fueron las palabras del padre. como un presagio, como algo que debía ser y ya era presentido por quien había de encaminarlo en las primeras notas salidas del instrumento que lo haría inmortal, y la letra y todo lo valioso según esto con sangre entraba, a punta de golpes el niño prodigio aprendió a hacer danzar los dedos por la madera barnizada, cuando ya había enseñado al pequeño todo lo que tenía que ofrecerle, lo llevó con otros maestros.

 El violinista-niño dio su primer concierto a la edad de nueve años con una obra propia, lo que se cuenta es que después fue llevado a  Parma con fondos que habían juntado empresarios después de la impresión que les causó en aquel concierto para que estudiara con Allesandro Rolla, quien, cuando lo escuchó tocar dijo que no tenía ya nada que enseñarle.

 En una época llena de supersticiones, la madre de Paganini diría que un ángel la visitó en sueños y le dijo que su hijo sería el más grande violinista de todos los tiempos. Logró lo inusitado acompañado del Diablo según decían los que creyeron lo contado por alguno que dijo haberlo visto invocarlo, postrarse ante él y decirle que su alma le pertenecía a cambio de hacerlo tocar como un ángel. Boletos agotados, lugares abarrotados, su música tocó el alma de todos los estratos de aquel tiempo. Apenas se anunciaba “Nicolo Paganini” y todos querían oír tocar al “Violinista del Diablo”

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 Hasta 1983 de le consideró un virtuoso del instrumento. A los dieciséis años era conocido pero joven como era y no pudiendo deslindarse del hecho, por mucho talento que tuviera y las ganas de comerse al mundo lo llevaron al alcohol. En 1801 compuso más e 20 obras en las que combinaba la guitarra con otros instrumentos. Esto de los otros instrumentos lo adquirió de una dama que lo salvara de la vida de libertinaje para llevarlo a su Villa  en que le enseñó a tocarlos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y por cierto, hermana de Napoleón. En 1813 hizo giras por Italia después París y Londres y renunció a las giras en 1834.

 Interpretaba además excelsas obras con una de las cuatro cuerdas del violín, con una técnica que hacía parecer que tocaba varios violines a la vez. En la mayoría de las presentaciones improvisaba.  Realizó exactamente 200 piezas que después de su muerte su hijo ayudaría a recolectar.

 Sus posesiones incluían cinco Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius, este último era su favorito, nombrado como Ill Cannone.

 En 1834 y 1840 padeció dos fuertes episodios de Hemoptisis, éste segundo precipitó la muerte del violinista. Durante el transcurso y evolución de la enfermedad que pasó de los pulmones a la laringe padeció afonía crónica los dos últimos años de su vida. Se medicaba con mercurio para tratar la Sifilis. y falleció en Niza, Francia el 27 de mayo de 1840, el obispo de este lugar por cierto, negó el permiso para el entierro por la fama que había ganado y así el ataúd del violinista del Diablo permaneció años en un sótano. Entendiendo sobretodo que Paganini rehusó acercarse a la iglesia a lo largo de su vida y jamás desmintió la teoría  que le ayudara a generar fama. En 1876 fue permitido el funeral y sus restos aún se guardan en el cementerio de Parma

Originally posted 2014-12-12 18:08:45. Republished by Blog Post Promoter

TAG CDMX 2014: 7 y 8 de Noviembre


Los días 7 y 8 de Noviembre, el festival de alto renombre en cuanto a tecnología se refiere (TagDF) presentará en la Ciudad de México , una serie de actividades que podrán incidir en el fomento hacia la innovación en la población mexicana desde una perspectiva diferente. La mezcla entre arte y creatividad, formarán parte del ángulo de la temática de TagDf en su respectiva edición del año en curso.

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Crédito: Facebook oficial.

 Dentro de la agenda, se encuentra un itinerario completo que especifica cada gama del festival. Está lo que corresponde a una serie de conferencias magistrales, donde los portavoces de éstas serán los siguientes ponentes:

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Crédito:Facebook oficial.
  • Sebastian Thrun
  • Alan Weber
  • Arthur Benjamin
  • Roy Conli
  • Zach A. Parrish
  • Kosta Grammatis
  • Mike Liebhold
  • Spike Lee
  • Moritz Waldemeyer
  • Nik Hafermaas
  • Darren Aronofsky

 El talento de los ponentes en diversas áreas hará entrever la importancia del creatividad en la aldea digital, se aportarán grandes temas de discusión en torno a la escena tecnológica y creación de contenidos. Recordemos que México ha disminuido en los últimos años su aporte hacia el enriquecimiento cultural y por lo tanto, se trata de vincular los lineamientos para crear interés tanto en los que conocen del tema y también, para los que no son especialistas al respecto.

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Crédito:Facebook oficial.

 TagDF vislumbra más allá del impacto visual. Recrea el medio de interacción preciso, para que el espectador vincule sus ideas hacia el esquema técnico y artístico desde una perspectiva diferente, la manera en que se busca esto –además del aporte en las conferencias-, es a partir de una serie de exposiciones que tratan sobre el impacto de las nuevas tecnologías y su difusión en el arte de vanguardia. La colaboración de artistas de renombre cobra sentido con la idea misma de difusión de nuevas alternativas en torno a nuevos proyectos, a partir de una problemática de repercusiones sociales. Es decir, se busca darle una participación más amplia al sector social, para que vincule nuevas formas de transmisión de ideas y una de esas formas, es a través del estereotipo en torno al arte contemporáneo nacional. Al respecto, el trabajo de Agustín Otegui Saiz ofrece un esquema distinto y a su vez, conjunta la problemática social a partir de la creatividad y la colaboración, en aras de búsqueda de desarrollo nacional.

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Crédito:Facebook oficial.

 COCOLAB, Hangout, Edutech y Despliegues interactivos son otra gama de exposiciones que también muestran al público las novedades en cuanto a técnica de contenidos se refiere. Las dinámicas auguran el éxito de la producción de tecnología en el país, además brindan las pautas para que se genere una situación de ingenio en los que son especialistas en el tema.

 Electronic Game Show, es una manera de congregar toda la novedad en área de videojuegos a través de diversos aportes del talento en dicha rama. Se brinda también, una forma de poder jugar con las habilidades a partir de las distintas actividades que en éste programa se contemplan.

 En música, hará su aparición en esta muestra la banda originaria de Tijuana Nortec Collective, presidiendo el festival alrededor de los días de muestra.  Y esto, se acompañará de una serie de talleres para integrar metodologías de tecnología con el área de servicios (marketing, programación y producción).

 Para consultar precios y mayor información, visitar la página oficial de TagDF.

Originally posted 2014-10-25 14:33:24. Republished by Blog Post Promoter

SILO 468: arte con luz en Helsinki

 

SILO 468 es una escultura luminosa creada por el Lighting Design Collective  y recién inaugurada en Helsinki, capital de Finlandia. El proyecto recupera un espacio industrial abandonado para convertirlo en obra de arte y plaza pública.

Se trata de un silo petrolero en desuso a orillas del mar, de 36 metros de diámetro y 17 de altura. El imponente cilindro fue transformado en una impresionante obra de arte luminoso cuyo interior estará abierto al público. Durante el día, los orificios en la superficie de la estructura, en combinación con la posición del Sol, crearán juegos de luz y sombras con los cuales los visitantes podrán interactuar. Por la noche, se encenderán cientos de LED controlados por un software que ha sido programado para que las pantallas simulen los movimientos de una bandada de pájaros. Las corrientes de viento regionales sirvieron como modelo para crear los patrones de movimiento de las luces electrónicas.

La obra forma parte del proyecto Helsinki World Design Capital 2012. Aquí dejamos un video con los renders del proyecto que explican a detalle su realización y funcionamiento.

 

Originally posted 2012-10-25 18:00:23. Republished by Blog Post Promoter

La poesía armada hasta los dientes: Miguel Hernández

 

 

 

“No, no hay cárcel para el hombre.

No podrán atarme, no.

Este mundo de cadenas

me es pequeño y exterior…

…Libre soy. Siénteme libre.

Sólo por amor”.

— Miguel Hernández (Antes del  odio)

 

 

Las  montañas de Orihuela, la  yunta de  cabras, el  pasto, el amor, la muerte  y la  vida  son los  ingredientes que nutrieron  al niño pobre que  escribía sobre el lomo del  ganado, aquel de la casa  pintada y nunca vacía, el hombre  con  oficio de  poeta que durante la  Guerra  Civil  Española y el  fango de  las  trincheras del  bando  republicano, afiló su  pluma, un personaje que quiso arrancarse de cuajo el  corazón en  cada  palabra, el hombre  que  se  llama barro, la  muerte  enamorada,  aunque Miguel lo  llamen.

 

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En el centro de la parte superior, Miguel Hernández en la escuela Ave María.

Miguel  Hernández  Gilabert o simplemente  Miguel Hernández  nació el 30 de octubre de 1910 en  Orihuela, Alicante. Proveniente de una  familia  con  recursos  limitados, estudió la primaria  en la  escuela  para  pobres anexa al Colegio de Santo Domingo, Ave María. Su papá era un pastor  de  cabras,  así  conoció el valor del trabajo desde muy niño, motivo por  el cual tuvo  que  abandonar  sus  estudios en  diversas  ocasiones.

 Su  acercamiento a  la poesía sucedió de  manera  temprana, acompañado por José Ramón Marín Gutiérrez  mejor  conocido  como Ramon Sijé -quién fue  su  gran  amigo- Miguel cultivó sus  inquietudes literarias y políticas a su lado, se  esforzó en ser autodidacta con los libros que conseguía en la biblioteca del Círculo de Bellas Artes, orientado por el clérigo Luis Almarcha,  descubre a  autores  como  Cervantes, Lope, Calderón, Góngora, Paul Valery, Garcilaso y Antonio Machado. Sijé, quien fue estudiante de derecho en la universidad de Murcia, resultó  fundamental  dentro  de  la  vida  y  obra  de  Miguel Hernández, orientó  su  lectura hacia los clásicos y la poesía religiosa, también lo alientó  a desarrollar su habilidad creadora que,  para  entonces,  veía  la luz  sobre  papel  destraza,  mientras  las  cabras  pastaban en  la  montaña.

“No quiero morir -dormir-,
no quiero dormir muriendo
en la sagrada tierra estéril…
¡Yo quiero morir viviendo!”

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Miguel Hernández

 Para inicios de la década de 1930, Hernández publica algunos poemas en el semanario El Pueblo de Orihuela y el diario El Día de Alicante.  Pronto su nombre hizo eco en  revistas y diarios locales. En el amanecer de  esa  década, viaja por  primera vez  a Madrid  donde ya  es  conocido  el mote de “cabrero-poeta”; el impacto de la  capital mezclado  con sus  influencias  literarias  y su infancia dan como  producto  a su  pirmer  obra, Perito en lunas (1933). Un  crisol  de  una poética épica-mística como  muestra  inexorable  de  un estilo, la  capacidad de  agencia  del  poeta, había  llegado  para  quedarse.

“Pero al fin podré vencerte,
ave y rayo secular,
corazón, que de la muerte
nadie ha de hacerme dudar.
Sigue, pues, sigue cuchillo,
volando, hiriendo. Algún día
se pondrá el tiempo amarillo
sobre mi fotografía”.

Después  de su  auto-afirmación,  regresó  a Madrid para  conocer a Josefina  Manresa – quien sería  su mujer-, más  tarde publicó El  rayo  que  no  cesa (1936) , obra  que  aún mantenía  los  rasgos  de métrica, misticismo  y  formalidad que  hasta  entonces eran distintivos de Hernández, posteriormente conoció a  Pablo Neruda y  Vicente Alexaindre quienes  influirían de  manera definitiva  en su  estilo, le  abrieron  el campo del verso  libre  y el surrealismo, se alejó de  sus  creencias  religiosas, desde  entonces,  se vio a si mismo como  poeta del  y para el pueblo.

España  pasaba  entonces  una  inestabilidad  política  y efervescencia social importante. La  Guerra  Civil  estaba en puerta,  Ramón Sijé  había  muerto  en 1935 y Miguel  le dedicó una elegía  que se distinguría  de  la  poesía de  su  tiempo en El rayo  que  no cesa.

“No perdono a la muerte enamorada,
no perdono a la vida desatenta,
no perdono a la tierra ni a la nada…
…Quiero escarbar la tierra con los dientes…
…Quiero minar la tierra hasta encontrarte
y besarte la noble calavera
y desamordazarte y regresarte.” 

Al  estallar  la  guerra, Miguel  tomaría  partido  en el  bando  republicano,  el 18 de septiembre de 1936 se  alistó en el 5º regimiento, se  alejó del Hedonismo académico que practicaban Rafael Alberti y Luis Cernuda, por eso se  fue  a combatir, a ver  caer  a su compañeros  y amigos, sin embargo,  más  tarde  fue  designado Comisario de Cultura del Batallón de El Campesino. En  esta  época  su  poesía se  volvió  una llama de  denuncia, que se  plasmó en sus obras Vientos del pueblo (1937) y El hombre acecha (1939). Hernández  recibió  invitaciones para  simpatizar con los  franquistas, y alcanzar  el  indulto, a lo que  siempre  respondió: “Como  si Miguel Hernández  fuera  una  puta  barata”.

“Cantando espero a la muerte,
que hay ruiseñores que cantan
encima de los fusiles
y en medio de las batallas”.

El 9 de marzo de 1937 logra escapar durante la  guerra a Orihuela para casarse con Josefina Manresa. En diciembre de ese año nace Manuel Ramón su primer hijo que muere a los pocos meses, a  él está dedicado el poema Hijo de la luz y de la sombra, para enero de 1939 nace Manuel Miguel su segundo hijo,  a quien dedicó las famosas Nanas de la cebolla.

“Desperté de ser niño.
Nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma”.

 

Ese  año   transcurrió  para  Miguel entre arrestos   y libertad momentánea, un detrimento  en su  estado de  salud  y  carencias  económicas. La cárcel le quitó el  aliento de  a poco, las prisiones de Madrid, Ocaña y Alicante, lo resguardan  hasta  que una tuberculosis pulmonar aguda atacó ambos pulmones,  se intento un traslado al Sanatorio Penitenciario de Porta Coeli  pero se  fue  imposible. Neruda  intentó  abogar  por  él, sin embargo  tampoco  tuvo  éxito. El 28 de marzo de 1942 a los treinta y un años de edad Miguel Hernández  cerró los  ojos y se  fue  como  llegó,
con sus  tres  heridas.

“Llegó con tres heridas: 
la del amor, 
la de la muerte, 
la de la vida.”

 

¿Te  interesa  leer  más sobre él y su poesía ?  Pásale por acá.

Originally posted 2014-12-19 08:35:27. Republished by Blog Post Promoter

Escena: Jam de Dramaturgia

Hace casi un año, un amigo me habló de algo llamado Slam de Poesía. ¿Slam? ¿De? ¿Poesía? Lo que sea que eso fuera. Se trataba de reuniones periódicas en el Centro de Cultura Digital —mejor conocido como la Estela de Luz—, y consistía en tertulias libres activas, en las que podían acercarse, escuchar y unirse quienes así lo desearan. Los que participamos como oyentes éramos muchos; los valientes que pasaban al frente y tomaban el micrófono, no tantos. Y sí, como su nombre lo dice, era poesía creada por los presentes: ellos compartían los textos que habían escrito a la luz de la luna durante alguna trasnochada, soltaban algunas líneas que se conjuntaron y simplemente sintieron que debían dejar salir, incluso rapeaban, dejando que las palabras cayeran como mejor lo desearan. Un turno tras otro. Como fuera. No había reglas.

 Mediante la interacción constante entre los presentes, se llegó a la elección de tres finalistas, quienes debieron preparar algo de último minuto para defender su nombre y hacerse acreedores del primer lugar. Una chica, dos hombres. Esa última etapa fue en aquella habitación del recinto con luces de colores. Sentados en el piso, nos dispusimos a ser “jueces” de aquellos tres performers. Jugaron con las palabras, con las ideas, con su cuerpo y con el espacio; cada uno a su manera.

 Recordé esto hace semanas, cuando me encontré con el anuncio de un evento definido en tres palabras que nunca antes había leído juntas: Jam de Dramaturgia. La cita era el miércoles 3 de septiembre en el Centro Cultural del Bosque, esto, en el marco de la Feria del Libro Teatral (FeLiT) de este año.

 Dedicado principalmente a jóvenes, el evento consistió en un espacio al estilo caja negra con sillas para los invitados y las tres protagonistas del evento sentadas en un mesabanco personal, cada una con su computadora personal con la interfaz de una hoja en blanco, un archivo nuevo de Word proyectado en las paredes, a vista de todos. Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado fueron las contendientes.

De izquierda a derecha: Eleonora Luna, Camila Villegas y Verónica Maldonado.

 La dinámica consistía en papelitos entregados al público en donde se debía escribir alguna idea que ellas adaptarían como título del texto que habría de llenar esas hojas en blanco. Se escucharon propuestas que iban desde “Teatro para niños del espacio” hasta “Ella, él y la amante de los dos”. Finalmente Eleonora trabajó bajo el título de “El Bigote”, Gabriela con “Frank, mi amigo imaginario de chocolate” y Verónica con “¿Qué te pasa, calabaza?”.

 Treinta minutos libres para que las dramaturgas trabajaran planteamientos sólidos para sus textos fueron amenizados con cerveza por parte de los organizadores del Jam, y con música de DJ Patán en cabina desde la misma habitación. Terminado el lapso de tiempo, se dio lectura a cada texto de viva voz de los presentes, para proseguir con una pausa de quince minutos más en que las artistas debían pulir lo trabajado y llegar al nudo de la trama —salpimentado con ideas que el público se acercaba a compartir personalmente con ellas— en una segunda lectura. Quince minutos más, los últimos, misma dinámica, pero ahora con la intención de culminar cada historia y dar una lectura final.

El Bigote. Frank, mi amigo imaginario de chocolate. ¿Qué te pasa, calabaza?

 Los resultados finales oscilaron entre el relato futurista en que dos niños se hacen de una BlackBerry de la “prehistoria” con la que descubren fotos de algo aforme que los hombres usaban en la cara y que, por alguna razón, lo combinaban con lentes de pasta; una historia que tomó matices bastante sugerentes —o así fue como lo calificó el moderador del evento, Alberto Castillo—, luego de que leyéramos que las partecitas del cuerpo chocolatoso de Frank eran chupadas por alguien que lo encontró escondido en la alacena; y otra narración que devino en una anécdota de una noche de halloween, deprimente aunque llena de suspenso, en la que todo resultó ser un sueño.

Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.
Lectura de uno de los textos por parte de los participantes.

 Parecemos acostumbrados a la idea de saber que esta ciudad está llena de lugares para conocer o algunos dignos de revisitas constantes; actividades cada fin de semana; eventos de sur a norte, gratuitos o no. De todo tipo: deportivos, de entretenimiento, culturales. En lo que a nosotros respecta, el giro cultural, la oferta es realmente variada. Festivales fílmicos, exposiciones, conciertos, teatro, y nunca acaba. La agenda luce siempre saturada y, dentro de esa riquísima diversidad, es refrescante encontrarse con propuestas multidisciplinarias que marquen la diferencia, como ésta. La combinación de la escritura de guiones, improvisación, trato personal con tres dramaturgas, música y cerveza es sin duda, una que sale del molde.

Jam de Dramaturgia.

 Bajo el lema “El Teatro también se lee”, la Feria del Libro Teatral (FeLiT) es un evento anual que se encarga de reunir editoriales nacionales e internacionales con el propósito de compartir y promover la experiencia las artes escénicas. Durante una semana se convierte en un territorio en el que convergen creadores, espectadores y editores, y en el que tienen lugar obras de teatro, lecturas dramatizadas, presentaciones de libros y mesas de reflexión. Ocupará las instalaciones del Centro Cultural del Bosque hasta el 7 de septiembre. Encuentra el calendario de actividades aquí.

Originally posted 2014-09-05 14:45:57. Republished by Blog Post Promoter

Animación Universal: La Tienda de los Suicidios

Continuando con el cine Belga, el cual parece caracterizarse como cine de arte puro, llegamos a una obra que considero incomprendida. El cine musical no es algo nuevo, el cine animado musical lo es quizá menos (casi toda la filmografía Disney), pero en ocasiones no se trata de que tan innovador sea un producto o que tan repetidos sean los elementos que usa, sino la forma de contar la historia que ha adoptado.

 Los amantes del director Tim Burton seguramente verán esta cinta como un gran homenaje (o un gran plagio) al estilo del artista, y no me extrañaría que se tomaran referentes del mismo para este proyecto. El título de la cinta es La Tienda de los Suicidios (La Magazin des Suicides, 2012). Se trata de una película exquisita dirigida por Patrice Leconte y que ha tenido un público muy dividido como toda obra de arte, los que la aman y los que la odian.

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 La cinta nos cuenta la historia de una familia que posee una peculiar tienda, ya que todos los artículos que ahí venden fueron creados con el único propósito de dar muerte a los clientes que los compren. Como el título lo dice, ahí se venden artículos necesarios para cometer suicidios: cuerdas, navajas, pistolas y venenos de toda clase y para toda ocasión. Irónicamente, la tienda tiene un éxito extraordinario ya que está establecida en la ciudad más deprimente del universo, donde el respeto por la vida es prácticamente nulo.

 En una jugarreta del destino, el hijo más pequeño de dicha familia resulta ser un muchacho optimista y con un inmenso amor por la vida. El niño mira con tristeza como día a día la gente termina con sus vidas así sin más y es torturado por el remordimiento de que sus padres son los proveedores de tan atroces actos. De este modo, el chico se propone enseñar a sus semejantes la belleza de la vida y lo absurdo de querer atentar contra ella, aún si en el proceso debe ir en contra de lo establecido por la sociedad, y desde luego, su padre.

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 En términos de animación es una joya, con un estilo sombrío y gris que no pierde su encanto. Se nota el trabajo artesanal en cada cuadro y es un verdadero éxtasis para los amantes de la animación tradicional. El humor negro inevitablemente nos sacará más de una risa ante situaciones donde el absurdo y el pesimismo son extremos dejándonos más que uno alternativa, aceptarlo y divertirnos con él. Pero no se dejen engañar, la película tiene un mensaje sumamente positivo e incluso yo diría que es una película obligada para aquellos que viven sumidos en la depresión.

 Aclaro que no es una película para niños, ya que los temas tratados podrían resultar fuertes para ellos. La película hace referencia desde la muerte auto inducida hasta algunos guiños sexuales, pero los adolescentes y adultos la disfrutarán en grande. También hay que tomar en cuenta que la cinta es musical y con canciones que casi siempre son tranquilas, tétricas y un poco lentas, esto pudiera ser un problema para los que no son afectos al género, pero los que gustan de los musicales encontrarán una obra de gran belleza oscura que se puede equiparar a El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, 2004) y Sweeney Todd: El Barbero Demoniaco de la Calle Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of the Fleet Street, 2007).

Originally posted 2014-07-28 09:25:21. Republished by Blog Post Promoter

Renovarse o morir: montañas rusas tradicionales se extinguen

Euforia, alegría, entusiasmo, nervios e incluso miedo. Paso a paso, las emociones crecen y se mezclan entre sí al ver cómo la fila, que antes era enorme, disminuye y sólo faltan unos cuantos minutos para dar un recorrido a varios metros de altura en lo que para algunos pasajeros resulta un terror y otros tantos consideran una maravilla. Los gritos suenan cada vez más cerca y de pronto se escucha un rugido ensordecedor, entonces se visualizan rostros con diversas expresiones, las cuales suelen ser indescriptibles; sin embargo, dichos gestos comunican una idea general: las montañas rusas son una experiencia única e imperdible.

Capaces de provocar las emociones más fuertes y de poner la adrenalina a todo lo que da, las montañas rusas han sido la atracción principal de las ferias desde su invención en el siglo XIX, cuando se construyeron los primeros juegos de este tipo. Las estructuras que reinaban los parques de diversiones de esa época eran muy simples, pues sólo contaban con una vía elevada a varios metros de altura, la cual marcaba una ruta curva con algunas caídas pronunciadas; sin embargo, estas construcciones han evolucionado con el paso del tiempo, de tal manera que en la actualidad resulta más impactante subir a una monstruosa torre de múltiples giros y pendientes que a una montaña tradicional.

Medusa dejó de petrificar a los visitantes de Six Flags México.

Hace unos días, el parque de diversiones Six Flags México despidió a una de sus principales atracciones: Medusa, montaña rusa de madera que destacaba entre los juegos preferidos de los visitantes; sin embargo, según declaraciones del gerente de relaciones públicas del recinto, Roberto Báez, al diario El Financiero, la empresa está buscando innovar y por eso decidió ceder el espacio de dicho juego a “una nueva sorpresa”, comentó.

La jubilación de Medusa se anunció apenas un par de meses después de que el parque inaugurara The Joker, atracción mecánica inspirada en la locura de uno de los principales villanos del comic Batman; por la cercanía de ambos hechos, se deduce que Six Flags se encuentra en una etapa de renovación en la cual ya no se busca que el público se reencuentre con su juego favorito o asista para conocer las montañas que se consolidaron como referentes del recinto, sino que ahora apuesta por sorprender con la construcción de estructuras aparatosas, más altas, más complicadas y basadas en conceptos, historias o personajes para hacer más espectacular su ambientación y así llamar aún más la atención de los visitantes.

 

Why so serious? The Joker ya llegó a Six Flags, una nueva montaña con una estructura retorcida e innovadora.

La renovación de los parques de diversiones es un acierto desde el punto de vista económico; también resulta emocionante para los visitantes, sobre todo para aquellos amantes de los juegos mecánicos; sin embargo, esta situación pone en peligro de extinción a las montañas rusas clásicas, construidas con madera y denominadas Woodies, de las cuales cada vez hay menos debido a que tal material no permite elaborar atracciones tan grandes ni con tantas vueltas o caídas como lo marca la nueva tendencia en este tipo de estructuras.

Claro que esto no es motivo para dramatizar, pues el cese de construcciones de juegos de madera también beneficia al medio ambiente; sin embargo, el tema se torna nostálgico, debido a que en este asunto, como en muchos otros, lo tradicional pierde terreno a manos de la rentabilidad.                                                                                                                                                     

Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico, la última Woodie de México.

En el caso de las Woodies, cabe mencionar que, según el sitio web Roller Coster Data Base (www.rcdb.com), en México sólo existían dos: Medusa y la Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico; ahora sólo queda esta última y, por tanto, cobrará importancia por ser la única representante de los juegos mecánicos tradicionales en el país; así mismo, desde la perspectiva arquitectónica, podría considerarse su estructura como una pieza digna de admiración y conservación, pues en este contexto, sería muy raro retornar a las construcciones de este estilo.

La Montaña Rusa de la Feria de Chapultepec Mágico comenzó a operar en 1964 y sus dimensiones son extremas, pues tiene una altura de 33,5 metros, una longitud de 1,219,2 metros; cabe mencionar que su caída es de 24, 4 metros, según www.rcdb.com

Renovarse o morir, es una de las leyes de la vida; sin embargo, la memoria es enorme y en ella quedará el recuerdo de la adrenalina que se disparaba en el cuerpo de quienes alguna vez dieron un paseo por la mitológica cabellera de Medusa, recreada por esta montaña de 32 metros de alto y 955,8 metros de longitud, dimensiones tan extraordinarias como las emociones que provocó durante sus 13 años de funcionamiento (2000-2013).

Originally posted 2013-08-29 16:54:39. Republished by Blog Post Promoter

Descubre #Ensayódromo Universidad

El sábado 31 de mayo, el sueño se materializó. Después de un año arduo de trabajo, Chulavista Art House A.C. junto a Tares, Taller de Arquitectura y Restauración abrieron las puertas de #Ensayódromo, la primera sala de ensayo profesionalmente acondicionada que busca apoyar a las bandas emergentes de la Ciudad de México.

Jean Loup
Jean Loup en Ensayódromo Universidad

Para celebrarlo, se contó con la presentación de bandas sobresalientes en la escena local, con el rock pop de  Lundem, el indie rock  Jean Loup y el punk de  O Tortuga. Triciclo Circos Band y sus 9 integrantes también estrenaron la sala acústicamente diseñada para no molestar a los vecinos de la unidad en la cual se encuentra ubicada.

Triciclo
Triciclo Circus Band

Ni la lluvia ni los inconvenientes que se tuvieron durante el streaming lograron que los ánimos decayeran. Tormentas fue la banda encargada de cerrar el día con su rock negro, una combinación de punk con metal que nos dejaron con ganas de seguirles la pista.

Tormentas
Tormentas contagiaron la energía con su rock negro.

Con el primer #Ensayódromo llegan muchos retos que superar. Se busca  ser la primera sala de ensayo con streaming permanente que permita grabar los ensayos de las bandas, así como desarrollar sesiones con bandas nacionales e internacionales que apoyen la difusión de las nuevas propuestas de todos los géneros- Y no solo eso, Chulavista Art House La Revista realizará entrevistas de los sonidos que lleguen al Ensayódromo, para difundirlo con ayuda de nuestros amigos de Joyride Magazine México, Distrito Global, Revista Infame, entre otros.

O Tortuga
O Tortuga

Recuerda que el movimiento #Ensayódromo busca generar más de estos espacios. El rock es un deporte, es cultura y es una forma de trasformar y atacar los problemas a los que se enfrenta la población juvenil de nuestro contexto. Por ello agradecemos la valiosa participación del Consejo Internacional de Derechos Humanos para que este programa se extienda y pueda beneficiar a la sociedad mexicana.

Por esto y más, no te pierdas las sesiones que tendremos para ti en el nuevo canal de You Tube exclusivo para Ensayódromo así como las actividades que Chulavista Art House A.C. llevará acabo para seguir apoyando a las bandas emergentes.

Y lo más importante, a partir del 9 de junio podrás disfrutar de la experiencia #Ensayódromo Universidad. Este se encuentra en Conjunto Habitacional Copilco Universidad FOVISSSTE en Av. Eje 10 no 178, Torre 20 Local 4.

Puedes empezar a reservar al 36039228 en un horario de 9:00 am a 6:00 pm.

Las sorpresas siguen, no te las pierdas.

Fotos por Viko Zárate.

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